Mi opinión sobre Jackie Chan no ha cambiado a lo que ya comenté en una anterior entrada sobre sus mejores secuencias sin especialista. Si la valía de un actor se debe medir porque no necesite ninguna ayuda para rodar ciertas secuencias, o por su habilidad para rodar escenas de peleas, mi interés por este tipo de cine será nulo. No obstante, y a tener del recibimiento que tienen las entradas que sobre el actor publicamos, éste tiene su número de seguidores.

Por eso traemos este vídeo en donde The Cinemassacre realiza un recopilatorio de las que a su juicio son sus 10 mejores escenas de peleas. Insisto en lo de a su juicio, que como siempre cada lector y fan del actor tendrá sus diez favoritas. Pero ahí están los comentarios para opinar, y mejorar o recordar los olvidos. Servidor poco puede aportar, del cine asiático prefiere otro tipo de cine. Menos entretenido, seguro, pero más satisfactorio, que el cine no va a ser sólo entretenimiento.

Vía | Pixel y Dixel
En blogdecine | Entradas sobre Jackie Chan

Hay un calificativo que suele acompañar al cine asiático en general: lentitud. Desde luego, hay una diferencia en la forma de narrar, algo que no puede comprenderse si se busca el consumo rápido de palomitas o el de cómodos clásicos de probada competencia. El cine oriental juega a otra cosa, al menos el que corresponde a directores-autores, con su sello personal. El comercial tiende a acercarse a un gusto global, para extender sus ramas y poder rascar dinero de todos los bolsillos. Esto podemos verlo en el cine de acción o el de terror, muy populares por aquí.

El público occidental está tan acostumbrado a la velocidad del cine norteamericano y de la televisión que las obras de gente como Wong Kar-Wai, Zhang Yimou, Kim Ki-Duk o Takeshi Kitano (por no hablar de clásicos como Akira Kurosawa o Yasujiro Ozu) resultan tremendamente pesadas, aburridas, lentas. En una ocasión, en una de esas conversaciones tan habituales como insustanciales, sobre esto mismo, me dijeron que lo peor de todo es cuando los “chinos” (aquí vale cualquiera con los ojos rasgados) se quedan en silencio y en la escena no ocurre nada. Yo le respondí que lo hacían para que le diera tiempo a leer los subtítulos. Creo recordar que se hizo el sordo.

Pero sigamos con esa queja de la lentitud y el “es que no pasa nada”. A priori, creo que nadie quiere eso, el movimiento es lo que capta nuestra atención, lo que no se mueve o lo que permanece estático nos aburre. A posteriori, hay que ver cada caso concreto.

Un silencio en una pareja puede ser mucho más interesante, emotivo y significativo que una interminable sucesión de diálogos para soltar obviedades y frases tópicas. Una sola mirada entre un hijo y un padre moribundo puede emocionarnos mucho más que una lacrimógena charla entre ellos sobre el tiempo perdido. Lo importante, pues, no es el silencio o la inacción. Lo importante es que la escena tenga sentido, contenido y sea fruto de una planificación inteligente, de un proceso creativo elaborado.

Personalmente, y como creo que ya sabe cualquiera que me conozca lo más mínimo, encuentro más interesante que aburrida esa “lentitud” en el cine asiático. Hay cineastas que realmente aprovechan cada plano para que, sin necesidad de palabras y a menudo con cámara lenta o movimientos elegantes de la cámara, o incluso sin movimientos de ningún tipo, el espectador se sienta pegado a cada fotograma. Porque está implicado en la historia, porque quiere saber qué ocurre ahí con esos personajes.

Lo que para mí no tiene sentido, y lo que hacen directores como Hou Hsiao Hsien, es olvidarse del espectador, abandonar la planificación y dejar lo más posible a la improvisación y a la captación del momento. La cámara queda ahí quieta y asistimos, durante minutos, a un vacío narrativo que acaba por resultar desesperante. A esto se le suma un esteticismo vacío que ofrezca una excusa para su defensa desde el punto de vista técnico, y punto y final.

Es curioso, porque este es el tipo de cine que más gusta en los festivales europeos de mayor prestigio. Películas que, a mi parecer, abusan de ese recurso de, simplemente (porque es simple, en su sentido negativo), dejar que la cámara capte un (largo y vacío) momento. ¿Ejemplos? ‘Elephant’ (podríamos incluir toda la llamada “trilogía de la muerte[del espectador]” de Gus Van Sant), ‘Caché’ (parcialmente inquietante, parcialmente intrascentente) o ‘Naturaleza Muerta’ (de Jia Zhang Ke).

Y ahora volvamos al señor Hou Hsiao Hsien, que es otro que encanta en estos festivales, donde uno podría hacerse millonario vendiendo almohadas, y a su obra. ‘Millenium Mambo’ (‘Qianxi mambo’, 2001) es una de sus películas más conocidas por aquí, debido a su edición en DVD y a la presencia, siempre de agradecer, de la actriz Shu Qi. Por estas dos mismas razones muchos han visto (o dormido en el intento) ‘Tiempos de Amor, Juventud y Libertad’. Al margen de estas dos, ‘El maestro de marionetas’ es la película más famosa del director taiwanés nacido en China.

‘Millenium Mambo’ gira en torno a Vicky, una joven que trabaja como relaciones públicas en una discoteca, con el corazón dividido entre dos hombres, Hao-Hao y Jack. El primero es su novio, quien la controla constantemente, desde las llamadas del móvil hasta incluso su olor corporal. A pesar de estar harta de él, Vicky siempre vuelve en cuanto Hao-Hao se lo pide. Por el contrario, la relación de ella con Jack es mucho más íntima y cercana, pero que no pasa de la amistad.

Hsiao Hsien dedica casi dos horas del espectador a mostrarle, básicamente, lo bien que queda Shu Qi delante de la cámara. Algo que todos ya sabíamos, por otra parte, y que, a menos que la chica comience a despojarse de su ropa, carece de sentido. Bromas aparte, ‘Millenium Mambo’ es otra muestra más de ese cine al que me refería, simple, improvisado, estético… vacío.

Se supone que debemos encontrar, entre otras cosas, y mientras soltamos el enésimo bostezo, un análisis o una reflexión sobre la juventud taiwanesa en el cambio de siglo; que levante la mano quien tenga interés en semejante asunto. Pero sí, esto es limitar la visión, de acuerdo. Extendamos el objetivo a la juventud en general. Aquí vemos a unos jóvenes aburridos que se van de marcha. ¿Dónde está la reflexión? ¿Dónde está la creación? Ah, vale, que esto va de una chica que tiene un novio ocioso y celoso, que la huele cada vez que llega a casa (idea que habrá provocado que Kim Ki-Duk se haya dado varios cabezazos en la pared).

De acuerdo. La pregunta ahora es: ¿es necesaria tanta repetición de escenas en las que vemos la situación de la pareja? ¿Tenemos que ver al novio oliendo a la chica varias veces? ¿Necesitamos que nos digan que robó un reloj y luego ver la escena en la que dice que ha robado un reloj? ¿Hay que mostrar a un personaje peleándose varias veces para que sepamos que es conflictivo? Definitivamente, a todas las preguntas, no. Hou Hsiao Hsien, por el contrario, a tenor del film que nos ocupa, cree que sí. Abusa de la improvisación (ojito a los diálogos), de la cámara estática, de la repetición gratuita de secuencias y de componer planos estéticamente bonitos para lucimiento de la señorita Shu Qi.

Podría seguir describiendo las debilidades de un film tan insípido e intrascendente como ‘Millenium Mambo’, pero creo que no tiene sentido y que lo importante está dicho. La idea que quiero que os quede: ver esta película y quedarse dos horas mirando el techo es prácticamente lo mismo. Vale, está Shu Qi; pero para eso os ponéis, por ejemplo, ‘Máximo Rival’, que por lo menos es entretenida cual bolsa de pipas. ‘Millenium Mambo’ es, en pocas palabras, una aburrida pérdida de tiempo.

El cine nos ha proporcionado un buen número de formas de cometer un crimen. El siempre fascinante tema del crimen perfecto, eso que, dicen, no existe. También hay numerosas películas sobre asesinos en serie, otro subgénero muy popular. Y un grupo de obras sobre dos personas que deciden cometer uno o más asesinatos, buscando así probar su superior inteligencia. ‘Copycat Killer’ pertenece a este último tipo. Eso sí, la película, comparada con obras maestras como ‘Extraños en un Tren’, ‘La Soga’ o ‘Impulso Criminal’, es un verdadero insulto. Los responsables de este lamentable producto consiguen otra forma, diferente y más sutil, de cometer un crimen, cargándose al espectador de forma rápida y contundente.

‘Copycat Killer’ (‘Mohou-Han’, 2002) gira en torno a una serie de asesinatos brutales que están conmocionando a Japón. El asesino juega con la policía y con los medios de comunicación de forma alarmante. En realidad, todo es un plan “perfecto” ideado por dos amigos que han decidido cometer una serie de asesinatos. Supuestamente, la película está basada en hechos reales (me encanta cuando se molestan en destacar esto, como si esto fuera algo bueno); hechos que recoge la novela de Miyuki Miyabe, que es la obra que ha adaptado Yoshimitsu Morita.

La película es tan mala que calificarla de vulgar telefilme es incluso hacerle un cumplido. Desde los títulos de crédito iniciales, la cosa se ve venir, pero nunca imagina uno que se pueda llegar a estos niveles de despropósito. Morita convierte los mareantes movimientos de Michael Bay en el colmo de la elegancia y abusa de toda clase de cutres recursos televisivos, hasta extremos donde ‘Aquí hay tomate’ jamás se atrevió a llegar.

Lo único que se salva de la quema es la llamativa estructura de la trama. Como he escrito en el párrafo de arriba, todo parece ser obra de un asesino en serie que gusta de jugar con la policía y los medios, en plan ‘Zodiac’. Sin embargo, transcurrida una penosa parte en la que el padre de una de las víctimas intenta comunicarse con el criminal y descubrir el paradero de su hija, se nos muestra quién está detrás de todo el asunto criminal, cómo se ha preparado y cómo se ha ejecutado, repitiendo secuencias anteriores pero desde el punto de vista de los criminales.

En el caso de que un espectador tenga la infinita paciencia de llegar hasta ahí, le aconsejaría que abandonara el sufrimiento del visionado, porque el resto es incluso más ridículo (lo de “la operación rodillo” es para caerse de la silla). Los personajes son absurdos y no hay un actor que resulte mínimamente convincente en ninguna línea del desastroso guión. Casi resulta cómico cómo se ha pretendido ir mucho más allá de las ínfimas posibilidades del producto, incluyendo una parte crítica tan superficial como tópica sobre los medios y el morbo de la gente hacia la violencia.

Pero si hay algo patético en ‘Copycat Killer’ son los dos amigos asesinos, interpretados por Kanji Tsuda y Masahiro Nakai. De risa. Soltando frases supuestamente inteligentes y discursitos a cual más estúpido y menos acorde con el resto de lo que se dice en la escena; destacar por ejemplo la escena en la que se ponen a llamar por teléfono y charlar sobre bebidas de marca. En fin, creo que la imagen de arriba habla por sí sola. Lástima de no poder poner también la musiquilla pastillera que acompaña a la imagen, de vergüenza ajena.

Es escandoloso que un film como éste haya llegado a venderse (¡y a un precio nada asequible!) en nuestro país cuando otras películas asiáticas maravillosas siguen aún inéditas. Ya si nos referimos al cine mundial o a grandes clásicos, es para echarse a llorar; Alberto lo sabe bien, está el hombre como loco desde que descubrió la zona 1. Con adjetivos como “espeluznante” o “impactante”, que dicen en la contraportada de ‘Copycat Killer’, pretenden captar al público desinformado que alquila o compra todo lo que vaya sobre crímenes y lleve la palabra “thriller” en alguna parte. Espeluznante thriller… ¡Desde luego! Es lo más espeluznante que ha pasado por mis retinas en años. Y eso que he llegado a ver Eurovisión (a ratos, nunca entero, sigo conservando mi humanidad).

Por cierto, aunque la película es un completo bodrio y no recomiendo su compra a ningún ser humano, ni siquiera a uno cercano al mono, como los nazis, cabe destacar que en la edición en DVD no trae ni siquiera subtítulos. ¿Cómo es posible que vendan una película extranjera en España y no le incorporen subtítulos? Lo de siempre… a la mayoría le da igual este tema porque lo ven doblado al español y a la minoría que sí le importa son considerados frikis irrelevantes.

No sé realmente en quién estaban pensando cuando editaron el DVD de ‘Copycat Killer’ en nuestro país. ¿Fanáticos absolutos del cine asiático? ¿Locos de las películas de asesinos en serie? ¿Gente que necesitaba comprobar que también se hacen malas películas más allá de nuestras fronteras? Ni idea. Un guión vergonzoso, una realización que daña la vista, unas interpretaciones de risa y uno de los finales más patéticos de la Historia. Bodrio en estado puro.

He aquí uno de los directores actuales que más me interesan. Uno de mis favoritos; uno de esos autores que marcan un antes y un después en la memoria del espectador. Takashi Miike era un desconocido en nuestro país hasta que llegó ‘Audition’. ‘Llamada Perdida’, más comercial, más simple, igualmente efectiva, volvió a hacer sonar el nombre de Miike entre el público. Ahora, gracias a Quentin Tarantino, el director japonés vuelve a hacer ruido con su ‘Sukiyaki Western: Django’, presentada en Sitges pero aún sin fecha de estreno en nuestro país.

Muchos calificativos acompañan a Miike. Los más usados: prolífico, transgresor, radical, violento, polémico, ecléctico. Desde luego, se los merece. Yo añadiría uno que no suelo ver: cómico. De hecho, fue esta faceta suya la que me atrapó. Tiene un sentido del humor de lo más particular, sucio, ácido, realista, absurdo, “insano” (o enfermo, si se quiere). Personalmente, encuentro refrescante esa actitud suya de salirse de la norma. Es por lo que he seguido fielmente la trayectoria de Miike, a pesar de obras horrorosas como ‘Andromedia’, ‘Izo’ o ‘Big Bang Love Juvenile A’. Perdonables, al fin y al cabo, el riesgo es de agradecer. Destacar también que al japonés le encanta jugar con el espectador, especialmente con esos finales imposibles donde el director reta, divertido, a buscar sentido a algo que, directamente, no lo tiene. Si buscáis, encontraréis infinitas interpretaciones de los desenlaces de ‘Ichi the Killer’ o la mencionada ‘Llamada Perdida’.

Sin embargo, la violencia parece serlo todo hoy día. Y es por el modo de mostrar la violencia y por cómo escandaliza a la audiencia mayoritaria por lo que Miike se ha hecho popular. Por ese final de ‘Audition’, por la brutalidad de ‘Imprint’, que fue censurado en ese país tan poderoso y tan hipócrita como Estados Unidos. Es normal. Es lo que más llama la atención. Yo aconsejo a los que sólo se quedan con esta visión que vean títulos como ‘The Bird People in China’ o ‘The Great Yokai War’. A Miike no se lo puede encasillar. Hace lo que le da la gana y se divierte jugando con todo; y se nota.

Afortunadamente, el público español tiene fácil acceso al cine de Miike, al menos a una parte. Se han editado un buen puñado de sus películas en DVD (incluyendo también la delirante serie ‘MPD Psycho’) y cada año tenemos el festival de Sitges, donde siempre se proyectan una o varias películas del realizador. Con intención de ayudar al que quiere sumergirse en su obra, aquí os dejo con una lista de títulos. Son las siete películas que considero imprescindibles de la filmografía de Takashi Miike.

• ‘Fudoh. The New Generation’ (1996)

En más de un sitio (la famosa wikipedia, por ejemplo) se dice que Miike es el Tarantino asiático. Dejando a un lado lo absurdo que resulta catalogar de “tarantiniano” a cualquier director que, entre otras cosas, acuda a la violencia gratuita y a tipos trajeados que se disparan entre sí, me llama la atención que se dé la vuelta de esta forma a la realidad. Miike no es “un tarantino asiático”; es Tarantino quien ha recurrido a Miike, igual que ha recurrido a Sergio Leone o a Ringo Lam. Una prueba de ello es esta ‘Fudoh’ y esas colegialas tan peligrosas. A partir de uno de los temas favoritos del director, el honor de los yakuza, nace y se desarrolla una película bizarra donde las haya, puro Miike a 24 fotogramas por segundo, muy divertida, una de las que se quedan en la memoria. Momento para el recuerdo: Me quedo con la secuencia del club en la que una chica vestida de colegiala hace un uso sorprendente de… sus partes íntimas.

• ‘Audition’ (1999)

Ya la recomendé en aquel post para iniciarse en el cine asiático. Personalmente, es mi favorita de Miike. Quizá le tengo especial cariño porque fue la primera suya que vi, quizá adore ese toque fantástico, de pesadilla, que la aleja del típico y simple género de terror, quizá me atrapa ese personaje femenino tan misterioso, de mirada delicada y risa cruel… En cualquier caso, una película fascinante que merece ser vista, masticada, sufrida y reflexionada; al menos una vez. Momento para el recuerdo: A nadie que vea esta película se le va a olvidar eso de “kiri kiri kiri”. La mezcla de sueño-realidad da un último giro, la realidad se transforma en pesadilla (o viceversa, según como quieras verlo), y el protagonista recibe un castigo extremadamente doloroso.

• ‘Dead or Alive’ (1999)

Primera parte de una trilogía que enfrenta a Sho Aikawa y Riki Takeuchi, dos habituales de este director, para mí dos razones para ver cualquier película. El arranque de ‘Dead or Alive’ es inolvidable, un escandaloso chute de ruido, flashes y violencia que nos adentra de forma inmejorable en el universo Miike. Como digo, la película tuvo dos secuelas, una muy sobria, nostálgica, y otra de ciencia ficción, sencillamente disparatada. La primera película es básicamente “una de yakuzas”, con la típica lucha de bandas y la policía en medio. Eso sí, el ritmo es lento y puede aburrir al espectador occidental, tenedlo en cuenta. Momento para el recuerdo: El principio es demoledor pero, yo me quedo con el final. Uno de los desenlaces más divertidos e increíbles que he visto, sólo superado por el que da cierre a la trilogía ‘DOA’, de lo más demencial de Miike.

• ‘Ichi the Killer’ (2001)

Al parecer, la favorita de la mayoría de los Miike-adictos. Yo la encuentro algo decepcionante, al centrarse demasiado en el personaje de Ichi y dejar un poco de lado al mucho más fascinante rol que interpreta un memorable Tadanobu Asano. Otra de yakuzas, otra de violencia extrema, otra de múltiples toques sexuales, pero estamos hablando de Miike y la mezcla no es para nada tópica. Interesante, impactante, extrañamente divertida y con algunas escenas que no olvidarás nunca. Momento para el recuerdo: El final es de los que el juguetón de Miike te obliga a recomponer toda la película mental e inútilmente, en busca de alguna clave, pero creo que la imagen que se nos queda a todos es la del personaje de Asano disfrutando sádicamente con una brutal tortura que será el comienzo de su final.

• ‘Visitor Q’ (2001)

Vaya por delante una cosa: no recomiendo ver esta película. Pero al margen de mi particularísimo punto de vista, creo que éste es un título fundamental en el filmografía de Miike, al menos, así es como se le trata comúnmente. Todo interesado en Miike debe ver/sufrir esta película. En pocas palabras, es una película terriblemente desagradable. Violenta y repugnante. Y todo gratuito. Sí, claro, hay una intención; Miike no presenta este circo asqueroso delante de nuestras retinas porque se ha levantado especialmente juguetón. Como es costumbre, a este realizador le encanta mostrar el lado más oscuro y sórdido del ser humano (o quizá sólo el ser humano japonés) y la película es la mejor prueba de ello. Sin embargo, hay una acumulación exagerada y sin sentido de situaciones altamente desagradables. Igualmente, y como más de uno me habrá leído a menudo, no es necesario ser tan vulgar mostrando determinados actos violentos. Pero bueno… es Miike. Momento para el recuerdo: Particularmente, me quedo con la escena de necrofilia y el posterior intento de… “desvinculación”.

• ‘Gozu’ (2003)

Una de las películas más extrañas, fascinantes y difíciles de Miike. Particularmente, me encanta, pero entiendo cuando alguien dice que le resulta infumable. Me pasó eso mismo con otras (las tres que mencioné arriba, por ejemplo). ¿Qué encuentro en ‘Gozu’? Aparte de un comienzo de reírse y no parar, de la corta pero grandiosa presencia de Aikawa, de un final absolutamente impactante (en serio, antológico, pero no quiero decir nada, no vaya a estropear la sorpresa), encuentro una síntesis de muchas de las cuestiones que Miike aborda en sus películas. El honor y lo ridículo de los yakuza, el sexo y sus perversiones, la violencia sin sentido, lo absurdo de los comportamientos y razonamientos humanos, etc. Momento para el recuerdo: Al igual que en ‘DOA’, nos podemos quedar con el principio o con el final; yo prefiero en esta ocasión el arranque, uno de los más desternillantes que he visto nunca. Delirante, 100% Miike.

• ‘Zebraman’ (2004)

De nuevo el dúo Miike-Aikawa haciendo de las suyas, en esta ocasión en una comedia sobre un “superhéroe” que debe salvar el mundo. En realidad, la película se apoya en el mundo del género Tokusatsu (Ultraman, Power Rangers) para contar una pequeña historia sobre un patético ser humano que aspira a ser mucho más de lo que es; igualmente, Miike habla de nuevo de la familia japonesa y los valores de ésta. El film es muy divertido, y aunque se hace un poco pesada hacia el final, se le perdona pronto cuando Aikawa vuelve a la carga vestido de cebra. Momento para el recuerdo: Toda la secuencia de presentación del traje, del eslogan, de las tácticas de combate y la primera misión (bajar a por un refresco). Impagable.

Aquí termino mi lista personal, espero que resulte útil. Sé que me dejo títulos con momentos imborrables, como ‘La Felicidad de los Katakuris’ (remake a lo Miike de ‘A Quiet Family’) o ‘The City of the Lost Souls’ (la pelea de gallos), o una película tan completa y seria como ‘Agitator’, pero ya sabéis, no puedo/debo incluirlas todas; se trata de seleccionar. Ahí tenéis los comentarios, podéis usarlos para recomendar otras. Aparte de las siete señaladas, ¿qué película de Miike crees que debería ser vista?

Takeshi Kitano, de cómico a autor de culto y ahora más perdido que Michael Bay en una biblioteca, está involucrado en un nuevo proyecto tras ‘Glory for the Filmmaker!’. Se trata de la comedia ‘Achilles to Kame’, que en español sería ‘Aquiles y la tortuga’; por supuesto, el título hace referencia a la famosa paradoja de Zenón.

Kitano protagoniza la película, encarnando a un artista, más concretamente un pintor, que se esfuerza por superar su falta de talento. A su lado, su fiel esposa, siempre dispuesta a ayudarle; este papel lo interpretará Kanako Higuchi. En su juventud, la pareja tendrá los rostros de Yurei Yanagi y Kumiko Aso.

El rodaje de ‘Achilles to Kame’ comenzó el pasado 10 de febrero y se espera que esté lista para este próximo otoño.

Vía | Dark Horizons

La pelílcula nos muestra cómo el Sr. Shi (Henry O) es un viudo jubilado de Pekín. Cuando Yilan (Faye Yu), su única hija que vive en Estados Unidos, se divorcia, decide visitarla en la pequeña ciudad en la que trabaja como bibliotecaria. Su intención es estar con ella hasta que se recupere del trauma. El es un “ingeniero aereospacial”, como le gusta decir a la gente que conoce en América para disfrutar de la atención que le prestan. Pero a Yilan no le entusiasman tanto sus demostraciones, ni está interesada en su plan para salvar su matrimonio y recomponer su vida. Cuando el Sr. Shi insiste en encontrar las causas de su divorcio, Yilan empieza a evitarlo.

A continuación se puede ver el tráiler en español. Más abajo se incluye el cartel de la película y las portadas del libro, que son preciosas.

Más información en Blogdecine sobre Wayne Wang.

Fuente | Página web oficial en español.

‘The Hidden Blade’ (‘Kakushi ken oni no tsume’, 2004) es prácticamente un calco de ‘El Ocaso del Samurai’, y me ha recordado operaciones similares que han realizado otros directores, que al igual que Yôji Yamada, se han enamorado de un tipo de historia y han repetido la fórmula en uno o varios films. Por supuesto, existen variaciones. En su momento Leo McCarey realizó una nueva versión de ‘Tú y Yo’ (1939), obteniendo un mayor éxito, en 1957, consiguiendo una de las cumbres del cine romántico. En ese caso hablaríamos de remakes, como también hizo Cecil B. DeMille con ‘Los Diez Mandamientos’, traspasando un film de la época muda a la sonora.

Pero lo que ha hecho Yamada se acerca más a operaciones del estilo de Howard Hawks con ‘Rio Bravo’ y ‘El Dorado’. Son películas distintas, pero en esencia la segunda parece una revisitación de la primera, introduciendo nuevos elementos, para que se vean variaciones en su argumento. Yamada ha realizado lo mismo con ‘El Ocaso del Samurai’, y ‘The Hidden Blade’. Ambas tienen historias distintas, pero estructuras muy similares, hablando las dos películas de lo mismo.

SPOILERS

‘The Hidden Blade’ habla del paso del tiempo entre otras cosas, y de cómo éste nos hace pensar en las cosas verdaderamente importantes. Una vez más, Yamada deja estas reflexiones para el final del film, cuando éste queda completamente cerrado, después de haber asistido a una historia prácticamente idéntica a ‘El Ocaso del Samurai’, lo que juega algo en su contra. Y es que esta vez Yamada no ha logrado transmitir del todo sus intenciones, tal vez por un exceso de reiteración, o porque el film nos resulte demasiado cansino en determinados momentos. Una vez más, ese mal tan extendido en el cine actual, hace mella sobre una película totalmente reflexiva y llena de contención, pero a todas luces, excesivamente larga. ¿Cuándo se darán cuenta realizadores de la nacionalidad que sea, que no es necesario emplear más de dos horas en una historia que no necesita más de hora y media? Y ojo, con esto no digo que algunas películas largas sean malas. De hecho, hay sobradas pruebas a lo largo de la historia del cine. Y cito dos ejemplos bien dispares: Cecil B. DeMille con sus epopéyicas historias, o Peter Jackson con su famosa adaptación. En ambos casos, incluso se hacen cortas.

Pero en el caso de ‘The Hidden Blade’ esto no ocurre, y aunque no estamos ante una mala película, ni muchísimo menos, sí es cierto que el aburrimiento hace acto de presencia, sobre todo en el bloque central del film. Argumentalmente además, las situaciones y conflictos presentados son mucho menos interesantes que los expuestos en su anterior visión del mundo de los samurais. Si en aquella el protagonista estaba marcado por debatirse entre su vida familiar y su deber como samurái, en ella tenía a su cargo una familia que dependía de él, lo cual en cierto modo le forzaba a hacer lo que hace. En ‘The Hidden Blade’, el protagonista no está tan atado, y sus decisiones están tomadas con mucha más libertad. Es una variación argumental que viste a un personaje que casi parece una extensión del de la película anterior.

Aún así, ‘The Hidden Blade’ es una película disfrutable. Los actores realizan composiciones más que interesantes con el habitual buen hacer oriental. Yamada hace gala de un clasicimo que ya pocos tienen, y técnicamente hay que destacar una vez más la banda sonora de Isao Tomita, utilizada en determinados momentos, curiosamente los más emotivos. Esta correcta película la tenéis editada en dvd, por si queréis echarle un vistazo. Aunque forma parte de la trilogía de samurais que se completa con ‘Love and Honor’, se trata de un film totalmente independiente, ya que no hablamos de una trilogía de carácter argumental, si no temático.

Samuel Hadida es productor de ‘Onimusha’, la adaptación del juego que llevaría a cabo Christophe Gans. Pero como Hadida también está produciendo ‘The Imaginarium of Doctor Parnassus’, de Terry Gilliam, que se ha quedado coja después de la muerte de Heath Ledger, el film basado en el videojuego ha sufrido un retraso en su producción. Esto ha resultado incompatible con el calendario del protagonista, Takeshi Kaneshiro y con el del resto del reparto japonés, que, como es habitual en los actores asiáticos, tienen gran cantidad de producciones en su agenda.

Se añade el problema de que falta encontrar un actor para interpretar a Jacob, un joven holandés que forma equipo con el protagonista para luchar contra los demonios del infierno. El actor, a pesar del origen del personaje, será estadounidense y la huelga de intérpretes prevista en EE. UU. para junio, supone otro problema.

La pre-producción del film está integralmente terminada: reparto, localizaciones, storyboards, pre-visualizaciones en 3D, diseño de decorados, preparativos de los efectos especiales, etc… Y estaba previsto que el rodaje de ‘Onimusha’ comenzase en marzo y que se trasladase a China en junio. Ya que requerirá una postproducción de dos años, habría estado disponible para 2010. Pero por todos los motivos mencionados, ahora se ha retrasado sin fecha concreta.

El actor Takeshi Kaneshiro ha servido como modelo para el samurái Samanosuke en el juego y le ha prestado la voz, por lo que sería lógico que estuviese en la película como protagonista. No sólo lógico, sino sumamente deseable. Así que espero que los problemas de calendario no les impulsen a cambiar el reparto. Si hay que esperar, esperamos. Kaneshiro es protagonista de ‘Chunking Express’, de Wong Kar-Wai, y de ‘La casa de las dagas voladoras’, de Zhang Yimou, entre muchas otras.

A su lado estarían Emilie de Ravin (la australiana de ‘Perdidos’), Satomi Ishihara y Tsuyoshi Ihara (‘Cartas desde Iwo Jima’). Aunque, por lo que veo en las fotos –nunca he jugado—, el otro personaje está claramente basado en Jean Reno, no se habla de la participación en la película del actor de origen español.

Christophe Gans (‘Silent Hill’), mientras tanto, se ha embarcado en otro proyecto: la adaptación de la novela de 1931 del alemán Leo Perutz ‘El caballero sueco’. Y antes de comenzar con ‘Onimusha’ tendrá que terminarlo. Se trata de una historia de aventuras y de misterio que se desarrolla durante el siglo XVI en la Selva Negra. Un ladrón robará a un noble con la ayuda del diablo, lo cual sirve de punto de partida para un relato lleno de elementos sobrenaturales. La película se rodaría en francés, aunque ya se consideraba que Gans se había mudado a EE. UU. definitivamente. El guión lo co-escribe el periodista y director Jean-Pierre Jackson. Se rodará en el invierno de 2008-2009, ya que tiene lugar en la nieve.

De momento no se sabe si Christophe Gans estará involucrado en la secuela de ‘Silent Hill’.

Más información en Blogdecine sobre Takeshi Kaneshiro.

Fuente | FilmsActu.

Ayer llegaba a nuestras pantallas ‘Love and Honor’, la penúltima película dirigida por Yôji Yamada, con la cual cerraba su trilogía sobre el samurái. ‘El Ocaso del Samurái’ fue la primera de ellas, obteniendo un gran éxito en su momento en Japón, haciéndose con nada menos que 13 premios de la Academia de allí, lo que sería el equivalente al Óscar, en el 2003. Al año siguiente aspiró a la dorada estatuilla hollywoodiense, premio que le sería arrebatado por la floja ‘Las Invasiones Bárbaras’, la gran favorita de aquel año. En nuestro país tuvo una de esas típicas distribuciones que dan pena, y aunque afortunadamente la película puede encontrarse en una decente edición en dvd, una vez más quedó al descubierto la incompetencia de algunas distribuidoras, que simple y llanamente apuestan por blockbusters (algunos de los cuales fracasan estrepitosamente, todo hay que decirlo), en detrimento de producciones infinitamente mucho más interesantes, pero cuya vida comercial es similar a la de una mosca. Tal vez el público de este país tan querido culturalmente, tenga la culpa, si éste sólo quieren ver un determinado tipo de cine, las distribuidoras no van a a arriesgar su dinero en algo que nadie verá. ¿O sí?

Y es que este problema de la distribución, independientemente de quien sea la culpa, que eso daría para toda una disertación secular, afecta sobremanera a cinematografías como la oriental (sí, a muchas más, pero ésta es la que toca hoy), cuyos éxitos taquilleros no tienen nada que envidiar a los todopoderosos yanquis. Películas que arrasan de un forma increíble, compaginadas por supuesto con aquellas que también reciben un respaldo crítico considerable (más que eso, diría yo) y que son las que suelen cruzar las fronteras camino de algún festival, con la posibilidad de que al final del tortuoso camino de la exhibición puedan llega a nuestro país.

‘El Ocaso del Samurai’ es una de esas películas totalmente a contracorriente, y con un aroma clásico que ya quisieran para sí otros. Todo un riesgo, la verdad, en una época en la que se apuesta más por el cine de rápido consumo y que no resiste un segundo visionado, apúntense aquí un montón de superproducciones recientes cuya calidad es equivalente a la de una hamburguesa de McDonald´s (por cierto, que rico está el menú de cuarto de libra sólo con queso). Yôji Yamada, que tiene a sus espaldas un buen número de films, de los que aquí han llegado…dejémoslo, realiza una película sencilla, que no simple, con una historia aún más sencilla en la que toca temas como el amor, la familia, el honor y el deber. Todo ello entremezclado de forma prodigiosa, armónica, sin que nada chiirie. Por supuesto, un occidental debe acercarse a esta película con otros ojos, y todo aquel que tenga mentalidad televisiva/adolescente/mononeuronal, será mejor que cambie el chip, o sufrirá de lo lindo (sí, sé que es pedir peras al olmo, pero nunca hay que perder la esperanza).

Aún así, Yamada realiza un film de fácil “acceso”, en el que es maravilloso perderse, por su equilibrado sentido de la sutileza. ‘El Ocaso de un Samurái’ es la historia de un hombre, padre de familia, viudo, y al que sus compañeros de armas vacilan por considerarlo un acabado que ni si quiera puede irse con sus amigos a emborracharse. A él no le importa, su mayor satisfacción en la vida es ser un buen padre para sus hijas, y ser amado por alguien. No importa si no gana batallas o sus días como guerrero llegan a su fin, lo que le hace más feliz en esta vida, e incluso mucho más hombre, es un corazón atravesado por su cariño como persona, y no por su espada. Aún así, llegado el momento de la verdad, se verá obligado a demostrar, en un último acto de honor hacia un mundo que toca a su fin, que es el mejor de todos. Planteado esto en una prodigiosa secuencia de acción, una lucha a espadas entre dos hombres íntegros que combaten cada uno por ideales distintos. Resulta sorprendente, como en esos momentos, que se apartan de la historia central, la película sigue destilando sobriedad por los cuatro costados. Y contención, una enorme contención.

Contención que consigue una emotividad máxima, sin caer en falsos sentimentalismos ni cargar las tintas en ciertos aspectos. A ello no sólo contribuyen las excelente interpretaciones de todo su reparto, encabezado por un sereno Hiroyuki Sanada (que en estos momentos trata de hacerse con un hueco en el cine hollywoodiense, lo que son las cosas), si no también por el inteligente uso de una banda sonora, compuesta por Isao Tomita, de la cual no se abusa, pero suena en los momentos adecuados, reforzando la belleza visual de algunas de sus imágenes, sobre todo en sus momentos finales, un cierre de película totalmente perfecto.

‘El Ocaso del Samurái’ es una estupenda película para disfrutar con los cinco sentidos. Su único defecto es, una vez más, es esa manía en el cine reciente de querer alargar las películas hasta lo innecesario. Tan sólo unos diez o quince minutos menos, hubieran convertido a la película en la perfección absoluta, algo que es en sus momentos más inspirados. Para pensar, para relajarse, para aprender, para vivir, para todos. Un film muy humano, del que se hubieran enamorado completamente directores de la talla de John Ford o Yasujiro Ozu. Recuperadla, no os arrepentiréis.

Más información sobre la película | Imdb

Yoji Yamada, autor de ‘El Ocaso del samurái’ y ‘The Hidden Blade’, presenta el 28 de marzo ‘Love And Honor’ (‘Bushi no Ichibun’). El film, que abrió la sección Panorama Special de la Berlinale 2007 –donde, en los años 2003 y 2005, sus dos primeras entregas de la trilogía participaron en sección oficial—, y fue presentada en la sección oficial del Festival de Valladolid, es la película número 79 de la filmografía de Yoji Yamada; su última película, ‘Kabei – Our mother’ competirá este año en la Berlinale.

Un samurái de clase humilde trabaja como catador de comida de un Gran Señor para evitar que éste sea envenenado. Un día se intoxica con un pescado que fuera de temporada resulta muy peligroso y se queda ciego después de pasar tres días al borde de la muerte. Como en los chistes de Tekito Kashita, el nombre de pila del protagonista que pierde la visión es Shinnojo. Su mujer, Kayo, que no lo es, está dispuesta a cualquier cosa para que su esposo no se suicide.

‘Bushi no Ichibun’ es una película maravillosa, llena de sentimientos y con unos personajes tan profundamente presentados que seguro que tocará todas las sensibilidades. Es incluso superior al título que inauguraba la trilogía, ‘El ocaso de samurái’, que ya me había parecido magistral. Su guión, basado en la novela de Shuuhei Fujisawa, va introduciendo giro tras giro sin que en ningún momento dejen de ocurrir cosas. Aunque alguno de los elementos podría parecer más propio de un folletín, la manera sobria en la que está resuelto, hace que prevalezca la belleza de las emociones de los personajes. El final, que podría haber resultado demasiado blando, está resuelto con astucia, pero sin renunciar a la emotividad.

En el terreno interpretativo destaca la actuación de la esposa, Rei Dan, con algunos momentos en los que realmente estamos viendo que ella se deja el corazón, como por ejemplo, cuando confiesa a su marido lo que se ha visto obligada a hacer. Compone un personaje grandioso a su vez el samurái, Takuya Kimura, que había participado en ‘Hero’ y en ‘2046’. Desde un comienzo más tierno y optimista, va sufriendo una evolución que lo endurece por las desgracias que le ocurren, pero sin perder jamás su amor y su compasión, aunque el código de honor de los samuráis le empuje por otro camino. El tercero en discordia, el criado Tokuhei, interpretado por Takashi Sasano, es otro maravilloso personaje, que gracias a su fidelidad, se integra en el matrimonio mejor aún que otros que forman parte de la familia carnal.

Al igual que lo hacía ‘Hana’, esta película cuestiona los códigos de honor de los samuráis que obligaban a cometer el seppuku a la mínima de cambio o a vengarse hasta las últimas consecuencias. Y también al igual que el film de Hirokazu Kore-eda, lo hace a través de una historia personal de individuos casi insignificantes, pero que aman sus vidas y a los suyos por encima de una serie de preceptos más que cuestionables.

Una gran belleza formal, basada en la sencillez, acompaña el relato que no por íntimo deja de ser subyugante. ‘Love and Honor’ es una historia como las de antes, narrada con la simplicidad de lo que no necesita mayor aparato para transmitir la sensibilidad y la emoción que la caracterizan. El film no es de este año, sino del 2006, pero si consideramos la fecha de estreno en nuestro país para hacer nuestros rankings, esta película va directamente al puesto número uno en la lista de lo mejor que he visto en lo que va de año.

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Crítica de Juan Luis Caviaro.

Trailer y póster de ‘Love and Honor’ (‘Bushi no ichibun’), de Yôji Yamada

El próximo 28 de marzo llegará a las salas españolas, sorprendentemente, ‘Love and Honor’, la nueva película del japonés Yoji Yamada tras ‘The Hidden Blade (La Espada Oculta)’. A esos dos títulos hay que sumar el de ‘El Ocaso del Samurai’ (candidata al Oscar como mejor película de habla no inglesa) para formar una particular trilogía sobre la mítica figura del samurai. Un samurai diferente, más íntimo, cercano, más humano. Y no menos fascinante, aunque quizá más aburrido para el público occidental.

‘Love and Honor’ (‘Bushi no ichibun’, 2006) gira en torno a Shinnojo Mimura, un samurai de clase humilde, casado con Kayo, una bella y entregada esposa. Su trabajo consiste en probar la comida de un Señor, para evitar que éste pueda resultar envenenado. Un día se intoxica con un pescado cocinado fuera de temporada, y, aunque salva su vida, queda ciego. Inútil para cumplir con su labor y temiendo lo peor, considera el suicidio; sin embargo, el Señor le mantiene su nivel de renta, sin hacer nada. Kayo parece ser la clave de esta sorprendente decisión…

Yamada continúa en este film con el mismo esquema y el mismo aire que ya nos mostró en ‘El Ocaso del Samurai’ y ‘La Espada Oculta’. Con pocos trazos, nos presenta a los personajes y el conflicto central, nos conduce con elegancia por una historia que fluye lentamente, alterada por una serie de sucesos dramáticos que desembocan, sin remedio, en un conflicto armado, en un duelo a espada de gran tensión.

Resulta de lo más gratificante encontrarse, sobre este particular, con una narración del combate tan tradicional como poderosísima; nada de saltos imposibles, movimientos frenéticos de cámara o efectos digitales. Dos hombres luchando a muerte en un campo abierto, sin artificios de ningún tipo. Lo real da más miedo, y eso es lo que debería provocar este enfrentamiento. El miedo al fracaso. No a la muerte, porque el samurai ya la da por hecho.

Es esta película de las que pueden provocar rechazo por parte del público occidental hacia el cine asiático. De lenta progresión, no se parece en nada al cine al que estamos acostumbrados, al norteamericano. Aquí los personajes luchan en su interior, no en el exterior, salvo cuando no tienen más remedio. Aquí las secuencias duran más de lo corriente, pues necesitan un desarrollo que haga entender al espectador por qué cada personaje es de una forma y por qué actúa así.

En este sentido, es ejemplar el modo en el que Yamada consigue que nos identifiquemos con su samurai; un hombre de débil posición cuyo honor es sagrado (sin él, su vida no tiene sentido). Mimura comete errores, pero los entendemos como si fuesen nuestros, y pronto nos damos cuenta de que no hay más salida que aprovechar su determinación para resolver el conflicto espada en mano. Es su código de honor, el bushido, y está tan dentro de él como el corazón o el cerebro. Destacar también la gran interpretación de Takuya Kimura, que logra una transformación a lo largo de la película digna de aplausos.

Grata noticia para todos que una película tan interesante como ‘Love and Honor’ llegue a estrenarse (aunque un poco tarde) en los cines españoles. Lástima que los que paguen la entrada tengan que oírla en español cuando creo que aquí más que nunca el idioma original es crucial. Una buena película, pero no muy recomendable para los que sólo toleran lo occidental y adoran la rápida comida televisiva.

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Trailer y póster de ‘Love and Honor’ (‘Bushi no ichibun’), de Yôji Yamada

Anoche, mi colega Kitano y yo, queríamos cerrar nuestra sesión de cine asiático con una película facilona, de consumo rápido, con la que supuestamente nos entretendríamos un rato. Así que entre el arsenal de DVDs que mi amigo tiene en su colección, elegimos una de terror, ‘Dead Friend (El Fantasma)’, dirigida por Kim Tae-kyeong. La jugada nos salió rematadamente mal. Nos encontramos con un ridículo film que no tiene ni pies ni cabeza, que no consigue inquietar en ningún momento (la de veces que nos preguntamos si no estaríamos ante una parodia mal camuflada) y que, para colmo, plagia a ‘The Ring’ descaradamente, no aportando nada en absoluto, salvo un soberano aburrimiento.

‘Dead Friend (El Fantasma)’ (‘Ryeong’, 2004), se centra en Min Ji-won, una estudiante que está en tratamiento médico tras sufrir un accidente. Agobiada por una pérdida de memoria y por la compañía de una madre dominante, en una casa sórdida y tétrica, se plantea comenzar una nueva vida en el extranjero. Lo único que le pesa es tener que abandonar a su compañero de facultad, el único que la ayuda. Al mismo tiempo, algunas de sus antiguas compañeras de instituto están falleciendo en extrañas circunstancias…

No entiendo porqué ven los asiáticos tan aterrador que una mujer lleve su largo cabello negro por la cara. Es que no falla. Lo incluyen en prácticamente en todas las películas que hacen de terror. ¿Por qué son tan pesados? Una vez vale, dos también, incluso tres, pero es que ya… Lo peor es que incluso lo hacen en otros países, copiando la copia de la copia, sin buscar nada nuevo. Una chica con el pelo negro por la cara, los pies descalzos y las uñas sucias. Lo más terrorífico según los asiáticos. Pues no sé yo cómo le quedarían estos elementos a otros sujetos, ya clásicos del género. ¿Provocaría más pesadillas el bueno de Freddy Krueger con una larga melena negra cubriéndole el rostro? Hummm, habría que verlo…

Pero ‘Dead Friend (El Fantasma)’ no es sólo mala porque no sea capaz de incluir un mísero susto que no resulte ridículo o esté tan repetido como abrir un armario y que no haya nada, pero luego al cerrarlo sí aparezca alguien; no es sólo mala porque copie descaradamente a ‘The Ring’ en el momento “cumbre” de su historia; no es sólo mala porque al final empiecen a incluir absurdos giros sorpresa para ver si pillan por sorpresa en algo al espectador; también es mala porque ninguno de los actores parece apto para interpretar nada en absoluto.

En este sentido, merece especial atención la pareja protagonista, formada por Kim Ha-Neul y Jin Ryu y la madre de la primera, Kim Hae-suk, que tiene uno de los personajes más patéticos de toda la película (especialmente “brillante” al final del film). Ryu es el típico guaperillas soso que tiene un máximo de dos expresiones, serio y sonriendo; dependiendo de la escena, pondrá una u otra, y no le pidas más. En cuanto a Ha-Neul, tres cuartos de lo mismo, es guapa y punto. Como es la prota, tiene que gritar mucho, asustarse con todo, variar un poco la posición de las cejas cuando está pensando en que hay algo raro a su alrededor, y protagonizar la típica escena en el baño que es necesaria en una cinta del género. Que no falte nada.

En definitiva, ‘Dead Friend (El Fantasma)’ es más cansino terror asiático, más de lo mismo pero de peor calidad, un churro mal hecho, lleno de escenas robadas de todas partes y con un final de auténtica carcajada. Por cierto, para rematar todo este despropósito, decir que el DVD de la película que nos venden en España no incluye subtítulos de ningún tipo, por lo que hay que verla en coreano o en español (con un doblaje tan lamentable como la propia película). Definitivamente, un título que debéis pasar por alto, a menos que queráis echar unas risas con un bodrio.

El film cuenta la historia de un fuerte servidor del Shogun que pierde la vista en una misión. Su mujer, por la que siente devoción, se sacrifica para salvar su honor. Ahora el samurái promete venganza por su amor perdido y por su honor como guerrero.

A continuación se puede ver el tráiler y más abajo el póster:

Fuente | Notro Films.

Takeshi Kitano está destrozado. No lo digo (sólo) yo, lo dice el propio actor/director en su nueva película, ‘Kantoku Banzai!’ o ‘Glory for the Filmmaker!’, título con el que se proyectó en la pasada edición del festival de cine internacional de Sitges. Nos lo reconoce, además, de dos formas, una indirecta, con este producto, al que no hay por dónde cogerlo, y con una línea de guión al final de la película, terminando con una especie de chequeo con el que el propio Kitano se analiza a sí mismo. Eso se supone que es esta cosa, un análisis de las propias posibilidades del cineasta para seguir produciendo. Y el resultado no puede ser más desastroso. O es eso justo lo que nos quiere decir Kitano, que está harto de hacer cine, o sencillamente, se le ha ido la cabeza.

En ‘Glory for the Filmmaker!’ (‘Kantoku · Banzai!’, 2007) asistimos a los intentos de Takeshi Kitano por ofrecer una nueva película a su público, tras rechazar volver al cine que le hizo popular (el de yakuzas). Sin saber qué rumbo tomar, decide embarcarse en todo tipo de géneros, desde un drama al estilo de Yasujiro Ozu a una de ninjas o una de terror; cualquier cosa vale. Finalmente, decide contar una historia de dos mujeres que no tienen dinero y que buscan dar un golpe casándose con alguien importante.

Tenía muchas esperanzas en el siguiente trabajo de Takeshi Kitano, tras la desastrosa y soporífera ‘Takeshis´’. De un director que me ha proporcionado tantas horas de buen cine, esperaba una recuperación. Pero Kitano ofrece lo mismo que en aquella supuesta mirada al interior de su propia condición como artista; bueno, lo mismo no, aún retuerce más el producto, llegando a niveles sorprendentes. Kitano se empezó a destruir en ‘Takeshis´’ y lo acaba (espero) en ‘Glory for the Filmmaker!’, donde creo que llega a lo más bajo. Pretender divertir con escenas donde salta y cae en un cono (la imagen de arriba), parodiando la famosa escena de ‘Matrix’ donde Neo se agacha cuando le disparan (¡otra vez!) o colocando un muñeco que representa a Zidane para que dé cabezazos a dos yakuzas… Quizá haya querido volver al humor más absurdo, a los orígenes, a su castillo (ya sabéis, ‘Humor Amarillo’), a ‘Getting Any’, pero la jugada le ha salido fatal. Rellenar media película con gags sin sentido y sin orden, no es una solución, es un auténtico aburrimiento.

Así, tenemos media película donde Kitano se ríe de sí mismo y de su obra, y asistimos a un repetitivo esquema donde el director/actor, cargando con un muñeco que le representa (de nuevo dividido en dos, como en ‘Takeshis´’), pretende hacer una película de cada género, para ver si alguna le sale bien y consigue el éxito. Ciertamente, la idea tiene su gracia y al principio, tras la tonta secuencia del chequeo al muñeco, uno no deja de sonreír e incluso de reír ante un buen número de situaciones, perfectas para representar el aburrimiento de un autor que cree que ya no tiene nada nuevo que ofrecer. En este sentido, lo mejor de la película, o lo más cómico, es cuando vemos la repetición de un film típico de Ozu. Realmente, uno comprende el fracaso que sería hacer algo así y la broma tiene mucha gracia. El resto, directamente, va en picado, casi desde ahí. La historia no tiene ningún sentido, vemos a dos mujeres que no quieren pagar por comer y de pronto estalla un combate de pressing catch. Todo lo demás es así, desde un tío que construye un robot a una clase artes marciales, pasando por una clase de sexualidad.

Parece que Takeshi Kitano está aburrido y lo paga con nosotros, aburriéndonos. Parece cansado de su nombre, de su figura, de lo que representa y de que se espere algo brillante, por lo que nos da una patada donde más duele y nos ofrece otro film que provoca más bostezos y más desconcierto. No puede ser que este hombre haya perdido el juicio; sin duda, debe querer aprovecharse de su situación y reírse de todo el mundo, destrozando su prestigio para, supongo, volver a empezar a cero. Desde luego, un cero es una buena calificación para su último trabajo, por lo que, por mi parte, que empiece a resurgir ya mismo.

Del reparto, mejor ni hablar, no tiene sentido. Al parecer, la mayoría de los actores vienen de la televisión japonesa, lo cual explica bastante bien el interés de Kitano en ofrecer un cúmulo de chistes sin ningún nexo de unión entre sí, con el mero propósito de intentar hacer reír durante unos 100 minutos. Sin embargo, ya digo, salvo la coña hacia el cine de Ozu y alguna piedra envenenada hacia el propio Kitano, nada de lo que se ve en pantalla tiene la más mínima gracia; al revés, da pena.

‘Glory for the Filmmaker!’ continúa pues con la bajada a los infiernos del peor cine por parte de Takeshi Kitano, un cineasta al que deseamos que recupere la cordura y vuelva a ofrecer obras de calidad, como ‘Dolls’, ‘El verano de Kikujiro’ o ‘Zatoichi’. Una mala película, a ratos insoportablemente estúpida.

Aprovechando esta semana santa, estoy pasando unos días en casa de mi gran amigo cinéfago Kitano, y claro, hay que aprovechar la ocasión para, entre tragos de delicioso sake, ver algunos de los títulos que componen su extensa colección de cine asiático. Anoche vimos la última del verdadero Kitano (¿o debería decir sufrimos?), película que comentaré más adelante, una vez me recupere del mal trago, y que no recomiendo en absoluto, a menos que tengáis problemas para dormir. Así que vamos a la otra que hemos visto, ‘Eleven Samurai’, de Eiichi Kudo, un chambara de estilo clásico sobre un grupo de hombres que deben asesinar al señor de unas tierras. Da gusto sentarse a ver este tipo de películas, tan diferentes al resto de lo que puede verse hoy… Eso sí, personalmente, quizá por mi reciente descuido hacia este cine, eché en falta un poco más de acción en la parte central, algo falta de interés, algo lenta.

La historia de ‘Eleven Samurai’ (‘Ju-ichinin no samurai’, 1966) nos sitúa en el primer tercio del siglo XIX, durante la era Tempo. El señor feudal de Oshi es asesinado por su vecino, el cruel y caprichoso Nariatsu, hijo del antiguo Shogun, que traspasa sus fronteras sin ningún reparo, para cazar un ciervo. Tras una dudosa investigación, el clan Oshi es injustamente condenado a desaparecer, para tapar la verdad y no manchar el nombre de Nariatsu. Once de los mejores samurais del clan rechazan la sentencia y deciden tomarse la justicia por su mano, preparando el asesinato de Nariatsu.

Como todo todo film con samurais que se precie, ‘Eleven Samurai’ contiene tantos combates a espada como relaciones basadas en el honor. El asesinato del señor de un clan afecta de inmediato a todos los hombres a su cargo, que no pueden permitir que el hecho quede resuelto de forma injusta. Así, tenemos que a raíz de un crimen totalmente injustificado, gratuito, y tras una decisión injusta del gobierno, se prepara la venganza. Pero ojo, aquí no estamos ante un acto meramente sangriento y primitivo. La venganza se planifica de forma racional y lo que se espera conseguir es la restauración de la justicia, que el clan Oshii tenga un nuevo dueño y que Nariatsu no se lo apropie. Su muerte sería tapada nuevamente por el gobierno si unos ronin (samurais sin dueño) lo asesinaran.

Este detalle es importante porque así se comprende mejor todo lo que pasa por dentro del personaje principal, Hayato, que encarna un magnífico Isao Natsuyagi. Es un hombre fiel a su clan y hará todo lo que sea necesario por él, se pierda lo que se pierda por el camino (la relación con su mujer es muy dramática). Hayato se convierte en un ronin para cumplir con el crimen y a través del representante político de su territorio feudal, se hace con fondos económicos y sobre todo con más hombres dispuestos a morir por el clan. Destaca la forma en que los consigue, porque así se consideran “muertos vivientes” que no tienen absolutamente nada que perder. Al grupo se une luego un ronin errante (Ko Nishimura) de lo más particular, un personaje que habría interpretado a la perfección el mítico Toshiro Mifune.

Uno de los aspectos que más me interesan de estas historias es cómo estos hombres, estos samurais, deben en muchas ocasiones comportarse de forma contraria a sus deseos, luchando y muriendo por causas relacionadas con las costumbres y el honor. Llama la atención que aunque lleven siempre las espadas a mano, es muy poco el tiempo en el que las empuñan, lo cual no quiere decir que no estén luchando, en su interior. En este sentido, siempre resultan fascinantes los conflictos que deben soportar, en silencio y teniendo en cuenta lo correcto, lo que deben hacer, según su código de honor.

Desde el principio, la película atrapa, la trama se va desplegando y vamos conociendo a todos los personajes de forma rápida y ágil, pero desde el primer intento de asesinato, la acción se va ralentizando peligrosamente, llegando a contener el film un buen número de escenas totalmente prescindibles que sólo tienen su justificación en crear un clima de tensión, estirando al máximo el momento en el que Hayato y su grupo atacará a su enemigo. Sin embargo, esto no se consigue del todo, ni es necesario, como tampoco esa secuencia de la emboscada perfecta, que casi parece un final alternativo puesto ahí por extender el metraje (apenas hora y media).

Eso sí, el último acto de ‘Eleven Samurai’ es pura dinamita. Toda la tensión acumulada se libera y asistimos a una impresionante secuencia de lucha que implica a un grupo numerosísimo de samurais y guardias. Sin duda, lo mejor del film. Una sorprendente, dramática, sangrienta y preciosa conclusión por la que merece la pena acercarse a este desconocido título, por supuesto, inédito en nuestro país.

Muy buena película, cine asiático clásico del que hay que ver, especialmente para descansar y tomar aire entre tanto cine actual, falto de encanto y personalidad, tan preocupado en la taquilla y en la técnica digital.

La película franco-iraní ‘Buda explotó por vergüenza’ (‘Buda as sharm foru rikht’), de Hana Makhmalbaf, nos cuenta la odisea de una niña afgana para comprar un cuaderno –’El cuaderno’ es el título que la película tiene en Francia— y asistir a la escuela. Ya que no tiene lápiz, decide llevar el pintalabios de su madre, lo que provoca que unos niños, que juegan a ser talibanes, decidan apedrearla. Los niños de la aldea juegan a la guerra con ramas que hacen pasar por fusiles y cometas que representan cazas de combate. Pero no todo es de pega: en este juego, las piedras son de verdad. Cuando atrapan a Baktay, ya tienen a otras tres niñas encerradas en una cueva. Los motivos para reteneralas varían entre que opinan que una niña no debería ir a la escuela o que las pequeñas tienen los ojos demasiado bonitos.

Es increíble pensar que la directora de ‘Buda explotó por vergüenza’ tenga ahora 20 años, es decir, que probablemente comenzó el rodaje con 17 ó 18. Increíble porque el film está construido de manera magistral para que funcione a varios niveles. El guión de la madre de la directora, Marzieh Makhmalbaf, puede ser lo que aporte este inteligente paralelismo, pero da la sensación de que no se trataba de un guión de hierro, sino de mucho material rodado al que se le dio forma en montaje. Esto se percibe en que algunos detalles quedan sin resolver y en que se encuentran entre el material de prensa fotografías de escenas que no tienen lugar.

Todo el film es una continuada metáfora, o quizá una alegoría, sobre la vida de las mujeres en esas comunidades, la guerra y la ausencia de libertad que supone convivir con los talibanes. Casi cada una de las frases que pronuncian los dos niños protagonistas podría servir para resumir el mensaje de la película: “No me han enseñado nada, he aprendido sola”. “Baktay, muérete, si no te mueres, no serás libre”. “No quiero jugar a apedrear”. “No me gusta jugar a la guerra”. Se ponen los pelos de punta sólo de escribir las frases, que podrían ser sólo inocentes expresiones dichas por niños muy pequeños, pero que están cargadas de sabiduría.

Por ello, en l nivel más profundo, la película está repleta de contenido, no existe una escena que no esté transmitiendo ideas o sirviendo de protesta. Y en el más visible, la historia de Baktay, la niña que quiere ir a la escuela, es emotiva y cautivadora. Existen unas cuantas escenas que son divertidas y muy curiosas de ver, mientras otras hacen que se encoja el corazón.

Aunque esté grabado en vídeo, los planos son de enorme belleza. La directora hace un gran trabajo y las actuaciones de todos los niños y niñas son plenamente realistas, quizá porque les ha dejado comportarse como son ellos mismos. La elección de la niña protagonista, Nikbakht Noruz, es perfecta, pues basta con ver su cara o con escucharla hablar para temer por ella y sentirse en auténtica tensión por lo que le pudiese pasar. Dan ganas de entrar en la pantalla y sacarla de allí como sea.

Una película muy inteligente que demuestra cómo se pueden presentar las atrocidades y protestar contra ellas sin mostrarlas directamente y sin caer en el dramatismo exacerbado. Makhmalbaf nos hace ver con ‘Buda explotó por vergüeza’ que estas situaciones se pueden plasmar incluso con humor, pero eso no quiere decir que el film esté exento de momentos duros.

Tráiler y póster de ‘Buda explotó por vergüenza’.

Ésta es la historia de ‘Buda explotó por vergüenza’ (‘Buda as sharm foru rikht’), un film francoiraní que se estrenará el 29 de febrero.

La directora del film es la iraní Hana Makhmalbaf es hija del director Mohsen Makhmalbaf y de Marziyeh Meshkini, que es la guionista de este film y de otros. Sus hermanos son la directora Samira Makhmalbaf y del escritor y fotógrafo Maysam Makhmabaf. Cuando realizó ’ Buda explotó por vergüenza’, Hana tenía 19 años. Su primer corto se exhibió en el Festival de cine de Locarno cuando ella tenía 8 años. Cuando se estrenó su primer documental, ‘Lezate divanegi’ (la alegría de la locura), tenía 15 y no le dejaron entrar a la proyección por ser menor de edad.

Fuente | Wanda Films

El cine asiático se hizo un hueco entre nosotros gracias al género de terror. El de acción o el de los grandes maestros japoneses llevaba tiempo pasando por las retinas de muchos de nosotros, pero fue la explosión comercial de las películas protagonizadas por fantasmas de pálidas chicas con larga melena negra, lo que provocó que hoy día sea de lo más normal encontrarse con estanterías llenas de películas asiáticas en cualquier videoclub o centro comercial. Como suele suceder, este boom, y más cuando nos referimos al género de “mira cómo muere tanta gente”, provoca que la mayor parte de los títulos que nos llegan sean de baja calidad. Va unido al consumo de masas.

Sin embargo, tampoco es raro, y es que la globalización cultural también tiene sus ventajas, encontrar otro tipo de cine, joyas que nos esperan escondidas en lo más profundo de hileras de cajas de plástico destinadas a consumo rápido. Afortunadamente, podemos encontrar películas como ‘Navidad en Agosto’ editadas en DVD en nuestro país, tras un fugaz estreno (el 8 septiembre de 2006) en algunas salas comerciales. El film es un pequeño drama con tintes románticos que supuso el debut en la dirección de Hur Jin-ho.

La historia de ‘Navidad en Agosto’ (‘Palwolui Christmas’, 1998) se centra en Jung-won, propietario de una pequeña tienda de fotografía y con una enfermedad terminal. Cada día llegan clientes diferentes, pero él apenas habla con ellos y su vida transcurre como si ya no estuviese allí. Hasta que un día la hermosa Da-rim aparece en la tienda con un encargo urgente. Tras varios encuentros, ambos se enamoran pero Jung-won no le dice que está a punto de morir…

Lo más interesante de ‘Navidad en Agosto’ ocurre en silencio. Momentos muy significativos donde las palabras desaparecen para dejar que sea cada espectador, en su cabeza, quien las ponga; momentos silenciosos que hacen avanzar la trama, aunque apenas se note. Esto suele ser habitual en el cine asiático, más centrado en mirar, contemplar, y en las sensaciones, en el paisaje de emociones que destapa la trama. En esta película, lo que ocurre, básicamente, es que un personaje intenta atrapar todo lo que la vida le pone por delante, ya que pronto dejará de existir. Se divierte con detalles cotidianos y se ríe cuando otros personajes hacen algo y luego se le quedan mirando, extrañados por los hambrientos ojos del protagonista. Quiere vivir, pero ya no le queda tiempo. Un drama terrible que está maravillosamente plasmado en la película, llegándonos directamente al corazón.

El cine asiático está lleno de estrellas, aunque sean diferentes a las de Hollywood, más cercanas y profesionales, pero mucho menos glamourosas. Una de estas estrellas protagoniza . Es Han Seok-kyu, famoso por títulos como ‘Shiri’, entretenida acción palomitera con terroristas norcoreanos, auténtico bombazo de taquilla en Corea del Sur. Personalmente, este actor no me parecía muy convincente, por el título mencionado y por otros como ‘The Scarlet Letter’, flojo thriller romántico cuyo máximo interés es mostrar un poco de carne. Sin embargo, su trabajo en la exquisita ‘Green Fish’ me conmovió y en esta ‘Navidad en Agosto’ me terminó de “conquistar”. Por cierto, vuelve a sorprenderme la habilidad que tienen los actores asiáticos como este señor para cambiar tan radicalmente de resgistro y resultar adecuado en terrenos radicalmente opuestos.

Seok-Kyu está perfecto como ese modesto fotógrafo al que se le acaba el tiempo, y no sabe muy bien cómo ocuparlo, salvo saboreando al máximo cada pequeño instante que transcurre ante él. Preciosa la escena en la que fotografía a una señora mayor; la mujer quiere que la imagen corone su altar funerario y el momento en el que el protagonista la ayuda a salir mejor en la foto es de una emoción que traspasa la pantalla. En este sentido, es muy simbólico que el protagonista realice fotografías, que a fin de cuentas es un modo de intentar que la vida no se nos escape de las manos; un intento de controlar la realidad y poder vivir más de una vez un mismo instante. Del resto del reparto, destacar a Shim Eun-ha, la chica de la historia. La actriz interpreta a una joven decidida, valiente y algo descarada, salvo cuando se va enamorando del fotógrafo, que se vuelve más tímida. El pequeño “romance” que apenas tiene tiempo de empezar con el fotógrafo está muy bien narrado y alcanza una de sus cumbres en ese paseo nocturno donde él le cuenta una desternillante anécdota sobre un particular fantasma; y no voy a revelar lo que rodea a la imagen que he puesto arriba, pero es otro de los grandes momentos del film.

Suene como suene, ‘Navidad en Agosto’ necesita de un visionado tranquilo y de un reflexivo reposo en la memoria para ser disfrutada plenamente. Por esto, puede resultar lenta y vacía para el espectador del fast-food cinematográfico, para quien necesita ese montaje de reportaje televisivo tan rápido y que todo el tiempo esté pasando “algo” (por eso triunfó ‘Rec’ y está triunfando ‘Monstruoso’). Para el espectador de retinas sensibles, de espíritu crítico y gusto clásico, y, más concretamente, para el que ya ha saboreado gustosamente el cine asiático, la película le puede proporcionar un impagable rato de delicioso cine. Una excelente pequeña película.

‘Hula Girls’ ha sido la ganadora de los premios de la Academia japonesa, que son el equivalente al Oscar americano, pero mucho menos conocido por estos lares y algún otro lugar más. Supongo que gracias a los premios recibidos y su buena acogida internacional, se ha llegado a estrenar. De no haber recibido ningún premio no me cabe duda de que muy probablemente jamás hubiéramos sabido de su existencia, algo que por otro lado le pasa a un buen número de títulos que no se lo merecen. Y en este caso hubiera sido una pena, porque a pesar de ciertos convencionalismos, nos encontramos ante un film fresco, emotivo y divertido, lo cual no es poco.

Basada en hechos reales, la película narra una historia ambientada en los años 60, en un pueblo minero en crisis. Allí las hijas de los mineros, en contra de las tradiciones y ciertos valores arraigados decidirán, con la ayuda de una profesora especializada, crear una escuela de baile hawaiano para intentar salir de la crisis, y levantar así los ánimos caídos de todo un país sumido en la desesperación.

Lo primero que llama la atención de esta película es que, transcurridos unos pocos minutos, nos damos cuenta de que su director ha “occidentalizado” su film, algo que a muchos les habrá parecido una jugada muy buena, porque de esta forma, se cuenta una historia local de forma universal. Y es que en ella nos encontramos con bastantes tópicos que nos llevan a un sinfín de films en los que personas metidas en problemas de la más diversa índole, encuentran su “salvación” en el deporte, o en la música, o en el baile, o en cualquier otra expresión artística, aunque ésas son las más comunes. ‘Hula Girls’, dirigida por el desconocido Lee Sang-il, recuerda, y mucho, a la magnífica ‘Billy Elliot’, aunque por supuesto hay diferencias notables entre ambas. Me refiero a una coincidencia temática, en la que las situaciones de sus personajes son casi las mismas.

Y aunque he utilizado la palabra “tópico”, no quiero decir con ello que estemos ante una película típica. No todo en ella es original, distinto y de gran calidad, e incluso la película comete el fallo de caer en algún que otro lugar común totalmente innecesario para la misma, y dejando a un lado concesiones al espectador, el film está servido con gran profesionalidad, su historia engancha desde el principio, no hay exaltación burda y barata de las emociones de superación personal, y termina metiéndonos de lleno en una trama interesante de forma poco manipuladora. Incluso se permite el lujo de evitar dramatismos innecesarios a pesar de lo duro de su historia. Tal vez haya gente que piense que tratar el tema de la dura crisis que azotó una parte de Japón en los 60, de forma un tanto festiva sea algo injusto. Pero el film no se centra en la crisis, ni entra en cuestiones políticas de ningún tipo, algo que hubiera sido muy fácil, o incluso haber caído en la típica denuncia. Nada de eso, no se respira el más mínimo aliento por denunciar ciertos hechos, se limita a narrarlos sin ejercer de juez, y tampoco nos hace partícipes a nosotros de ello, a los que intenta divertirnos y emocionarnos con la historia de un grupo de muchachas que hartas de su mísera vida en las minas, se ponen trajes de hawaianas, y a bailar.

Los personajes están todos bien tratados e interpretados, y todos se nos hacen muy cercanos. Ninguno es el colmo de la originalidad, pero ninguno sobra o está de adorno. Al igual que en el film de Daldry, la película muestra pocas escenas de baile, y las que muestra son espectaculares, aunque se puede pensar a priori que el hula es un baile sin demasiadas complicaciones. Afortunadamente, ‘Hula Girls’ no carga las tintas en este aspecto y no nos atiborra de momentos musicales para que veamos los avances de las jóvenes aprendices; nos muestra los justos para terminar con una lógica exhibición final en el clímax de la película el cual se produce sin demasiadas estridencias.

Una buena película, amena, entrañable y altamente disfrutable. Lamentablemente su limitada distribución hará que muchos no puedan acceder a ella en las salas de cine, y cuando se edite en dvd pocos se darán cuenta. Eso sí, seguro que los americanos toman nota, debido a su alarmante falta de imaginación, y algún día nos presentan el millonario remake. Entonces sí, entonces todo el mundo conocerá esta historia.

‘Hula Girls’ (‘Hula gâru’, 2006), escrita y dirigida por el japonés de origen coreano Lee Sang-il, podrá verse en nuestras salas comerciales a partir del 25 de enero. La revista Variety dijo de ella que “es una película cargada de heroísmo y desbordante entusiasmo”.

Ha sido aclamada en numerosos festivales internacionales y fue la triunfadora en la última edición de los premios de la Academia del Cine japonesa (mejor película, director, guión y actriz secundaria), además de ser la candidata elegida para representar a su país en la carrera hacia los Oscar.

‘Hula Girls’ – tráiler (flash)

‘Hula Girls’, basada en hechos reales, nos sitúa en el Japón de 1965. El país se encuentra en pleno proceso de transición del carbón al petróleo como fuente de energía. Una por una, las anticuadas explotaciones mineras van cerrando al ritmo del imparable progreso. Pero en Iwaki, un pequeño pueblo situado en el norte del país, la empresa minera local presenta un sorprendente proyecto para salvarse de la crisis: construir el primer parque temático hawaiano de Japón.

¿Y qué sería de un parque temático hawaiano sin su grupo de bailarinas de hula? El único problema es que nadie sabe cómo bailar esta exótica danza. La joven Sanae (Eri Tokunaga) ve un anuncio en el que se solicitan bailarinas y anima a su amiga Kimiko (Yu Aoi) a apuntarse. Puede ser su única oportunidad para escapar de un futuro gris fijado por la tradición.

Kimiko, Sanae y el resto de alumnas de la escuela de danza deben enfrentarse a la opinión mayoritaria de sus vecinos y familiares, que se oponen radicalmente a la construcción del parque temático. En su esfuerzo les apoyará su profesora de baile, Madoka Hirayama (Yasuko Matsuyuki), que viene expresamente desde Tokio para formarlas. Su llegada cambiará la vida de las chicas y el futuro del pueblo para siempre. Estas Hula Girls acabarán convirtiéndose en las heroínas involuntarias de su pueblo y de todo Japón.

Fuente | Media 3 Estudio, S. L.