Cine asiático

Escribir poesía es encontrar la belleza. Es descubrir la belleza verdadera en todo lo que vemos ante nosotros, en nuestra vida diaria.

(Kim Yong-tak)

De entre todas las novedades de las últimas semanas, con la cartelera inundada de propuestas de todo tipo (diferentes al menos superficialmente), yo os recomiendo buscar y apostar por un drama coreano titulado ‘Poesía’ (‘Shi’, 2010), que por fortuna se ha estrenado en las salas de nuestro país tras proyectarse en los festivales de Cannes (donde se llevó el premio al mejor guion) y San Sebastián. Se trata del último trabajo de Lee Chang-dong, del que el año pasado pudimos ver, tras dos años de retraso, ‘Secret Sunshine’ (sus otras tres películas permanecen inéditas en España). Licenciado en lengua y literatura, Lee empezó escribiendo y dirigiendo obras de teatro, luego se dedicó a la novela, fue profesor y ministro de cultura (durante un año), y ahora enseña dirección y guion en la universidad; actualmente, es uno de los creadores más interesantes de Corea del sur y, sin ninguna duda, del panorama internacional actual.

Para su quinto largometraje, el segundo tras su aventura política, Lee quiso contar con Yun Jung-hee, una veterana intérprete con más de trescientas películas a sus espaldas que se retiró hace quince años para vivir plácidamente en París con su marido. Considerada la mejor actriz en la historia de Corea del Sur, Yun ha confesado que seguían enviándole guiones pero que ninguno le entusiasmaba lo suficiente como para salir de su cómoda existencia, hasta que leyó ‘Poesía’. Dice mucho del compromiso de esta mujer con la historia, y de Lee como cineasta, que se llevaran toda una noche rodando (más de treinta tomas) una escena en la que la protagonista juega al bádminton en la calle. El esfuerzo, la vida, la experiencia, la pasión, el talento y el sentimiento, tanto de la actriz como del director, quedan impresos en los fotogramas de una película sensacional, de una contundencia y un lirismo que traspasan la pantalla hasta llegar directamente al corazón.

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Y seguimos con Ghibli. Ayer, en la noticia sobre lo próximo de Goro Miyazaki, mencionábamos la última película que había creado la productora de anime, ‘Kari-gurashi no Arietti’, que se podría traducir más o menos como «Arrietty, la diminuta», pero que en España llevará oficialmente el título ‘Arrietty y el mundo de los diminutos’ (y se estrenará el 16 de septiembre de 2011).

La película se basa en la novela de la escritora inglesa Mary Norton, que ya se había adaptado varias veces. La versión que más recordamos algunos es la serie norteamericana de TV ‘Los diminutos’ (‘The Borrowers’), que nos hablaba de unos seres de mínimas dimensiones que vivían en el aire acondicionado y no pasaban frío. Después se hizo una continuación británica y Peter Hewitt dirigió una película en 1997 con John Goodman y Jim Broadbent.

Una niña diminuta de catorce años conoce a un chico enfermo de tamaño normal y surge una historia de amor imposible entre dos mundos. Los diminutos toman objetos prestados a los humanos, pero tratan de no dejarse ver por ellos porque les temen. Pero Arietti no quiere creer que sean malvados. El trailer tiene una pinta estupenda.

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Goro Miyazaki podría dirigir para el Studio Ghibli la adaptación del manga de los años ’80 ‘Kokuriko Zaka Kara’, creado por Chizuru Takahashi y Tetsuro Sayama.

Este soho manga, que transcurre en 1963 — año 38 del período Showa, previo a las Olimpiadas de Tokio— narra el día a día de Komatsuzaki, una joven estudiante miembro del periódico de la escuela y presidente del consejo estudiantil, que quedó huérfana tras perder a sus padre en un accidente marítimo y a su madre, corresponsal de guerra, por una bala perdida.

Después de la decepción que supuso para el padre de Goro, Hayao Miyazaki, el debut de su hijo con ‘Cuentos de Terramar’, parece que vuelven a llevarse bien. Se comentaba que, de alguna forma, el autor veterano trataba de pedir perdón por la dureza con la que había criado a su hijo con ‘Ponyo en el acantilado’. La relación me cuesta verla, pero si alguien me dedicase una maravilla como ‘Ponyo’, le perdonaría casi cualquier cosa.

Por lo tanto, su colaboración se restablece y ahora Hayao Miyazaki participará en la escritura del guion de ‘Kokurikozaka Kara’, junto con Keiko Niwa, autor de ‘Karigurashi no Arrietty’, película basada en la novela fantástica ‘The Borrowers’ (‘Los diminutos’), de Mary Norton, que supone lo último de Ghibli y que dirige Hiromasa Yonebayashi. De la música de ‘Kokurikozaka Kara’ se encarga Aoi Teshima.

Pues nada, esperemos que, gracias a esta noticia, alguna editorial española se anime —el juego de palabras no era intencionado— a publicar este manga.

Vía | Zona Fandom.

Vamos a jugar para decidir quién es el mejor. Nadie sabrá quién le disparara. Solo uno sobrevivirá. Aquí y ahora.

(Park Chang-yi)

No sé si os pasará también a vosotros, pero en mi caso, con tantas películas disponibles (en la cartelera y en mi casa) cuando voy a elegir una, a menudo se da la circunstancia de que puedo sentarme a ver alguna por la que no tenía especial interés (casi siempre porque es un estreno o porque alguien más decide). Así que voy dejando de lado, y en repetidas ocasiones, como si nunca fuera el mejor momento, las que verdaderamente me despiertan mayor curiosidad, hasta que llego incluso a olvidarme de ella. Hace varios días, me encontraba sentado frente al teclado, buscando algo de inspiración, cuando me sorprendió encontrar el DVD de ‘El bueno, el malo y el raro’ (‘Joheunnom, nabbeunnom, isanghannom’) en mi estantería. Lo había comprado en Londres hacía un año (por cierto, con dos discos y a cuatro libras, nada que ver con la raquítica y cara edición española). Desde que vi el tráiler quise ver este remake coreano de ‘El bueno, el feo y el malo’ (‘Il buono, il brutto, il cattivo’, 1966), y decidí que ya era hora de comprobar lo que había hecho Kim Jee-woon con el clásico de Sergio Leone.

La verdad es que sentí una gran alegría durante los primeros minutos, mientras se iba gestando lo que parecía ser un espectacular y divertido western (con cierto aire de dibujos animados), justo lo que había leído en muchos sitios desde que el film se proyectara en el festival de Sitges hace un par de años. Pero la película va avanzando y poco a poco me doy cuenta de que me va importando cada vez menos lo que ocurre, hasta que llega un punto en el que me encuentro totalmente desconectado del relato, mirando la hora y tratando de acomodar mejor a mi dormida acompañante. Hacia el final vuelven a aparecer destellos de buen cine de acción, pero es después de tener que soportar una interminable persecución aburrídisma a lo largo de un desierto, que es imposible segur con atención, y aun con todo, el esperado duelo final no posee la magia ni está tan bien filmado como el de la película de Leone. Quizá por eso no quise verla hasta ahora, quizá olía la decepción.

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Los fantasmas no están ligados a ningún lugar, sino a las personas, a los vivos

-Boonmee

Antes de enfrentarme a mi segunda experiencia con el joven director tailandés Apichatpong Weerasethakul, constato que la consecución de la Palma de Oro de Cannes con ésta ‘Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas’ no ha hecho más que acentuar las hostilidades entre ciertos sectores de la crítica. A un lado, críticos como Carlos Boyero, Alberto Luchini o nuestro Juan Luis Caviaro. La odian sin ambages, representa para ellos el mal, todo lo que de pedante, vacío y fatuo tiene el cine considerado como “de autor”. Al otro, una revista como Cahiers du cinèma, Jordi Costa o Quim Casas. Fantástica, innovadora, un hito en la historia del séptimo arte, un volver a empezar semejante al de los Lumière. ¿Quién se equivoca? No lo sé, pero me muero por verla.

Ya adelanto que, sin posicionarme claramente en ninguno de los dos bandos irreconciliables, me ha gustado, y bastante, el personalísimo universo fílmico del director tailandés. No creo que haya inventado nada, pero tampoco veo necesario convertirlo en piñata por haber cometido el pecado de ganar el certamen cinematográfico más prestigioso del mundo. Si consigo interesar a alguien con este artículo e incitarle a ver una forma distinta de hacer cine —aunque al final no le guste—, y hablar de algo distinto a la Santísima Trinidad de este blog (sí, Nolan, Shyamalan y Cameron, habéis acertado) habré triunfado. Sin más, paso a explicar mis razones. Con SPOILERS.

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¡Tigre, tigre! Ardiendo brillante en los bosques de la noche. ¿Qué mano inmortal, qué ojo pudo trazar tu terrible simetría?

-William Blake

Los festivales de cine, como el resto del mundo, se mueven por modas. Y en estos momentos, el cine asiático arrasa. Pero a diferencia de décadas anteriores, China y Japón no son los protagonistas, sino cinematografías más exóticas como Filipinas, Vietnam o Tailandia. Los directores de los certámenes se pelean por conseguir lo último del enfant terrible filipino Raya Martin —del que tuve la desgracia de ver su insoportable ‘A Short Film About The Indio Nacional’ (id, 2005) —, la nueva película del morboso Brillante Mendoza o estrenar la próxima propuesta del sorprendente Jia ZhangKe. Pero quien ha hecho saltar la banca ha sido el talentoso cineasta tailandés Apichatpong Weerasethakul, que con su película ‘Uncle Boonme Who Can Recall His Past Lives’, machacada sin piedad hace unos días por mi compañero Juan Luis Caviaro, se ha llevado el premio gordo: la Palma de Oro del Festival de Cannes. A falta de ver ésta, sólo puedo hablar de su film inmediatamente un film anterior: ‘Tropical malady’ (‘Sud Pralad’, 2004), ganadora también del Gran Premio del Jurado en el festival francés.

Mientras desfilaban los títulos de crédito y el público abandonaba aturdido la sala, comprendí que la capacidad de sorpresa en el cine aún es posible más de un siglo después de que los hermanos Lumière aterrorizaran a los espectadores con la “Llegada de un tren a la estación”.‘Tropical malady’ son dos películas en una. O varias más. Son dos mundos en contacto, el real y el de los espíritus, y es el acercamiento a un país y a una filmografía ignota como es la tailandesa. No entenderemos todo lo que nos muestra un film libre y arriesgado como pocos, pero la experiencia realmente merece la pena. Como dice el nombre de nuestra nueva sección, hay más cine ahí fuera. Gran cine.

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Todo el mundo tiene motivos para matar

-Mitsuko Souma

Suena el “Réquiem” de Giusseppe Verdi mientras una voz en off desgrana datos que nos describen una sociedad sumida en la violencia y la destrucción al comienzo del nuevo milenio. De ahí pasamos a lo que parecen ser imágenes de una especie de “reality” sangriento y brutal. En medio del caos, las cámaras enfocan a una niña empapada en sangre agarrada a un peluche que sonríe siniestramente a cámara: es la ganadora del programa. El nombre del mismo: ‘Battle Royale’.

El año 2000 amaneció con una furiosa película japonesa que bebe de la estética manga con avidez; no es difícil encontrar rastros en ella de ‘Aula a la deriva’, de Kazuo Umezu, o ‘20th Century boys’, de Naoki Urasawa, así como de sangrientos videojuegos de lucha como el mítico ‘Tekken’. La película hace del salvajismo su bandera y escandalizó a no pocos espectadores en su día. Sin ir más lejos, las deserciones en el cine en que la estrenaron fueron múltiples —recuerdo especialmente a un señor trajeado que abandonó la sala entre gritos de indignación—. Me pregunto yo qué esperaba la gente de un film en el que se anunciaba ya desde el cartel la lucha a muerte de 42 tiernos adolescentes en una isla desierta. ¿Una comedia romántica? La película favorita de Tarantino en los últimos 25 años creó un encendido debate sobre los límites de la representación cinematográfica. Pasada ya una década desde su estreno, veamos si había para tanto.

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‘Encontré al diablo’, otra retorcida venganza

La nueva película del director Kim Jee-woon era una de las más atractivas de Sitges 2010, aunque no estaba incluida en la sección oficial competitiva. Protagonizada por las estrellas coreanas Choi Min-sik y Lee Byung-hun, ‘Encontré al diablo’, vendida internacionalmente como ‘I Saw the Devil’ (‘Akmareul boattda’, 2010) llegaba con la promesa de ofrecer un relato de violencia aterradora y extrema, a tenor de las reacciones que había provocado tras su paso por el festival de San Sebastián. Dejando al margen la famosa ‘A Serbian Film’ (que ha protagonizado, curiosamente en San Sebastián, un pequeño escándalo de lo más patético), os aviso que no es para tanto, en el cine asiático o el europeo (francés, sobre todo) hay títulos mucho más contundentes y brutales que el que firma Kim.

Dicho esto, ya se sabe que todo depende de la experiencia de cada uno, así que entiendo que se pueda considerar a ‘I Saw the Devil’ una película desagradable. Comparada con lo que suele ofrecer el cine estadounidense, es una salvajada. Hay escenas violentas, asesinatos y tortura, hablamos de un thriller que gira en torno a un hombre (un agente secreto) decidido a convertir en una pesadilla la vida de un psicópata asesino, que acabó con la vida de su prometida. No es ‘Bambi 2’, desde luego. Ahora bien, falla el ritmo de la película (las más de dos horas se notan mucho) y la progresión de la violencia. Puedes empezar fuerte, es más, con eso sorprendes y atrapas al espectador, pero luego tienes que ir de menos a más, reservando tu mejor carta para el clímax. Kim no lo hace, y es uno de los grandes errores de ‘I Saw the Devil’.

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Las dos películas de las que os voy a hablar a continuación formaban parte de la sección oficial competitiva de la pasada edición del festival de Sitges. Ambos trabajos proceden de Asia oriental, sus tramas están marcadas por retorcidos ajustes de cuentas y tienen a una mujer como como eje central del relato. Aun así, son dos obras muy diferentes, una es muy arriesgada, jugando peligrosamente con recursos de videoclip, mientras que la otra es más convencional, si bien está filmada con mucha elegancia. Os invito a descubrir dos de las películas más estimulantes de la programación de Sitges 2010:

‘Confessions’, terrible venganza

Hace casi un mes que asistí al pase de la japonesa ‘Confessions’, pero la recuerdo perfectamente, como si la hubiera visto ayer, aunque muchas más han pasado por mis retinas desde entonces. Que una obra se te quede grabada con tanta fuerza no indica necesariamente que sea un trabajo formidable (¿alguien ha podido olvidar los bodrios que ha visto en su vida?), pero en este caso sí creo que dice mucho a su favor. Porque en un principio ‘Confessions’ destaca por su atrevido y preciosista estilo visual, pero a diferencia de muchas otras películas que ofrecen esto mismo, no es eso lo que llega a cobrar relevancia y con lo que uno se queda, sino con la contundencia de un relato perturbador, violento y lleno de sorpresas.

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