‘Iron Man 3’ (id, Shane Black, 2013) es el estreno más espectacular del año. Tanto que aventaja en su segunda semana al estreno estrella del pasado viernes, ‘El gran Gatsby’ (‘The Great Gatsby’, Bazz Luhrmann, 2013), la quinta adaptación de la famosa novela de F. Scott Fitzgerald —entre las más famosas tenemos la que protagonizó Alan Ladd en 1949 y Robert Redford en 1974—. Leonardo DiCaprio ha demostrado su tirón taquillero en uno de sus mejores estrenos. Pensaba sinceramente que esta película se la iba a pegar, pero imagino que una muy adecuada campaña de promoción y la asociación de DiCaprio al hombre que se burló de Shakespeare hace ya bastantes años —ahora amenaza con hacerlo por segunda vez— han tenido algo que ver. La crítica la aprueba sin complicaciones y el público votante en la IMDb está entusiasmado. El estreno en nuestro país es el próximo 17 de mayo.

‘Peeples’ es un estreno que logra colarse en el top ten; una comedia protagonizada por Craig Robinson y que supone la ópera prima de su guionista, Tina Cordon Chism. Resulta curioso el hecho de que mientras la crítica le da un aprobado justo, el público votante se ensaña con la película. Si algún día se estrena por estos lares podremos hacer lo mismo.

Vía | IMDb

Aquí os traigo otra entrega resumen de lo que más me ha llamado la atención en la red relacionado con el séptimo arte. Desde iniciativas de cineastas prometedores hasta artículos sobre veteranos productores.

• Joan Planas es una cineasta catalán que anda por Tailandia filmando la segunda temporada de un proyecto muy personal y arriesgado. Se trata de narrar en formato documental historias que se encuentra en sus viajes y le parecen lo suficientemente interesantes como para contarlas con una cámara. En su primera temporada estuvo por China y Filipinas recogiendo lo más llamativo. En su web lo explica todo más detalladamente, aquí os dejo una de las historias, la de Josh.

• El premio príncipe de asturias fue a recaer a Michael Haneke, pero muchos son los que prostetaron por el hecho de que Elias Querejeta estaba nominado y se lo merecía más. Al margen de unos galardones oportunistas —casi siempre lo son—, tenemos un interesante artículo de Liliana Sáez en El espectador imaginario sobre Querejeta, para un servidor uno de los mejores productores españoles de toda la historia del cine.

• En Dirigido por, el siempre meticuloso Tomás Fernádez Valentí habla sobre la tan celebrada ‘Iron Man 3’ (id, Shane Black, 2013), razonando el por qué no le ha parecido para tanto, poniendo a Shane Black en su justo lugar. Vamos, que el admirado escritor/director está sobrevalorado, opinión que comparto sobre todas las cosas.

• Ya sabe el lector que no soy amigo del doblaje, pero una cosa no quita la otra. Por supuesto crecí viendo películas dobladas y Constantino Romero fue la primera voz con la que me familiaricé, por motivos muy evidentes. En Cinemanía nos hacen un top con los mejores doblajes del señor Romero.

El primer asalto del año a la Casa Blanca, la primera película yanqui de Park Chan-wook, un documental de suspense, algo de historia y María Valverde. Que cada uno elija lo que más le apetezca.

‘Objetivo: La Casa Blanca’

Dirección: Antoine Fuqua

Intérpretes: Gerard Butler, Morgan Freeman, Aaron Eckhart, Radha Mitchell, Dylan McDermott, Angela Bassett, Cole Hauser, Melissa Leo.

Sinopsis: Mike Banning es un agente del Servicio Secreto estadounidense que, tras un accidente de coche en el que únicamente puede salvar la vida del presidente Asher, decide dejarlo para trabajar en el Departamento del Tesoro. Pero cuando un comando coreano ataca la Casa Blanca, tomando como rehenes al presidente y su gabinete, Banning se ve obligado a entrar de nuevo en acción.

¿Sale María Valverde?: No, pasando.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Objetivo: La Casa Blanca’, duro de matar

‘Diaz, no limpiéis esta sangre’

Dirección: Daniele Vicari

Intérpretes: Claudio Santamaría, Jennifer Ulrich, Elio Germano, Davide Iacopini, Ralph Amoussou, Fabrizio Rangioni

Sinopsis: En 2001, el último día de la reunión del G8 en Génova, justo antes de medianoche, más de 300 policías asaltaron la escuela Diaz buscando manifestantes. Dentro de la escuela se encontraban 90 activistas, la mayoría estudiantes europeos, y un grupo de periodistas extranjeros, todos ellos preparándose para pasar allí la noche. Cuando la policía irrumpió, los jóvenes manifestantes levantaron las manos en señal de rendición. Los oficiales descargaron una violencia calculada y frenética, golpeando indiscriminadamente a jóvenes y mayores, hombres y mujeres.

¿Sale María Valverde?: No, pasando.

‘El impostor’

Dirección: Bart Layton

Intérpretes: Adam O´Brian, Anna Ruben, Cathy Drespach, Alan Teichman, Iván Villanueva, María Jesús Hoyos, Anton Martí, Amaparo Fontanet

Sinopsis: La película nos acerca la historia de un chaval que se hace pasar por el hijo desaparecido de una familia del Medio Oeste americano. El problema es que el hijo es rubio y él es moreno, además de francés y 10 años mayor que el desaparecido. El punto de partida de la película lo encontramos cuando dicha familia, lejos de rechazar al joven francés, lo acepta y dice que sí, que él es el hijo desaparecido.

¿Sale María Valverde?: No, pasando.

‘Mussolini va a morir’

Dirección: Rafael Gordon

Intérpretes: Miguel Torres, Julia Quintana

Sinopsis: Narra las últimas horas que en 1945 pasaron juntos el dictador Mussolini y Claretta Petacci antes de ser fusilados.

¿Sale María Valverde?: No, pasando

‘Rebelde (War Witch)’

Dirección: Kim Nguyen

Intérpretes: Rachel MWanza, Alain Bastien, Serge Kanyinda, Ralph Prosper, Mizinga Mwinga, Jean Kabuya, Jupiter Bokondji, Starlette Mathata

Sinopsis: En algún lugar de África subsahariana, en una pequeña y remota aldea, Komona, una niña de 12 años, vive pacíficamente con sus padres, hasta el día en que es secuestrada por el ejército rebelde y se ve obligada a combatir como niña soldado. Por su capacidad para salvarse, le nombran “bruja de la guerra”. Su única salida y amigo será Mago, un chico albino de 15 años que desea casarse con ella.

¿Sale María Valverde?: No, pasando.

‘Stoker’

Dirección: Park Chan-wook

Intérpretes: Nicole Kidman, Mia Wasikowska, Matthew Goode, Dermot Mulroney, Jacki Weaver, Lucas Till, Alden Ehrenreich, Ralph Brown

Sinopsis: Cuando India Stoker pierde a su amado padre y a su mejor amigo Richard en un trágico accidente de tráfico el día de su 18 cumpleaños, su tranquila vida familiar se ve sacudida. Con una gran delicadeza, India muestra una actitud impasible que enmascara los profundos sentimientos que sólo su padre podía entender. India se ve entonces atraída hacia el hermano de su padre, Charlie, que se presenta de manera inesperada en el funeral y decide quedarse con ella y su emocionalmente inestable madre, Evie. En un principio, India no confía en su encantador y misterioso tío, pero después descubrirá todo lo que tienen en común.

¿Sale María Valverde?: No, pasando

‘La mula’

Dirección: Michael Radford

Intérpretes: María Valverde, Mario Casas, Secun de la Rosa, Chiqui Maya, Mingo Ruano, Ignacio Mateos, Tavi García, Eduardo Velasco

Sinopsis: Mario Casas da vida a Juan Castro, un cabo del bando nacional que encuentra una mula con la que mantendrá una relación muy especial y entrañable, tanto, que a Juan le importará más la suerte de su mula que ganar la guerra. Tras atravesar la línea del frente, se verá implicado en un episodio tan peligroso como hilarante que le convertirá en un héroe involuntario.

¿Sale María Valverde?: Siiiiiiiiiiii… ¡oh no!, va sobre la guerra civil

Saber mirar es saber amar, lo decía una amiga mía.

(Alfredo Landa en ‘Canción de cuna’)

Alfredo Landa ha fallecido a los 80 años de edad. Su muerte ha sido un impacto para todo aquel que aprecie un mínimo el cine en general y el arte de la interpretación en particular.

Pronunciar su nombre en mi caso significa volver a un época de mi infancia en la que me formé como cinéfilo, o eso intentaba, viendo películas del denominado landismo —un serie de films cómicos realizados en los años 60 y 70, protagonizados por el famoso actor y que algunos fueron estruendosos éxitos, como por ejemplo ‘Cateto a babor’ (Ramón Fernádez, 1970), o ‘Sólo ante el streaking’ (Jose Luis Sáenz de Heredia, 1975)—, y descubriendo más tarde que ese actor de nombre fácilmente recordable era algo más que un cómico intentando hacer reír a la gente. Que se podía poner todo lo payaso que quisiera, pero también marcarse papeles dramáticos de envergadura y dejar a todo el mundo con la boca abierta y con lágrimas en los ojos.

Hoy todo el mundo habla de ‘Los santos inocentes’ (Mario Camus, 1984) o de ‘El bosque animado’ (Jose Luis Cuerda, 1987), películas importantes dentro de nuestra cinematografía. Me vais a permitir recordar a Landa en otros papeles en los que yo le prefiero. A las órdenes de Jose Luís Garci trabajó varias veces, pero su personaje en las dos entregas de ‘El crack’, homenajeando a los grandes detectives del cine negro estadounidense, no tiene precio. Y su papel de padre enfrentado a su hijo en la emotiva ‘La próxima estación’ (Antonio Mercero, 1982) es algo que a mí me tocó la fibra sensible en su momento. Vi la película hace muchos años y tengo muy presente a Landa apoyado en la ventana al final del film mientras llora la partida de su hijo.

Decir que Alfredo Landa era un grande creo que es decir poco. Una de esas estrellas —si de algo no tengo duda es de que este actor brilló como pocos— a las que no me hubiera importado conocer en persona, por mucho carácter que tuviera —las personas sin carácter no suelen ser interesantes—, porque para mí era alguien que me acompañó a lo largo de los años. Ese rostro amable y tierno, su sentido del humor, y sobre todo esa mirada, que en silencio era capaz de expresar más que el más contundente de los diálogos, caracterizaban a un profesional como la copa de un pino. El ser humano nos ha dejado, pero Alfredo Landa actor seguirá vivo en el recuerdo de muchos.

Hasta siempre Alfredo.

Vía | ABC

Algunos dicen ‘Casablanca’ o ‘Ciudadano Kane’, yo digo que ‘Jason y los argonautas’ es la más grande película de la historia (Tom Hanks cuando entregó el Oscar honorífico a Ray Harryhausen)

Ayer nos dejaba uno de los artistas más grandes que ha conocido el séptimo arte, Ray Harryhausen, experto en efectos visuales y stop motion. La propia familia de Harryhausen comunicó el fallecimiento a través de su página en Facebook.

Películas como ‘Simbad y la princesa’ (‘The 7th Voyage of Sinbad’, Nathan Juran, 1959) y ‘Jason y los Argonautas’ (‘Jason y los Argonauts’, Don Chaffey, 1963) forman parte del imaginario colectivo no sólo por el enorme canto a la fantasía que son, sino por la enorme contribucion del talento de Harryhausen a tamaña empresa. La stop motion de ambos films supera en ingenio, atrevimiento e imaginación a cualquier efecto digital de hoy día. Efectos visuales que trascienden el paso del tiempo gracias a la personalidad que Harryhausen, que también quiso ser actor, implantaba en ellos.

El ingenio y dedicación de Ray Harryhausen a lo que mejor sabía hacer se lo debemos a un film mítico: ‘King-Kong’ (id, Merian C. Cooper & Ernest B. Schoedsack, 1933), cuyo visionado le cambió la vida para siempre. Primero como pasatiempo, alentado por sus padres que le ayudaban, más tarde su pasión se convirtió en una profesión en la que su trabajo sería tomado como ejemeplo para futuras generaciones de creadores de efectos visuales, entre ellos Dennis Murren o Phil Tippett. Su primera aportación impoprtante para el cine fue en ‘El gran gorila’ (‘Mighty Joe Young’, Ernest B. Shoedsack, 1949), unproducción de John Ford, en la que Harryhaussen participó gracias a la ayuda de Willis O´Brien, clásico técnico de efectos visuales.

Productor de los trabajos en los que participó, metía a veces mano también en el guión y sus aportaciones jamás eran desoídas. Su interés por la intepretación pudimos verla en algunas películas en las que tuvo un pequeño papel, como por ejemplo en dos films de John Landis, gran admirador suyo, ‘Espías como nosotros’ (‘Spies Like Us’, 1985) o ‘Burke and Hare’ (id, 2010). Su última aportación en el campo de los efectos visuales fue en la admirada ‘Furia de titanes’ (‘Clash of the Titans’, Desmond Davies, 1981).

Su trabajo inspiró a muchos directores como George Lucas, James Cameron, Steven Spielberg o Peter Jackson, quienes han reconocido más de una vez que sin Ray Harryhausen ellos no serían lo que son.

Hasta siempre Ray.

En 1001 Experiencias | La fantasía tiene un nombre, Ray Harryhausen

Las películas de robos y atracos han funcionado muy bien a lo largo y ancho de la historia del cine. Cualquier cinta de Film Noir, o acción, que se precie posee un atraco con la intención de añadir tensión al relato en cuestión, o simplemente empezar a lo bestia como decía Cecil B. DeMille —en el caso de Christopher Nolan y su mejor entrega sobre Batman— y de ahí para arriba. Hoy vamos con una de esas listas que tanto os/nos gustan por aquello de animar un poco la función hablando de nuestros atracos o robos favoritos en el séptimo arte.

Como suele pasar en todas las listas, ni están todas las que son ni son todas las que están. Lo cierto es que hay material de sobra para realizar una lista corta, pero tampoco vamos a poner aquí un listado interminable de películas, que entonces sí que aburrimos al personal. Desde Stanley Kubrick a Nolan, pasando por Robert Siodmak, Michael Mann o Katrhyn Bigelow. Pasen y disfruten de una de las actividades más deseables del ser humano: robar. Y más en estos tiempos.

‘Atraco perfecto’

La primera gran obra de Stanley Kubrick es ‘Atraco perfecto’ (‘The Killing’, 1955), imitada hasta la saciedad en numerosos films posteriores. Toda la película es un prodigio de ritmo, suspense y planificación, medida con la precisión de un reloj suizo. La escena del atraco al hipódromo sigue siendo uno de los instantes más poderosos del relato, que como en todo buen Film Noir está bañado de fatalismo. Tensión del momento: muy alta, de ese robo depende el futuro del protagonista, que ya nos ha caído bien.

‘El caballero oscuro’

Tras el trabajo de Kubrick era lógico citar el mejor trabajo de Christopher Nolan, ‘El caballero oscuro’ (‘The Dark Knight’, 2008), cuyo inicio además de rendir tributo a la máxima antes mencionada sobre Cecil B. DeMille es todo un homenaje al atraco anterior. Uno de los inicios más vibrantes y endiabladamente entretenidos del cine reciente y toda una lección de cine —ya sé que Nolan no es un maestro como John Ford, pero no me voy a poner quisquilloso, esta secuencia es magistral—, con la enigmática presencia, aunque jamás le vemos la cara, de uno de los villanos más admirados del cine. Tensión del momento: Muy alta, si el espectador no es capaz de engancharse ya no lo hará.

‘El abrazo de la muerte’

Robert Siodmak fue uno de los grandes del Film Noir, y ‘El abrazo de la muerte’ (‘Criss Cross’, 1949) es una de sus obras maestras. Repitiendo con Burt Lancaster tras la imprescindible ‘Forajidos’ (‘The Killers’, 1946) se marca otro relato electrizante, en el que uno de sus puntos álgidos es sin duda ese maravilloso atraco al frugón blindado, el cual no ha sido superado aún. Impresionante el detalle de las bombas de humo. Tensión del momento: Muy alta, el relato puede devenir en cualquier cosa y la previsibilidad no existe.

‘Rififi’

De la imprescindible cinematografía francesa de los años 50, destaca sobremanera una joya del calibre de ‘Rififi’ (‘Du rififi chez les homme’, Jules Dassin, 1955), probablemente la mejor cinta de robos que exista. La escena del robo en cuestión es sin diálogos y tan larga que le lleva a uno al borde del infarto. Nadie se atrevería con ello hoy día. Tensión del momento: Muy alta, el que los personajes mantegan el silencio mientras trabajan hipnotiza al espectador hasta límites insospechados.

‘Le llaman Bodhi’

Con la ayuda de J. Michael Muro, excepcional operador de cámara perfecto utilizador de la steadycam, ahora metido a competente director de fotografía —suyo es el trabajo de la insípida ‘Parker’ (id, Taylor Hackford, 2012) en la que podemos ver un par de aburridos y sosos atracos—, Kathryn Bigelow se marca un atraco en concreto espectacular, aquel en el que el policía infiltrado al que da vida Keanu Reeves es obligado a participar. Gritos, emoción y la Bigelow que baja la cámara a ras de suelo y todo estalla. Tensión del momento: Muy alta, la emoción no está solo en que el bueno de la película puede ser abatido, sino en la inesperada reacción del cliente/policía que se encuentra en el banco y decide intervenir. Brutal.

‘Heat’

El último gran neo thriller —subgénero que dio comienzo con ‘El rastro de un suave perfume’ (‘Hickey & Boggs’, Robert Culp, 1972)— que ha venido de tierras yanquis, de la mano de uno de los realizadores más interesantes de las dos últimas décadas, Michael Mann. En realidad no vemos ni el atraco ni el robo, sólo las consecuencias del mismo, y esas no son más que una de las mejores escenas de acción jamás filmadas, tanto que no podía faltar en esta lista. Un enfrentamiento monumental entre los hombres de Robert De Niro y los de Al Pacino. Tensión del momento: Muy alta, Mann coloca la cámara en el cogote de los personajes y nos mete de lleno en un tiroteo impresionante que nos deja aturdidos y alucinados.

Su turno, damas y caballeros.

‘Iron man 3’ (id, Shane Black, 2013) es el segundo mejor estreno de la historia en suelo estadounidense, por detrás de ‘Los vengadores’ (‘The Avengers’, Joss Whedon, 2012), también un producto Disney/Marvel. La tercera aparación —en realidad estaríamos hablando de la cuarta— del hombre de hierro se ha saldado con un exitazo a todos los niveles. La crítica no la trata mal y todos señalan el tratamiento que el admirado Black da al personaje —en Blogdecine la cosa se divide entre el entusiasmo de Pablo, la corrección política de Juanlu y Mikel, y los huevos de Sergio al asegurar que la cosa no es para tanto—, a lo que se suma el entusiasmo del público votante en la IMDb.

Vía | IMDb

El 17 de noviembre del 2014 se estrena en los USA el nuevo megaproyecto de Christopher Nolan, ‘Interstellar’, cuyo hype irá creciando a pasos agigantados en los próximos meses. El reparto es sin duda uno de los mayores atractivos de este director tan admirado, y a los ya anunciados Matthew McConnaughey y Anne Hathaway ahora se suman los nombres de Jessica Chastain y Michael Caine, un habitual en el cine de Nolan. Si el segundo no pilla de sorpresa a nadie, y bien alegres que nos deja, la elección de la Chastain es motivo también de alegría. Muchos son los que demandan personajes femeninos con más fuerza en las películas del director, y con Hathaway y Chastain a bordo se aviva dicho deseo.

Estaremos de acuerdo en que los films de Nolan son cada vez más ambiciosos a nivel temático, y más espectaculares en su puesta en escena, algo que personalmente no me parece mal sino todo lo contrario dados los buenos resultados que ha obtenido. Ahora se ha atrevido con un viejo proyecto de Steven Spielberg, productor del film, que recoge una historia de Kip Thorne, eminencia en astrofísica y experto en agujeros de gusano. Christopher Nolan y su hermano Jonathan se encargan del libreto como de costumbre. Uno de esos proyectos a los que uno se le hace la boca agua nada más oír hablar de ellos. Cuando salga el primer tráiler estaremos todos babeando como… mejor no lo digo.

Vía | IamROGUE

Para dar inicio al especial sobre ciencia-ficción he elegido un film a día de hoy poco conocido, perteneciente a la siempre interesante cinematografía británica de los años 50 y 60, de la que en aquella época salieron muchas y atractivas cintas de género, gracias sobre todo a la mítica Hammer. El éxito de films como ‘El experimento del Dr. Quatermass’ (‘Quatermass’, Val Guest, 1955) disparó el interés por la ciencia-ficción o Sci-Fi, los extraterrestres, los avances científicos y las invasiones. ‘The Trollenberg Terror’ (id, Quentin Lawrence, 1958) es una de esas películas surgidas a raíz de la mencionada, y que en su distribución en USA adoptó el título que veis en la imagen, ‘The Crawling Eye’, recortando además metraje del film por absurdas razones.

Lawrence fue un director cuya carrera estaba prácticamente enfocada a la televisión. De hecho la película es la adaptación cinematográfica de una serie de televisión de dos años antes, cuyos episodios fueron dirigidos por Lawrence. ‘The Trollenberg Terror’ no es una gran película pero posee elementos de sobra para tenerla en cuenta, sobre todo ese guión del excelente Jimmy Sangster —una de las perlas en la nónima de la Hammer— y que sirvió de inspiración al maestro John Carpenter para películas como ‘La niebla’ (‘The Fog’, 1979), la cual recoge la atractiva idea de una niebla amenazadora que oculta algo terrible. Lo mismo podríamos decir sobre la obra maestra de Frank Darabont ‘La niebla’ (‘The Mist’, 2007).

(From here to the end, Spoilers) En lo alto de un pueblo suizo unos científicos descubren una extraña nube que parece tener autonomía propia y está causando algunas muertes entre los montañeros que escalan a la cumbre. En un observatorio están convencidos de que la misteriosa niebla oculta en realidad vida alienígena que de alguna forma está intentando invadir nuestro planeta. Las bajas temperaturas son en principio propicias para ellas, pero pronto comenzarán a bajar hacia el pueblo demostrando que pueden adaptarse a cualquier hábtitat. Esa es, en líneas básicas, la trama de la película la cual propone en su desarrollo situaciones de lo más interesante y algunos momentos de buen suspense. Y con una de las máximas más tarde aplicadas en film tan famosos como ‘Alien‘ (id, Ridley Scott, 1979) o ‘Tiburón’ (‘Jaws’, Steven Spielberg, 1975), que tardan en mostrar el peligro.

Dicha decisión, que en su estreno americano fue anulada por culpa del ridículo remontaje que sufrió el film, acrecenta sin duda todo el misterio que rodea a la niebla y lo que oculta. Hasta bien entrada en materia la película parece más un film de terror que de ciencia-ficción. El prólogo, o ese montañero que desaparece para más tarde matar a otros dos y reaparecer en el pueblo con siniestras intenciones se acerca más al terreno del pyscho killer. Sin embargo las delirantes y hasta cierto punto divertidas explicaciones —recordemos que son los años 50— centran de alguna forma el relato, y la ingeniosa pluma de Sangster juguetea con los géneros logrando algo que parece imposible, captar nuestra atención por algo que a simple vista resulta ridículo.

La puesta en escena de Lawrence no pasa de correcta con algunos momentos realmente inspirados en cuanto a planificación e iluminación —la fotografía está a cargo del famoso productor en aquellos años Monty Berman—, como por ejemplo la secuencia en la que un personaje escapa de una celda en la que se encuentra recluido —puro terror— o la primera aparición de un alien, escena que si no es vista con perspectiva no será disfrutada como el auténtico momento schock que es en el relato. Con limitados efectos especiales, y que evidentemente son cutres, Lawrence consigue una parte final algo divertida, aunque hay que poner mucho de uno para creerse sin reservas ese final con un avión bombardeando el lugar.

A destacar entre los actores la labor de Janet Munro como mujer de extrema sensibilidad —trabaja realizando números de telepatía— y que supone un peligro para los alienígenas. El poder de la mente, tema muy habitual en la ciencia-ficción, aplicado con inteligencia también en el retrato de los aliens, ya que estos decapitan a sus víctimas para comerse el cerebro o utilizan sus cuerpos ya muertos como armas asesinas. Delirante, divetida, con mucha locura en su argumento pero muy disfrutable.

Iniciamos con este post el especial dedicado a uno de los más grandes —para muchos el más grande—, Alfred Hitchcock, cuya filmografía está dividida en dos partes bien diferenciables, la etapa inglesa y la americana. Nos centraremos en la americana, que es en la que alcanzó sus mayores logros aunque la inglesa posee films importantes como el presente —para un servidor el mejor que realizó en tierras británicas—, ‘El hombre que sabía demasiado’ (‘The Man Who Knew Too Much’, 1934) —film que obtuvo un enorme éxito y le dio al director británico una libertad máxima en futuros proyectos—, ‘Número diecisiete’ (‘Number Seventeen’, 1932), o cómo no ‘39 escalones’ (‘The 39 Steps’, 1935). Antes de que el ilustre David O. Selznick le llamase para producirle algunos títulos Hitchcock realizó ‘Alarma en el expreso’ (‘The Lady Vanishes’, 1938) —aún realizaría otro olvidable film con Charles Laughton antes de cruzar el charco—, que para cineastas como François Truffaut era el mejor que dirigió el maestro.

No sé si se trata del mejor trabajo de Hitchcock —aunque las opiniones de Truffaut jamás deben pasarse por alto—, pero yo tengo muy claro que estamos ante una obra maestra, probablemente la primera en la filmografía del director inglés que merezca tal término. En ella queda muy claro el hecho de que Hitchcock era un gran mentiroso, el más grande de todos, y los elementos que más tarde le harían ser muy admirado, primero por el público, más tarde por la crítica, se encontraban ya todos aquí. Una película de suspense en la que la trama de espionaje es casi despreciada por su director en pos de un juego cinematográfico de primer orden, con un claro y directo sentido del humor, muy negro en algunos casos.

(From here to the end, Spoilers) ‘Alarma en el expreso’ da comienzo con un espectacular travelling sobre un pueblo europeo —realizado con maquetas, hoy día serían efectos digitales— inventado —primer elemento del juego que propone Hitchcock, subrayado por el gracioso idioma del lugar, también inventado— y en el que se nos presenta a multitud de personajes de lo más variopinto. Desde la pareja cómica formada por Basil Radford y Naunton Wayne —invención del guionista Sidney Gilliat que les haría apaecer en más películas como por ejemplo ‘Night Train to Munich’ (id, Carol Reed, 1940)— hasta la pareja protagonista compuesta por Margaret Lockwood y Michael Redgrave, y cómo no, la entrañable señora Froy, papel a cargo de Dame May Whitty, personaje que casi podría considerarse un mcguffin en sí mismo.

Más tarde, cuando nos hemos familiarizado con algunos de los personajes, y asistido a situaciones de pura comedia —el supuesto ruido que hace el músico al que interpreta Redgrave—, acompañados de afilados diálogos sobre la política o las mujeres, más un asesinato y otro intento, la situación se traslada a un tren, maravilloso escenario de muchas películas de misterio y que siempre ejerce cierto poder de fascinación —¿por qué los trenes, al igual que las discotecas, por poner otro ejemplo, quedan tan bien en pantalla?—. Allí, y con más personajes a bordo, Hitchcock dará rienda suelta a su juego y aceptando el hecho de que se monta todo un enorme lío innecesario por el simple mensaje —glorioso detalle de guión— que una viejecita debe llevar a lugar seguro, nos brindará un alucinante divertimento sin parangón que combina con envidiable facilidad el suspense y la comedia.

Aún siendo testigos de la presencia, o existencia, de la simpática anciana, Hitchcock llega a lograr que dudemos de si lo que hemos visto hasta el momento de la desaparición de la misma es cierto o no. Con un soberbio punto de vista centrado en el personaje de Lockwood seremos también las víctimas del maquiavélico engaño llevado a cabo por más personajes de los que pensamos, incluido el propio director, recordemos el mayor mentiroso del mundo. Así pues Hitchcock no sólo nos hace disfrutar con su película, sino ser partícipes de su entramado hasta el punto de que llegamos a dudar de nuestras capacidades de observación para más tarde devolvernos nuestro orgullo. En el camino habremos disfrutado de secuencias tan surrealistas como la pelea entre los protagonistas y el ilusionista italiano, alargada hasta la extenuación, o el impagable final en el que vida, muerte y futuro se dan la mano.

Puede que peque de demasiado sentimentalista pero siempre me ha emocionado ese epílogo en el que la duda sobre el destino de la anciana queda resuelto. Un excepcional travelling sigue a los protagonistas hasta una estancia de la que proviene una melodía que a esas alturas ya debemos sabernos de memoria. Los tres se alegran de verse y esa alegría es contagiosa porque significa el triunfo de lo auténtico, de lo correcto, de la paz si se quiere ver así. Una cara llena de felicidad y unas manos que se aprietan como símbolo de amistad y resultado del esfuerzo. No hay palabras, no son necesarias, y Hitchcock lo sabe perfectamente, porque a través de una mentira ha alcanzado la verdad y deja que el espectador se emocione en silencio.