No sé si habrá muchos fans de los mangas por aquí. Además, yo sólo me declaro seguidor de un número muy limitado de ellos, pero ‘Rurouni Kenshin’ es uno de esos pocos que realmente me han interesado para ir comprándolo. Algunos quizá recordaréis a Kenshin por el anime ‘Kenshin: El guerrero samurái’ de tres temporadas que emitió Canal + en España hace unos años y que luego editó Selecta Visión en dvd. Pues bien, ‘Rurouni Kenshin’ se sumó recientemente a la lista de mangas que son adaptados en forma de películas en imagen real como, por poner un ejemplo reciente, la reciente trilogía sobre ‘20th century boys’. El problema es que este tipo de adaptaciones rara vez consiguen capturar el espíritu del manga, ya que optan por una adaptación excesivamente literal, y algo que funciona bien de forma escrita no tiene porqué hacerlo igual de bien en una película.

Este es el argumento del manga para aquellos que no lo conozcáis: Kenshin es un samurái vagabundo de la época Meiji que antaño fue un célebre asesino que desataba el temor de sus enemigos (y también de sus aliados), pero que decidió poner punto y final a su sanguinaria carrera. Actualmente, y para intentar compensar los errores de su pasado, Kenshin ayuda a los más débiles con su katana de filo invertido, un arma aparentemente inocua, pero muy efectiva en las manos de Battossai, que es como era conocido antiguamente Kenshin. Sin embargo, Kenshin acaba encontrando refugio en el dojo de Kaoru, a la cual ayudará en el día a día, pero también en los peligros que vayan apareciendo, dentro de los cuales también hay lugar para antiguos conocidos de Kenshin. Puede que os suene a muy revelador lo que os he contado sobre el argumento, pero os puedo asegurar que eso no es más que el punto de partida de la historia que, a buen seguro, la película respetará de forma escrupulosa.

El reparto de la película está poblado por actores asiáticos que poco dirán a la gran mayoría de lectores, pero conviene señalar que Takeru Sato interpreta a Kenshin, Emi Takei a Kaoru, Munetaka Aoki a Sanosuke y Taheko Tanaka a Yahiko, siendo estos los cuatro personajes principales de la historia, en especial durante sus primeros tomos. Y Keishi Ohtomo es el director encargado de convertir en real lo que Nobuhiro Watsuki ideó en su manga mundialmente famoso.

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Por ahora, se desconoce la fecha de estreno en España, ya que ni tan siquiera se sabe si llegará a verse en cines en nuestro país, algo habitual en este tipo de producciones. Lo que sí se sabe es que se estrenará en Japón el próximo 25 de agosto, donde seguramente arrase en taquilla. ¿Os habéis quedado con ganas de más o tampoco es una película que os llame la atención demasiado?

Vía | Twitchfilm.

Terminamos este largo especial sobre el vampirismo en el cine con dos películas recientes que no han conocido estreno comercial en nuestras salas. La primera de ellas es ‘Thirst’ (‘Bakjwi’, Park Chan-wook, 2009), film que hace unos meses se editó en DVD en España, lo que ha permitido —ejem— que podamos disfrutar aquí de la última obra del director coreano firmante de películas tan fascinantes como ‘Old Boy’ (‘Oldeuboi’, 2003) o ‘Sympathy for Lady Vengeance’ (‘Chinjeolhan geumjassi’, 2005), ahora que se encuentra en fase de postproducción su primer film enteramente estadounidense, ‘Stoker’. Con ella el extravagante realizador se adentra en el subgénero vampírico tan de moda en los últimos años gracias a una lamentable saga cinematográfica y a una magistral serie de televisión.

Para ello escribe a cuatro manos con su habitual Jeong Seo-Gyeong un guión que se inspira en la novela de Émile Zola ‘Thérèse Raquin’, ya llevada al cine en 1953 de la mano del gran Marcel Carné, que narraba las vicisitudes de una pobre muchacha obligada a casarse con su primo, teniendo una aburrida vida al lado de éste y su tía, hasta que aparece alguien que cambiará las tornas drásticamente. La evolución dramática de una mujer con oscuras intenciones, como ya habían tratado las imprescindibles ‘La bestia humana’ (‘La bête humaine’, Jean Renoir, 1938) y ‘Deseos humanos’ (‘Human Desire’, Fritz Lang, 1954), también basadas en un texto de Zola, y con las que el trabajo de Chan-wook tiene alguna que otra similitud, sobre todo en lo que respecta al retrato del personaje femenino, aquí una de las mejores femme fatale del cine actual.

Muchas veces hemos señalado aquí en charla con los lectores una de las principales características del moderno cine oriental, sobre todo el coreano, su mezcla de géneros. En ocasiones eso enriquece el film, si ha logrado mantenerse cierto equilibrio, y en otras tantas todo lo contrario, al querer abarcar demasiado la película se resiente. En el caso de ‘Thirst’ su director parece jugar en otra líga, y conocedor profundo de dicha impresión, pareciera que se aprovecha de ese desequilibrio para construir un film tan fascinante como difícil, una historia de vampiros, sí, pero también un retrato salvaje y sin prejuicios sobre la pareja, sobre las represiones, sobre la culpa, la familia, unas gotas de thriller aquí, muchas de comedia allá, e incluso coquetear con el cine de superhéroes tan de moda en estos tiempos.

El padre San-hyeon (Song Kang-ho) es un cura muy peculiar. Sus ansias de ayudar a los demás chocan con sus deseos más ocultos, aquellos que frena provocándose dolor. En uno de sus altruistas movimientos, San-hyeon se presta a ser conejillo de indias en experimentos médicos que terminan con un sorprendente resultado: el padre se ha convertido en un vampiro. En su nueva condición de no-muerto, San-hyeon comprobará todas las posibilidades de su nueva condición además de descubrir que evidentemente necesita sangre para sobrevivir. También llegará a intimar con la pobre Tae-ju (Kim Ok-bin), una muchacha condenada a vivir con la familia de su tía, donde no la tratan precisamente como a alguien de su propia sangre. El punto de inflexión del relato, y que le permite a Chan-wook volar tan lejos como su imaginación le permite, se produce cuando San-hyeon convierte a Tae-ju en un no-muerto.

Es entonces cuando el tono de ‘Thirst’ adopta un ritmo extraño, balbuceante pero al mismo tiempo con cierto sentido, como si se tratase de un corazón bombeando sangre y fuésemos testigos de como esta entra —los momentos íntimos, de tono incluso onírico y algunos de una belleza plástica realmente hipnótica— o sale —los momentos más explosivos, algunos de acción, otros de una violencia sin parangón, precedidos por una cuidada dilatación del tiempo donde Chan-wook hace gala de su sentido del humor—. Un relato pues, sobre el poder de la sangre y la responsabilidad de un gran poder tal y como rezan los lemas de algunos superhéroes. San-hyeon y Tae-jun pueden considerarse así; al fin y al cabo su condición les permite dar enormes saltos por encima de los tejados de la ciudad, momento en el que la película despliega unos muy convincentes efectos visuales.

Con instantes que recuerdan a Hitchcock —la tía intentando decir quién es un asesino—, y jugueteando con todos los géneros que la historia permite, Chan-woook nos narra otra de esas historias de amor atemporales, de dos seres inmortales que dan rienda suelta a sus instintos —atención al instante, de un patetismo increíble, en el que San-hyeon intenta violar a una mujer movido por la falta de prejuicios que tiene Tae-jun a la hora de cometer un asesinato—, mientras se convierten en el claro ejemplo de amor fou que tan bien queda en el cine. Por encima del relato de horror, de vampirismo, del thriller, incluso de la comedia, ‘Thirst’ es una love story, y siguiendo el esquema antes mencionado, sus últimos minutos, de una sobriedad sobrecogedora, semejan un corazón en sus últimos latidos. Uno por la vida y otro por la muerte. Uno por el amor, otro por el final del mismo.

Vampiros de verdad en Blogdecine:

• ‘Nosferatu’
• ‘Dracula’ de Tod Browning
• ‘Sombras trágicas, ¿vampiros?’
• ‘Drácula’, de George Melford
• ‘Vampyr’ de Carl Theodor Dreyer
• ‘La marca del vampiro’ de Tod Browning
• ‘El regreso del vampiro’ de Lew Landers
• ‘Drácula’ de Terence Fisher
• ‘Las novias de Drácula’ de Terence Fisher
• ‘Planeta sangriento’ de Curtis Harrington
• ‘I Vampiri’ de Riccardo Freda
• ‘La sangre del vampiro’ de Henry Cass
• ‘El beso del vampiro’ de Don Sharp
• ‘Drácula, príncipe de las tinieblas’ de Terence Fisher
• ‘Drácula vuelve de la tumba’ de Freddie Francis
• ‘El baile de los vampiros’ de Roman Polanski
• ‘Las amantes del vampiro’ de Roy Ward Baker
• ‘Lust for a Vampire’ de Jimmy Sangster

• ‘Drácula y las mellizas’ de John Hough

• ‘La mansión de los crímenes’ de Peter Duffell

• ‘El vampiro sangriento’ de Miguel Morayta

• ‘Drácula’ de John Badham

• ‘The Night Stalker’ de John Llewellyn Moxey

• ‘El ansia’ de Tony Scott

• ‘Noche de miedo’ de Tom Holland

• ‘Jóvenes ocultos’ de Joel Schumacher

• ‘La invasión de los vampiros’ de Miguel Morayta

• ‘El vampiro’ de Fernando Méndez

• ‘Déjame entrar (Let Me In)’ de Matt Reeves

• ‘Los viajeros de la noche’ de Kathryn Bigelow

• ‘Drácula’ de Francis Ford Coppola

• ‘Vampiros’ de John Carpenter

Supongo que a muchos os sorprende el hecho de ver una película como ‘The Man from Nowhere’ (‘Ajeossi’, Lee Jeong-beom, 2010) en esta sección. Pero cuando la creé no lo hice pensando únicamente en películas clásicas, añorando cierto tipo de cine que ya no se hace, sino también para incluir films que nuestra queridísima distribución ignora, o bien porque no confían en sus resultados económicos —no me extrañaría nada, pues yo lo paso realmente mal para intentar convencer a alguien de ver una película de origen asiático—, o bien por ignorancia, lo cual me extrañaría aún menos. Que muchas de estas películas terminen editándose en DVD o Blu-ray no contrarresta el hecho de que a muchos de nosotros nos gustaría visionarlas en una sala de cine, como dios manda. En el caso que hoy nos ocupa no hay noticias ni de una cosa ni otra, por lo que hay que recurrir al mercado internacional (ejem) para poder verla.

‘The Man from Nowhere’ es un thriller que algunos iluminados se han atrevido a comparar con el film de Tony Scott ‘El fuego de la venganza’ (‘Man on Fire’, 2004), en el que un entregado Denzel Washington se ponían en la piel de un curioso protector de una niña, a la que daba vida Dakota Fanning cuando era una prometedora actriz. Evidentemente hay ciertos paralelismos argumentales —el qué, que tanto interesa a muchos—, pero Lee Jeong-beom llega bastante más lejos sin necesidad de impactar al espectador con fuegos de artificio o montaje mareante. Una historia de supervivencia, de la muerte en vida, de la resurrección vital gracias a un ser querido y de superar los traumas del pasado a través de una muy violenta catarsis. El film coreano es, con muy pocas reservas, una de las mejores cintas de acción de los últimos años.

Won Bin —actor visto en las inéditas ‘Lazos de guerra’ (‘Taegukgi hwinalrimyeo’, Kang Je-gyu, 2004) y ‘Mother’ (‘Madeo’, Bong Joon-ho, 2009)— da vida a un solitario hombre que tiene una tienda de empeños. Únicamente entabla amistad con una niña, vecina que pasa su tiempo al lado del misterioso hombre porque su madre se dedica a la prostitución y apenas está en casa. Muy pronto la madre cometerá una de esas equivocaciones que cambian la vida de una persona de forma absolutamente radical: robará una importante mercancía —eufemismo de droga—, cuyos dueños no está dispuestos a perder. Los villanos de la función secuestrarán a la niña, y el hombre callado y misterioso empezará a hacerse notar. Poco a poco iremos conociendo su pasado, mientras el film cabalga entre varios géneros.

Precisamente suele ser la tónica del reciente cine oriental el querer abarcar demasiadas cosas, corriendo el peligro de quedarse en tierra de nadie o alargar innecesariamente las películas. En este caso el equilibrio es la tónica, tanto que casi parece un milagro. Dicho equilibrio nos lleva a través de una historia que habla de las relaciones paternofiliales y de la venganza en una primera lectura. Todo ello sabiamente mezclado con espectaculares escenas de acción, un poco de comedia y un crescendo dramático cuyo clímax estalla en un impresionante enfrentamiento final. Probablemente todo muy visto en infinidad de películas, pero Jeong-beom se las ingenia para captar la atención del espectador en todo momento. Fijémonos por ejemplo en la secuencia del maletero; el suspense está en enfocar dicho maletero alargando el tiempo hasta descubrir el contenido. Todos sabemos qué nos vamos a encontrar, pero el director dilata el tiempo logrando que el corazón nos dé un vuelco mientras juguetea con nosotros.

La infancia arrebatada planea en todo instante por el relato, logrando ponernos nerviosos. Pero también el haber perdido parte de la vida, ya sea por una desgracia personal o por haber elegido un camino equivocado. Ahí tenemos al antagonista del personaje central, un asesino en potencia cuyo inquietante silencio le describe a la perfección, logrando algo que normalmente no suele darse, que el espectador ponga de su parte para terminar de definir a un personaje. No sólo presenciamos que es un enemigo a la altura —la magistral pelea final lo demuestra—, también especulamos sobre su pasado gracias a cierto detalle argumental que tiene que ver con la niña. Cierto respeto y admiración emana del asesino hacia la figura de nuestro héroe, y dicho elemento es de lo mejor de la cinta en su tramo final, estableciéndose un paralelismo entre ambos. Dos hombres que han conocido el dolor más profundo del ser humano, enfrentados a su destino, cada uno desde un lado de la ley, o tal vez dos formas de ver la vida, la fácil —ser un asesino al mejor postor— o la difícil —luchar por lo que uno cree correcto—.

Kim Sae-ron y Won Bin ofrecen no sólo unas excelentes interpretaciones, llenas de matices, también son un perfecto ejemplo de compenetración entre actores. Una relación que despierta el pasado del protagonista, y que también supone una liberación del trauma, ejemplarmente expuesta y sin caer en sentimentalismos gratuitos, excepto por la secuencia final, la que cierra el film, y que parece un completo pegote. Un subrayado totalmente innecesario como broche final a una magnífica película, y que evidentemente no la estropea, pero es tan exagerado que no deja buen sabor de boca. En cualquier caso, ‘The Man from Nowhere’ es uno de los grandes títulos del cine reciente. Así de claro.

La verdad, no había oído hablar de ‘The Raid’ hasta este fin de semana, cuando he leído los entusiastas correos que nos han enviado algunos lectores. No nos suelen llegar tantos avisos de que ha salido un tráiler, a menos que se trate de una superproducción de Hollywood, y esto es un thriller de acción hecho en Indonesia, tenía que verlo para entender a qué venía tanto revuelo. Y vale, es intenso y salvaje, hay ganas de ver la película (espero que no hayan mostrado las mejores escenas…), pero tampoco exageremos, parece que os encanta tener unas altísimas expectativas, siendo probable que luego quedéis terrible y amargamente decepcionados. Y conste que sigo hablando de cine. En fin, si aún no lo habéis visto, tenéis el tráiler ahí arriba, y no os preocupéis por el idioma, no hay ni un solo diálogo.

‘The Raid’ es la película de Gareth Evans y está protagonizada por Iko Uwais, Doni Alamsyah, Yayan Ruhian, Joe Taslim y Ray Sahetapy, entre otros (unos tipos muy conocidos en su barrio, no tenéis más que preguntar). En cuanto a la trama, es de lo más sencilla, como suele ser habitual en el cine de acción; se centra en un equipo de veinte policías de élite cuya misión es detener a un importante mafioso, pero para lograrlo deberán enfrentarse a innumerables y brutales criminales a lo largo de los treinta pisos del bloque de apartamentos donde se refugian. Y ya está, porque lo que importa es ver tiros, golpes, explosiones, cuchilladas, caídas y muertes, de la manera más espectacular posible. Tras ser presentada en el festival de Toronto, donde han dicho que es como ‘La jungla de cristal’ (‘Die Hard’) pero “cien veces más violenta y mil veces más sangrienta”, la película se podrá ver en Sitges, cuya nueva edición arranca este próximo mes de octubre. ¿Se estrenará en los cines españoles? Todo es posible…

PD: La música que suena en el vídeo es de Mike Shinoda, uno de los componentes del grupo Linkin Park. Se encarga de la banda sonora junto a Joe Trapanese.

Cuatro años después de ‘My Blueberry Nights’, por fin podemos echar un vistazo al primer tráiler de ‘The Grandmasters’ ( o ‘The Grand Master’, según el sitio), la nueva y esperada película de Wong Kar-Wai, un biopic de Ip Man, el maestro de Bruce Lee. Aunque el prestigioso cineasta es más conocido por sus dramas románticos, conviene recordar que ya ha filmado previamente una historia de artes marciales, ‘Ashes of Time’ (reestrenada en 2008 con un nuevo montaje), por lo que no es la primera vez que tiene que lidiar con personajes dándose patadas y puñetazos.

Aun así, reconozco que el avance, de poco más de un minuto, no parece presentarnos una película suya, sino más bien una dirigida por los hermanos Wachowski. Dicho esto, como si en el tráiler suena un tema de Justin Bieber y aparece Torrente besuqueando a Belén Esteban, me da igual. Es el nuevo trabajo del autor de las bellísimas ‘Deseando amar’ (‘In the Mood for Love’) y ‘2046’, no me la pienso perder. Jingzhi Zou, Xu Haofeng y el propio Wong Kar-Wai firman el guion de ‘The Grandmasters’, cuyo reparto está encabezado por Tony Leung (mucho ha debido entrenar para ser creíble en el papel), Zhang Ziyi, Chen Chang, Cung Le y Song Hye-kyo. En un principio se dijo que la película (cuyo rodaje comenzó en 2009) estaría lista para el pasado festival de Cannes, luego que para el de Venecia, y ahora se habla de que podría estar terminada para finales de este año. Ya veremos qué ocurre. Y si las peleas, coreografiadas por Yuen Woo-ping (el mismo de ‘Matrix’, ‘Tigre y dragón’ o ‘Kill Bill 2’, entre muchas otras), resisten la comparación con las que hay en ‘Ip Man’, dirigida por Wilson Yip, con Donnie Yen de protagonista y Sammo Hung orquestando la acción.

PD: Un vídeo de la película ‘Matrix Revolutions’. Encuentra las diez diferencias:

Ayer, domingo, se clausuró la 30ª entrega del Festival de cine de Hong Kong. El principal premio de entre estos Hong Kong Film Awards fue a parar a la cinta ‘Gallants’, una comedia de acción, de bajo presupuesto, codirigida entre Chi-kin Kwok y Clement Sze-Kit Cheng. ‘Gallants’ (‘Da lui toi’, 2010) trata sobre un maestro de kung fu que despierta tras un coma de 30 años y se pone a entrenar a dos novatos y a dos alumnos entraditos en años. Teddy Robin y Susan Shaw se llevaron los premios a Mejores Intérpretes de reparto. La banda sonora, coescrita por Tommy Wai y Teddy Robin, también obtuvo premio.

El célebre Andy Lau y Lam Ka-tung estaban detrás de este proyecto, que ya había obtenido los galardones de Mejor Película y Mejor Actor en los premios de la sociedad critíca de Hong Kong de este mismo año. Tras la entrega del premio, el actor, que aquí ejerce como productor, declaró: «No me importa demasiado cuántos premios gane ‘Gallants’. Lo más importante es el espíritu y el significado que contiene la película: es el espíritu de la gente de Hong Kong, de las películas de Hong Kong».

Uno de los directores, también conocido como Derek Kwok, repitió la frase que el maestro de kung fu utiliza como mantra durante la película: «Si no peleas, no perderás. Pero si luchas, debes tratar de ganar» y añadió que ése es el espíritu de la industria del cine en Hong Kong.

‘Detective Dee and the Mystery of the Phantom Flame‘, de Tsui Hark, protagonizada por el productor de la anterior: Andy Lau y de la cual se puede ver aquí un trailer; se llevó el premio al Mejor Director y el de Mejor Actriz para Carina Lau. Asimismo, se llevó el premio a la mejor dirección de arte, al mejor diseño de vestuario y maquillaje, al mejor sonido y a los mejores efectos visuales.

Tsui, que es conocido por su ética del trabajo, agradeció a su equipo: «tengo una reputación de hacer trabajar mucho tanto al equipo técnico como al artístico. Quería que ganasen ellos más que yo, ya que trabajaron mucho más que yo».

El mejor actor fue Nicholas Tse, por el thriller policiaco ‘The Stool Pigeon’. En su discurso, agradeció a su mujer, la actriz Cecilia Cheung, y a su padre, el actor veterano Patrick Tse, por tolerar su comportamiento rebelde de cuando era cantante pop y fue detenido por un accidente de tráfico.

‘Love in a Puff’ obtuvo el premio al mejor guion para Pang Ho-cheung y Heiward Mak. Willie Chan, el agente de Jackie Chan, obtuvo un premio honorífico por su carrera.

La mejor dirección de fotografía fue la de‘Confucio’ (‘Confucius’), firmada por Peter Pau. La biopic, dirigida por Mei Hu y protagonizada por Chow Yun-Fat, se estrenará en España el 20 de mayo. Se puede ver su trailer a continuación:

Vía | Rocket News

‘Warlords: los señores de la guerra’ (‘Tau ming chong’, 2007), dirigida por Peter Chan y Wai Man Yip, y protagonizada por Jet Li, Andy Lau, Takeshi Kaneshiro, Jinglei Xu, Bao-ming Gu, Xiaodong Guo, Zhaoqi Shi, Kuirong Wang, Yachao Wang y Bo Zhou; nos cuenta que, a mediados del S. XIX, en medio de una cruenta guerra civil que se saldó con cincuenta millones de muertos, un general chino encuentra el camino a la gloria tras hermanarse con dos bandidos. Su obsesión por el poder y el amor de una mujer acabarán por desencadenar una tragedia.

Hace bastante tiempo que vi esta película —que apareció en DVD en noviembre de 2009 — y que tenía escritas sin publicar estas palabras, quizá con la idea ilusa de que se estrenase en cines cuando, si ya ha ido directa al formato doméstico, sabemos que eso no va a ocurrir. Corría la época de estreno en España de ‘Acantilado Rojo’ y lo cierto es que la que nos ocupa me pareció muy superior, por lo que no entiendo que no gozase, como aquella, de un estreno en salas, especialmente después de que la Academia de Cine de Hong Kong le concediese premios a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor (Jet Li), Mejor Fotografía, Mejor Dirección Artística, Mejor Maquillaje, Mejor Vestuario en 2008. Quizá es que la intensidad de su violencia, así como su extensa duración, hagan que no sea recomendable para cualquier espectador.

El film es un complejo y devastador drama de personajes, en el que no se dan concesiones ni se dulcifica ningún aspecto. Pero la violencia de la que hablo se debe más a una intención realista que a la búsqueda de la provocación que pueden tener algunas cintas que están circulando en estos momentos por festivales y muestras.

Lo que la película demuestra es un aspecto de las guerras que sigue siendo actual: los intereses monetarios. Los señores de la guerra son aquellas personas que luchar por obtener un beneficio propio, arriesgando así la vida de sus soldados y arrasando poblaciones sin tener en ellas ningún interés político o patriótico, y ni siquiera con la ambición de convertirse en jefes de estado, sino con un único interés: el económico.

Por todo ello, la película está despojada de toda la épica y la honorabilidad que suele caracterizar a los films bélicos. Y este aspecto me parece la mayor novedad y lo que la eleva por encima de muchas otras producciones que, al fin y al cabo, justifican la lucha armada.

Lo más interesante de la película es Pang, el personaje de Jet Li, un hombre equívoco, un personaje contradictorio, que tan pronto puede demostrar que se rige por unos códigos éticos exagerados, como puede, poco después, tomar decisiones cruentas y reprobables. Su actitud no está encomiada, pero sí se hace ver en cada momento por qué toma las decisiones. Sin perjuicio de una comprensión del personaje muy profunda, el guion es capaz de mostrarnos, al mismo tiempo, los puntos de vista de los otros dos protagonistas y lograr que los comprendamos a ellos igual de bien que a Pang.

A pesar de su crudeza, ‘Warlords: los señores de la guerra’ es una película muy bella estéticamente. Las batallas están bien rodadas, de forma sucia, pero espectacular, y con una luz muy interesante. Se podría destacar la escena de los arqueros contra la población civil, tanto por su impacto conceptual, como por la forma en la que está realizada. Tras pagarle el sueldo más alto que ha obtenido un actor en China, los autores permiten el tiempo necesario para disfrutar de las coreografías de las peleas de Li y sus compañeros de reparto.

Oscuro, profundo y nada complaciente, ‘Warlords: los señores de la guerra’ puede no ser un film apto para cualquier estómago y no supone, precisamente, la esperable cinta asiática de artes marciales y guerra con la que pasar un rato entretenido. Pero sí puede considerarse por parte de espectadores experimentados una gran película cargada de vistosas batallas y al mismo tiempo de un importante contenido crítico social y un profundo retrato de personajes.

Mi puntuación:

Mañana, 3 de marzo, se inaugura la 8ª edición de la Muestra Syfy de Cine Fantástico de Madrid que tendrá lugar, como todos los años, en el cine Palafox y que en esta ocasión estará presentada por la actriz Alexandra Jiménez (‘No controles’, ‘Spanish Movie’).

Como es habitual, la muestra ofrecerá estrenos en primicia en nuestro país. Asimismo, podrán verse películas que ya han pasado con éxito por festivales como Sitges o San Sebastián Terror, así como una selección de los mejores cortometrajes de género vistos en la última Semana de Terror de Donosti.

El jueves, la sesión inaugural la presidirá a película dirigida por George Nolfi ‘Destino oculto’ (‘The Adjustment Bureau’, 2010), un thriller con ingredientes de ciencia ficción, protagonizado por Matt Damon y Emily Blunt, cuyos personajes luchan por escapar de una vida que otros han diseñado para ellos. Quienes no consigan entradas para esta proyección inaugural, que no se apuren, pues el film se estrena justo al día siguiente, el 4 de marzo.

Entre los films asiáticos que podrán verse estos días se hallan los surcoreanaos ‘Thirst’ —a éste pertenece la imagen del inicio—, film que distribuirá en DVD Media3 Estudio durante el tercer trimestre de 2011, y del que nos habló Juan Luis Caviaro, quien pudo hacerle una entrevista a su director: Park Chan-Wook, y ‘I Saw the Devil’, la cinta de Kim Jee-woon que levantó tanta polémica en Sitges. La japonesa ‘Thirteen Assassins’ (crítica), del célebre Takashi Miike, también se incluye en la Muestra, así como ‘Dream Home’, del director Pang Ho-Cheung, de Hong Kong.

Otros de los largometrajes que estarán presentes en esta Muestra son ‘Tucker & Dale vs. Evil’, una cinta canadiense que triunfó en su estreno en el Festival de Sundance, la francesa ‘Captifs’, la británica ‘Cherry Tree Lane’, de Paul Andrew Williams (‘London to Brighton’, ‘The Cottage’) o ‘Hatchet 2’, de Adam Green.

También se proyectarán las italianas ‘Shadow’ y ‘Giallo‘, dirigida por Dario Argento y protagonizada por Adrien Brody y Elsa Pataky, de la que ya os habíamos hablado.

Clausurará el festivalito ‘El último exorcismo’ (‘The Last Exorcism’, 2010), de Daniel Stamm, que llegará a nuestras pantallas el día 6 de mayo, y que cuenta a Eli Roth entre sus productores. Rodada en tan solo dieciocho días, se describe como una vuelta de tuerca a una de las temáticas clásicas del cine de género. Aquí podéis leer la crítica de Caviaro. En ‘El último exorcismo’, el reverendo Cotton Marcus invita a un equipo de rodaje a que le sigan para documentar sus últimos días como exorcista. Pero su fe pronto se ve puesta a prueba cuando el padre de una chica, presa de una posesión demoníaca, hace que se enfrente cara a cara con el mismísimo diablo.

Vía | Página oficial, donde pueden consultarse la programación, los horarios y los precios.

Hoy sale a la venta en DVD, sin haber pasado por salas, ‘Mother’ (‘Madeo’, 2009), cuarto trabajo de Bong Joon-Ho.

Las otras dos cintas que he podido ver del director surcoreano, ‘Memories of Murder’ y ‘The Host’, me parecieron impecables, por lo que en mayo del año anterior, acudí a Barcelona para poder ver, durante el Festival de cine Asiático, lo último de este particular autor —es misma tarde vi también simpática ‘Like You Know It All’—. Considero lamentable que ‘Mother’ no haya llegado a los cines. «Lamentable» en el sentido literal, ya que es una pena que muchas personas no tengan la oportunidad de verla en gran pantalla y «lamentable» también en sentido figurado por la actitud de los distribuidores y exhibidores.

La trama nos habla de un chaval un tanto deficiente, que aún vive con su madre, quien lo sobreprotege de forma extrema. Una noche, el chico vuelve tarde a casa y, al día siguiente, aparece el cadáver de una niña colgando de una terraza. Ya que había estado por los alrededores, todo el mundo culpa al joven, pero la madre está convencida de que no ha sido él y emprende una investigación para hallar al verdadero culpable.

Vuelve el cineasta a mezclar géneros, como es habitual en él, pero en este caso, la simbiosis no produce los saltos de tono tan bruscos que probablemente significaban el motivo de que muchos rechazasen su producción anterior. En ‘Mother’ el intimismo y la búsqueda policial se integran con mucha mayor fluidez. Tampoco aquí prescinde del humor, aunque no se podría definir como comedia. La policía se retrata igual que en ‘Memories of Murder’: ejerciendo torturas y obteniendo confesiones bajo presión.

A pesar de que el tono humorístico y teñido por la ternura lo alejarían por completo del director polaco, Bong Joon-Ho recuerda en numerosas ocasiones a Roman Polanski por el modo en el que rueda alguna de las secuencias — la palabra «secuencia» tomada como conjunto de escenas con unidad narrativa—, de las que el mejor ejemplo lo compondrían los momentos que van llevando a la madre a un descubrimiento.

La fotografía de todos los planos de esta oscura historia de amor incondicional es sublime, como puede comprobarse en las imágenes que acompañan el texto.

Con la misma maestría con la que domina el thriller, el surcoreano consigue una ternura inusitada hacia los dos personajes, madre e hijo, con un perfecto retrato de ambos y de su extraña relación. Sin exageraciones ni dramatismos gratuitos, el amor de madre se muestra aquí como el mayor que puede haber sobre la Tierra.

Kim Hye-ja, veterana actriz televisiva, hace un excelente papel. Won Bin, en el papel del joven, está igual de convincente. Es incisivo, asimismo, el reflejo de los demás personajes, como el viejo o las niñas adolescentes, retratadas como un colectivo, pero sin caer exactamente en el tópico.

En mi crítica de ‘Poesía’, comparaba ambas películas surcoreanas por su tema argumental de fondo común y por el protagonismo en ambas de señoras de avanzada edad. Pero ya indicaba el diferente acercamiento en cada uno de los films hacia el asunto. Las dos cintas, cada una a su manera, estudian las connotaciones éticas de los actos emprendidos por estas mujeres. ‘Mother’ emplea un retrato de personajes casi enfermizo para demostrar que, para muchas personas, el amor hacia los seres cercanos es un sentimiento más fuerte de que el de justicia. Tal es la implicación emocional que se logra que el espectador llega a participar de este sentir.

‘Mother’ fue la gran ganadora en los Asian Film Awards celebrados en Hong Kong en marzo del año pasado. Obtuvo tres de los premios más importantes: Mejor Pelicula, Mejoc Actriz, Kim Hye Ja, y Mejor Guion, obra de la guionista Park Eun Kyo y del propio director. También recibió el Gran Premio SIGNIS a la mejor película de la competencia internacional en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, Argentina.

Como conclusión únicamente diría que se trata de un film magnífico y devastador, que no deben dejar pasar los más asiduos a Bong Joon-Ho —no pensar que no por no ir a salas es inferior a las anteriores— y que incluso quienes sintieron rechazo por las anteriores películas de este cineasta coreano pueden disfrutar, pues no se encontrarán con las alteraciones del tono que allí les sacaban de la ficción. Pasamos el año 2010 echando de menos películas grandiosas y memorables en la cartelera y las que podrían haber ocupado ese lugar ni siquiera contaron con una oportunidad.

Tráiler de ‘Mother’ en Blogdecine.

Mi puntuación:

Esta semana se puede encontrar bastante calidad entre los lanzamientos a la venta en DVD o Blu-ray. Por fin se estrena ‘Mother’ (‘Madeo’, 2009), de Bong Joon-ho, un film que, injustamente, ha llegado directamente a este formato directo sin disfrutar de un estreno en salas. Salen a la venta, asimismo, algunos grandes clásicos, como ‘Alien’ o ‘Bambi’, que se pueden comprar en cajas con sus secuelas, lo que también ocurre con la edición de ‘Wall Street’. Se lanzan a la venta también cintas recientes, en concreto dos comedias con Steve Carell.

‘Mother’

Título original, nacionalidad, año: ‘Madeo’, Corea del Sur, 2009.

Director: Bong Joon-ho.

Intérpretes: Won Bin, Hye-ja Kim y Ku Jin.

Sinopsis: Do-joon, un joven disminuido psíquico, es acusado de la muerte de una adolescente por la policía, quienes le obligan a firmar la confesión a pesar de las pocas pruebas en su contra. Su madre, convencida de su inocencia, hace todo lo posible por sacarle de prisión, pero ante la inoperancia y el desinterés de la Justicia, la mujer inicia por su cuenta una peligrosa investigación para demostrar la inocencia de su hijo, impulsada por un sentimiento de protección obsesivo que, a última hora, pondrá a prueba sus propias convicciones.

Otra inmensa película del director de ‘Memories of Murder’ y ‘The Host’, que no hay que dejar pasar, a pesar de que la única posibilidad sea verla en casa.

‘La cena’

Título original, nacionalidad, año: ‘Dinner for Schmucks’, EE. UU. 2010.

Director: Jay Roach,

Intérpretes: Paul Rudd, Steve Carell, Jemaine Clement, Zach Galifianakis, Lucy Punch y Chris O’Dowd.

Sinopsis: Un ejecutivo debe encontrar a una persona muy peculiar para llevarla a cenar a casa de sus jefes, donde todos aportarán algún idiota, para reírse de ellos.

Como ya dije en mi crítica, esta película es mucho peor de lo que podría imaginarse con las más bajas expectativas en mente. Resulta difícil pensar que este subproducto, que en este caso sí es lógico que no haya pasado por cines, surja de algo tan genial como la francesa ‘La cena de los idiotas’ (‘Le dîner de cons’), de Francis Veber.

‘Noche Loca’

Se lanza en Blu-ray a la venta ‘Noche Loca’ (‘Date Night’), que está protagonizada por Steve Carell y Tina Fey. El director es Shawn Levy y el reparto se completa con Mark Wahlberg, Mark Ruffalo, James Franco, Mila Kunis y Kristen Wiig.

Carell y Fey eran motivo suficiente para desear verla, ya que soy muy admiradora de ambos intérpretes, especialmente de ella. Opino que la película se deja ver, aunque no es todo lo divertida que podría y se pierde bastante pronto en una trama sin sentido. Para echarle un ojo en casa, alquilándola o pillándola por televisión, sí me parece más que digna. Para poseer una copia en Blu-ray no la considero.

En Blogdecine: ‘Noche loca’, la última aventura de un matrimonio aburrido.

‘Wall Street’ y ‘Wall Street: El dinero nunca duerme’

Además de ‘Wall Street: El dinero nunca duerme’ (‘Wall Street: Money Never Sleeps’, 2010), salen a la venta una ‘Colección Michael Douglas’ y una ‘Colección Wall Street’, que incluyen el título original: ‘Wall Street’ (1987).

Dirigidas por: Oliver Stone.

Protagonizadas por: Michael Douglas.

La primera película tenía un sentido al llegar en plena efervescencia de la cultura ‘yuppie’ de los ’80, con el mérito de ser una de las más notorias voces disonantes. ‘Wall Street’ (1987) destacó por su utilización del montaje, capaz de dar intensidad y emoción a conceptos económicos difícilmente asimilables. Pero, por encima de todo, creó todo un icono cinematográfico y cultural en el personaje de Gordon Gekko: su frase «Greed is good» («la avaricia es buena») fue tomada en serio por mucha gente, a pesar de que Oliver Stone la condenaba sin paliativos. Podéis leer una crítica de Alberto Abuín sobre la de 1987.

En ‘Wall Street: Money Never Sleeps’, Gordon Gekko sale de la cárcel tras cumplir su condena; recupera sus objetos personales y sale a la calle, descubriendo que nadie le está esperando. Y entonces pasan otros siete años más; ahora Gekko ha escrito un libro de éxito y da conferencias, a las que acuden un montón de jóvenes admiradores. Sobre ella, nos dice Juan Luis Caviaro que resulta absurda e innecesaria.

Antología ‘Alien’

Aparece a la venta la caja Antología ‘Alien’ en Blu-ray (edición sencilla), que contiene ‘Alien, El Octavo Pasajero’, ‘Aliens’, ‘Alien 3’ y ‘Alien: Resurrección’.

Disco 1: ‘Alien, el octavo pasajero’

Dirigida por Ridley Scott en 1979, ‘Alien, el octavo pasajero’ ‘es una de las películas de ciencia ficción más míticas y excepcionales de la historia del cine. Contiene algunos de los momentos que más han marcado en la imaginería del género y que más se recuerdan entre quienes han podido ver la película, aunque sea años atrás.

Críticas de ‘Alien’ en Blogdecine: de Alberto Abuín, de Adrián Massanet.

Contenido y extras: Versión cinematográfica de 1979, El montaje del director de 2003, con una introducción de Ridley Scott, Comentarios en audio del director Ridley Scott, el guionista Dan O’Bannon, el productor ejecutivo Ronald Shusett, el montador Terry Rawlings, los actores Sigourney Weaver, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton y John Hurt, Comentario en audio (sólo para el montaje para salas de cine) de Ridley Scott. Banda sonora final incluida en la versión cinematográfica de Jerry Goldsmith. Banda sonora original del compositor, Jerry Goldsmith. Escenas suprimidas y ampliadas. Experiencia en Modo MU-TH-UR Interactivo con Weyland-Yutani Datastream

Disco 2: ‘Aliens’

Siempre he sido una absoluta fanática de ‘Alien’ e incluso confesaría que mi preferida en términos de entretenimiento es esta segunda entrega que rodó James Cameron, a pesar de ser consciente de que la calidad del film de Ridley Scott es superior. El personaje de la teniente Ripley, interpretada por Sigourney Weaver, como heroína completa llega aquí a su cumbre.

Crítica de Adrián Massanet.

Contenido y extras: Versión cinematográfica de 1986, Edición especial de 1991 con introducción de James Cameron, Comentarios en audio del director James Cameron, el productor Gale Anne Hurd, el creador de efectos especiales para el Alien Stan Winston, los supervisores de efectos visuales Robert Skotak y Dennis Skotak, el supervisor de efectos en miniatura Pat McClung, los actores Michael Biehn, Bill Paxton, Lance Henriksen, Jenette Goldstein, Carrie Henn y Christopher Henn, Banda sonora final incluida en la versión cinematográfica de James Horner, Banda sonora original del compositor, James Horner, Escenas suprimidas y ampliadas, Experiencia en Modo MU-TH-UR Interactivo con Weyland-Yutani Datastream.

Disco 3: ‘Alien³’

Con ‘Alien³’ llega la primera decepción. Pensando hoy en día que su director es David Fincher, supongo que fue más por lo que se alejase de lo que podríamos esperar de la franquicia que por tratarse de un mal film, pero es que el tono no estaba acertado y las dificultades de producción, que provocaron la reescritura del guion por varios pares de manos acabaron con las posibilidades de la historia. Fincher tuvo poco tiempo para preparar la película, pues entró a medias y el rodaje comenzó sin que hubiese una versión finalizada del guion.

Crítica de Adrián Massanet sobre ‘Alien3’.

Contenido y extras: Versión cinematográfica de 1992, Edición especial de 2003 (Versión restaurada), Comentarios en audio del cineasta Alex Thomson, B.S.C., el montador Terry Rawlings, los diseñadores de efectos especiales para el Alien Alec Gillis y Tom Woodruff, Jr., el productor de efectos visuales Richard Edlund, A.S.C., los actores Paul McGann y Lance Henriksen, Banda sonora final incluida en la versión cinematográfica de Elliot Goldenthal, Escenas suprimidas y ampliadas, Experiencia en Modo MU-TH-UR Interactivo con Weyland-Yutani Datastream.

Disco 4: ‘Alien Resurrección’.

Jean-Pierre Jeunet dirigió otro intento fallido y extraño, con guion de Joss Whedon, de continuar con los personajes que tan bien habían iniciado la serie. Con una nueva protagonista, encarnada por Winona Ryder, y una Ripley clonada, 200 años después de la anterior película, esta secuela tampoco logró estar a la altura requerida.

Contenido y extras: Versión cinematográfica de 1997, Edición especial de 2003 con introducción de Jean-Pierre Jeunet, Comentarios en audio del director Jean-Pierre Jeunet, el montador Hervé Schneid, A.C.E., los creadores de efectos especiales para el Alien Alec Gillis y Tom Woodruff, Jr., el supervisor de efectos visuales Pitof, el artista conceptual Sylvain Despretz, los actores Ron Perlman, Dominique Pinon y Leland Orser. Banda sonora final incluida en la versión cinematográfica de John Frizzell. Escenas suprimidas y ampliadas. Experiencia en Modo MU-TH-UR Interactivo con Weyland-Yutani Datastream.

‘Bambi’ y ‘Bambi II’

De la película de Disney ‘Bambi’ aparecen a la venta cuatro ediciones distintas: edición coleccionista, edición diamante (con cuento ilustrado), ‘Bambi 2’ (edición especial) y Pack ‘Bambi’ + ‘Bambi II’.

‘Bambi’ está dirigida por: James Algar, Samuel Armstrong, David Hand, Graham Heid, Bill Roberts, Paul Satterfield y Norman Wright.

‘Bambi’ es la historia de un pequeño ciervo contada desde su visión de los hechos, lo que nos transporta a su mundo y vida. Con sus amigos, como Tambor el conejo, Flor la mofeta, y su futura pareja Faline, descubrirá sabias lecciones sobre el amor y la vida. El peligro que representa el Hombre lo aprende del Príncipe del Bosque, y por experiencias como la pérdida de su madre.

Estaba destinada a ser el segundo largometraje de animación de Disney ya que comenzó su producción en 1936, sin embargo, la búsqueda de perfección de Walt Disney retrasó el proyecto de manera significativa y la película no vio la luz hasta 1942. Disney se tomó la libertad de modificar la especie de Bambi de un corzo en la historia original a un ciervo de cola blanca, ya que el corzo no habita en Estados Unidos, y el ciervo de cola blanca es más familiar para los norteamericanos. Esta película fue distinguida con tres premios de la Academia en las categorías de Mejor Sonido, Mejor canción por ‘El amor es una canción’ y Composición Musical Original.

‘Bambi’ es una de las películas que más han traumatizado a varias generaciones, un clásido de 1942 que merece la pena ya sea para revisarla como para dársela a conocer a quienes aún no la han visto.

‘Bambi 2’, dirigida por Brian Pimental en 2006, nos cuenta que, tras la muerte de su madre, su misterioso padre el Gran Príncipe del Bosque, tiene que hacerse cargo de Bambi. El Gran Príncipe sólo espera que su hijo se comporte con dignidad y se entrene para convertirse en un futuro Príncipe del Bosque, sin darse cuenta que el joven ciervo aún sufre por la pérdida de su madre y que necesita de su amor. No debe de ser tan apreciable, como indica la crítica de Alberto Abuín .

Packs por pares

También se pueden comprar las siguientes películas en pares temáticos: Pack ‘Bitelchus’ + ‘Mars Attacks!’. Pack ‘La Fuga de Logan’ + ‘Furia de Titanes’. Pack ‘La Fuga de Logan’ + ‘THX 1138’. Pack ‘La Milla Verde’ + ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’. Pack ‘Ocean’s 11’ + ‘Ocean’s 12’ Pack ‘Poseidón’ + ‘Deep Blue Sea’.

Vía | Zona DVD.