El nombre de Greg Berlanti está principalmente asociado al mundo de la televisión, donde ha ejercido como guionista, creador y/o showrunner en series como ‘Dawson crece‘ (1998-2003), ‘Everwood‘ (2002-2006) o ‘Arrow‘ (2012-En emisión). Eso sí, nunca he perdido de vista al séptimo arte, donde ha participado en los libretos de ‘Ira de titanes‘ (‘Wrath of the Titans’, Jonathan Leibesman, 2012) y ‘Linterna verde‘ (‘Green Lantern’, Martin Campbell, 2011), habiendo tenido la ocasión de dirigir dos largometrajes —’El club de los corazones rotos‘ (‘The Broken Hearts Club: A Romantic Comedy’, 2000) y ‘Como la vida misma‘ (‘Life as We Know it’, 2010)—. Ahora es noticia porque va a encargarse de la puesta en escena de ‘Epsilon‘.

‘Epsilon’ parte de un nuevo guión de Rhett Reese y Paul Wernick, los responsables del libreto de ‘Bienvenidos a Zombieland‘ (‘Zombieland’, Ruben Fleischer, 2009), que nos trasladará a un futuro en el que una rebelión de las máquinas ha fracasado en su intento de adueñarse de nuestro mundo, lo cual ha dejado a los humanos sin apenas utensilios electrónicos para salir adelante. Por su parte, los robots supervivientes se han refugiado en una estación espacial y han iniciado una serie de experimentos para conseguir que una serie de humanos acaten sus órdenes y así poder vengarse. Aún se desconoce quiénes protagonizarán la película y la fecha de inicio de rodaje.

Vía | Hollywood Reporter

No han sido un invento reciente, pero las secuelas cinematográficas cada día parecen ser más abundantes, siendo lo habitual que éstas sean de blockbusters o como mínimo de producciones de presupuesto más o menos abultado. Hay algunos éxitos sorpresa como ‘Resacón en Las Vegas’ (‘The Hangover’, Todd Phillips, 2013 2009) que se salen de esa norma, pero que una película romántica acabe convirtiéndose en la primera parte de una trilogía es algo bastante inusual, aunque es lo que ha conseguido ‘Antes de amanecer’ (‘Before Sunrise’, Richard Linklater, 1995).

‘Antes de amanecer’ no fue más que un modesto éxito comercial, pero se ganó el corazón de muchos cinéfilos, los cuales reaccionaron con entusiasmo cuando nueve años después se estrenaba ‘Antes del atardecer’ (‘Before Sunset’, Richard Linklater, 2004). Su acogida en términos monetarios apenas cambió respecto al de su primera entrega, pero la popularidad y el reconocimiento de la saga siguieron creciendo de forma paulatina. El anuncio de la futura existencia de ‘Antes del anochecer’ (‘Before Midnight’, Richard Linklater, 2013) fue recibido con alborozo por los seguidores de esta inesperada franquicia, siendo el próximo 28 de junio cuando al fin tendrá lugar su estreno en España.

El argumento

Jesse y Celine se encuentran de nuevo, esta vez durante el verano en la hermosa Grecia. Han pasado nueve años desde su segundo y último encuentro romántico en París y casi dos décadas desde que coincidieron en un tren con destino a Viena. ¿Todavía les queda una oportunidad?

El director

La carrera como realizador de Richard Linklater arrancó en 1985 con un cortometraje documental sobre Woodstock. Tres años tuvieron que pasar hasta que consiguió dar forma a ‘It’s Impossible to Learn to Plow by Reading Books’, una obra experimental rodada con un presupuesto de apenas 3.000 dólares, algo que también marcó a ‘Heads I Win/Tails You Lose’ (1991), su siguiente trabajo tras las cámaras. Sin embargo, fue con ‘Slacker’ (1991), que tuvo una buena recepción en el Festival de Sundance y se convirtió en un pequeño éxito comercial —recaudó más de un millón de dólares habiendo costado apenas 23.000—, y ‘Movida del 76’ (‘Dazed and Confused’, 1993), éxito económico —8 millones de recaudación— y convirtiéndose casi de inmediato en película de culto, cuando empezó a labrarse un nombre en Hollywood.

Todo cambió para Linklater tras el estreno de ‘Antes de amanecer’, por la cual consiguió llevarse para casa el Oso de plata del Festival de Berlín a mejor director. Desde entonces aprovechó para ir alternando proyectos con mayores aspiraciones comerciales —‘Los Newton Boys’ (‘The Newton Boys’, 1998)— con otros proyectos más personales —‘Waking Life’ (id, 2001)—, consiguiendo el mayor éxito económico de toda su carrera —‘School of Rock’ (id, 2003)— poco antes de retomar las románticas vivencias de Jesse y Celine en ‘Antes del atardecer’, cinta que llegó a ser nominada al Oscar de mejor guión original.

Linklater ha mantenido su línea de ir variando proyectos con mayor ambición comercial con otros títulos en los que poder indagar en sus inquietudes personales. Dentro de la cosecha de sus últimos años destaca su valentía al confiar a Zac Efron el papel de Orson Welles en ‘Me and Orson Welles’ (2008), su necesario ataque a los mecanismos de la industria alimentaria americana en ‘Fast Food Nation’ (id, 2006) y su experiencia televisiva en ‘Up to Speed’ (2012), serie creada por él mismo y en la que se encargó de la dirección de todos sus episodios —apenas seis—.

El reparto

Una de las ventajas de la enorme popularidad del cine juvenil en la década de los 80 es que muchos chavales tuvieron la oportunidad de debutar en el cine a una edad muy temprana. Eso sí, Ethan Hawke tuvo que esperar hasta los 15 años para poder utilizar su actuación en ‘Exploradores’ (‘Explorers’, Joe Dante, 1985) como mecanismo para ligar con las chicas. Cuatro años pasaron hasta que consiguiño otro papel en un largometraje, pero tuvo la fortuna de que fuese en ‘El club de los poetas muertos’ (‘Dead Poets Society’, Peter Weir, 1989), un gran éxito que le permitió conseguir trabajo con mayor facilidad en cintas tan dispares como ‘Colmillo blanco’ (‘White Fang’, Randal Kleiser, 1991) o ‘¡Viven!’ (‘Alive’, Frank Marshall, 1993).

El caché de Hawke fue en ascenso al encadenar títulos tan interesantes como ‘Bocados de realidad’ (‘Reality Bites’, Ben Stiller, 1994), ‘Antes de amanecer’ o, sobre todo, ‘Gattaca’ (id, Andrew Niccol, 1997). Sin embargo, la auténtica popularidad no le llegaría hasta que, junto a Denzel Washington, protagonizó ‘Día de entrenamiento’ (‘Training Day’, Antoine Fuqua, 2001), papel por el que fue nominado al Oscar de mejor actor secundario, aunque no fue algo que supo capitalizar posteriormente. Actualmente, su presencia se ha convertido en una garantía de rentabilidad económica para el cine de género de bajo presupuesto, ya que ha encadenado los éxitos de la reivindicable ‘Sinister’ (id, Scott Derrickson, 2012) y ‘La noche de las bestias’ (‘The Purge’, James DeMonaco, 2013).

Aún más joven era Julie Delpy cuando debutó en la gran pantalla con un pequeño papel en ‘Guerres civiles en France’ (id, François Barat, Joel Farges y Vincent Nordon, 1978), aunque pasarían siete años antes de que volviese a participar en un largometraje —‘Detective’ (‘Detéctive’, Jean-Luc Godard, 1985)—. Delpy no tuvo problemas para encontrar trabajo en otras producciones interesantes como ‘Mala sangre’ (‘Mauvais Sang’, Leos Carax, 1986), ‘Europa, Europa’ (id, ‘Agnieszka Holland, 1990) o la trilogía de los tres colores de Krzysztof Kieslowski. Paralelamente dio el salto al cine americano con títulos como ‘Killing Zoe’ (id, Roger Avary, 1993) o ‘Los tres mosqueteros’ (‘The Three Muskeeters, Stephen Herek, 1993).

En 1995 no sólo empezó a ganarse un nombre en Hollywood con ‘Antes de amanecer’, sino que también probó suerte en la dirección con un cortometraje titulado ‘Blah Blah Blah’, dando el salto al largo siete años después con ‘Looking for Jimmy’ (id, 2002), habiendo rodado otras cuatro películas y un cortometraje más desde entonces. Como actriz, Delpy intentó afianzarse en Estados Unidos con no demasiada fortuna, llegando a participar en siete episodios de la televisiva ‘Urgencias’ (1994-2009) o en ‘Un hombre lobo americano en París’ (‘An American Werewolf in Paris’, Anthony Waller, 1997), la innecesaria secuela del clásico de John Landis ambientado en Londres. Delpy ha reducido considerablemente el número de películas en las que participa en los últimos años, dándose la casualidad de que la mayoría son títulos dirigidos o escritos por ella misma.

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La llegada a los cines españoles este próximo viernes de ‘El hombre de acero‘ (‘Man of Steel’, Zack Snyder, 2013) no invitaba precisamente al resto de estudios a lanzar no ya alguno de sus títulos estrella, sino cualquier película que necesitara algo más que un estreno técnico en nuestro país. No obstante, en Walt Disney no se han dejado amilanar por el regreso de Superman a la gran pantalla y han decidido que el 21 de junio era la fecha ideal —y lo es salvo por el “pequeño” detalle ya comentado— para que los españoles puedan acercarse a su cine más cercano a ver ‘Monstruos University‘ (‘Monsters University’, Dan Scanlon’, 2013), el nuevo trabajo de Pixar.

Ha pasado ya más de una década desde el estreno de ‘Monstruos, S.A.‘ (‘Monsters, Inc’, Pete Docter, David Silverman y Lee Unkrich, 2001) y lo más lógico hubiera sido dejarla como una película única que fuera recordada con cariño por todos los amantes del cine. Sin embargo, los más de 560 millones de recaudación —y la ingente cantidad de merchandising vendido— llevó a los mandamases de la compañía a dar luz verde a una precuela con la esperanza de incluso superar el éxito de predecesora, no importando tanto mantener el estándar de calidad al que Pixar nos tenía acostumbrados hasta hace bien poco.

El argumento

Desde que era un pequeño monstruo y antes de entrar en la universidad, Mike Wazowski ya soñaba con convertirse en un Asustador y él sabía, mejor que nadie, que los mejores asustadores salen de Monstruos University. Pero durante su primer semestre en la MU, los planes de Mike se van al garete al cruzarse con el popular James P. Sullivan, “Sulley”, un asustador nato. Por culpa de su desenfrenado espíritu competitivo, ambos son expulsados del prestigioso Programa de Sustos de la Universidad. Y para empeorar las cosas, se verán obligados a trabajar juntos con una extraña pandilla de monstruos inadaptados… si es que quieren arreglar su situación.

El director

Dan Scanlon llegó a Pixar en el año 2001 tras haber participado en varias producciones animadas cuya existencia mejor olvidar —¿Quién quiere acordarse de que Disney hizo una secuela directa a dvd de ‘101 dálmatas’ (‘101 Dalmatians’, Clyde Geronimi, Hamilton Luske y Wolfgang Reitherman, 1961) más de 40 años después?—. Su primer trabajo fue en ‘Cars’ (id, John Lasseter y Joe Ranft, 2006), donde colaboró en el guión y en el departamento artístico. Su buen hacer fue recompensado al confiar en él para encargarse de las labores de dirección del cortometraje ‘Mate y la luz fantasma’ (‘Mater and the Ghostlight‘, 2006) junto al mismísimo John Lasseter.

Scanlon decidió dar entonces un giro a su carrera y dirigió, escribió, produjo, montó y actuó en ‘Tracy’ (id, 2009), un falso documental en clave de humor sobre Tracy Knapp, el presentador de un —inexistente— programa televisivo infantil de los años 70. Contando con un presupuesto de apenas 30.000 dólares, ‘Tracy’ no tuvo apenas repercusión, pero parece que fue más que suficiente para que en Pixar confiasen en él para liderar ‘Monstruo University’, la película que ahora nos ocupa y la primera gran oportunidad en la carrera de Scanlon dentro de la compañía.

El reparto

A algunos puedes parecerles extraño el hablar del reparto en una producción de este tipo, pero toda buena cinta animada ha de cuidar al máximo el trabajo vocal de los actores detrás de los personajes de dibujos animados que el público verá en sus pantallas. Hay ocasiones en las que se echa mano de la voz de actores poco conocidos para el público, pero en el caso de ‘Monstruos University’ se recurrió a John Goodman para dar vida a Sulley —su voz pasa a ser la de Santiago Segura en el doblaje en castellano— y al inimitable Billy Crystal para el personaje de Mike —voz del humorista José Mota en España—. Su química fue una de las claves del éxito de ‘Monstruos, S.A.’, por lo que no había motivo para prescindir de ellos.

Entre las nuevas adiciones vocales destacan las de Helen Mirren dando vida a la tiránica decana de la universidad a la que asisten Mike y Sulley, Nathan Fillion como el líder de la odiosa hermandad de los populares, Alfred Molina como uno de los profesores de los protagonistas y las apariciones en personajes menores de Aubrey Plaza, John Krasinski —encargado de prestar su voz al ídolo infantil de Mike— o Tyler Labine.

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Crítica en Blogdecine

• ‘Monstruos University’, tan entretenida como prescindible

Ya os comenté hace un par de semanas que me he puesto como objetivo el intentar que conozcáis más la obra de alguno de los directores que estrene una película cada semana a través de los cortometrajes que hayan rodado con anterioridad. En esta ocasión le ha llegado el turno a Alejandro Marzoa —en la imagen dando instrucciones a Paco Tous durante el rodaje de ‘Somos gente honrada‘ (2013)—, cuyo primer largometraje llegaba este pasado viernes a los cines de toda España. Además, en esta ocasión os traigo una sesión triple de cortos, ya que a continuación podréis ver ‘Padre modelo‘ (2009), ‘Cucharada‘ (2010) y ‘Amistad‘ (2010).

Antes de entrar en materia, me gustaría recordaros que ya os hablamos por aquí de ‘Temporada 92-93‘ (2007), ópera prima de Alejandro Marzoa centrada en el último partido de la temporada del Celta de Vigo, en el cual se juega su supervivencia en la primera división del fútbol español —curioso que esta temporada viniese a pasar prácticamente lo mismo—. Marzoa nació en Vigo el 20 de marzo de 1979, comenzando sus estudios cinematogáficos en la ESCAC en el 2002, graduándose años después en la especialidad de Dirección de fotografía. Poco después de acabar sus estudios dio el salto al mundillo con este cortometraje que recibió multitud de premios.

He de reconocer que ni recuerdo cuándo fue la última vez que mis padres se pasaron a recogerme a la salida del colegio, no sé si por tener plena confianza en mí o porque apenas tenían tiempo para ello. Es por ello que no empatizo mucho con el punto de partida de ‘Padre modelo’, donde el ausente progenitor del chaval protagonista se deja caer por su colegio, dándose cuenta de que es el marginado de la clase. Eso sí, las cosas no tardarán en complicarse aún más. ‘Padre modelo’ también cosechó varios premios, pero a años luz de los conseguidos por su ópera prima, quizá por algunos detalles del mismo bastante proclives a suscitar polémicas en una sociedad cada vez más dominada por lo políticamente correcto.

Una de los principales festivales españoles de cortometrajes es el Notodofilmfest —ya os hablé un poco más al respecto cuando comentamos por aquí la última obra de Rodrigo Cortés— y Marzoa participó en el mismo en su edición de 2010 con ‘Cucharada’. Su premisa es que una joven pareja —siempre es un placer ver algo en lo que aparezca Leticia Dolera— está viendo un piso con la intención de comprarlo, pero a la chica le surge una duda trascendental bastante curiosa sobre el nivel de compromiso que hay entre ellos. ¿Vosotros os comeríais eso si a cambio conseguís salvar la vida de vuestra pareja?

Marzoa volvió a colaborar en ‘Amistad’ con Miguel de Lira, el protagonista de ‘Padre modelo’ y que también acabó participando en ‘Somos gente honrada’, en esta historia en la que varios amigos han salido a tomarse unas copas. La fiesta y el jolgorio pronto comparte también espacio con sus miserias personales y finalmente acaban yendo a tomarse la última a su lugar de trabajo, ya que uno de ellos es uno de los jefes y tiene las llaves para poder entrar cuando quiera. El problema es que las cosas no tardan en desmadrarse y en hacerse ciertas revelaciones que lo complicarán todo aún más. No me estaba gustando demasiado, pero ‘Amistad’ va ganando interés a medida que avanza su reducido metraje.

¿Cuál es vuestro favorito? Yo tengo problemas para elegir y afortunadamente es porque todos ellos me han gustado en mayor o menor medida y por motivos bien diferenciados. Lo que sí tengo claro es que me alegra que Marzoa haya tenido la oportunidad de dar el salto al largo con ‘Somos gente honrada’, película que espero ver más temprano que tarde, arrepintiéndome ahora muy mucho de no haber acudido a su pase de prensa cuando tuve la ocasión. ¿Vosotros la habéis visto ya o entra al menos en vuestros planes el hacerlo en pantalla grande?

Vía | Alejandro Marzoa

Gary Oldman ha conseguido ganarse una gran reputación por su innegable talento para la actuación, tanto en jugosos personajes secundarios en producciones de presupuesto holgado como liderando el reparto de cintas con menos medios. Sin embargo, su carrera no se ha limitado exclusivamente a lo interpretativo, ya que en 1997 debutó en la dirección con ‘Los golpes de la vida‘ (‘Nil by Mouth’) y todo parecía indicar que iba a ser una experiencia aislada, pero eso ha cambiado hace nada, ya que acaba de saberse que va a ocuparse de la puesta en escena de ‘Flying Horses‘.

‘Flying Horses’ se centrará en la vida personal de Eadweard Muybridge, un fotógrafo pionero cuyos esfuerzos fueron clases para la aparición del cinematógrafo. No quiero desvelar mucho al respecto, pero una de las claves de la película será su singular reacción tras enterarse que su joven esposa estaba teniendo una aventura con un crítico teatral, algo que, obviamente, no le sentará precisamente bien.

Oldman está intentando conseguir que Ralph Fiennes sea el encargado de dar vida a Muybridge, mientras que, si todo sale bien, Benedict Cumberbatch interpretaría al amante de su esposa. Nada de sabe por el momento sobre la actriz que interpretaría a dicha mujer. Se espera que el rodaje comience durante los primeros meses de 2014 y está por ver si Oldman se habrá reservado para sí mismo algún personaje, aunque es algo que prefirió no hacer en el caso de ‘Los golpes de la vida’.

Vía | Collider

Terry Zwigoff consiguió dos pequeños éxitos durante los primeros años de la pasada década con ‘Ghost World‘ (id, 2001) —uno de los primeros trabajos en la gran pantalla de Scarlett Johansson— y ‘Bad Santa‘ (2003), pero desde entonces únicamente había dirigido la curiosa ‘El arte de estrangular‘ (‘Art School Confidential’, 2006), cuyo fracaso estuvo a punto de acabar con la carrera cinematográfica de Zwigoff. De hecho, siete años han tenido que pasar para que Zwigoff consiga la financiación necesaria para sacar adelante ‘Justice for Al‘.

‘Justice for Al’ —título provisional que lo más seguro es que acabe cambiando— nos contará la historia de un hombre que es condenado a arresto domiciliario por un crimen que no cometió. Obligado a vivir en la casa de sus padres, consigue la ayuda de varios de sus amigos para idear un plan con el que poder vengarse del responsable de su suplicio. También se sabe ya que será Fred Armisen —protagonista de la televisiva ‘Portlandia‘ (2011-En emisión)— quien encabece el reparto de una película cuyo guión ha sido escrito por Melissa Axelrod y el propio Zwigoff.

Vía | The Playlist

El cine ha puesto tantas veces en peligro, convertido en inhabitable o aniquilado nuestro planeta que me empiezo a plantear si no es un milagro que la Tierra aún esté plenamente operativa. Este próximo verano serán varios los blockbusters que jueguen con esa premisa, pero tengo bastante claro que el que espero con más ganas es ‘Elysium‘ (id, 2013), la nueva película de Neill Blomkamp de la que ahora podemos ver su espectacular último tráiler y su cartel final.

Siempre agradeceré que una gran superproducción apueste por una historia original —aunque con muchos referentes— como la de ‘Elysium’, pero no les quedaba otra tras el notable éxito alcanzado por Blomkamp con ‘District 9‘ (id, 2009), su primer largometraje. En ‘Elysium’ nos llevará al año 2154, donde la mayoría de la humanidad vive hacinada en la inmundicia en nuestro planeta mientras los más poderosos disfrutan de toda clase de lujos en una estación espacial y sólo un hombre tendrá el suficiente valor —y necesidad— para intentar conseguir que eso cambie.

Tengo que reconocer que el primer avance no me volvió todo lo loco que esperaba, pero eso ha cambiado con el extenso tráiler que acabamos de ver. Otro de los puntos a favor de ‘Elysium’ es su llamativo reparto, en el cual encontramos, entre otros, a Matt Damon, Jodie Foster, Sharlto Copley —actor fetiche de Blomkamp—, William Fichtner, Wagner Moura, Diego Luna y Alice Braga. ‘Elysium’ se estrenará en España el próximo 16 de agosto, justo una semana después de su llegada a los cines de Estados Unidos.

Vía | Joblo

La multimillonaria franquicia Harry Potter llegó a su final el pasado 2011, siendo entonces el momento en el que su trío protagonista tenía que demostrar si podían desarrollar una carrera cinematográfica más allá de las aventuras del famoso mago creado por J.K. Rowling. Siempre se creyó que Emma Watson era la que tenía más posibilidades de lograrlo, y eso es lo que ha acabado pasando, ya que ella es la que ha conseguido mejores papeles, habiéndose confirmado hoy mismo que va a encabezar el reparto de ‘Queen of the Tearling‘.

Lo más curioso del asunto es que ‘Queen of the Tearling’ será el salto a la gran pantalla de una trilogía literaria cuya primera entrega ni siquiera se ha publicado aún. Creada por Erika Johansen, la autora ha reconocido públicamente que fue un discurso dado por Barack Obama en el pasado 2007 lo que la motivó para crear la que ya ha sido definida como la versión femenina de ‘Juego de Tronos’. Una afirmación un tanto fuera de lugar, ya que hay muchos personajes femeninos en la obra de George R.R. Martin, pero bueno, se comprende que quieran aprovechar su tirón.

‘Queen of the Tearling’ nos contará las aventuras de una joven de 19 años en un mundo en el que todo cambió tras producirse un cataclismo medioambiental hace tres siglos. Una malvada reina roja controla la situación con mano de hierro. La trilogía literaria se publicará el año que viene, mientras que su adaptación cinematográfica aún carece de director o guionista.

Vía | Variety

Danny Boyle es un director tremendamente ecléctico. A lo largo de su carrera ha ido saltando entre diferentes géneros con gran facilidad, pero también con unos resultados un tanto desiguales. Es un caso que me recuerda al de otros realizadores como Michael Winterbottom o Steven Soderbergh, con los que su cine no comparte prácticamente nada, pero sí que todos ellos han sabido ir moviéndose entre proyectos populares y otros más personales sin renunciar a abordar los temas o historias que apeteciera contar.

En el caso de Boyle podríamos hablar de tres picos en su carrera, ‘Trainspotting’ (id, 1996) —la película que le lanzó a la fama—, ’28 días después’ (’28 Days Later’, 2002) —un notable éxito comercial que multiplicó por diez su presupuesto durante su exhibición comercial en salas— y ‘Slumdog Millonaire’ (id, 2008) —el mayor triunfo económico de su carrera y encima se llevó ocho Oscars para casa, incluyendo uno para Boyle como mejor director—. Ya entre esos tres títulos hay unas diferencias abismales, algo que se acrecienta aún más si echamos un ojo al resto de su filmografía, por lo que no resulta especialmente sorprendente que ahora nos proponga un nuevo giro a su carrera con ‘Trance’ (id, 2013), una cinta tan ambiciosa como irregular.

Lo que empieza pareciendo la enésima —aunque atractiva— historia del atraco perfecto pronto se convierte en una exploración de los mecanismos de la mente humana para percibir la realidad y las formas en las que estos pueden engañados. Puede sonar complejo a priori, pero la premisa no podría ser más sencilla: Unos ladrones han sustraído un valiosísimo cuadro de una casa de subastas, pero todo se complica cuando el hombre de dentro altera el plan y por cosas del destino, luego sufre un grave episodio de amnesia, por lo que sus compañeros aceptan contratar a una psicóloga para sacarle la información al pobre desgraciado mediante la hipnosis.

Es aquí donde el espectador ha de dar el primer salto de fe, ya que ha de aceptar que cualquier cosa puede pasar a través de las sesiones de hipnosis, y eso sin que Boyle sienta en ningún momento la obligatoriedad de dejar siempre claro al espectador que lo que está viendo puede ser algo que únicamente está sucediendo en la mente del protagonista —un esforzado James McAvoy que va de más a menos—. Esto es algo que va complicándose a medida que avanza la historia, traduciéndose en un galimatías que a ratos lo único que consigue es provocar la desconexión del espectador de lo que sucede en pantalla. Hay pequeños detalles que van aclarándolo todo —esa sobrecarga gore salida de la nada— para el que pudiera tener alguna duda, pero al final deja la sensación de ser más trampas para complicar innecesariamente el relato que algo que aporte un mayor interés a ‘Trance’.

Boyle demuestra en ‘Trance’ que otro de sus objetivos es subvertir hasta cierto punto varios de los aspectos más comunes del cine negro, en especial los referidos a la singular femme fatale interpretada por una Rosario Dawson a caballo entre ser una mortífera mujer que domina a los hombres a su antojo y una improbable damisela en apuros. También se juega constantemente con el antagonismo entre los dos personajes —muy convincente Vincent Cassel pese a que su personaje casi siempre da la sensación de estar algo perdido respecto a lo que está sucediendo— que aspiran a ganar su corazón, no faltando tampoco los giros de tuerca para que todo sea más complicado de lo que parece a simple vista.

El director de la reivindicable ‘Millones’ (‘Millions’, 2004) se aprovecha de esto para desplegar todos los trucos a su disposición para fascinar al espectador, pero el resultado está muy por debajo de los esfuerzos de Boyle. El guión de Joe Ahearne y John Hodge —que ya había colaborado con Boyle en sus cuatro primeros largometrajes— es un cóctel bastante peligroso y llamativo que el realizador no quiere abordar de una forma tradicional, sino elevando sus claras limitaciones de serie b a través de su virtuosismo formal. Esto, como ya he comentado, complica el relato sin necesidad, ya que lo juguetón que se muestra Boyle a la hora de oponer realidad y ficción para indagar en el subconsciente de McAvoy ha de atraparte por completo o, como fue mi caso, acabarás muy cansado de su forma de abordar la historia.

Además, todo parece confiarse al gran giro de guión final, donde uno puede llegar tan aturdido ante todo lo que ha ido sucediéndose durante la media hora anterior que el impacto de esa gran revelación acaba pareciendo poco más que una muy elaborada trampa narrativa que coquetea peligrosamente con lo intolerable. Llegan entonces más excesos, aunque ahora motivados por las acciones de los protagonistas y no por la puesta en escena de Boyle, que aquí se relaja y deja que la contundencia de los hechos hable por sí misma. El problema es que para entonces ya hemos desconectado de los problemas personales de los protagonistas, dándonos ya un poco igual su destino final. Lástima.

Siempre agradeceré que haya directores que muestren tanta ambición como la demostrada por Danny Boyle en ‘Trance’, pero eso no ha de cegarnos a la hora de dirimir sus auténticos méritos. Y es que tras un efectivo arranque que no tiene problemas para enganchar el interés del espectador, ‘Trance’ va oscilando entre lo sugerente y lo —casi— irritante con tal facilidad que resulta complicado dar una valoración de ella como un todo y no como la suma de unas partes tremendamente desiguales entre sí. Al final, una apuesta más “sobre seguro” como la de ‘Un invierno en la playa‘ (‘Stuck in Love’, Josh Boone, 2012) acaba siendo mucho más satisfactoria, porque cuando arriesgas también puedes acabar perdiendo.

Al hablaros sobre ‘Un amigo para Frank’ (‘Robot & Frank’, Jake Schreier, 2012) os comentaba mis impresiones sobre los crowd pleasers, esas películas encaminadas a gustar a la mayor cantidad de público posible. Se da la curiosidad de que suelen películas con presupuestos moderados o incluso bajos y que nunca gozan de una distribución que pueda rivalizar con la de cualquier blockbuster, pero cada año aparecen varias que consiguen convertirse en un éxito dentro de sus limitadas aspiraciones comerciales. Una de las claves para ello es lograr que el espectador acabe sintiéndose mejor consigo mismo y la vida en general que cuando había empezado a ver la película en cuestión.

La comedia romántica es uno de los subgéneros que mejor se prestan a convertirse en crowd pleasers, ya que sólo suele ser necesario un aire indie y un guión repleto de diálogos aparentemente trascendentales normalmente elevados por el trabajo de los actores. Pudiera parecer que es algo que me molesta, pero lo cierto es que no, ya que a veces sirve para darnos pequeñas e inesperadas alegrías como ‘Un invierno en la playa’ (‘Stuck in Love’, 2012), la ópera prima de Josh Boone que llega mañana a los cines de toda España, tres semanas antes de que tenga lugar su estreno oficial en Estados Unidos.

La cara amable del amor

No es inhabitual que una película cambie casi a última hora de título, habiendo a veces diferencias tan abismales como las que pueden darse en sus nombres españoles. Es así como ‘Writers’ acabó convirtiéndose en ‘Stuck in Love’ en Estados Unidos, aunque aún más llamativa es su conversión en ‘Un invierno en la playa’ en nuestro país. El primero alude a la profesión de varios de los protagonistas, el segundo a su situación sentimental y el que nos ha llegado aquí sigue la línea de ‘Stuck in Love’ pero de una forma más poética y centrándose en exclusiva en el personaje interpretado con notable soltura por Greg Kinnear —la imagen que encabeza este párrafo aclara cualquier duda al respecto—. Son pequeñas variaciones que también caracterizan al tratamiento que la propia película hace de un tema tan complejo como es el amor.

El propio Josh Boone escribe también el guión de ‘Un invierno en la playa’, siendo innegable que quiere trazar una línea inequívoca entre la situación sentimental de tres de sus protagonistas y sus habilidades como escritores: El marido abandonado por su esposa que ha sido incapaz de empezar relato alguno desde lo sucedido —prometió esperarla y parece ser lo único capaz de hacer—, la hija cínica y un tanto promiscua que recurre a esas mismas armas en lo que va a ser su primer libro publicado —deja bien claro a los chicos que sólo quiere follárselos y luego si te he visto no me acuerdo— y el adolescente inexperto con una imaginación desbordante pero dudas sobre la conveniencia de dar a conocer su obra —algo ya patente en la escena en la que ha de leer un poema en clase, diciendo sentir humillado por tener que hacerlo—.

Los altibajos de sus relaciones no dejan de estar estudiados al dedillo —hasta la situación más dramática, que se ve venir a la legua que va a acabar sucediendo tarde o temprano y Boone quizá es demasiado evidente en darnos pistas al respecto— para conseguir extraer de sus personajes la misma conclusión: El amor puede doler, pero al final no existe nada que merezca tanto la pena. Boone opta por subrayar este hecho a través del uso de temas musicales que sirvan para reforzar su tesis, siendo su mayor acierto una escena en la que incurre en ello mientras paralelamente nos muestra la evolución de la cita de uno de los protagonistas y la decisión que acaba tomando. Por lo demás, se echa hacia atrás y deja que sean los actores quienes hagan mejor de lo que es a su libreto.

Una plácida y reconfortante superficialidad

Son incontables las películas que han centrado su discurso en el amor, pero son muy pocas las que realmente ha conseguido trascender las limitaciones del medio cinematográfico para realmente ofrecernos algo que realmente las singularice. ‘Un invierno en la playa’ juega con la idea de dar más de lo que realmente ofrece, pero lo hace sin resultar pretenciosa u ofensiva a la inteligencia. En líneas generales se manipula con talento las emociones del espectador, sólo traspasando lo permisible en el tramo final, donde el típico aluvión de optimismo hace acto de presencia para dejarnos con buen cuerpo. Y la cuestión es que lo consigue, tanto en la secuencia final como en ese pegote narrativo que es la llamada telefónica que recibe uno de los protagonistas.

Una de sus grandes bazas es la cercanía y credibilidad que transmite su reparto, donde no hay un personaje que destaque sobremanera sobre el resto como sí sucedía en ‘Las sesiones’ (‘The Sessions’, Ben Lewin, 2012), otra cinta al que la etiqueta de crowd pleaser le viene como anillo al dedo. Y es que ‘Un invierno en la playa’ es un esfuerzo coral en el que todos los intérpretes con un personaje con cierto peso brillan en su papel, quizá con la excepción de Liana Liberato porque el suyo está un tanto desdibujado, algo que también le pasa al de Kristen Bell, pero la protagonista de ‘Veronica Mars’ (2004-2007) consigue superar esas limitaciones y estar a la altura del resto del reparto.

Resulta agradable ver que a la bella Jennifer Connelly no le ha caducado el talento —algo que empezaba a temer—, observar la naturalidad y frescura de Lily Collins en un personaje más completo de lo aparente a simple vista, que Logan Lerman tiene mucho más que dar de sí de lo que había demostrado hasta ahora —y no, no me olvido de ‘Las ventajas de ser un marginado’ (‘The Perks of Being a Wallflower’, Stephen Chbosky, 2012), un crowd pleaser un tanto sobrevalorado— y que el desconocido Nat Wolff consigue sostener el personaje más peligroso a la hora de la aparición de posibles fisuras en el relato. Además, todos irradian encanto, algo clave para conseguir la empatía del espectador, incluso cuando éste es consciente de los mecanismos que se están usando para forzar ésta hasta cierto punto.

‘Un invierno en la playa’ es una buena comedia romántica y un crowd pleaser aún mejor, algo en lo que resulta básico el buen hacer de su reparto. No pasará a la historia —y tampoco debería hacerlo—, pero sí que permitirá pasar un rato agradable a todos los amantes de este tipo de historias y quizá también a los que no lo sean.