‘El Juramento’ es la tercera película dirigida por Sean Penn, mucho más conocido como actor que como director, y cuenta con un reparto sencillamente impresionante que llama la atención incluso para el que no sepa absolutamente nada sobre esta película. Jack Nicholson, Robin Wright Penn (mujer de Penn), Aaron Eckhart, Tom Noonan, Helen Mirren, Vanessa Redgrave, Benicio del Toro, Mickey Rourke y Patricia Clarkson aparecen, en mayor o menor medida, en una película que, disfrazada de thriller, es más bien un drama repleto de melancolía y con trazos de tragedia griega antes que la convencional historia policiaca de suspense.

En ‘El Juramento’, hay un acercamiento a la América rural, tranquila y apacible donde nunca ocurre nada de trascendencia, y que de repente se ve sacudido por un acontecimiento pesadillesco, después de la cual la vida de sus habitantes nunca volverá a ser la misma. En este caso, el detective Jerry Black (Nicholson) interrumpe su ansiada jubilación para ayudar en la investigación del asesinato de una niña de ocho años. Conmovido por la dureza de las circunstancias que rodean a todo el caso, Jerry Black jura encontrar al asesino para evitar que algo así vuelva a ocurrir. Que se lo tome a modo tan personal pronto le provoca una sensación de alerta permanente, casi paranoica, donde no puede fiarse de nadie, todo el mundo miente y oculta los detalles que podrían hacerle avanzar en sus pesquisas.

El estilo preciosista de Sean Penn, que más tarde ha mostrado también en la floja ‘Hacia rutas salvajes’, inunda todos los aspectos de la película. El escenario rural, nevado, en que se ambienta la historia ayuda a condensar todo en un tono puramente melancólico, y junto a la música discreta aunque emotiva de Klaus Badelt y Hans Zimmer, ofrece una experiencia inolvidable. Porque, ante todo, ‘El Juramento’ no es una película fácilmente digerible, más bien es el éxtasis, la cumbre de una perspectiva única dentro del séptimo arte. De esto deben haberse dado cuenta los actores, porque todos se muestran igualmente implicados. El por entonces semidesconocido Aaron Eckhart, que ahora interpretará a Harvey Dent en ‘El Caballero Oscuro’, salpica de carisma todos los planos donde sale. Pero claro, enfrente tiene al todopoderoso Jack Nicholson en una de las (no me van a creer) mejores interpretaciones de su carrera. Jerry Black es un detective apocado, pasivo, que resuelve los casos de forma entregada pero su eficiencia habla por sí sola. La más floja seguramente es Robin Wright Penn, pero tampoco lo hace mal, simplemente queda en un segundo plano si la comparamos con el resto del reparto.

A pesar de la estética minuciosamente preparada para exprimir belleza de donde no la hay, la película no omite escenas cruentas, como la protagonizada por Benicio del Toro. Asimismo, Helen Mirren y Mickey Rourke tienen su propia escena (en singular), y desarrollan todo su talento al servicio de la consistencia de la trama, que progresivamente va tornándose en una historia sobre la paranoia, la obsesión por cumplir el juramento realizado, el de encontrar a un asesino que se escabulle, que no se deja ver fácilmente. Jerry Black podría estar jubilado, y lo ha aplazado para capturarle él mismo. Y eso le corroe por dentro, a la vez que ha reinventado el sentido de su propia vida. ‘El Juramento’ es, pues, una película con una interesantísima evolución de personaje, SPOILER que acaba de la manera menos esperada posible, con una situación tan injusta como “lógica”, a juzgar por lo visto a lo largo del metraje. Esos dos minutos finales, en los que Jack Nicholson hace literalmente lo que le da la gana, son realmente demoledores, y dejan al espectador con la boca abierta sin mucho esfuerzo FIN SPOILER.

Habrá quien diga que ‘El Juramento’ acusa demasiado un ritmo no lento pero sí relajado. Y es cierto. De ahí que dure 125 minutos, y pudiera dar la sensación de que con más empeño, Jerry Black podría haber dado con las claves del misterio en menos tiempo pero con mayor agilidad. Pero justifico enteramente la duración de la película, porque esos actos, que no son más que diálogos con esos personajes nómadas en la trama, son el perfecto contrapunto para el envolvente mensaje que se insinúa poco a poco: la cosa no va a acabar del todo bien, y Jerry Black es el primero que lo sabe, muy a su pesar.

Sean Penn no explica, insinúa. Trata con muchísimo respeto al espectador, y sabe dar silencios en sus escenas, no para dotar a su film de pretenciosidad, sino para alternar momentos de “acción” con otros de libre albedrío para quien se digne a ver su película. ‘El Juramento’ exige de uno el pensar sobre la historia. Su aire hipnótico, gracias a la intensa fotografía, está más que preparado para este propósito. En la película se intuye sabiduría, resignación ante un mundo imperfecto que se mira con un prisma equivocado, que no es indulgente con los buenos y los malos pueden quedar impunes. Un mundo con más preguntas que respuestas. En definitiva, ‘El Juramento’ observa nuestro mundo de forma reflexiva, y todo bajo la tutela de un habilidoso thriller policiaco. Nada menos.

‘El Juramento’ es, en resumidas cuentas, una obra maestra absoluta. Un prodigio de dirección y guión, y una inolvidable ambientación. Quizá sería exagerado afirmar que se encuentra entre las mejores de la década, pero desde luego es imperdible. Les dejo con una escena memorable: la de Mickey Rourke, que encarna al padre de la niña asesinada, que en menos de un minuto actúa insuperablemente, se come la pantalla y de paso muestra la cara visible de la historia que se cuenta: la del dolor.

Las comedias románticas siguen sin pasar por su mejor momento. Llega ‘Posdata: te quiero’ con casi un año de retraso y un servidor aún tiene secuelas psicológicas tras haber visto la patética ‘La boda de mi novia’. Por supuesto, su mayor reclamo es su dúo protagonista, formado por Gerard Butler y Hilary Swank. El primero tiene que hacer muchas películas, de diferente registro, para que a todos se nos olvide que fue Leónidas en ‘300’, y la segunda anda bastante perdida tras haber ganado un Oscar por ‘Million Dollar Baby’. Para qué nos vamos a engañar: los dos hacen lo que pueden, tratando de levantar esta fallida propuesta, y es por ello que sus inacabables dos horas y cuarto de duración, se hacen aburridas pero no desesperantes.

En unos espléndidos primeros diez minutos, se nos muestra a la joven pareja compuesta por Gerry (Butler) y Holly (Swank), que a pesar de sus evidentes diferencias, indudablemente se quieren y están dispuestos a convivir por mucho tiempo más. Más tarde, con una elipsis poco razonable, se ve cómo Gerry ha muerto tras una larga enfermedad, y Holly sobrevive como puede al trauma, a veces con un comportamiento apático y otras veces autodestructivo. Por suerte para ella, su marido ha tenido la genial idea de enviarle cartas tras su muerte, es decir, programadas para cuando ella estuviese sola y, por supuesto, le echase de menos con desesperación. Las cartas son un artificio absolutamente inverosímil, ya que Gerry hace planes para después de fallecer que son imposible de llevarse a cabo con esa precisión, pero uno ha de tragarse esta premisa de cabo a rabo durante las dos horas y cuarto que dura este pastelón.

Hay muchos secundarios, y todos son buenos actores, pero sus personajes se encasillan tanto en unos clichés a todas luces infumables que no hay manera de que sigamos con interés el paradero del elenco. Entre ellos, Jeffrey Dean Morgan, al que veremos como Comediante en ‘Watchmen’, que hace de príncipe azul irlandés; Harry Cornick Jr., un raro “amigo” de Holly; Kathy Bates, la afligida madre de Holly, de cuyo talento en ‘Misery’ ya no hay ni rastro; y Gina Gershon y Lisa Kudrow que hacen de las amigas de Holly, tan rebosantes de tópicos que todas sus escenas son horrorosas.

En ‘Posdata: te quiero’ pasan muchas cosas, pero pocas tienen relevancia real. Las únicas que de verdad consiguen que el espectador se implique y no sienta vergüenza ajena por el fallido intento de combinación dramática y cómica, son las de esos flashbacks, que vienen cuando menos te lo esperas, de cuando Gerry estaba vivo, y Holly disfrutaba de su presencia, y claro, de su amor. El personaje interpretado por Gerard Butler es tan perfecto en todos los sentidos (y lo digo siendo un ser masculino heterosexual), que no es nada creíble, sobretodo porque los defectos de Holly se hacen muy palpables, y es como si Gerry se conformara con poco al casarse con Holly.

En el apartado técnico, la dirección de Richard LaGravenese (que también es autor del guión, y se nota por las irregularidades de ritmo que se permite) no es ninguna maravilla y no arriesga lo más mínimo en los planos. Además, desaprovecha lamentablemente la bella fotografía que puede proporcionarle el hecho de que casi una tercera parte de la película se ambienta en la Irlanda rural. La música de John Powell es efectiva, pero nada original, con una influencia sospechosa de Carter Burwell en ‘Te puede pasar a ti’.

Si bien en la primera mitad, a pesar de las cartas, el pulso narrativo más basado en las elipsis y en la alternancia con los flashbacks que en un avance real, uno puede ver la película sin problemas, en la segunda mitad, se empiezan a repetir los esquemas una y otra vez, poniendo a prueba la paciencia de todo “quisqui”. Todo lo bueno que pudiera tener su argumento (que se maquilla de bonito y conmovedor, pero en el fondo no deja de ser sádico y traumático), se derrumba al no aportar absolutamente nada nuevo y desgastar demasiado la poca convicción de Hillary Swank, que parece que hay un momento que se harta de esforzarse y deja de ofrecer una actuación decente. Cuando llega el final, nada sorprendente para aquellos que en los 90 se tragaban las comedias románticas de (por separado), por ejemplo, Hugh Grant, Meg Ryan, Julia Roberts o Tom Hanks, el aburrimiento, el sopor, son las principales sensaciones que deja ‘Posdata: te quiero’. No por nada, sino porque es muy obvio que la película habría contado exactamente lo mismo con cuarenta minutos menos. Es más, en ese caso le habrían hecho un gran favor al espectador.

‘Posdata: te quiero’ es una mediocre comedia romántica, con trazos de drama, que juega con reflexionar profundamente acerca de la viudedad, pero pronto se desvanece en una colección de tópicos que se hace interminable. La conclusión es la misma que la que abría este artículo: malos tiempos para la comedia romántica.

En Blogdecine:

• ‘Posdata: te quiero’, no puedo morir sin ti
• ‘Posdata: te quiero’, dramedia romántica sobre la viudedad

Es lo que tiene el verano. Películas de cuyo argumento no se acordará nadie dentro de dos años, arrasarán en la cartelera gracias a infinidad de personas con poco o nada que hacer durante las vacaciones, y acuden como alternativa de ocio a los pequeños cines de la playa donde disfrutan del periodo estival.

‘Hancock’, dirigida por Peter Berg y protagonizada por la estrella Will Smith, es sin duda una de esas películas. Anunciada como una vuelta de tuerca a las películas de superhéroes, ciertamente no trae nada nuevo, o al menos ninguna virtud que no se haya visto en la magnífica ‘Los Increíbles’, de Brad Bird. Resulta que John Hancock (Smith) es un antipático superhéroe que más que salvar las vidas de los ciudadanos, se dedica a despreciarles, fruto del rechazo que las masas tienen sobre él. Cada vez que quiere realizar una hazaña, se convierte en una mayúscula metedura de pata. Los medios de comunicación le lapidan, y él se refugia en el alcohol y en una vida solitaria. Cuando salva de una muerte segura al ejecutivo idealista Ray Embrey (Jason Bateman), éste se lo agradece prometiéndole un lavado de imagen. Hancock, sin embargo, parece más interesado en la mujer de Ray, Mary (Charlize Theron).

Que ‘Hancock’ sea un bluff de inmensas proporciones no se debe ni mucho menos a su interesante propuesta, desarrollada con habilidad a lo largo de su primera media hora. El ritmo, llevado con irregularidad pero dotado de una simpatía innegable, no da a priori señales de sufrir el derrumbe que luego condiciona toda la película. Will Smith es un superhéroe que se siente más solo que la una, y no cae en lo fácil, es decir, de mostrarle como un graciosete sarcástico y prepotente. Al contrario. Hancock promete ser un personaje profundo al que le duele sentirse diferente y denostado por una sociedad desagradecida. Cuando Ray le anima para empezar de cero, su escepticismo es muy revelador. No obstante, el guión de Vincent Ngo y Vince Gilligan demuestra muy rápidamente que no estamos ante una obra maestra. La dirección de Peter Berg (responsable de la curiosísima ‘Very Bad Things’), al principio solvente, se hace más torpe cuanto más avanza el metraje.

Y es que el punto de inflexión, determinado por el personaje que interpreta Charlize Theron, se carga todas las posibilidades de una historia ya de por sí desaprovechada. La trama se hace inexistente y fastidiosa, y se acerca más a una burda copia de ‘La Fuente de la Vida’ que a una película estimable. La serie ‘Heroes’, mientras tanto, emerge como influencia perpetua de este blockbuster, que no esconde sus progresivos fallos de coherencia. Al darse cuenta Hancock de que no está tan solo como pensaba, su reacción es inconsistente y antinatural. Da la impresión de que sus noventa minutos, aunque se agradecen porque uno termina pidiendo la hora, es una limitación muy grande para desmenuzar las motivaciones de un superhéroe en declive. Finalmente, los efectos especiales se encargan de recordarnos lo que era obvio desde un principio: ‘Hancock’ es cine palomitero, ni más ni menos, igual que lo fue ‘Transformers’, y lo único que busca es aprovechar el tirón taquillero y el carisma de Will Smith para disfrazar una mediocridad de algo mínimamente decente. Si al menos las interpretaciones fueran memorables, se valoraría el intento, pero Smith define una actuación pasiva, menos entregada que en otras ocasiones, como asumiendo su rol de estrella comercial antes que de actor talentoso (algo que demostró recientemente en ‘En Busca de la Felicidad’). Charlize Theron está horrible (actoralmente, claro), y parece que esté rodando un anuncio de colonia que tanto le gustan antes que una película que pretende ser seria. Y Jason Bateman, como su personaje es tan innecesario en su segunda mitad, pues se dedica a poner caretos y a mantener el tipo.

Lo que más hay que resaltar es la gran decepción que supone el resultado final de la película, cuando la premisa se podría haber exprimido mucho más y desde luego habría sido una de las mejores películas de 2008 con diferencia. Sólo por mostrar a Hancock de la misma manera que se hace en el primer cuarto de hora, la historia habría ganado muchísimo. Pero claro, SPOILER en el momento que uno ha de creerse, porque sí, que Charlize Theron también era una superheroína y que se han reencontrado por obra y gracia de Dios, y ¡ah sí! con amnesia de Hancock que le impide recordar su milenaria relación, la cosa resulta vomitiva y exasperante FIN SPOILER. Los malos son además de pacotilla. En ningún momento, a excepción de por forzadísimas exigencias de guión, dan la sensación de peligro ni de tener relevancia alguna en la trama.

La necesidad que tiene Hollywood de ofrecer giros narrativos con vistas a proporcionar material “diferente”, provoca que ‘Hancock’ sea un despropósito en el que la palabra caos es su primer apellido, y ñoño el segundo. Will Smith lleva unos añitos en los que parece empeñado en despilfarrar su talento, y sería mejor para el cine que se diera cuenta de que a base de ‘Yo, Robot’, ‘Hitch’, ‘Soy Leyenda’ o ésta misma, está consolidando su lugar en el séptimo arte de estrella de blockbusters de dudosa calidad.

La pregunta, seguramente de cualquiera que (gracias por adelantado) haya leído hasta aquí, es si realmente ‘Hancock’ podría merecer la pena teniendo en cuenta que es verano, en época de vacaciones, con mucho calor en la calle y aire acondicionado dentro de la sala. Mi consejo es: vea los primeros cuarenta minutos, luego salga de la sala y, una vez fuera, piense tranquilamente en cómo le gustaría que acabase la película mientras se toma un helado. Seguramente, el resultado que obtenga en su mente será infinitamente mejor que lo propuesto por Peter Berg. Por ello, ‘Hancock’ es una película lamentablemente floja, que no le llega a la suela del zapato a ‘Los Increíbles’ a pesar de tener idéntica premisa argumental.

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‘Hancock’

Dirección: Peter Berg
Guión: Vince Gilligan, Vincent Ngo
Reparto: Will Smith, Charlize Theron, Jason Bateman.

Sinopsis: Hancock es un superhéroe abrumado por las exigencias que la sociedad le impone, y responde con sarcasmo y un comportamiento autodestructivo ante su situación, que roza la depresión. Al salvar la vida de un ejecutivo idealista, se enamora de su perfecta mujer, y su comportamiento cambia inesperadamente.

Qué podemos esperar: Blockbuster del verano realizado para el lucimiento de Will Smith. Empieza muy bien y termina fatal, aburriendo hasta al más entusiasta. Desde luego, no es esa vuelta de tuerca sobre los superhéroes que tanto se vende en la promoción. Más bien es lo de siempre, pero con algo de maquillaje para que las salas de cine estén repletas.

‘Escondidos en Brujas’

Dirección y guión: Martin McDonagh
Reparto: Colin Farrell, Brendan Gleeson, Ralph Fiennes, Clemence Poésy

Sinopsis: Ray y Ken son dos asesinos a sueldo dublineses que se encuentran en la ciudad de Brujas, Bélgica, para realizar un trabajo. Cuando Ray comete un error, a Ken se le encarga acabar con él, cosa de la que no se siente capaz por la camaradería que les une.

Qué podemos esperar: Sin duda, es el estreno de la semana, aunque se verá considerablemente eclipsado por Hancock. Es una agradable comedia con los mejores ingredientes del cine negro, y con buenas interpretaciones del trío protagonista. Podeis ver mi entusiasta crítica, o la de mi compañera Beatriz, no tanto.

‘Tropa de Élite’

Dirección: José Padilha
Guión: José Padilha, Bráulio Mantovani, Rodrigo Pimentel
Reparto: Wagner Moura, André Ramiro, Caio Junqueira

Sinopsis: El capitán Nascimento, miembro de la policía de élite de la ciudad de Río de Janeiro, quiere dejar su puesto ya que va a ser padre, y no quiere seguir arriesgando su vida para no dejar huérfano a su futuro hijo. Como tiene que sustituirle alguien de garantías, habla con dos viejos amigos, que aspirarán a ello con todo lo que eso conlleva.

Qué podemos esperar: Dicen muchas cosas de esta película. La mayoría buenas. ‘Tropa de Élite’ arrasó en el festival de Berlín y se comenta que es la nueva sensación del cine brasileño después de la tremenda ‘Ciudad de Dios’, de Fernando Meirelles. Ya veremos.

‘Soy un Cyborg’

Dirección: Park Chan-wook
Guión: Park Chan-wook, Chung Seo-kyung
Reparto: Lim Soo-jung, Jung Ji-hoon, Choi Hee-jin

Sinopsis: Young-goon es una paciente de un psiquiátrico que está encerrada porque cree que es un cyborg. La joven, que se alimenta sólo de pilas y baterías eléctricas, se niega a ingerir comida porque considera que es un ser cibernético que sólo se necesita electricidad. Su estancia cambiará con el encuentro de un joven que se oculta constantemente tras una máscara con el que iniciará una curiosa amistad…

Qué podemos esperar: La nueva película del director de la sobrevalorada ‘Oldboy’ viene de nuevo a España, avalada por el premio al mejor guión en Sitges. Me da la impresión de que la estética será muy curiosa, pero el guión contendrá extravagancias gratuitas y algunas irregularidades. Ojalá me equivoque con esto último, y la película me sorprenda positivamente. Mientras tanto, mejor esperar a la crítica de mi compañero Juanlu, que entiende muchísimo más de cine asiático que un servidor.

‘Eskalofrío’

Dirección: Isidro Ortiz
Guión: Hernán Migoya, José Gamo, Alejandro Hernández, Isidro Ortiz
Reparto: Junio Valverde, Blanca Suárez, Mar Sodupe

Sinopsis: Santi, un joven solitario a causa de su alergia a la luz solar se traslada con su madre a un oscuro pueblo escondido entre montañas. Una serie de extrañas muertes, de las que el es principal sospechoso, conmocionan el lugar. La única forma de demostrar su inocencia será desvelar el terrible secreto que el bosque oculta.

Qué podemos esperar: Producción española de bajo presupuesto, con vampiros, misterio forzado y fallos técnicos. No despierta absolutamente ningún interés.

Vía | LaButaca

La última bizarrada del cineasta Wes Anderson, que después de ese bodrio llamado ‘Life Aquatic’, mejora con una historia sobre el reencuentro de tres hermanos en un viaje espiritual a la India. Se habló mucho del corto que precede a la película, titulado ‘Hotel Chevalier’, donde aparece un desnudo (aunque de soslayo) de la preciosa Natalie Portman. Volviendo a la película, se trata de una curiosa aunque demasiado extravagante historia que, afortunadamente, cuenta con actuaciones entregadas de los tres protagonistas: Adrien Brody, Jason Schwartzmann y Owen Wilson. La fotografía también es interesante aunque no revolucionaria.

‘Caramel’

Película dirigida y protagonizada por la bella libanesa Nadine Labaki. Estuvo en el cartel del Festival de San Sebastián y ha cosechado críticas muy entusiastas. Una espiral de sexo, amor y muerte con cinco protagonistas en un entorno exótico, que se ha comparado mucho con ‘Chocolat’, ese título pasable de Lasse Hallström, y que cuenta con interpretaciones excelentes. Seguro que es interesante, e incluso podría tratarse del estreno de la semana.

Colección ‘El Cine es Historia’

Lanzamiento loable de la Fox de una colección de ediciones especiales de míticas películas del cine clásico. Incluye: ‘Cleopatra’, ‘Con Faldas y a lo loco’, ‘Dos Hombres y un Destino’, ‘El Guateque’, ‘Eva al Desnudo’, ‘Laura’, ‘Los Siete Magníficos’, ‘Sonrisas y Lágrimas’, ‘Ultimátum a la Tierra’ y ‘West Side Story’. Casi nada. Gran oportunidad para verlas, ya que la mayoría son espléndidas.

‘La Momia’

Edición especial, de 2 discos y con muchísimos extras que harán las delicias de cualquier coleccionista, de la película protagonizada por el mítico Boris Karloff en 1932. Con muchísimos menos medios, ‘La Momia’ tiene mucho mayor interés que la saga efectista realizada por Stephen Sommers en los últimos años. Karloff parece nacido para el papel de Ardath Bey, con su mirada inquietante y su innegable carisma.

‘Savage Grace’

Horrible drama (no confundir con la estupenda ‘La Familia Savages’), basado en hechos reales, salpicado por la pretenciosidad, y por el que un gran reparto liderado por Julianne Moore nada puede hacer. Hay que destacar la presencia de los españoles Unax Ugalde, Elena Anaya y Belén Rueda, pero de nada sirve porque la vida de Barbara Daly, la protagonista de esta historia, que llega a la alta sociedad y se encuentra con adversidades más que irrisorias, poco importa al espectador. Para colmo, la dirección de Tom Kalin es torpísima. Un estreno sin relevancia, y no es de extrañar que pasase por los cines sin hacer ruido.

‘Saw IV’

Cuarta entrega de una película que ni mucho menos era para tanto. Y lo que es peor, amenazan más secuelas. Todo lo que en ‘Saw’ era novedad, aquí es mera redundancia, con peores actores, peor guión y peor director. No obstante, habrá quien compre este DVD, seguro. Si no, no se explica el éxito de un ¿thriller? que es un refrito de mil cosas vistas antes. Para colmo, esta película tiene más moralina y trata al espectador (aún más) como un completo idiota. Gracias, pero no.

Vía | ZonaDVD

El cine de animación digital sigue a lo suyo. Bien sea por Pixar, o por Dreamworks, como es el caso, el género sigue estando por encima de la media del cine que nos llega hoy día a las carteleras. Mientras esperamos con ansia el estreno de ‘Wall-E’, que según dicen va a ser un verdadero hito, ‘Kung Fu Panda’ llega como una de las alternativas más saludables para este verano, con el aval de haber recaudado ya casi 200 millones en la taquilla estadounidense.

‘Kung Fu Panda’ cuenta con los voces de actores de la talla de Jack Black, Dustin Hoffman, Angelina Jolie, Ian McShane, Lucy Liu y Jackie Chan. Ciertamente, destaca sobre el resto Hoffman, aunque los demás también hacen un trabajo notable y dan bastante personalidad a los personajes a los que ponen voz. La cuestión es si la historia, más allá de la calidad de la animación y los aspectos técnicos, se mantiene al mismo nivel.

¿Es ‘Kung Fu Panda’ una historia original? Con toda seguridad, no. Po es un oso panda, hijo adoptivo de un ganso que posee un restaurante con las mejores sopas de fideos del lugar. Sueña con ser un mito del kung fu, una leyenda a la que la multitud respete y alabe. Por supuesto, en cuanto despierta se da cuenta de la cruda, monótona y poco atractiva realidad que vive día a día, y que cumple a rajatabla para no defraudar a su padre. Cuando se entera de que los maestros Oogway y Shifu van a elegir al nuevo guerrero dragón para defender al pueblo de la posible fuga de Tai Lung, el más temido preso de la cárcel, no puede evitar acercarse al evento para disfrutar del espectáculo que tanto le motiva. Por un enrevesado accidente, Po, que había llegado tarde y no podía entrar, se planta justo delante de los maestros. Pero como dice Oogway, los accidentes no existen, y Po es elegido el nuevo guerrero dragón.

La película juega con los ejes argumentales (a veces hasta los parodia) de las películas sobre artes marciales, se permite el lujo de hacer guiños al cine de Akira Kurosawa, e incluso se refleja levemente en ‘Mulan’, película de animación de 1998 de la archirival Disney. La evolución que sufre Po, hijo de un modesto restaurador hasta aparecer como la única esperanza del pueblo cuando Tai Ling se escapa, es de lo más predecible y en ese sentido ‘Kung Fu Panda’ puede verse como un producto únicamente destinado a niños que verán en ella una película muy divertida, decente y sobretodo llena de humor. Algo curioso es que, siendo una película ambientada en China, los personajes no tienen rasgos asiáticos puesto que todos son animales, algo que al principio choca bastante pero a lo que no se va acostumbrando a lo largo del film.

‘Kung Fu Panda’ no es ninguna obra maestra, y de hecho no tiene punto de comparación con la perfección estética que aborda Pixar en cualquiera de sus títulos recientes, pero sí supone un paso adelante en la tónica habitual de Dreamworks, que últimamente iba en continuo declive con las mediocres ‘Madagascar’, ‘Vecinos Invasores’ y ‘Bee Movie’. Lo que ‘Kung Fu Panda’ tiene de divertido lo tiene también de poco original. Es decir, que arranca del espectador tantas carcajadas como sensaciones de deja vù. Por suerte, la trama, cuanto más avanza, más rica se muestra en cuanto a que uno termina por creerse que el protagonista no será capaz de lograr la misión que se le ha encomendado y se mantiene a la expectativa. Es la típica historia de un personaje hecho a sí mismo, que persiste hasta obtener aquello para lo que se siente elegido, y que sólo necesita que crean en él.

SPOILER Al final de la historia, ésta no queda muy bien resuelta, y recuerda especialmente a la mencionada ‘Mulan’. No obstante, el permanente sentido del humor y el mensaje de “no hay ningún ingrediente secreto” son memorables, así como esa vuelta de tuerca al relato bíblico del hijo pródigo que protagonizan Shifu y Tai Lung. La lucha final entre Po y Tai Lung es desternillante, toda una proeza técnica que consigue dejar en un segundo plano los defectos del film FIN SPOILER. En teoría, ‘Kung Fu Panda’ no esconde los numerosos fallos que tendrían que catalogarla sine die como una película del montón, un producto pensado para mantener en el sofá, boquiabiertos, a niños de hasta diez años. En ciertas escenas, es así. Sin embargo, la segunda mitad mejora una barbaridad el conjunto global de la película, liberando todo escepticismo posible, con un entrenamiento inolvidable (atención a la pelea de los palillos) por parte de Shifu y la aparición estelar del impecable villano, Tai Lung, que hasta despierta simpatía a pesar de su carácter depredador. En cuanto a la música, hay que decir que ciertos temas de la banda sonora de Hans Zimmer y John Powell son sobresalientes, aunque otros pasen desapercibidos por no aportar nada nuevo.

‘Kung Fu Panda’ es, en fin, uno de los títulos más logrados de la compañía Dreamworks, que sacrifica una historia más consistente en pro de ofrecer unas luchas y unos personajes especialmente entrañables, consiguiendo así una película divertidísima, que se pasa volando, sea uno niño o no tan niño. Uno de los estrenos del verano, y no sólo en cuanto a taquilla. Producto puramente familiar, que asegura un buen rato y sonrisas de complicidad. Un comentario personal: no me extrañaría nada, que por el tipo de historia y personajes, las secuelas no tarden en llegar.

En Blogdecine:

• Trailer y póster de ‘Kung Fu Panda’.

La forma en la que el cineasta coreano Kim Ki-duk intenta conmover al espectador es muy especial. Desde la sorprendente ‘Hierro 3’ (una de esas películas que les gusta a todo el mundo), el director se ha hecho un hueco entre los más interesantes del panorama actual y con ‘Aliento’ podía tener en su mano la consolidación de su figura como un realizador dotado de regularidad, que lanza obras estimulantes y que nunca dejan indiferente.

Desgraciadamente, ‘Aliento’ es una obra menor, y eso se nota desde el primer minuto, donde vemos a cuatro presos en una celda comportándose de un modo poco convencional. Yeon (Ji-a Park) es una mujer engañada por su marido (Jung-Woo Haa) que ve en el telediario la noticia de que el condenado a muerte Jang Jin (Chen Chang) ha intentado suicidarse por segunda vez, y decide visitarle.

Es una sencillísima premisa que para colmo tarda en arrancar. La primera visita se produce en medio de una atmósfera profundamente silenciosa, casi mística. El preso no puede hablar porque tiene una herida en la garganta, a causa de su intento de suicidio, y ella es absolutamente lacónica. Los continuos silencios traen consigo, por supuesto, un arraigado simbolismo que dan cuenta del marcado tono oriental. Sin duda, Kim Ki-duk pretende transformar la sencillez de su argumento en un compendio de pensamiento mucho más amplio, donde nada sea gratuito. Tengo que decir desde ya que no lo consigue.

El problema que se encuentra el espectador es que no se siente motivado ante las reflexiones emocionales planteadas. Difícilmente puede ponerse en el lugar de cualquiera de los personajes, y ser cómplice de sus desconcertantes motivaciones. El marido, que disfruta siendo un cornudo y que acepta sin más la nueva situación de su matrimonio, torpedeada por un condenado a muerte que desconoce; la mujer, que ve en el preso el nuevo sentido de su vida a la vez que es consciente de que está tirando a la basura (como la camisa que cae mientras tiende) su antigua existencia; la niña, que está absolutamente de relleno y a la que ninguno de los dos tratan exactamente como hija. El preso, desde luego, es el arquetipo de la sosería. No es porque no pueda hablar, sino que sus movimientos parecen los de un animal que se mueve puramente por instinto. Rápidamente, por sus circunstancias extremas, se enamora de Yeon, pero no encuentra en ella el alivio que ella pretende. Además, está la subtrama de la relación de Jang Jin con un compañero de celda, en una relación presuntamente homosexual por la que el compañero estalla de celos cada vez que Jang Jin recibe una visita. En su justa medida, algunos de los comportamientos son demasiado esquemáticos, demasiado previsibles, de forma que no se definen unos personajes con la suficiente personalidad como para sostener la película en determinados momentos.

Están logradas, por su humor inherente, las escenas en las que Yeon empapela la habitación de visita con temas de las diferentes estaciones, como si Kim Ki-duk volviera a su película ‘Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera’. Estas escenas, junto a la SPOILER última canción que es cantada por la familia en una especie de resurrección emocional FIN SPOILER son el último resquicio de alegría en una película puramente melancólica y desesperanzadora.

Pero si bien el guión de ‘Aliento’ es flojo y no consigue su propósito, mucho estoy tardando en hablar del enorme talento visual que desarrolla el director a lo largo de la película, con unas escenas que parecen de cine mudo pero no por ello exentas de fuerza. El director sabe convertir lo banal, lo mundano en bello y atractivo. Hay planos arriesgadísimos, como todos aquellos en los que una especie de gran hermano carcelario (interpretado por el propio Kim Ki-duk) observa las visitas de Yeon a Jang Jin. Y lo mejor de todo es que funcionan. La discreta música de Myung-Jong Kim no acaba con las intenciones de ofrecer un cine cargado de silencios, de libre interpretación y de lirismo ante una historia sencilla.

Con un inicio que prometía mucho más, ‘Aliento’ es una película mediocre, poco digerible, a pesar de contener trazos muy logrados, en los que la primera media hora, inquietante y con un estilo único, se desvanece en algo redundante y escaso de interés. Esperemos que el virtuosismo detrás de las cámaras de Kim Ki-duk den para mucho más en la próxima ocasión, con mayor verosimilitud y mayor consistencia en el guión.

En Blogdecine:

• ‘Aliento’, Kim Ki-duk desciende a la mediocridad
• Aliento es lo que necesita Kim Ki-duk
• ‘Aliento’, que tus acciones hablen por ti

Vít Klusák y Filip Remunda, dos estudiantes de cine de Praga, pusieron en marcha un importantísimo estudio sociológico que conmocionó al país, dejó en evidencia la actitud del pueblo checo frente a la posible inclusión en la Unión Europea, y de paso, consiguieron un documental redondo, que tuve la oportunidad de ver en el Festival de Cine Europeo de Sevilla en el año 2004.

Con una introducción cronológica que resume el fervor de los ciudadanos ante la apertura de nuevos centros comerciales, Klusák y Remunda pronto nos explican en qué consiste la película. Son los directores, guionistas y protagonistas de ‘ÄŒeský Sen’, así que por suerte son dos tipos simpáticos que caen bien desde el principio, para lograr que el espectador se sienta cómodo durante el proceso que se está llevando a cabo a lo largo del metraje.

Su objetivo es hacer creer a la ciudadanía que se va a abrir un nuevo centro comercial con precios increíblemente bajos (chuletas de cerdo a un euro, una cámara digital a cuarenta euros…), y con una política de mercado revolucionaria. Su nombre será ÄŒeský Sen (el sueño checo), y su logotipo consiste en un bocadillo de cómic de cuando un personaje está pensando o soñando. Los eslogan publicitarios revelan frases como “no vengas”, “no gastes”, etc. ÄŒeský Sen aparece en las paradas de autobús, en la TV, en la prensa, y pronto estará en boca de todo el mundo. La cuestión es que todo es un fraude. ÄŒeský Sen no existirá nunca, y donde se supone se está construyendo el complejo, sólo hay una enorme fachada publicitaria. Un fake en toda regla que no va a dejar indiferente a nadie, o eso esperan ellos.

Los dos jóvenes directores van a Hugo Boss, donde les asesoran para que parezcan ejecutivos importantes, hacen encuestas a transeúntes, llevan a familias a comprar para hacer un estudio de mercado, contratan a una empresa publicitaria y a una orquesta para que componga una canción que sea el emblema de la ficticia compañía. Todo con una naturalidad y unas dosis de humor muy efectivas, que mantienen a uno expectante por la reacción de los checos ante tamaño fraude. La realización juega un poco con el uso de la ficción, ya que hay escenas que parecen actuadas, aunque las situaciones sean sin embargo efectivamente reales. De todas formas, el uso excesivo de la cámara en mano delata el espíritu de improvisación obligado por las circunstancias, ya que muchas escenas son de una sola toma posible para obtener un resultado final satisfactorio.

Todo parece indicar que los ciudadanos acogen muy bien la noticia, y que ÄŒeský Sen será un éxito. El clímax tarda en llegar, pero merece mucho la pena la espera. No pienso desvelar los detalles, pero la trascendencia de la artimaña fue muchísimo mayor de lo esperado por Klusák y Remunda, y desde luego sacó a relucir una serie de conclusiones sobre una República Checa que no hace mucho todavía vivía bajo el yugo comunista. La película muestra que los checos admiten que el ir a comprar es una actividad placentera, que les llena y les divierte, y por ello ÄŒeský Sen no es sólo una broma, una falacia o un chiste. Es la consolidación de esa afirmación no escrita antes de que el consumismo mueve masas, y lo mejor de todo es que cabe preguntarse si habría ocurrido lo mismo en nuestro país, o en cualquier otro (personalmente, me acuerdo a la perfección de cuando abrió Ikea en Sevilla…).

La última media hora, por supuesto, es genial, y desternillante. Además revela algo que no deja de ser importante: ¿de dónde sacaron Klusák y Remunda el dinero para una campaña tan enorme? Los arreglos de la canción tradicional inglesa ‘Hey ho’ son sobresalientes, realizados por el compositor Varhan Bauer. La película fue anunciada como la primera “de realidad” en la República Checa, y se estrenó en 2004 con un éxito casi sin precedentes. Varias distribuidoras internacionales han comprado los derechos para poder lanzarla en DVD y emitirla por televisión. Pero de momento, al menos en España, Internet es el único medio por el que puede verse ÄŒeský Sen, una obra documental necesaria, muy entretenida y de gran contenido social. Sin mucho esfuerzo, es posible encontrarla con subtítulos en español o en inglés. Un documental de amplísima relevancia, no en vano alabada hasta la saciedad por figuras del género como Morgan Spurlock o Michael Moore.

Una escena que particularmente adoro, cuando Klusák y Remunda hablan con una encuestada y les pide que cante algo junto a sus hijos, a lo que ella accede con la mencionada ‘Hey ho’, a la que poco a poco se va añadiendo una deliciosa orquestación. Es muy probable que ‘Hey ho’ no fuera elegida por la mujer, ya que la letra es muy representativa de lo que se expresa en la película: “Hola, nadie está en casa / no tengo comida, no tengo bebida / no tengo dinero todavía / todo el mundo será feliz”.

La sombra de ‘El Señor de los Anillos’ es alargada. Las sagas épicas funcionan, y en cuanto que algo tiene tirón y hay material para ello, las trilogías se hacen irremediables, para deleite de algunos y cansancio del resto. ‘Las Crónicas de Narnia: el príncipe Caspian’ es un claro ejemplo de que, mientras se hacen las películas del joven mago Harry Potter, hay más que quieren subirse al carro de hacer films “en serie”, aportando un producto tras otro a cual más digerible y comercial, y luego sentarse tranquilamente a recaudar millones confiando en el espíritu juvenil de las películas en cuestión. Chris Weitz intentó eso mismo con la obra de Philip Pullman, sacando a la luz una de las peores películas (por el desaprovechamiento de su potencial) que vi el año pasado: ‘La Brújula Dorada’.

Todos recordamos el estreno de ‘Las Crónicas de Narnia: la bruja, el león y el armario’, una aburrida y excesivamente pueril película muy enfocada en presentar el universo creado por el irlandés Clive Staples Lewis (1898-1963), no por casualidad amigo íntimo de J. R. R. Tolkien. Lo que más condicionaba (negativamente) a la predecesora de la película que nos ocupa, era la frialdad de su puesta en escena, sus raquíticas interpretaciones (a excepción de Tilda Swinton, siendo benévolo), y sus dos horas y veinte minutos que parecían no acabarse nunca.

‘Las Crónicas de Narnia: el príncipe Caspian’ vuelve a tener estas características por bandera. Es cierto que aburre bastante menos, porque va más a tiro hecho y abandona esa ambientación lírica que es un signo distintivo de las obras originales de Lewis. Esta película adquiere un tono épico que toma en el primer minuto, y no lo suelta hasta el final, con todo lo que eso conlleva. Es más entretenida que la anterior, pero acusa muchísimo una propuesta muy sistemática y una planicie preocupante en cuanto a desarrollo e interpretaciones. Todo lo que en la primera película era actitud contemplativa y pensada para abrumar al espectador con las labores de fotografía, maquillaje, vestuario, etc., aquí se da por hecho en favor de ofrecer espectacularidad con unas batallas que se intercalan torpemente con un drama inexistente.

Huelga decir que la película excluye totalmente a todo aquel que no haya visto la otra película de la saga, en el sentido de que sólo va a conocer a cuentagotas los aspectos básicos del mundo donde habitan los personajes, y es imposible saber de otra forma la historia del pueblo de Narnia o de los hermanos Pevensie. Andrew Adamson, en una dirección solvente aunque bastante pomposa en las batallas, combina algo que teóricamente resulta casi imposible: un drama infantil, con animales dialogando al más puro estilo Disney, con unas batallas más adultas, más próximas a ‘Troya’ o ‘300’ que a las de un film destinado a todos los públicos. No es que las dosis de violencia sean excesivas, pero justifican una guerra que sólo puede verse como una cruzada, una sublevación que sólo se contempla por la maldad intrínseca del Miraz, el rey telmarino, líder de los que resisten. Además, es algo sospechoso que se acentúe un detalle que no es explícito en las obras: los telmarinos tienen todos un acento inglés como si procedieran de Italia, Portugal o España (bien conseguidos los acentos, por cierto).

Como en toda película épica de mira puramente comercial (porque ya he dicho ‘Las Crónicas de Narnia: el príncipe Caspian’ lo es), la música es una característica importante que fluye a lo largo de todo el metraje, y en este caso es de agradecer la laboriosidad de Harry Gregson-Williams, que en los últimos años está demostrando una regularidad sobresaliente. En cuanto a las actuaciones, como ya he comentado, hay poco bueno que subrayar, sobretodo porque la película rechaza la posibilidad de que los actores puedan gozar de primeros planos o de escenas donde darse a valer. Sin embargo, Sergio Castellito define un villano que aunque está cargado de tópicos, tiene mucho carisma. Ben Barnes, en el papel del príncipe Caspian, parece tener talento aunque aquí apenas pueda revelarlo, y se nota su intento. Como curiosidad, los españoles Alicia Borrachero y Sergio Andreu tienen papeles menores, aunque se dejan ver suficientemente para que nos percatemos de su presencia.

Lo que más molesta de este film es que, aun necesitando continuas escenas de acción sin el menor sentido narrativo, sea bastante lógico pedir la hora cuando la historia ronda su clímax, como si la película no terminara de arrancar a pesar de inyectar al espectador un sinfín de batallas, algunas con una intrascendencia improbable. Cualquier película de ‘El Señor de los Anillos’, durando más, se hace menos larga, y eso debería hacer reflexionar a los productores de ‘Las Crónicas de Narnia’ de cara a próximas entregas, ya que (atención) la saga literaria de las crónicas de Narnia consta de seis siete volúmenes. SPOILER Ojalá se hubiese insistido más en la ambigüedad sobre la existencia de Narnia. ¿Es otra dimensión? ¿O fruto de la imaginación de los cuatro hermanos, sumidos en una realidad adversa (la II Guerra Mundial), que necesitan pensar en un mundo paralelo donde son “alguien”? La película termina como suelen hacerlo las películas épicas, acabando 17 veces, y para colmo sin dejar abierta esta premisa. FIN SPOILER

A pesar de sus muy evidentes y numerosos defectos, ‘Las Crónicas de Narnia: el príncipe Caspian’ es una segunda parte que mejora a la primera, que tiene mucho más claras las bazas con las que cuenta, y es que un poco más consciente del excelente material de origen. Su excesiva duración es un lastre que refleja la falta de aportes nuevos en favor de unas batallas vistas con anterioridad, y su torpe narración, resta implicación por parte del espectador. No hace falta decir que, con todo, es una de las películas del verano, ya que ofrece al público infantil y juvenil justo lo que necesita: una experiencia de evasión abrumadora, una sesión de escapismo a un mundo irrelevante pero estimulante. Y que no requiere de esfuerzo mental, claro. Aviso importante: los padres que acompañen a sus hijos mirarán, en general, el reloj de forma desesperada.

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• ‘Las Crónicas de Narnia: el príncipe Caspian’, entretenida fantasía

He visto casi todas las películas dirigidas y/o escritas por el controvertido Oliver Stone, un cineasta al que valoro especialmente a pesar de sus irregularidades, y tenía la espina clavada de no haber hecho lo propio con ‘Wall Street’, un film emblemático de los 80, con Stone y su protagonista Charlie Sheen ambos en la cumbre de sus carreras. Con un guión del propio Stone y de Stanley Weiser, la película homenajea al padre del director, Louis Stone como bien se dice en los créditos finales, y eso explica en parte el carácter exclusivamente moralista de la película, que adolece mucha menor ambigüedad y riqueza de contenido que ‘Platoon’, a mi juicio su obra maestra y una de las mejores cintas bélicas que ha dado el séptimo arte.

Oliver Stone es un provocador nato. Dispuesto siempre a zamarrear las miserias de EEUU desde un punto de vista autocrítico aunque a veces caricaturesco, Stone es devoto de esa máxima de “bien o mal, pero que hablen de ti”. Sólo así se justifica su perspectiva obscena y a todas luces fuera de lugar en ‘Alejandro’, una bizarra hagiografía sobre la vida privada de Alejandro Magno. En ‘Wall Street’, se muestra sin tapujos el mecanismo económico de la ambición, los trapos sucios de un país cuyo crecimiento sólo es tangible si se mide en millones de dólares, en empresas hundidas para beneficio propio, o en su defecto absorbidas para caer en manos de unos pocos genios sin escrúpulos.

Bud Fox (Charlie Sheen) es un corredor de bolsa joven y espabilado, pero que no levanta cabeza a pesar de su esfuerzo. En un acto de puro peloteo, Bud consigue reunirse cinco minutos con un mito de Wall Street, el carismático Gordon Gekko (Michael Douglas), y le propone que invierta en las aerolíneas Bluestar, un auténtico chollo ya que la empresa ha sido exculpada de un accidente. Bud sabe esta información a través de su padre Carl (Martin Sheen). Gekko sorprendentemente acepta y comienzan a hacerse amigos y confidentes, mientras Bud empieza a aprender sin parar y comprobar los tejemanejes del mundo bursátil, que en los términos de Gekko rozan la ilegalidad y que para nada tienen en cuenta el aspecto humano de las inversiones realizadas.

Ambientada en 1985, la película muestra una sociedad mermada por una crisis reciente, que necesita recuperarse a base de nuevos y continuos “pelotazos”. En el sentido estético, puede achacarse su look tan ochentero, que sin duda contribuye a hacer envejecer a la película de una forma considerable. Pero ante todo, es una suerte para ‘Wall Street’ que Michael Douglas haga un magnífico papel, en un villano rebosante de carisma al que lo único que le interesa es el dinero. El personaje de Gordon Gekko es memorable en todos los aspectos, y hay varias escenas impresionantes todas protagonizadas por él, SPOILER como su discurso ante la directiva de una empresa, criticando el sistema burocrático que hace perder dinero a la firma, o su llamada por teléfono a Bud, donde cesa un momento su conversación sobre el trabajo para admirar el amanecer que presencia desde la playa FIN SPOILER. El contrapunto de los personajes de Bud y Gekko está conseguidísimo, ya que uno es un “don nadie” que en ningún momento para de crecer, y el otro es una figura indispensable de la economía estadounidense, que lucha por mantener su imperio personal.

La película es muy entretenida, sobretodo en su primera mitad, y esto tiene un mérito tremendo teniendo en cuenta que la bolsa es el único y principal argumento, al menos en cuanto a la cara visible de la película. Luego se desvanece un poco al enrevesar un poco lo que es el fundamento de la motivación de Bud: el desengaño ante la ambición personal, con una vendetta que nadie entiende del todo (a menos que sea un experto en el tema) pero que todo el mundo disfruta. La convencional pero portentosa banda sonora de Stewart Copeland, unidas a las dos canciones más famosas del disco ‘My Life in the Bush of Ghosts’, de los geniales Brian Eno y David Byrne, acompañan muy bien a la historia.

Un absoluto acierto que Charlie Sheen y Martin Sheen interpreten a hijo y padre respectivamente, cuando los actores lo son en la vida real. Esto muestra una química imposible de conseguir de otra forma entre ambos personajes, y es realmente emotiva la escena SPOILER donde repentinamente Bud acude al hospital cargado de tristeza y amor hacia Carl, consciente de su error e indignado por la falta de humanidad del mundo donde se ha metido FIN SPOILER. La película acusa mucho, por otro lado, el hecho de que el personaje de Daryl Hannah sea una mujer florero con todas sus letras, pues está desaprovechado y se queda a medias su relación con Bud. El histrionismo de Marv (John C. McGinley), compañero de Bud, resulta adecuado en los primeros minutos, pero luego cansa y se convierte en sobrante en la película.

Con golpes de efecto, Oliver Stone conduce con agilidad al espectador a un final SPOILER desgraciadamente poco concreto, aunque destaca la detención de Bud, con el protagonista intentando no llorar, para terminar desconsolado y profundamente perplejo ante todo lo que ha provocado que él termine de esa forma. Se entiende que Bud ayuda a la policía a desenmascarar a Gekko, pero habría sido más efectivo un final de mayor empuje, con una lucha psicológica más justificada. No se entiende que Bud, que a fin de cuentas era un corredor de bolsa exageradamente ambicioso y eficiente, acabe perdiéndolo todo por su padre, y llegamos a entender un poco a Gekko cuando le dice, entre puñetazo y puñetazo, que es un desagradecido. Por tanto, el único prisma viable es el del más didáctismo moralismo, que durante la película no era nada forzado ni evidente y que al final acapara todo el sentido de la misma FIN SPOILER.

‘Wall Street’ es una buena película, que logra hacer entretenido lo aburrido, con excelentes interpretaciones (incomprensible que el enorme potencial de Charlie Sheen se viniera abajo después de esto), entre las que destaca un Michael Douglas inspiradísimo y un guión muy sólido, repleto de diálogos muy sustanciosos, que reflexiona sobre la ambición de un modo profundo y realista dentro de lo que cabe. Un clásico de los 80, y altamente recomendable. Para terminar, el mencionado discurso de Gekko ante la directiva de la empresa Teldar. Discursos como éste o el de, por ejemplo, Al Pacino en ‘Esencia de Mujer’ están entre los mejores de la historia del cine.

Reconozco que sigo con pasión la carrera del francés Michel Gondry, y por eso temía especialmente que mi visionado de ‘Rebobine, por favor’, una película estrenada en nuestro país hace unos meses sin pena ni gloria, estuviese condicionado por el hecho de que me considero un forofo de este director. Se hace demasiado evidente que tocó techo con ‘¡Olvídate de mí!’, una de las mejores películas de amor que un servidor ha visto, a pesar de su poco accesible desarrollo argumental, y lo primero que podemos decir es que a ‘Rebobine, por favor’ le ocurre lo mismo que ‘La ciencia del sueño’. Llega un momento en el que el guión (y los personajes) vagan a la deriva, sacrificándose en pro del aspecto visual y la revolucionaria idea que esconde la película.

‘Be Kind Rewind’, título original, y como siempre, mejor, es también el nombre de un vetusto videoclub de un barrio periférico, que todavía funciona con cintas VHS. Su dueño, el viejo señor Fletcher (Danny Glover) se resiste a mudarse ante la insistencia del ayuntamiento de demoler el edificio e irse a una vivienda de protección oficial. Viendo que tiene la soga al cuello, viaja unos días con la excusa de que va a asistir al homenaje de Fats Waller, un pianista de jazz al que venera, cuando en realidad medita sobre cómo reinventar su negocio. Para ello, deja a cargo del establecimiento a Mike (Mos Def), su bondadoso aunque algo tonto empleado. Le advierte desde el principio que se aleje de Jerry (Jack Black), un experto en romper todo lo que toca. Al intentar asaltar una central eléctrica, Jerry se queda totalmente magnetizado y es una suerte de imán humano, por lo que borra sin querer todas las bandas magnéticas de las cintas VHS del videoclub. Desesperado, Mike no sabe cómo atender la petición de la señora Falewicz (Mia Farrow), una amiga de Fletcher con la que éste habla por teléfono cada noche para ver cómo va la tienda en su ausencia. Entonces aparecen las “suecadas”.

Como la señora Falewicz ha pedido una copia de ‘Los Cazafantasmas’, Mike y Jerry deciden hacen una versión casera con ellos mismos como actores, y reinterpretando la película como buenamente pueden, grabando su propia versión encima de la cinta original para hacer creer a Falewicz que esa es la verdadera película. Al ver el éxito provisional de tan alocada idea, Mike y Jerry repiten experiencia con ‘Robocop’ y ‘Hora Punta 2’, por lo que cada vez necesitan más medios y actores (van a una lavandería en busca de una joven atractiva, en lo que aparece, a su pesar, una inmigrante llamada Alma), y se ganan la simpatía de todo el vecindario.

‘Rebobine, por favor’ es una película curiosísima que explora aquello del metacine, y que hace divertido un planteamiento que no tendría por qué serlo tanto. Gondry, con un guión propio con el que campa a sus anchas, como siempre sabe combinar algunas escenas algo irritantes e incómodas por lo absurdo de la situación, con otras desternillantes y que encuentran la complicidad absoluta de todo aquel que sepa pasar un buen rato viéndola. Todos los cinéfilos, cortometrajistas aficionados, estudiantes y licenciados en Comunicación Audiovisual, etc. deberían tener esta película como una de referencia, que se sabe reír de sí misma sobradamente y parodiar grandes hitos del cine mundial (‘2001’, ‘King Kong’ y un interminable etcétera) con ingenio y un humor único e irrepetible.

Por desgracia, este maremágnum de parodias pronto se transforman en una sucesión de gags sin apenas continuidad, en el que el guión se desvanece para profundizar en su verdadero mensaje: la irrupción de Internet como vehículo para que la obra cinematográfica de todo cinéfilo de a pie pueda ser vista por miles o millones de personas. En concreto, Youtube. Las “suecadas”, ese término que antes he mencionado, no son más que las versiones cutres, por así decirlo, de las películas que Jerry y Mike deberían tener en su videoclub. Así puestos, los ejecutivos de la Propiedad Intelectual, en un cameo estimable de Sigourney Weaver, les paran los pies con una multa estratosférica. El último recurso para salvar el videoclub del señor Fletcher es hacer una película que honre a Fats Waller, algo que todo el mundo acoge con un espíritu participativo.

Si bien la verosimilitud del conjunto está por los suelos y SPOILER el final es muy pasteloso, por no hablar de lo predecible FIN SPOILER, el hecho de que la película sea tan complaciente es un punto a favor, lo que no se puede decir con frecuencia. La música, a todo esto, de Jean-Michel Bernard tiene sus momentos disfrutables, a pesar de que no se hace mucho eco. Jack Black y Mos Def cumplen, aunque hay que destacar mejor a Danny Glover en el único papel que le he visto en muchos años donde tiene vía libre para usar toda su gama de recursos actorales.

Es ‘Rebobine, por favor’ una película claramente inspirada en Youtube, que homenajea al cine como quien escribe un soneto a su amada, y que reflexiona sobre el futuro del séptimo arte de una manera optimista y entrañable. A menudo se compara con ‘Cinema Paradiso’, y evidentemente sale perdiendo. No obstante, un producto contracorriente, muy divertido y que sabe en todo momento hasta dónde puede llegar para no parecer pretencioso.

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• ‘Rebobine, por favor’, un divertido homenaje al cine

‘Escondidos en Brujas’ es la historia de Ken (Brendan Gleeson) y Ray (Colin Farrell), dos asesinos a sueldo dublineses que han de hacer un trabajo en Brujas, la mítica ciudad belga que es mostrada bajo su aura medieval, prácticamente gótico. Mientras que Ken, un homosexual amante de la tranquilidad, disfruta de la cultura que se respira en la ciudad, Ray se desespera por la melancólica armonía que sacude Brujas, y va en busca de mujeres y algo de acción mientras espera los detalles de la misión que tienen que realizar. Cuando Ray cumple con la tarea de asesinar a un sacerdote (cameo de Ciarán Hinds) por encargo, accidentalmente mata a un niño que estaba orando en la capilla, y desde entonces los remordimientos le pueden, a la vez que a Ken se le ordena que acabe con Ray por el error cometido.

Este film es sin lugar a dudas una vuelta de tuerca a las películas de asesinos a sueldo, dotándolos de una humanidad parecida a la que se le proporcionó a Pierce Brosnan en la curiosa ‘Matador’. Ray y Ken son dos buenos tipos en el fondo, que son conscientes de la negatividad de su oficio, de que el infierno les espera con fervor, pero se consuelan con la idea de que lo que hacen lo hacen por dinero, siguiendo unos inflexibles principios y que, por lo demás, su paz interior personal se debe atener a las consecuencias. Cuando se mete por medio el personaje de Harry Waters (Ralph Fiennes), el omnisciente jefe de ambos, la película se convierte en un auténtico tour de force, en el que cobra protagonismo la necesidad de encontrar una solución. Tanto Harry, como Ken, como Ray, son los tres unos cabrones (con perdón) a su manera, y para el espectador es a veces totalmente imposible fijarse en quién debe, moralmente, decaer la conexión emocional, la empatía, la identificación.

Es un admirable acierto la alegoría que progresivamente se va colando en el ocasionalmente enrevesado argumento. Harry, Ken y Ray son caballeros de honor en un escenario medieval. Por un momento da igual que estén en el siglo XV o en el XX. Matan por unos principios que deben fomentar, y ellos son ejecutores y partícipes de ese honor que antaño enfrentaba a nobles y hasta a reyes. Hoy son unos hombres mal vistos por la sociedad, que actúan acorde a lo que ellos sienten que deben hacer. Por eso, cuando Ken sabe que tiene que matar a Ray, y no consigue hacerlo por aprecio a su compañero, sabe que en parte para Ray es mayor castigo vivir, ya que es un muerto en vida tras haber matado al niño y no poder acallar su conciencia.

Las casi dos horas que duran la película denotan una irregularidad que viene dada por unas tramas secundarias que sobran totalmente en el verdadero propósito de ‘Escondidos en Brujas’. Para empezar, la relación de ¿amor? que vive Ray con una joven y bella pasadora de droga belga llamada Chloe (Clemence Poésy), que sólo sirve para dotar a Ray de mayor protagonismo; todo lo que rodea a Jimmy, un actor enano algo antipático, es de una extravagancia gratuita y nada justificable. Por lo demás, ‘Escondidos en Brujas’ destaca por su capacidad de traspasar al espectador de una atmósfera única, que eclipsa todo aquello que hace que la película, por su historia, sea olvidable. Los diálogos son buenos aunque algo redundantes (se repiten a lo largo de la película a través de los tres personajes principales, recurriendo a las mismas frases para insistir en el mismo mensaje).

Es curioso cómo Ray detesta la ciudad mientras que Ken y Harry se sienten abrumados de estar en ella. Ray está fuera de esa urbe medieval y sombría que aburre y deprime, mientras que los otros dos están como en casa, deleitándose de cada cosa que ven, cada paso que dan. En definitiva, un símbolo de que Ray no puede, por más que quiera, seguir cómodo en el mundo de los asesinos a sueldo, que viven como pueden dentro de lo malévolo de sus actos. Es de agradecer la presencia, aunque tardía, de Ralph Fiennes, que hace lo que puede por hacernos creer que su personaje es el villano cuando en realidad es otro igual que ellos, aunque sea el jefe y tenga menos escrúpulos. Y hay que resaltar también que Brendan Gleeson, uno de esos eternos secundarios cuyo rostro es famoso pero de nombre desconocido, tiene por fin un papel con los suficientes minutos y una estimable solidez para sacar a relucir todo su talento actoral.

Por último, la banda sonora del siempre efectivo Carter Burwell, con dos excelentes temas principales a piano que continúa ese nuevo estilo suyo escuchado en ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’, aporta muchísimo a esa atmósfera belga-europea-medieval, y trasciende lo puramente musical para recordarnos las analogías que tiene la película al estilo de los hermanos Coen, de quien seguro que el director y guionista de esta película, el debutante (aunque ganador de un Oscar por su cortometraje ‘Six Shooter’) Martin McDonagh, ha aprendido mucho. Por supuesto, hay que mencionar la fotografía de Eigil Fryld que hará sentirse orgulloso a todo habitante de la ciudad de Brujas.

Recomiendo incondicionalmente ‘Escondidos en Brujas’, una película que satisface sobradamente las expectativas de todos los seguidores de películas policiacas, persecuciones, thrillers psicológicos, etc., y que contiene unas referencias simbólicas en favor de la consistencia de sus tres personajes protagonistas, con unas interpretaciones de lujo y un clima europeo invernal sobresaliente. He dicho.

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Al ver ‘The Air I Breathe’, una película aún no estrenada en España, reflexioné irremediablemente sobre el auge en el cine de las historias corales, algo provocado sin duda por el éxito de crítica y público de ‘Crash’, esa sobrevalorada película de Paul Haggis. Si bien ‘The Air I Breathe’ me decepcionó profundamente por su artificialidad, se me recomendó ‘Mumford’, del director Lawrence Kasdan, como una oportunidad para ver una historia coral más disfrutable y de mejor calidad argumental.

El doctor Mickey Mumford (Loren Dean) es el psicólogo más apreciado de la pequeña ciudad de Mumford (precisamente). Al haber llegado hace poco, sólo tiene como amiga a su vecina Lilly (Alfre Woodward). A lo largo de la película se muestra cómo Mumford tiene unos métodos poco convencionales para atender a sus pacientes. Se muestra especialmente preocupado por Skip (Jason Lee), un joven multimillonario por haber inventado un nuevo de módem que se siente profundamente solo; Sofie (Hope Davis), una recién separada afligida que se aqueja de fatiga crónica; Althea (Mary McDonnell), que compra cosas de forma compulsiva para quedarse con sus cajas, mientras sobrevive como puede en su vida familiar; Henry A. Follett (Pruitt Taylor Vince), un hombre reprimido que sin embargo se apoya en elaboradas fantasías sexuales…

Lawrence Kasdan muestra con una fluidez asombrosa los perfiles de una amplia gama de personajes encarnados por actores que hacen un buen trabajo casi al mismo nivel. Por supuesto destaca Loren Dean como un psicólogo que escucha secretos de todo el mundo y que sin embargo alberga el mayor secreto de todos. Podría considerarse una comedia dramática, en la que se respira humor y melancolía casi a partes iguales. Para Mumford no es fácil arreglar algunos problemas mediante la palabra, aunque ejemplifica una forma de tomarse la vida mediante su serenidad y franqueza. La primera mitad se corta repentinamente cuando Mumford revela su secreto a su nuevo amigo Skip, y esto supone un punto de inflexión demasiado brusco, no sólo por todo lo que conlleva que el espectador sepa esta información, sino porque el tono habitual de la historia es interrumpido de un golpe. No obstante, la atención y el interés se mantienen al incluir un aura de intriga sobre el paradero de los personajes, que se van curando poco a poco de una manera simpática y agradable.

A pesar de que los detalles de estos detalles escabrosos sobre el verdadero origen de Mumford pueden adivinarse tras inteligentes insinuaciones, es cierto que le otorga un estatus de personaje memorable cuando uno se identifica con su auténtico propósito. El reparto es tan fabuloso que todo defecto del film podría ver eclipsado por la entrega de todos sus actores. Los diálogos, minuciosamente proporcionados, escuetos o extensos según la escena, son de una maestría innegable. Y por supuesto, la música de James Newton Howard es para levantarse espontáneamente y aplaudir. La influencia de Howard en cuanto a estilo se nota en otros compositores como Thomas Newman o incluso Vangelis (nótese que cuando Nessa mira las revistas, la canción es clavada a cuando Bagoas baila en ‘Alejandro’).

Por tanto, un guión perfecto donde todo encaja y pensado para que la película no se haga larga en ningún momento a pesar de su lento ritmo, realizado por el propio Kasdan. Tengo que destacar a Jason Lee, que muestra ampliamente sus dotes de skater, y que ahora es conocidísimo por su protagonismo en la serie ‘Me llamo Earl’. Lee define un personaje inseguro y empático. Asimismo, Hope Davis, que ha destacado luego por varias interpretaciones de producciones independientes, aquí ya apuntaba maneras con un registro de gestos y forma de hablar portentosa. Y como personaje secundario, casi cameo, hay que hablar de Ted Danson, como el marido arrogante de Althea, que incomoda sobradamente con su presencia.

Las elipsis entre una escena y otra, tan habituales y frecuentemente arriesgadas, surten su efecto para mantener esa tensión que Mumford comparte con el espectador, SPOILER ya que su secreto, el hecho de que Mumford no es realmente un psicólogo, sino un ex-drogadicto estafador, hace que nos identifiquemos con su personaje y podamos complacernos con su sabiduría innata a la hora de conectar con la gente. Cuando el doctor Delbanco, psiquiatra de la ciudad, acude a él, podemos ver el triunfo de la escucha sencilla antes que los medicamentos, los términos puramente psicológicos, y el arte de la palabra como arma curativa para el reconocimiento de las miserias propias y ajenas con claridad meridiana. Además, es un acierto el falso happy ending propuesto, ya que mientras todo el pueblo está curado, él acaba en la cárcel porque un programa de televisión revela a todo el pueblo (y a la justicia) su fraudulento oficio. FIN SPOILER.

Se le puede achacar a ‘Mumford’ el tener algunas escenas forzadas y/o demasiado pastelosas, como por ejemplo SPOILER que todos se curen a la vez y que Skip termine liándose con Lilly, por no hablar de que Sofie acabe enamorándose de Mumford tan “fácilmente” FIN SPOILER. Pero desde luego es una maravilla ver una película tan falta de maldades, tan pensada para que el espectador disfrute y se implique como un paciente más (o quien sabe, como un psicólogo más), sin acusar en ningún momento un tono comercial. A veces se disfraza de película de sobremesa, y eso es bueno, porque resalta aún más sus riquezas frente al convencionalismo manido de ese tipo de películas.

‘Mumford’ es, como dicen muchos, una pequeña joya, una película sencilla que sin hacer albricias de guión, se sustenta divinamente en un esplendoroso reparto, en un sólido protagonista, en sus magníficos diálogos, y como ya he dicho, la banda sonora de James Newton Howard es como para encargarla en Amazon en cuanto uno acaba de ver el film. Totalmente recomendable, y algunos detalles es muy probable que se queden clavados en la mente del espectador.

Si me dijeran que nombrara varias películas en las que tanto la dirección como el guión o los actores están absolutamente perfectos, una de ellas sería sin duda ‘Desayuno con Diamantes’. Con el mítico Blake Edwards como director, un guión de George Axelrod basado libremente en la novela del genial novelista Truman Capote ‘Desayuno en Tiffany’s’, y George Peppard y Audrey Hepburn como intérpretes principales, ‘Desayuno con Diamantes’ es por derecho propio una de las películas de mayor influencia y fama dentro de su género y época cinematográfica.

En una primera escena que aprovecha para mostrar los créditos iniciales, vemos a una bella joven, elegantemente vestida, desayunando un bollo frente al escaparate de una joyería llamada Tiffany’s. Pronto esa joven emerge como la verdadera y prácticamente única protagonista de esta historia. Una vividora llamada Holly Golightly (Hepburn) que vive tranquilamente en un piso de alto nivel adquisitivo junto a un gato que no tiene nombre. Aprovechando su belleza natural, Holly mantiene relaciones con hombres ricos para subsistir económicamente y poder seguir comprándose joyas, vestidos y toda clase de lujos que rellenan la vaciedad de su existencia. Cuando un escritor semidesconocido llamado Paul Varjak (Peppard) se instala en el piso de abajo, ambos se hacen amigos al ser conscientes de sus analogías.

Es evidente que ‘Desayuno con Diamantes’ puede considerarse una comedia romántica, y eso es curioso viniendo de una obra de Capote. Confieso que no he leído el libro en cuestión, pero sí he tenido la ocasión de disfrutar de otras de sus obras, como el guión de ‘Suspense’, la recopilación de cuentos ‘Música para Camaleones’, y parte de su obra maestra ‘A Sangre Fría’. Por ello, me veo suficientemente formado para afirmar que ‘Desayuno con Diamantes’ podría verse como una fallida adaptación que se queda a medias en la atmósfera impuesta por Capote en su obra. Si bien la película no está exenta de cierta acidez y algunos mensajes insinuados que sólo los espectadores ávidos pueden intuir de soslayo, la realidad en las obras de Capote son menos comerciales, menos destinadas a lo inmediatamente digerible, como bien se ve en la convencional evolución que sufren los dos personajes protagonistas.

Holly y Paul son dos entes solitarios condenados a entenderse. Ambos son unos parásitos sociales que se sienten incomprendidos y que no dan un palo al agua mientras se plantean el sentido de su vida, o si de verdad la vida les ha condenado a no encontrar jamás la felicidad. La amistad que van consolidando a lo largo de la película sortea continuamente el aspecto sexual, si bien hay escenas concretas en las que adivinamos el deseo por parte de uno y otro. Hay un momento en el que, para no ser descubierta, Holly se cuela por la ventana de la habitación de Paul y se acuesta en su cama para hacer menos ardua la espera. Para justificarlo, dice: “¿Le importa si me acuesto con usted un ratito? No se preocupe. Somos amigos, eso es todo. Somos amigos, ¿verdad?” Evidentemente, para el año en el que fue realizada, la película juega con temas que habrían resultado escandalosas de haberse mostrado con más explicitud.

Paul es un escritor que es mantenido económicamente por una novia más mayor que él a la que no quiere, escribió una recopilación de 9 cuentos de cierto éxito y se regocija de acudir a una biblioteca pública y que su libro esté incluido en el fichero. Vamos, que aplicado hoy en día sería el típico que se busca en el Google para ver todo lo que se dice sobre él. Lleva varios años preparándose para escribir la novela de su vida, pero lo cierto es que su hábito es cuanto menos relajado. Holly, mientras tanto, es una consumista sin remedio, un alma en pena demasiado consciente de la fascinación que provoca en el sexo opuesto, y que vive como puede en un aura de hipocresía social, de una fingida alegría.

Por tanto, es de esperar que, pese a todo tipo de obstáculos y a las divergencias de metas personales entre ambos, Paul y Holly paulatinamente se ven reflejados uno en el otro. Es por eso que ‘Desayuno con Diamantes’ está disfrazada de comedia romántica. Aunque tiene ciertos toques de humor y algunos detalles ingeniosos que hace que consideremos a la película como adelantada a su tiempo, seguramente es exagerado llamarla comedia. No obstante, la filmografía de Edwards (liderada por la divertidísima ‘El Guateque’) pone en evidencia el tono cómico de esta película, enfatizado sobretodo por el personaje del vecino japonés, pensado sobretodo para que Mickey Rooney haga con toda libertad todo su registro de muecas histriónicas, a la vez que define un personaje cargado de clichés por su país de procedencia.

La actuación de Audrey Hepburn es impresionante. Parece que el personaje estaba hecho para ella. Si bien triunfó posteriormente con su aportación a la Eliza Dolittle de ‘Pigmalión’ en el musical ‘My Fair Lady’, su caracterización de Holly es un hito dentro de la historia del cine. George Peppard obviamente queda en un segundo plano, y no es que lo haga mal, sino que su personaje está menos dibujado y requiere menor profundidad. Paul es una especie de mentor, una voz de la conciencia, aunque se sienta igualmente confuso y acuse los mismos defectos y crisis existenciales. Son dos personajes que, en definitiva, difícilmente resultan simpáticos y que aún así mantienen la atención y complicidad absoluta del espectador. Ayuda que la película juegue permanentemente con una virtuosa reflexión controvertida sobre los estatus sociales y el derecho personal a ser feliz y tener independencia.

SPOILER El típico final feliz justo antes de marchar ella a un aeropuerto para casarse, por cierto, con un magnate brasileño encarnado por el español José de Villalonga, ha sido archiimitado y adolece de la más clara comercialidad. Esto sin duda es lo que más se separa del entorno argumental de Truman Capote, y sorprende por su espíritu pasional, que en ningún momento se ha revelado durante el resto de la película. FIN SPOILER.

Con todo, ‘Desayuno con Diamantes’ es una película indispensable de los 60, de obligado visionado, que divierte y se disfruta lo suficiente como para ser un film memorable en todos los aspectos. Además, ciertas escenas justifican todo el propósito del conjunto. Por ejemplo, Audrey Hepburn interpretando ella misma, en la ventana de su habitación, la ya inolvidable canción ‘Moonriver’ de Henry Mancini (que por cierto compone una excelente banda sonora para la película). La belleza casta de Hepburn, unido a la envolvente melodía y sencillez de la canción, provocando todo esto que Paul deje de escribir precisamente sobre Holly, es una escena fundamental dentro del cine mundial. Por lo menos, personalmente la considero un concepto tangible de perfección.

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• De ‘Moon River’ a ‘Desayuno con Diamantes’, atrapados por la magia del 7º arte

Desconcertante. Michael Haneke, un ídolo de la legión gafapasta, un pretencioso sin remedio, hace una película en 1997, con presupuesto limitado y una aceptación extensa dentro de sus circunstancias, titulada ‘Funny Games’. Diez años más tarde, contando con una producción un poco más generosa, actores más atractivos y conocidos, Haneke rueda, plano por plano, la misma película. No sólo es la pedantería autocomplaciente del cineasta austriaco el posible germen de este autoremake innecesario, sino la posible llegada a las masas populares de lo que algunos intelectualoides llaman la obra maestra de Haneke. Ahora no son varios actores austriacos los que campan a sus anchas a lo largo del metraje, sino nada menos que Tim Roth, Naomi Watts y Michael Pitt, tres actores de la industria de Hollywood, provistos de talento (cada uno a su manera) y con una filmografía consolidada sobretodo en el caso de los dos primeros.

Como la película es exactamente la misma, resulta difícil reseñar esta película sin limitarse a enumerar las diferencias entre esta película y su predecesora. Aunque, ciertamente, llamar predecesora a la de 1997 sería erróneo, porque ‘Funny Games US’ ni siquiera es una secuela. Es idéntica sólo que con otras caras más famosas, una fotografía menos sombría y más cuidada. En todo lo demás, lo más lógico es redigiros a mi crítica, o la de Alberto, en la que hablamos de ‘Funny Games’ en la misma medida que podríamos haberlo hecho de esta película.

Lo primero que hay que resaltar es que Michael Pitt es mucho mejor actor que Arno Frisch, si los comparamos en el sentido de que ambos, cada uno en su versión, interpretan al mismo personaje: Paul, el joven huésped que se torna en secuestrador y educado extorsionador psicológico. El carisma de Pitt le permite combinar su cara de niño bueno con su mirada malévola e inquietante, y constituye un psicópata sólido y memorable, al contrario que Brady Corbet, que sale perdiendo con respecto a su homólogo austriaco Frank Giering, interpretando a Peter, el cómplice de Paul.

Nuevamente encontramos que las actuaciones de Tim Roth y Naomi Watts están totalmente desaprovechadas. No obstante, en los primeros veinticinco minutos, los que considero realmente decentes de la película (tanto en la versión europea como en la norteamericana), hay que reconocer que Watts está fantástica, sorprendemente natural, y hace ganar puntos a este remake. Una pena lo de Tim Roth, mientras tanto, ya que se dedica a poner cara de sufrimiento con el mayor conformismo.

El verdadero problema de ‘Funny Games US’ no es que sea un remake exageradamente fiel a lo anterior, sino que es un producto totalmente destinado a la comercialidad de una película que ya dio que hablar dentro de su estátus de película de culto europea de los 90. Parece que por salir Tim Roth y Naomi Watts, por lanzarse dentro del panorama del mercado americano, el público de a pie va a aceptar mejor la película o va a opinar de otra forma. Craso error. Sobretodo porque Haneke, dentro de su burbuja, no se da cuenta de que esto podría haberle servido para subsanar fallos de la anterior. Y no sólo hablo de fallos técnicos (que los había en la de 1997 y los sigue habiendo aquí), sino fallos argumentales, de coherencia de la historia. El aura de desagrado, sadismo y la imposibilidad de una explicación plausible de la trama se mantienen intactas. Esos eternos planos fijos que tanto le gustan a Haneke no se han cambiado en absoluto, cuando podría haber matizado su película con un montaje más ágil y efectivo.

La situación de ‘Funny Games US’ es similar a cuando el músico inglés Mike Oldfield lanzó el disco ‘Tubular Bells 2003’, una revisión del inolvidable álbum que le hizo famoso en 1973. Treinta años después, Oldfield se limitó a limpiar el sonido y hacer más comercial un disco que ya de por sí es un referente en el rock del siglo XX. Nada de arreglar fallos, ni reconocer limitaciones. El ego de Haneke, como el de Oldfield, provoca que lo que podría ser la gran oportunidad para reparar todo lo imperfecto, sea simplemente una capa de barniz que alimente aún más su exagerado nivel de autoestima.

Deplorable. Tramposa. ‘Funny Games US’ es una película que nunca debería haberse hecho, teniendo en cuenta que la película a la que copia con indignante minuciosidad tampoco era una maravilla, sino una forzada provocación obscena se queda a medias en su intento de reflexión sobre la violencia en los medios de comunicación. Si apreciais vuestro dinero, vuestro tiempo, y más aún vuestra dignidad, impedid que alguien os empuje a ver una película que no tiene ningún sentido ni trascendencia. Es un fraude con todas sus letras.

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• ‘Funny Games’, los psicópatas y el absurdo
• ‘Funny Games’, nada divertida

La corriente gafapasta, que adora todo lo que hagan los directores Wong Kar-Wai, Lars von Trier, Peter Greenaway, Michelangelo Antonioni o Andrei Tarkovski (por citar algunos), y que no pueden vivir sin decir que ‘Oldboy’ es una de las mejores películas de la historia, seguramente ya le ha echado el ojo a un cineasta austriaco que a base de provocaciones, escenas duras y un surrealismo que perpetra el esnobismo más irreverente, ya ha salido sobradamente del anonimato. Se trata de Michael Haneke, un hombre que hace lo que hace intentando ser el trangresor por excelencia dentro del cine mundial, y que con varias pinceladas tan bizarras como desagradables fundamenta sus películas en el mayor desconcierto y, para muchos, indignación. En lo que llevamos de década hemos podido ver tres películas suyas, ‘El La Pianista’, ‘Caché’ y ‘El Tiempo del Lobo’, a cual más desgarradora y lenta, que han puesto a Haneke en el ojo del huracán.

Yéndonos ya a ‘Funny Games’, película de 1997 que dio muchísimo que hablar a pesar de su limitada distribución, lo primero que hay que decir es que es una película que implica al espectador hasta límites insospechados. Primeramente, porque uno de los personajes, del que ahora hablaremos, llega a dirigirnos la palabra a través de la pantalla. Nos pregunta, nos intimida, intenta dialogar con nosotros para saber nuestro punto de vista. Teniendo en cuenta el tono general de la película, este detalle, que algunos catalogarán de genial, posmoderno, lúcido y blablabla, es como mínimo insultante, ya que en todo momento sabemos que estamos ante una función, un incómodo teatro donde las cosas ocurren y uno no sabe cómo ni por qué. Pero, por supuesto, y como era de esperar, ésta no es ni mucho menos la única excentricidad que se permite Haneke. Cuando a un director se le ríen las gracias continuamente, cuando todo lo que uno hace es aplaudido incondicionalmente, se va por los cerros de Úbeda y se toma la libertad de hacer cosas extrañísimas, carentes de sentido, que sólo sirven como ejercicio masturbatorio subidor de ego de forma automática. Como si nada. Ejemplos importantes los tenemos en ‘Inland Empire’ de David Lynch o ‘Tideland’ de Terry Gilliam.

La familia compuesta por Georg (Ulrich Muhe), Anna (Susanne Lothar) y su pequeño hijo es de una burguesía realmente evocadora. Juegan a adivinar piezas de música clásica mientras viajan en su flamante todoterreno a su residencia de verano. Enseguida la tensión se va adivinando en medio de un clima excesivamente plácido, excesivamente calmado. Cuando llegan a la lujosa urbanización donde van a pasar los días, se encuentran con Fred, vecino suyo y hermano de Georg, junto a dos jóvenes huéspedes practicando golf. Mientras se instalan, uno de los jóvenes llama a la puerta de su casa a pedir varios huevos. Al joven, de nombre Peter (Frank Giering) se le caen los huevos en la misma puerta de la casa y reclama otros para atender el recado, se va gestando progresivamente un entorno de presión psicológica, hasta el punto de que la situación desemboca en un secuestro, por parte de los dos jóvenes, de la familia al completo en su propia casa.

Al principio uno cree que está viendo el gran thriller del siglo XX. Es impresionante el pulso narrativo que sabe dar Haneke a algo tan simple como que un joven perturbado atente contra la integridad de una familia en su propia casa, sin que ésta pueda hacer nada, ni comunicarse con el exterior (el joven “casualmente” tira el móvil al fregadero, lleno de agua). Por tanto, los primeros veinticinco minutos son de una innegable maestría, a pesar del excesivo uso de los planos fijos, que tanto gustan a Haneke, hasta emplearlos de un modo continuo y desesperante. Pero a partir de ahí, cuando el secuestro y la personalidad malvada de los jóvenes se hace obvia, la película se estanca en un sinfín de situaciones desagradables.

Hay varios detalles que hacen que pensemos que ‘Funny Games’ no sea más que una reflexión sobre la violencia en los medios de de comunicación, sobre el morbo de ver un acto violento y el sufrimiento directo por desagradable que sea (aunque con menos fascinación que la que se mostraba en ‘Videodrome’ de David Cronenberg). En concreto, entre los diálogos tan minuciosamente revelados entre los psicópatas y los padres de familia, encontramos que el padre pregunta por qué lo hacen, y Paul (Arno Frisch), el otro joven, que lleva la batuta de tan macabra situación, explica en tono burlón que Peter es gay, sufrió abusos de pequeños, y todos aquellos aspectos que suelen ser típicos en un psicópata de las películas. Además, Georg pide que los maten sin más, a lo que Paul contesta que entonces se acabaría el entretenimiento. Toda una declaración de intenciones que sin embargo se ahoga en su propia pretenciosidad. Haneke nos insiste una y otra vez en que estamos viendo una obra maestra cuando no es así, más aun cuando la película se torna paulatinamente en un espectáculo puramente sádico aunque repleto de aburrimiento.

Mientras que Paul es un tipo seguro de sí mismo, Peter parece su aprendiz, su discípulo, un ser acomplejado y atormentado. Conforman dos psicópatas menos inteligentes y audaces de lo que la película nos intenta hacer ver. Hay cosas que no pueden explicarse por mucha reflexión que se haga, como por ejemplo el por qué los secuestrados tienen esa actitud tan pasiva ante lo que les sucede, como si estuvieran implorando que les matasen de una vez en lugar de andarse con tonterías y juegos psicológicos que sólo sirven, como se aclara tan explícitamente, para que el espectador pueda verles sufrir. Es una pena que los personajes se vean envueltos en esa apatía, sobretodo porque eso acaba con las posibilidades de que Ulrich Muhe (luego conocido por su inmejorable interpretación en ‘La Vida de los Otros’) pueda lucirse actoralmente aunque sea de forma aislada.

Cuando llegamos al final, tras largos minutos de relajado sadismo y violencia intermitente, SPOILER la película mejora una pizca porque, además de mostrar cómo los malos “ganan” de forma impune y sin concesiones, los jóvenes se dirigen a otra casa y el puzzle encaja un poco sobre el verdadero juego (en forma de bucle) de estos jóvenes psicópatas. De todas formas, para entonces el propósito de la película se ha perdido por lo menos en el terreno de complicidad con el espectador, ya que hay dos detalles deplorables que resultan insoportables, bien por su pedantería o por su incoherencia. El primero es la escena en la que matan a Peter, y Paul coge un mando a distancia, la escena se rebobina hacia atrás, y evita que maten a su compañero. El segundo es que Georg y Anna apenas lamentan la violenta muerte de su hijo, de una forma harto inverosímil. Para colmo, esa mirada final de Paul hacia la cámara, como esperando nuestra respuesta, es de lo más forzado y antinatural. FIN SPOILER.

‘Funny Games’ es un espectáculo extremadamente desagradable, no sólo por su contenido, sino por su carácter de obra cinematográfica, que hasta cierto punto mantiene en vilo al espectador, pero que luego le evoca una extraña combinación entre la repulsión y la indiferencia. Haneke mete mano de una historia sencilla, de corte realista, para rizar el rizo en medio de un clima mórbido y sombrío, que no constituye un entretenimiento pero sí una experiencia que se supone que tendría que golpear anímicamente al espectador y hacerle reflexionar. La película está hecha para producir debate, para hablar de ella durante horas e interpretar sentidos, detalles, significados. Por desgracia, la capa de pedantería en la que está envuelta ‘Funny Games’ le impide obtener el interés general, por no hablar de su denigrante ritmo narrativo y su gama de forzadas situaciones que deambulan por la película. Insultante, obscena y desaconsejable. Aunque habrán los que digan que es una obra necesaria, intocable e incomprendida (dígase con voz repipi). Allá ellos.

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• ‘Funny Games’, nada divertida

‘War, Inc.’ (que se traduciría como ‘Guerra, S.A.’) es una película destinada al olvido inmediato por su torpísima labor de distribución. No es posible a día de hoy saber cuándo se estrenará en España, pero también ocurre lo mismo en muchos países. La película cuenta, sin embargo, con un reparto de altísimo atractivo, compuesto por John Cusack, Joan Cusack, Marisa Tomei, Ben Kingsley, Hilary Duff y Dan Aykroyd, y con un argumento dotado de cierto ingenio.

El film tiene una actitud enteramente crítica. Es una sátira política provista de humor sobre el mandato de la administración Bush en EEUU, muy en la línea de ‘American Dreamz’, esa infravalorada película que unía el fenómeno de Operación Triunfo y el terrorismo islámico. En este caso contamos con un cinismo arrollador que está liderado, como no podía ser de otra manera, por el radiante talento de John Cusack, que hace un papel análogo al de ‘La Cosecha de Hielo’. Es ‘War, Inc.’ una mezcla de géneros que en los primeros minutos se antoja prometedora y acertada, pero que luego se desinfla hasta constituir un lastimoso despropósito que bebe de las parodias más burdas que campan por taquilla en los últimos años, como si los productores de la horrorosa saga ‘Scary Movie’ se hubieran decidido a burlarse de la política del miedo y de la guerra de Irak.

Brand Hauser (John Cusack) es un hombre de confianza del vicepresidente (Dan Aykroyd), que viaja al ficticio país de Turagistán para matar a un ministro encargado del petróleo en Oriente Medio. Turagistán es, por supuesto, una continuación natural de Afganistán, Irak… y una excusa para mostrar cómo la guerra puede estar patrocinada por las empresas que van a instaurarse en el nuevo país ocupado. Así, la multinacional Tamerlane controla todos y cada uno de los aspectos de la ocupación norteamericana en Turagistán, y el conflicto bélico se ve como una especie de extensión del american way of life, donde los tanques tienen publicidad en su chapa como si fueran coches de F1. Enseguida conoce Hauser a su contacto en el país, una mujer inestable llamada Marsha Dillon (Joan Cusack), a la vez que se ve obligado a recibir a Yonica Babyyeah (Hilary Duff), una sex-symbol catalogada como “la Britney Spears de Europa del Este”, que va a casarse en una boda controlada íntegramente por el gobierno de EEUU.

En medio de este enrevesado argumento, que sin duda se queda a medias en el intento de mostrar una amplia gama de personajes y situaciones, Hauser tendrá el típico dilema amoroso-afectivo-sexual con una reportera idealista llamada Natalie Hegalhuzen (Marisa Tomei). Si la intención fuera lo único que contara, entonces podríamos decir sin problemas que ‘War, Inc.’ es una buena película. Lamentablemente, la trama se permite tantas extravagancias, que a veces no hay manera de tomarse en serio la historia o reírle la gracia (lo que vosotros prefirais). Es cierto que John Cusack es un genio, lo demuestra película tras película, y el humor que se intuye tras todo el espectáculo se apoya sin duda en su seriedad tensa y comedida. Podemos ver a Brand Hauser como una especie de James Bond del siglo XXI, pero con mucha más apatía, menos elegancia y desde luego más sarcástico. El hecho de que actúe junto a su hermana Joan es un elemento positivo por la evidente química entre los Cusack.

Además de ‘American Dreamz’, a ‘War, Inc.’ es imposible no compararla con ‘El Señor de la Guerra’, que si bien aquella contaba con un gran reparto, ésta también. Pero por supuesto ‘War, Inc.’, aunque tiene más humor y frescura, es de mucho menor nivel en todos los sentidos. Prácticamente todo aquello en lo que la otra acertaba, falla ésta por su inabarcable combinación. Está peor dirigida, peor desarrollada y con un resultado final mucho menos logrado.

Cuando la película no se pierde en sus propios líos argumentales, podemos adivinar una simpática reflexión contemplativa con tintes apocalípticos (es de subrayar la asfixiante atmósfera de Emerald City, capital de Turagistán), de un mundo con evidentes secuelas del régimen de Bush, que invade países bajo el disfraz de liberación e instauración de democracia. Llama también la atención que exista en la ciudad una especie de muro de Berlín entre las zonas “controladas” y las que todavía resisten. El fraude de las marcas multinacionales, el verdadero uso de la publicidad y el corporativismo está enfocado como un defecto de la globalización, con una hipnosis de valores a nivel mundial. En este sentido, ‘War, Inc.’ iguala la perspectiva conspirativa de la serie ‘24’, con una corrupción y determinación política carente de escrúpulos y que proviene de lo más alto.

Si bien Marisa Tomei hace una interpretación convencional y Ben Kingsley da vergüenza ajena en los pocos minutos en los que aparece (desvelar cuál es su personaje es cargarse la película), lo más interesante es ver cómo Hilary Duff ha tomado un papel muy alejado de lo que suele hacer. Parece mentira que esta Britney Spears oriental sea la misma que, con unos recursos actorales limitadísimos, apareciera en la serie juvenil ‘Lizzie McGuire’. Duff sale ampliamente favorecida.

El final es, con una diferencia abismal, lo peor de ‘War, Inc.’. SPOILER El guión se enmaraña hasta tal punto que las considerables virtudes de las que gozaba la película se desvanecen en un final precipitado, incomprensible e indignante, con una finalización propia de una aventura gráfica, un culebrón y una comedia alocada de las de serie B. Lo de Ben Kingsley, una vez que se confirma que es el presidente de EEUU y que Yonica es la hija de Hauser, es de juzgado de guardia. Hubiera sido más efectivo que Hauser hubiera sabido que Yonica es su hija después de haber tenido relaciones sexuales con ella, pero el guión no se atreve con esta circunstancia, a pesar de la permanente acidez del conjunto. Por no hablar de que los extraños planos propuestos por el director Joshua Seftel, en los minutos finales, molestan muchísimo. FIN SPOILER.

‘War, Inc.’ es una fallida película, que no pintaba mal como idea, pero que se hunde por su propio peso por culpa sobretodo de su arriesgadísimo y bizarro final, que no deja concesiones en cuanto a la coherencia de la historia. Asimismo, algunas escenas son totalmente innecesarias, en parte para dar mayor protagonismo a Marisa Tomei. El surrealismo que tan bien está representado al principio, luego es un defecto insalvable. No obstante, tiene algunos elementos conseguidos que pueden disfrutarse con independencia, y que resultan cuanto menos curiosos. Y John Cusack, por supuesto, tiene un carisma que es digno de ver.

En Blogdecine | ‘War, Inc.’, John Cusack y Marisa Tomei.

Nos guste o no, un nuevo tipo de comedia romántica se está imponiendo en Hollywood. Y el productor, guionista y director Judd Apatow tiene bastante que ver con ello. Rodeándose de sus actores favoritos y con unos argumentos que buscan la combinación entre la comedia de situación y el romance con cierta originalidad, Apatow ha logrado salir del anonimato tras dirigir ‘Virgen a los 40’, ‘Lío Embarazoso’ y escribir y/o producir títulos como ‘Supersalidos’ y la que nos ocupa. Sus detractores tachan sus películas de inverosímiles y superficiales, a la par que incluyen demasiadas palabrotas en sus diálogos. Es como un prototipo de comedia gamberra pero con pretensiones de ser el referente de los temas que trata. Y personalmente, creo que sus resultados son muy irregulares. Pero sus buenas intenciones no se han de pasar por alto, y en ese sentido la labor de Apatow es como mínimo loable.

‘Paso de Ti’, traducción más que indignante del original ‘Forgetting Sarah Marshall’, trata la ruptura entre el compositor Peter Brenner (Jason Segel) y la actriz televisiva Sarah Marshall (Kristen Bell), que ha encontrado a “otra persona” y siente que la relación ya no funcionaba. Como Peter hacía la banda sonora de la serie que Sarah protagoniza, le es muy difícil seguir con su vida sin ella, empezar de cero, así que, tras hablar con su hermanastro Brian (Bill Hader) decide irse a Hawaii a tomarse unas vacaciones para alejarse un poco de la cotidianeidad y olvidar por fin a Sarah.

Si bien los primeros veinte minutos son excelentes (los de la ruptura y cómo Peter reacciona con resignación y tristeza), una vez que la película se posiciona en Hawaii para no volver a moverse, la historia pierde ritmo e intensidad. Es una pena, porque con una propuesta se empieza funcionando tan bien, es increíble que se estanque hasta convertirse por momentos en una película de esas intrascendentes de sobremesa. Como era de esperar, cuando Peter llega a Hawaii se encuentra con que Sarah se hospeda en el mismo hotel con su nuevo novio, el rockero Aldous (Russell Brand).

La dirección del debutante Nicholas Stoller no está exenta de riesgo (con flashbacks repentinos y algunas licencias técnicas), pero no se sale de lo convencional, e incluso en algunos momentos tiene unos planos típicos de la serie B, en los que no hay sorpresas ni originalidad. Lo más importante de la película, por sus características, es la interpretación de los actores protagonistas, y hay que decir que Jason Segel, no en vano autor del guión, está formidable en un personaje que cae bien sí o sí. Es de alabar que un tipo sin mucho carisma como Segel se convierte en un protagonista sólido, quizás no memorable, pero sí capaz de despertar empatía. No obstante Kristen Bell está regular, y en la segunda mitad es imposible que compartamos sentimientos con Peter, ya que aparece en escena la preciosa Mila Kunis. Kunis es famosa por su personaje en ‘Aquellos Maravillosos 70’, y ciertamente aquí se separa considerablemente de la personalidad que mostraba en esa serie. Resulta increíble que Peter lo tenga tan fácil con el personaje de Kunis, Rachel Jansen, que es la recepcionista del hotel hawaiano donde se alojan. Sobretodo porque Peter está destrozado cuando se conocen, y en cambio Rachel tiene una actitud optimista y desenfadada con la vida.

Siguiendo unos caminos demasiado vistos, la película se compone de una construcción de relaciones y personajes con escenas muy logradas pero otras que dan verdadera vergüenza ajena (por ejemplo, la cena de las dos parejas está totalmente desaprovechada), y el humor que se supone que tienen que transmitir en pantalla los habituales Paul Rudd y Jonah Hill no pegan ni con cola. También hay que resaltar que el declive de Sarah es bastante forzado y su relación con Aldous algo bizarra. Por suerte, podría decirse que esto se compensa medianamente con la evolución de Peter, que se transforma en una persona más espabilada y menos impulsiva, un hombre hecho y derecho, un compositor convencido de su talento y un buenazo que se merece más y mejor. Además, la película no se centra en insistir que la historia se ambienta en Hawaii, lo que habría sido la tentación de cualquiera, sino que el escenario queda en segundo plano en favor de su protagonista. SPOILER Por supuesto, como en toda comedia romántica, la película termina empezando, es decir, acaba justo cuando la relación entre Peter y Rachel comienza, aunque el golpe de efecto de hacerlo justo después del musical compuesto por Peter es bastante positivo y simpático. FIN SPOILER.

Me llama la atención especialmente la parodia que se hace a las series de investigación criminal, sobretodo ‘CSI’ (da igual si es Miami, Las Vegas o Nueva York), con la ficticia serie que protagoniza Sarah junto a William Baldwin, que emula al típico inspector inteligente a la vez que cínico. Para todo aquel que se divierta con las parodias, no disfrutar con estas breves y espaciadas escenas es imposible. Verdaderamente deslumbran por su ingenio.

‘Paso de Ti’ no es ni mucho menos una obra maestra, y eso se nota enseguida, a pesar de su decentísimo tercio inicial. Pero al tratarse de una cinta muy digerible, con buen uso del factor cómico (más centrada en la sonrisa permanente que en la carcajada intermitente), es una película entrañable, que si no se ve con muchas exigencias, arregla una tarde con la sensación de haber visto una comedia romántica del siglo XXI, entretenida aunque mejorable.

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• ‘Paso de Ti’, una catártica evolución de personaje

Podría empezar esta reseña lapidando sin más la película en sí, cuyos numerosísimos defectos, lejos de fundamentarse en el vacuo sentido de la serie de la que procede, se centran más en una dirección demasiado impersonal de Michael Patrick King y en el vergonzoso liderazgo en el reparto de la excesiva Sarah Jessica Parker. Pero prefiero hacer antes un inciso y fomentar la reflexión sobre la adaptación de ciertas series televisivas de éxito a la pantalla grande, sobre cómo su fracaso es un hecho harto previsible.

No hablo del fracaso de taquilla, por supuesto, ya que ‘Sexo en Nueva York’ viene aupada por las legiones de seguidoras (con a) de la serie de origen, con un respaldo incondicional para beneficio de este engendro. ‘Sexo en Nueva York’ es, obviamente, un film que nada aportará a la historia del cine (al menos nada positivo), y que, faltaría más, no deja ninguna esperanza a la calidad o la lucidez.

Si se mira de forma analítica, esta película no es más que un capítulo excesivamente alargado, con todos los defectos que eso conlleva. En la película de ‘Los Simpson’, ocurría exactamente lo mismo, pero su condición de secuencias de gags, y más tratándose de animación, salía mucho mejor parada. Aquí se ve claramente cómo la película sigue, de forma torpe, pero contando con muchos más minutos de metraje (dos horas y media, madre mía), exactamente la misma estructura que cualquier capítulo de la serie. Es decir, tramas paralelas en torno a las cuatro odiosas protagonistas, entre las que destaca Carrie Bradshaw (Parker), que rodeada de sus tres amiguitas del alma, vive felizmente sin dar un palo al agua y llenando su existencia con glamour, risas fingidas y una burbuja tan inverosímil que da hasta grima.

El desarrollo argumental abusa tanto del estereotipo que es absolutamente imposible tomarse en serio cualquier detalle. Y es que las protagonistas abanderan una perspectiva indignante sobre la vida femenina, en cuanto a que su triunfo existencial consiste en casarse con un rico y vivir con todo tipo de excesos, sin plantearse siquiera que su condición de cuarentonas quizás debería hacerles sentar la cabeza en algunos aspectos. Lo que más me da risa es que la película insiste en proponernos a los personajes, entre cliché y cliché, como diosas de la feminidad, como referentes de lo que toda mujer debería lograr o proponerse en cuanto a condición social y realización personal. En realidad son un molde, un prototipo de amazona machista y desconsiderada con su papel en el mundo, que tiene que tener la mente ocupada en sandeces materialistas para subsanar la vaciedad de la propuesta. Mucho me temo que muchas féminas con escasas neuronas pueden morder el anzuelo (probablemente ése es el objetivo) y tomar como referencia a estas pavas que nada bueno tienen que enseñarles. Porque efectivamente, Carrie y sus coleguis representan el conformismo más deplorable, constituyendo una plantilla antipática y con la que uno tiene la impresión de que las actrices en cuestión no se esfuerzan mucho para construir esos personajes tan predecibles y, por qué no decirlo, tontos de remate.

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