A partir de ahí, Pixar se dedica a hacer un guión, tan sumamente bueno, que la idea inicial se convierte en un puzzle en el que van encajando las piezas con maestría, para culminar una obra de arte. Bien sea en poesía, en cine, o en lo que vosotros queráis, ‘Wall-E’ es una crítica a las decisiones que en términos de respeto al medio ambiente vamos tomando los humanos, pero también es una historia de amor entre dos robots que transmiten sus emociones mucho mejor que cualquier actor de éxito de los que tantos seguidores tienen, sin hablar y tan solo con su mirada. Es un homenaje al cine, y en especial a Charles Chaplin y su Charlot, con el que Wall-E tiene infinidad de similitudes en cuanto a personalidad y sentimientos. Y esa es la virtud de la obra de Andrew Stanton, su director, que según te vas metiendo en la historia y avanzando con ella, no solo buscas los homenajes que se van realizando a otras muchas películas, sino que empiezas a compararla con grandes obras de la historia del cine.

El arranque al ritmo de un musical de Broadway te prepara para la sorpresa de un mundo apocalíptico donde un robot especial, curioso, inocente y de enorme corazón, vive lo mejor que puede realizando su trabajo. Pese a lo que pueda parecer, es el mundo del cine, la película ‘Hello, Dolly’, quien le hace despertar sus emociones, pensar en conocer a alguien que le haga vivir los mismos sentimientos que ve a través de ese vídeo que se pone todas las noches antes de dormir. Pensemos que estamos ante un robot que en teoría tendría que ser inexpresivo, pero que siente. Los primeros veinte minutos se dedican a conocer a Wall-E, hilando gags visuales geniales para compronder su personalidad. Nada sucede al azar. La rutina tiene un sentido. Descubrimos a Wall-E mientras él va curioseando todo como un niño, con la misma inocencia, hasta que descubre el amor, hasta que aparece Eve.

En las películas de Chaplin, Charlot representaba los ideales de un mundo antiguo que se revelaba contra el progreso de una sociedad que renunciaba a esos ideales con tal de tener más. Eve representa el futuro, sin sentimientos, tiene un trabajo y esa es su prioridad, no tiene ojos para nuestro héroe, pero al igual que Charlot, la inocencia, el corazón y la bondad logran calar en su coraza. La evolución de Eve y de su personaje no se entiende sin la lucha de Wall-E por ganar su amor. Por encima de las dificultades, se resite al no como respuesta, por eso emprende un viaje arriesgado con el que busca obtener un gran beneficio.

Todo eso sucede en 40 minutos, sin palabras, como el gran cine mudo, apoyados en la música. No necesitas las palabras, te vale con los sonidos y ruidos de los robots, escuchar decir sus nombres a los robots, como cuando los humanos se explicaban con sonidos sus nombres cuando se encontraban por primera vez, es un momento antológico.

Con el viaje se emprende una nueva parte en la película. Uno se pregunta ahora qué. Cuál será la sorpresa. Un impresionante viaje a través del universo como nunca habíamos visto. Es tal el lujo de detalle que no puedes más que contemplar el mismo. Se supone que es un respiro para la segunda gran crítica de la película, la dejadez del ser humano ante el disfrute de las comodidades, con la representación de unos humanos gordos e inapetentes. Wall-E y el mensaje que lleva Eve es abrir los ojos a la humanos, es darles un futuro diferente al que viven. Es demostrar que la inocencia de Wall-E es el ejemplo a seguir para enfrentarse a los malos momentos.

Mientras en la parte muda es imposible destacar algo sobre el conjunto, en la parte hablada, en la que continúan los homenajes (evidente el de 2001, con un robot que gobierna la nave con la voz de Sigourney Weaver en la VO), hay secuencias y personajes que tienen vida propia. Un secundario de lujo, como Mo, el pequeño robot fanático de la limpieza, que se encarga de quitar todos los restos de radioactividad que se encuentra en la nave o la pléyade de robots defectuosos.

Pero sobre todo hay una grandísima declaración de amor, baile incluido en el espacio, entre Wall-E y Eve, con nuestro héroe moviéndose al ritmo de un extintor, que es de esas escenas que se almacenan en la retina, como las lágrimas que muchos no podrán sostener y que no se pueden desvelar.

Al director Andrew Stanton habría que levantarle un monumento. Si ‘Buscando a Nemo’ era una gran película, ‘Wall-E’ la supera. La historia no te deja frío, como algunos piensan, y no tiene altibajos (alguna vez tenemos que respirar), te deja con ganas de más, como hacen los clásicos. El cuerpo te pide que la fiesta no se acabe. Pixar vuelve a correr un riesgo, sobre todo en la manera como ha afrontado la película. Y es de agradecer. Ese es el mérito. Mientras otros nos ofrecen más de lo mismo, ellos dan una giro más de tuerca y regalan una película para pensar, para mantener en la cabeza tras verla, para un público adulto, para que el tiempo la termine colocando en el lugar que se merece. ‘Wall-E’ está pensada para hacer historia. Es cine de 1930 en el siglo XXI. Pixar se mete en las grandes ligas. Su rival es alguien llamado Charles Chaplin o Buster Keaton. Es decir, palabras mayores.

Nota: Dos apuntes. Uno, nada descubriré de ‘Presto’, el cortometraje que acompaña a Pixar, y con el que mi hija de 20 meses ha gritado, reído, saltado y disfrutado todo lo enana que es, pero es otro gran homenaje al cine de animación de la Warner. Dos, como bien sabéis en todos los lanzamientos en DVD que realiza Pixar de sus películas, se incluyen siempre dos cortometrajes, el segundo siempre tiene que ver con uno de los personajes de la película. Tiene nombre, Burn-E, y será un robot de los que aparecen en la misma. Si os fijáis, justo después de la secuencia del baile con el extintor, tanto Wall-E como Eve regresan a toda prisa a la nave. Allí hay un robot que se dedica a reparar los desperfectos de la nave, y cuando nuestros protagonistas entran en la nave, a este robot le cierran la entrada a la misma. Pues bien, ese será el tema del cortometraje, cómo se las apaña ese robot de reparación para regresar a la nave.

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No se suele dar el caso, al menos yo no conozco que esto haya ocurrido alguna vez, y más en la era Pixar, que el director del cortometraje animado que acompaña en el estreno a una película de Disney, sea realizada por el mismo director. Chris Williams es su nombre, animador desde hace 14 años en el estudio (Mulan), y John Lasseter la persona que ha confiado en él. Resulta que Lasseter se quedó tan impresionado al ver ‘Glago’s Guest’ (El invitado de Glago, traducción libre), segundo cortometraje realizado bajo la nueva unidad que creo Lasseter al respecto, que le ofreció dirigir desde cero ‘Bolt’ tras el abandono del estudio de Chris Sanders, el anterior director del proyecto, y el trabajo de animación que tiene Disney preparado para estas navidades al estilo Pixar (el trailer personalmente me ha enganchado). Así que el joven Chris Williams ha quemado varias etapas de golpe. De ‘Bolt’ ya hemos hablado en otras entradas, pero de ‘Glago’s Guest’ no, y quizás deberíamos prestarle más atención, porque puede que sea la sorpresa oculta de Disney.

‘Glago’s Guest’ es el primer cortometraje de Disney realizado en técnica 3D, que ya han podido disfrutar en el Festival de Annecy, que se estrenará en Noviembre en USA y en Diciembre en España. El cortometraje sigue la historia de un solitario soldado ruso, Glago, que está destinado en un remoto lugar de Siberia. De repente su soledad se ve interrumpida un día (que es lo que podéis visionar en el vídeo que os hemos colgado en la continuación de la entrada), por la llegada de un extraño y nuevo “invitado”, que sacude su rutina diaria, sin embargo, pronto se da cuenta que las cosas no son siempre como parecen ser.

El trabajo destaca porque se ha empleado como banco de pruebas para usar ciertas innovaciones, empujando en Disney el uso del 3D en el diseño y en las texturas, que curiosamente están siendo utilizadas en ‘Rapunzel’, destacando, entre otras cosas, el diseño del pelo y la barba del protagonista y el moviento de su ropa, en especial el abrigo que usa Glago y que parece que tiene vida propia, en un estilo que nunca se había empleado antes, en referencia a cómo han sido dibujados y al movimiento de los extraterrestes (aliens), exagerando las proporciones y los rasgos, y para el que tuvieron que programar un paquete de software nuevo, y que ha desafiado las reglas no escritas de Disney. De ahí la sensación de estar ante un trabajo diferente.

‘Glago’s Guest’ es un trabajo minimalista, en cuanto a la realización y al tema de la historia, que tiene siete minutos de duración, y una ambientación inspirada en la película ‘Doctor Zhivago’. La impresión que demuestran los pocos segundos que nos dejan ver, así como las opiniones de algunos que lo han visto, es que estamos ante un trabajo detallista y minucioso, de ahí lo de minimalista, y hecho con el corazón, algo que los fans de Disney vineíamos pidiendo desde hace mucho tiempo y que es lo que caracteriza a Pixar. Lo dicho, un trabajo especial y arriesgado, como cuenta el propio Chris Williams en esta entrevista y que nada tiene que envidiar a la maravilla que es ‘Presto’ (lo cual le pone en un nivel altísimo).

Vía | Animated News
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En blogdecine | ‘Presto’, un homenaje de gran altura
En blogdecine | Las fuentes de ‘Presto’, el cortometraje de Pixar

Tenía Steven Spielberg, en aquel momento, 22 años, y muchas ganas de demostrar todo lo que tenía dentro. La historia la hizo en 35 mm, un avance con respecto a sus películas caseras en 8 mm. Corría 1968, fecha en la que no fundó su productora, sino que rodó su primer cortometraje, ‘Amblin’, que luego daría nombre a su productora, de 25 minutos de duración. Cuenta la leyenda que pasó tantos nervios que vomitaba cada mañana al llegar al set de rodaje (fue un fin de semana aunque luego continuaron rodando 6 días más sin dinero en el desierto de California. Pero lo mostró a la gente adecuada y salió con un contrato de 7 años con Universal para rodar TV movies, hasta que realizó ‘Duel’, saltó al cine y se encumbró con ‘Tiburón’.

Pues pensando en sus seguidores y fieles, alguien ha subido el cortometraje a YouTube (cierto que en una copia con sus limitaciones en cuanto a saltos de imagen, problemas de sonido y tratarse de una grabación en vhs, pero es lo que hay y no se ve tan mal), para que podamos disfrutar de los orígenes de Spielberg.

No quiero comentar ‘Amblin’, porque me interesa más que seáis vosotros mismos los que saquéis vuestras propias conclusiones, y conversemos sobre la película. Ciertamente es un trabajo de arte y ensayo, rodado de una manera especial, y con los errores propios de alguien que empieza, pero como comenté antes, sirvió para abrirle el camino de lo que luego sería una carrera en el mundo del cine tan famosa. Es tanto lo que se ha hablado de este trabajo, que hay que verlo. A continuación ‘Amblin’.

Existe la opción de descargar ‘Amblin’ para aquellos que quieran ver la obra en una pantalla más adecuada que la de Youtube.

Vía | Kottke
Más información | Binary bonsai
En blogdecine | Mis secuencias mágicas de cine: ‘Tiburón’ de Spielberg visto con el paso de los años

Lo que sí me produce recuerdos es la secuencia que aquí os traigo, ese ‘You can fly! You can fly! You can fly!’ (¡Tú puedes volar!), en el que se ponen Peter Pan, Wendy y sus hermanos, rumbo al País de Nunca Jamás, mientras sobrevuelan un Londres magistralmente dibujado (¿se fijó Pixar en Peter Pan para hacer ese París tan al detalle? ¿Se fijó la gente de Harry Potter en Peter Pan para rodar la secuencia de las escobas voladoras por Londres? Yo creo que sí). A lo que iba, esta secuencia es mágica, porque me hace tararear de nuevo la música, como con Lee Marvin y ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’. Porque me hace regresar a ese momento de mi niñez en la que vi la película por primera vez.

Ahora la saboreo de diferente manera, viendo cómo la disfruta mi hija, como señala los personajes volando, con la misma devoción con la que yo disfruté la secuencia hace la tira de años. Si alguien me pregunta qué recuerdo de esta película, a mi mente vienen Campanilla, el Capitán Garfio, y esta canción que habla de la imaginación, de cumplir tus deseos, de poder hacer lo que te propongas (traducción libre de la letra original).

“¡Tú puedes volar! Cuando hay una sonrisa en tu corazón. No hay mejor tiempo para empezar. Es un plan muy sencillo. Puedes lograr lo que los pájaros pueden hacer. Al menos vale la pena intentarlo. ¡Tu puedes volar!“

Esta secuencia ejemplifica la magia de Disney. Del cine para niños y adultos. Porque todos alguna vez estuvimos en el País de Nunca Jamás. Porque, en el fondo, seguimos siendo unos niños. Yo lo sigo pensando, y me ocurre eso al ver cantar esta canción.

Ver secuencia You Can Fly! de Peter Pan.

Más información | Letra completa de You can fly!

Mis secuencias mágicas en blogdecine:

• Final de ‘E.T. el extraterrestre’
• El cuento de Navidad de Auggie Wren en ‘Smoke’
• La colección de fotos de Auggie en ‘Smoke’
• La canción Dreams en ‘Chungking Express’
• Magnolia
• La fábula de la cigarra y la hormiga de ‘Los lunes al sol’
• ‘Paris, Texas’, el diálogo en el Peep Show
• Richard Widmark será siempre Tommy Udo
• ‘Julio César’ y el arte de manipular a la plebe
• Sally fingiendo el orgasmo
• ‘Atlantic City’, el limón y Susan Sarandon
• ‘Manhattan’, secuencia inicial
• La pistola de Indiana Jones
• Hola, mi nombre es Iñigo Montoya…
• ‘Tiburón’ de Spielberg visto con el paso de los años
• El pelo rojo de Julianne Moore
• Lee Marvin y ‘Wandering Star’

Para los pocos que aún no lo sepan, la muestra ‘Chaplin en imágenes’ estará en la sede de CaixaForum de Madrid hasta el 19 de octubre de este año. La exposición hace un repaso a su obra. En concreto, reúne alrededor de 250 documentos entre álbumes, recortes y fotografías, e incluso se pueden visionar algunos divertidos extractos de películas, junto a series de fotos y material inédito de uno de los mayores genios del 7º arte.

Esta introducción sirve para refrescar la memoria sobre la figura de
Charles Chaplin y sobre el personaje que inmortalizó, Charlot, que es un nombre que sólo se utiliza en español, en francés y en italiano (por ejemplo, en Brasil le llaman Carlitos). En realidad, el personaje de Charlot no tenía nombre, era simplemente un vagabundo, o “The tramp”, como así aparece reconocido en todos los créditos de sus obras. Quizás esa sea su grandeza, la de un desconocido sin nombre. Chaplin se inventó un personaje tanto en sus ideales, como en sus gestos, sus pensamientos, y su manera de vestir. Quería algo diferente a lo que veía en la realidad en el día a día, buscar la forma de poner los pies en el suelo en el denominado sueño americano. Su particular crítica social. Así, definió un hombre con las maneras refinadas y la dignidad de un caballero, emotivo, sentimental, melancólico frente a la injusticia de la sociedad moderna. Además, le quiso hacer caminar de una manera inconfundible y reconocible.

También fue determinante su indumentaria de vagabundo. Parece ser que el famoso traje se lo compuso mediante aportaciones de cómicos amigos: la chaqueta de Charles Avery, estrecha, los pantalones de Fatty Arbuckle y las botas de Ford Sterling, más grandes que su talla, el bigote de Mark Twain, que era pintado, un sombrero bombín que le venía pequeño y un bastón arqueado, lo único propio de Chaplin que incorporó a la indumentaria.

Todo lo anterior, tanto en cómo elaboró el perfil del vagabundo, como los elementos visuales que le caracterizarían, quedaron determinados en el final de ‘The Tramp’, un mediometraje de la Essanay, en el que sobresale su lírico y triste final, con Charlot de espaldas, alejándose por el camino, hasta que empieza a moverse alegremente (quien puede olvidar el salto en aire con golpe de talones), mientras la cámara ha ido cerrando paulatinamente el iris a negro. Imagen que es uno de los iconos de la historia del cine.

La primera ocasión en la que apareció el personaje de Charlot fue en ‘The Kid Auto Race In Venice’, que interpretó para Mack Sennett dentro de Keystone. No era el actor principal, pero en ese trabajo dio sus primeras pinceladas el personaje. Su debut como protagonista sucedió en ‘Making a Living’, también para Keystone, al que muchos consideran de verdad el primer papel de Charlot, y que le dio fama y éxito instántaneo.

Sin embargo, sus mejores trabajos en el mundo del cortometraje, y en estos primeros años, fueron primero para la productora Essanay, y después para Mutual (en esta última con control absoluto sobre toda la obra), todo esto antes de fundar el mismo United Artists con otros actores. En esos años 1915 a 1917, principalmente, y ya cuando dirigía sus propias películas, estableció su método de trabajo. Se reunió de un grupo estable de actores y colaboradores habituales y de confianza, entre los que destacaba la actriz Edna Purviance (de la que se puede decir que fue su gran pareja artística). Allí, estableció un estilo dirigiendo: obsesivo en su trabajo, repetía cuantas veces fuese necesario las tomas hasta que la coreografía de los personajes encajaba perfectamente (recordar que estamos en la época del cine mudo).

Por ese motivo, os traemos varios de los trabajos de esta época de su filmografía, auténticas joyas, que en los años 20 y siguiente verían su continuación en obras como ‘El chico’, ‘La quimera del oro’, ‘El circo’, ‘Luces de la ciudad’, ‘Tiempos modernos’ y ‘El gran dictador’. En ‘Tiempos modernos’ se dice que Chaplin enterró el personaje de Charlot, con un final en el que caminaba sin rumbo hacia lo que el futuro le deparase. Sin embargo, recuperó el personaje en estilo, no como un vagabundo sino como un barbero, en El gran dictador, donde se puede decir que el personaje de Charlot en sí hizo su última aparición.

¿Os preguntaráis por qué ‘Wall-E’ aparece en el título de la entrada? La razón es simple. Wall-E es un homenaje al cine mudo que representaron Charles Chaplin y Buster Keaton. Los gags son visuales, y la sinceridad, expresividad, inocencia y ganas de luchar corresponden a Charlot, que en la mayoría de sus aventuras se movía siempre por amor. Cualquiera que vea la película de Pixar y lo compare con todos estos cortometrajes de Charles Chaplin y su vagabundo, entenderá lo que digo. Pixar demuestra que se los vio, y los acopló a la caracterización de su robot. Porque el personaje de Wall-E es tan grande, que cumple, y con creces en su homenaje al maestro en que se basó. Ese Charlot, Charles Chaplin, que uno tiene como momento álgido del cine de toda la vida. Esa es una razón, entre otras, para ver ‘Wall-E’.

The Kid Auto Race In Venice, 1914

Making a living (Charlot periodista), 1914

Chaplin interpreta a un falso aristócrata inglés, que adquiere trabajo como reportero, donde, entre otras ocurrencias, roba las notas y la cámara de un compañero para darse la autoría de una noticia. El afectado lo persigue en una secuencia cómica muy caótica, en la que terminan ambos en el quita piedras de un tranvía.

The Tramp (Charlot vagabundo), 1915, Parte 1

El vagabundo Charlot salva a una damisela en apuros, que pasea por el bosque con su dinero demasiado a la vista. Agradecido, su padre le ficha para que trabaje en su granja, donde arma más de un lío mientras se enciende su amor por la chica.

The Tramp (Charlot vagabundo), 1915, Parte 2

The Champion (Charlot boxeador), 1915

Charlot, en una memorable interpretación, es un vagabundo sin futuro que para comer se mete de sparring de boxeo. Sin querer tumba a un boxeador y le entrenan para combatir por el campeonato del mundo. Entre medias quieren amañarle el combate y se enamora de la hija de su entrenador.

De esta película es complicadísimo encontrar una versión completa con los 30 minutos que la forman. Hay distintas versiones con cortes, saltos en el tiempo, retirada de carteles con información. A los genios también los maltrataban en los albores del cine. La que hemos encontrado es una versión de 20 minutos, que deja ver la genialidad de Chaplin pese a los recortes.

The vagabond (Charlot músico ambulante), 1916, Parte 1

Charlot es un músico ambulante que hace amistad con una joven que ha sido raptada por unos gitanos. Aquí es donde demuestra el patetismo y a la vez la más genial ternura de sus primeras actuaciones.

The vagabond (Charlot músico ambulante), 1916, Parte 2

The vagabond (Charlot músico ambulante), 1916, Parte 3

One AM (Charlot a la una de la madrugada), 1916, Parte 1

Charlot vuelve a la casa de un amigo después de una noche de juerga. No tiene la llave y sufre diversos tropiezos con una pecera, animales embalsamados, un suelo encerado y una cama empotrada en la pared.

One AM (Charlot a la una de la madrugada), 1916, Parte 2

The pawnshop (Charlot prestamista), 1916

Charlot trabaja en una tienda de empeños. Todo le sale mal hasta que un día afortunado salva a la tienda y a su jefe de un robo en la misma.

Easy street (Charlot en la calle de la paz), 1917, Parte 1

Charlot se presenta para guardia municipal y consigue el trabajo. Ahora tendrá que buscar el valor para desempeñar su arriesgada misión ante los delincuentes.

Easy street (Charlot en la calle de la paz), 1917, Parte 2

Easy street (Charlot en la calle de la paz), 1917, Parte 3

The adventurer (Charlot presidario), 1917, Parte 1

La alarma suena y un presidiario desesperado se escapa de manos de la ley. Charlot, es el preso por “error” que origina los problemas más increíbles a la policía.

The adventurer (Charlot presidario), 1917, Parte 2

Más información | El País

En blogdecine películas gratis a puñados

• ‘Amanecer’ de Murnau
• Charlot y ‘La quimera de oro’
• Charlot y ‘Luces de la ciudad’
• Descubriendo a Buster Keaton
• Tiempos Modernos
• El acorazado Potemkin

Entiendo que el vídeo puede molestar a algunos de nuestros lectores, pero también es cierto que el prólogo de ‘El Caballero Oscuro’ (los seis primeros minutos de la segunda película de Christopher Nolan sobre Batman), no revela nada de la trama, tan sólo, si eso no es ya importante, es la presentación del Joker de Heath Ledger, en el que se apunta la altura moral de su personaje.

Simplemente verlo y disfrutarlo, porque la primera impresión está la altura de la fama con la que venía precedida. Incluso hay cameo de un actor muy conocido.

Vía | Uruloki

En blogdecine últimas entradas sobre ‘El Caballero Oscuro’ (The Dark Knight):

• ‘El Caballero Oscuro’ (‘The Dark Knight’), más trailers, más escenas nuevas, menos para el estreno del año
• Videoclips de ‘The Dark Night’
• ‘The Dark Knight’, ¿marcará un hito en la historia del cine?

Mi descubrimiento del cine fue más de videoclub que de las propias salas. Por eso, cuando encontré una película con Lee Marvin y Clint Eastwood, y con la belleza de Jean Seberg, la alquilé sin dudar, era poco más o menos que esperar un disfrute de acción y entretenimiento. Y más con un western. ¿Musical? Sí, pensé, pero seguro que está bien, dejándome lllevar por los nombres de los actores protagonistas.

Me confundí, pero que bien vino. Se trata, el cine que perdura nunca vive en el pasado, de ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’, un musical, diferente sin grandes bailes, socarrón, al que uno regresa siempre que puede para tararear ese glorioso tema que es ‘Wandering Star’ (aquí la versión en español), y a poder ser, con la voz ronca de Lee Marvin.

Esta película es obra y gracia de Lee Marvin, al que se adora su truhán y egoísta, pero de gran corazón, personaje. Alguien que vive al día, hasta que entiende que donde vive ya no es su sitio.

Conozco poca gente que no se detiene a tararear ‘Wandering Star’ cada vez que la escucha. Es su marca. Oír sus acordes y pensar, ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’. Uno no sabe si es la secuencia o la canción. Que más da. Es de las películas que entran en el hueco de aquellas que no defraudan. De aquellas que forman parte de tus recuerdos cinéfilos de juventud… Yo también lo hice, cantemos, “I was born under wandering star…”

Vía | Mangas verdes
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Este blogger, no me considero ni cronista ni crítico, a la hora de plantearse un comentario sobre ‘Kung Fu Panda’, y más tras su visionado, tiene el enorme inconveniente de haber visto justo un par de días antes ‘Wall-E’, y por mucho que lo intente, las comparaciones son inevitables, lo cual es un problema para la película de Dreamworks. Por febrero arriesgué una entrada en la que me dejaba embaucar por la historia de Po, al menos eso había logrado el trailer que acababa de ver, que podía esperar que el estudio se arriesgara como lo hizo con ‘Shrek’. No obstante, intuía un tufillo al “pequeño saltamontes” que no me gustaba demasiado, pero había que darle la oportunidad de la prueba del algodón. Y mientras a la de Pixar no paro de darle vueltas en mi cabeza, asombrado, a ‘Kung Fu Panda’ la tengo olvidada, tal como la ví, dejé de pensar en ella.

Convendría con tiempo valorar que es lo que diferencia a Pixar de Dreamworks. Por qué una busca grandes nombres para dar voces a sus personajes, mientras la otra no lo hace. Por qué se intuye en Pixar un guión muy trabajado, y en ‘Kung Fu Panda’ buenas ideas, no muy desarrolladas, todo entregado a la gracia de un personaje, que alucinas lo rápido que llega a convertirse en maestro de artes marciales, y al envoltorio del espectáculo. Una queda impactado por la ambientación, pero es nada en comparación con el mundo post-apocalíptico de ‘Wall-E’, que simplemente te deja con la boca abierta. Y se podría continuar, pero quizás una se ha realizado sólo para entretener y la otra para perdurar. Por ese motivo, ‘Kung Fu Panda’ se queda en un entretenimiento superficial.

¿Qué hubiera pasado si no hubiera visto ‘Wall-E’, como va a ocurrir en España? A lo mejor, durante poco menos de un mes, el público y principalmente los niños o incluso servidor, se hubiera dejado engatusar por la aventura de Po y el destino que debe cumplir. Cierto. La película lleva una línea plana, demasiado centrada en planos muy próximos a los protagonistas, que mantiene el punch a base de la comicidad de la torpeza del panda y la exigencia del maestro Shifu en cada una de las pruebas (gran personaje, irónico y reflexivo, en el que se nota la mano de Dustin Hofman).

La película quiere dejar su impronta en frases rebuscadas, muy de filosofía zen, se imagina uno que para que los niños les de por pensar en ella, pero poco más. Demasiada pausa, entre algunas secuencias de acción, visualmente espectaculares, pero muy exageradas. ¿Qué nos deja finalmente? Una impagable voz de Dustin Hoffman como Shifu, y sensual la de Angelina Jolie en el papel de la tigresa, por otro lado. Y ambas se perderán en el doblaje.

‘Kung Fu Panda’ es como un batido de fresa que se degusta hasta que se acaba. Entretenido, pero perecedero. Quizás Dreamworks debería preguntarse si no le convendría pensar qué quiere hacer. Si debería valorar el incluir cortometrajes que acompañasen a sus películas, para ir fogueando a futuros cineastas. ‘Kung Fu Panda’ es cine de hoy, sin apenas homenajes. Las obras de Pixar, y en concreto ‘Wall-E’, es cine de ayer y de mañana, y bajo una premisa, todo gira alrededor de un guión sólido, no de apuntes de buenas ideas o secuencias, a las que luego se les da relleno. Si no, disfrutar, cuando se estrene ‘Wall-E’, el baile con los extintores en el espacio. Ahí está la diferencia. Por eso conviene pensarse cómo quieren que sea la segunda parte, si finalmente se hace.

En blogdecine

• ‘Kung Fu Panda’, divertidísimo nacimiento de una leyenda
• ‘Kung Fu Panda’ y la escena de la pelea de palillos

El reto consiste en adivinar el título de las películas en inglés a partir de una de las letras de su poster original. Así, hasta completar las 45 letras que forman la pregunta del juego. De entre las 45 letras algunas son muy obvias (1, 18, 24 y 26), otras requieren pensar un poco, y algunas son francamente díficiles. Pero ahí está el reto: probar cuantos letras y posters es uno capaz de conocer para poder adivinar el título de la película.

Vía | Microsiervos

Si pensaba que con Hellboy 2 tenía el cupo cubierto, andaba equivocado. Resulta, como bien os hemos ido informando en el blog, más con la presentación del nuevo póster, que el estreno en España de la segunda película de Christopher Nolan sobre Batman, ‘The Dark Night’ (El caballero oscuro), será el 13 de agosto. Sin embargo, el estreno en USA es el 18 de julio, con lo que muchos tendremos que desgañitarnos para comprender por qué continúa esa manía de asignar diferentes fechas de estreno según el país. Cuestión de promoción y marketing, dicen en los estudios. “Oiga, que lo que quiero yo es ver la película en cuanto ésta se ha estrenado”, piensan todos los seguidores de Batman.

Dicho lo cual, nos toca esperar. Y lo curioso es que ‘The Dark Night’ se estrena antes en nuestro país que ‘Hellboy II’, cuyo estreno en USA es este viernes, antes que Batman. No quiero volverme loco con el tema. Como siempre nos queda Internet, o lo que quieren los estudios que vayamos viendo con cuenta gotas. Por eso, para ir abriendo boca, justo con el nuevo trailer que comentaron los compañeros de Zona Fandom, a continuación os traemos 12 videoclips con secuencias de la película, colocados en orden inverso a como se fueron presentando. Al menos que sirvan para matar el gusanillo.

Clip 12 – There’s a Batman

Clip 11 – Batman Will Have To Answer

Clip 10 – He Can’t Endure This

Clip 9 – You Can’t Ask Me To Wait

Clip 8 – A Better Class Of Criminal

Clip 7 – Going To Come After You

Clip 6 – Break In

Clip 5 – A Travel Agent

Clip 4 – We Need Lau Back

Clip 3 – I’ve Heard All About You

Clip 2 – If You’re Not Getting Shot…

Clip 1 – Batman Has No Limits

Vía | IGN Movies

A lo largo de las entradas que le íbamos dedicando a ‘Presto’, el último cortometraje de Pixar, y el regalo añadido a esa obra de arte que es ‘Wall-E’, comentábamos que estábamos ante un homenaje a una época de la animación en Estados Unidos.

Un homenaje a la altura de los homenajeados. Desde los títulos de crédito, clara referencia a las cortinillas de todos los cortometrajes animados de Disney, hasta en ritmo, como en los títulos del final. Presto hace referencia al nombre del mago y a su espectáculo, pero también hace referencia al endiablado ritmo y sucesión de gags en el que se convierte el espectáculo de magia. Cuatro minutos sin respiro, posteriores al teaser de ‘Presto’ con el que Pixar nos puso los dientes largos.

Un mago que es un títere en manos del conejo. Un sombrero de copa y un gorro de magia con doble fondo y truco. Todo está planificado al detalle. Desde la ambientación, como el estilo y el diseño de los dibujos, que recuerdan a los de ‘One man band’. El guión es preciso y detallista, in crescendo, con un conejo con grandes dosis de ingenio, todo eso hasta el suspiro final.

Son 5 minutos y 20 segundos divertidísimos, que se disfrutan como un niño, que demuestran que Pixar se toma muy en serio los cortometrajes, el preámbulo ante la 7ª maravilla que es ‘Wall-E’. Por cierto, para todos aquellos que quieran comprobar todo lo que cuento sobre ‘Presto’, pinchando en este enlace tenéis un regalo (además de la posibilidad de poder disfrutarlo y compararlo con aquellos cortos que homenajea).

Nota: Con esta entrada iniciamos una serie dedicada a ‘Wall-E’, en la que incluiremos la crítica de la misma.

En blogdecine | Las fuentes de ‘Presto’, el cortometraje de Pixar
En blogdecine | Los cortometrajes de Pixar online

Ambas películas tienen de nexo común al guionista William Goldman, y a una historia que él mismo nunca se ha cansado de repetir. Como bien saben los seguidores de ‘La princesa prometida’, la película se basa en la novela del propio Goldman, pero lo que a lo mejor muchos no saben es que la genialidad de la misma se encuentra en el prólogo y en el uso que hizo de una historia que se inventó para dar mayor altura a ‘La princesa prometida’. En el fondo, con ese prólogo lo único que buscaba era recuperar la infancia, aquello que le hizo convertirse en escritor, que lo cuenta mucho mejor Jonás Trueba en una gran entrada sobre la clase encubierta de cine y literatura que es ese prólogo.

Aprovechando esto, quiero destacar unas líneas con las que acababa la introducción a la novela, y que son el motivo de esta entrada, palabras de William Goldman respecto al nexo de unión con ‘Dos hombres y un destino’.

“Cuando muera, si en el Times me llegan a dedicar una nota necrológica, será gracias a ‘Dos hombres y un destino’”. De acuerdo, ¿cuál es la escena de la que todo el mundo habla, el momento único que se graba en la memoria de todos, en la tuya, en la mía y en la de las masas? Respuesta: el salto desde el acantilado. Bueno, cuando escribí esa escena, recuerdo que pensé que los acantilados desde los que saltaban eran los Acantilados de la Locura que todo el mundo intenta escalar en ‘La princesa prometida’. Cuando escribí ‘Dos hombres…’ a mi mente acudían imágenes retrospectivas en las que aparecía mi padre cuando me leía la escena de la escalada con cuerdas de los Acantilados de la Locura, mientras la muerte aguardaba agazapada”.

Pues por raro que le pueda parecer al señor Goldman, si por algo se le va recordar, en la mente de los que recuperaron la infancia gracias a una película, será por los acantilados de la locura.

Más información | Prólogo de La princesa prometida
En Blogdecine | Mis secuencias mágicas de cine: Hola, mi nombre es Iñigo Montoya…

No nos queda más remedio que esperar hasta el 29 de agosto para poder disfrutar lo que a partir de la próxima semana, en concreto el día 11 de julio podrán hacer en USA y en toda la franja americana. Por más que intente comprender la razón de tener que esperar más de un mes en poder ver la película, no llegó a hacerlo. Luego se extrañarán los estudios de que pase lo que pasa con lo que ellos llaman piratería, pese a que Guillermo del Toro intente hacerles comprender que el consumo cinematográfico ha cambiado.

De todas formas y para apaciguar un poco las ganas de poder ver ya de una vez la segunda entrega de Hellboy, que en España llevará por título ‘Hellboy II: El ejército dorado’, arriba os hemos colgado un trailer reciente de la película, y en la continuación de la entrada, siete videoclips de la misma, donde se puede intuir que no nos vamos a aburrir, y que habrá su buena dosis de acción. ¿Cine de palomitas? Simplemente cine de acción, y seguramente del bueno. Es lo que hay hasta el 29 de agosto, más la batería de imágenes que podemos ver en Coming soon.

Clip 1: Red Fights

Clip 2: Tooth Fairies

Clip 3: Johann

Clip 4: Crime Scene

Clip 5: Bag Lady

Clip 6: Elemental

Clip 7: Johann vs Red

Vía | Shock till you drop
En blogdecine ! Entradas sobre ‘Hellboy II: The golden army’

Las crónicas de Narnia: El príncipe Caspian

‘The Chronicles of Narnia: Prince Caspian’, 2007. Dirección: Andrew Adamson. Intérpretes: Anna Popplewell, William Mosely, Skandar Keynes, Georgie Henley. Género: Aventuras y familiar. Duración: 2 horas 27 minutos. Sinopsis: Un año después, los Reyes y las Reinas de Narnia (los 4 hermanos Pevensie) regresan para descubrir que han pasado más de 1.300 años, calculados en tiempo narniano. Durante su ausencia, la Edad de Oro de Narnia ha terminado, y los Telmarinos han conquistado Narnia, dominado ahora por el malvado Rey Miraz. Los cuatro niños conocerán al joven Príncipe Casian, heredero legítimo al trono, que amenazado por su tío Miraz, trama su asesinato, debe esconderse. Con la ayuda del bondadoso duende, de un valiente ratón parlante llamado Reepicheep, de un tejón llamado Trufflehunter y de un Duende Negro, Nikabrik, los Narnianos, liderados por los poderosos caballeros Peter y Caspian, se embarcan en un viaje para encontrar a Aslan, liberar Narnia del yugo tiránico de Miraz, y restaurar la magia y la paz en el territorio.

¿Qué podemos esperar?: Dicen que es mejor película que la primera, lo cual no es un gran piropo, dado el desengaño que produjo la misma (salvo en pequeñas partes era muy aburrida). Parece que ésta al menos entretiene, lo mínimo que se puede pedir a estas producciones. De todas formas en la crítica de Beatriz os podréis hacer una mejor idea de lo que encontraréis.

Funny Games (2008)

‘Funny Games U.S.’, 2007. Dirección: Michael Haneke. Intérpretes: Naomi Watts, Tim Roth, Michael Pitt, Brady Corbet Género: Drama y terror. Duración: 1 hora 51 minutos. Sinopsis: Anna, George y su hijo Georgie acaban de empezar las vacaciones en su residencia de verano. Mientras Anna prepara la cena, reciben la inesperada visita de dos jóvenes, Paul y Peter. Sus idílicas vacaciones pronto se convertirán en una pesadilla…

¿Qué podemos esperar?: El director Haneke realiza un remake norteamericano de su propia película homónima de 1997. Y la razón es que el público americano pueda ver lo que no se llegó a estrenar en sus cines. No comprendo el motivo por el que Haneke realiza un remake plano a plano de su original, y más cuando ahora hay infinidad de posibilidades para ver una película aunque no llegue a las pantallas. La verdad es que no es Hitchcock y eso tiene sus consecuencias. Mejor pillar el original. Podéis haceros una idea de la misma con las críticas de Alberto y Luisfer.

Aliento (Breath)

‘Soom’, 2007. Dirección: Kim Ki-duk. Intérpretes: Chen Chang, Jung-woo Ha, Kim Ki-duk. Género: Drama. Duración: 1 hora 24 minutos. Sinopsis: Un frío día de invierno, después de enterarse de que su marido tiene a otra mujer, Yeon se dirige sin pensarlo hacia la cárcel donde está encerrado Jin. A pesar de no conocerle personalmente, las noticias de sus intentos de suicidio emitidas por televisión hacen que su subconsciente la empuje hacia él. Jin no tiene visitas y, normalmente, rehusaría ver a un desconocido, pero al enterarse de que se trata de una mujer, acepta por curiosidad. Su primer encuentro no es fácil. Yeon le habla como si fueran amigos, pero Jin no se abre tan fácilmente. Jin se queda sorprendido cuando Yeon vuelve. Pero esta vez, ella ha decorado la sala de visitas con ampliaciones de fotos primaverales y con flores de plástico. Le espera vestida con ropa primaveral y le canta una alegre canción de primavera. Cada vez que le visita, Yeon lleva las estaciones al preso. Entretanto, Yeon le cuenta a su marido que también ve a alguien. Al principio, él no la cree, pero algo despierta sus sospechas. Por su lado, Jin empieza a aceptar a Yeon y a hablarle gracias a la devoción de la mujer, que aguanta estoicamente sus ataques de furia. Un día, el marido de Yeon la sigue hasta la cárcel y es testigo de una escena íntima entre el prisionero y su mujer. Celoso, la obliga a volver a casa e intenta separarlos. El día de la ejecución de Jin se acerca. Yeon y Jin están mucho más unidos de lo que cree el marido, más unidos que la vida y la muerte. Yeon, en su desesperación, consigue escaparse y ayudar a Jin.

¿Qué podemos esperar?: Es Kim Ki-duk y eso lo dice todo. El mejor estreno del día y de obligado visionado para sus fieles (entre los que me encuentro). De una anécdota, el director coreano siempre sorprende, aunque el peso de ‘Hierro 3’ termina lastrando en la comparación todas sus obras. ‘Aliento’, es una obra irregular, pero fascinante

Bienvenido a Farewell-Gutmann

‘Bienvenido a Farewell-Gutmann’, 2008. Dirección: Xavi Puebla. Intérpretes: Ana Fernández, Lluís Soler, Adolfo Fernández, Héctor Colomé. Género: Drama. Duración: 1 hora 46 minutos. Sinopsis: El departamento de RRHH de la farmacéutica Farewell-Gutmann ha perdido a su abnegado director, pero Lázaro, Adela y Fernando no lo echarán a faltar. Todavía caliente el cuerpo del difunto, sus sacrificados subordinados inician la carrera por la sucesión. La eficaz Adela está decidida a luchar por el reconocimiento que durante años el machismo de su jefe le ha estado negando. Lázaro, mano derecha del director, la desdeña profesionalmente, pero intenta acostarse con ella siempre que tiene ocasión. Fernando, perdido en su alcoholismo desde que le abandonó su mujer, no tiene la autoestima necesaria para creerse candidato. La llegada del excéntrico Lúger cambiará para siempre las relaciones entre ellos. El directivo ha venido de la central para elegir al nuevo jefe del departamento y poner orden.

¿Qué podemos esperar?: Película española, sin mucha publicidad que al menos ha tenido la oportunidad de verse estrenada. Tiene a Ana Fernández, y un buen elenco de secundarios, conocidos actores de teatro. Uno no sabe como reaccionar ante ella, pero las últimas películas españolas que sobre el mundo empresarial y sus problemas se han realizado, al menos no han defraudado.

Cómo cocinar tu vida

‘How to cook your life’, 2007. Dirección: Doris Dörrie. Género: Documental. Duración: 1 horas 34 minutos. Sinopsis: Doris Dörrie acompaña al maestro zen Edward Brown en sus conferencias y en sus clases de cocina para comprobar que cocinar, o mejor dicho, saber cómo cocinar, es cuestión de cuidarse uno mismo y cuidar a los demás. El filósofo, profesor y maestro zen nos enseña la sensualidad de hacer pan, la filosofía de los rábanos y la serenidad de las zanahorias para ofrecernos esta delicia culinaria que muestra la sabiduría que encierran sus consejos prácticos.

¿Qué podemos esperar?: Más sentido para un pase por televisión, gustará a los amantes de los comentarios que hacen los gurús. El problema es que para el gran público no todos son Al Gore.

El viaje de nuestra vida

‘Bonneville’, 2006. Dirección: Christopher N. Rowly. Intérpretes: Jessica Lange, Kathy Bates, Joan Allen, Tom Skerritt. Género: Road movie. Duración: 1 hora 33 minutos. Sinopsis: Cuando la vida que conoce Arvilla Holden da un vuelco, ésta recoge a sus dos mejores amigas y juntas parten de Idaho en un viejo Bonneville descapotable del 66. A lo largo de ese viaje por todo el gran Oeste americano, las tres atravesarán paisajes bañados de intenso sol, conocerán la aventura y a un simpático camionero que resulta ser un pretendiente incierto. No lo saben pero están haciendo el viaje de sus vidas.

¿Qué podemos esperar?: Actrices en el ocaso, y salvaje título en español, cuando el original hace referencia al coche en el que realizan el viaje. Suele dar buenas películas el género del road movie, pero viene con dos años de retraso, y eso no dice mucho a su favor si estamos ante una película americana.

Oh, Jerusalén

‘O Jerusalem’, 2006. Dirección: Elie Chouraqui. Intérpretes: Saïd Taghmaoui, JJ Feild, Patrick Bruel, Ian Holm. Género: Histórico y drama. Duración: 1 hora 40 minutos. Sinopsis: “Oh, Jerusalén” recrea la historia de la creación del Estado de Israel en 1948 a través de dos amigos, uno árabe y el otro judío. Contada desde diferentes puntos de vista, en el filme se mezclan valor, violencia, política y un fuerte sentido de la moralidad. Su historia les lleva desde las calles de Nueva York a la Tierra Santa, donde arriesgan sus vidas luchando por lo que creen.

¿Qué podemos esperar?: La película está basada en datos históricos extraídos del best-seller escrito por Larry Collins y Dominique Lapierre. Y eso es lo malo. Condensar en 100 minutos todo lo que cuentan y aburren en sus libros estos escritores, me parece una enorme labor de sintesis. La veo más como un serie para televisión. Al menos, es una realización francesa, con lo que tendrá más rigor que la americana.

Sangre de Cuba

‘Dreaming of Julia’, 2003. Dirección: Juan Gerard. Intérpretes: Harvey Keitel, Iben Hjejle, Diana Bracho, Gael García Bernal. Género:Drama. Duración: 1 hora 49 minutos. Sinopsis: Cuba, 1958. La revolución de Fidel Castro tiene todo a su favor. En el pequeño pueblo de Holguín vive el carismático Che, que además de cuidar de su familia y amigos, ayuda a los rebeldes. El nieto del Che, El Niño, junto a su adorada abuela Beta, va cada noche al teatro del barrio a ver interminables películas de Hollywood y se envuelven en su magia. Cierta noche ven una película en que una azafata llamada Julia, trata de aterrizar un avión lleno de pasajeros. Repentinamente la luz se va pues los rebeldes han volado la planta de luz del pueblo. Pasará un año antes de que la luz regrese a Holguín. Atrapado entre la lealtad hacia su familia, los tormentos causados por un primer amor y su amistad con Julia, la misteriosa rubia norteamericana, El Niño se enfrentará a un nuevo mundo de anhelos y pérdida de la inocencia, traición, desilusión y redención.

¿Qué podemos esperar?: ¿Algo del 2003 estrenado en el 2008? Está Harvey Keitel, e imagino que habrá apostado por este proyecto. Me provoca dudas, cierto, pero a lo mejor es de esas películas dormidas que merecen un repaso. Aunque la fecha de realización y su estreno, tiran para atrás.

Satanás (Perfil de un asesino)

‘Satanás (Perfil de un asesino)’, 2007. Dirección: Andrés Baiz. Intérpretes: Damián Alcázar, Blas Jaramillo, Marcela Mar, Teresa Gutiérrez. Género: Thriller. Duración: 1 hora 35 minutos. Sinopsis: Una mujer hermosa que roba a altos ejecutivos para lograr una vida mejor. Un sacerdote, enamorado apasionadamente de su ama de llaves y atormentado por cargar con el peso del secreto de una mujer de su comunidad. Un profesor, veterano de guerra, resentido con la vida y las circunstancias, que, de la mano de una de sus estudiantes, anhela salir del tedio de su vida. Pero ¿podrán sostener la presión de ser tentados por una prueba de sus más profundos deseos? Sus acciones tendrán consecuencias devastadoras.

¿Qué podemos esperar?: Lo cuenta mejor Beatriz en su crítica.

Visitante de invierno

‘Visitante de invierno’, 2007. Dirección: Sergio Esquenazi. Intérpretes: Santiago Pedrero, Sandra Ballesteros, Ana Cuerdo, Diego Alonso Gómez. Género: Terror. Duración: 1 hora 35 minutos. Sinopsis: Es la historia de Ariel Lambert, un joven de 20 años a quien, tras un trastorno psicológico, se le recomienda hacer reposo en un lugar tranquilo y apacible. En pleno invierno se muda con su madre y hermana a Villa Mar, un pequeño pueblo veraniego que en esa época del año se encuentra prácticamente desierto. Allí, poco a poco, Ariel descubrirá que en una casa cercana a la suya (supuestamente desierta) entran niños que no vuelven a salir jamás. Pero, ¿es real? ¿O sólo parte de la locura de Ariel? Habrá una sola forma de averiguarlo: Ariel deberá entrar en esa casa.

¿Qué podemos esperar?: Pues eso, de terror, y argentino. ¿Cuánto de psicoanálisis habrá?

Nos habían puesto los dientes largos con una preview de 30 segundos que Pixar ofreció en Internet de su cortometraje ‘Presto’, el mismo que podremos ver delante de ‘Wall-E’, cuando la película se estrene en nuestras pantallas el 6 de agosto. Ya la han estrenado en USA, cierto, pero si nos referimos al cortometraje en sí, algunos afortunados pudieron verlo en el Festival de Annecy, tanto ‘Presto’ como ‘Glago’s Guest’ (ya hablaremos de este último trabajo con más detenimiento en otra entrada, pero será el trabajo que acompañará a ‘Bolt’ en su estreno, primer corto de Disney realizado en 3D, por cierto).

Centrándonos en ‘Presto’, y en las desventuras y los problemas de ego entre un mago y el conejo que le acompaña en su espectáculo, se confirma que Pixar, y en concreto como quería hacer su director Doug Sweetland, ha realizado un cortometraje lleno de guiños y homenaje al cine de animación clásico de Hollywood, como son la propia Disney (a quien hacen un homenaje en los títulos de crédito iniciales), United Productions of America (UPA), Chuck Jones o Tex Avery. En concreto, se han basado para la preparación de ‘Presto’ en obras como ‘Case of the Missing Hare’ (con Bugs Bunny de protagonista), ‘Magic Fluke’ y ‘Magical Maestro’, cortometrajes que trataban el tema de la magia y la lucha de egos de sus protagonistas.

Todos los cortometrajes que os hemos citado, los podéis ver en la continuación de la entrada, como idea de lo que se podrá saborear en el mes de agosto.

Y un último apunte, el cortometraje es espectacular, como siempre en la línea de lo que Pixar nos ofrece, pero eso será algo de lo que os hablaremos con más calma la próxima semana. Por lo pronto, para quien no pueda esperar, quiera disfrutarlo, y sepa como hacerlo, está a la venta sólo para iTunes USA.

Case of the Missing Hare (1942), Dir. Chuck Jones

Magic Fluke (1949), Dir. John Hubley

Magical Maestro (1952), Dir. Tex Avery

Vía | Cartoon Brew
En blogdecine | ‘Presto’ es un homenaje a Tom y Jerry

En ‘Vidas Cruzadas’ (Short Cuts), la película que realizó Robert Altman sobre algunos cuentos de Raymond Carver, Julianne Moore interpretaba el personaje de Marian Wyman, esposa de Matthew Modine en la misma (el cuento en cuestión de Carver es ‘¿Quieres callarte, por favor?’), en la que no sólo roba escenas, sino que se hace ama y señora de toda la película. Simplemente por la secuencia que podéis ver más arriba, los minutos en los que aparece desnuda de cintura para abajo mientras le confiesa una infidelidad pasada a su marido. Todo el mundo se acuerda de eso, y de su pelirrojo vello púbico.

Quizás la secuencia debe parte de su fama a un diálogo entre Robert Altman y Julianne Moore, cuando el primero le ofreció el papel que rechazó Madeleine Stowe, y le comentó la secuencia en cuestión. “Puedo hacerlo, y además te ofrezco una prima adicional”, le respondió ella, “soy pelirroja de verdad”. Ese es el mito, pero lo cierto es que visto en acción, los ojos no ven otra cosa, pese a la tensión de la escena, al hecho de que estamos tratando de confirmar que es cierto, mientras la actriz se desgañita contando el porqué de lo que hizo a un marido que no debería haber preguntado.

Se están preparando para salir, y ella se ha derramado una copa de vino en la falda. Mientras se va a la cocina a tratar de limpiar la mancha, su marido la acusa de haber besado a otro hombre en una fiesta, y ahí es cuando viene el golpe de efecto, va a usar el secador, y lo que escondía el plano, aparece ante nuestros ojos. Es una discusión, dentro de las paredes de una casa, y allí estamos los espectadores observando la sorpresa. No nos lo creemos, pero es cierto… acaba de hacerse con la autoría de la película. Está confesando, ¿es pelirrojo, no?, así vienen todas nuestras preguntas la primera vez que vemos esta secuencia. Matthew Modine pone cara de alucinado, quizás por lo que escucha, aunque seguro que es otra la razón, como todos pensamos.

Resulta que la excelente actriz que es Julianne Moore pasará a la historia del cine por esta mágica secuencia, olvidando otros regalos con los que nos ha obsequiado. A modo de ejemplo traigo esta otra secuencia de ‘Magnolia’, soberbia en todos los registros, de su entrada en la farmacia. Fijaros en la transformación de su rostro hasta que explota. Por eso es grande esta actriz. Aunque para sus fans será siempre la chica del pelo rojo.

Más información | Lo que yo te diga

Mis secuencias mágicas en blogdecine:

• Final de ‘E.T. el extraterrestre’
• El cuento de Navidad de Auggie Wren en ‘Smoke’
• La colección de fotos de Auggie en ‘Smoke’
• La canción Dreams en ‘Chungking Express’
• Magnolia
• La fábula de la cigarra y la hormiga de ‘Los lunes al sol’
• ‘Paris, Texas’, el diálogo en el Peep Show
• Richard Widmark será siempre Tommy Udo
• ‘Julio César’ y el arte de manipular a la plebe
• Sally fingiendo el orgasmo
• ‘Atlantic City’, el limón y Susan Sarandon
• ‘Manhattan’, secuencia inicial
• La pistola de Indiana Jones
• Hola, mi nombre es Iñigo Montoya…
• ‘Tiburón’ de Spielberg visto con el paso de los años

Cuando alguien me pregunta que diga cuál esla mejor película, suelo responder que hay tantas, pero que si tengo que escoger la que tiene algo vital para mí, digo siempre ‘Un lugar en el mundo’ de Adolfo Aristarain. Tiene la virtud de matarme emocionalmente, y conozco a gente que no la gusta este tipo de cine, quedarse maravillado con la película.

Me sitúa el prólogo, ahora con los años vividos y la figura paterna en la memoria, como el protagonista, en perpetuo homenaje, como él buscando una señal que me diga cuál es mi lugar en el mundo. Me destroza el epílogo porque no puedo parar de llorar con él, sé que voy a sufrir viéndolo, que no es necesario, pero me armo de valor porque quiero saborearlo de nuevo. Me trae su recuerdo, si acaso fue la única película que fuera del cine llego a ver entera conmigo. De eso la tira de años. Nostalgia, diría.

Cuando la emitieron por primera vez por televisión en Canal +, me encabezoné para que todos la viésemos, sabía que había ganado San Sebastián y que allí había maravillado. Me ayudó que estaba enfermo, y a base de ponerme pesado conseguí que tanto mi padre como mi madre se sentasen delante del televisor. Ambos sin mucho interés en aguantar, yo sufriendo porque la fiebre no me dejase adormilado. Y sin embargo, no hizo falta nada, la melodía de la orquesta bariloche produjo esa noche en el salón magia. El mensaje, la propia calidad de la película, nos tuvo sentados, sin hablar, enganchados a la trama, al vivir según unos principios incorructibles del personaje de Federico Luppi, al progreso que suponía la figura de José Sacristán, el contrapunto entre ambos del personaje de Cecilia Roth. A muchas cosas más que mi memoria no retiene.

En la escena en la que Luppi quema la obra por la que tanto había luchado, esa cooperativa que intentaba hacer frente a la figura del señor de la zona, antes de llegada la práctica común era la explotación a los granjeros, me fijé en mi padre, y en sus ojos llorosos y enrojecidos. No pregunté, supe que la película le había llegado y le había gustado. Con el tiempo, ya no estando él presente, supe que esa escena le impulsó a decidir no dejar a sus trabajadores de lado, cuando el dueño se lo quería llevar con él a otra empresa, que aquello le hizo pensar y comprender que no podía dejarles a su suerte, que al menos se lo debía por todo lo que habían luchado juntos. Que la fábrica se convirtió para él en su Bariloche, en su lugar en el mundo. Al final esa tensión le costó la vida, pero tuvo su tributo, el día de su entierro la fábrica cerró para que sus trabajadores asistieran al mismo. De esos detalles que nunca se olvidan.

Todo eso me trae ‘Un lugar en el mundo’. Como en el monólogo final, una vez fui al cementerio a preguntarle, no cuál era mi lugar en el mundo, sino a traer de entender qué lugar me deparaba la vida. A día de hoy sigo sin saberlo, aunque me gusta recordar estas cosas. Muchas de ellas representadas por la película: dignidad, libertad, tratar de cambiar las cosas, cantar al ser humano, homenajear a la figura paterna… Todo eso significa para mí ‘Un lugar en el mundo’.

Por eso recupero de cuando en cuando ciertas películas. Aunque duela. Pero el cine argentino me puede, y en especial Aristarain, y todo porque dos películas suyas retratan a la perfección la relación con mi padre, ‘Un lugar en el mundo’, y con mi madre, ‘Roma’. Es regresar a lo mismo: la nostalgia.

Prólogo de Un lugar en el mundo

Epílogo de Un lugar en el mundo

Texto del epílogo

Hans anda por Estados Unidos, en Texas, o andaba, aunque tenía ganas de quedarse a vivir. Por lo menos eso decía cuando mandó la última postal, hace como dos años. En cuanto volvimos a Buenos Aires, mamá enganchó una burra en un hospital. Trabaja demasiado, y nos vemos poco. No es por la guita, yo también trabajo y más o menos nos arreglamos. Yo creo que trabaja mucho porque no quiere tener tiempo para pensar. Todavía le cuesta creer que vos no estés. Habla de vos con bronca, como si el infarto hubiera sido culpa tuya. A mí también a veces me da bronca no tenerte al lado para poder hablar con vos. A veces nos haces mucha falta, viejo. Después que pasó lo tuyo, en diez días liquidamos lo poco que teníamos y nos fuimos a Buenos Aires. Yo terminé el primario en un colegio que tenía secundario, como vos querías. Las piedras todavía las tengo, pero no me dio por ese lado. Me dio por la medicina. Ya estoy en tercer año y ahora me presenté a una beca y me salió. Me voy a España. No sé muy bien qué voy a hacer cuando se me termine la beca. Puedo buscar trabajo en Europa, o… no sé, volver a Buenos Aires si la cosa mejora. Me gustaría que me dijeras como hace uno para saber cuál es su lugar. Yo por ahora no lo tengo. Supongo que voy a dar cuenta, cuando esté en un lugar y no me pueda ir. Supongo que es así. Cha, va a aparecer. Todavía tengo tiempo de encontrarlo.

Nota: Lamento si el tono sensiblero o la entrada en sí, pueda no gustaros, pero era algo que me debía a mí y a mis críticos, a los que dudan de los que uno debe o no debe escribir, sobre todo por el tiempo que ha pasado y el recuerdo que me trae ver esta película. Le debía un homenaje a mi padre. Ya está hecho.

En blogdecine entradas relacionadas sobre las películas de mi vida:

• Marilyn, buen cine e insomnio
• Volver a ver ‘El fantasma y la señora Muir’
• Paul Auster, Smoke y la celebración del buen cine
• De ‘Moon River’ a ‘Desayuno con diamantes’, atrapados por la magia del 7º arte
• Momentos para el recuerdo de Apocalypse Now
• ‘Manhattan’, una de las películas de mi vida

Más información | Cine de Adolfo Aristarain

Este trabajo fue presentado en la última edición del Notodofilmfest, dentro de la sección en la que Ángeles González Sinde daba unas pautas para realizar un cortometraje. Dirigido por Alex Montoya, ‘Abinbowe’ propone una situación cotidiana, como lavar el pelo a una anciana, que se convierte en una visión crítica sobre el problema de la inmigración, muy del día a día en las Islas Canarias, donde está situada la acción, visto desde la óptica de las viejas generaciones, contrarias al mismo, y el pensamiento de las nuevas generaciones, proclive a vivir y defender la integración.

Los tres breves minutos son una contínua caja de sorpresas, incluído un final maravilloso que da título al cortometraje, canción tarareada por la protagonista, un personaje muy interesante en una buena interpretación de Irene Anula. Dura poco, parece que no pasa nada, pero se dice bastante. Tanto que al final no puedes reprimir entonar tu también la canción.

Por cierto, se nota la mano de Zinebi en la producción, y es uno de los trabajos más vistos en la web de notodofilmfest, cosa que no me extraña. Al menos, parece que todos estamos de acuerdo.

Vía | Ticklebooth
Más información | Notodofilmfest.com

Realizado por Joaquin Baldwin, ‘Sebastian’s Voodoo’, se trata de un cortometraje de animación realizado por ordenador, que ha recibido entre otros premios el de mejor cortometraje del Festival Internacional de Cine de Sedona. La película habla del sacrificio que se debe realizar para conseguir el bien de la comunidad, en este caso usando la metáfora de un muñeco de vudú, y lo que hace para conseguir la libertad del resto de los muñecos. La tiranía vendría encarnada por la persona que está haciendo el vudú, pinchados hasta la muerte por las manos de éste.

Bien de diseño, consigue que los muñecos transmitan sentimientos sin ojos ni boca, sólo con los gestos y los movimientos de las cruces que tienen por ojos. Pieza interesante, diferente a las muchas animadas que se realizan en la universidad de UCLA.

Vía | Boing Boing
Más información | Pixel in Trate

No es país para viejos

Que contar de una película como ésta que no sepáis ya. Triunfadora en la pasada edición de los Oscars, con Javier Bardem en estado de gracia para ganar la estatuilla. Personajes en el límite, a caballo entre una manera distinta de entender la vida y los cambios que están sucediendo en la época que les toca vivir. Un dinero robado del narcotráfico, una persecución, un asesino despediado y un sheriff de los de antes. No defrauda, aunque haya disparidad de criterios. Con respecto al DVD, se lanzan dos ediciones, una de ellas con estuche metálico, que se diferencian en que ésta cuesta tres euros más. El DVD es pobre en contenidos extras, la paramount no se ha esmerado, y uno echa de menos un audiocomentario de la película a cargo de los Coen. Críticas de la película: ‘No es país para viejos’, no es la mejor película de los Coen; ‘No es país para viejos’, al servicio de Javier Bardem; ‘No es país para viejos’,para quitarse el sombrero.

Hacia rutas salvajes

Personal película de Sean Penn sobre la epopeya del joven Christopher McCandless a lo largo de Estados Unidos y su ideal vida en una salvaje Alaska. Película que encanta o produce rechazo, lo cual es mejor que el que sea indiferente. Sean Penn se toma su tiempo, y nos cuenta a base de saltos en el tiempo, la historia de McCandless. Interesa más la parte del viaje interior por Estados Unidos que lo rodado en Alaska, y quizás Sean Penn de un mensaje demasiado ecologista, pero, como digo tiene grandes momentos. ¿El DVD? Pues dado el tipo de película que es, sin extras, quien los quiere, ¿no? Incomprensible. Por cierto, buena banda sonora a cargo del vocalista de Pearl Jam, Eddie Vedder. Críticas de la película: ‘Hacia rutas salvajes’, hacia ninguna parte; ‘Hacia rutas salvajes’, Sean Penn se hace un director serio

Charlie y la fábrica de chocolate

Delirio y divertimento musical a cargo de Tim Burton y Johnny Deep. Grandes números musicales para una historia tierna sobre un niño a la que la suerte le permite entrar en la fábrica de chocolate que ve todas las mañanas desde su ventana. Lo que no imagina es el fantástico mundo que allí se encontrará. La edición coleccionista que se lanza de esta película pertenece a una nueva presentación para DVD que hayan sido un éxito de ventas, con el rasgo especial que incluye fotografías exclusivas. Viene en un doble DVD con videoclips especiales de algunas de las secuencias rodadas y juego interactivos. Poca cosa la verdad También se lanza esta semana Sweeney Todd en una edición especial que incluye dos disco, pero de eso os habló ya la semana pasada Juan Luis.

Billy Elliot (Quiero bailar)

Un niño que quiere bailar en un pueblo donde la única salida que existe es trabajar en la mina. Un niño que se rebela ante la idea de no cumplir su sueño. Fue en el año 2000 la grata sorpresa. Un éxito inesperado, pero merecido, que puso en órbita a su director Stephen Daldry y al joven actor Jamie Bell. Se lanza en una versión en estuche metálico que incluye un libreto de 16 páginas. Entre los extras, comentario de la película a cargo del director, escenas inéditas, y 7 canciones comentadas.

El amor en los tiempos del cólera

Adaptación fallida de la novela de Gabriel García Márquez, rodada en inglés, con una idea diferente a lo que es la novela, en la que Mike Newell tragó por realizar un filme comercial. Imagino que Bardem se desengaño con este proyecto de lo que para los americanos es el cine comercial. Mejor leerse la novela, pero para los que estén interesados en el DVD, edición especial con escenas eliminadas y poco más. A veces me preguntó para las distribuidoras que es lo que significa la palabra especial.

El diablo sobre ruedas

Ahora que Spielberg está presente en las pantallas, conviene recordar el lanzamiento en DVD de su primera película, una grata sorpresa en su época, y una escelente película para un debutante que sorprendió a todo el mundo con la historia y cómo rodó la misma. Un conductor es perseguido, sin saber porqué, por un camión. Demostración clara de lo que un director puede hacer con un guión con un argumento sencillo, cuando se tiene talento. El DVD no tiene mucho, eso sí incluye una entrevista a Spielberg en la que comenta cómo hizo la misma, y eso para jóvenes cineastas puede ser de mucha utilidad. Entre las persecuciones míticas de la historia del cine.

El jardinero fiel

Buena película de denuncia con dos grandes interpretaciones de Ralph Fiennes y Rachel Weisz sobre las investigaciones de un diplomático británico respecto a la muerte de su esposa en extrañas circunstancias, y los tejemanejes de las farmaceúticas en los países del tercer mundo. Fernando Meirelles, el directo, no defrauda, y rasca hasta entregarnos una película personal y comprometida con el respaldo de los grandes estudios, de la obra de John Le Carre. El DVD especial incluye escenas inéditas, una escena añadida y un explicación de cómo es y cómo fue el rodaje en África.

Fahrenheit 451

Es Truffaut, y no sólo eso, es una de sus grandes obras, sobre el clásico de Ray Bradbury, y con una guapísima y gran Julie Christie. Película de obligado sitio en cualquier dvdteca. Incluso viene con audiocomentario y con una entrevista a Ray Bradbury. Imprescindible.