Esta semana, Hay más cine ahí fuera trae cosillas algo diferentes, quizá raras, quizá simplemente inesperadas. No solo los blogs de los que tomo la información son inauditos aquí o han aparecido pocas veces, sino que además, los temas tampoco son aquello de lo que todo el mundo está hablando.

• Tomad nota de la lista que nos ofrece JotDown de las nueve películas que quizá injustamente os hayáis perdido en el pasado 2012. De la que nos presta la imagen de apertura ya os había hablado. Pues eso, manos a la obra (o al mando a distancia) y a verlas todas.

• En cine invisible nos explican que la traducción de ‘The Perks of Being a Wallflower’ debería haber sido ‘Las ventajas de ser invisible’ y no ‘Las ventajas de ser un marginado’. Y no es que barran para casa, tienen toda la razón.

• Nos metemos siempre con nuestras traducciones de lo foráneo, ¿pero alguna vez nos hemos preguntado qué hacen por ahí con los títulos de nuestro cine? En Radio Cable se han parado a pensarlo un poquito. No os perdáis algunas de las invenciones, que son impagables.

• En una crítica sobre ‘Playtime’ (1967) ya os hablé de las referencias de Jacques Tati hacia la arquitectura. En Entre Manolos estudian lo mismo en otro de los films de Monsieur Hulot: ‘Mi tío’ (‘Mon Oncle’, 1958).

• El reportaje sobre hoteles míticos del cine que publica A la carta para dos me parece algo escaso, me habría gustado que tuviese diez o quince apartados. Pero lo poco que ofrece es interesante.

Ahora os toca a vosotros recomendarnos artículos jugosos y originales para que aparezcan en esta sección de Hay más cine ahí fuera. O nos lo enviáis al formulario de contacto o nos dejáis un comentario más abajo (la ventaja de esta forma es que no solo lo veremos nosotros, sino todos los lectores).

‘Django desencadenado’

Título original, nacionalidad, año: ‘Django unchained’, EE. UU., 2012.

Dirigida por: Quentin Tarantino.

Interpretada por: Jamie Foxx (Django), Leonardo DiCaprio (Calvin Candie), Christoph Waltz (Dr. King Schultz), Samuel L. Jackson (Stephen), Kerry Washington (Brommhilda), Walton Goggins (Billy Crash), Dennis Christopher (Leonide Moguy), Don Johnson (Big Daddy), James Remar, James Russo, Amber Tamblyn, Jonah Hill, Zoe Bell, Michael Parks.

Sinopsis: La historia de “Django desencadenado” está ambientada en el Sur de los Estados Unidos, dos años antes de estallar la Guerra Civil, el Dr. King Schultz en un cazarrecompensas de origen alemán que sigue la pista de unos asesinos: los hermanos Brittle. Para lograr su objetivo busca la ayuda de un esclavo llamado Django (Jamie Foxx). El poco ortodoxo Schultz se hace con Django bajo la promesa de dejarlo en libertad una vez que hayan capturado a los Brittle, vivos o muertos. El éxito que obtienen en su cometido hace que Schultz libere a Django, pero ambos deciden no separarse y seguir juntos su camino. Django perfecciona su destreza como cazador con un único objetivo: encontrar y rescatar a Broomhilda, la esposa que perdió hace tiempo en el mercado de esclavos. La búsqueda de Django y Schultz finalmente los lleva hasta Calvin Candie, propietario de la infame plantación Candyland. Bajo falsos pretextos Django y Schultz exploran las instalaciones y despiertan las sospechas de Stephen, el esclavo de confianza de Candie.

Accede a todos los materiales sobre ‘Django desencadenado’.

Crítica en Blogdecine: ‘Django desencadenado’, prueba de muerte

‘Lincoln’

Nacionalidad, año: EE. UU., 2012.

Dirigida por: Steven Spielberg.

Interpretada por: Daniel Day-Lewis (Abraham Lincoln), Tommy Lee Jones (Thaddeus Stevens), Sally Field (Mary Todd Lincoln), Joseph Gordon-Levitt (Robert Lincoln), David Strathairn (William H. Seward), Tim Blake Nelson (Richard Schell), James Spader, Lee Pace, Jackie Earle Haley, David Oyelowo, Jared Harris (general Ulysses Grant).

Sinopsis: ‘Lincoln’ se centra en los tumultuosos últimos meses en ejercicio del decimosexto presidente de los Estados Unidos. En una nación dividida por la guerra y en la que soplan fuertes vientos de cambio, Abraham Lincoln emprende un conjunto de acciones con el objetivo de acabar con la guerra, unir al país y abolir la esclavitud. Con la talla moral y la fuerte determinación para lograr todo ello, las decisiones adoptadas por Lincoln en un momento tan crítico cambiarán el destino de las generaciones venideras.

Accede a todos los materiales sobre ‘Lincoln’.

Qué podemos esperar: Una recreación a lo grande de una época histórica caracterizada por algo que ahora nos suena tan lejano como imposible: políticos íntegros que tratan de mejorar su país y de hacer algo positivo por la población, especialmente por los más desfavorecidos.

‘Nameless gangster’

Título original, nacionalidad, año: ‘Bumchoiwaui junjaeng’, Corea del Sur, 2012.

Dirigida por: Yoon Jong-bin.

Interpretada por: Choi Min-sik, Ha Jung-woo, Jo Jin-woong, Ma Dong-suk, Gwak Do-won.

Sinopsis: En 1982 Ik-hyun (Choi Min-sik) es un funcionario de aduanas corrupto que está a punto de ser despedido. Decidido a dar un último gran golpe, al intentar vender una bolsa llena de heroína termina aliado con uno de los jefes mafiosos más importantes de Busan, Hyung-bae (Ha Jung-woo). Ik-hyun se gana la confianza de Hyung-bae de inmediato gracias a su imparable verborrea, y así la fuerza de uno y las habilidades del otro permitirán a ambos convertirse en los amos de Busan. Pero al llegar los años 90, el gobierno anuncia la guerra abierta contra el crimen organizado, y es entonces cuando empiezan a aparecer grietas en su relación. La guerra abierta por el poder absoluto ha comenzado.

Qué podemos esperar: Del cine surcoreano siempre espero cosas buenas. Me encanta esa cinematografía. Lo que espero es que este ejemplar de su género de gángsters esté a la altura de otras que les conocemos.

‘Tabú’

Nacionalidad, año: Portugal, 2012

Dirigida por: Miguel Gomes.

Interpretada por: Ana Moreira, Carloto Cotta, Henrique Espírito Santo, Isabel Muñoz Cardoso, Ivo Müller, Laura Soveral, Manuel Mesquita, Teresa Madruga.

Sinopsis: Viaja del Portugal de hoy al África colonial a través de la historia de una temperamental señora, su doncella de Cabo Verde y un vecino de su mismo bloque lisboeta. Cuando la anciana muere, los otros dos descubren un episodio de su pasado.

Qué podemos esperar: Se ha descrito como un cuento de amor, aventuras y crimen ocurrido en lo más profundo de África y se ha comparado con la visión de los mares del sur de Murnau.

‘Moscati, el médico de los pobres’

Título original, nacionalidad, año: ‘Giuseppe Moscati: L’amore che guarisce’, Italia, 2007.

Dirigida por: Giacomo Campiotti.

Interpretada por: Giuseppe Fiorello (Giuseppe Moscati), Kasia Smutniak (Elena), Ettore Bassi (Giorgio), Carmine Borrino (Umberto), Paola Casella (Cloe), Giorgio Colangeli (De Lillo), Marco Gambino, Emanuela Grimalda.

Sinopsis: Nápoles, inicios del siglo XX. Giuseppe Moscati es un médico con brillante futuro que consigue plaza en uno de los mejores hospitales de la región: “el hospital de los incurables”. Moscati dedicará toda su vida al cuidado y atención de los enfermos, en especial de los más pobres. En su camino se cruzará la joven aristócrata Elena, que hará replantearse a Giuseppe su futuro. Su fama en lo personal y en lo profesional hizo de Giuseppe Moscati una de las personas más queridas en Nápoles.

Qué podemos esperar: Al parecer, se trata de una miniserie de la RAI, que nos llega adaptada a versión largometraje. Lo cierto es que no la vería ni en la tele, no creo que me acerque al cine por ella.

‘El corazón del roble’

Nacionalidad, año: España, 2012.

Dirigida por: Ricardo Ramón y Ángel Izquierdo.

Sinopsis: En ‘El corazón del roble’, extraños acontecimientos están cambiando el clima en la colina del dragón. La caída brusca de las temperaturas ha sumido la tierra en el frío y la oscuridad. El bosque se muere y Robin, el pequeño Elfo, guardián del bosque, suplica a los dioses ayuda para combatir el mal que amenaza con destruir la vida.

Qué podemos esperar: La animación española está en una buena posición frente a competidores de otras partes del mundo dentro del mismo formato. Eso no quiere decir que todo lo que se haga en este sentido tenga una elevada calidad. La que nos ocupa parece, por el contrario, una propuesta de directo a DVD con un estreno técnico.

Aunque el objetivo es que tengamos una relación sexual, no soy una prostituta. No tienes que pagarme por adelantado. No tengo nada en contra de las prostitutas, pero hay una diferencia. Hablaremos de eso más tarde”. Cheryl.

A veces me sorprende que la base para un guion cinematográfico pueda ser, no ya una novela o un relato, sino un artículo periodístico. Pero ocurre con ‘Argo’ (Ben Affleck, 2012) y ocurre con ‘Las sesiones’ (‘The Sessions’, Ben Lewin, 2012), donde el autor de las crónicas autobiográficas nos cuenta cómo perdió la virginidad, a los treinta y ocho años, con una terapeuta sexual.

‘Las sesiones’ es una de esas comedias que pueden aparentar no serlo en su planteamiento. Debido a la enfermedad que asola al protagonista y al carácter de historia basada en hechos reales, el drama parece ser lo que se corresponde sentir ante su contemplación. Disfruto mucho esas primeras risas que te arrancan este tipo de películas, ya que a muchos espectadores les cuesta dejarlas salir. Estás en la sala –de v. o., de cine de autor…– y los que te rodean guardan un respetuoso silencio durante el que se limitan a contemplar. La primera vez que te ríes, aunque no puedas ver sus caras, percibes reprobación. Nadie más se ha reído y seguro que han pensado que eres una inoportuna y una irrespetuosa.

Disfruto, como decía, cuando la película, con unos cuantos chistes más, confirma que se trata de una comedia y ya todos los demás se dejan llevar y se permiten a sí mismos reírse, pues ahora sí saben que corresponde. Y es que las comedias que introducen el humor en situaciones poco proclives tienen aún más mérito, si logran hacernos reír, pues han de romper esa barrera de silencio que se autoimponen los espectadores, pensando que es necesario comportarse de una manera determinada, en lugar de permitir que les arrastre lo que la película les hace sentir.

‘Las sesiones’ no solo la rompe, sino que desde ahí lleva a los presentes a desternillarse en carcajadas bien sonoras. La simpatía del personaje protagonista Mark O’Brien, encarnado por John Hawkes, en seguida se mete a todo el mundo en el bolsillo, los secundarios que lo rodean a un lado de la pantalla y a quienes le escuchamos desde el otro. Inexperto, pero nada mojigato, el periodista contagia su actitud ante la vida al tono del film, que encuentra en este su principal virtud.

Se suele comparar ‘Las sesiones’ con ‘Intocable’ (2011), pero esa comparación me parece tan injusta como la de ‘Blancanieves’ (Pablo Berger, 2012) con respecto a ‘The Artist’ (Michel Hazanavicius, 2011). Encuentro este film muy superior al de Olivier Nakache y Eric Toledano en todos los sentidos, pues si la mayor cualidad de aquella era un actor en estado de gracia, aquí los encontramos a todos.

Helen Hunt merecería el Oscar por esta tanto como por ‘Mejor imposible’ (‘As Good as it Gets’, James L. Brooks, 1997), con un personaje que también saca lo mejor de seres incompletos, con una variante carnal que hace de este caso una opción más moderna y valiente.

William H. Macy, en el papel de “cura enrollado” que solo podría encontrarse en la California de los años ochenta, está glorioso desde antes de abrir la boca. Moon Bloodgood abandona su look de tía buena para tal vez reencaminar su carrera con un personaje más interesante que, desde su absoluta discreción, aporta grandes momentos. Y así se podría seguir con la larga lista de secundarios que no por intervenir escasos segundos hacen peor su papel.

Ganadora en Sundance del premio especial del Jurado y del premio del público, ‘Las sesiones’ para mí entra sin ninguna duda entre las mejores películas que he visto en 2012, listado que por ahora resulta tan raquítico que no creo que me moleste en compartir a modo de post. La que nos ocupa se revela como un prodigio de tono, de interpretaciones y de originalidad en algunos aspectos –aunque el tema no sea nuevo—. Su carácter de indie no se antepone de manera molesta al resto de sus facetas, sino que las apoya desde una peculiaridad nada forzada.

Constantin Costa-Gavras nos cuenta en ‘El capital’ (‘Le capital’, 2012), una historia universal y eterna sobre ambiciones desmedidas, situada en una coyuntura muy actual y concreta, como es la tiranía de los bancos sobre las instituciones y los ciudadanos y el engaño que suponen algunos productos bursátiles.

No cabe duda de que comulgo con la crítica económico-social del autor que, de hecho, es lo que me mueve hasta el cine, como supongo que ocurre con casi cualquier persona que opte por una película de Costa-Gavras de entre el listado de la cartelera. Sin embargo, una vez dentro de la película, esa protesta empieza a resultarme difícil de percibir, no porque su planteamiento sea sutil u oscuro –muy al contrario, presenta algunas obviedades que veremos más adelante–, sino porque encuentro que el enfoque no está centrado.

‘El capital’ me parece un buen film. Sin embargo, no lo considero redondo o, lo que es peor tratándose de un producto con intenciones tan claras, completamente efectivo. En casos así, suelo dedicar mucha extensión de mis reseñas a tratar encontrar los motivos por los que algo no es perfecto. Si se juzgase al peso, podría parecer que hay más negativo en mi opinión que positivo. Por ello advierto de antemano que si me centro en estos aspectos es porque se prestan más a ser analizados, no porque se me antojen los más destacables.

El personaje protagonista

Gad Elmaleh ha recibido algunas apreciaciones negativas y, si bien a mí su interpretación también me genera dudas, considero que ninguna de ellas se debe a un mal trabajo por parte del actor, sino al personaje en el que tiene que basarse. Se trata de un personaje desdibujado, algo muy diferente a un personaje complejo, contradictorio y multifacético. Este hombre materialista, acomplejado y ciegamente ambicioso, en ocasiones presenta destellos de buena conciencia, atisbos de intenciones loables que –spoilers– rápidamente se disipan. Lejos de considerar esto como la duda normal que puede asolarnos a cualquiera en una situación semejante, lo entiendo como una doblez forzada por el guion para, por un lado, buscar una empatía casi imposible y, por otro, despistarnos sobre la sorpresa final. Estas contradicciones metidas con calzador son las que impiden que ese protagonista resulte creíble o provoque emociones, ya sean de cercanía o de rechazo.

Otros elementos están incluidos con intenciones similares y cumplen estas misiones con la misma falta de verosimilitud –no hay nada que arrebate más la credibilidad a un recurso que el que se perciba que está introducido para cumplir su propósito–. En concreto me refiero al personaje de Maud (Céline Sallette), maniqueo en su retrato de mujer perfecta intelectual y moralmente, y además ajeno a la trama. Recita cual panfleto las consecuencias sociales que tendrán las decisiones de Marc Tourneuil que el espectador tendría que estar viendo o concluyendo sin que nadie se lo dijese y menos los diálogos de la película.

Gabriel Byrne podría enfrentarse al mismo problema, aunque con un maniqueísmo de polo opuesto. Decir que el personaje de Liya Kebede es una mujer objeto sonaría a broma, pero en efecto, su intervención cumple, como las de los demás, un propósito claro. Esta modelo tan deseable como inaccesible es una clara metáfora de todo lo que el protagonista anhela en su profesión. Bernard Le Coq y sus acólitos son los únicos cuyos personajes se mueven en una ambigüedad interesante. La intervención de este último, así como la ambientación en despachos y salas de juntas y cierto feísmo de su estética, me hacía recordar por momentos ‘De Nicolas a Sarkozy’.

La ambición

Es mi opinión y tal vez sea la única persona que la haya tenido, pero para mí la critica hacia la trampa que suponen los fondos de inversión se malogra al presentar un personaje tan ambicioso. Ya que la película es, antes que nada, un retrato psicológico sobre la enfermedad o la obsesión de la ambición, esa injusticia deja de presentarse como un mal de esta sociedad y de este tiempo, ante el que cualquier persona cometería tropelías. Se individualiza la cuestión, cuando la crítica necesita que los problemas se perciban como extrapolables.

Argumental o estructuralmente, ‘El capital’ no presenta una intensidad repartida. Los primeros minutos son con diferencia los mejores, pero una vez todo esta presentado, la narración se estanca en una repetición de lo que ya sabemos. Es mucho más tarde cuando parece que va a retomar el enganche, durante unas escenas en las que el protagonista trama un plan. Entré al cine pensando que vería un film social y, tras encontrar que como tal como me convencía, me dejé llevar por ese instante en el que da la impresión de que va a tornar en una película de intrigas, tretas y engaños. Si la crítica política no funcionaba, podría disfrutar de un thriller empresarial. Esta otra opción también se desvanece pronto.

Las cosas, una vez escritas, parecen mucho más fuertes, concretas y pétreas y así probablemente suene todo lo dicho hasta aquí. Por lo tanto, de poco servirá que asegure que en realidad no se trata más que de un intento de fijar y asentar una serie de sensaciones con las que salí del cine y que tampoco terminaban de plasmarse. Es decir: nada de lo dicho me parece que acabe con ‘El capital’ ni con sus intenciones, simplemente son cosas que flotan en el aire impidiendo un disfrute completo.

Creencias o falta de ellas aparte, cualquier ocasión es buena para hacer repaso a algún tipo de cine. El final del calendario maya, previsto para hoy, 21 de diciembre de 2012, es un motivo como cualquier otro para hacer balance de las películas apocalípticas y post-apocalípticas. Que haya habido errores de cálculo para llegar a esta fecha o interpretaciones libres y exageradas de la predicción, pues se dice que quizá no hablaba del final del mundo, no nos impide tomárnoslo como hito para detenernos y realizar un post especial.

Las artes en general y el cine en particular han tocado el apocalipsis en numerosas ocasiones y, aunque en lo que nos ocupa, muchas veces los resultados han sido películas de serie Z, de ínfimo presupuesto y poca aportación argumental, el caso es que el concepto en sí tiene su atractivo.

A mí, particularmente, me atrae más el post-apocalipsis, pero por supuesto, colocándome siempre en el papel de una de las supervivientes – gracias a la misma trampa con la que los amantes del cine de época siempre se creen que habrían estado entre la aristocracia que protagoniza estas películas y no entre los campesinos con una esperanza de vida de 30 años–. Eso de que haya muerto casi todo el mundo y que se pueda deambular por las calles, cotillearlo todo, entrar en cualquier parte y comportarse de formas ridículas sin que nadie te diga nada, para mí tiene cierto atractivo. Ya que en ocasiones disfruto la soledad, esas imágenes de ciudades en las que no hay ni un alma me fascinan. Y no es que os esté deseando a todos la muerte, es solo un pensamiento fugaz.

Apocalipsis con mensaje

Casi siempre que se elige narrar una historia sobre el final de nuestros días, no basta con plasmar la aventura provocada por los peligros y los desastres, sino que subyace la intención que transmitir un mensaje. Este podría venir en forma de advertencia sobre lo que estamos haciendo con el planeta, de la que surgirían las películas apocalípticas con un enfoque ecologista. Asimismo podría llegar a la manera de una crítica a la sociedad y a hacia la deshumanización causada por los avances tecnológicos, de la que nace una vertiente más cercana a la ciencia ficción. Podría ser también una amenaza sobre los comportamientos, que se plasmaría en un cine con un cariz más religioso. Tal vez el reflejo de un problema que asusta a los ciudadanos en un momento concreto, de lo que podríamos poner como ejemplo el apocalipsis nuclear…

Son muchas las posibilidades, pero en todos los casos apreciamos que el tema sirve muy bien de base para suscitar debates o para analizar de manera psicológica y profunda a sus protagonistas. Es lógico: poner a tus personajes ante una situación límite hace que demuestren lo que de verdad son. Plantear que los seres que habitan la historia están en las últimas elimina todo lo superfluo y saca a la luz lo verdaderamente importante. De la misma manera, ese final del mundo puede funcionar como alegoría de tantas otras destrucciones que comete la humanidad y de las que habría que ser conscientes.

NOTA: voy a mencionar muchas películas y a poner muchos ejemplos, pero no quiere decir eso que mi post pretenda ser exhaustivo. De hecho, voy a quedarme con el último medio siglo, sin ir más atrás en el tiempo. Si se os ocurren films que no estén entre los citados, me encantará leer sus títulos en los comentarios. Sin embargo, se tratará de otros, de ejemplos complementarios. No quiere decir que se me hayan olvidado, que los haya pasado por alto o que me falte esa información. El artículo, ni mucho menos pretende dar cabida a todos los títulos, ya que una lista completa me suena mucho menos interesante que un estudio sobre formas y porqués.

Catástrofes

Una gran parte del cine apocalíptico pertenece al género de catástrofes. En estos casos, el fin del mundo viene provocado por un desastre natural. Incluso esta vertiente que, de todas las que veremos, podría ser la más simple, ya que se contenta con escenas espectaculares de acción y cierto sentimentalismo ante las muertes y las despedidas; casi siempre conlleva también algún tipo de crítica social o económica, aunque sea ligera.

Ejemplos de estas películas tenemos bastantes y no poco conocidos por vosotros: ‘2012’ (2009) y ‘El día de mañana’ (‘The Day After Tomorrow’, 2004), ambas de Roland Emmerich, o ‘Armageddon’ (Michael Bay, 1998). En las dos de Emmerich se cumple lo que os decía más arriba: el género me fascina tanto que se convierten en placeres culpables míos, aunque sepa que su calidad no está a la altura de lo que yo las disfruto.

Ciencia ficción

Es normal que la ficción científica tenga un lugar importante en lo que se refiere a mundos que se extinguen, ya que muchos de los autores sitúan este final en un futuro tal vez cercano, tal vez lejano. Por ese motivo, han de inventar una sociedad mecanizada y avanzada en la que se producirán los apocalipsis. Muchas de estas veces, lo que provoca el exterminio viene también como consecuencia de este avance desmedido.

‘Doce Monos’ (‘Twelve Monkeys’, 1995, Terry Gilliam) ‘Terminator’ (‘The Terminator’, 1984, James Cameron) o ‘Terminator 3: La rebelión de las máquinas’ (‘Terminator 3: Rise of the Machines’, 2003, Jonathan Mostow) serían tres ejemplos de los muchos que hay. Si nos centramos el el tipo de viaje en el tiempo que plantean y que explicaba aquí, veremos que plantean un universo consistente –la segunda de los Terminators no está incluida porque no responde a ese supuesto–, es decir, aquel que no muta a pesar de los cambios introducidos por los viajeros temporales hacia el pasado, ya que se considera que existe un bucle sin origen que indica que siempre viajaron.

Invasión alienígena

No son pocos los relatos que achacan el fin de la civilización a una invasión extraterrestre. Con la de estropicios que creamos nosotros mismos, tanto al planeta como los unos a los otros, cabría pensar que no haría falta que viniesen de fuera para aniquilarnos. Sin embargo, se hace y se seguirá haciendo porque resulta muy divertido. No hay que olvidar la otra tremenda ventaja en lo que se refiere a la corrección política: en este caso, el enemigo está muy claro, se puede tratar con saña y destrozarlo sin contemplaciones, pues nadie va a salir en su defensa ni a ponerse su parte.

Son numerosos los ejemplos que se pueden poner aquí: ‘Campo de batalla: la Tierra’ (‘Battlefield Earth’, Roger Christian, 2000), ‘Independence Day’ (Roland Emmerich, 1996), ‘Starship Troopers’ (Paul Verhoeven, 1997), ‘La amenaza de Andrómeda’ (‘The Andromeda Strain’, Robert Wise, 1971), ‘La guerra de los mundos’ (‘War of the Worlds’, Steven Spielberg, 2005), ‘Skyline’ (Colin Strause, Greg Staruse, 2010), o ‘Watchmen’ (Zack Snyder, 2009). Mi intención era comentar cada una de las películas, pero sería demasiado extenso ir una por una en este apartado.

Amenaza nuclear

Al incluir la palabra “amenaza”, estamos introduciendo un concepto que es interesante tener en cuenta al analizar estas películas. Quizá, cuando acabe la película, se cambie el destino y el fin del mundo no llegue a suceder. El mensaje difiere en gran medida si este final es evitable o inevitable. El tono de los films varía asimismo al añadir la opción de una salvación que seguro que depende de nosotros.

Las películas sobre holocaustos nucleares suelen ser coyunturales y pertenecer a la época de la guerra fría en la que se vivía bajo el yugo de “el botón” famoso. Tenemos en este subgénero films como ‘¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú’ (‘Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb’, Stanley Kubrick , 1964), ’2024: Apocalipsis nuclear (Un muchacho y su perro)’ (‘A boy and his Dog’, L.Q. Jones, 1975) o ‘Cuando el viento sopla’ (‘When the Wind Blows’, Jimmy T. Murakami, 1986), una de las películas más desoladoras que existen. Que se hiciesen en su momento con una idea muy de la época no significa que no hayan perdurado, ya que cuentan con valores intemporales y sirven de reflejo de su momento.

Perspectiva religiosa

No vamos a negar ahora el papel que tiene la religión en esta creencia del fin del mundo si hasta el término “Apocalipsis”, con mayúscula y como nombre propio, proviene de la Biblia. El miedo a la muerte ha llevado a civilizaciones enteras a buscar la posibilidad de morar en otros lugares tras expirar en la Tierra. Pero el fin del mundo destruiría incluso esa esperanza. Algunas películas se han declarado más abiertamente religiosas a este respecto y otras han dejado este aspecto como un hálito subyacente. Otras simplemente lo toman como punto de partida para conocer la causa y de ahí construyen otra historia.

Numerosos son los films que podrían caber en este apartado, pero mencionemos solo algunos de ellos: ‘Dogma’ (Kevin Smith, 1999), ‘El fin de los días’ (‘End of Days’, Peter Hyams, 1999),‘El libro de Eli’ (‘The Book of Eli’, The Hughes Brothers, 2010), ‘Señales del futuro’ (‘Knowing’, Alex Proyas, 2009). ‘El Incidente’ (‘The Happening’, M. Night Shyamalan, 2008) vería la religión con un acercamiento panteísta: la naturaleza es Dios, por lo que también lo podríamos considerar ecologista, ‘Sunshine’ (Danny Boyle, 2006) lo que hace es arremeter contra las creencias.

El enfoque dramático

Un poco a caballo con otros géneros, quizá el que más el de catástrofes, podemos encontrar algunas películas que se centran más en la tragedia humana e individual que deja atrás el suceso que en las grandes consecuencias mundiales. ‘Melancolía’ (‘Melancholia’, Lars Von Trier, 2011), ‘La hora incógnita’ (Mariano Ozores, 1963) o ‘Deep Impact’ (Mimi Leder, 1998) son algunas de ellas. La causa suele ser una catástrofe natural, ya que no se buscan culpas o castigos que llevarían el film hacia otras lecturas. En un principio, para mí podría ser el enfoque que menos me interesaría y el ejemplo de ‘Deep Impact’ lo confirmaría, pero lo cierto es que se pueden lograr hallazgos muy diferentes, como lo que hizo Von Trier.

‘3 días’ (Francisco Javier Gutiérrez, 2008) es el segundo ejemplo español y como corresponde con nuestra cultura cinematográfica, se centra, ante todo, en el drama. ‘Happy End’ (‘Les derniers jours du monde’, Arnaud y Jean-Marie Larrieu, 2009’) no es española, pero sus personajes vienen a nuestro país. ‘Buscando un amigo para el fin del mundo’ (‘Seeking a Friend for the End of the World’, Lorene Scafaria, 2012) no se centra tanto en el drama, pero sí en la cuestión personal y, como la anterior, cuenta una historia de amor en momentos poco propicios para el enamoramiento.

It’s the End of the World as we know it

La Tierra no se ha destruido, no ha caído un meteorito demoledor de la raza humana, no ha “implosionado” el universo, pero sí se ha producido el final de la civilización: es el fin del mundo tal y como lo conocemos. La culpa de haber llegado a lo que se ha llegado se achaca en estas narraciones a la ambición desmedida, el consumismo, la deshumanización, etc… Estas películas, obviamente, son las más críticas socialmente. No solo eso, sino que la situación de hambre a la que hemos llegado, con casos reales de niños que viven entre ratas alimentándose de basura a pocos kilómetros de nuestras casas, no se aleja tanto de la atmósfera que las asolaba.

Dentro de este apartado podríamos incluir todas las post-apocalípticas, subgénero solo posible si la destrucción no es completa. ‘Hijos de los hombres’ (‘Children of Men’, Alfonso Cuarón, 2006) sería un ejemplo perfecto, un reflejo majestuoso de la estética de un mundo no civilizado. ’28 días después’ (‘28 Days Later…’, Danny Boyle, 2002) explora más bien la posibilidad de llegar a eso, aún en los albores de ese posible renacimiento. La maravillosa ‘Wall-e’ (Andrew Stanton, 2008), debido a que muestra un planeta Tierra comido por la basura y nos lleva a vivir a otros mundos, también me parece que podría entrar aquí.

‘The Road (La carretera)’ (‘The Road’, John Hillcoat, 2010), basada en la novela de Cormac McCarthy, nos habla de una civilización destruida y no nos da el motivo para que lo encontremos en lo que consideremos más podrido de nuestra actualidad. ‘Soy leyenda’ (‘I am Legend’, Francis Lawrence, 2007), también basada en un libro, en este caso de Richard Matheson, nos sitúa en una post-civilización similar y da pie a esas imágenes desoladoras que mencionaba al inicio. De la misma idea beben tres series actuales o muy recientes: ‘Revolution’, ‘Falling Skies’ y ‘The Walking Dead’.

Cuando el mundo se acabe… quedará Charlton Heston

En varios apartados, he estado dejando fuera de los ejemplos algunas películas que seguro que habéis echado de menos. Por ejemplo, en el de “Es el fin del mundo tal y como lo conocemos”, se echaría en falta ‘Cuando el destino nos alcance’ (‘Soylent Green’, Richard Fleischer, 1972). Me las estaba reservando porque hay un actor que merece un apartado para él solito, ya que ha protagonizado varios de estos films.

Por supuesto, hablamos de Charlton Heston, que casi se lo habría ganado con su papel protagonista en ‘El planeta de los simios’ (‘The Planet of the Apes’, Franklin J. Schaffner, 1968) y su participación en la segunda (‘Regreso al planeta de los simios, ‘Beneath the Planet of the Apes’, Ted Post, 1970) ambas acopladas –y lo que voy a añadir ahora es un spoiler– también a la idea de que el mundo no se ha acabado, pero sí la forma de vida que conocemos. ‘El último hombre… vivo’ (‘The Omega Man’, Boris Sagal, 1971) es la adaptación anterior que se hizo de ‘Soy leyenda’, por lo que de nuevo tenemos a Heston en una epopeya post-apocalíptica. Ya en 1964 se había adaptado en ‘El último hombre sobre la Tierra’ (‘The Last Man on Earth’, Ubaldo Ragona), con Vincent Price.

No me queda más conclusión que la de esperar que en efecto las predicciones se hayan equivocado o que no pasen de aquí porque el tiempo invertido en este post no quiero que acabe filtrándose por las simas tectónicas ni desapareciendo en una luminosa explosión nuclear. Si salimos adelante, nos vemos en la próxima.

‘¡Rompe Ralph!’ (‘Wreck-It Ralph’, 2012) es el largometraje animado número 52 de Walt Disney Animation Studios. Está dirigida por el ganador de un premio Emmy® Rich Moore, colaborador de ‘Los Simpson’ y ‘Futurama’. Conocida como ‘Ralph, el demoledor’ en Latinoamérica, esta película animada en 3D con estética de videojuego, llegará a cines españoles el 25 de diciembre de 2012.

¿De qué va ‘¡Rompe Ralph!’?

Ralph sueña con ser tan querido como el hombre perfecto arréglalo-todo, Fix-It Félix. El problema es que a nadie le gusta un chico malo, pero en cambio todos aman a los héroes… así que cuando un moderno juego llega con un personaje malo que es un sargento Calhoun Ralph lo ve como su oportunidad para el heroísmo y alcanzar la felicidad. Ralph se mete en el juego con un simple plan –ganar medallas de todo-, pero accidentalmente libera un enemigo mortal que amenaza a todos los juegos del arcade. ¿Será Ralph lo suficientemente bueno y hábil para convertirse en un héroe antes de que sea “Game Over” para toda el arcade?

Los personajes

Ralph es un tipo duro que se dedica a romper todo lo que pilla con sus manazas. Pero también tiene un corazoncito. Todos los días durante 30 años, ha hecho su trabajo de “Tipo Malo” en el juego de arcade Repara-Felix Jr. Pero cada vez le gusta menos su trabajo porque nadie valora lo que hace. Ralph está cansado de ser el Tipo Malo oficial y le gustaría que reconocieran su trabajo. Así que se embarca en una aventura salvaje por el increíble universo de los juegos de arcade. Quiere demostrar que ser el Tipo Malo no quiere decir que sea
un mal tipo.

Conocido como “el bueno todoterreno”, Felix es la estrella de Repara-Felix Jr y el manitas de Chachilandia al que todos adoran. Cuando no está ocupado reparando los destrozos de Ralph, sus inquilinos inundan de besos, alabanzas y pasteles a este buen chico que gana medallas de oro. Ha nacido para ser encantador, así que su único papel es el de “Chico bueno”.

Conocida como “The Glitch“ (Fallo técnico), Vanellope es un error de programación en Sugar Rush, el juego de carreras de karts hecho de caramelo. Vanellope tiene enraizado en su código el espíritu de un piloto de carreras. Así que está decidida a estar en la parrilla de salida con el resto de los pilotos. Pero hay un problema: los otros pilotos no quieren que esté en el juego, ni tampoco quieren su error de programación. Después de tantos años sintiéndose rechazada, Vanellope ha desarrollado un endemoniado sentido del humor y una lengua muy afilada. Pero debajo de ese caparazón tan duro hay un corazón dispuesto a derretirse.

El doblaje

En el doblaje original de ‘¡Rompe Ralph!’, se pueden escuchar las voces de John C. Reilly, Sarah Silverman, Jack McBrayer o Jane Lynch. En nuestro país, sin embargo, escucharemos a José Coronado, Karra Elejalde, Álex de la Iglesia, Fernando Guillén Cuervo y Carlos Bardem. Si queréis ver una muestra de cómo les ha quedado, echad un ojo a los siguientes vídeos:

Éxito de público y crítica

‘¡Rompe Ralph!’ se estrenó en estados Unidos el viernes 2 de noviembre y consiguió el nº 1 de recaudación con 49,1 millones de dólares. Esta cifra se convierte en la mejor apertura de un título de animación de Disney, por encima de los 48,8 millones conseguidos por ‘Enredados’ (‘Tangled’) en 2010 o de clásicos como ‘El rey león’ (1995, 40.9 millones de $).

• “Disney tiene un bombazo en sus manos con esta comedia de brillante concepción y maravillosamente ejecutada, con el bonus añadido de la nostalgia y la emoción más genuina” Variety.

• “Un homenaje a la cultura clásica de los video juegos envuelta en una road movie de aventuras” Hollywood Reporter.

• “Disney Animation vuelve a sus tiempos más gloriosos. Pero la virtuosidad técnica no es nada sin el corazón, y “Rome Ralph no pierde un ápice de su objetivo principal: entretenernos y enseñarnos algo sobre nosotros mismos” IGN US.

La banda sonora de ‘¡Rompe Ralph!’

Información adicional sobre ‘¡Rompe Ralph!’:

Le encuentro cierto atractivo y originalidad a la idea de situar al malo como protagonista, es decir, a darle la vuelta a la perspectiva y al punto de vista. Lo que pasa es que me da la sensación de que Ralph no va a tener la definición de personaje de un villano en ningún momento, sino que va a ser Felix quien ya se nos presente como un ser detestable. Preferiría la apuesta de tratarnos de vender como figura con la que empatizar a un auténtico malvado, pues últimamente los personajes de las películas y de las series que se van dibujando con esa idea demuestran presentar mucho más interés que los perfectos y angelicales. He leído que ‘¡Rompe Ralph!’ es demasiado infantil, lo cual confirmaría mis temores, pero esperemos al día de Navidad, cuando nos llegue cual regalo de Papá Noel para juzgarla, ya que lo de aquí es solo una anticipación.

Llega la sección intermitente de Hay más cine ahí fuera. Aquí nos ocupamos de rescatar asuntos que se nos pueden haber pasado por alto en Blogdecine o de enlazaros artículos que se ocupan del séptimo arte con un enfoque distinto al nuestro y, por lo tanto, complementario.

• Un lector nos escribe para sugerirnos que echemos un ojo a este video con las mejores escenas de las películas más notorias del año. Una de ellas es ‘El caballero oscuro, la leyenda renace’ (‘The Dark Knight Rises’, Christopher Nolan, 2012), cuya foto nos ilustra más arriba.
• Sorprende descubrir que Jesús Franco no para. Ha rodado dos largometrajes en lo que va de año, según nos cuentan desde Pasadizo, y todavía va a empezar uno más antes de que acabe el 2012 o el mundo.
• Os he comentado tantas veces lo que me gusta el cine de viajes en el tiempo. Está claro que no soy la única, pues lo mismo expresan desde PoderFriki en un estudio muy completo.
• Tras la crítica a ‘Aterriza como puedas’, puede estar bien sumarse al debate de El Club de la Fatnasía sobre cuáles son las mejores comedias de la historia del cine. Para mí, la de Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker estaría entre las diez mejores, ¿pero opináis lo mismo vosotros?



• Nos recomienda una lectora que entremos en el blog Vamos al cine, donde encontramos un post sobre los actores menos rentables de Hollywood. Lo que nos enlazaba ella en realidad era el homenaje que rindió la revista Vanity Fair en 2011 a los Oscar. Ya vemos lo guapetones y guapetonas que salían todos los actores en esta glamourosa portada.

Si queréis que se os enlace como al primero y a la última, enviadnos un mail a través del formulario de contacto contándonos sobre qué habéis escrito y por qué creéis que es interesante. Si habéis leído algo sobre cine que os parezca absurdo no encontrar por aquí, dejad vuestras sugerencias en el mismo buzón o más abajo, en una casilla para comentarios, y tal vez las veáis la semana que viene en Hay más cine ahí fuera.

Agradezco que hayáis elegido para la crítica a la carta de esta semana ‘Aterriza como puedas’ (’Airplane!‘, 1980), de Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker. Es una de las películas con las que más disfruto y me he alegrado de comprobar que no ha perdido con el tiempo y no me refiero a que los avances estéticos no la hayan dejado antigua, sino a que al verla con mucha más edad no la he encontrado menos divertida.

Habré visto incontables veces ‘Aterriza como puedas’ y no me canso de ella. De hecho, tiene tanto contenido, tantos chistes, tanta frecuencia de absurdos que es preferible verla más de una vez porque con una sola no da tiempo a asimilarlo todo. Lo que más me sorprende es que las primeras veces que vi esta película sería tan pequeña que, no solo no entendería los referentes a los cuales se parodia –ni siquiera había visto ‘Fiebre del sábado noche’, mucho menos ‘Aeropuerto‘–, sino que no pillaba la mayor parte de las bromas subidas de tono y tampoco muchos de los juegos de palabras que inevitablemente se pierden con la –por otro lado meritoria y brillante– traducción. Y, a pesar de eso, me desternillaba con el film como con ningún otro. Y supongo que así nos ocurre a toda una generación.

‘Aterriza como puedas’ aúna el humor absurdo y los dobles sentidos, con la parodia –tanto al cine de catástrofes como a todo tipo de cine, publicidad y audiovisual en general–. No deja fuera el humor escatológico o sexual de un grado bastante relajado, cierto humor negro y tal vez social, así como alusiones a cuestiones coyunturales, donde se podría incluir el cameo de Kareem Abdul-Jabbar. Con una intención más analítica que celebratoria, podríamos llegar a preguntarnos por qué funciona tan bien un humor que, en apariencia y quizá fuera de contexto, está casi siempre basado en chistes que podríamos llamar malos.

Por un lado, está claro que la densidad es una ayuda, pues no hay comedia en la que las ocurrencias cómicas sean tan abundantes y vayan tan seguidas. Además, la falta de miedo a caer en lo obvio o la valentía de incluir cualquier tipo de chuscada –que en brainstormings para otras creaciones se descartaría sin dudarlo– llevan a una sensación de euforia contagiosa. Pero estas razones acumulativas no pueden ser las únicas que expliquen que el humor funcione tan bien, ya que las bromas, de una en una, también nos hacen reír: muchas de las frases se han hecho tan míticas que algunos hasta las sacamos en diálogos cotidianos como si fuesen expresiones hechas, como ocurre con los diálogos de los films clásicos.

No cabe duda de que el tono de la película, la forma en la que Zucker, Abrahams y Zucker la han puesto en escena y han dirigido a los actores influyen muchísimo. Y esto también serviría de aclaración a lo que suscita en el segundo párrafo: cuánto me sorprende haberla encontrado graciosa cuando la veía de pequeña, a pesar de que muchos chistes se me escapaban. Por otra parte, es admirable que los guionistas sean capaces de incluir el humor en cada una de las líneas del libreto sin que la historia dé bandazos y se salga del rumbo, cual vuelo 209 de la Trans American.

Los personajes están dibujados más allá de los tópicos y las interpretaciones, a la altura de esta exageración, están todas subidas de tono. Era el aspecto que faltaba para que la comicidad fuese completa. Actores como Lloyd Bridges o Robert Stack –algo menos en el caso de Peter Graves–, que siempre han tenido una forma de interpretar fuerte y carismática, en este conjunto pasan la raya por unos centímetros y su trabajo se transforma. Robert Hays, Julie Hagerty, en los papeles protagonistas, se quedan más en la parodia, llevando las típicas representaciones de galán y damisela a sus límites respectivos.

Reseñable es la transformación o, digamos, el descubrimiento de Leslie Nielsen para la comedia con esas miradas de refilón y esas frases dichas con un tono casi increíble, que se acompaña del estallido de un trueno y de una subida de la música – por cierto, una banda sonora tan clásica que encaja en la parodia–. Nielsen no solo desde entonces ha dedicado su carrera a la comedia paródica, sino que resulta cómico verlo ahora en una película donde su papel es dramático, tanto que parece casi imposible tomarse esos films con seriedad.

Aunque el humor paródico se ha seguido haciendo, el juego de palabras y el humor absurdo no se ha cultivado tanto con el estilo particular de este film. Quizá es ese el motivo de que, cuando llegan hoy en día los “spoof”, cuyos títulos suelen acabar en Movie, damos por hecho que van a ser malos, como si el género en sí estuviese condenado a no tener nada que aportar. Muchas veces nos olvidamos de que todas surgen de una obra maestra como la que nos ocupa o también de las de Mel Brooks a la que ‘Aterriza como puedas’ se parece en esa vertiente, pero no tanto en el tipo de humor. En ese sentido, lo más parecido que he visto ha sido la serie inglesa ‘Cloth’, protagonizada por John Hannah.

Y ahora os toca a vosotros votar la siguiente película que será sometida a una Crítica a la carta. Adelante.

Sobre una trama sencilla y utilizada previamente en el cine, Alfonso Sánchez, como director, guionista y protagonista de ‘El mundo es nuestro’, lanza una crítica a los estamentos que sacan tajada de la crisis, a la vez que refleja con fidelidad la idiosincrasia sevillana.

Humor y realismo

Apenas existen giros o cambios de tercio una vez la situación se ha planteado. La hora y cuarto larga que dura se sostiene a duras penas, así que el guion introduce algunos momentos de relleno, como la toma del bocata y algún otro interludio. Pero nada de esto impide que se disfrute del film con una sonrisa en los labios y el puño en alto, ya que un arranque muy divertido y una parte central encendida levantan el ánimo tras los momentos más planos o reiterativos.

El contenido de fondo no es motivo de risas, sin embargo, Sánchez no opta por el tono grave o dramático, sino que realiza una comedia costumbrista y de gran realismo, que deja traslucir perfectamente la crítica. Una elección de intérpretes poco conocidos –salvo por Antonio Dechent–, aumenta su credibilidad y naturalidad. Exceptuando, tal vez, a Joserra Leza, en el papel del corrupto Manuel, quien suena algo envarado para el ambiente en el que se mueve, el resto del elenco resulta perfecto.

Las pequeñas historias de los personajes que son tomados como rehenes se resuelven con pequeñas pinceladas y no necesitamos más. Alguno de los personajes raya el tópico en su definición de guion, pero el disparate del conjunto lima las aristas para llevarlos a otro terreno.

La realización de Sánchez no es brillante y el acompañamiento musical omnipresente llega a resultar molesto. Estos pequeños menoscabos pueden achacarse sin problema a la escasez de presupuesto de un film que ha sido financiado gracias al Crowdfunding y a la participación en cooperativa del equipo. El director demuestra tener buenas ideas, como ese plano secuencia de arranque, en el que se escucha un diálogo desternillante, gracias a la mezcla del sentimiento de estar escuchando “la vida misma” con una sabiduría y un vocabulario imposibles en esos personajes, y su respuesta en el cierre con una escena simétrica.

El pueblo, unido, jamás será vencido

Si bien no se echa mano de la gravedad del drama, como decía, el autor no tiene ningún problema en buscar la emotividad que causa el hermanamiento con las causas desesperadas y el caso es que lo consigue. El síndrome de Estocolmo cala, en este caso, gracias a la identificación con los problemas económicos ante la que nadie permanece indiferente, por lo que estamos hablando más de solidaridad que de padecer psicológico. Desde fuera, la multitud también se hace una con Fermín.

Los dos protagonistas, encarnados por el director y por Alberto López, forman un dúo que se quiere y se respeta, además de encontrar una perfecta compenetración. Son los Robin Hood modernos, los Bonnie and Clyde andaluces. ‘Tarde de perros’ (‘Dog Day Afternoon’, Sydney Lumet, 1975), se cruza con ‘La estanquera de Vallecas’ (Eloy de la Iglesia, 1987) y se entrelaza con algún diálogo que le habría gustado firmar a Tarantino.

(Spoilers). Esta reivindicación tan clara no podría tener otra conclusión que no fuese un final feliz redondo y completo. Todos los “buenos” acaban como deseaban y disfrutan de lo que les ha reportado esta aventura. Todos los malos –esta vez no hacen falta las comillas– pagan por lo que han hecho (fin de los spoilers).

Sevilla es así

‘El mundo es nuestro’ no es una comedia. Es una comedia andaluza. Si no se incluyese esta precisión, la definición quedaría muy incompleta. Así lo ha pretendido su autor, que desde el principio ha introducido todo tipo de alusiones y toques sobre la forma de ser y de comportarse –el estupor de la inspectora burgalesa refleja el punto de vista externo–, aunados en la figura del paso procesional, que no puede cambiar de trayectoria, así tengan que enfrentarse a personalidades y elementos.

Como conclusión, me quedo con el humor y la autenticidad de la película, que se nota que está hecha con ganas y con mucho que decir. Vale la pena dejar de lado las exigencias de presupuesto y lucimiento estético para disfrutar de este largometraje disparatado y divertido, con intérpretes muy reales y con algunos grandes hallazgos cómicos. La parte de crítica social y económica es tan acertada y necesaria que la película consigue que, por unos instantes, sí que creamos que el mundo es nuestro, aunque no lo sea.

‘Sin tregua (End of watch)’

Título original, nacionalidad, año: End of watch, EE. UU., 2012.

Dirigida por: David Ayer.

Interpretada por: Jake Gyllenhaal (agente Taylor), Michael Peña (agente Zavala), Anna Kendrick (Janet), Frank Grillo (agente Sarge), America Ferrera (agente Orozco), Natalie Martinez (Gabby), Cody Horn (agente Davies), David Harbour (agente Van Hauser), Yahira Garcia (La La), Maurice Compte (Big Evil).

Sinopsis: Dos jóvenes policías de Los Ángeles, Taylor (Jake Gyllenhaal) y Zavala (Michael Peña), se dedican a patrullar en las calles más humildes del sur de la ciudad. Sus vidas se pondrán en peligro después de confiscar un alijo de dinero y armas de un cártel de la droga durante un control de tráfico.

Crítica de ‘Sin tregua’ en Blogdecine.

Tráiler de ‘Sin tregua (End of watch)’.

‘El doble del diablo’

Título original, nacionalidad, año: ‘The devil’s double’, Bélgica y Holanda, 2011.

Dirigida por: Lee Tamahori.

Interpretada por: Dominic Cooper (Uday Hussein/Latif Yahia), Ludivine Sagnier (Sarrab), Raad Rawi, Mimoun Oaïssa, Khalid Laith, Philip Quast. Guion: Michael Thomas; basado en el libro de Latif Yahia.

Sinopsis: Año 1987 en Bagdad, el teniente del ejército iraquí Latif Yahia (Dominic Cooper) es convocado desde la primera línea del frente al palacio de Saddam Hussein y se ve inmerso en las altas esferas de la familia real al tener que convertirse, gracias a su gran parecido físico, en el doble del hijo de Saddam, el famoso príncipe Uday Hussein (Dominic Cooper), un imprudente joven con un hambre feroz por el sexo y la brutalidad. Con su vida y la de su familia en juego, Latif decide renunciar a su antiguo yo para siempre a medida que aprende a caminar, hablar y actuar como Uday. Con un movimiento en falso que le puede costar su vida, Latif forja un vínculo íntimo con Sarrab (Ludivine Sagnier), la seductora amante de Uday. Pero mientras se teje una guerra con Kuwait, y Uday se cierne con un régimen mafioso que amenaza con destruirlos a todos, Latif se da cuenta que escapar de la guarida del diablo tendrá un alto precio.

Qué podemos esperar: Aunque sea por el escándalo que lo acompaña, tal vez este film resulte, como mínimo, curioso. Quizá contenga un cierto estudio sobre si el poder y la riqueza son capaces de cambiar a una persona y algún juego con las identidades que dé pie a intriga. La nota que ha obtenido en las páginas web que incluyen calificación no es nada baja.

Tráiler de ‘El doble del diablo’.

‘Un buen partido’

Título original, nacionalidad, año: Playing for keeps’, EE. UU, 2012.

Dirigida por: Gabriele Muccino.

Interpretada por: Gerard Butler (George), Uma Thurman (Patti King), Jessica Biel (Stacie), Judy Greer (Barb), Dennis Quaid (Carl King), Catherine Zeta-Jones (Denise), James Tupper (Matt), Noah Lomax (Lewis).

Sinopsis: George Dryer (Gerard Butler), un antiguo jugador de fútbol profesional, intenta rehacer su vida tras caer en desgracia con su ex mujer, Stacie, y su hijo pequeño, Lewis. Con la intención de arreglar su relación con Lewis, George acepta entrenar al equipo de fútbol de su hijo cuando el entrenador anterior resulta ser un caso inútil. George, sin embargo, no podía prever el auténtico desfile de mamás burguesas atractivas que compiten de manera agresiva por su atención y sus afectos, ni que el patrocinador del equipo de fútbol, el empresario de éxito Carl King, tiene sus propios planes para George. ¿Cómo podrá recuperar George el afecto de su hijo y de su ex mujer con semejante cantidad de enredos románticos y profesionales complicándolo todo?

Qué podemos esperar: La lectura de la sinopsis me provoca rechazo inmediato, así que ignoraré los nombres célebres del cartel y la trayectoria previa del director porque la pinta que tiene esto es infame.

Tráiler de ‘Un buen partido’.

‘Operación E’

Nacionalidad, año: Francia y España, 2012.

Dirigida por: Miguel Courtois.

Interpretada por: Luis Tosar (José Crisanto), Martina García (Liliana).

Sinopsis: Una mujer secuestrada por las FARC da a luz a un niño en medio de la selva colombiana. En el momento del parto, la guerrilla arrebata al niño de su madre y se lo entrega a Crisanto (Luis Tosar), un modesto agricultor que sobrevive en la jungla con su joven mujer, sus cinco hijos y su suegro curandero, y que deberá hacerse cargo del bebé bajo amenaza de muerte. El pequeño está gravemente enfermo, pero Crisanto y los suyos están dispuestos a todo por salvarle la vida.

Qué podemos esperar: Courtois ya nos había demostrado que sabe sacarle emoción y tensión a sucesos reales, que tienen que ver con la política. Aquí podemos contar con que vuelva a lograrlo.

Tráiler de ‘Operación E’:

‘Una pistola en cada mano’

Nacionalidad, año: España, 2012.

Dirigida por: Cesc Gay.

Interpretada por: Ricardo Darín, Luis Tosar, Javier Cámara, Eduard Fernández, Eduardo Noriega, Leonardo Sbaraglia, Alberto San Juan, Jordi Mollà, Candela Peña, Cayetana Guillén Cuervo, Leonor Watling, Clara Segura.

Sinopsis: Comedia sobre las carencias, debilidades y otras “virtudes” de los hombres de hoy: perdidos y confusos en busca de una nueva identidad. Un film coral que radiografía la vida sentimental de unos hombres… y de algunas mujeres.

Qué podemos esperar: Ya nos adelantaban que se trata de una “radiografía de los hombres de hoy en día que gustará mucho a las mujeres”. No estoy yo tan segura de que se pueda generalizar de esa manera, pero dejando a un lado las cuestiones de género, lo que sí puedo asegurar es que las comedias me gustan si me hacen reír mucho. Así que espero que sea más cómica que reflexiva o retratadora.

Tráiler de ‘Una pistola en cada mano’:

‘El chef, la receta de la felicidad’

Título original, nacionalidad, año: ‘Comme un chef’, Francia y España, 2012.

Dirigida por: Daniel Cohen.

Interpretada por: Jean Reno, Michaël Youn, Raphaëlle Agogué, Julien Boisselier, Santiago Segura.

Sinopsis: El chef estrella Alexandre Vauclair no se entiende con la nueva dirección de la empresa propietaria de su restaurante, que prefiere apostar por la nueva cocina molecular. Poco a poco, los miembros del equipo de cocina de Alexandre son despedidos. Vauclair se encuentra desesperado y sin ideas para el nuevo menú que puntuarán los críticos gastronómicos de la Guía. Alexandre necesita inspiración y un nuevo ayudante. Y entonces conoce a Jacky, un aficionado a la alta cocina, autodidacta, obstinado y con mucho, mucho talento.

Qué podemos esperar: Jean Reno tiene gracia, pero el tema de la cocina está demasiado explotado en las comedias de los últimos años. No me importaría verla si me coincidiese, pero dudo de que acuda a la sala exprofeso.

Tráiler de ‘El chef, la receta de la felicidad’:

‘Damsels in distress (Damiselas en apuros)’

Nacionalidad, año: EE. UU., 2011.

Dirigida por: Whit Stillman.

Interpretada por: Greta Gerwig (Violet), Adam Brody (Fred), Analeigh Tipton (Lily), Megalyn Echikunwoke (Rose), Carrie MacLemore (Heather), Hugo Becker (Xavier), Billy Magnussen, Ryan Metcalf (Frank), Aubrey Plaza, Alia Shawkat.

Sinopsis: Un grupo de universitarias obsesionadas con la moda se hacen amigas de una estudiante y le enseñan sus equivocadas formas de ayudar a la gente. A la muchacha le sale un pretendiente, si bien las chicas tienen dudas de sus verdaderas intenciones.

Qué podemos esperar: Lo único que sé de esta película es que se proyectó en la ceremonia de clausua del Festival de Venecia. Tiene aspecto de ser una comedia romántica que trata de resultar diferente, quizás indie.

Tráiler de ‘Damiselas en apuros’:

‘The black power mixtape 1967-1975’

Nacionalidad, año: Sueca, 2011.

Dirigida por: Göran Olsson.

Sinopsis: En el año 1967, unos cineastas suecos partieron hacia Estados Unidos interesados por explorar y conocer la comunidad afroamericana del país y su lucha por los derechos civiles, la cual estaba siendo ignorada y retratada por los medios de comunicación de EEUU como un movimiento violento y terrorista. 30 años después, el cineasta sueco Göran Olsson saca a la luz las cintas olvidadas.

Qué podemos esperar: No niego que será interesante –tiene varios premios y reconocimientos–, pero con el poco tiempo que tengo estos días, si voy al cine será para que me cuenten una historia de ficción.

Tráiler de ‘The Black Power Mixtape 1967-1975’

Ninguna de ellas supone un gran estreno, para esos habrá que esperar unos días más. ¿Será otra de esas fechas en las que, si vamos al cine, es para recuperar algo que se nos haya escapado de semanas anteriores? En mi caso seguro que sí, ¿y en el vuestro?