El actor Stuart Townsend ha elegido un tema espinoso para su ópera prima: las manifestaciones que tuvieron lugar en Seattle en 1999 durante la cumbre organizada por la Organización Mundial del Comercio. Para ello, además de contar con su preciosa mujer (la excelente actriz Charlize Theron), ha obtenido el apoyo de un montón de caras conocidas que se pasean por el film. Además, ha sabido guardarse muy bien las espaldas, proclamando al principio de la película que los personajes vistos en ella son todos ficticios. De esta forma, nadie podrá acusar a Townsend de tergiversar los hechos. Una multitudinaria rebelión por parte de ciudadanos en contra de la OMC es el contexto que el director realiza para su ataque contra el sistema. Todo ellos a través de las historias inventadas de hombre y mujeres, unidos y enfrentados a la causa. Película coral.

Creo que en ese aspecto Townsend sale triunfante con la operación, aunque mucho me temo que su película ha pasado más desapercibida que otra cosa. A pesar de las estrellas reunidas en ella, el film está teniendo una distribución mundial más bien lamentable. Uno hasta podría pensar mal, pues el film arremete directamente contra la OCM y sus dudosas operaciones. Townsend demuestra inteligencia al convencer de pleno a cualquiera de ponerse en contra de tan poderosa organización. Y he aquí uno de los puntos más polémicos para un servidor.

El autor se pone claramente en contra de la OCM, levantando probablemente levantando ampollas entre todos los simpatizantes. Reconozco que me resulta muy difícil unir ideologías de cualquier tipo con algo tan maravilloso como es el Séptimo Arte. Por contra, todo lo que un artista realiza plasma en cierta medida su forma de ver la vida, su manera de entregarse a lo que sucede a su alrededor. Es el arte una forma de transmitir actitudes y pensamientos, opiniones y sentencias. Sin embargo, creo que, lejos de resultar polémico, tengan que mezclarse ambas cosas a la hora de enjuiciar una película. Si acaso que quede en un plano secundario, esto podrá ser válido para muchos o no, pero antes procuro enfrentarme a cualquier film sin pensar si lo que me cuenta coincide o no con mi forma de ver las cosas. Prefiero disfrutar de una buena interpretación, un buen guión, una buena dirección, unos buenos efectos visuales, una buena fotografía o una buena historia, antes que fijarme en sus connotaciones políticas, sean lícitas o no. Aunque tendría que decir resaltarlas. Por supuesto hay casos y casos, no es lo mismo ver un film de Olvier Stone que la ópera prima que hoy nos ocupa. Y cito a Stone por su acertada mirada sobre temas candentes, con el cual Townsend tiene algún punto en común. Salvando las distancias, por supuesto.

También está el público, entre el cual no todos han disfrutado de la misma educación y cultura. Cada cual es muy libre de rechazar ‘Battalla en Seattle’ por considerar que arremete contra una organización a la que considera un ejemplo a seguir. Aquí el que esto suscribe, independientemente de si estoy en contra o no de lo que hace la OCM (algo que daría para otro tipo de debate no cinematográfico), procuro mirar hacia la película centrándome en sus valores artísticos en caso de que los tenga. Si además, el film coincide con mi ideología o comparte al menos algunas de mis inquietudes como ser humano, pues mejor que mejor. Curiosamente ‘Batalla en Seattle’ sale victoriosa a la hora de ser honesta con unos hechos que fueron noticia en todas partes de nuestro querido planeta. Con un uso ejemplar del montaje, en el que se mezclan escenas filmadas con otras de archivo, se muestra toda una batalla campal entre la policía de Seattle y los ciudadanos, que pudo haber terminado mucho peor de lo que lo hizo. Va directa al grano en sus ajustada hora y media, con un buen ritmo, y las ideas muy claras. ¿Pero es ‘Batalla en Seattle’ un film tan necesario como aparenta hacernos creer? ¿Se puede colocar a la misma altura que ‘Domigo sangriento’ de Paul Greengrass, con la que se le ha comparado insistentemente? Townsend lo deja en manos del espectador, el cual podrá aceptar o rechazar la propuesta. Precisamente por eso, me parece honesta, aunque con reservas.

Y las reservas vienen de la parte en la que Townsend intenta hacer drama humano. Los distintos personajes implicados en el drama social, ya sea directamente o indirectamente, parecen esquemas en manos del director. Tópicos hasta decir basta, y sin profundizar más de la cuenta en ellos, nos quedan lejanos en medio de la confusión. Sólo los actores, y ya es bastante, dan todo de sí a pesar de lo poco matizados de sus roles. Charlize Theron demuestra de nuevo que es mucho más que una de las actrices más bellas de la historia. Tal vez su personaje caiga en más de un aspecto en lo previsible, pero la Theron está impecable. Woody Harrelson, como su marido, y en el bando de los policías (lo cual plantea una interesante situación), no le hace sombra. Ray Liotta destaca en uno de esos tipos que sólo deben existir en el cine: un alcalde íntegro y honrado. Jennifer Carpenter parece que realiza siempre el mismo papel, aunque dé el tipo para ello. Michelle Rodriguez en su línea, dura y macarra como siempre. Martin Henderson hace lo justo con un personaje un tanto confuso. Y Connie Nielsen representa el sector de la información, una reportera que estando en la calle ve el drama en primera persona, y no duda un instante en alzar la voz. Por cierto, o es cosa mía, o a esta imponente mujer le empiezan a pesar los años.

A todos y cada uno de ellos se les nota entregados en un material en el que, al igual que Townsend, parecen encontrarse muy cómodos. Y uno disfruta de tanta entrega, aunque todo nos quede distante, e incluso algo frío. Una buena película, que fracasa parcialmente al no encontrar el equilibrio justo entre drama social y drama humano, pero que nos descubre a un nuevo realizador a tener en cuenta. Habrá que seguir con interés sus próximos trabajos detrás de las cámaras, siempre y cuando no sufran lo que ‘Batalla en Seattle’ ha sufrido: una ignorancia total y absoluta por parte de las distribuidoras.

El mundo del espionaje en el cine ha sido retratado principalmente de dos formas; una con la vertiente espectacular al estilo de James Bond y las cien mil imitaciones que le salieron a tan famoso personaje; y otra la totalmente contraria, la realista, con mucho menos glamour. No hace falta mencionar títulos enmarcados en el primer grupo; en el segundo podemos encontrarnos con muestras tan inolvidables como ‘El espía que surgió del frío’ o esta ‘El hombre de Mackintosh’, films que respiran atmósferas como las retratadas en las novelas de John Le Carré o Graham Greene, por poner dos ejemplos.

Es John Huston, probablemente el director que mejor retrató a los perdedores, el responsable del film, contando con Paul Newman como la principal estrella, justo un años después de dirigirle en ‘El juez de la horca’, western que repasaba la leyenda del juez Roy Bean desde un tono claramente decadente y crepuscular. Una pizca de ambos elementos hay en ‘El hombre de Mackintosh’.

La película narra el intento por parte de la Inteligencia Británica para descubrir a un traidor entre los suyos. Para ello se elaborará un minucioso plan, en el que Jospeh Rearden, un conocido y experimentado agente se hará pasar por quien no es, un ladrón de joyas, que será encarcelado para poder infiltrarse en un peligroso grupo y desenmascarar al traidor. Un guión de un primerizo Walter Hill, que adaptaba la novela de Desmond Bagley y ya tenía sus primeros escarceos con la violencia.

‘El hombre de Mackintosh’ es en su campo actoral una reunión de talentos provenientes de distintos lugares. Para empezar Paul Newman es norteamericano, y la experiencia con Huston en ‘El juez de la horca’ debió ser tan gratificante que no debió pensárselo dos veces antes de volver a trabajar con él. Lo que consigue Newman es absolutamente deslumbrante; siendo un millón de veces más guapo que Sean Connery, Roger Moore y Pierce Brosnan juntos, logra parecer una persona completamente normal que pasa desapercibida, un espía sin el estilo ni la clase de los mencionados. Es su Joseph Rearden un hombre callado, concentrado en su trabajo, con efímeros momentos para el relax (ambos evidentemente con una mujer, y nada de supercuerpazos como en los films de 007); de pasado secreto y lleno de misterio, el personaje encuentra en un actor de la talla de Newman el transmisor perfecto para su esencia. James Mason, de origen inglés, con una presencia impresionante, realiza una concisa y estimulante interpretación de su personaje, el frío, calculador y poco fiable George Wheeler. Como componente femenino, la muy europea Dominique Sanda, de origen francés, que lejos de tener sensualidad y belleza, logra transmitir cierto atractivo, aunque considero que es uno de los puntos más flojos del film. A pesar del vital peso del personaje, sin el cual la película no tendría demasiado sentido, la actriz no está a la altura de las circunstancias, resultando demasiado fría e inexpresiva para ello.

Todos ellos impecablemente filmados por un Huston en una de las mejores épocas creativas de su carrera, la década de los 70, en la que también podemos encontrar la que para el que esto firma es su mejor película, ‘El hombre que pudo reinar’, o el devastador relato ‘Fat City’. El director no mima a sus personajes como otros lo harían, los aleja de convencionalismos y concesiones, filma la dureza de ser espía, un trabajo poco conocido y con multitud de riesgos, evidentemente. Y a través de su cámara, Huston nos muestra ese desconocido mundo como algo no agradable, demasiado sucio, y casi sin importancia. Los espías de ‘El hombre de Mackintosh’ no recibirán ningún tipo de condecoración o reconocimiento, eligieron ser lo que son, personas normales y corrientes como todas los demás, pero que por culpa de su trabajo, están condenados al olvido más inmediato.

En el momento de su estreno tuvo muchos problemas ya que por su ambiguo final, de una fuerza sorprendente por su sequedad y por reunir en un mínimo instante toda una serie de sentimientos encontrados, la película fue tildada de reaccionaria, encendiendo algunas conciencias que no sabían ni de lo que hablaban (algo que suele pasar cuando aparece una película con un mínimo de polémica). Vista hoy día, uno puede comprobar que las voces que se levantaron en su contra emitieron vocablos de más. Analizando su desenlace podemos llegar a entender absolutamente todas las decisiones y motivaciones que cada uno de los distintos personajes toma. Sólo uno de ellos es el que lleva la voz cantante por encima de los demás. Y lo hace en una conclusión lógica aunque totalmente inesperada, que para nada significa que el film sea de ideología reaccionaria. Ante el dolor personal por la pérdida de un ser querido en horribles circunstancias, no caben excusas de tipo político. Huston no justifica la muerte final, simplemente expresa el dolor de un ser humano, que le lleva a cometer una estupidez, abandonando el lugar para perderse en la noche que siempre envolvió a la gente que nadie conoce. Y es el espectador quien juzga sus acciones, mientras asume el espléndido trabajo mostrado por Huston, de una amarga y triste melancolía, como siempre.

‘Iron Man 2’ es ya una realidad gracias al inesperado y espectacular éxito a todos los niveles de su predecesora (que con el paso de los años pasará a formar parte de los films más sobrevalorados de los últimos tiempos, y con esto no estoy diciendo que sea malo, como bien dije en mi crítica). Ahora, con el anuncio de su inminente rodaje, empiezan a salir noticias sobre su reparto, y la primera es que Terrence Howard no estará repitiendo personaje, al parecer por ciertas discrepancias con el sueldo a convenir, y otras de diversa índole que no han trascendido (eufemismo que indica que no existen otras razones más que las del dinero).

El actor que podría sustituirle, y todo indica que así será, es Don Cheadle, a quien recordaréis por haber formado parte de la banda de ladrones más carismática de los últimos años, o por películas tan dispares como ‘Traffic’, ‘Operación Swordfish’ u ‘Hotel Ruanda’. Ahora podría ponerse en la piel del mejor amigo de Tony Stark, a quien por cierto volverá a interpretar el único que puede darle vida, el excelente Robert Downey Jr., quien se pondrá de nuevo a las órdenes de Jon Favreau, que adaptará el libreto que está escribiendo en estos momentos Justin Theroux. Este actor podría ponerse de moda como guionista gracias a sus trabajos por este film o la reciente ‘Tropic Thunder’.

Vía | Comingsoon

Se trata de un descanso del rodaje de ‘Prince of Persia: Sands of Time’, adaptación cinematográfica del famoso videojuego que rompe la cabeza a multitud de aficionados, y que promete romper las taquillas de todo el mundo cuando se estrene allá por el 28 de Mayo del 2010. Mike Newell, supongo que con su impersonal estilo, dirige el evento, y produce el temible en más de un aspecto, Jerry Bruckheimer, un tipo muy listo que sabe llenarse los bolsillos de dinero, su único y verdadero talento. El film está protagonizado principalmente por Jake Gyllenhaal, Ben Kingsley y Alfred Molina.

Kingsley está tomándose un respiro de lo que debe ser un agotador rodaje, y posa para la cámara con mucho sentido del humor. Este actor a veces da verdadero miedo, porque unas veces podemos verle metido en obras maestras como ‘La lista de Schindler’ o ‘Casa de arena y niebla’, desgarrándonos el corazón con sus portentosas interpretaciones. Pero otras veces, debe tener malos días o simplemente un agente que le odia, y se mete en cosas como ‘La última legión’ o ‘BloodRayne’. Todos sabemos que hay que ganarse el pan como mejor se pueda, pero ¿realmente necesita un actor de su categoría meterse en semejantes fregados? Ésa es una de las razones por las que le tengo un miedo atroz a ‘Prince of Persia: Sands of Time’.

Vía | Comingsoon

Que Robert De Niro y Al Pacino han formado parte de alguna de las mejores películas de los últimos 30 ó 40 años es algo innegable. Juntos en el mismo film han dejado dos de las mejores muestras de la década de los 70 y de los 90, ‘El padrino, parte II’ y ‘Heat’, obras monumentales y capitales en el desarrollo del cine norteamericano. Sin embargo, su tercera reunión ante las cámaras no consiguió despertar demasiado interés entre el público, porque las carreras de ambos actores han caído en un adocenamiento a cualquier nivel.

Si a eso sumamos que el realizador es el impersonal Jon Avnet, cuya carrera empezó dando alguna maravilla como ‘Tomates verdes fritos’ o ‘The War’, pero después fue incapaz de alcanzar el nivel de ambos films llegando a convertirse en un director totalmente distinto, pues la cosa no pintaba nada bien. Su anterior film, ‘88 minutos’, es una prueba irrefutable que vale para corroborar lo dicho sobre él, y también sobre Pacino. Con esto, no me extraña que todos tuviéramos miedo de ‘Asesinato justo’.

La película narra la investigación de una serie de asesinatos por parte de dos policías veteranos cuya fe en la ley no es muy alentadora. Una premisa vista multitud de veces con anterioridad, sobre todo en el típico telefilm de sobremesa, y es precisamente esto lo que por momentos parece la película de Avnet. Un telefilm lujoso cuyo principal interés reside en la presencia de Robert De Niro y Al Pacino, metidos en la piel de los dos policías, esforzándose por darles algo más de entidad de la que desprenden a través del guión, lleno de lugares comunes y giros forzados. ‘Asesinato justo’ es una de esas películas que constan del típico final sorpresa, tan manido y estropeado a lo largo de la historia, que en este caso no resulta tanta sorpresa, por no poseer el guión las herramientas necesarias como para captar la atención del espectador y éste se sorprenda cuando el mencionado momento llega. Es el caso del film bastante facilón, por así decirlo, con alguna que otra trampa bien visible para intentar despistar al público, demasiado experimentado en estos terrenos, y que por supuesto no se deja engañar por tal artimaña. A esto contribuye una innecesaria estructura a base de un largo flashback, a partir de una supuesta confesión ante una cámara de vídeo de uno de los personajes. Demasiado evidente el truco.

Con todo, Avnet logra no caer en el fango como en su anterior film, y al menos consigue una película entretenida, entre otras cosas por poseer un buen ritmo e ir directa al grano sin alargamientos gratuitos e innecesarios. Una puesta en escena de cierta sobriedad y clasicismo, aunque no pueda renunciar al mencionado estilo televisivo, sobre todo en el abuso de planos cercanos. Existe la sensación de que la acción avance aunque sea mínimamente, y si el espectador se siente decepcionado por la contra no se siente insultado o menospreciado. Eso es por lo menos lo que un servidor experimentó durante el visionado de ‘Asesinato justo’, film que debió caer en manos de otro director que nos hiciese recuperar la emoción que suponía ver a sus principales actores protagonizando una película, dirigiéndolos como antaño eran dirigidos y contaban con algo más que su presencia, ésa que les ha permitido llegar al punto en el que tanto De Niro como Pacino están: viviendo de rentas, de la memoria colectiva de un público que aún los admira por sus trabajos pasados. Y eso que no llegan a los niveles vergonzosos de algunas de sus últimas películas. Los personajes llegan a caer bien, y la filosofía que desprende alguno de ellos es de las que hacen entrar en debates al espectador, recorriendo algún punto espinoso. Nunca se llega a profundizar de verdad, como en el tratamiento de la justicia a espaldas de una ley lenta e ineficaz. Esto hace que ‘Asesinato justo’ pueda emparejarse con films como ‘Harry el fuerte’ o ‘Los jueces de la ley’, que en cierto modo hablan de lo mismo.

Los secundarios parece que estén de adorno, entre otras cosas porque los personajes no tienen tanto juego como los principales. Carla Gugino parece estar simplemente para ser el desahogo sexual del personaje de De Niro, por mucho que aparezca por los lugares del crimen haciendo investigaciones y poniendo cara de interesante. 50 Cent pone la nota de color, el típico traficante negro al que nunca han podido pillar por falta de pruebas. John Legizamo y Donnie Wahlberg han sido puestos para crear la típica discordancia. Y Brian Dennehy, en un papel que en un principio se rumoreó que haría Martin Scorsese, es el único que parece estar totalmente entregado, dando vida al jefe de ambos policías, también acariciado sin más en el guión, pero que gracias al buen hacer de Dennehy queremos verlo más en pantalla.

‘Asesinato justo’ puede pasar como un entretenimiento justo, una de esas películas que decepcionan por desprender la sensación de que podían haber estado muchísimo mejor, pero que no molesta tanto como otras muestras del género. Eso sí, demuestra que cualquier tiempo pasado fue mejor, al menos en la vida cinematográfica de dos estrellas que se están apagando irremediablemente.

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Así están las cosas en el mundo de la taquilla estadounidense. El chihuahua ese que se hizo con el puesto más alto del top ten, sigue en él a pesar de las desastrosas críticas y de que el público, según Imdb, la está poniendo a parir. Que una película de estas características sea un éxito de taquilla no coge a nadie por sorpresa, pero que en su segunda semana sea capaz de aguantar el tipo por encima de films muy esperados, es algo hasta cierto punto sorprendente e incluso preocupante.

‘Cuarentena’ es el remake americano de la estupenda ’[Rec]’, y al parecer no se han cortado un pelo en hacerlo casi plano por plano, con alguna que otra variación, supongo, aunque me imagino que de tipo argumental. Jennifer Carpenter promete ponernos de los nervios casi más que Manuela Velasco. La crítica no ha quedado muy entusiasmada y el público poco más. Aquí la veremos el 7 de Noviembre.

‘Red de mentiras’ es la reunión fílmica de Leonardo DiCaprio y Russell Crowe de la mano de Ridley Scott, cuyos resultados en taquilla son menores a lo esperado. La crítica no se muestra demasiado apasionada, aunque el público sí (supongo que ambos actores tendrán mucho que ver). Aquí nos llega el próximo mes.

‘The Express’ es el nuevo trabajo del en otros tiempos prometedor Gary Fleder. Un film que versa sobre el primer jugador negro que ganó el premio Heisman en ligas universitarias. Con Dennis Quaid en su reparto ya es suficiente razón para verla, aunque por aquí no haya aún fecha de estreno.

‘City of Ember’ es una película de fantasía que versa sobre una ciudad subterránea cuya fuente de iluminación se está agotando. Dirige el responsable de la maja ‘Monster House’. La crítica sigue sin entusiasmarse y el público un poco más. O sea, la misma tónica en todas las películas.

Vía | Box Office Mojo

‘Reflejos’ fue el segundo remake que se estrenó entre nosotros hace algo más de una semana, tratándose esta vez de la versión norteamericana del film coreano ‘El otro lado del espejo’, cuya premisa argumental es realmente original y hasta cierto punto sorprendente. Que un material como el expuesto en dicho film quedara simplemente acariciado por su autor, desaprovechando casi por completo sus enormes posibilidades, dejaba una oportunidad de oro a un director tan interesante como Alexandre Aja para que aportara su peculiar estilo. El realizador de origen francés ya nos regaló dos muestras de terror que causaron cierto impacto, por un lado la tomadura de pelo ‘Alta tensión’, y el más que aceptable remake ‘Las colinas tienen ojos’, que superaba con creces el original de Wes Craven.

‘Reflejos’ era una buena ocasión para que Aja diese rienda suelta a todo su potencial. El problema surge cuando como protagonista cuenta con un actor incapaz de quitarse de encima su imagen de héroe televisivo (‘24’), y querer añadir elementos innecesarios a la historia, por no hablar del enorme exceso de truculencias gratuitas. Y es que la película se debate entre sugerir, y subrayo lo de sugerir, alguna idea atractiva, y mostrar demasiado, perdiéndose en un guión sin sentido que se va más por las ramas que otra cosa.

‘Reflejos’ narra la historia de un ex-policía, trastornado por haber matado a un compañero suyo hace tiempo, que acepta un trabajo de vigilante nocturno para ir recomponiendo su vida, en la que por supuesto no faltan ni una mujer ni dos hijos (detalles éstos que no aparecían en el film original, que como no es norteamericano no necesitaba ir dando concesiones al espectador). Muy pronto en el lugar en el que trabaja empezará a ser testigo de cosas extrañas que no son de este mundo, de cosas provenientes del otro lado de los espejos, los cuales parecen guardar algo más que el reflejo que se ven en ellos. El mal en puro estado parece estar dentro de ellos.

Todo aquel que sea seguidor de la trepidante ‘24’ puede tener la sensación de que está viendo una especie de variante de la misma. Es como si Jack Bauer se hubiera tomado un descanso, y así ha sido entre las temporadas sexta y séptima, y hubiera experimentado un cuento de terror sobrenatural en sus vacaciones como agente del gobierno. Ben Carson no es más que un sosias de Bauer, algo más controlado y cercano al espectador (está realmente obsesionado por haber matado a un ser humano, a diferencia de que Bauer no hubiera ni pestañeado por ello), pero con los mismos ataques de furia, la misma pose, la misma cara de preocupado, y su misma obstinación por resolver el caso, aquí el intento de librarse de las fuerzas del mal. Con esto no quiero decir que Kiefer Sutherland, que ya probó suerte en el género de terror hace años con las estupendas ‘Jóvenes ocultos’ o Línea mortal’, ésta última uno de los modelos a seguir por Aja en su trabajo, esté mal en su papel; el actor tiene el carisma suficiente como para resultar del agrado del público, aunque sus registros dramáticos sean menos de los que nos quiere hacer creer. Y al igual que en la mencionada serie televisiva, Sutherland es la estrella de la función, y parece querer chupar todo plano posible. A su lado, nada tiene que hacer actrices como Paula Patton, de increíble parecido físico con Halle Berry, o Amy Smart. La primera protagoniza un insípido y alargado de más, momento de madre coraje tan de moda en el cine, que nada aporta al film. La segunda protagoniza el que sin duda es el instante más impactante de la película, el de la mandíbula. Y no necesito decir más, para no desvelar nada. Un momento muy acertado ése en el que Aja muestra su exquisito gusto por lo gore, no resultando injustificado: lo desconocido está al otro lado del espejo, nuestra propia imagen nos obliga a hacer cosas inimaginables de consecuencias irreversibles y mortales, y puede suceder en un momento tan apacible como el de tomarse un relajador baño. La escena muestra sin prejuicios todos nuestros terrores internos y los representa físicamente de una forma que nunca podremos olvidar.

El resto de la película es fácilmente olvidable, aún teniendo en cuenta los esfuerzos de Aja por crear ese ambiente malsano que le ha caracterizado desde su primer film y que aún hoy es lo mejor de su estilo. Pero en esta ocasión, el guión da demasiados tumbos de un lado a otro creando confusión al otro lado de la pantalla, donde tenemos la sensación de asistir a un producto vacuo y sin sentido. Su tramo final es buena muestra de ello, un completo festín de efectos visuales protagonizados por una monja con aspiraciones a ninja, y que termina de redondear todo el caos argumental de la cinta, que recoge lo mejor del film original, pero lejos de darle una explicación coherente se pierde en sus propias pretensiones y aspiraciones. No hay ni la más mínima coherencia en la propuesta de Aja, y hasta estropea el sorprendente final de su predecesora, convirtiéndolo aquí en un giro casi disparatado, en el que encima se comete cierta incongruencia formal que estropea el momento.

‘Reflejos’ podía haber sido un film fundamental en el género de terror moderno, si es que tal acepción existe, y se queda en muy poca cosa. Aja empieza a estar encasillado como director de remakes, aunque en alguna que otra entrevista asegure mil y unas veces que no. Su próximo film será ‘Piranha 3-D’, nueva versión del clásico de Joe Dante. De momento Aja ha salido triunfante con su primer reflejo (permitidme el chiste fácil) de otro film, y ha fracasado en el segundo, decepcionante en sumo grado, aunque para aquellos que esperáis como agua de Mayo la nueva temporada de las brutales aventuras de Jack Bauer (y que prometen sorpresas de alto voltaje) os la podéis tomar como un aperitivo, eso sí, muy flojo.

El primer episodio de la serie ‘Extras’ puede considerarse como una especie de prolegómeno de esta ‘Tropic Thunder’. En él Ben Stiller se interpreta a sí mismo, y se ríe de absolutamente todo lo que tenga que ver con el Hollywood de hoy día, poniéndose a sí mismo como el centro de la diana a la cual dispara sus certeros dardos. Stiller, que no es tonto, sabe muy bien como se cuecen las habas en el mundillo cinematográfico. Como actor casi siempre ha protagonizado películas del agrado del público en general, y de las productoras en particular, las cuales están únicamente preocupadas por obtener unos buenos resultados taquilleros en el primer fin de semana.

No se diferencia mucho el Stiller actor del Stiller director. Ambos parecen estar siempre metidos en un tipo de películas muy parecidas. Tras su debut con el intento de cine serio, ‘Reality Bites’, de la que únicamente voy a salvar a don Matt Dillon, rompió las taquillas con un vehículo para el lucimiento de un actor con el que guarda más de un parecido artístico, Jim Carrey, la espantosa ‘Un loco a domicilio’, un despropósito falto de gracia e intenciones. Poco mejoraron las cosas con ‘Zoolander’, aunque por lo menos logró dejar algún que otro momento gracioso de verdad. Con ‘Tropic Thunder’ ha dado de lleno en el clavo, contando verdades como puños, riéndose de ellas con suma inteligencia.

Cuenta ‘Tropic Thunder’ la historia de unos actores con el ego más grande jamás conocido, que resultan ser los protagonistas del film bélico más caro que se ha filmado nunca. Problemas de motivación entre las estrellas hacen que el rodaje se retrase más de lo necesario, provocando el lógico enfado de los productores. Como el director de la película no está dispuesto a tirara la toalla, decide utilizar métodos extremos para “animar” a sus actores, a los cuales deja a su suerte en un remoto lugar de una selva asiática, procurando filmar todos sus movimientos para que haya más realismo en el film. Pero el pequeño grupo se encuentra con guerrilleros de verdad y se ven inmersos en una terrorífica realidad de la que tendrán que salir siendo soldados de verdad.

La cantidad de referencias que hay al cine bélico es innumerable, y por supuesto, Stiller parodia todo lo habido y por haber, desde homenajes clarísimos como el de ‘Platoon’, hasta algo más disimulados, como ‘Apocalypse Now’ o ‘El cazador’. Pero no son homenajes sin más por tratarse ‘Tropic Thunder’ de un film bélico, sino que están metidos muy bien dentro de una historia mejor hilvanada de lo previsto, con un guión sólido que no deja títere con cabeza, y nos descubre a un Stiller realizador muy a gusto con su material, sin cargar las tintas como en sus anteriores films. Es el cine y los vividores que lo pululan el objetivo de Stiller, llegando a criticar muy ácidamente a todo aquel que se le ponga por delante. Actores preocupados únicamente por ganar un Oscar, actores metidos en el papel hasta límites insospechados, músicos que se meten a actores, los vicios de las estrellas, managers leales hasta la médula, productores desalmados hasta extremos impensables, los Festivales, el mal gusto de las actuales comedias de Hollywood, los espectadores, y un largo etcétera es todo contra lo que arremete Stiller sin la más mínima piedad.

El humor de ‘Tropic Thunder’ es totalmente desmelenado, pero al mismo tiempo encuentra un equilibrio perfecto entre la parodia y la crítica más sagaz a todo un modo de vida que Stiller conoce de primera mano, por su condición de estrella. Así tenemos un producto protagonizado por personajes llevados al límite de lo exagerado, inmersos en situaciones muy bien planteadas, con diálogos vivos y muy divertidos. Además, el director logra algo que a priori podría resultar difícil de creer, y es controlar a sus actores, y que ninguno se desborde por así decirlo. Todos están excelentes, incluido el propio Stiller, que alcanza su apogeo en su momento de locura, pero quizá quienes brillan con luz propia son unos inmensos Robert Downey Jr., felizmente recuperado para el cine y con este film vuelve a demostrarlo, y un más que sorprendente Tom Cruise, al que es una gozada verlo metido en el juego, riéndose de sí mismo como el que más. Atención a los diálogos del primero sobre como ganar un Oscar, o a los numeritos de baile del segundo celebrando sus éxitos como productor. Sencillamente impagables, y una nominación para ambos no sería nada exagerado.

‘Tropic Thunder’ es irreverente, y al mismo tiempo, sincera. No es un film con maniqueos ni que se ríe de las cosas por reírse sin más. Sus primeros cinco minutos, una especie de remix con trailers de películas ficticias, dejan bien claras sus intenciones: aquí no se va a salvar ni el apuntador. El milagro es que Stiller haya sido capaz de ir más allá de la comedia en sí, logrando efectuar un dinámico juego entre realidad y ficción en el que ambos se miran de frente, e incluso llegan a tocarse entremezclándose en un ejercicio de cinefilia puro y duro. No amontona gags uno tras otro hasta perder la gracia, pero está llena de instantes delirantes y divertidisímos, más un montón de detalles visuales y de guión que en un primer visionado no alcanzan a descubrirse todos ante nosotros. Tal vez en su parte final, el film esté un poco apresurado, pero esto no estropea la calidad de la que probablemente es la mejor comedia vista en años en una pantalla de cine. Ben Stiller se marca un gran tanto, siendo capaz de ir acorde con los tiempos actuales, y al mismo tiempo burlarse de ellos con estilo.

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Somos bastantes los que esperamos como agua de Mayo el nuevo trabajo de Kathryn Bigelow, directora que nos dejó maravillas como ‘Los viajeros de la noche’, ‘Días extraños’ o ‘Le llaman Bodhi’. Ahora tras unos cuantos años sin dirigir cine, después del descalabro a todos los niveles que supuso ‘K-19. The Windowmaker’ (y eso que a un servidor no le parece una película tan mala como se intentó hacer creer). Ahora vuelve con un film de acción, en el más puro y estricto sentido de la palabra, ‘The Hurt Locker’, que algunos ya se han apresurado a comparar con ‘Aliens’ de James Cameron, pero ambientado en Irak. Si tenemos en cuenta que la Bigelow estuvo casada con el señor Cameron, y que algo se le habrá pegado, a lo mejor la comparación no es tan descabellada.

Desde luego, el póster es impresionante y muy efectivo. Nada de las caras de los actores, que es lo habitual en este tipo de productos (más bien en todos). El film que versa sobre una unidad de artilleros en la Guerra de Irak, está protagonizado por Jeremy Renner, Ralph Fiennes, Guy Pearce y David Morse, entre otros. ‘The Hurt Locker’ ha obtenido muy buena recepción crítica en la última edición del Festival de Venecia, el único sitio donde se ha proyectado. Aún se desconocen las fechas de estreno, tanto aquí como en los USA. Apañados vamos.

Vía | Las Horas Perdidas

No me imagino la polémica que debió surgir en los estados del sur de los USA cuando se estrenó a principios de los años 60 ‘The Intruder’, film de Roger Corman que se introducía sobre el sentimiento racista que llevaba (y aún lleva, para que vamos a engañarnos) contaminando gran parte de una de las naciones más poderosas sobre la faz de la tierra, presumida ella solita de haber evolucionado como nadie. Al tratarse de un film de serie B, como el 99% de lo dirigido por Corman, es de suponer que su distribución fue más bien limitada. Aún hoy día, es una película poco conocida, pero para que os hagáis una idea, todos aquellos que hayáis visionado ‘Arde Mississippi’ de Alan Parker, sabréis más o menos por donde van los tiros.

No es cuestión ahora mismo de comparar los dos films por muchos puntos en contacto que ambos tengan, ya que les separan más de 25 años y los vientos políticos son bien distintos. Parker además desarrolló una intriga criminal que daba paso a una especie de alegato antirracista; Corman entra de lleno en esa cuestión, y a pesar de que el tiempo ha hecho un poco de mella sobre el film, llega a revolver el estómago en más de una ocasión.

Un misterioso y extrañamente amable hombre llega a una pequeña comunidad en algún lugar del Sur de los Estados Unidos. Interesándose por la reciente ley de integración racial, y de cómo ésta influye o no en los habitantes del pueblo, creará una peligrosa discordia entre aquellos que la aceptan y los que no, que por supuesto es la mayoría del pueblo. Y como en toda discordia, la violencia enseguida hará acto de presencia.

Es ‘The Intruder’ (excepcional título que en nuestro idioma viene a significar El intruso) una película pequeña de grandes pretensiones. Se sitúa en un pequeño pueblo, de pocos habitantes, llegando a conseguir hacer un retrato de prácticamente todo el mundo, con matices incluidos, teniendo como denominador común un racismo realmente odioso (¿qué racismo no lo es?) que poco a poco se va despertando en cada uno de los personajes de forma muy distinta. Un sentimiento que no nace porque siempre ha estado ahí, subyacente, dentro de gentes ignorantes y pocas luces, cuya corta visión de la vida se reduce a su pequeño pueblo y a la primitiva educación que aún siguen practicando. Corman va incrementando la latente tensión que se produce de su premisa: la introducción de un elemento extraño en una comunidad que ya había aceptado la ley. Sirva como ejemplo la impresionante secuencia de un discurso a medianoche, o como los integrantes de algunas familias empiezan a discutir sobre los derechos de los negros.

‘The Intruder’ no sería lo mismo sin la entregada interpretación de William Shatner, actor más bien mediocre que aquí realiza el que es sin duda uno de sus mejores trabajos. Es su Adam Cramer un personaje desalmado, al que no le importa hacer y decir lo que sea con tal de salirse con la suya, un instigador que no se moja las manos, induciendo a los demás a actuar por él, siendo éste uno de los aspectos más inspirados del guión y que hace que odiemos al personaje con todo nuestro corazón. El resto del reparto está a la altura de las circunstancias con un desfile de secundarios, casi todos actores desconocidos, que visten un pueblo en el que no falta de nada: la chica tonta e influenciable, el padre protector que sabe mejor que nadie qué ocurre realmente, el ricachón del pueblo que debido a su dinero lo controla absolutamente todo, el vividor que encierra más de lo que su apariencia da a suponer, la histérica alborotadora, etc. Una jauría de seres humanos perfectamente expuesta por Corman, a los que reúne brillantemente en la parte final del film, cuando todas las cartas han sido descubiertas, y la película parece una bomba de relojería a punto de estallar. Y es en este tramo donde la misma no cumple con las expectativas, cayendo Corman en algo tal vez demasiado típico, que aunque bien explicado, hace perder puntos a una película que parece no atreverse a llegar hasta las últimas consecuencias de la terrible situación planteada en el último tercio. Incluso el personaje central muestra alguna contradicción al sorprenderse de hasta donde pueden llegar las consecuencias de sus palabras.

Pero es de ‘The Intruder’ un film incómodo de ver, asfixiante, con una atmósfera cargante muy bien lograda gracias a un trabajo de fotografía soberbio. Una de esas películas que remueven conciencias y que son necesarias en más de una ocasión. Si tenéis interés en verla la encontraréis editada en dvd al otro lado del charco en una excelente edición.

El mundo se está volviendo majareta poco a poco y desde hace tiempo, lo vengo diciendo desde antes de nacer. Remakes imposibles, secuelas innecesarias, precuelas de remakes, y mil cosas más se cuecen en este mundo loco, loco, loco, tal y como decía Stanley Kramer en una de las películas más divertidas que se han hecho. Ahora corre el rumor, y como tal habrá que tratarlo, aunque subrayemos que no es del todo descabellado, de que la más que confirmada ‘Piratas del Caribe 4’, con Johnny Depp repitiendo su personaje más famoso (y que por culpa de dos entregas no es el mejor), podría estar dirigida por nada más y nada menos que don Tim Burton.

Al parecer el argumento de la nueva entrega se centraría en la búsqueda de la Fuente de la Eterna Juventud por parte de Jack Sparrow, y que a éste le saldría de la nada un hermano que podría estar interpretado o por Sacha Baron Cohen o po Russell Brand. Por supuesto Jerry Bruckheimer será el productor del evento, y habria que ver cómo se llevaría este señor, al que le debemos más descalabros que aciertos, con el señor Burton, al que le debemos más aciertos que descalabros. Servidor ni se lo cree ni se lo deja de creer. La noticia puede resultar tan absurda como cierta. Lo primero porque ver a Burton metido en una franquicia que ya en su segundo título no aportó nada de nada al mundo del cine, es algo impensable. Y cierta (presumiblemente) porque a Burton ya lo hemos visto metido en algunos proyectos que es mejor olvidar, y porque una reinvención de la saga, contando cosas distintas a lo visto, es más que coherente. Y ahí Burton con su actor fetiche tendría mucho que decir.

Vía | Las Horas Perdidas

‘The Code’ también es conocida como ‘Thick as Thieves’. Se trata de la nueva película dirigida por la impersonal Mimi Leder, y versa sobre un veterano ladrón de guante blanco que recluta a un joven ayudante para que le ayude a dar un golpe con el que poder saldar la deuda que tiene con la mafia rusa. El film supone la reunión en pantalla de dos actores tan dispares como Morgan Freeman, del que todo está absolutamente dicho, y Antonio Banderas, que nunca me ha gustado como intérprete, pero le reconozco un carisma único siempre y cuando no le dé por desmelenarse. Les acompañan Radha Mitchell y el veterano Robert Foster.

Leder no hacía un film para cine desde la capriana ‘Cadena de favores’, y últimamente estaba muy inmersa en series de televisión (el lugar donde terminan refugiándose todos), y supone el primer guión cinematográfico del también televisivo Ted Humphrey. Las películas de robos suelen tener muy buena aceptación entre el público desde hace décadas, baste recordar clásicos como ‘Rififí’ o ‘El golpe’ por poner sólo dos ejemplos y de los mayúsculos. En los últimos años no hay un título destacable en este podríamos decir que subgénero, y nada indica que ‘The Code’ vaya a cambiar las cosas. Pero Freeman es razón más que suficiente para verla.

Vía | Impawards

Corren tiempos adversos para el séptimo arte. Cuando tipos como Paul W.S. Anderson tienen vía libre para realizar una película, podemos echarnos a temblar porque cualquier cosa puede suceder, cualquier cosa, excepto el ver un buen film. Así lo atestigua su filmografía, llena de despropósitos como ‘Mortal Kombat’, ‘Horizonte final’, ‘Soldier’, ‘Resident Evil’ o ‘Alien vs. Predator’. Con esta carta de presentación, que hace que gente como Howard Deutch o Dennis Dugan parezcan maestros a su lado, era imposible esperar algo de calidad en esta ‘Death Race. La carrera de la muerte’.

Aún así, Anderson lo tenía sumamente fácil para mejorar el film que rehace, ‘La carrera de la muerte del año 2000’, obra de culto entre los amantes de subproductos, salida de la factoría del entrañable Roger Corman, quien vuelve a ejercer tareas de producción en la presente, dispuesto a llenarse los bolsillos más que en 1975. Y lo que a todas luces parecía que sería un ejercicio con toques nostálgicos y una vuelta a la violencia más desalmada de hace tres décadas, se convierte en un título muy políticamente correcto y prácticamente inofensivo.

El argumento de ‘Death Race. La carrera de la muerte’ no es exactamente el mismo que el film anterior, e incluso puede verse como una especie de continuación. Jensen Ames es detenido por un crimen que no ha cometido, el asesinato de su mujer, y encarcelado en una prisión de alta seguridad en la que cada cierto tiempo se celebran carreras a muerte entre los presos. Como Ames tiene un pasado de piloto, es requerido para participar en dichas carreras tomando la identidad de Frankestein (el mismísimo David Carradine prestando su voz), fallecido en la última carrera, y que se ha convertido con el paso del tiempo en el favorito del público, que se ha enganchado televisivamente a las brutales carreras. El corredor que gane cinco carreras obtendrá la libertad.

Todo en ‘Death Race. La carrera de la muerte’ queda reducido a la mínima expresión. Para empezar, el circuito ya no es todo el desolado y decadente país de los Estados Unidos, hablamos de un prisión donde lo peor de lo peor, delincuentes rechazados por la sociedad, conviven bajo el mandato de una alcaide sin escrúpulos. Con esto, una de las ideas más sugestivas, por demencial y atrevida, la de ir ganando puntos en la carrera atropellando a viandantes, queda aquí diluida en algo mucho menos peligroso, y que no encierra ningún tipo de dudosa moral, como es el hecho de que a los únicos que se pueden atropellar en la carrera son a los propios participantes. Que sí, que se ven en pantalla escenas realmente brutales y que no economizan en sangre, pero al fin y al cabo son delincuentes cumpliendo pena por sabe Dios que oscuros crímenes. Y es ahí donde Anderson demuestra todo su mal gusto por el querer impactar al espectador de esa forma, fracasando también por rodar escenas de acción sin la garra y ritmo necesarios. Eso sí, el director se adapta a los nuevos tiempos de videoconsolas y videojuegos mil, planteando la carrera como si de un juego se tratase, con sus niveles y la posibilidad de conseguir armas de ataque o de defensa. Todo ello controlado sabiamente por la alcaide y sus esbirros, que hacen lo que les place, aunque ello dé lugar a varias incongruencias al respecto.

Jason Statham hace lo que puede con un personaje totalmente plano, que se hunde en su completa simpleza, y ni siquiera resulta carismático. Nada que objetar con el resto del plantel, que le siguen muy de cerca, pero lo que sí sorprende es ver metida en este tipo de berenjenales a una actriz de la talla de Joan Allen. Supongo que querría divertirse de lo lindo participando en un film de estas características, al igual que hizo en dos de los films de la trilogía Bourne, aunque no debió pensar quién estaba detrás de las cámaras. La actriz está francamente horrible en su rol, sin ser capaz de dotar a su personaje de la maldad necesaria para hacerlo temible, y es que no llega con poner cara de enfurruñada, provocando más bien lo contrario. Por supuesto, con su personaje se entra también en lo políticamente correcto, una funcionaria de prisiones que, obsesionada por los índices de audiencia, se extralimita en sus funciones, y recibirá su castigo como la Justicia manda. Y a ser posible con una buena traca de explosivos.

‘Death Race. La carrera de la muerte’ es un bodrio increíble, que no se disfruta bajo ningún concepto y desde ningún punto de vista. Al menos, la anterior, que también era abominable, tenía cierto sentido del humor y no tenía límites, con lo que todo el mundo podía escandalizarse. Ni siquiera el espectáculo es mejor, poner a un montón de coche preparados para destrozarlos, circulando a mil por hora, en un circuito cerrado, atravesando explosiones mil, y mezclarlo sin el más mínimo sentido, es confundir aparatosidad con espectacularidad. Pero estos son los tiempos que nos ha tocado vivir en el cine de hoy día, logrando que echemos de menos el cine de acción de los 80 de una forma que nunca hubiera imaginado.

Siento ser portador de malas noticias, pero es lo que hay. Tras enterarnos de remakes y secuelas varias sobre películas o sagas que parecían intocables o terminadas, ahora nos toca aguantar el saber que una de las mejores películas norteamericanas de los 80, y por consiguiente de las mejores de su director, el siempre polémico Alan Parker, será objeto de un remake, ya en fase de preparación. Me refiero a esa maravilla titulada ‘El corazón del ángel’, protagonizada por unos excepcionales Robert De Niro y Mickey Rourke, acompañados de una sensual Lisa Bonet, que a más de uno provocó sueños muy, muy húmedos.

El productor Michael De Luca, que hace una década estaba metido en proyectos realmente interesantes (‘Dark City’ o ‘Magnolia’ son una muestra) y ahora pierde el tiempo en films que no merecen ni ser mencionados, se asociará con Alison Rosenzweig y Michael Gaeta para poner en marcha el remake del film en cuestión, haciéndose con los derechos del film anterior, que como todos sabéis adaptaba la novela de William Hjortsberg ‘Falling Angel’. Aún no hay director ni actores asociados, pero mucho me temo que no estarán a la altura, y además ¿se atreverán a rodar las escenas de violencia y sexo que el original contenía, y que eran absolutamente im-pres-cin-di-bles para la historia? Dejad que conteste por vosotros: NO.

Vía | Comingsoon

Olga, la presentadora de La Alternativa en Cope (cuidado, no pronunciaréis este nombre en vano) Catalunya, tiene celos de su mismísima productora, esa voz delicada, hermosa y sugestiva, de nombre María Jesús. Pero también hemos hablado de alguna cosa seria, como algunos de los estrenos de la semana pasada, en concreto ‘Asesinato justo’, la tercera y más duradera en pantalla, reunión entre Robert De Niro y Al Pacino, los cuales no están en su mejor época creativa. La película entretiene, pero se le puede considerar una decepción tanto para los amantes del cine negro, como a los fans de ambos actores. Ya me extenderé más en una futura crítica, como también haré lo propio con las desfachateces que suponen ‘Reflejos’, el remake de ‘El otro lado del espejo’, y ‘Death Race. La carrera de la muerte’ (otro remake, en este caso de ‘La carrera de la muerte del año 2000’), un auténtico despropósito que demuestra que Paul W.S. Anderson es un enemigo del cine.

‘De Cine’ (6-10-08, audio, mp3, 8´9MB)

‘El otro lado del espejo’ es un film coreano que ha conocido distribución en nuestro país únicamente en el marcado del dvd, en el cual digamos que no se ha hecho muy popular. Tal vez haya tenido que ver el hecho de que, de un tiempo a esta parte, el espectador se ha cansado bastante de los films de terror orientales, pues las distribuidoras españolas parecían no querer traernos películas de otros géneros, al menos de cara a las grandes masas consumistas. Y dado que el género de terror en estas cinematografías estaba cayendo en la más aburrida de la repetición de esquemas, no es de extrañar ese abandono hacia films cono el que nos ocupa.

No es ‘El otro lado del espejo’ una excepción al actual (entendiendo por actual los últimos cinco años más o menos) estado del género de terror proveniente de aquellas tierras. Son sus fórmulas las mismas que en otros títulos que bien podrían entremezclarse entre sí y nadie lo notaría jamás. Y aunque al final uno tiene la sensación de haber visto lo de siempre, al menos en esta ocasión, la idea base de la que parte la película tiene un atractivo innegable.

Cuenta la película la historia de un expolicía que trabaja como jefe de seguridad en unos grandes almacenes que próximamente serán reabiertos al gran público. Hace un año que abandonó el cuerpo debido a una mala experiencia en una situación de rehenes en la que por su culpa mataron a su compañero. Ahora, intentando reconstruir su vida personal y profesional, se enfrentará a algo completamente desconocido que le traerá de vuelta la mencionada desgracia. En su lugar de trabajo empiezan a sucederse una serie de muertes horribles y en apariencia inexplicables.

La película se sustenta únicamente, y esto no la convierte siquiera en buena, por el trabajo de su actor principal y por una excelente premisa a la que no se le saca todo el partido necesario. Los espejos, objetos tan presentes en nuestra vida diaria, se convierten en el catalizador de nuestros temores más profundos, la metáfora idónea a la dualidad de todo ser humano, yendo más allá del típico enfrentamiento entre el bien y el mal. Otro mundo que nos mira al otro lado siendo algo más que el reflejo del nuestro, convirtiéndose en un universo paralelo en el que nuestra imagen (¿el alma tal vez?) puede continuar en caso de perecer a este lado. Es esto lo mejor de ‘El otro lado del espejo’, sobre todo por conferirle a los espejos la cualidad de encerrar la imagen de nuestro paso por la vida, pudiendo ésta continuar sin nosotros, pero al otro lado, como fantasmas que vagan en busca de su otro yo. Y más aún cuando la propia Historia podría sustentar sin ningún tipo de problema esa teoría, a través de las pruebas dejadas a lo largo de los siglos en el Arte, sin duda lo más atinado de toda le premisa.

La historia que viste el film, dejando de lado la atractiva idea de los espejos, es totalmente anodina y sin interés alguno. Una historia de asesinatos y fantasmas (o no, nunca queda claro) que buscan venganza. Un caso policíaco que camina por senderos demasiado previsibles, debido a un guión excesivamente torpe, que incluye explicaciones un tanto rocambolescas y personajes presentados en el peor de los momentos. El director se explaya innecesariamente en un film que dura demasiado, con tiempos muertos que dilatan la acción más de lo necesario, esforzándose infructuosamente por explicar una trama que no interesa, y pasar sólo por encima, con brochazos a tientas, de lo que realmente importa. Por haber querido caer en el lado más fácil del asunto, la película paga las consecuencias y nosotros con ella, aburriéndonos como ostras y sólo despertando nuestra curiosidad cuando la idea antes explicada emerge de entre la mediocridad que reina en la película. Película que por momentos parece estar protagonizada por actores totalmente inexpertos, o primerizos, como si de un filme de Bresson se tratase, pero con resultados ciertamente distintos, llegando a producir verdadera vergüenza ajena en más de un instante. Sólo Yu Ji-tae (al que muchos recordaréis por la magistral ‘Oldboy’) se esfuerza por hacernos creer un personaje aislado del mundo por culpa de un error cometido en el pasado, y que poco se ahoga en su propia soledad (todos en cierta medida le han dado la espalda), encontrando en unas muertes que escapan a la lógica y la comprensión, una nueva razón para luchar, para sobrevivir, para ser de nuevo alguien.

‘El otro lado del espejo’ es un film más bien olvidable que desaprovecha una idea realmente sugestiva y estimulante, que tal vez en otras manos hubiera dado mucho más de sí. Alexandre Aja lo ha intentado recientemente, y los resultados han sido mucho peores de lo esperado, pero de eso ya hablaremos en otra ocasión. Para los curiosos, tenéis editada esta película coreana en dvd desde hace tiempo por Selecta Visión, sin ningún tipo de extra. Así por lo menos podréis entender algo de la versión americana protagonizada por Jack Bauer, perdón, Kiefer Sutherland.

‘La desconocida’ es la penúltima película dirigida por Giuseppe Tornatore (ya tiene una nueva en post producción, y otra en la que suena como director), y como es habitual por estos lares pues ha tardado la friolera de dos años en estrenarse, tardanza que como siempre lleva implícito el hecho de que su distribución es más bien lamentable, pues no ha llegado a todas las ciudades de España. Tornatore siempre ha sido muy mal tratado en nuestro país al respecto; sólo su film más famoso (y también el mejor), ‘Cinema Paradiso’, ha tenido una distribución decente, y todo gracias a su Oscar.

‘La desconocida’ es un título totalmente opuesto al mencionado, incluso se aparta poderosamente de propuestas de otra índole como ‘Pura formalidad’ (para el que suscribe, un experimento totalmente fallido que supone el peor trabajo de su autor). Un film desconcertante en su conjunto, fascinante por momentos, y que bebe de distintas fuentes, como el cine de Hitchcock, el giallo italiano, el cine-denuncia, el drama, y lo mezcla todo en una historia realmente cruda, no apta para todos los estómagos, aunque no exenta también de algunas trampas en su guión que lastran un poco los resultados.

Versa ‘La desconocida’ sobre Irenauna mujer ucraniana que llega a Italia huyendo de un turbulento pasado lleno de violencia. Obsesionada por conseguir trabajo de asistenta en una determinada casa, hará todo lo que esté en su mano por conseguir el mencionado trabajo. En dicha casa vive un matrimonio de orfebres, más su hija pequeña, con la cual Irena se encariña enseguida, sobre todo al conocer una peculiar enfermedad que padece. Los problemas empezarán cuando el pasado de Irena hace acto de presencia, y el terror que sufrió hace años se impondrá de nuevo en su vida.

La primera media hora de ‘La desconocida’ funciona como una cinta de suspense en el sentido más tradicional del término. La sombra de Hicthcock hace acto de presencia, no sólo en la forma de presentar la historia y a los personajes, sino en su planificación, enormemente sugerente, una puesta en escena en la que no falta una escalera redonda, de una importancia vital para el desarrollo de los acontecimientos, que evoca a uno de los títulos más famosos del maestro, ‘Vertigo’. Pero Tornatore va más allá en su propuesta de lo puramente formal, y su personaje femenino se asemeja all de James Stewart en más de un punto. Su búsqueda de fantasmas que le atormentan, la aparición de otros fantasmas que parecían sueños (servidos a modo de flashbacks que nos desvelan el sorprendente y nada divertido pasado de la protagonista), su dualidad como mujer, la que fue, la que es, la que siempre será. Un dibujo psicológico muy certero, y que nos acerca a una mujer fascinante en más de un punto, creando alrededor de ella una enigma, que poco a poco se va desvelando.

Y curiosamente, cuanto más vamos sabiendo de sus planes, cuanto más vamos viendo lo que pretende hacer la protagonista, el film va perdiendo algo de su fuerza inicial. Tornatore abusa de algunas trampas impropias de él, como el engañar al espectador con el supuesto destino que sufre uno de los personajes secundarios que forman parte del pasado de Irena, un pasado que en realidad es un infierno en la Tierra, un infierno del que ha logrado escapar y ahora le reclama de nuevo. Es esta parte una de las más confusas del film, en parte porque Tornatore mezcla intenciones de forma poco equilibrada, e incluso no le hace ascos a la denuncia que puede escapar de sus imágenes. El tráfico de mujeres para su explotación sexual (con sugerentes y terribles imágenes que aterrorizan más que los expuesto en films como ‘Hostel’), y el tráfico de recién nacidos, son las fieras y desalmadas propuestas con las que juega el director italiano a través de su cámara, que filma sin parangón a una actriz en verdadero estado de gracia: Kseniya Rappoport.

Rappoport, y su deslumbrante ejercicio de transformación, tanto física como emocional, llena por completo la pantalla. Sus miradas enfrascadas en el presente, y sobre todo en el futuro, el cual se les escapa de las manos, y su pensamiento, huyendo de un pasado que quiere exterminar por completo; sus gestos, sus palabras, todo. Tornatore mima este personaje, desatendiendo los demás, lo encuadra magnificándolo, y le viste con una música, del eterno Ennio Morricone, que pasa de ser Bernard Herrmann en su parte inicial, al alguien completamente distinto cuando el film termina. Y cuando esto sucede, además de pesar las trampas antes indicadas, Tornatore hace algo que hasta ese momento estaba evitando y que puede ser tomado como una concesión al espectador, que si bien no cae en la ñoñería en la que podría haber caído, si desentona de toda la dureza extrema que hasta ese instante llenaba nuestros ojos.

Aún con esto ‘La desconocida’ es un film disfrutable en buena medida, aunque este disfrute venga de los puñetazos directos al estómago o a la mandíbula que el director suelta casi sin parar. No hará historia ni está a la altura de las grandes obras de Tornatore, pero desde luego no merece el desprecio que ha tenido por parte de la distribución de este nuestro querido país. A estas alturas, seguro que su título ya le hace una inmerecida justicia.

‘Beverly Hills Chihuahua’ es la película que ha desbancado a ‘La conspiración del pánico’ este pasado fin de semana en los USA, algo que muy probablemente aquí no se vaya a repetir (espero). Se trata de un film en la línea de aquellos que inundaron las salas de cines en los 90, y presentaban a animales con la capacidad de pensar a niveles humanos, y casi siempre con la voz de un famoso. La película versa sobre un chihuahua de Beverly Hills que se pierde en México y pasa toda una odisea para volver a su añorado hogar. La crítica no le ha dado el puñetazo esperado, pero el público ha tenido menos piedad. Sin embargo, ahí está, de número uno. Aquí la veremos el 7 de Noviembre.

‘Nick and Norah´s Infinite Palylist’ es el nuevo trabajo protagonizado por Michael Cera, ese amago de actor que ha obtenido un éxito incomprensible. El film narra como una chica pide a un músico ser su novio ante la gente para que una amiga de ella no piense que está sin pareja. Los problemas empezarán al comprobar que la mencionada amiga es la ex novia del pardillo en cuestión. Crítica y público la aceptan de buen grado.

‘Appaloosa’ es la esperada película de Ed Harris, en el que es su segundo trabajo como realizador. Un western que parece no estar teniendo una buena publicidad, y sobre la que la crítica no se muestra demasiado entusiasmada, y el público la trata como el mejor estreno de la semana.

‘An American Carol’ es el nuevo trabajo de David Zucker, que no ha cambiado nada desde ‘Aterriza como puedas’. En esta caso el film es una versión del famoso relato de Charles Dickens, pero adaptándolo a la actualidad, siendo protagonizado por un director de documentales que es el vivo retrato de Michael Moore. Supongo que la derecha se toma la revancha con esta película, a la que la crítica le da unos palos asombrosos, y el público no la trata tan mal.

Por último, un documental en el hit parade, ‘Religulous’, que trata el radicalismo religioso que está haciendo estragos entre la población de los USA, y buena parte del mundo. Y lo hace en el contexto de cualquier religión. La crítica la considera pasable, y el público algo más.

Vía | Box Office Mojo

‘La carrera de la muerte del año 2000’ es una de las películas más demencialmente malas que se han hecho. Protagonizada por un primerizo Sylvester Stallone y un David Carradine que terminaba ese mismo año (1975) la famosa serie de televisión ‘Kung Fu’ con la que consiguió ser una celebridad en todo el mundo. Se trata de una producción de Roger Corman, ese genio que demostró un buen número de veces que el presupuesto no era un impedimento para realizar una gran película (toda su serie de films basados en las obras de Edgar Allan Poe lo demuestran con creces). El famoso director se las ingeniaba para filmar tres películas con el dinero que le daban para una, y aunque las malas lenguas aseguran que era un tirano en sus rodajes y un auténtico explotador, lo cierto es que no se pueden negar los impecables resultados de buena parte de su obra.

Obra en la que destacó sobre todo como director, pero también tuvo mucho que decir, y aún lo tiene, como productor. Casi 400 películas, que se dice pronto, tienen su firma en ese campo, la mayoría subproductos que se vieron restringidos a una distribución limitada. Corman fue, y siempre será, el rey de la serie B, y si le echáis un vistazo a su filmografía, os podéis quedar completamente atónitos. ‘La carrera de la muerte del año 2000’ es curiosamente una de sus producciones más emblemáticas. Recayó la dirección de la misma en un tipo llamado Paul Bartel, quien consiguió cierta fama por esta película, y también al año siguiente, y repitiendo con Carradine, ‘Cannonball’, de la que Burt Reynolds protagonizó una especie de parodia que es mejor olvidar, y que inexplicablemente tuvo muchísimo más éxito.

El argumento de ‘La carrera de la muerte del año 2000’ es absolutamente delirante, y aún hoy, más de 30 años después, continúa siéndolo. En el film se narra como después del gran crack de 1979, los Estados Unidos de América han pasado a llamarse Provincias Unidas de América, y en ellas tiene lugar cada año una carrera transcontinental en la que todo está permitido para los participantes, incluso atropellar a peatones, lo cual hace sumar puntos al posible ganador. Dicha carrera se ha convertido en el acontecimiento televisivo del siglo, con unas cuotas de audiencia deslumbrantes. Alguien planea atentar contra dicha carrera, haciéndolo sobre todo contra su mejor corredor, el famoso Frankestein, toda una leyenda que ha ganado más competiciones que nadie, y que tiene su cuerpo totalmente desfigurado por culpa de los accidentes sufridos.

‘La carrera de la muerte del año 2000’ es un sinsentido cinematográfico a cualquier tipo de nivel, tanto formal como temático. Tratándose de una serie B, se ven sin problemas las grandes deficiencias de su puesta en escena, tratando de representar un futuro caótico lleno de decadencia, una sociedad en declive que sólo encuentra satisfacción en una carrera inútil llena de muertes y brutalidades en la que reina la más pura y bestial anarquía. Un todo vale y vamos a luchar contra eso con la misma filosofía no es buena carta de presentación para un film en el que no hay el más mínimo resquicio para la lógica, y ni siquiera respeto por el ser humano. Su caduco sentido del humor no hace mella con el paso de los años, y tampoco creo que la hiciera en el momento de su estreno. A un servidor no le hace la más mínima gracia lo que ve en pantalla, ya que parece no existir intención alguna en sus planteamientos. No es una comedia, no es una parodia, y la seriedad que pretende transmitir se pierde por lo extremadamente demencial de su propuesta.

Aquel que piense que al menos podrá encontrar escenas de persecuciones de coches, tan de moda en los 70, bien realizadas, está completamente equivocado. No están bien hechas, no aportan la espectacularidad que el film necesitaba (aquí una muestra de que en este caso sí era necesario un presupuesto más amplio, o al menos la mano sabia de Corman), y lo que es peor, están muy mal montadas, provocando un enorme caos que no hace más que desesperar, por lo menos a mí. Sólo queda deleitarse, si esa es la palabra, en disfrutar, y esa no es la palabra, del duelo interpretativo de sus dos actores principales: Sylvester Stallone y David Carradine. Un duelo por ver quien de los dos resulta más inexpresivo o insoportable. Mientras el primero hace gala de unas muecas faciales que más tarde le darían fama mundial pegando golpes a diestro y siniestro, el segundo lucha con todas sus fuerzas por parecerse a un piedra. Uno elige el camino del histrionismo, otro el de la quietud actoral, y al que se le ocurrió la idea de enfrentarlos en una película, o merece un Oscar o merece el infierno.

Por supuesto no faltan las dosis de sexo que un film de estas características debe tener. Si la violencia es exagerada, el sexo tiene sus grados también, claro que nada de esto importa ni viste un film que hace aguas por todos lados, y que aún intentando verlo desde una perspectiva de cachondeo, si queréis usar esa expresión, no llega a conectar con un espectador que se debate entre el aburrimiento más soberano o reírse a lo bestia por lo surrealista del mismo. Tal vez sea ésa la solución a una película tan mala como ésta, verla totalmente libre de prejuicios para poder disfrutarla, y sin embargo creo que el film se escapa a todo eso, y más aún en su parte final, cuando toda la trama se desmadra de forma increíble y termina siendo un desprósito de connotaciones políticas e ideológicas de peligroso calibre.

‘La carrera de la muerte del año 2000’ es un bodrio de proporciones cósmicas. La próxima semana será editada en dvd en nuestro país en una nueva edición restaurada, con algún que otro extra como un documental sobre la figura de Stallone, y no me refiero a su físico. Después de ver una película como ésta, uno llega a la conclusión de que no puede hacerse peor, pero siempre hay gente dispuesta a demostrarte que puedes estar equivocado. En mi caso me lo demostró un señor llamado Paul W.S. Anderson, pero ya hablaremos de eso otro día.

La noticia no debería cogernos por sorpresa. A estas alturas, cinéfilos, críticos y el público en general, ya deberían estar más que acostumbrados a que nada en el cine se respeta. Empiezan ahora rumores, al parecer algo más fundados que antes, de que se está escribiendo el guión de una posible ‘Blade Runner 2’. Éste corre a cargo de un tal Travis Wright, de quien la próxima semana veremos cómo adaptaron su libreto para ‘La conspiración del pánico’, su primer trabajo para el cine. Así mismo lo confirmó el propio Wright, anunciando además que se está trabajando con uno de los productores del film original, Bud Yorkin, y con un equipo ténico para empezar a darle forma al estilo visual de la nueva película.

Después de marearnos el señor Ridley Scott con montajes nuevos y remontajes de una película que ya estaba perfecta desde el principio, se abre ante nosotros la posibilidad de que todo tenga una continuación. En la Warner no han confirmado nada, y por supuesto nada se sabe de que gente como el propio Scott, o Harrison Ford, se hayan pronunciado al respecto. Aunque tal y como están las cosas, con tal de sacar adelante un proyecto con unas más que razonables garantías de éxito asegurado, la historia podría ser algo totalmente distinto sin necesidad de continuar con los personajes del film primigenio. Seguro que tanto los amantes y detractores del mismo estamos todos de acuerdo en que no es necesaria esta posible secuela.

Vía | Las Horas Perdidas