Todo lo bueno se acaba, y yo cada vez tengo más claro que viviría en un constante festival de cine, yendo de un lado a otro sin parar y sobre todo, viendo muchas, muchas películas. Termina la 66ª edición del Festival de Cine de Cannes, y con el, mi primera experiencia en el mayor festival del mundo. Y no podía acabar sin contaros a quién ha decidido premiar el señor Steven Spielberg –Presidente del Jurado de esta edición– y su séquito.

En esta 66ª edición de Cannes, ha habido de todo. Abucheos, alabanzas, películas que ‘ni fu, ni fa’ y claro, también hubo favoritas. Y es que desde el primer pase de prensa, todo el mundo tenía claro que ‘La vie d’Adèle’ de Abdellatif Kechiche daría mucho que hablar, y así ha sido: se ha alzado con la Palma de Oro, mientras que ‘Inside Llewyn Davis’ de los Coen y ‘Like father, like son’ de Hirkazu Kore-eda conseguían el Gran Premio del Jurado y el Premio del Jurado respectivamente. Y a continuación,la lista completa.

Palmarés del Festival de Cannes 2013

Sección ‘Una cierta mirada’:

Vía | Festival de Cannes
Foto | © AFP / L. VENANCE para Festival de Cannes

En 2011, Nicolas Winding Refn entraba en el Olímpo de los dioses del cine internacional tras el estreno de ‘Drive’ en el Festival de Cine de Cannes, donde recibió el premio a la Mejor Dirección. Su dominio del lenguaje cinematográfico más puro y su elegante estilo a la hora de rodar escenas de acción y violencia, consiguieron que la película tuviera una larga vida en cines de todo el mundo y recibiera el respaldo de público y crítica casi unánimamente –yo me excluyo, la historia de aquel conductor sin nombre no me conmovió en absoluto–. Ahora, vuelve a la Sección Oficial del Festival de Cannes con ‘Only God Forgives’, un proyecto mucho más ambicioso y en el que repite con Ryan Gosling como protagonista. La película ha sido una de las grandes decepciones del festival y no nos extraña.

Era normal que hubieran muchas expectativas puestas en la nueva cinta de Winding Refn, que no ha dejado de ‘abrirnos el apetito’ con suculentas imágenes, tráilers y pósters, pero lo cierto es que ‘Only God Forgives’ no cumple con las expectativas y esta historia de venganza y violencia ambientada en Tailandia vale únicamente la pena por su apabullante propuesta visual.

Mucha violencia y pocas nueces

En ‘Only God Forgives’ nos trasladamos a Tailandia donde un joven sin escrúpulos viola y asesina a una prostituta de 16 años, pero un policía sin moral se encarga de devolverle la jugada degollándole con su katana. La madre de este joven, una ‘capo’ del narcotráfico internacional, encomienda a su solitario hijo menor, dueño de un club de boxeo, la venganza de su ‘excepcional’ hijo mayor. Esta es la premisa de la esperadísima cinta del danés Nicolas Winding Refn. Un título que prometía ofrecer una clase magistral en la que violencia y la lucha por la justicia se entremezclan como un solo ente, termina siendo un escaparate de violencia explícita carente de sentido y que provocó abucheos en la Croisette.

Ya en ‘Drive’, Winding Refn nos mostraba su interés a la hora de filmar la violencia más cruel, pero ahí conseguía hacerla ‘útil’ y humana. Y sí, estoy comparando ambas películas porque es imposible no hacerlo. En ‘Only God Forgives’, el director no consigue que el espectador entre de lleno en esta historia de venganza y lanza muy imperceptiblemente la cuestión de ‘¿hasta dónde llegarías para hacer justicia?’, sin duda un tema interesante en el que la película no llega a profundizar. La falta de empatía con los personajes –a pesar del buen hacer de sus protagonistas–, provoca que el espectador no entre en el juego y se vea más atraído –y repudiado– por la genial puesta en escena y la violencia extrema respectivamente.

Apabullante puesta en escena

Remarcable es, sin duda, su puesta en escena que mezcla lo más kitsch de la cultura tailandesa con juegos de luces de neón y sombras. Una propuesta visual colorista y lúgubre al mismo tiempo que contrasta con la extrema violencia del film. Además, hay que reconocer que el señor Winding Refn tiene clase a la hora de filmar violencia: la secuencia de boxeo entre el personaje de Gosling y Vithaya Pansringarm es épica gracias a sus planos cenitales y que apenas vemos ‘la mentira’ y resulta estremecedoramente real.

‘Only God Forgives’ es, sin duda, una película de contrastes y es aquí donde encontramos su segunda buena baza. Y es que, es en estos contrastes donde encontramos un sentido del humor sútil y macabro de lo más interesante que puede hacernos pasar de golpes de katana a un karaoke algo siniestro.

La reina madre y el animal de la guerra

Una lástima que la historia y los personajes de ‘Only God Forgives’ no estén a la altura de sus actores, quienes gracias a su trabajo consiguen llenar de matices a los casi vacíos caracteres que nos presenta el director danés. Empecemos por Kristin Scott Thomas dando vida a esa malvada reina madre que busca la venganza de la muerte de su hijo favorito. La Thomas es despiadada y con una sola mirada podemos percibir el rechazo, desprecio y –y hasta odio– que siente hacia su hijo menor por no ser capaz de cumplir con su cometido. Este hijo del que está tan decepcionada la madre es, ni más ni menos, que Ryan Gosling. Con no más de 20 frases en todo el guión, Gosling elabora un personaje lleno contrastes en el que su mirada meláncolica choca con el miedo hacia una madre maltratadora psicológicamente, la rabia y la violencia innatas y el amor tóxico hacia una prostituta.

En definitiva, a ‘Only God Forgives’ le falta profundidad e intensidad en su narración, que hace que su envoltorio y estilo visual se quede en únicamente eso: en una explosión visual y savoir faire cinematográfico casi vacío de buen contenido y lleno de violencia sin sentido.

La filmografía de James Franco como actor es bastante irregular, pasando de grandes superproducciones como la primera saga de ‘Spider Man’ dirigida por Sam Raimi, a títulos más interesantes que le pusieron en el objetivo de la crítica y premios varios como ‘Milk’ (Gus Van Sant, 2008) o ‘127 Horas’ (‘127 Hours’, Danny Boyle, 2010), pero lo cierto es que a Franco también le gusta dirigir y aunque hasta la fecha lo había hecho tímidamente y con títulos bastante bizarros, con ‘As I lay dying’ nos demuestra que puede llegar a convertirse en un director de cine de autor con clase.

Presentada en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, ‘As I lay dying’ está basada en la novela homónima de William Faulkner, titulada en España ‘Mientras agonizo’ y nos cuenta la historia de los Bundren, una familia pobre del sur de los Estados Unidos que recorre cientos de kilómetros con el cadáver de la matricarca para lograr enterrarla en el pueblo que ella quiere. Una especie de road movie dura y áspera que ha sorprendido a todos a su paso por Cannes y que deja bien claro que James Franco ha llegado al mundo de la dirección para quedarse.

No es tarea fácil adaptar la obra de Faulkner a la gran pantalla, donde todo es tan introspectivo y la historia nos es contada a través de la conciencia y la psicología de los personajes. Todo se complica mucho más si, como ocurre en ‘Mientras agonizo’, donde la trama se desarrolla a través del monólogo interior de 15 personajes, quienes dan su punto de vista sobre la muerte de la madre de la familia. Todo un reto para un joven realizador criado como actor en el cine más comercial de Hollywood y que consigue defender con una inteligencia y madurez pasmosa. Y es que, gracias a su ritmo pausado y a la utilización de la pantalla partida, James Franco consigue acercarse a este dilema familiar de aire melancólico y de despedida.

‘As I lay dying’ resulta ser una cinta arriesgadísima y con un toque experimental en el que reside todo su interés artístico y que dota al film de una mayor profundidad. Me refiero al uso de la pantalla partida –y le saca mucho más partido que Jaime Rosales en ‘La Soledad’ (id, 2008) quién solo nos mostraba el plano contra plano– para mostrarnos las diferentes perspectivas de los personajes sobre los acontecimientos clave de la historia y acercándose más a la pluralidad de puntos de vista que ofrecía Faulkner en su novela. Gracias a esto, el espectador recibe sentimientos e ideas opuestas a la vez y una visión más completa al combinar todas estas perspectivas de la familia Bundren.

Además, ‘As I lay dying’ supone un viaje a la America más profunda y a la estirpe familiar en el ambiente sureño americano, al que nos sentimos cercano gracias a un elenco de actores que encabeza el propio James Franco –nunca le he visto mejor que aquí– que llenan de verdad la pantalla y hacen que resulte más sencillo al espectador entrar en el juego de la doble perspectiva de la pantalla partida. Un excepcional Tim Blake Nelson, interpretando al padre de familia y los descubrimientos de Logan Marshall-Green, Ahna O’Reilly y Jim Parrack, dotan de un realismo desbordante a está tristísima historia, aunque a veces resulte algo complicado entender la cinta en su versión original sin subtítulos por lo bien que sus protagonistas imitan el acento del sur americano.

Sin duda, ‘As I lay dying’ es una propuesta arriesgada con la que James Franco demuestra sus grandes aptitudes artísticas como director y una madurez sorprendente. Una declaración de intenciones que, aunque irregular en ciertos momentos –ciertos pasajes de la historia se hacen largos y la utilización de la pantalla partida no siempre cumple con su misión funcional de mostrar diferentes perspectivas–, sabe dejar impactado al espectador con su potente introspección visual. Sin duda, un título más que recomendable.

Mis días en la Croisette han llegado a su fin –sí, lo sé ha sido muy corto–, pero aún me quedan un par de películas en la recámara sobre las que hablaros. Si una de las grandes favoritas sigue siendo la japonesa ‘Like father, like son’ de Hirkazu Kore-eda, le sigue muy de cerca ‘Inside Llewin Lewis’, la nueva película de los Coen y que sitúa como favorito a su actor protagonista, el casi desconocido Oscar Isaac. Una lástima que no pudiera entrar en ninguno de los pases de la cinta, pero es que para poder entrar en una película que recibe una gran atención mediática, como es el caso de la cinta de los Coen, hay que hacer como mínimo una hora de cola. Mal asunto para los que tenemos que ir corriendo arriba y abajo con otros menesteres.

Pero no me puedo quejar, es una de mis carreras a lo largo y ancho de la Croisette he llegado a cruzarme –y aquí llega el momento cotilleo– con el guapísimo Louis Garrel dos veces en un día o me he topado con la directora libanesa Nadine Labaki y hasta con la mismísima Jane Fonda en los pasillos de un hotel. Nada mal para una primera experiencia en Cannes. Pero como esto no nos interesa demasiado, iremos al grano con lo que de verdad importa las películas.

‘Grand Central’ y el amor nuclear

En 2010, la realizador francesa Rebecca Zlotowski sorprendió a todos con su ópera prima, ‘Belle épine’ que se vio dentro de la Semana de la Crítica de Cannes. 3 años después, la directora vuelve a Cannes con su segunda película, aunque está vez dentro de la sección Una Cierta Mirada. Se trata de ‘Grand Central’, una inusual historia de amor destructivo ambientado en una central nuclear, entre un joven que entra como aprendiz en una central nuclear y la prometida del que será su protector.

Protagonizada por la siempre bella Léa Seydoux y Tahar Rahim –al que también vimos en ‘Le Passé’ de Asghar Farhadi– ‘Grand Central’ compara el peligro de estar expuesto a la energía nuclear con una apasionada historia de amor y cuyo nivel de riesgo, Zlotowski lo mide con el mismo sistema de alarma con el que se anuncian los desastres naturales. Una interesante herramienta que nos definirá el estado de la relación infiel de los protagonistas en un par de ocasiones. La introspección de ambos personajes, el paso de la ingenuidad a la madurez del personaje de Tahar Rahim y la sensibilidad y belleza que invade cada uno de los fotogramas de la película –con central nuclear de fondo incluida–, hacen de ‘Grand Central’, uno de los títulos más interesantes que he visto durante mi estancia en el festival.

Comer hasta reventar gracias a ‘La Gran Comilona’

Tras el último intento fallido de entrar a ver la película de los Coen, decido darme un lujo e ir un pase de la sección Cannes Classics. Se proyecta una versión restaurada de ‘La Gran Comilona’ (‘La Gran Bouffe’ de Marco Ferreri, 1973) que presenta Thierry Frémaux, el delegado general de Festival de Cannes. En la sala, Michel Piccoli –mito del cine que ha trabajado con nombres como Godard, Buñuel, Berlanga y hasta el mismísimo Alfred Hitchcock–, que va a ver la película 30 años después de su estreno y yo, una de esas ‘afortunadas’ –como dijo Frémaux– que iban a ver la película por primera vez.

Con guión co-escrito entre el propio Ferreri y nada más y nada menos que Rafael Azcona, ‘La Gran Camilona’ puede que sea una de las películas más gamberras que he visto, y que todavía puede llegar a escandalizar al personal, y es que en su estreno en Cannes hace 30 años la cinta fue abucheada y destrozada por la crítica, aunque después logró un gran éxito entre el público.

En la cinta, vemos como cuatro amigos –Marcello Mastroianni, Ugo Tognazzi, Michel Piccoli y Philippe Noiret– se encierran en una villa señorial con un único objetivo: suicidarse a base de comer sin parar y sin perder, la oportunidad de practicar sexo obsceno durante sus útimos días de vida.
Reyes del absurdo, los cuatro protagonistas –que mantienen el nombre real de los actores, una elección que nos acerca a los alocados personajes–, ‘La Gran Comilona’, además de divertida y alocada, es una sátira sobre la socieda del consumo y la hipocresía del exceso. Una gran experiencia, que puede resultar algo desagradable y soez en más de una ocasión, al ser llevada hasta el extremo.

Tras un par de días de cine bastante tranquilo, por fin aparecen dos más que probables candidatas a entrar en ese palmarés que decidirá, entre otros, el mismísimo Steven Spielberg. Se trata de ‘Le Passé’ del iraní Asghar Farhadi y ‘Like father, like son’ del japonés Hirokazu Kore-eda, dos cintas que tratan sobre la familia pero de forma totalmente opuesta.

Pero antes de entrar en materia, y como os prometí también chismes de varios niveles, aquí va el parte del día: llueve sin parar, pero si el mítico Mitch Bucanan –a.k.a David Hasselholf– pasea su anaranjado bronceado por la Croisette, sonriente y perseguido por una ola de fotógrafos y no le afecta a mí tampoco. Más desapercibidos pasaban Blanca Suárez y Miguel Ángel Silvestre, que disfrutaban del sol –o el poco que vimos ayer– en la ya citada Croisette, y a los que intercepté con todo el morro para preguntarles a qué habían venido a Cannes: “A Blanca le han dado el premio Chopard a la Mejor Actriz Revelación”, me dice Silvestre. Le doy la enhorabuena y corro, que llego tarde a una reunión en el stand de Cinema from Spain en el Marché du Film.

La ternura de Kore-eda ataca de nuevo

Que al japonés Hirokazu Kore-eda le van las familias ya lo sabemos. Ya lo demostró en dos de sus últimas películas ‘Still Walking’ (id, 2008) y ‘Milagro’ (‘Kiseki’, 2011), y ahora lo vuelve a hacer en ‘Like father, like son’, que compite por la Palma de Oro y que es una de las primeras grandes competidoras de momento. La pelícua, que nos cuenta la historia de dos familias que descubren que sus hijos de 6 años fueron intercambiados al nacer, profundiza en la relación padre e hijo de una forma tierna, sencilla y sin florituras, que consigue robar el corazón del espectador sin esfuerzo.

Y es que podría decirse que Kore-eda es el rey de la simplicidad y es que nos muestra las diferencias entre las dos familias, la burguesa y la ‘hippie’, con una precisión extraordinaria y lanza –y responde– la pregunta de “¿qué significa verdaderamente ser padre?” y debate sobre el ‘honor de la sangre’ y ‘la herencia’ con maestría. De forma muy dulce y con un estilo narrativo muy tradicional y acertado, la cinta de Kore-eda va al grano con elegancia ni pretensiones y con una ternura pasmosa. Por cierto, más de un crítico reputado ya ha dicho que es el tipo de película que Steven Spielberg premiaría y tampoco nos extrañaría que el padre confuso interpretado por Masashi Fukuyama, estuviera en el palmarés…

Una segunda separación para Asghar Farhadi

Después de ‘Una Separación’ (‘A Separation’, 2011) había muchas expectativas puestas en el nuevo trabajo del iraní Asghar Farhadi. Esta vez, el ganador de un Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa, sitúa su acción en Francia para contarnos la historia del iraní Ahmad, que vuelve a Francia para firmar el divorcio con su ex-pareja que quiere volver a casarse.

La cinta ha gustado mucho a la crítica en general, aunque también ha dejado frío, y es que a pesar de su interesante propuesta inicial –el pasado que llama a tu puerta y lo cambia todo– y una secuencia de arranque brillante, Bérénice Bejo –brillante y apasionada en toda la cinta– esperando a su ex-pareja en el aeropuerto, ‘Le Passé’ no consigue terminar de profundizar en el tema de la familia o las influencias del pasado y se pierde y termina dando protagonismo a tramas secundarias menos intereantes.
Junto a Bejo, un algo soso Tahar Rahim –brillante descubrimiento de Jacques Audiard en ‘Un profeta’ (‘Un prophéte’, 2009)– y el siempre interesante Ali Mossafa.

Y esto ha sido todo por hoy desde la Croisette.

Sí, señores. Estoy en el Festival de Cine de Cannes, el festival más grande e importante del mundo y sí, no ví ‘El Gran Gatsby’ de Baz Lhurman (‘The Great Gatsby’), cinta encargada de inaugurar la 66ª edición del Festival de Cannes y que llega hoy a nuestras pantallas. Y es que, para una primeriza como yo, un festival tan grande y diferente a lo anteriormente conocido y además, tener que trabajar a dos bandos, puede resultar de lo más complicado.

Así que, mi primer día en la Croissette se basó en: recoger la acreditación y localizar las diferentes salas y partes del festival. Desde el “village international”, donde las films commissions de todas partes del mundo se colocan para acoger a profesionales de la industria, desde las diferentes salas que forman parte tanto de la Sección Oficial, como de los festivales paralelos como la Semana de la Crítica o la Quincena de los Realizadores, hasta algo tan simple como localizar el stand de Nespresso donde podré provisionarme de café gratis durante mi estancia en el festival. Porque sí, voy a necesitar mucho café.

La juventud según François Ozon

Después de un intento fallido de entrar a la rueda de prensa de ‘El Gran Gatsby’ –eso sí, viendo el cogote de Leonardo DiCaprio y el estilazo de Carey Mulligan bien de cerca– , por fin consigo meterme en una sala de cine a ver una de las películas que compiten por la Palma de Oro. Se trata de ‘Jeune et Jolie’, la nueva película del francés François Ozon, que en septiembre del año pasado se hacía con la Concho de Oro del Festival de San Sebastián por ‘En la casa’ (‘Dans la maison’, 2012).

‘Jeune et Jolie’ no es la mejor película de François Ozon, pero sigue teniendo ese toque especial del realizador francés que consigue que ninguna de sus películas se parezca a la otra. ‘Jeune et Jolie’ nos da un punto de vista diferente de la adolescencia y del gran paso que supone convertirse en adulto y que la protagonista de la cinta –la bellísima y misteriosa Marine Lacht–, da ese paso a través de la prostitución. Sí, la película podría haberse convertido en algo muy grotesco y hasta vulgar llena de desnudos y escenas de sexo, pero la elegancia de Ozon a la hora de filmar, consigue que ‘Jeune et Jolie’ sea un sútil retrato de una adolescente y de convertirse en adulto.

Una de los aspectos más interesantes de la cinta es, sin duda, cómo está contada: Ozon nos muestra la evolución de la protagonista a través de cuatro estaciones y todas ellas, marcadas por una canción –la mayor parte de las veces de François Hardy–, que enfatizan ese tono melancólico, misterioso y de pérdida de inocencia de la protagonista. Puede que ‘Jeune et Jolie’ no se cuele en en el palmarés, pero sin duda, es una buen título al, yo de vosotros, le seguiría la pista.

La búsqueda de lágrimas de ‘Fruitvale Station’

Muchas expectativas habían puestas en ‘Frutivale Station’ del debutante Ryan Coogle y gran triunfadora de la pasada edición del Festival de Cine de Sundance, pero que al final ha pasado a no ser nada del otro mundo. Basada en la historia real de un joven afroamericano que fue asesinado por un policía en Nochevieja, la película pierde mucho sentido al conocer la historia real. Bastante convencional hasta el momento del altercado con la polícía –que es el momento fílmicamente más interesante–, ‘Fruitvale Station’ no ofrece nada nuevo y peca de buscar la lágrima del espectador en algunos momentos demasiado sensibleros. Una lástima. Eso sí, nos quedamos con Octavia Spencer.

Y ahora os dejo, que me espera Hirokazu Kore-eda y su ‘Like father, like son’.

Foto | El equipo de ‘Jeune et Jolie’ por Lucía Ros Serra

En el tren de camino a Cannes reflexiono sobre las películas que se verán en secciones paralelas y que bien merecen una especial atención. Y es que tras hacer repaso a las 5 películas más interesantes dela sección oficial, no podía no hacer lo propio con otras secciones.

Sin entrar en detalles ni decir que en la sección Cannes Classics se podrán ver obras maestras de la talla de ‘Los paraguas de Cherbourg’ de Jacques Demy (‘Les parapluies de Cherbourg’, 1964), ‘Cleopatra’ de Joseph L. Mankiewicz (id, 1963), ‘Fedora’ de Billy Wilder (id, 1978) o la mismísima ‘Vertigo’ de Alfred Hitchcock (id,1958), entre muchas otras, pero otras secciones como Una Cierta Mirada o la Quincena de los Realizadores nos preparan un gran festín. Os dejo con mis tres predilecciones.

The Bling Ring

Protagonizada por Emma Watson y un grupillo de jovenzuelos casi desconocidos, ‘The Bling Ring’ apunta maneras, aunque también corre el riesgo de convertirse en una historia superficial sobre niñatos superfiaciales e insufribles.

‘Fruitvale Station’

La última triunfadora del festival de Sundance —de la que ya os habló Juan Luis— está dirigida por el debutante Ryan Coogler y producida por el también actor Forest Whitaker. La película, que se verá en la sección Una Cierta Mirada también está basada en una historia real y nos cuenta el último día de vida de Oscar Grant, un muchacho que murió por disparos de la policía en las primeras horas del año 2009.

Protagoniza el joven Michael B. Jordan, acompañado de Octavia Spencer o Chad Michael Murray, entre otros. Se dice que es la nueva ‘Bestias del sur salvaje’ (‘Beasts of the southern wild’ de Ben Zeitilin, 2012) y las apuestas ya la sitúan como la gran sorpresa del festival y como ganadora del premio Caméra d’Or a la Mejor Primera Película. Ya os contaré.

‘Blood Ties’

El actor y director francés Guillaume Canet se lanza a la aventura americana con ‘Blood Ties’, que se proyecta fuera de competición en Cannes y que apunta a ser un antes y un después en la carrera de Canet como director.

Protagonizada por Billy Crudup, Mila Kunis, Zoe Saldana, Marion Cotillard y Clive Owen y con guión co-escrito por James Gray, ‘Blood Ties’ es el remake de la francesa ‘Liens du sang’ (Jacques Maillot, 2008), que protagonizó el propio Canet junto a François Cluzet y nos traslada a los años 70 para contarnos la historia de un hombre

Ambientado en los años 70, gira en torno a un hombre (Crudup) que le pide ayuda en un asunto turbio a su hermano mayor, un ex delincuente reformado (Owen).

En menos de una semana estaré paseando palmito por la preciada Croisette del Festival de Cannes, uno de los más grandes – vale, el más grande – de los festivales de cine internacionales. Será mi primera vez, pero la tercera –aquí la cobertura del 2012– que Blog de Cine estará presente para contaros todo, todo lo que se cueza en el mayor festival del mundo a través de imágenes, críticas y si me dejáis, algún que otro cotilleo. Estoy deseando colgarme la acreditación y cansarme de la preciosa imagen protagonista del festival de este año, protagonizada por Paul Newman –podéis seguir en Blog de Cine su especial– y el amor de su vida, Joanne Woodward.

En mis próximos dos posts, voy a hacer un repaso a los títulos más relevantes y con más expectativas de esta 66ª edición y es que, me espera un festival de lo más potente al encontrarse en competición nombres tan fuertes como Steven Soderbergh, los hermanos Coen, Roman Polanski, Windig Refn, Paolo Sorrentino, Takashi Miike o François Ozon, entre otros. El primer turno es para los 5 títulos más atractivos de la Sección Oficial –y ni os imagináis lo que me ha costado elegir sólo 5–.¡Vamos allá!

‘Only God Forgives’

La selección en Cannes de la nueva película de Nicolas Winding Refn tras la alabada ‘Drive’ (id, 2011), por la que recibió la Palma de Oro al Mejor Director en 2011, es la prueba más que clara de que este director danés afincado en USA está haciendo las cosas muy bien. De momento, ha conseguido que ‘Only God Forgives’ sea una de las películas más esperadas de la temporada. Y no nos extraña al ver las primeras imágenes de la cinta. Con Ryan Gosling de nuevo como protagonista, al que esta vez acompaña Kristin Scott Thomas, ‘Only God Forgives’ nos traslada a Bangok para contarnos la historia de Julian, el dueño de un club de boxeo Thai tras el que se oculta el negocio de tráfico de drogas de su familia, es obligado por su madre a vengar la muerte de su hermano a manos de un policía.

Violencia high-class, filmada como sólo Winding Refn sabe, banda sonora de infarto y sí, Ryan Gosling, es lo que podemos esperar de la nueva cinta del director danés. Y si no, ojito al segundo tráiler que vio la luz hace unas semanas.

‘Venus in Fur’

Después de las magníficas ‘Un dios salvaje’ (‘Carnage’, 2011) y ‘El escritor’ (‘The ghost writer’, 2011), Roman Polanski vuelve a la carga con ‘Venus in Fur’ (‘La Venus à la fourrure’), una adaptación de la obra teatral de Broadway de David Ives, quien también firma el guión junto a Polanski. Protagonizada por los franceses Emmanuelle Seigner –mujer del director– y Mathieu Amalric, la película se centra en la historia del autor y director de una nueva pieza teatral que se encuentra inmerso en el proceso de búsqueda de una actriz para su próximo trabajo. Un nuevo talento aparecerá en el último minuto y resultará ser todo lo contrario a lo que anda buscando.

La maestría de Polanski más la elección de sus dos –¿y únicos?– actores protagonistas, prometen al menos un buen rato de cine. Y por lo que vemos en las primeras imágenes, también una buena ración de tensión sexual.

‘Inside Llewyn Davis’

Los Coen vuelven a la Sección Oficial a concurso de Cannes seis años después del estreno de ‘No es país para viejos’ (‘No country for old men’, 2007) con ‘Inside Llewyn Davis’, una película basada en el libro de memorias ‘The Mayor of MacDougall Street’ del músico y activista Dave Van Ronk. Ambientada en la escena folk del Nueva York de los años 60, la película nos cuenta la historia de un cantante que intenta hacerse camino en el mundo de la música superando grandes obstáculos. La película la protagonizan Carey Mulligan, Oscar Isaac, John Goodman, Justin Timberlake y Garrett Hedlund.

A simple vista, estamos ante una interesante estética folk sixties y buena músico, pero tratándose de los Coen esperamos que se trate de algo mucho más introspectivo.

‘Young and Beautiful

Tras convertirse en el rey de la 60ª edición del Festival de Cine de San Sebastián con ‘En la casa’ (‘Dans la maison’, 2012), el prolífico director francés François Ozon pretende mostrarnos lo bien que se le da eso de que ninguna de sus películas se parezca a la anterior. ‘Young and beautiful’ (‘Jeune et jolie’), es un retrato contemporáneo de una adolescente de 17 años a lo largo de 4 estaciones y 4 canciones. Con un nuevo descubrimiento a la vista, el de la joven actriz Marine Vacht, Ozon nos muestra en el tráiler a una misteriosa adolescente.
¿Estamos ante una nueva cinta sobre la pérdida de la inocencia? Pinta bien.

‘Like father, like son’

El japonés Hirkazu Kore-eda es, sin duda, uno de los cineastas que más me han interesado en los útlimos años. Después de la deliciosa ‘Still Walking’ (‘Aruitemo, aruitem’, 2008) o la tiernísima ‘Milagro’ (‘Kiseki’, 2011), presentadas en el Festival de San Sebastián en sus respectivos años, el director de lo cotidiano y que mejor retrata la cultrua de la familia japonesa en la actualidad, presenta en la Croisette ‘Like father, like son’(‘Shoshite chichi ni naru’), una película sobre el desconcierto de una familia al recibir una llamada de hospital en el que se les revela que sus hijos de seis años fueron intercambiados accidentalmente al nacer.
Aunque parece la sinopsis de una tv-movie barata, que Kore-eda esté tras la cámara hace que esperemos una interesante reflexión sobre la familia.

Y hasta aquí mi repaso a los títulos más interesantes de la Sección Oficial de Cannes. Sí, lo sé. Me he dejado cintas tan esperadas como las de Jarmusch, Depleschin o Payne, pero no os sulfuréis que ya os hablaré de ellas más adelante. De momento, estad atentos a la segunda parte del artículo sobre las películas más interesantes de las secciones paralelras.

Vía | Festival de Cannes

Esta misma mañana durante una rueda de prensa, Gilles Jacob y Thierry Frémaux, director y delegado general del Festival de Cine Cannes, han anunciado la lista de películas que componen la Sección Oficial del festival francés, así como la de su sección paralela Un Certain Regard. El 66º Festival de Cannes, que se celebrará del 15 al 26 de mayo es uno de los grandes festivales de cine del mundo, y ha querido dejarlo bien claro con la impresionante selección de películas que competirán por la Palma de Oro.

Un flamante jurado que encabeza, ni más ni menos que el mismísimo Steven Spielberg, se las verá canutas a la hora de entregar el preciado palmarés de esta edición que promete dar mucho que hablar y superar la edición pasada en la que la estremecedora ‘Amour’ de Michael Haneke se hacía con la Palma de Oro.

La cinta encargada de inaugurar el festival no será otra que ‘El Gran Gatsby’ de Baz Luhrmann que se presentará fuera de concurso junto a la película de clausura ‘Zulu’ de Jérôme Salle. Dos títulos potentes, pero que sólo son un aperitivo para lo que vendrá: ‘Only God forgives’ (Nicolas Winding Refn), ‘Like father, like son’ (Hirokazu Kore-Eda), ‘Un château en Italie’ (Valeria Bruni-Tedeschi), ‘Inside Llewyn Davis’ (Ethan y Joel Coen), ‘Jimmy P. Psycotherapy of a plains indian’ (Arnaud Desplechin), ‘The inmigrant’ (James Gray), ‘Le Passé’ (Asghar Farhadi), ‘La Vénis à la fourrure’ (Roman Polanski), ‘Jeune et Jolie’ (François Ozon), ‘Behind the Candelabra’ (Steven Soderbergh), ‘Nebraska’ (Alexander Payne), ‘Michael Kohlhaas’ (Arnaud des Pallières), ‘Heli’ (Amat Escalante), ‘Grisgris’ (Mahamat-Saleh Haroun), ‘A touch of sin’ (Jia Zhangke), ‘La vie d’Adèle’ (Abdellatif Kechiche), ‘Shield of Straw’ (Takashi Miike), ‘La grande bellezza’ (Paolo Sorrentino)y ‘Borgman’ (Alex van Warmerdam).

La sección paralela Un Certain Regard tampoco se quedará coja y es que, para empezar, ‘The bling ring’ de Sofia Coppola dará el pistoletazo de salida de esta interesante sección cuyo jurado presidirá el director de cine Tomas Vinterberg. El resto de la sección la completan ‘As I lay dying’ (James Franco), ‘Miele’ (Valeria Golino), ‘Grand Central’ (Rebecca Zlotowski), entre otras y ‘All is lost’ (J.C Chandor) y ‘Blood Ties’ (Guillaume Canet), fuera de competición.

Una servidora paseará el palmito por la Croissette durante la primera semana del festival para traer a Blog de Cine todas las anécdotas y comentarios sobre las películas del certamen.

Con el anuncio del palmarés, el pasado domingo, quedó clausurado el Festival de Cannes 2012, pero la experiencia todavía corre por mis venas. Fueron diez días de cine, emoción, estrés, sorpresas y decepciones. Intensas jornadas en las que uno es transportado a otra realidad, una en la que todo gira en torno a la visita de actores famosos, dioses del pueblo, a la obligación de ver y hablar sobre determinadas películas, donde se duerme poco, el café es tu mayor aliado y la conexión a Internet puede ser tu mayor pesadilla, con la prensa ocupada en la contradictoria labor de promocionar y minusvalorar el certamen, mientras el cine queda en segundo plano. Cuesta entrar en ese mundo, y cuesta salir, volver a la normalidad. En este artículo os cuento cómo fue el día a día en el festival de Cannes y repaso las mejores y las peores películas que pude ver allí.

La vida en el Palacio

La 65ª edición del festival arrancó la mañana del 16 de mayo con la presentación de ‘Moonrise Kingdom’. El día antes había acudido ya a recoger mi acreditación (y mi bolso oficial súper-moderno, ojo a la imagen), me encontraba sumamente ilusionado por los prometedores títulos de competición y en mi mente perfeccionaba el plan para proporcionar a los lectores de Blogdecine la mejor cobertura posible del certamen más prestigioso del planeta. Era mi segunda vez en Cannes y creía que lo tenía todo bajo control (uno es así de confiado, no consideré imprevistos como que mi portátil se bloqueara durante tres días). El corazón del evento es el Palais des Festivals, un edificio de cinco plantas situado en la avenida de la Croisette. Es ese complejo decorado con el cartel de Marilyn Monroe que aparece en las fotos. Allí ocurre casi todo, se celebran los photocalls, las ruedas de prensa y los pases de las películas más relevantes (todas las de la sección oficial y “Un certain regard”). Se convierte en tu hogar, al final, donde pasas la mayor parte de la jornada. De hecho, la gente aprovecha para dormir allí, incluso en el suelo. Donde, por cierto, teníamos que escribir ante la falta de asientos.

Hay en el Palais una sala con ordenadores, otra con servicio WiFi (que tardó varios días en funcionar, para desesperación de muchos como yo) y al menos tres sitios donde te sirven café (sin leche) y agua gratis. En la zona destinada al mercado del cine (“Marché du film”) hay una pequeña cafetería donde se puede comer, y claro, no es barato. Casi ningún sitio en Cannes lo es, y ese en concreto es de los que cobra 6 euros por un sándwich; cuando tienes prisa hay que pasar por el aro. Fuera, en los alrededores, hay restaurantes y puestos callejeros que han duplicado o triplicado los precios de la carta, y un McDonald´s que por supuesto está siempre a reventar. Imaginad mi alegría cuando logré una invitación para un almuerzo organizado por el alcalde. Aunque no deja de ser un pueblo con playa, el festival ha convertido Cannes en un importante destino turístico y no escasean las tiendas. Ni los yates. En cuanto empieza a atardecer, las calles se llenan de gente trajeada y aspirantes a supermodelos. No solo por las numerosas fiestas, se exige etiqueta en las sesiones del Teatro Lumiére, donde está la alfombra roja por la que se pasean las celebridades.

La Lumiére es la sala más espaciosa, con más de mil butacas. La Debussy es similar y luego hay otros tres cines en el Palais mucho más pequeños, de 300-400 asientos, donde normalmente programan segundos o terceros pases de películas relevantes. A diferencia de otros festivales, en Cannes no se venden entradas al público, pero según parece, había más de cuatro mil acreditados , así que imaginad los problemas. No hay butacas para todos. Hay tensión en pases importantes. En algunas caras puedes leer “si te tengo que matar para entrar, lo haré, y después escupiré sobre tu cadáver”. No era fácil conseguir una silla en las salas de trabajo y en las ruedas de prensa prácticamente no puedes entrar si no eres de un medio muy importante. Ya os comenté que hay varios tipos de acreditaciones. La mía era azul, podría decirse que la “clase media”. Encima están los privilegiados, los que tienen prioridad para entrar, y abajo los que deben esperar al menos una hora para ver si quedan butacas libres. Yo siempre llegaba en torno a 45 minutos antes de cada pase y solo una vez me quedé fuera, debiendo hacer cola para la siguiente sesión. Se pierde mucho tiempo esperando.

Otra cuestión es el visionado, que a veces no tiene lugar en las mejores circunstancias. Hay zonas en los cines Lumiére y Debussy donde no se ve toda la pantalla, pero el mayor problema son los subtítulos (en inglés y francés, a menos que la película esté habladas en uno de esos idiomas), si no tienes un buen ángulo de visión, no los puedes leer. Igualmente pasa lo típico de ir al cine, uno está sentado junto a gente que por la razón que sea, hacen ruido y desconcentran. Sí, en los festivales también suenan móviles en mitad de una proyección. Varias veces. Sumad a eso largos bostezos, constantes estornudos, murmullos, ronquidos, algunos que se levantan y pasan torpemente delante de ti… El resultado es que a veces no te enteras de los diálogos, sobre todo en escenas donde los actores susurran. Resulta molesto, y esa sensación también te saca del film. Lo peor es que conforme avanza el festival se va acumulando el cansancio y cada vez hay más ruido. Salía de algunos pases preguntándome qué narices iban a decir todos los que habían abandonado la sala antes de tiempo, los que se habían quedado dormidos y los que miraban el móvil a cada momento. Normal que luego se simplifique tanto.

Las películas

Tuve la impresión de que los directores estaban más apasionados por su estilo que por sus personajes.

(Nanni Moretti)

Vi 24 largometrajes durante el festival. 21 de la sección de competición (eran 22 en total, me faltó ‘Paradies: Liebe’) y 3 de “Un certain regard”. Habría visto muchos más, si te informas sobre el programa de cada día no te quieres perder nada, pero se corre el riesgo de quedar fuera en pases importantes y sobre todo creo que hay que evitar el agotamiento, prestar verdadera atención al cine y no simplemente acomodarse y dejar que pasen imágenes por las retinas, incapaz de procesar lo que se está viendo. Es normal oír a gente que ya no recuerda lo que ha visto por la mañana, que se aburre por puro cansancio o que ronca a tu lado pero luego asegura haber visto una obra maestra. No exagero. Realmente depende de cada uno, por supuesto, pero mi consejo es descansar y concentrarse en ver dos o tres películas al día. Y disfrutarlas, que muchas de ellas tardarán meses en llegar a los cines, si es que lo hacen…

A continuación os dejo las mejores películas que vi en Cannes:

• ‘Moonrise Kingdom’, de Wes Anderson. Divertidísima aventura con sabor a cuento juvenil. Una delicia.

• ‘Amour’, de Michael Haneke. Merecedora de la Palma de Oro, fue la película más redonda. Cruda y emocionante, con formidables interpretaciones.

• ‘Jagten’, de Thomas Vinterberg. Un ejemplar thriller psicológico. Mads Mikkelsen logró con justicia el premio al mejor actor.

• ‘Like Someone in Love’, de Abbas Kiarostami. Un relato aparentemente sencillo que cautiva por la naturalidad de los personajes y la puesta en escena. Mágica.

• ‘Killing Them Softly’, de Andrew Dominik. Una furiosa respuesta a los frutos del capitalismo desbordado. Poderosa y amarga.

• ‘Holy Motors’, de Leos Carax. Un cóctel de sueños, miedos, emociones, reflexiones, risas y desahogos. Tan descompensada como brillante.

• ‘Cosmopolis’, de David Cronenberg. Exigente y arriesgado trabajo que analiza al ser humano del siglo XXI. Cuesta saborearla en el momento pero deja huella, se queda en la cabeza y mejora en el recuerdo.

De las demás que vi, recomiendo que os quedéis con los siguientes títulos:

• ‘De rouille et d’os’, de Jacques Audiard. Elegante realización y dos actores en estado de gracia. No llega a explotar, pero emociona.

• ‘Reality’, de Matteo Garrone. Valiente e irregular tragicomedia que pone en evidencia el absurdo ideal de las “celebrities”. Muy apropiada para Cannes. Consiguió el gran premio del jurado (presidido por Moretti).

• ‘Mud’, de Jeff Nichols. Si ‘Cosmopolis’ se expande tras su visionado, a esta le ocurre lo contrario. Aun así, un film honesto y cargado de emoción, con un estupendo reparto.

• ‘In the Fog’, de Sergei Loznitsa. Tiene la atmósfera de un relato post-apocalíptico y la profundidad del mejor cine europeo. Le sobran minutos.

• ‘Elefante blanco’, de Pablo Trapero. Para disfrutar de la puesta en escena. Un guion poco inspirado lastra un film con grandes momentos y un impecable Ricardo Darín. Merecía estar en la sección oficial.

Y las siguientes fueron las que menos me entusiasmaron, si bien me alegro de haber visto casi todas:

• ‘Dupã dealuri’, de Cristian Mungiu. Una de las más difíciles del certamen, a ratos apasionante, a ratos insufrible. El jurado premió el guion y las dos protagonistas recibieron el galardón a la mejor interpretación femenina. Lo segundo es razonable, lo primero me parece un disparate.

• ‘Lawless’, de John Hillcoat. Los carismáticos secundarios y los chispazos de violencia mantienen el interés en una historia convencional (sobre todo para Cannes). Jessica Chastain nos alegró el día.

• ‘Baad El Mawkeaa’, de Yousry Nasrallah. La más torpe candidata a la Palma de Oro. Demasiado encorsetada a su discurso. Aun así, tiene imágenes y momentos meritorios.

• ‘Vous n’avez encore rien vu’, de Alain Resnais. Modesta y encantadora representación cercana al teatro donde destaca la entrega de los actores hablando de amor, uno de los temas centrales de esta edición. El otro sería la crítica a un estilo de vida enfocado a la fama y la riqueza.

• ‘Mystery’, de Lou Ye. Encargada de inaugurar la sección “Una cierta mirada”, fue uno de los primeros chascos de esta 65ª edición. Muy corriente mezcla de melodrama y thriller policial.

• ‘The Taste of Money’, de Im Sang-soo. Otro relato carente de imaginación y riesgo, que salva la elegante cámara de Im y el trabajo de los intérpretes. Similar a ‘The Housemaid’, con más humor y menos drama.

• ‘The Angels´ Share’, de Ken Loach. La versión más ligera y optimista del cineasta británico, que aun así no puede evitar reflejar la triste realidad del paro juvenil. Sorprendentemente se llevó el segundo premio del jurado.

• ‘On the Road’, de Walter Salles. El clásico ejemplo de película encadenada al libro en el que se basa, limitándose poco menos que a ilustrarlo. Bonitas postales y poca vida. Kristen Stewart regala un desnudo a sus millones de fans.

• ‘The Paperboy’, de Lee Daniels. Pura provocación. Sexo y violencia en un flojo relato con investigación criminal donde destaca Nicole Kidman. El realizador, sin embargo, se obsesiona con el cuerpo de Zac Efron.

• ‘In Another Country’, de Hong Sangsoo. El coreano vuelve a plantear sus temas habituales en tres historias protagonizadas por Isabelle Huppert, el alma de un film agradable e ingenioso.

• ‘Antiviral’, de Brandon Cronenberg. Atractiva ópera prima incluida en la sección “Una cierta mirada”. Destaca el trabajo de Caleb Landry Jones sufriendo una pesadilla que pierde frescura con el paso de los minutos y termina resultando repetitiva.

• ‘Post Tenebras Lux’, de Carlos Reygadas. El trabajo más pretencioso y hueco de la sección oficial; su fuerte es la iluminación y el retrato de la cotidianidad. De los que basan todo en la improvisación y la naturaleza. Injusta ganadora en la categoría de mejor dirección, gracias al fuerte apoyo de Andrea Arnold y Raoul Peck.

Si hago balance, encuentro 12 películas estimulantes y otras 6 donde las virtudes compensan sobradamente las torpezas, por lo que la conclusión sería que fue un buen festival. Sin embargo no es la sensación que tuve allí y no es la que conservo ahora mismo. Esperaba más. Quizá demasiado. Y puede que parte de mi decepción se deba a que la anterior edición fue especialmente afortunada, pero este año se le prestó demasiada atención a estrellas y películas norteamericanas (uno de los títulos protagonistas fue ‘Madagascar 3’…), y hubo trabajos en competición que no merecían tal honor, quizá porque los organizadores no tuvieron mucho donde elegir al quedarse sin platos fuertes como lo nuevo de Terrence Malick, Quentin Tarantino, Paul Thomas Anderson, Nicolas Winding Refn o Wong Kar-wai (nos mostraron avances de ‘Only God Forgives’ y ‘The Grandmasters’). Ya se empieza a hablar de Cannes 2013, citando grandes nombres. Pero lo siguiente es Venecia y creo que será un certamen superior a este. Quizá el año que viene pruebe suerte allí.

PD: Gracias a todos los que habéis seguido mis crónicas en Blogdecine y mis mensajes en twitter, en especial a los que habéis participado con comentarios. Habéis hecho que el trabajo merezca la pena.