Si hace tan sólo cuatro días despedíamos consternados a Alfredo Landa, hoy domingo 12 de mayo nos hemos levantado con otra defunción que se siente tan cercana como la de un familiar querido: Constantino Romero ha fallecido a los 65 años de edad por causas que todavía no han trascendido, cinco meses exactos después de que anunciara su jubilación.

Se nos va el presentador que durante cinco años iluminó a los telespectadores con su simpatía y eterna sonrisa en aquél mítico concurso que siempre será ‘El tiempo es oro‘. Se nos va un actor que en el teatro nos dejó atónitos con su magna encarnación del diabólico barbero Sweeney Todd. Pero, sobre todo, se nos va la que, junto a Ramón Langa o Jordi Brau, ha sido la voz masculina más reconocible del doblaje español en los últimos treinta años.

Nos ha dejado el rey Mufasa, el cruel juez Frollo, cierto replicante llamado Roy Batty, el almirante Kirk, James Bond, y el Arnold Schwarzenegger que nos advertía aquello de “volveré”. Se nos ha ido Darth Vader. Pero, quizás más importante que todos esos juntos, nos hemos quedado sin la voz de Clint Eastwood, algo que todos los cinéfilos en general, y seguro que mi compañero Alberto en particular, sentiremos profundamente cada vez que el bueno de Clint vuelva a la gran pantalla sin la ronca, profunda y grandiosa voz de Constantino Romero.

Descanse en paz.

Saber mirar es saber amar, lo decía una amiga mía.

(Alfredo Landa en ‘Canción de cuna’)

Alfredo Landa ha fallecido a los 80 años de edad. Su muerte ha sido un impacto para todo aquel que aprecie un mínimo el cine en general y el arte de la interpretación en particular.

Pronunciar su nombre en mi caso significa volver a un época de mi infancia en la que me formé como cinéfilo, o eso intentaba, viendo películas del denominado landismo —un serie de films cómicos realizados en los años 60 y 70, protagonizados por el famoso actor y que algunos fueron estruendosos éxitos, como por ejemplo ‘Cateto a babor’ (Ramón Fernádez, 1970), o ‘Sólo ante el streaking’ (Jose Luis Sáenz de Heredia, 1975)—, y descubriendo más tarde que ese actor de nombre fácilmente recordable era algo más que un cómico intentando hacer reír a la gente. Que se podía poner todo lo payaso que quisiera, pero también marcarse papeles dramáticos de envergadura y dejar a todo el mundo con la boca abierta y con lágrimas en los ojos.

Hoy todo el mundo habla de ‘Los santos inocentes’ (Mario Camus, 1984) o de ‘El bosque animado’ (Jose Luis Cuerda, 1987), películas importantes dentro de nuestra cinematografía. Me vais a permitir recordar a Landa en otros papeles en los que yo le prefiero. A las órdenes de Jose Luís Garci trabajó varias veces, pero su personaje en las dos entregas de ‘El crack’, homenajeando a los grandes detectives del cine negro estadounidense, no tiene precio. Y su papel de padre enfrentado a su hijo en la emotiva ‘La próxima estación’ (Antonio Mercero, 1982) es algo que a mí me tocó la fibra sensible en su momento. Vi la película hace muchos años y tengo muy presente a Landa apoyado en la ventana al final del film mientras llora la partida de su hijo.

Decir que Alfredo Landa era un grande creo que es decir poco. Una de esas estrellas —si de algo no tengo duda es de que este actor brilló como pocos— a las que no me hubiera importado conocer en persona, por mucho carácter que tuviera —las personas sin carácter no suelen ser interesantes—, porque para mí era alguien que me acompañó a lo largo de los años. Ese rostro amable y tierno, su sentido del humor, y sobre todo esa mirada, que en silencio era capaz de expresar más que el más contundente de los diálogos, caracterizaban a un profesional como la copa de un pino. El ser humano nos ha dejado, pero Alfredo Landa actor seguirá vivo en el recuerdo de muchos.

Hasta siempre Alfredo.

Vía | ABC

Cuando me hacen esa tópica pregunta de cuál es mi actor favorito siempre hago una lista de un determinado número de actores que evidentemente se queda corta, porque responder a dicha pregunta al menos para mí es algo muy difícil teniendo en cuenta la cantidad de grandes intérpretes que ha dado el séptimo arte. Sin embargo, tengo muy claro que el nombre de Paul Newman lo citaré siempre y si un día bebo lo suificiente soy capaz de proclamarlo el mejor actor de todos los tiempos —también uno de los más cachondos—. Es por ello que en un ataque de nostalgia recordando aquellos maravillosos ciclos que emitía la 1 de tve —que salvo excepciones no eran del todo completos, pero lo que se aprendía—, anunciamos hoy un especial dedicado a Paul Newman.

En el mismo repasaremos todas sus apariciones cinematográficas desde ‘El cáliz de plata’ (‘The Silver Chalice’, Victor Shaville, 1954) hasta ‘Camino a la perdición’ (‘Road to Perdition’, Sam Mendes, 2002). También nos pararemos en sus incursiones tras las cámaras, en las que se desvela como un director de lo más personal e íntimo.

Pronto nos perderemos entre rings, salas de billar, tejados al rojo vivo, intrigas criminales y gigantescos edificios ardiendo. Newman cual camaleón dirigido por una buena retahila de grandes directores y encabezando algunos repartos espectaculares ¿Nos vais a acompañar?

¡Semana negrísima! Esta mañana conocíamos la noticia de la desaparición de la actriz Sara Montiel a los 85 años de edad por causas naturales. Con ella se ha ido uno de los grandes mitos del cine español de la décadas de los 50 y 60, gracias a títulos como ‘El últimpo cuplé’ de Juan de Orduña(id, 1957)o ‘La violetera’ de Luis César Amadori (id, 1958) y por haber puesto voz y alma a canciones tan arraigadas en la cultura española como ‘Bésame mucho’ o ‘Fumando espero’, a las que solo ella y su alma de diva podían dotar de esa exuberante sensualidad que la convirtió en mito.

‘Saritísima’ –que fue como la apodó Terenci Moix– fue una de las pioneras a la conquista de Hollywood donde tuvo contratos con Warner Bros y United Artists y trabajó en títulos como ‘Veracruz’ de Robert Aldrich (‘Vera Cruz’, id. 1954), donde trabajó junto a Gary Cooper y y Burt Lancaster o ‘Yuma’ de Samuel Fuller, junto a Charles Bronson. Además, su trabajo en Hollywood le valió su primer marido, el director de cine norteamericano Anthony Mann.

Más de 50 películas abalan la carrera de esta actriz, que a pesar de no haber sido nunca buena actriz, consiguió convertirse en toda una gran diva del cine español. En los últimos años, Sara Montiel acaparaba portadas en las revistas del corazón gracias a su ajetreada vida amorosa.

Vía | El País

Semana díficil para el cine español. Hace un par de días conocíamos la triste noticia de la muerte de Jesús Franco, el padre del cine de serie b en España, ayer conocíamos el fallecimiento de Mariví Bilbao, una de las actrices más carismáticas de nuestra industria, que nos dejaba a los 83 años de edad en su ciudad natal, Bilbao.

Nacida en 1930, Mariví Bilbao comenzó muy pronto su carrera en la interpretación, aunque su popularidad no le llegaría hasta no cumplir los 70 años, gracias a la serie de televisión ‘Aquí no hay quien viva’ de Antena 3. No por ello podemos decir que su carrera empezara entonces, porque antes de aterrizar en los platos de televisión, la actriz vasca ya era un rostro habitual tanto en las tablas de los teatros, como en la pequeña pantalla y en el cine hecho en Euskadi. Su debut en el cine fue en cortometrajes en los años 60 como ‘La interrogación’ de F. Bardají y ‘Playa insólita’ de Javier Aguirre o ‘Agur Txomin’ de Juanma Ortuoste y Javier Rebollo en 1979, realizador con el que volvería a trabajar en numerosas ocasiones, al igual que con el director Daniel Calparsoro.

Tras su primera aparición en la ‘Aquí no hay quien viva’ en el año 2003, la carrera de la actriz, recién cumplidos los 70 empezó a despuntar haciéndose popular y siendo requerida por cineastas españoles para trabajar y llegando a convertirse en una de las musas del cortometraje español y en una secundaria de lujo en los largometrajes. Así, accedía a trabajar con un joven realizador llamado Borja Cobeaga en 2001 en ‘La primera vez’, un divertido corto en el que una anciana decide llamar a un gigoló para perder su virginidad. A penas 4 años después, Cobeaga le ofrecería un papel en el cortometraje ‘Éramos pocos’, con el que tendría la oportunidad de pisar la alfombra roja de los Oscar al estar nominado como Mejor Cortometraje por la Academia de Cine americana.
Otros de sus trabajos memorables en cortometrajes fueron en ‘Alumbramiento’ de Eduardo Chapero-Jackson (2007), que ganó el León del Oro al Mejor Corto Europeo en la Mostra de Venecia o ‘Lala’ de Esteban Crespo (2009).

En cine, también se labró una larga carrera como secundaria de lujo, siendo habitual en la filmografía de Daniel Calparsoro en títulos como ‘Salto al vacío’ en 1995 o ‘A ciegas’ en 1997 o en títulos tan relevantes como ‘Malena no es un nombre de tango’ de Gerardo Herrero (id, 1996), ‘Aunque tú no lo sepas’ de Juan Vicente Córdoba (id, 2000), ‘La Comunidad’ de Álex de la Iglesia, ‘Carmen’ de Vicente Aranda (id, 2003) o las más recientes ‘No Controles’ de Borja Cobeaga (id, 2010) y su último trabajo en cine: ‘Maktub’ de Paco Arango(2011).

No fue hasta 2012, hasta que la actriz decidió retirarse tras casi 10 años trabajando en televisión, primero en ‘Aquí no hay quien viva’ y después en ‘La que se avecina’, con el mismo equipo, aunque en esta ocasión emitida por Telecinco.
Una triste y significativa pérdida para esta fumadora insacible. ¡Te echaremos de menos Mariví!
Aquí nuestro pequeño homenaje a Mariví Bilbao:

Sancho fue tantas veces España. Fue marido tempestuoso de una cantaora. Fue villano de un culebrón (o de varios). Fue secundario de algunos vehículos para estrellas de la canción. Fue actor recién descubierto en las tablas cuando llevaba veinte años. Fue debutante sin parecerlo. Fue tantas veces un espíritu que va hacia adelante y no para.

Resulta difícil en una filmografía y un cuerpo de trabajo tan vasto no ser injusto por no haber sido completista. Pongamos dos Almodovares: ‘Carne Trémula’ (id, 1997) y ‘Hable con ella’ (id, 2002) donde daba al manchego ese toque de calidad y experiencia que le gusta sacar de los actores ya envejecidos. Y aún siendo breve en la segunda, su aparición es magnífica, dando un gran empaque a la pantalla.

Pongamos un Berlanga, pongamos dos. Magnífico está llevando el ritmo de la comedia enloquecida y profundamente visionaria ‘Todos a la cárcel’ (id, 1993) en la que sigue ese ritmo de enredos y sobornos con la energía que requería esa cámara que siempre se mueve. O su obra última, incomprendida a día de hoy ‘Paris Tombuctú’ (id, 1999) donde participa de la despedida de un cineasta inmenso.

Pero ¿cuál fue el papel por el que Sancho será recordado por muchos? Está claro que el Don Pablo de ‘Cuéntame como pasó’ (2001-2008) es familiar a muchos telespectadores españoles, al llevar a Don Antonio Alcántara (Imanol Arias) de cabeza y resignado por caminos no demasiados hermosos de la ley. Pero ese Don Pablo no es más que un bosquejo de sus talentos, un registro repetido de lo que han sido sus mejores momentos interpretativos.

Porque Sancho fue en el teatro un Enrique IV, pero este es un reino en el que no caben las decadencias gloriosas que imaginó con el verso blanco de Shakespeare. Este país es un esperpento. Este país es el chanchullo, aquí no hay un reino por un caballo, aquí hay un cuñado. Por eso, Jorge Sánchez Cabezudo agarró al mejor Sancho y lo colocó en el centro de su adaptación de Rafael Chirbes, ‘Crematorio’ (2010).

Si no se había bastado siendo el todoterreno subestimado, la presencia televisiva familiar o el secundario incansable, Sancho terminó para ser toda España: el político de verdad poderoso, que es una manera que tenemos de decir el hombre en la sombra. Un monarca que toma decisiones por los demás, un buen hombre de família, un padrazo, que señala y corrompe y participa de una estructura que se lo facilita. Le bastan llamaditas y canitas al aire: es así como Sancho nos dejó una interpretación con la que entender cualquiera de esos rostros que infestan esa Valencia que lo vio nacer – en Manises – y morir, cualquiera de estos momentos infames.

Porque Sancho no se cansó y ahora se ha ido y no vamos a olvidar su legado.

El lector, siempre avispado, siempre a la defensiva, al acecho, nos recuerda que nos olvidamos de Charles Durning, que a la edad de 89 años falleció en su hogar de New York la pasada nochebuena debido a causas naturales.

Durning fue un eterno secundario que trabajó en muchísimas películas y series de televisión. Uno de esos rostros amables y conocidos de los que la gente jamás aprende su nombre, y que empezó en esto de la interpretación en los años 50, dedicándose a la televisión y el cine, donde obtuvo papeles muy pequeños. Poco a poco, y en películas como ‘Yo vigilo el camino’ (‘I Walk the Line’, John Frankenheimer, 1970) empezó a hacerse notar y en 1973 realizó su primer papel importante en ‘El golpe’ (‘The Sting’, George Roy Hill) al lado de Paul Newman y Robert Redford. Dos años más tarde participa en una de las películas más famosas de Sidney Lumet, ‘Tarde de perros’ (‘Dog Day Afternoon’) al lado de Al Pacino.

Nueve años más tarde interviene en un muy recordado papel en la divertida ‘Tootsie’ (id, 1982), una de las mejores películas de Sydney Pollack, y en esa época Durning es nominado en dos ocasiones al mejor actor de reparto, en concreto por dos films tan olvidables como ‘Soy o no soy’ (‘To Be or Not to Be’, Alan Johnson, 1983), plomizo remake de una de las obras maestras de Ernst Lubitsch, y ‘La casa más divertida de Texas’ (‘The Best Little Whorehouse in Texas’, Colin Higgins, 1982), producto al servicio de Burt Reynolds y Dolly Parton.

Trabajó hasta el final de sus días, siendo ‘Scavengers Killers’ (Dylan Blank, 2013), aún en fase de rodaje, su última interpretación. Hasta siempre, Charles.

Vía | ABC

Herbert Lom falleció ayer en Londres a los 95 años de edad según ha informado su familia. A pesar de haber intervenido en más de cien películas, Lom siempre será recordado por su personaje de Inspector Jefe Dreyfus en la serie de películas de La pantera rosa a cargo de Blake Edwards.

El actor, nacido en Praga en 1917, inició su carrera en los años 30, siempre de secundario y uno de los primeros títulos importantes en los que intervino fue la impresionante ‘Noche en la ciudad’ (‘Night and the City’, Jules Dassin, 1950), u nrelato amargo sobre los perdedores protagonizado por Richard Widmark, a la que siguieron la comedia negra ‘El quinteto de la muerte’ (‘The Ladykillers’, Alexander Mackenrdrick, 1955), ‘Espartaco’ (‘Sparatacus’, Stanley Kubrick, 1960), ‘El Cid’ (id, Anthony Mann, 1961) o ‘El fantasma de la ópera’ (‘The Pahnatom of the Opera’, Terenc Fisher, 1962), hasta que en 1964 se filma la secuela de ‘La pantera rosa’, ‘El nuevo caso del Inspector Clouseau’ (‘A Shot in the Dark’, Blake Edwards, 1964) en la que aparece pro primera vez el personaje de Dreyfus, al que Clouseau saca completamente de quicio.

Dicho personaje apareció en el resto de las películas de la serie, incluidas las dos filmadas tras la muerte de Peter Sellers, apareciendo por última vez en la horrorosa ‘El hijo del Inspector Cluseau’ (‘Son of the Pink Panther’, Blake Edawrds, 1993). Al margen de dicho personaje Lom interpretó infinidad de papeles en otras películas, tal es el caso de ‘El conde Drácula’ (‘Nachts, wenn Dracula erwacht’, Jesús Franco, 1970), ‘Refugico macabro’ (‘Asylum’, Roy Ward Baker, 1972), ‘Diez negritos’ (‘Ein Unbekannter rechnet ab’, peter Collinson, 1974) o ‘La zona muerta’ (‘The Dead Zone, David Cronenberg, 1983).

Ahora Lom estará bromeando con Sellers en algún lugar de nuestra memoria. Hasta siempre Herbert.

Vía | IMDb

El actor, natural de Chicago, Michael Clarke Duncan ha fallecido ayer tras un tratamiento de dos meses debido a un fallo cardíaco, tal y como comunicó a los medios su prometida Omarosa Manigault-Stallworth. Clarke Duncan tenía 54 años.

El actor, que empezó su carrera en series de televisión, se hizo famoso al encarnar uno de los carismáticos personajes en uno de los salvables films de Michael Bay, ‘Armageddon’ (id, 1998), para un año más tarde ganarse el corazón del espectador por su entrañable composición en ‘La milla verde’ (‘The Green Mile’, Frank Darabont, 1999), basada en la famosa novela de Stephen King, y por la que consiguió una merecida nominación al Oscar al mejor actor de reparto.

A partir de este último film, su poderosa presencia se hizo más presente en cierto tipo de films, tales como en la pasable ‘Falsas apariencias’ (‘The Whole Nine Yards’, Jonathan Lynn, 2000), escondido tras un brillante maquillaje en ‘El planeta de los simios’ (‘The Planet of the Apes’, Tim Burton, 2000), al lado de The Rock en ‘El rey escorpión’ (‘The Scorpion King’, Chuck Russell, 2002) o dando vida a Kingpin en ‘Daredevil’ (id, Mark Steven Johnson, 2003).

Una de sus últimas apariciones fue en la adaptación del cómic ‘Green Lantern (Linterna verde)’ de Michel GondryMartin Campbell, y nos resta por verle en las aún inéditas ‘In the Hive’ (Robert Townsed, 2012) y ‘The Challenger’ (Kent Moran, 2012), en las que es protagonista absoluto.

Para nosotros siempre será John Coffey.

Vía | La vanguardia

Alguna vez he llegado a decir que no me gustan los musicales, con la excepción de ‘Cantando bajo la lluvia’ (‘Singin’ in the Rain’, 1952). Esta simplificación es tan generalista que llega a ser falsa –pues hay otras cintas del género que me gustan–, pero lo que se desprende de ella es que la de Stanley Donen es mucho más que un musical, ya que no cuenta solo con unos números divertidísimos que han hecho historia, sino también con una poderosa trama de amor y reivindicación del talento, que a su vez refleja una importantísima etapa de la creación cinematográfica.

Gene Kelly, que hoy, 23 de agosto, cumpliría cien años, figura como co-director de ‘Cantando bajo la lluvia’ pues, además de ser su protagonista, un bailarín genial y un actor de inmenso carisma, era un coreógrafo y compositor imaginativo, impulsor de lo mejor con lo que cuentan sus películas. Guionista de dos títulos y productor de siete, Eugene Curran Kelly (Pittsburgh, 23 de agosto de 1912-Beverly Hills, 2 de febrero de 1996), supuso un revulsivo para el musical, aportando mucho más que un par de pies ágiles.

Su mirada penetrante, sonrisa cercana y agraciados rasgos lo convertían en el galán ideal, que el año pasado fue emulado por Jean Dujardin en ‘The Artist’ (Michel Hazanavicius, 2011) en un film cuyo argumento se asemejaba al que mencionaba al título que más fama le ha proporcionado. Su baile atlético y enérgico y sus innovaciones transformaron el ballet para la pantalla, convirtiéndolo en un deleite para cualquier público.

Kelly llegó al cine desde Broadway, donde protagonizaba el musical ‘Pal Joey’ (1940). David O. Selznick veía en él la posibilidad de convertirlo en un actor dramático, idea que a Kelly no le entusiasmaba. Debutó junto a Judy Garland en ‘Por mi chica y por mí’ (‘For Me and My Gal’, 1942)a las órdenes de Busby Berkeley, con la idea de regresar inmediatamente a los escenarios. Pero el éxito le hizo mantenerse en Hollywood. Stanley Donen era un bailarín del coro de ‘Pal Joey’ en el que Kelly había visto cualidades técnicas y le ofreció colaborar con él.

El intérprete coreografiaba todos sus números, así como los del grupo de bailarines que lo acompañaban, siempre con la ayuda de Jeanne Coyne, Stanley Donen, Carol Haney y Alex Romero. Si bien en sus inicios la base era el claqué, pronto comenzó a incorporar movimientos de ballet clásico y de la danza contemporánea y popular, que enriquecían su estilo, que él mismo calificó de “híbrido”. Su intención era que la danza expresase alegría, ya que para él suponía la forma de expresión más satisfactoria.

Tras volver de la guerra, donde realizó algunos documentales, regresó con otro éxito, ‘Levando anclas’ (‘Anchors Aweigh’, George Sidney, 1945), donde aparecía junto a Frank Sinatra y se echaba un baile con el ratón animado Jerry en una escena que me fascinaba durante mi infancia. Esta película le supuso una nominación al Oscar al Mejor Intérprete Masculino.

‘Un americano en París’ (‘An american in Paris’, Vincente Minnelli, 1951) podría considerarse como su segunda intervención más célebre. ‘Brigadoon’ (Vincente Minnelli, 1954), sin embargo, sufrió un recorte de presupuesto, ya que el musical estaba viviendo una mala racha en Hollywood.

Durante los años 60 dirigió a Walter Matthau en un par de títulos, uno de ellos, ‘Hello, Dolly!’ (1969), en el que la actriz protagonista era Barbra Streisand. James Stewart y Henry Fonda fueron otros de los intérpretes que actuaron para él, así como su compañero Fred Astaire en ‘Hollywood, Hollywood’ (‘That’s Entertainment, Part II’, 1976). La tercera parte de esta serie supuso su última aparición en pantalla.

En 1952, Kelly obtuvo un Oscar Honorífico por los logros de su Carrera. El mismo tipo de galardón le fue concedido por el Kennedy Center Honors, el Screen Actors Guild y el American Film Institute. En 1999, el American Film Institute lo situó en el nº 15 de una lista de los mejores actors de la historia.

Gene Kelly nos ha hecho disfrutar como niños –desde que éramos niños– con sus asombrosos y juguetones números de baile y su inagotable y sincera sonrisa. Siempre te recordaremos, Gene.