Poco a poco, a cuentagotas, y con bastante retraso, nos van llegando a España algunos de los interesantes títulos que salen del vasto continente asiático. Uno de ellos ha sido ‘Mad Detective’ (‘Sun taam’), de Johnnie To y su habitual colaborador Wai Ka-fai; la película es de 2007, pero que aquí no se ha estrenado hasta el pasado 14 de agosto. Aparte de venir firmada por un cineasta de prestigio (al que me temo que aquí se conoce todavía poco) la película se ha paseado por varios festivales, como los de Sitges y Venecia, y recibió el premio al mejor guión por la Academia de Cine Asiático.

Pero todo eso no es más que publicidad al fin y al cabo, a esos festivales les interesa que en su programación esté lo nuevo de To, independientemente de la calidad del producto, y a una parte del público le atrae, a la hora de entrar a ver una u otra película, ver los simbolitos de varios certámenes en una esquina del cartel. Con pocas copias, es seguro que muchos lectores no tendrán la posibilidad de ir al cine a ver la película, pero en todo caso, tampoco lo recomiendo, siendo ‘Mad Detective’ uno de los trabajos menos acertados de sus realizadores.

La película gira en torno a Bun (Lau Ching Wan), un extraño detective de métodos poco ortodoxos dotado de habilidades especiales, como ponerse en el lugar de las víctimas y saber así quién las mató, o ver las verdaderas personalidades de los demás. En otras palabras, las personas tienen rostros ocultos, que Bun es capaz de ver, en la forma de otros individuos, que son los que de verdad actúan y deciden, sin máscaras. Estos “dones” le habían facultado para resolver los casos más difíciles, pero también acabó por volverle loco.

Retirado, solitario (aunque él ve a su esposa), trastornado, y sin una oreja, Bun recibe la visita del inspector Ho (Andy On), que le pide ayuda para tratar de aclarar un misterio que involucra a dos policías y una pistola. En concreto, Ho busca a un agente que desapareció estando de servicio junto a su compañero, el agente Chi Wai (Lam Ka-tung). Siendo el principal sospechoso, Bun sigue de cerca a Chi Wai y descubre pronto que es un impresionante conjunto de hasta siete personalidades. Tras un enfrentamiento con todas ellas, Bun descubre las pistas necesarias para resolver el caso…

El punto de partida es ciertamente original, y la forma en la que To y Wai lo plantean visualmente resulta fresca y divertida. Pero como suele pasar en sus películas, la fuerza del arranque va disminuyendo progresivamente conforme avanzan los minutos, como si no supieran por dónde seguir avanzando, repitiéndose y dando vueltas a lo mismo, dando como resultado una acción hueca y dispersa, que sólo despega de nuevo ya en el último tramo, especialmente en los últimos minutos, con un tenso tiroteo y un giro final que ciertamente deja bastante aturdido (en el buen sentido).

Del reparto hay que destacar el estupendo trabajo de Lau Ching Wan, un actor muy carismático que puede ser pura dinamita, como quedó demostrado en ‘Running out of Time’ (también de To) o ‘The Longest Nite’. Lau entra en su personaje y ofrece una interpretación impecable, es una pena que los directores no sepan sacar todo el partido a la historia, jugando a demasiadas cosas (comedia, thriller, fantástico, drama) sin profundizar en nada, perdiendo tiempo en explicaciones innecesarias y repitiendo escenas casi iguales.

Lo mejor, el particular protagonista compuesto por Lau, el sorprendente inicio (hasta el título) y la media hora final, cuando por fin se anima todo, y podemos ver lo que To y Wai deberían haber hecho mucho antes. Lo peor, que durante casi una hora la película es bastante plana, aburrida, y no se aprovechan las posibilidades que da tener a un personaje como Bun.

Studio Ghibli ha firmado un acuerdo con una distribuidora de nuestro país para editar en DVD sus grandes clásicos, incluyendo varios que no se habían estrenado en cine ni habían aparecido en ningún tipo de formato. Tras diversas experiencias no del todo satisfactorias, la productora Ghibli ha sido muy cautelosa en la elección del distribuidor.

La campaña comenzará el 28 de octubre con un lanzamiento doble. Saldrá a la venta la última obra maestra de Hayao Miyazaki, ‘Ponyo en el acantilado’. Más adelante, este film verá la primera edición en Blu Ray que se hace de una película de Ghibli en el mundo, ya que hasta ahora no se había autorizado.

Actualización del 3 de septiembre: ‘Mi vecino Totoro’ se podrá disfrutar en salas comerciales, a partir del 30 de octubre por tiempo limitado, y como preludio de su edición en DVD, el próximo 9 de diciembre.

Actualización del 20 de octubre: Ghibli lanza su página web oficial española.

Al mismo tiempo que ‘Ponyo en el acantilado’, aparecerá uno de los animes no editados en nuestro país: ‘Mimi wo sumaseba’ (1995). El título japonés significa literalmente “si escuchas atentamente”. En inglés se conoce como ‘Whisper of the Heart’ y de ahí sale la traducción española: ‘Susurros del corazón’. Está dirigida por el animador Yoshifumi Kondo sobre un guión de Hayao Miyazaki, que adapta el manga de Aoi Hîragi. A continuación se puede ver el tráiler:

‘Susurros del corazón’ nos cuenta la historia de Shizuku, una adolescente aficionada a la lectura, que pasa sus vacaciones en la biblioteca leyendo y traduciendo canciones extranjeras. Para su sorpresa, descubre que siempre aparece el nombre de Seji Amasawa en las fichas de los libros que toma prestados. Un día en el tren, se encuentra con un gato misterioso que la llevará a la tienda donde Seji trabaja como aprendiz de luthier. Seji le cuenta a Shuzuku que su sueño es llevar su arte a Italia, animándola también a escribir libros. A partir de entonces Shizuku y Seji prometen que estarán siempre juntos.

Curiosa la versión en japonés de la canción ‘Country Roads’ que ameniza el tráiler de ‘Susurros del corazón’. La marca del estudio Ghibli queda tan clara en esta producción que podría decirse que es otra creación más de Miyazaki.

En DVD, esta distribuidora ha editado ya títulos emblemáticos como ‘Cuentos de Terramar’ (‘Gedo senki’, 2006), de Goro Miyazaki; ‘Mis vecinos los Yamada’ (‘Hôhokekyo tonari no Yamada-kun (1999)’) y ‘Las Aventuras de Panda y sus Amigos’ (‘Panda kopanda’, 1972), ambas de Isao Takahata, cofundador, junto con Miyazaki, de la productora Ghibli; y ‘Puedo escuchar el mar’ (‘Umi ga Kikoeru’, 1993), de Tomomi Mochizuki. ‘El catillo ambulante’, la penúltima obra del propio Miyazaki padre, ya ha aparecido a la venta

Entre 2009 y 2010 se va a editar en DVD nueve películas, totalmente remasterizadas y en ediciones especiales. No sabemos si serán las únicas que aparezcan o si se continuará en los próximos años con más títulos. Seis de estos animes están dirigidos por Hayao Miyazaki y son los siguientes:

‘El Castillo en el Cielo’ (‘Tenkû no shiro Rapyuta’, 1986). Además de tener uno de los títulos que más problemas podrían dar si se pasasen directamente al español (a Miyazaki le ocurre un par de veces más), es una película bellísima en la que la noción fantástica de poder volar junto con tu hogar sirve de punto de partida para grandes aventuras. Si acaso se puede decir algo malo de Miyazaki, es que a veces la narración de los finales se le desfonda y este film puede ser uno de los que tienen ese pequeño defecto.

‘Mi Vecino Totoro’ (‘Tonari no Totoro’, 1988) puede ser la más lenta, pero también fascinante película de Miyazaki. Durante mucho tiempo ha sido la que se consideraba más de culto del director japonés.

‘Nicky, La Aprendiz de Bruja’ (‘Majo no takkyûbin’, 1989) Lo más notable es la recreación de las ciudades europeas de la zona de Suiza. Su historia es sencilla, pero los personajes son entrañables.

‘Pòrco Rósso’ (‘Kurenai no buta’, 1992). De las de Miyazaki, es una de las pocas películas de aventuras clásica, casi como si fuese de Hollywood o como si la hubiese firmado Howard Hawks. El final es muy elegante. Pero no le falta el punto fantástico, pues el protagonista se convierte en cerdo por una maldición.

‘La Princesa Mononoke’ (‘Mononoke Hime’, 1997) es como una auténtica pesadilla lúcida, llena de violencia y de enorme calidad. Miyazaki tiene algunas películas donde la narración se entiende peor que en otras porque son más oníricas o surrealistas. Ésta podría estar entre ellas, junto con ‘El castillo ambulante’ o ‘Totoro’.

‘Nausicäa del Valle del Viento’ (‘Kaze no tani no Naushika’, 1984), que es la única de Miyazaki que no he visto, así que me vendrá muy bien esta edición para recuperarla.

Además de la ya comentada ‘Susurros del Corazón’ (‘Mimi wo Sumaseba’), saldrán otras dos películas que no son de Miyazaki para completar los nueve títulos mencionados: ‘Recuerdos del Ayer’ (‘Omohide Poro Poro’, 1991), de Isao Takahata; que se conoce internacionalmente como ‘Only Yesterday’. De esta película lo que más me llamó la atención fue una escena en la que la familia come una piña como si fuese una cosa de otro planeta. La otra es ‘Pompoko’ (‘Heisei Tanuki Gassen Pompoko’, 1994), también de Takahata.

Las fechas de los demás lanzamientos se irán anunciando según se vayan acercando. Igor Ibeas, Director General Adjunto de Aurum Producciones, confiesa que están “aún definiendo, junto con Studio Ghibli, los plazos y los contenidos de los que vamos a disponer, empezando a trabajar en nuevos doblajes,etc… por lo que no queremos aún anunciar ninguna fecha concreta. Queremos tenerlo todo muy atado y que no vuelva a pasar lo que históricamente ha pasado con las películas de Ghibli. Los tiempos son distintos a los de otros lanzamientos, ya que además Ghibli supervisará todos los pasos que emprendamos. Lo que sí podemos asegurar es que este mismo año una parte de el catálogo estará disponible y que en el 2010 se editarán todas las demás películas. No descartamos incluso la posibilidad de estrenar en cine alguno de los títulos más emblemáticos”.

Vía | Aurum.

El anime de Mamoru Hosoda, ‘Toki o kakeru shôjo’ (2006), de la productora Mad House, se conoce internacionalmente como ‘The Girl Who Leapt Through Time’ (‘La chica que saltaba en el tiempo’). Está inspirado en la novela homónima de Yasutaka Tsutsui, publicada en revistas juveniles entre 1965 y 1966. Existen ya dos adaptaciones anteriores: una serie televisiva de 1972 y una película de 1983, y próximamente volverá a ser llevada a imagen real.

La versión de nuestro siglo nos sitúa unas décadas después, para contarnos la historia de una estudiante de instituto que adquiere el poder de viajar en el tiempo y comienza a utilizarlo de manera frívola para resolver problemas o simplemente para divertirse. Suele quedar con dos chicos para jugar al béisbol de manera inocente, pero, cuando se va acercando el final del curso, se va haciendo patente que ambos sienten por ella algo más que amistad.

Ganadora de varios premios, ‘The Girl Who Leapt Through Time’ es una película de imágenes preciosas y de una elegancia exquisita. Los planos recurrentes de una calle peatonal en cuesta que acaba en la vía, de un semáforo y una barrera ferroviaria, así como del amenazante tren que se acerca creando un peligro mortal son de una enorme belleza. Es en ese lugar donde ocurren casi todos los saltos temporales y donde tienen lugar los importantes giros de la trama que harán avanzar el argumento.

El estilo del dibujo es sencillo, limpio, con grandes planos generales y la animación en 2D está bien resuelta, aunque tenga menos intercalado que las grandes producciones. Los colores cercanos al pastel y los grises y azules muy apagados contribuyen a esa delicadeza que tienen todas las imágenes. Son especialmente originales los relojes y las imágenes que se pueden ver cuando se producen los saltos en el tiempo.

El retrato de los personajes transmite una gran inocencia que se traduce en un encanto general en el tono de la película que acaba invadiendo el espíritu de los espectadores. Esto se armoniza a la perfección con un ritmo pausado y contemplativo que demuestra que el film tiene más interés en mostrarnos los sentimientos de su joven protagonista que en narrarnos una peripecia de ciencia ficción. La idea de los viajes en el tiempo se convierte, así, en una mera excusa para hablarnos de Makoto, Chiaki y Kousuke.

Sin despegarse de ese estilo, en algunos momentos, ‘La chica que saltaba en el tiempo’ muestra destellos de un humor, que casi roza el slapstick, provocados por el patoso personaje de la protagonista. Estos instantes son igual de torpes para arrancarnos la risa que la propia Makoto, sin embargo, dentro de una película tan entrañable, antes que parecernos tontos, nos hacen sonreír por ternura.

Los saltos en el tiempo, como decía, tienen un lugar secundario en el argumento del film. Por este motivo, la explicación que la película introduce en sus minutos finales de por qué se producían estos viajes temporales y la solución que da a esta parte de la trama puede parecer pobre o poco estudiada. Quien espere ver un film del género de ciencia ficción, dejándose guiar por el título, puede que no encuentre en esta película lo que está buscando. El poso que deja ‘The Girl Who Leapt Through Time’ es el de haber visto algo muy bello de imágenes, pero que no ha satisfecho en cuanto a la historia, pues se trata de un argumento romántico dirigido a chicas adolescentes.

En España no se ha estrenado, pero se puede comprar en DVD por correo. Más adelante podéis ver un trailer subtitulado al inglés:

Mi puntuación:

Tony Jaa se ha convertido no sólo en una estrella de las artes marciales, un ídolo descomunal en Tailandia sino en uno de los principales baluartes de este subgénero cinematográfico, cultivado con esmero en Asia y que busca expandir su éxito como ya lo hiciera, sorprendiendo en ‘Ong-bak’ (2003). Fue ésta una película que cumplía con los patrones de este tipo de cine, sin ninguna historia especialmente original, pero que descubrió el enorme talento del elástico Tony Jaa, combinando el plato principal de brutales y espectaculares escenas de lucha (en concreto del Muay Tai), con una cierta frescura en su realización que fue el principal impulsor de su expansión internacional.

Como a otros muchos genios de las artes marciales en el cine, a Tony Jaa el ego se le infló poderosamente y no dudó en dar un paso de gigante, en una nueva muestra (por medio apareció ‘Thai Dragon’) mucho más costosa, más espectacular y que le hiciera más grande (y a su bolsillo). Para ello, no dudó en ponerse a cargo de la dirección de ‘Ong-bak 2: la leyenda del rey elefante’, y contar una historia hecha a su medida, en la que lucirse con especial énfasis. Así, se puso también a trabajar tras las cámaras junto con su maestro en el arte de la lucha, con la garantía que le daba arriesgarse a ello por su enorme éxito. La gran esperanza tailandesa que podría poner al país del sudeste asiático en el mapa cinematográfico internacional.

Lamentablemente, el proyecto desde su inicio y hasta la conclusión del rodaje fue un verdadero infierno a pesar de contar con un presupuesto casi impensable en tierras tailandesas. Pero no ésto no puede servir de excusa para no alcanzar un resultado que enorgulleciera a sus paisanos y llamara la atención a los aficionados a este cine de todo el mundo. Manos a la obra, esta nueva película intentaba explotar al máximo las cualidades de Tony Jaa y ambientarlo en una época pasada en un frondoso y exótico paisaje.

La premisa era bien sencilla: llevar a una nueva dimensión las escenas de lucha y aumentar la espectacularidad lo máximo posible. Sin embargo, y como es propio de este subgénero, la historia se conjuga con una gran sencillez, que sólo sirve de transición entre cada escena donde lo verdaderamente importante es mostrar el virtuosismo de Jaa.

A pesar de su título, ‘Ong-bak 2: la leyenda del rey elefante’ no guarda ninguna relación con la película que le hizo saltar a la fama. Ahora, se traslada la historia al siglo XV, en una Tailandia selvática dominada por reyes que intentan preservar la armonía y piratas desalmados que buscan adueñarse del caos y de todo lo que puedan requisar. Allí se ambienta este relato de una venganza, la de un hijo de la realeza que asiste al asesinato de sus padres y que buscará, con el odio creciendo en su interior, una vendetta acorde con el dolor sufrido.

Nada más hay y nada más interesa. Un guión tan esquemático, escuálido e infantiloide que raya lo bochornoso (casi se pueden contar las líneas de diálogo existentes). Pero quizás no se le pueda achacar tanto este pésimo aspecto, ya que no es el pilar sobre el que una película de artes marciales se sustenta, como al hecho de que está asunte de espontaneidad, frescura y el aderezo de unas pinceladas de humor que encontramos en ‘Ong-bak’. En esta entrega, sólo importa que Tony brille en su plasticidad, que alcance cotas asombrosas en el arte de la lucha, con todo tipo de armas y con una destreza espectacular. Eso lo consigue, pero es lo único. Y para eso no hace falta gastar tantos millones ni ambientar el relato en el pasado. Al margen de encontrar algunos momentos bochornosos (la escena de los elefantes es el cénit del absurdo), ridículos y disponer de una narración torpe, sin fluidez, acompañado de un deficiente diseño de efectos sonoros.

Una ensalada de hostias demasiado sosa, sin aliñar y que se engulle como verdadera fast food indigesta.

Mi puntuación:

‘Buda’ y ‘La princesa caballero’, de Osamu Tezuka, son obras de corte muy distinto. La primera es una saga medianamente larga, publicada en España en 10 tomos, que nos narra la biografía de Siddhartha, fundador del Budismo, y que no tiene problema para incluir críticas a la religión y un repaso a la historia, hecho de una forma muy personal.

Mi opinión es que se trata de una gran obra y que tiene muchas de las características del mangaka, como el humor metalingüístico, pero me gusta menos que otras de las sagas de similar duración, como ‘Adolf’ o ‘El árbol que da sombra’, quizá porque las ideas del budismo me producen un rechazo ideológico, o sea, por un motivo que poco tiene que ver con los méritos de Tezuka.

‘La princesa caballero’ (‘Ribon no Kishi’), sin embargo, se divide sólo en tres tomos y es uno de los pocos sojo mangas que creó Tezuka, es decir, lo que podríamos llamar un manga para chicas. Pero incluso dentro de esta etiqueta, lo que cuenta el japonés sigue siendo muy diferente a los clásicos del sojo, pues esa cursilería habitual en ellos aquí se evita gracias a humor y aventuras disparatadas.

Es una obra muy recomendable y, si hay algo que se le puede achacar es que, debido a la forma en la que fue escrita y publicada y a que Osamu Tezuka abandonó su creación para retomarla más adelante, no tiene una línea argumental muy clara, sino que pega algunos giros entre un tomo y otro. Pero esto también puede verse como parte del encanto.

La productora Tezuka Productions ha anunciado recientemente que planean estrenar las películas animadas basadas en estas dos obras manga para finales de 2010, aproximadamente.

En el caso del ‘Buda’, será la primera vez que esta obra vea la luz en animación. Mientras, ‘La princesa caballero’ ya tiene una película, estrenada en 1994, y un anime de 52 episodios llamado ‘Ribbon no Kishi’, que se comenzó a emitir en los años 60.

Sabemos ya, gracias a numerosas noticias, que la adaptación al cine en 3D de ‘Astro Boy’ está en camino. También habíamos comunicado que se trasladaría a la gran pantalla ‘MW’, un manga más corto que los mencionados en el primer párrafo y que personalmente encuentro magistral. Creado en los años setenta, contiene una crítica política hacia las armas nucleares y resulta muy polémico para el Japón de entonces porque introduce el tema de la homosexualidad.

Más información en Blogdecine sobre Osamu Tezuka.

Vía | Ramen para dos.

‘Despedidas’ (‘Okuribito’) se alzó con el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en la pasada edición de los famosos premios. Al respecto coincido con mi compañero Jesús León, quien en su crítica afirma, no sin razón, que gracias a ese premio hemos podido disfrutar en nuestro país (y supongo que en muchos otros) de una película como la que nos ocupa. Y así es, me temo. Si el film ganador hubiese sido ‘Vals con Bashir’ o ‘La clase’ (las dos favoritas), es muy probable que ‘Despedidas’ no hubiese gozado ni de estreno en salas comerciales, que todo hay que decirlo, tampoco ha disfrutado de una distribución envidiable.

Sea como fuere, el estreno se ha producido, y eso ha hecho que muchos hayan podido disfrutar de una película que merece todos los elogios posibles, acompañados de los epítetos que tanto nos gusta utilizar, más unas cuantas alabanzas. Yôjirô Takita, que proviene de realizar cintas eróticas se ha marcado un inesperado tanto con una película a la que se ha tachado de ser demasiado occidentalizada. Creo que lo más correcto sería decir que ‘Despedidas’ es una película universal, su mensaje llega a cualquiera más allá de doctrinas, creencias o culturas. Al fin y al cabo, uno de sus temas centrales es la muerte, ésa que no conoce de fronteras ni nacionalidades y a todos trata por igual.

‘Despedidas’ (la traducción literal del título original tendría que haber sido ‘El que envía’) narra la historia de Daigo Kobayashi, un violonchelista que se tiene que buscar la vida cuando la orquesta en la que toca se disuelve porque no compensa económicamente el mantenerla. Terminará siendo ayudante en una funeraria, en la que realizan una ceremonia de despedida del difunto delante de sus familiares, limpiando y maquillando el cuerpo para que su tránsito al otro mundo sea más puro. Daigo se verá metido en un oficio que en un principio no entiende demasiado bien, teniendo que ocultarlo a su propia mujer y conocidos, ya que no está bien aceptado socialmente.

‘Despedidas’ puede recordar a esa joya de la televisión llamada ‘A dos metros bajo tierra’ (‘Six Feet Under’) en la que la familia Fischer arregla sus propios problemas personales mientras día a día conviven con la muerte. Pero recuerda única y exclusivamente porque el personaje central del film trabaja en una funeraria, lo cual servirá de catalizador para hablar de otras cosas. La obra maestra de la HBO, a su modo trasciende sobre un tema muy común, pero al que todos tenemos un miedo atroz: la muerte. ‘Despedidas’ se acerca también a ella, desde una óptica localista, con sencillez aunque elevando el tono en determinados pasajes, lo cual servirá para ser tachada de sentimentaloide, cuando en verdad no debería ser así.

‘Despedidas’ recuerda en forma a otra película ganadora del mismo premio, y que suele ser la debilidad de todo cinéfilo: ‘Cinema paradiso’. Algunos pensarán que la comparación es exagerada o errónea, pero si se comparan ambas películas se verá que los resortes narrativos son exactamente los mismos, y la forma de llevar al espectador a donde el director quiere, manejando a su antojo los sentimientos de éste (algo parecido sucede en esa joya de nombre ‘Up’), pero lo hace descubriendo totalmente sus cartas, sin trucos ni manipulaciones, logrando ser un film honesto y sincero. Es el espectador quien decide (como ocurre siempre en esto del arte, tal y como decía Kubrick) entrar o no en ese juego. Por mi parte sólo puedo decir que entré de cabeza, dejándome arrastrar por todo un torrente de emociones expuestas a lo largo de una historia que trata no sólo de la muerte, sino del amor por el trabajo, la dedicación, el valor de la vida, el respeto, y sobre todo la comprensión.

Masahiro Motoki da vida al personaje central con una vitalidad sorprendente, comprendiendo a la perfección la evolución del mismo, logrando una empatía con el espectador fuera de lo común. Él es el pilar fundamental de la película. Desde su fracaso inicial, que le lleva a la frustración por tener que aceptar un trabajo que no comprende, mientras regresa a su pueblo natal donde la memoria le jugará una mala pesada, recordando a un padre que jamás le atendió como quiso. De sus primeros contactos con la muerte, a través de cadáveres que le repugnará tocar aprenderá el valor de la vida en sí y lo efímero de la misma, pero también comprenderá gracias a su jefe (un inmenso Tustomu Yamazaki) el valor de las ceremonias de despedida de los difuntos. El film alcanzará su apogeo en la búsqueda interior de los recuerdos de Daigo, catalizados a través de la más perfecta de las ceremonias, aquella en la que todo cobra sentido, y el film se convierte en una experiencia catártica.

Joe Hisaishi baña musicalmente las imágenes de ‘Despedidas’. El habitual compositor de Hayao Miyazaki es el intermediario entre la película y el público, son sus atemporales notas, cargadas de sensibilidad, las que nos introducen en la historia (cuánta importancia casi invisible hay en la banda sonora de este film, en las de tantos films…). Así pues, y sin cargar jamás las tintas, las melodías de Hisaishi, transportadas al cello de Daigo, acompañan con delicada pleitesía (como cada una de las ceremonias en los funerales) al protagonista, hasta esa explosión final en la que un enfoque de cámara alcanza dimensiones elegíacas.

‘Despedidas’ es un bálsamo en estos tiempos de incomprensión y prejuicios, una obra maestra instantánea e imperecedera, de sublime sencillez, a la que rendirse sin ningún tipo de rubor. Su sinceridad nos arropa con la misma delicadeza con la que Daigo viste a sus pacientes inmóviles, y nos hace recordar la importancia de estar vivos, no por la vida en sí, sino por lo que hacemos con ella.

Hay dos clases de personas. Los cabrones comunistas y los enemigos de los cabrones comunistas.

Recientemente os hablé de dos películas coreanas que partían del mismo núcleo argumental, la división y el conflicto entre las naciones del Sur y del Norte, pero con tratamientos muy diferentes, siendo una un thriller de acción (la mediocre ‘Typhoon’) y la otra un drama de intriga (la estupenda ‘Doble agente’). Os decía que es un punto de partida muy recurrente del cine de allí, ha dado mucho dinero, más aún cuando los norcoreanos (comunistas) se están convirtiendo cada vez más claramente en uno de los enemigos más peligrosos del llamado “mundo civilizado” (o capitalista), al que por supuesto pertenecen los surcoreanos, sus vecinos, sus hermanos. Hoy voy a cerrar este tema, por el momento, con la película que mejor lo ha plasmado, mezclando géneros de una forma ejemplar.

Hace diez años, ‘Shiri’ (1999) reventó las taquillas de Corea, eclipsando incluso a ‘Star Wars. Episodio I: La amenaza fantasma’; la película gira en torno a unos terroristas del Norte que amenazan con atentar en el Sur. Fue el principio de una nueva era cinematográfica en el país, que empezó a sentirse más interesado por lo que hacían sus compatriotas que por lo que llegaba de Hollywood, un comportamiento impensable en otros lugares. Sólo un año después se estrenó ‘JSA: Joint Security Area’ (2000), sobre el misterioso crimen de dos soldados norcoreanos, el público volvió a responder, con mayor entusiasmo aún, y la película desbancó a ‘Shiri’ como la más vista hasta entonces. Gracias a este éxito su realizador, Park Chan-wook pudo recuperar su carrera y emprender la famosa “trilogía de la venganza”.

La “Joint Security Area”, o “Área de seguridad compartida”, a la que hace referencia el título, es el lugar donde se produce el tiroteo sobre el que va a girar la trama; se trata de una zona que separa las fronteras de las dos naciones coreanas, con un puente al que llaman “el de no retorno”. Al parecer, un soldado surcoreano traspasó la frontera y asesinó a dos miembros del ejército norcoreano, que estaban de guardia; es la versión del Norte, mientras que el Sur, por el contrario, defiende que su soldado fue secuestrado, se liberó y disparó para salvar su vida. Lo único que está claro, a ciencia cierta, es que hay dos muertos y un autor que ha confesado. La delicada situación política podría verse agravada dependiendo de cómo se resuelva el caso, así que se hace llamar a una tercera parte, neutral, para que investigue los hechos y decida qué ocurrió realmente.

Así es como entra en escena la oficial del ejército suizo Sophie E. Jean (una impecable Lee Young-ae, por cierto, la futura “lady vengeance”), nacida y criada en Ginebra pero de padre coreano (más adelante se explicará su situación personal, por qué no tuvo a su hija en su país), lo que parece facultarla para entender la problemática situación, la tensión entre ambas naciones, sin sentirse implicada, ni favorecer a ninguna de las dos partes. Ella, que no había pisado suelo coreano en su vida, va a representar al público (más aún al internacional, que no conoce el país), siendo sus ojos, sus oídos y su lógica; ha llegado allí para descubrir lo que ha ocurrido realmente. Y la verdad es que al menos una de las dos versiones no es correcta. ¿Lo será la otra? Podría ser, pero hay un pequeño gran problema: en los cuerpos hay evidencias de dieciséis balas, pero del arma del soldado, que se ha declarado culpable de los disparos, sólo pueden haber salido quince. Falta una bala. Es decir, falta la verdad.

Nada más llegar, a Sophie le aclaran dónde se está metiendo. Por un lado le sueltan que debe ser neutral, y por otro, que debe elegir un bando (uno de los dos que señala la cita que he copiado arriba). Sin embargo, lo más importante es que tenga plena consciencia de la gravedad de las consecuencias que pueden derivarse, tanto del incidente como de la resolución del caso. Está jugando con fuego. Eso se desprende de la metáfora con la que se le retrata a la actual Corea: “Es como un bosque seco. Una pequeña chispa puede hacer arder el bosque entero“. A la mujer no le tiembla el pulso, e incluso bromea ante la seriedad de lo que tiene entre manos (sello del director, siempre hay humor, especialmente en las situaciones más inusuales). Tiene tres testigos, entre los que está el supuesto autor de los hechos, para intentar destapar todas las mentiras y dar con la solución.

Lo que comienza como un thriller detectivesco convencional, sobre un crimen a resolver, con un personaje atando cabos y tratando de descubrir la verdad, destinado a resolverse en el último momento, da un giro completo y se transforma en una comedia dramática que critica la situación política y militar de las dos Coreas. Así, tal cual, como si nada. Park Chan-wook separa al público de Sophie y lo mete en la cabeza de Lee Soo-hyeok (un convincente Lee Byung-hun, antes de convertirse en estrella), el soldado acusado de asesinar a los dos norcoreanos y herir a un tercero. Entonces empezamos a ver lo que ha ocurrido realmente, mientras la oficial continúa con sus propias (y certeras) averiguaciones. Y resulta nada es lo que parecía a simple vista. Lejos de lo que mantienen las autoridades de ambos países, separados y enfrentados desde hace más de medio siglo, lo cierto es que los soldados implicados no eran rivales, sino amigos.

Pronto descubrimos que bajo esa fachada de hostilidad, reglas y frialdad, de unos contra otros, en realidad se ocultan personas que, en otras circunstancias, podrían ser grandes amigos. ‘JSA: Joint Security Area’ apuesta por desvelar la estupidez del enfrentamiento y la división de las dos naciones hermanas, forzada, antinatural. La película trata sobre la propia situación que viven los coreanos pero su mensaje va más allá, pues en el fondo es un canto al entendimiento y la amistad de los hombres, al abandono de las armas y los conflictos bélicos. Hay una escena muy representativa, y muy divertida (la comedia puede ser en el fondo más efectiva como crítica que un drama), sobre el absurdo que mantienen las dos Coreas en torno a la vigilancia de las fronteras, cuando uno de los soldados (un sensacional, como de costumbre, Song Kang-ho) se hace el sorprendido y avisa con aparente seriedad a Lee: “Tu sombra ha cruzado la línea. Ten cuidado“.

Aunque la película se basa en una novela escrita por Park Sang-yeon, y tiene elementos del cine comercial, buscando la satisfacción del gran público (pero tratándolo de forma inteligente, no como se suele hacer cada vez más en los productos norteamericanos), se nota la particular visión y el inconfundible estilo visual del director de ‘Old Boy’, muy dado a componer planos atípicos, cargados de información, raramente gratuitos. Su mano en el guión también es evidente, ya que aparte del señalado humor negro, hay en la historia de ‘Joint Security Area’ similitudes con otros de sus trabajos, como el presentar a personajes que se ven envueltos, por el azar, en una situación de la que no pueden escapar, condenados de antemano a un destino trágico, e injusto. En definitiva, sólo me queda, me parece, recomendar a todos los que no la hayan visto que no esperen más, que la película se puede adquirir en DVD y es una joya, divertida, intensa, emocionante. Y con uno de los mejores finales que he visto nunca.

Hace un par de días os comentaba, con la excusa de la lamentable ‘Typhoon’, que en Corea del Sur los cineastas han descubierto un filón en el conflicto con Corea del Norte, creando historias de acción y suspense a partir del enfrentamiento entre ambas naciones. Lógicamente, lo normal es que el protagonista, el bueno, sea surcoreano, y su rival, el malo que quiere atentar contra una población inocente, sea norcoreano. Lo interesante es cuando la película consigue ir más allá de los tópicos y los convencionalismos, ofreciendo un verdadero drama entre hermanos, destinados a un final trágico, que en el fondo es la mayor crítica que se le puede hacer al asunto político, desde el punto de vista del cine como entretenimiento.

A esto mismo juega ‘Doble agente’ (‘Ijung gancheob’, 2003), una película coreana editada en nuestro país y vendida como “un thriller de espionaje e intriga política con lo mejor de la saga Bond“. Es una frase absurda que puede leerse en la portada del DVD, justo arriba de “estrenada en salas en Estados Unidos y Francia“. En teoría, con todo eso, se pretende convencer al dubitativo consumidor español que no busca una de chinos cualquiera, sino una de acción a lo Bond y que haya sido estrenada en cines, aunque sea en otro país. En realidad, esto no tiene nada que ver con la saga del agente 007 (bueno, se usan pistolas, eso es verdad), y tampoco hay intriga política, sólo espionaje. Pero lo importante es que la película merece la pena. Ésta sí.

La película comienza con un desfile por el aniversario del Partido de los Trabajadores, en Corea del Norte; entre las tomas reales sacadas de alguna pieza documental, se cuelan planos ficticios para insertar a Han Suk-kyu entre la multitud del ejército rojo, firme y orgulloso, un bloque al servicio del país. Es la primera señal de que Kim Hyeon-jeong ha querido dotar del máximo realismo a su historia, sumergir al espectador directamente en un conflicto verdadero. La buena noticia es que el realizador mantiene la coherencia a lo largo de todo el metraje, sin desviarse nunca por la vía fácil de la acción exagerada o el melodrama barato.

Destaca también, y esto sólo acaba de empezar, que el protagonista es norcoreano. Es decir, el héroe de la película, hecha en Corea del Sur, es el típico enemigo para el público de ese país. Kim vuelve a dejar claro que su película no va a seguir la corriente, va a ir en contra de ella. Sin embargo, durante prácticamente todo el primer acto, va a confundir las expectativas del espectador, especialmente las de aquel que no ha leído el argumento y se sienta a ver otro thriller con la separación de Corea como telón de fondo. Incluso los que sabemos de qué va, no podemos dejar de dudar, ante lo que se ve en pantalla. ¿Quién es realmente ese coreano que huye del Norte para refugiarse en el Sur? ¿Cuáles son sus verdaderas intenciones?

Lo que vemos es que Lim Byun-ho (interpretado de forma sensacional por Han Suk-kyu) es perseguido por agentes norcoreanos y, de milagro, ensangrentado, consigue refugiarse en el área democrática, buscando una nueva vida. Allí, por el contrario, lo que le espera es una demoledora sesión de palos, corriente eléctrica y chapuzones prolongados. Tortura, a cambio de confesión. Los surcoreanos no se fían y están convencidos de que Lim es un espía. Finalmente, tras no lograr nada, se le da un voto de confianza y empieza a trabajar para el gobierno, al que le viene bien toda la ayuda que un ex-agente del enemigo pueda prestarle.

Lim vive en un país libre, pero él no es libre; tiene un área limitada de la que no puede salir, un conductor oficial que le debe llevar a todas partes, sin perderle de vista, y la supervisión constante de un compañero siempre que realiza cualquier actividad en el departamento. Su carácter reservado y su trato atento, simpático con todos los que le rodean va relajando el ambiente, y pronto empieza a hacer amigos. Su pasado sigue ahí, latente, pero ya nadie duda de sus intenciones, es uno más. O eso creen todos. En medio de tanta tranquilidad, se prepara la tormenta. Lim se descubre ante el espectador, en privado, como lo que es en realidad, un instrumento para, en sus propias palabras, revolucionar el Sur.

Una película parece incompleta sin su correspondiente ración amorosa. ‘Doble agente’ no es una excepción, aunque la historia que vive el protagonista con la chica de turno es tan elegante e inusual como el tratamiento de todo el conjunto, algo que nuevamente se agradece muchísimo. El interés romántico de Lim es Yun Sun-mi (correcta labor de Ko So-young), una joven que ve en él el reflejo de su padre, desaparecido hace tiempo, al que ya apenas recuerda. Un mechero y una fotografía sirven de enlace entre ambas relaciones, a la vez que de (intento de) superación de la tristeza, la soledad y la desesperación.

Lo mejor de ‘Doble agente’ está en la inteligente manera con la que Kim Hyeon-jeong plantea la producción, centrándose más en el desarrollo y la psicología de los personajes, que en los puñetazos, las balas y las persecuciones, construyendo una película seria, dramática, humana, donde es imposible no ponerse de parte de Lim, al mismo tiempo que desear que abandone lo que es, lo que ha jurado defender a muerte, y se pase al bando de los “buenos”... aun cuando éstos también son capaces de despachar a una persona con la misma indiferencia que limpian un charco de sangre. Así funciona esta guerra, y así se devora a los peones. Hay momentos de esta película que no se me van a borrar nunca, aparentemente sencillos pero muy poderosos.

Dicho esto, y para no dar la errónea impresión de que me cuesta repartir estrellitas, es obvio que a la película no es todo lo que podría ser, que le falta presupuesto y quizá también ambición por parte de su realizador, que no arriesga más, satisfecho con mantener la sobriedad del conjunto y con dejar vía libre a Han Suk-kyu, que más que interpretar vive su personaje (repito, está fantástico). También cabe decir que se echa en falta algo más de dinamismo, de movimiento, más aún cuando los pocos chispazos de acción animan tanto, y varias escenas intimistas aportan tan poco. Pero vaya, que me quedo con los aciertos. Y menudo tramo final, ya quisieran muchos directores actuales, de Hollywood y de cualquier parte, crear tanta tensión como la que se respira en esa solitaria carretera.

Está muy claro que de no haberse alzado con el Oscar a la mejor película de habla no inglesa es muy probable que muy pocos la hubiesen visto y menos se habría hablado de ello. Lo cual, y aunque sea una vaga justificación, es de agradecer que se llevase la dorada estatuilla. ‘Despedidas’ (‘Departures’), dirigida por el veterano Yôjirô Takita, resulta un contundente melodrama que reflexiona con acierto y buenas dosis de profunda emoción sobre la muerte.

No se trata de un film redondo, posee algún que otro leve tropiezo o concesión al lirismo de la historia, pero aunque no se justifique plenamente, al menos están realizados con elegancia y no distorsiona con respecto a los sentimientos que intenta retratar. A través de un protagonista que tiene que reconducir su vida en el lugar donde nació, asistimos a una detallada, pausada y emotiva historia, en donde la familia y la reflexión sobre la vida, nos va embaucando al ritmo de una soberbia banda sonora (a cargo del gran Joe Hisaishi, habitual de las cintas de Kitano y Miyazaki).

Takita aborda el tema de la muerte con valentía y con valiente originalidad, al detallar el ritual ancestral de la ceremonia del embalsamiento de los muertos en el Japón contemporáneo. Desempeño que acaba realizando Daigo, un violencelista frustrado que regresa a su pueblo, perdido, confundido y apesadumbrado, para encontrar en los retales del pasado, de su odiado padre que lo abandonó, la fuerza y el valor para afrontar una vida teñida de pesimismo.

Junto con el apoyo de su mujer, siempre optimista, se encuentra, de casualidad, con un empleo como ayudante de embalsamador, mal visto socialmente y que oculta por miedo y vergüenza. Hasta que va descubriendo que con este trabajo tan atípico, pero lleno de sentimiento, de ceremonia ritual, se siente plenamente satisfecho. Ha encontrado su horma, pero su pasado, el de un hijo abandonado por su padre en plena infancia, le sigue pesando.

Memorable trabajo del actor protagonista, Masahiro Motoki, que compone con excelente sutileza y profunda pasión, a un personaje que logra transmitir todos sus sentimientos con apenas su mirada. Pero no menos reseñable resulta el trabajo de los secundarios. Desde Ryoko Hirosue, su mujer, hasta el inmenso Tsutomu Yamazaki, su jefe y mentor, que desarrolla un personaje de enorme presencia, gran fuerza y completamente entrañable, a la par que misterioso.

Como se ha señalado, la película no resulta perfecta. Contiene escenas prescindibles (como esos planos del protagonista tocando el violoncelo en distintas escenarios naturales), un final predecible, además de buscar forzadamente la lágrima o el vello erizado. A pesar de ello, Takita compone una narración espléndida, que avanza con gran inteligencia, con pausado ritmo, pero logra transmitir profunda ternura, emoción y valores humanos tan sinceros como hondos. Y es que ‘Despedidas’ es de una sinceridad pasmosa y tremendamente bella. Trata una ceremonia muy nipona, pero de fondo saca a relucir valores y sentimientos universales. Quizás eso fue lo que gustó a los miembros de la Academia de Hollywood y les llevó a otorgarle un inesperado Oscar, pero que se agradece haya servido para descubrirnos un gran título.

Mi puntuación:

Con el tiempo, y con esfuerzo, he logrado disminuir la cantidad de películas que compro al mes. También es cierto que me lo han puesto fácil, siendo España un lugar bastante malo para el consumidor de cine, para encontrar las mejores ediciones en DVD; por no hablar de todos los títulos que se editan de forma lamentable, a veces incluso sin subtítulos en castellano (pero sí en polaco o en turco, idiomas realmente fáciles de entender para cualquiera) o de las que sólo nos llegan con montajes recortados. Pero bueno, a pesar de todo, uno siempre encuentra cosas que comprar y llegó un momento en que me di cuenta que me estaba pasando, que tenía mucho más de lo que podía ver, y que incluso ya ni sabía qué tenía.

Es curioso porque a menudo encontraba algo que me resultaba tremendamente interesante, algo imprescindible, pero después de adquirirlo y llegar a casa, lo aparcaba en un rincón de la estantería. Cuando tocaba poner una película, optaba por alguna otra que tenía pendiente, dejando la “muy interesante” para otro día. Y van pasando. Pasando. Compré ‘Typhoon’ en un videoclub (segunda mano, tres euros) poco después de salir a la venta, sería en febrero del año pasado, con la ilusión de ver la película más cara hecha en Corea (al menos, en su momento). Finalmente, la vi hace un par de días, ninguna razón en especial. Y bueno, ojalá la hubiera dejado donde estaba.

‘Typhoon’ (‘Taepung’, 2005) se enmarca en ese subgénero típicamente coreano que es la rivalidad, a muerte, entre la nación del Norte y la del Sur. Una idea que ha dado mucho dinero en taquilla; fundamentalmente, se trata de thrillers de acción donde los surcoreanos, occidentales, capitalistas, los que hacen la película, son los buenos y un grupo de norcoreanos son los malos, los que quieren hacer daño entre la población inocente. Sin embargo, les gusta alterar este esquema básico introduciendo todo tipo de giros melodramáticos, que afectan a los, normalmente, dos protagonistas, el perfecto agente surcoreano y el despiadado asesino norcoreano. Ambos son, en el fondo, hermanos, fruto de la misma nación, y han sido las circunstancias de uno y de otro las que han hecho que se vean enfrentados, hasta la última gota de sangre.

Esta ‘Typhoon’ pretendía repetir la jugada lograda por ‘Shiri’ (también editada en nuestro país) y convertirse en todo un fenómeno de masas en Corea del Sur. Para ello, se contó con el mayor presupuesto de su Historia y con el protagonismo de uno de las estrellas más taquilleros del país, Jang Dong-kun, en principio, una garantía de éxito de público. Este actor tiene un rostro muy peculiar y quizá lo hayáis visto en títulos como ‘Lazos de guerra’ (disponible en DVD) o ‘La promesa’, que llegó a estrenarse en los cines españoles; a mí particularmente me parece un intérprete bastante mediocre, incapaz de transmitir nada y muy dado a la sobreactuación, pero supongo que a las niñas coreanas las vuelve locas, no se me ocurre otro motivo para su popularidad. Lo que sí es cierto es que aquí, al menos, intenta hacer algo diferente. No le sale, porque es muy malo (a veces parece que quiere crear un Jack Sparrow malvado), pero oye, se agradece el esfuerzo.

A pesar de que Jang encabezara el reparto, que el argumento me sonara ya a repetido, y que la película fuera un sonado fracaso en Corea, como he dicho más arriba le tenía muchas ganas y cuando pulsé el “play” lo último que me esperaba era… esto. Normalmente, un film malo lo pillas a la primera, desde el principio. Y así pasa con ‘Typhoon’. A los pocos minutos ya me di cuenta que estaba empezando a ver otro fiasco, otra película deficiente, mal hecha, una completa pérdida de tiempo. Pero soy de los que no soportan abandonar una película empezada y, bueno, siempre queda la esperanza de encontrar algo valioso, sorprendente. No aquí, aquí no hay nada.

‘Typhoon’ comienza mostrándonos cómo un barco estadounidense es atacado por unos piratas en aguas del Sur de Asia. La forma en la que Kwak Kyung-taek presenta su película (tres tipos que no van a salir más diciendo chorradas, y se supone que esto era una GRAN película) y filma la masacre llevada a cabo por los norcoreanos es tan lamentable como todo el resto que aún está por llegar, un intento de crear un thriller trepidante y emotivo mezclando el estilo coreano con el de Hollywood que se queda en un completo desastre, como si fuera un telefilme que te encuentras una tarde y lo dejas durante unos minutos para reírte un rato, hasta que te aburres y cambias de canal o te duermes. No hay historia y los personajes se limitan a ser estereotipos con biografías escritas deprisa y corriendo.

Kwak, responsable de aquel hito llamado ‘Friend’, comete un auténtico destrozo con el flojo material que tiene entre manos, un guión en el que se alternan secuencias de acción con ñoñas piezas dramáticas en las que los protagonistas se dedican a recordarnos lo mucho que querían a sus padres y cosas similares; la idea es aportar capas de profundidad a los personajes interpretados por Jang y Lee Jung-jae (otra estrella coreana, visto en ‘Il Mare’, por ejemplo, la primera versión de ‘Una casa en el lago’), pero el resultado dista mucho de las intenciones, y para muestra los recuerdos de éste sobre su padre o la anécdota que cuenta sobre un rescate (que parece que se lo inventa sobre la marcha para caer mejor). No hay nada en esta película que transmita emoción, todo está muy forzado, como la escena en la que el pirata se reencuentra con su hermana y se ponen a llorar como locos, de auténtica vergüenza ajena.

Todo esto quedaría en segundo plano si Kwak Kyung-taek aprovechara los momentos de acción para ofrecer espectáculo bien entendido, pero lo que deberían ser persecuciones trepidantes y tiroteos salvajes se quedan en secuencias mareantes, mal planificadas y peor montadas, carentes de sentido, sin suspense alguno. Esto se ve, como dije, nada más empezar, cuando los piratas asaltan el barco para robar un cargamento que les proporcionará la posibilidad de destruir el país enemigo (luego resultará que el plan verdadero era otro, pero bueno, dejémoslo ahí); hay un auténtico descontrol rítmico en esa secuencia (en todas las demás que vienen), alternando planos largos y cortos sin ningún sentido, centrando la atención en lugares donde no ocurre nada, metiendo cámara lenta cada dos por tres (aún se piensa que esto es espectacular, independientemente de cómo se incluya) o mostrando un montón de muertes iguales, víctimas de tropecientos disparos.

Supongo que pensaréis que calificar a esta película como un bodrio, valorarla con cero estrellitas, es una pasada por mi parte. Bueno, es posible, pero mirad, si la presentación de uno de los protagonistas se despacha con una partida de rugby en la playa (para que el actor luzca su torso desnudo) o si en medio de una secuencia en la que el espectador debe estar pegado a la pantalla, sin perder detalle, te sacan el dedo de un tipo pulsando unas teclas, o si muestran un acontecimiento pasado y luego lo explican y lo vuelven a sacar en off o en trozos a cámara lenta… sinceramente, yo con cosas así no puedo. En fin, no me queda más que advertiros, si veis el DVD de ‘Typhoon’ por ahí, en una estantería, huid, ¡huid!