Me ha sorprendido, incluso agradado, que en esta magna sección se haya votado una cinta de cine clásico, aunque realmente habría que encuadrarla en la etapa en la que el cine empezaba a cambiar considerablemente debido entre otras cosas a la poderosa competencia de la televisión. De hecho si pensamos en muchas sitcoms posteriores —una de ellas, relativamente reciente, cuyos personajes eran seis amigos, tontos de remate, que compartían piso y experiencias, sobrevalorada donde las haya— la influencia de una película como ‘Descalzos por el parque’ (‘Barefoot in the Park’, Gene Saks, 1967) es innegable. Se trata de una de las películas más emitidas por la pequeña pantalla a lo largo de los años, y supuso el primer guión cinematográfico del prestigioso Neil Simon, quien a partir de entonces convertiría en oro casi todo lo que tocase.

Basada en la obra teatral de idéntico título, esta ya había sido protagonizada por Robert Redford en Broadway, quien tuvo una oportunidad de oro en su traslado al cine. El actor venía de coprotagonizar un par de películas con Natalie Wood, a quien se le ofreció en principio el papel femenino, y sobre todo por participar en el gran éxito ‘La jauría humana’ (‘The Chase’, Arthur Penn, 1966), estupendo film en el que también se notan los orígenes televisivos de su realizador. Redford se consolidaba con este film como uno de los actores del momento, cuya trayectoria posterior conocemos todos —ejem—, uno de esos actores que demostraron con el paso del tiempo que la naturalidad podía ser la mejor herramienta para un actor que en pantalla transmite la extraña sensación de que el noble oficio de la interpretación es algo muy fácil. Sin embargo, ‘Descalzos por el parque’ destaca sobre todo por la labor de sus secundarios.

La historia del film nos narra los inicios del matrimonio entre Paul, un joven abogado algo conservador y Corie, una mujer guapa y loca como la vida misma. Tras pasar una muy íntima luna de miel en un hotel, en la que ya quedan claras las diferencias de caracteres entre ambos, se disponen a compartir piso en pleno New York. Allí, en muy pocos días tendrán tiempo para darse de narices con lo que supone estar casado, algo que no sólo deducirán de sus propias experiencias en la convivencia diaria, sino de la relación con uno de sus estrafalarios vecinos, y con la madre de Corie, Ethel. Digamos que ‘Descalzos por el parque’ ofrece tres cosas, la relación entre el matrimonio protagonista, su interacción con vecino y madre/suegra, y la relación de los dos últimos, momentos en los que el film sube muchos enteros. El resto, dejando a un lado el excelente trabajo de Simon, no está a la altura de lo que yo recordaba de este film, cuya revisión le ha hecho bajar unos pocos puntos. Así son los ejercicios de revisión, a veces agradan, otras decepcionan, otras no varían, pero siempre necesarios.

La película posee un ritmo endiablado gracias sobre todo a la velocidad de los espléndidos diálogos, obra y gracia de Neil Simon, sin duda el verdadero artífice. No hay más que comparar los diálogos de esta película con los actuales, y veremos hacia dónde ha caminado el siempre difícil mundo de la comedia, al menos en lo que a guiones se refiere. Aún así hay partes de la trama que se han quedado algo viejas, por mucho que el tema sea el atemporal sentimiento amoroso. Encuentro más de una situación forzada entre el joven matrimonio, sobre todo en su parte final, cuando a ella le entra la neurosis de querer divorciarse. Los motivos son una estupidez sin fundamento, y aunque las intenciones de Simon sean precisamente reflejar las tonterías por las que a veces discuten las parejas, sobre todo cuando se enfrentan al matrimonio, en el film parece metido a calzador. La comedia ahí no funciona del todo.

Robert Redford y Jane Fonda, que por aquel entonces era un sex-symbol y muy merecidamente, se compenetran bastante bien, aunque debo reconocer que ella logra sacarme de quicio alguna que otra vez, y es que no puedo con ese tipo de personajes; mujeres supuestamente libres, locas y originales, que en el fondo esconden un conservadurismo de lo más atroz, fingiendo en todo momento su forma de ser, por no hablar de las contradicciones en las que suelen caer. Por la contra los trabajos de Charles Boyer y Mildred Natwick —justamente nominada al Oscar— están simple y llanamente sensacionales, dos actores en estado de gracia que roban todos y cada uno de los planos en los que aparecen, él como el vecino del ático, estrafalario, encantador y seductor empedernido, ella como madre de Corie, preocupada por su hija y sin amor en su vida. ¿Necesito decir que ambos personajes están hechos el uno para el otro y encajan a la perfección funcionando con la precisión de un reloj suizo?

Es ahí donde ‘Descalzos por el parque’ me cautiva, en el dibujo, a través de la comedia loca y desenfadada, de esos dos personajes en su otoñal vida, como metáfora al famoso dicho de que el amor no tiene edad —sé de alguna que de sólo oír esta frase empieza a temblar de miedo—; y es una verdadera pena que en su segunda mitad dichos personajes desaparezcan de la función para pasar a ser meros espectadores de una reconciliación tan previsible como falsa. Y es que la verdad en esta comedia se palpa en los roles de Boyer y Natwick, que a través de la experiencia convierten en nuevo algo tan viejo como el propio ser humano. Gene Saks, que aquí pecaría de una puesta en escena algo anquilosada, volvería otra vez de la mano de Neil Simon, a tratar las relaciones en su siguiente film, la desternillante ‘La extraña pareja’ (‘The Odd Couple’, 1968), aunque esta vez se trataría de una muy especial, pero eso es otra historia.

En las nominadas a mejor película de animación hemos tenido una doble sorpresa. Por un lado nuestra ‘Chico & Rita’ que pone a Fernando Trueba otra vez a las puertas del premio, y por otro ‘Un gato en París’ (‘Une vie de chat’, Jean-Loup Felicioli & Alain Gagnol, 2010), film francés que junto al mencionado se enfrentan a tres empresas titanes de la animación en plan David contra Goliath. No tengo ningún reparo en decir que ojalá una de estas dos cintas se llevase el gato al agua, nunca mejor dicho. Significaría un gran triunfo de lo tradicional, o clásico, o como queráis llamarlo, contra las modernas técnicas de animación. Pero tampoco meemos fuera de tiesto, que al fin y al cabo en el campo de la animación, algunos de los logros actuales dejan literalmente con la boca abierta. Sólo necesito decir una palabra para demostrarlo: Pixar.

Pero este año la compañía de la que han salido joyas como ‘Up’ (id, Peter Doceter, Bob Peterson, 2009) se ha quedado sin nominación a los Oscars, y eso que ‘Cars 2’ (id, John Lasseter, Brad Lewis, 2011) me parece superior a algunas de las que optan al premio. En cualquier caso así hay más emoción, si es que tal sentimiento puede darse en la ceremonia de los Oscars, a la hora de entregar el galardón. De esa forma podemos soñar con el hecho de que una pequeña maravilla como ‘Un gato en París’ se lleve la dorada estatuilla para Francia, país que por cierto podría llevarse más de un premio pues ‘The Artist’ proviene de allí (coproducción con Bélgica). La ópera prima de Jean-Loup Felicioli y Alain Gagnol destaca sobre todo por la frescura de su historia, llena de encanto y en la que no se renuncia a los homenajes, tan de moda hoy día.

La trama entra de lleno en el más puro Film Noir, con historia de amor y todo. Un gato, de nombre Dino, lleva una doble vida en la ciudad de la Torre Eiffel. Por el día es el cariñosos compañero de Zoe, una niña que no pronuncia palabra, y cuya madre, una policía, está obsesionada con atrapar al asesino de su marido, uno de los ladrones más conocidos y temidos de la ciudad. Por las noches, Dino tiene una muy curiosa aficción; es el compañero de Nico, un ladrón de buen corazón que comete robos. El destino, uno de los principales elementos del cine negro, hará que todos los personajes se encuentren, cambiando para siempre sus existencias. Una premisa que da para mucho en la poco más de una hora que dura la película. Hasta en eso recuerda al cine clásico. Y es que ‘Un gato en París’ también se enfrenta a la dichosa manía actual de que las películas tengan una duración excesiva; obsévese, si no, lo larga que es la por otro lado estupenda ‘Rango’ (id, Gore Verbinski, 2011).

Con una animación que recuerda en algunas cosas a Picasso, de trazos simples, y colores planos, la película enseguida atrapa por el peculiar cariño con el que todo está tratado. Puede que el film camine por algún que otro lugar trillado, al fin y al cabo, la originalidad hoy día es prácticamente una utopía, pero tanto su trama como sus personajes están perfilados con inteligencia la primera, y desprenden un gran carisma los segundos. En su desarrollo argumental podemos encontrar sentidos homenajes a ‘Atrapa a un ladrón’ (‘To Catch a Thief’, Alfred Hitchcock, 1955), por cuanto Nico es un experto en saltar de tejado en tejado buscando sus objetivos; a ‘La noche del cazador’ (‘Night of the Hunter’, Charles Laughton, 1955); e incluso a la mejor película de Quentin Tarantino, como por ejemplo el instante en el que la banda de villanos se pone nombres. Hay instantes de acción, con un muy bien ritmo interno, instantes emotivos, como todo el trauma de la pequeña Zoe o su relación con el gato, y cómo no, momentos para el amor. Podemos decir que ‘Un gato en París’ lo tiene todo, y en tiempo récord.

Me sobran los momentos en los que el film se pone surrealista, con esa visualización por parte de la madre de Zoe del villano de la función, como metáfora a su obsesión y los temores que despierta en ella, todo para después pasar rápidamente a un segundo plano cuando durante todo el metraje es su única motivación para actuar. Por la contra, hay secuencias que demuestran una gran imaginación, como la escena de suspense en absoluta oscuridad, en la que los personajes se distinguen por finas líneas blancas para que el espectador no pierda las referencias espaciales de unos personajes con respecto a otros. Detalles tan sencillos, y enormemente efectivos, como ése, más la belleza con la que es retratada la noche francesa, hacen de ‘Un gato en París’ todo un festín para los ojos.

Así pues, toda una delicia, y cuyo reconocimiento por parte de la Academia de Hollywood es ya esa nominación. El premio sería toda una sorpresa, ya que creo que tiene todas las de ganar la historia de cierto lagarto en el Oeste. Pero nunca se sabe, estas nominaciones me parecen las más extrañas en años, hasta significa la vuelta de Billy Cristal a lo mejor que ha hecho nunca. En cualquier caso, espero que la presencia del film francés en la mayor fiesta que se realiza sobre el Cine sirva para dar a conocer un trabajo lleno de sensibilidad y buen gusto, una declaración de amor en cierto modo a los viejos tiempos. Y al igual que en la más que probable triunfadora de la noche de los Oscars, proviene del viejo continente.

El actor Ben Gazzara ha fallecido en Manhattan este pasado viernes a causa de un cáncer de páncreas. Tenía 81 años.

La carrera de Gazzara, uno de los primeros actores indies antes de que el término se hiciese famoso, se dividió entre el teatro, el cine y la televisión. En teatro alcanzó la fama interpretando en Broadway la famosa obra de Tennesse Williams ‘La gata sobre el tejado de zinc’; siempre amó el arte sobre el escenario y reconoció que se perdió el haber interpretado en cine muchos papeles suculentos que le ofrecieron y rechazó, algo de lo que se arrepintió siempre.

En cine se estrenó en la espléndida ‘Anatomía de un asesinato’ (‘Anatomy of a Murder, Otto Preminger, 1959), demostrando lo que durante los años siguientes pudimos ver, que era un actor de carácter fuerte con intensa personalidad, capaz de dar vida a personajes encantadores y también a villanos sin escrúpulos. Si tuviera que destacar algo de sus interpretaciones, me quedaría sin duda con su penetrante mirada, magnética como pocas. Casi siempre en papeles de secundario, algunas de las películas más importantes de su filmografía fueron ‘Husbands’ (1970), de John Cassavetes, al que estuvo unido por una fuerte amistad, ‘Saint Jack, el rey de Singapur’ (‘Saint jack’, Peter Bogdanovich, 1979), ‘Todos rieron’ (‘They All Laughed’, Peter Bogdanovich, 1981) —en la que trabajó con Audrey Hepburn, con quien llegó a vivir un romance—, ‘De profesión: duro’ (‘Road House’, Rowdy Herrington, 1989), ‘El gran Lebowski’ (‘The Big Lebowski’, Joel Coen, 1998), ‘Happinesss’ (id, Todd Solondz, 1998) o ‘Dogville’ (id, Lars Von Trier, 2003). Recibió el premio Donostia en el 2005, y trabajó hasta el fin de sus días.

Hasta siempre Ben.

Vía | IMDb

‘Hasta que llegó su hora’

Una de las obras maestras de Sergio Leone, lírica como pocas, culmina con uno de los duelos más esperados de la historia del cine. Una venganza largamente retrasada, un clímax único. Un uso del flashback ejemplar. Charles Bronson en el papel de su vida. Henry Fonda como inolvidable villano, y Ennio Morricone poniendo la piel de gallina. Cada vez que la veo no puedo evitar emocionarme y pensar en el lejano oeste y en el nacimiento de una nación, que avanzó a marchas forzadas, perdiéndose sus antiguos héroes en el polvo del olvido. Y también pienso en Claudia Cardinale.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Hasta que llegó su hora’, Sergio Leone y la fábula (I)

‘Duelo al sol’

Una pasión tan destructiva que sólo podía acabar de la única forma posible. Gregory Peck, en un papel poco común en su carrera, y Jennifer Jones, en una de sus pocas interpretaciones salvables, dan vida a una de las parejas más problemáticas de toda la historia del género. ‘Duelo al sol’ (‘Duel in the Sun’, King Vidor, 1946) está llena de momentos inolvidables, pero su final es justamente legendario. Se hizo intentando realizar en el western un nuevo ‘Lo que el viento se llevó’, y les salió una obra maestra redonda. Y es que Vidor es mucho Vidor.

‘El hombre que mató a Liberty Valance’

Probablemente la mejor película del gran John Ford, y no me atrevo a asegurarlo, ya que la cantidad de obras maestras que ese hombre hizo es impresionante. La leyenda siempre es más bonita que la realidad, y en lugar de poneros el enfrentamiento inicial, os pongo el flashabck que se produce más tarde, y en el que se revela la verdad sobre el duelo que acabó con uno de los bandidos más temidos del oeste, personificado con maestría por Lee Marvin en uno de sus primeros y más recordados papeles. John Wayne y James Stewart inmensos. La película lo tiene absolutamente todo.

‘Duelo de titanes’

El duelo en el OK Corral es sin duda uno de los más famosos en el séptimo arte. Podría haber puesto el de John Ford, el de Lawrence Kasdan o incluso el de George Pan Cosmatos, pero he elegido el de John Sturges porque es el más largo de todos, y la planificación y el montaje son soberbios. Un western puro y duro, en la mejor tradición del género, y con dos gigantes como Burt Lancaster y Kirk Douglas mano a mano. Podéis ver a un jovencísimo Dennis Hopper por ahí.

‘Sin perdón’

La desmitificación definitiva sobre el género culmina con un claustrofóbico tiroteo soberbiamente fotografiado por Jack N. Green. William Munny, un asesino de mujeres y niños, decidió matar a todos los compinches de Littel Bill, asesinando antes al dueño de una pocilga decorada con el amigo muerto de Munny. Una cita en el infierno. La tumba de su esposa, ninguna señal, y el olvido.

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• Clint Eastwood: ‘Sin perdón’

‘Duelo en la alta sierra’

El hombre que cambió para siempre la perspectiva del western se dio a conocer con esta película, en la que unos maduros Joel McCrea y Randolph Scott representaban los viejos tiempos. El final es simplemente antológico, un duelo maravillosamente coreografiado y un plano final contundente y muy triste.

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• Sam Peckinpah: ‘Duelo en la lata sierra’

‘El último pistolero’

Don Siegel tuvo la oportunidad de filmar la despedida cinemtográfica de John Wayne, quien ya enfermo de cáncer tomaba láudano para soportar los terribles dolores. Un reparto lleno de viejas glorias para un film triste y melacólico, con un final sublime. También puede verse a un joven Ron Howard años antes de meterse a director y torturarnos con sus películas. A citar la famosa anécdota en la que John Wayne se negó a que su personaje disparase a otro por la espalda, a lo que Siegel contestó que Clint Eastwood lo hubiera hecho. Por cierto que Eastwood visitó el set de rodaje varias veces. ¿Os imagináis lo que hubiera sido un western protagonizado por esos dos? Yo no puedo, porque lloro.

‘El vengador sin piedad’

Una de las maravillas ocultas del infravalorado Henry King. Gregory Peck da vida a un hombre sediento de venganza, la cual le obsesionará hasta límites insospechados. En el vídeo vemos cómo se enfrenta a uno de los hombres de la banda que persigue sin gastar una sola bala. Al igual que en la magnífica ‘El pistolero’ (‘The Gunfighter’, 1950) King subraya las connotaciones psicológicas del relato con unas conclusiones morales terribles.

‘Raíces profundas’

‘Shane’ es uno de los mejores westerns jamás filmados, y el duelo final una lección de planificación y tensión. En un espacio tan cerrado como el de una taberna, George Stevens logra un milagro. Alan Ladd en el papel de su vida y el mítico Jack Palance como el mítico villano. La secuencia final del niño llamando a su amigo es justamente legendaria. Años más tarde Clint Eastwood le rindió un sentido homenaje en la también imprescindible ‘El jinete pálido’ (‘Pale Rider’, 1985).

‘La muerte tenía un precio’

Sergio Leone tenía que hacer doblete en esta selección con la película que es la culpable de que me apasione el cine. La dilatación del tiempo tan típica de su director en una escena mítica. El detalle del reloj, grandioso por su importancia narrativa en la historia. Un duelo en igualdad de condiciones, y Morricone marcando una vez más el carácter de los personajes. Una venganza, una recompensa, Eastwood, Lee Van Cleef y Gian Maria Volonté. Inolvidable.

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• Clint Eastwood: ‘La muerte tenía un precio’

‘Moneyball’ (id, Bennett Miller, 2011) —voy a pasar del ridículo subtítulo que le han puesto en España, ‘Rompiendo las reglas’— es una de las películas finalistas en las nominaciones a los Oscars 2012. Seis nominaciones entre las que se encuentran los premios gordos de mejor película, mejor actor principal —Brad Pitt—, y mejor actor secundario —Jonah Hill—, y que salvo la de Pitt considero a todas luces excesivas. Hay otras películas que merecerían ocupar el lugar del trabajo de Miller antes que este, quien curiosamente no está nominado. Pero hablamos de un film que habla sobre el deporte rey en los USA, el béisbol, que tal y como decían en la mágica ‘Campo de sueños’ (‘Field of Dreams’, Phil Alden Robinson, 1989) es el deporte que ha caracterizado a América a través de los años, recordando a su pueblo que una vez fueron buenos y que pueden volver a serlo. Una forma de identidad de uno de los países más poderosos del planeta. Y en cine, cuando hablan de ello, se nota que lo aman profundamente.

Es quizá por eso que las películas que de una u otra forma narran algo relacionado con este deporte —el cual personalmente encuentro fascinante, y sí, entiendo las reglas, bastante fáciles de comprender— suelen tener una gran aceptación popular, algo que no suele extenderse fuera de los límites de los USA, tal y como han demostrado las carreras económicas de films como ‘Ellas dan el golpe’ (‘A League of Their Own’, Penny Marshall, 1992), ‘Una mujer en la liga’ (‘Mayor League’, David S. Ward, 1989) o ‘The Rookie’ (id, John Lee Hancock, 2002), estruendosos éxitos de taquilla en su país de origen, films que pasaron sin pena ni gloria por nuestras carteleras cuando no se estrenaron directamente en DVD. El béisbol por estos lares está claro que no tiene la misma aceptación, y ya veremos cómo le va en taquilla a ‘Moneyball’, film lleno de datos y más datos sobre un deporte que por aquí poco interesa.

Como casi todas las películas sobre este deporte —a la cabeza la muy grande ‘El orgullo de los Yanquis’ (‘The Pride of the Yanquees’, Sam Wood, 1942) con unos Gary Cooper y Walter Brennan inmensos— ‘Moneyball’ recoge hechos reales, en este caso la historia de Billy Beane (Pitt), un ex-jugador de béisbol, que no pudiendo demostrar su valía en el juego, se retiró a probar suerte como director de equipos, siendo el Oakland Athletics el equipo en el que haría historia. Relegados al último puesto de la liga, con los grandes jugadores adquiridos por otros equipos, Beane debe reconstruir el equipo con muchísimo menos presupuesto. Para ello echará mano del joven Peter Brand (Jonah Hill), un economista de Yale con un método basado en estadísticas de ordenador, algo que pondrá en jaque al entrenador y los demás directivos, que no ven con buenos ojos esa nueva técnica supuestamente revolucionaria.

La mayor parte del metraje de ‘Moneyball’ se centra en el debate que supone traicionar en cierto modo la tradición de un juego como el béisbol, en cuanto a la forma de captar nuevos fichajes. Para unos, los más tradicionales, el deporte supone horas y horas de sudor en el campo de juego, y el contar que siempre hay algo que no se prevé, pues sobre el campo de batalla, por así llamarlo, pueden suceder cosas inesperadas. Por el otro, dos hombres ferozmente entregados a la creencia de que las estadísticas de ordenador traerán la solución a sus problemas. El sólido guión de Steven Zaillian y Aaron Sorkin —sus currículums hablan por sí solos— llena de datos la historia, algunos de ellos muy interesantes, al descubrirnos y acercarnos los entresijos de un deporte tan amado por muchos e ignorado por otros tantos. Pareciera de algún modo que ‘Moneyball’ está hecha en cierta medida para aquellos que no conocen bien el deporte, y eso tiene su mérito, pues la película no muestra demasiadas escenas de béisbol, e incluso renuncia a recrearse en algunos momentos clave del juego como sí hacen otros films de la misma índole.

Sobre el papel ningún problema. Sin embargo, la puesta en escena de Bennett Miller ya es otro cantar, y los defectos que mostró en su anterior film, el muy académico ‘Truman Capote’ (‘Capote’, 2005) salen a relucir en ‘Moneyball’. Lo que el libreto de Zaillian y Sorkin parece prometer, mezclando en la vida de Baine retos profesionales y personales, se pierde un poco con una escenografía sin alma ni pasión, fría por momentos. De acuerdo que maneja bastante bien el ritmo —hablamos de una película que no llega a aburrir en sus dos largas horas de duración, a pesar de tantos diálogos sobre el béisbol—, apoyado en un digno montaje de Christopher Tellefsen, pero siempre nos deja la extraña sensación de no visualizar con grandeza lo que el guión sugiere. Hay instantes en los que Miller se debate entre el virtuosismo —sutiles planos secuencia en los gimnasios— y el lenguaje puramente televisivo. Al menos no ha caído en los efectismos que caracterizan la mayor parte del cine actual, y ‘Moneyball’ puede presumir de cierta sobriedad.

Creo que lo mejor de la función es un muy entregado Brad Pitt, consciente de su condición de estrella, pero sin dejar que ello arruine su labor. Su personaje es sin duda uno de los mejores de su carrera, demostrando que está en su mejor momento. Podemos apreciar en su rostro al mismo tiempo su preocupación —su hija, el equipo—, su enfado —los pobres resultados en el juego—, y sobre todo su firme convicción en lo que hace. Pitt transmite una serenidad increíble, controlando en todo momento su personaje, algo que por otro lado intenta, pero infructuosamente, Jonah Hill, cuya nominación encuentro la más exagerada de todas. Este actor no puede quitarse la cara de cachondeo que tiene, y sus intentos de papel serio producen el efecto contrario, con sus silencios, sus balbuceos y sus miradas al infinito. Pitt es el que lleva el peso de la función por los dos. A un lado Philip Seymour Hoffman, que llena todos los planos en los que sale, está muchísimo más convincente.

Una clase sobre cómo funcionan las cosas en el negocio del béisbol y una excelente interpretación. Nada más.

El director Jean-Jacques Annaud tuvo su momento de esplendor a raíz de su éxito por ‘En busca del fuego’ (‘La guerre du feu’, 1981), tras la cual vinieron las aún más exitosas ‘El nombre de la rosa’ (‘Der Name der Rose’, 1986) y ‘El oso’ (L´ours’, 1988). Films que mostraban a un director que sabía encontrar un equilibrio narrativo/estético realmente envidiable, tomando la sencillez como la mejor de las herramientas. Como muchos otros realizadores, enseguida sucumbió al esteticismo y sus films se volvieron estampas muy bonitas pero vacías de todo contenido. Con ‘Oro negro’ (‘Black Gold’, 2011), que ha pasado completamente desapercibida por las carteleras de nuestro país, parece regresar a cierto tipo de cine, podemos llamar clásico, con un punto de épica, en una de esas historias de las que ya no se cuentan.

Annaud intenta devolver al séptimo arte ese tipo de película que parece ya no interesan a nadie —quizá de ahí su poca repercusión en los cines, más sorprendente aún cuando viene de un director que vivió tiempos mejores, narrando historias que sí interesaban a las audiencias— en una película alejada de toda parafernalia visual, aunque no reniegue de las actuales técnicas digitales tan de moda. Con un ajustado presupuesto de 40 millones de dólares —cualquier otro director de mayor renombre hubiese necesitado mucho más— Annaud logra que ‘Oro negro’ luzca como una superproducción en toda regla, llena de extras, y en cuyas imáganes bucea el recuerdo de cierta cinta dirigida por el gran David Lean, salvando las distancias evidentemente.

La película recoge a modo de relato de aventuras los enfrentamientos entre distintos clanes en los reinos árabes a principios de los años 30, cuando una compañía texana intentó explotar los grandes yacimientos de petróleo. En un lugar denominado el cinturón dorado es donde se quiere extraer el crudo, pero dicho lugar permanece intacto como símbolo de la paz entre dos reinos anteriormente en guerra. Los problemas surgirán cuando uno de ellos quiera enriquecerse a costa del petróleo, saltándose el acuerdo con su oponente, quien parece negarse a todo progreso. Premisa muy clásica, en la que se habla entre otras cosas de las tradiciones, de los peligros de todo avance tecnológico, de las creencias y no sólo religiosas, en un marco lleno de arena, sol y siempre con una claridad narrativa que haría las envidias de muchos realizadores perdidos en querer romper las mal llamadas reglas del cine.

La sensación que produce ‘Oro negro’ en su primer tercio es la de desconcierto, incluso rechazo. Cuesta creerse a alguien como Antonio Banderas en la piel de un rey árabe codicioso, pero que en el fondo parece tonto de remate, ofreciendo una visión de los árabes poco menos que ridícula. A su lado, o más bien enfrente, su antagonista, un muy correcto Mark Strong cargando con un personaje más rico en matices. Es en la historia de uno de los hijos del segundo, y la relación con su padre, donde encuentro los mayores atractivos del film, pues se ponen sobre la mesa cuestiones tan antiguas como antiguo es el ser humano, cuestiones que seguirán llenándonos de dudas en siglos venideros. Cuestiones sobre las cosas de verdadero valor, el coraje, la amistad, la compasión, y sobre todo, el amor.

Tahar Rahim, al que todos pudimos admirar en la magistral ‘Un profeta’ (‘Un prophète’, Jacques Audiard, 2009), lleva en cierto momento todo el peso de la función, como joven ensimismado con los libros en un pueblo cuya ignorancia y fanatismo religioso —el Corán se nombra repetidas veces, y no precisamente para dejarlo bien— les llevan a hacer cosas realmente sin sentido. Será precisamente su conocimiento el que le lleve a convertirse en un hombre perfectamente preparado para la guerra, pero también para ser un hombre justo capaz de encontrar el entendiemiento entre oriente y occidente. Pero como todos los grandes hombres que protagonizan grandes historias, encontrará la verdadera madurez y hombría a través del sacrificio y las penurias. Son varios los instantes en los que Annaud nos muestra hechos tristes, pero afortunadamente sin cargar las tintas, por mucho que la banda sonora de James Horner, empeñado en plagiar a John Williams en algunos instantes, se empeñe en ello.

Annaud se muestra simpre seguro, manejando el ritmo a la perfección, aunque habría que demandar algo más de pasión, y sobre todo el no descuidar a ciertos personajes. Baste recordar el papel de una decorativa Freida Pinto, a quien se le echa en falta un poco más de empaque en una historia en la que continuamente nos recuerdan que el amor es el bien más preciado del hombre. Los diálogos entre Mark Strong y Tahar Rahim están llenos de grandes frases para enmarcar, grandes verdades que nos hacen reflexionar sobre lo verdaderamente importante en la vida. La posible grandeza de ‘Oro negro’ se encuentra más en sus líneas de diálogo que en sus imágenes, filmadas con más corrección que maestría, y es que da la impresión de que Annaud ha jugado sobre seguro, sin haberse arriesgado. El riesgo se ha corrido a la hora de estrenarla, pues las audiencias de hoy día reniegan de este tipo de productos de factura clásica.

Dario Argento fue durante los 70 el máximo representante del giallo, subgénero de misterio y terror, basado en novelas policiacas publicadas en los años 30 en Italia y cuyas portadas eran amarillas, que es lo que significa la palabra giallo. Los orígenes cinemtográficos podemos encontrarlos en el gran Mario Bava y su ‘La muchacha quesabía demasiado’ (‘La ragazza che sapeva troppo’, 1963). Luego directores como Lucio Fulci o Aldo Lado contribuyeron a fomentar el género. Incluso en los USA se hicieron eco de ello con la nada desdeñable ‘Black Christmas’ (id, Bob Clark, 1974), pero fue sobre todo Dario Argento quien le dio el espaldarazo definitivo al subgénero con films como ‘El pájaro de las plumas de cristal’ (‘L’uccello dalle piume di cristallo’, 1970), ‘El gato de las nueve colas’ (‘Il gatto a nove code’, 1971) o la que un servidor considera su mejor película, ‘Rojo oscuro’ (‘Profondo rosso’, 1975).

A finales de este año la editorial Cátedra publicará un libro como resultado de un ambicioso proyecto, un diccionario de directores, en el cual a un servidor le ha tocado hablar entre otros, de Dario Argento. Revisando su filmografía, me he encontrado con el típico dicho de que el tiempo no perdona, y es verdad en algunos casos. Ha supuesto para mí una grandísima decepción el comprobar como películas como la famosa ‘Suspiria’ (id, 1977) se revelan como insensateces mal narradas, con argumentos de lo más forzado y únicamente salvables en su uso del color. Por supuesto también me he visto algunas de sus películas más recientes, como es el caso de esta ‘Giallo’ (id, 2008), que hace referencia en su título al subgénero que le dio la fama y el reconocimiento. El resultado no está, desgraciadamente, ni a la altura de sus peores películas, que ya es decir.

‘Giallo’ está producida por nada más y nada menos que Adrien Brody, que a saber qué interés tenía en poner dinero en un producto de semejantes características. Tal vez se considera un fan de Argento y ha hecho realidad uno de sus sueños. El caso es que Brody susituye al inicialmente previsto Ray Liotta, y también a Vincent Gallo, quien se salió del proyecto tras enterarse de que su ex-prometida, Asia Argento, hija del realizador y probablemente lo mejor que ha hecho el director nunca, iba a protagonizarla. Al final no pudo ser porque la actriz estaba embarazada y fue sustituida por Emmanuelle Seigner, esposa de Roman Polanski, para quien trabajó en las imprescindibles ‘Frenético’ (‘Frantic, 1988) o ‘Lunas de hiel’ (‘Bitter Moon’, 1992). Brody se permitió además el capricho de dar vida a los dos personajes antagonistas, haciendo un anagrama con su nombre haciéndose llamar Byron Diedra.

Un asesino en serie está poniendo en jaque a la policía italiana con una serie de horrendos crímenes en los que mata a chicas guapas —qué original el tío—, obsesionando hasta límites insospechados al Inspector de policía Enzo Avolfi (Brody), quien recibirá la ayuda de la hermana de una modelo desaparecida —personaje a cargo de la española Elsa Pataky— para resolver el caso de una vez por todas. Lo dicho, una estupidez de guión, que demuestra una vez más que Argento jamás ha sido un buen guionista —tal vez al respecto cabe citar que su mejor trabajo es su historia para la impresionante ‘Hasta que llegó su hora’ (‘C’era una volta il Wes’, Sergio Leone, 1968), en la que no escribió ni una sola línea para el guión—; aunque su gusto por el color rojo sigue bien patente en ‘Giallo’, pero esta vez totalmente desaprovechado, renunciando así a la creación de una adecuada atmósfera de terror o suspense.

Dejando a un lado que las motivaciones del asesino, quien para colmo tiene una enfermedad en los riñoñes por lo que su piel es de color amarillo, homenaje a la palabra giallo ya de por sí ridícula, son de lo más absurdas, lo que más sorprende es ver a Adrien Brody metido en la piel de dos personajes. Por un lado el inspector encargado y obsesionado con el caso, y que no tiene ni la más mínima profundidad, ni siquiera el actor es capaz de dotar al mismo de un mínimo de personalidad. Por otro, y con un poco de maquillaje que lo convierte prácticamente en un muñeco feo de feria, al asesino, el cual es más bien torpe a la hora de secuestrar a sus víctimas, incluso cuando acaba con ellas. Lo cierto es que uno se pregunta cómo la policía tarda tanto en atraparle. Podemos encontrar incongruencias, por así llamarlas, de este tipo en muchas cintas del giallo, pero que el villano de la función se presente tan poca cosa como en el caso que nos ocupa es algo que llama poderosamente la atención, arruinando buena parte de la función, pues no causa ni el más mínimo temor.

Emmanuelle Seigner también demuestra que cualquier tiempo pasado fue mejor, haciéndose cargo de un personaje totalmente imprescindible. A su lado Elsa Pataky lo hace mucho mejor como la víctima sufridora con la que hay alguna escena sangrienta, de obligada presencia en toda cinta de estas características. Al respecto cabe citar también que el film se queda corto en sus escenas sangrientas, y también bastante cutre, algo inesperado en un realizador que nunca ha escatimado a la hora de mostrar sangre. En cualquier caso, sus mayores defectos provienen de un ritmo inexistente por culpa de una penosa narración, y la sensación de que ninguno de sus artífices se ha creído absolutamente nada de la historia. Próximamente Argento estrenará su particular versión sobre el vampiro más famoso de todos los tiempos, y en 3D. Qué miedo.

En 1999 dos tipos de los que ahora nadie se acuerda, llamados Daniel Myrick y Eduardo Sánchez escribieron y dirigieron una película titulada ‘El proyecto de la bruja de Balir’ (‘The Blair Witch Project’) con la que se rieron de medio planeta —supongo que el otro medio vive con la felicidad que supone el no haberla visto—, logrando gracias a una excelente campaña de marketing que el público acudiese en masa a las salas a ver lo que yo considero una de las más grandes tomaduras de pelo de toda la historia del cine. Dejando a un lado que cualquiera de los films que dirigieron por separado a posteriori son mucho más interesante que el mencionado —sobre todo ‘Alterado’ (‘Altered’, Eduardo Sánchez, 2006)— poco se imaginaban estos dos que su invento iba a revolucionar a las audiencias diez años después.

El subgénero llamado found footage, por aquello de la cámara subjetiva, o bien mockumentary, por aquello de hacer pasar por cierto algo ficticio, ha tenido con la correcta ‘Paranormal Activity’ (id, Oren Peli, 2007) uno de sus máximos exponentes, iniciando esta una saga que ha seguido cosechando montones de dinero a pesar de lo bochornoso de sus secuelas. Films patrios como ‘[Rec]’ (id, Paco Plaza y Jaume Balagueró, 2007) o ‘Monstruoso’ (‘Cloverfield’, Matt Reeves, 2008), por citar más ejemplos, se sumaron a la moda desarrollando con más eficacia las posibilidades de la cámara subjetiva, convirtiéndola en un personaje más de la función. Ahora nos llega al mercado casero español la noruega ‘Troll Hunter’ (‘Trolljegeren’, André Øvredal, 2010), que juega en la misma liga, añadiendo algo de mitología al asunto.

Resulta curioso como algunas de estas películas jamás llegan a nuestras pantallas, y otras, como el caso que nos ocupa se estrenan directamente en DVD. Quiero decir con esto que muchas de esas películas, caso de cierto bodrio protagonizado por Milla Jovovich y cuyo título me niego a decir, no merecerían ni distribución, y en cambio otras que sí merecerían que las conociese más gente, terminan en el mercado casero, siempre más menospreciado por el espectador. ‘Troll Hunter’ no es ninguna maravilla, al fin y al cabo su premisa es mínima, el desarrollo justo y su sensación de déjà vu, constante. Pero hay en ella elementos suficientes para defenderla y destacarla entre tanta mediocridad del mencionado subgénero. La gracia, nunca mejor dicho, está en haber renunciado a la moda imperante, esto es, infectados y fantasmas varios que no descansan y quieren hacer su agosto entre los vivos.

En este caso se ha echado mano de la mitología escandinava y se ha vuelto sobre una serie de criaturas cuyo término se usa más en lugares como la red en la que abundan los blogs personales o comerciales como éste. Evidentemente me refiero a los trolls, cuya imagen parece deformarse con el paso del tiempo y ahora nos referimos a ellos cuando hablamos de esos insensatos que no tienen nada que hacer con sus vidas más que meterse con los demás sólo por pura diversión. A los trolls a los que me refiero son evidentemente esas figuras mitológicas tan poco exploradas en el cine, y que en ‘Troll Hunter’ están bañados con cierto encanto a pesar de su peligrosidad. El film de Øvredal añade además ciertas gotas de humor a la historia, sin renunciar en ningún momento al relato de terror puro y duro, pero como en este campo cada vez es más difícil sorprender al poco exigente espectador —menuda contradicción— la comedia le da cierta frescura al producto.

Con la sempiterna coletilla de “esta grabación se encontró sin saberse nada del destino de sus autores”, y que ya cansa porque hay que ser muy, pero muy burro para creerse que algunas de las películas pertenecientes a este subgénero son grabaciones reales, el film nos narra cómo unos jóvenes estudiantes se adentran en la Noruega profunda, maravillosamente fotografiada, para investigar las misteriosas muertes de osos salvajes. Una vez allí se encontrarán con la figura de un enigmático cazador —excelente Otto Jespersen— que caza precisamente trolls. Resulta admirable la capacidad del realizador para lograr que nos creamos lo dicho y que no resulte ni forzado ni ridículo, sobre todo dado el aspecto de algunos de los trolls que aparecen en pantalla, eso sí, muy fugazmente. Cabe señalar los excelentes efectos visuales, a pesar del muy limitado presupuesto, y lo bien que Øvredal films a los trolls, nunca demasiado y sí lo suficiente, sobre todo en su extraño tramo final.

En su contra cabe decir que durante su desarrollo el film se vuelve demasiado monótono y parece no ir hacia ningún lado concreto, como también el finalizarlo porque sí apoyándose en la excusa de que son grabaciones y no se encontraron más. La monotonía conduce un poco hacia el aburrimiento y esa sensación de ya visto antes comentada. Afortunadamente el tono de comedia en ciertos instantes animan la función sobremanera, las referencias al trabajo social que hace el cazador, y la rueda de prensa final son detalles cómicos que valen su peso en oro, inteligemente introducidos en la historia. Y también la simpatía que desprenden algunos de los monstruos. En cualquier caso un producto más digno de lo que parece a pesar de las limitaciones del propio subgénero.

‘The Collector’ (id, Marcus Dunstan, 2009) es una película que nos ha llegado con bastante retraso, algo realmente incomprensible cuando se trata de un producto que bien podría haberse estrenado directamente en DVD o Blu-ray. La limitada distribución del mismo no favorecerá el hecho de que se trata de un film totalmente desconocido, y su aspecto de producto perteneciente al torture porn ha hecho que pase de tapadillo por nuestras carteleras. Se trata de la ópera prima de Marcus Dunstan, quien hasta ahora era conocido por haber realizado los guiones de buena parte de la saga ‘Saw’, y de una trilogía también poco conocida en nuestro país, ‘Feast’. Las coincidencias con ambas sagas no son pocas, sobre todo en lo que respecta a crudas imágenes en las que un ser humano es torturado de la forma más retorcida posible.

En algún sitio he leído que ‘The Collector’ es como una especie de ‘Solo en casa’ (‘Home Alone’, Chris Columbus, 1990) a lo bestia y para adultos. Lo cierto es que la comparación tiene su gracia, pues nos hallamos ante un film cuyo argumento recuerda un poco al film protagonizado por Macaulay Culkin. Pero aquí no tenemos niños insoportables ni un secundario de la talla de Joe Pesci para ofrecer la guinda cómica al relato. De hecho en el film de Dunstan no hay el más mínimo espacio para el humor, todo es tensión, litros y litros de hemoglobina y una casa llena de trampas mortales cuya efectividad no deja lugar a dudas. El resultado, sin necesidad de alegrarnos profundamente, es mejor de lo esperado.

Josh Stewart, encabezando un reparto que bien podría considerarse como lo peor de la función, da vida a un pobre trabajador, Arkin, que desea sacar de un apuro a su ex-mujer, la cual debe una importante cantidad de dinero. Para ello intentará cometer un robo en una casa en la que ha estado trabajando, y en cuya caja fuerte se encuentra la solución a sus problemas. La sorpresa llegará para él y para el espectador cuando en un tranquila noche penetre en la casa y descubra que ésta está llena de trampas mortales y que alguien más está en la casa, alguien que lleva el rostro oculto, que tiene una inquietante respiración y cuyas intenciones es mejor no descubrir. A partir de ahí el robo pasa a un segundo plano y la supervivencia y el salir vivo de la casa serás sus máximas prioridades. Sin lugar a dudas una premisa con cierto atractivo, por cuanto en los primeros 45 minutos no sabemos lo que ocurre, y que desgraciadamente sólo está al servicio de un buen puñado de escenas sangrientas.

‘The Collector’ entra de lleno en ese tipo de films en los que se entra de lleno en uno de los grandes miedos de cualquier persona, el ser atacados en su propio espacio de intimidad, el hogar. La violación de nuestros espacios personales, con nuestro cuerpo como el refugio más íntimo que existe, ha sido el tema de numerosas películas a lo largo y ancho de la historia del cine. Hace poco llegaba a nuestras pantallas la prescindible ‘Bajo amenaza’ (‘Trespass’, Joel Schumacher, 2011), y antes de ella podemos citar films como ‘Secuestrados’ (Miguel Angel Vivas, 2011), ‘Funny Games’ (id, Michale Haneke, 1997) y su inútil remake estadounidense, u ‘Horas desesperadas’ (‘The Desperate Hours’, William Wyler, 1955) y su nada desdeñable remake a cargo de Michael Cimino. ‘The Collector’ es la hermana salvaje de todos ellos, un film sin ninguna concesión, aunque camina por lugares quizá demasiado comunes, cayendo a ratos en la previsibilidad más evidente y lógica.

No hay duda de que su primera mitad es la más interesante, aquella en la que el espectador está tan desconcertado como el personaje central, un ladrón que pasa a ser víctima de un juego de lo más perverso e intranquilizador. No sólo nos sentimos conmocionados por el hecho de que puedan entrar en nuestra casa tan fácilmente a robar, sino que además podemos ser objeto de las crueldades más viscerales de una mente enferma cuyas motivaciones jamás llegamos a saber. Ese detalle llega a infundir todavía más pánico, el hecho de saber sólo lo justo y necesario sobre el asesino con una muy malsana curiosidad en el ser humano. Una vez descubierto el extraño hobby del asesino, y que evoca en cierto modo otra película del mencionado William Wyler, el film se recrea en exceso en escenas de lo más efectistas y sangrientas. Ganchos que se clavan a la piel, cristales, cuchillos, tripas desparramadas, y un baúl que guarda alguna sorpresa son algunos de los elementos que Dunstan utiliza para alterar nuestros sentidos.

Pero la calidad de ‘The Collector’ no se encuentra en sus sanguinolientas secuencias, una obligación en toda torture porn, sino en el ritmo que Dunstan imprime al relato, logrando también cierta atmósfera, y que por una vez nos ponemos del lado del bueno de la función, esperando, deseando, que logre salir de tan maléfica casa. Por cierto que hay que pasar por alto algún que otro detalle forzado como el de cierto policía que entra en escena en un momento dado, o la cuestión de cómo el asesino ha hecho para llenar toda la casa de trampas sofisticadas en tiempo récord. En cualquier caso Dunstan ha logrado un producto mínimamente entretenido, y tal y como mandan los cánones del género, con un final abierto, y que próximamente tendrá su continuación en ‘The Collection’, ya en fase de post-producción.

Para compensar el fracaso en taquilla de la maja ‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’ (‘Midnight in the Garden of Good and Evil’, Clint Eastwood, 1997), director y Warner decidieron hacer un film de género, esta vez protagonizado por la estrella, con vistas a atraer a un mayor número de público a las salas. El proyecto elegido fue la adaptación de una novela de Andrew Klavan que versaba sobre la condena a muerte de un inocente. Así pues Eastwood se sumaba a la moda de películas que denunciaban, cada uno a su modo, esa lacra tan grande en el sistema judicial estadounidense, que inundaban las carteleras de medio mundo en aquellos años. Desde las visiones personales de Tim Robbins, hasta James Foley o Bruce Beresford, con irregulares resultados los segundos, hasta llegar al mismo año del film que nos ocupa con la muy celebrada ‘La milla verde’ (‘The Green Mile’, Frank Darabont, 1999), el cine se hacía eco de algo que Eastwood trató con extrema sutileza pero con resultados contundentes.

Pero el referente cinematográfico más directo de ‘Ejecución inminente’ (‘True Crime’, 1999) está en un film de Henry Hathaway, ‘Yo creo en ti’ (‘Call Northside 777’, 1948), en la que un excelente James Stewart daba vida a un periodista que reabre un caso de asesinato convencido de la inocencia del reo. En la presente, Clint Eastwood da vida a Steve Everett, personaje hecho a su medida por cuanto estamos ante un outsider, siempre a contracorriente, mujeriego, solitario —con un matrimonio al borde del fracaso y una hija pequeña a la que descuida— y que sólo se fía de su olfato, el cual le ha metido anteriormente en problemas. Tras las cámaras demostró cuan inteligente puede ser, logrando que en un producto destinado a un público mayoritario éste se sintiese cuanto menos desconcertado, y todo por una secuencia final, duramente criticada, pero que ni mucho menos es lo que aparenta ser. Una vez más, Eastwood no deja que millones de consumidores de palomitas le digan lo que tiene que hacer, tal y como rezaba su inolvidable personaje en ‘Cazador blanco, corazón negro’ (‘White Hunter, Black Heart’, 1990).

El film da comienzo con la descripción del personaje central, Steve Everett, mujeriego empedernido que en un bar está ligando con una jovencita. Llama poderosamente la atención por el hecho de que Eastwood contaba ya 69 años, y quizá era demasiado mayor para dar vida a un don juan. Sin embargo resulta bastante creíble, ya que el actor juega con su propia imagen, todo un icono durante décadas. Actores como Cary Grant o Gary Cooper —éste por ejemplo en ‘Ariane’ (‘Love in the Afternoon’, Billy Wilder, 1957), film que caerá en el especial “El amor en 32 películas“— interpretaron a galanes cuando ya tenían una edad y nadie se quejó por ello. En cualquier caso es un detalle que no resta importancia al film, y no se repite, y además justifica el hecho de que Everett termine heredando una entrevista de la joven compañera de trabajo, la de un reo a muerte por cargo de asesinato, debido a que aquella muere en un accidente de coche.

La pena capital se llevará a cabo en 24 horas, y Everett tiene una intuición debido a que en la investigación que realiza encuentra ciertos aspectos no demasiado claros. Es precisamente ese tramo el que permite a Eastwood sacar el máximo provecho de un guión escrito a varias manos y comandado por Larry Gross, durante tiempo uno de los escritores de Walter Hill —próximo especial en estas páginas—; y en el que se describe sin miramientos el circo mediático que se forma alrededor de la ejecución. Todo ello con un cambio sustancial con respecto al libro y que fue idea del propio Eastwood, el condenado a muerte es negro, con lo que las connotaciones raciales son inevitables —algo que también quiso hacer en ‘Un mundo perfecto’ (‘A Perfect World’, 1993)—. Un cura empeñado en que éste, espléndido Isaiah Washington, se arrepienta de algo que no hizo —típico derechazo de Eastwood a la religión— y un testigo de dudosa credibilidad y ansioso por la fama, son enfrentados argumentalmente a los guardianes de la prisión, en cuyos rostros, sobre todo el del alcaide, se ven las dudas sobre la posible inocencia de Beechum (Washington). Con cuatro elementos Eastwood crea una tensión que recuerda a las de las películas clásicas de género, y una vez más pone sobre la mesa prejuicios morales de todo tipo. ¿Tendría el mismo final el sospechoso en caso de ser blanco, cometiéndose los mismos errores judiciales?

El ritmo del film es absolutamente endiablado, y cada dos por tres se nos dan detalles del tiempo que falta. Eastwood lleva hasta el límite el tempo y en un alarde de inteligencia juguetea con el mismo hasta sus últimas consecuencias. No sólo en el instante en el que le notifica a su jefe —maravilloso James Woods, en un personaje caramelo que posee los mejores diálogos del film, añadiendo una comicidad a la historia que recuerda a Howard Hawks y que en ningún momento resulta forzada a pesar de la seriedad de la trama— sus creencias sobre la inocencia de Beechum, y que en cierto modo representa una posible última cruzada para redimirse de sus errores del pasado. También en el angustioso tramo final, y que concluye con un impactante plano a ralenti de la mujer del acusado golpeando el cristal tras el cual su marido, inocente, muere a manos de la justicia. El verdadero final de la historia, al que prosigue un epílogo de corte fantasioso, irreal y cargado de ironía.

La ambigüedad más sutil baña todo ese epílogo. El tiempo ha pasado —es la primera elipsis larga del film—, es Navidad, y todo posee una iluminación brillante, totalmente opuesta al resto del film. Everett parece recuperado de sus fantasmas, tiene éxito como escritor, y a la salida de una tienda además de encontrarse con un vagabundo que representa a Santa Claus —anteriormente había sido negado—, Everett distingue a lo lejos a Beechum con su familia de compras, ambos se miran y parecen despedirse. Nadie más participa de dicho saludo, ni siquiera la mujer de Beechum, que debería estar eternamente agradecida al periodista de haber salvado al hombre que ama. La composición del plano, el más extraño de todo el film, con los personajes en los extremos más la extrema limpieza de la imagen hacen pensar en que ésta no es real, y revela a un Eastwood con muy mala leche, evocando de forma perversa al mismísimo Frank Capra. Sin duda uno de los finales más atrevidos de la filmografía de su director, quien siguiendo la tónica de su anterior film, con el que guarda más que numerosos parecidos, la verdad está en el ojo de quien la mira.

Anécdotas

‘Ejecución inminente’ está en cierto modo emparejada con el anterior trabajo como director de Eastwood, no sólo por ese jugueteo final con la irrealidad, sino por las coincidencias en el esqueleto de su trama. Un periodista que termina escribiendo un libro sobre un asesinato, y que de alguna manera sirve para destapar las miserias humanas. Tal y como comenta Carlos Aguilar en su libro sobre el cineasta —Clint Eastwood, Cátedra, 2009— también se puede relacionar con Samuel Fuller y su maravillosa ‘Corredor sin retorno’ (‘Shock Corridor’, 1963), estableciéndose un vínculo nada descabellado con el clásico director en cuanto a cierta sobriedad estético-narrativa.

Por otro lado, antes del rodaje del film, Eastwood fue tentado, como en otras ocasiones, por el maestro John Carpenter para que protagonizase su magnífica ‘Vampiros’ (‘Vampires’, 1998), que como todos sabemos terminó protagonizando James Woods, quien realiza una excelente interpretación en el presente film. Años después, en la laureada ‘Mystic River’ (id, 2003) podemos comprobar en cierta escena como el personaje al que da vida Tim Robbins visiona en la televisión precisamente ‘Vampiros’. ¿Casualidad? No.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’
• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’
• ‘Dos mulas y una mujer’
• ‘Los violentos de Kelly’
• ‘El seductor’
• El debut en la dirección
• ‘Harry el sucio’
• ‘Joe Kidd’
• La influencia de ‘Incidente en Ox-Bow’
• El primer western como director
• ‘Primavera en otoño’
• ‘Harry el fuerte’
• ‘Un botín de 500.000 dólares’
• ‘Licencia para matar’
• ‘El fuera de la ley’
• ‘Harry el ejecutor’
• ‘Ruta suicida’
• ‘Duro de pelar’
• ‘Fuga de Alcatraz’
• ‘Bronco Billy’
• ‘La gran pelea’
• ‘Firefox’
• Red Stovall, el hombre de los garitos
• ‘Impacto súbito’
• ‘En la cuerda floja’ (‘Tightrope’)
• ‘Ciudad muy caliente’
• ‘El jinete pálido’
• La llamada de Spielberg y la dedicatoria de Godard
• ‘El sargento de hierro’
• ‘Bird’
• ‘La lista negra’

• ‘El cadillac rosa’

• ‘Cazador blanco, corazón negro’

• ‘El principiante’

• ‘Sin perdón’

• ‘En la línea de fuego’

• ‘Un mundo perfecto’

• ‘Los puentes de Madison’

• ‘Poder absoluto’

• ‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’