Cine Clásico: Todas las noticias
11 mayo 2008
Películas gratis a puñados (V): Charlot y 'La quimera de oro'
Reconozco que no es la forma correcta de ver estas películas, pero es una posibilidad que existe y dentro de lo que hay si sirve para que el público en general, que no ha tenido al cine mudo entre sus opciones cinéfilas, la valore, pues bienvenido sea. Retomamos de nuevo la figura de Charles Chaplin, con otra de sus obras maestras, ‘La quimera del oro’ (The golden rush).
Dicen que las películas de Charlot se veían en USA como una forma de escapar a los malos momentos, de olvidarse los problemas de la depresión. Y que no comentar de esta película a lo que ya aportó Alberto en su lista de sus favoritas del cine mudo, que tiene algunas de las secuencias más inmortales de la historia del cine: el baile de los panes, las botas comestibles, la casa pendular sobre del desfiladero, el salón del oeste imaginario…, la película al completo. Sin embargo, voy a comentar lo que supuso para mí ver esta película. De nuevo un cine club de La2, cuando sólo había dos canales en televisión. Fue la primera película que vi de Charles Chaplin, la segunda muda, poco después de ‘Nosferatu’, y para mí fue la confirmación de lo grande que era el cine de los pioneros. A partir de ahí, Charlot me ganó el corazón.
Como comenta un lector en la entrada de las películas favoritas del cine mudo, existen dos versiones de ‘La quimera del oro’, la original y una revisión del propio director realizada en 1942, donde ponía una voz en off para narrar algunas de las secuencias, poniendole sonido y cambiando de 18 a 24 fotogramas por segundo, todo por la sensación que tenía el director de hacer más cortos los intervalos entre las secuencias de humor. También cambió el final, lo que motiva que algunos, yo entre ellos, prefiramos el original a la revisión que realizó. No obstante, para que valoréis ambas, en la continuación de la entrada las tenéis disponibles. Y pensado para aquellos que quieren seguir soñando con el cine mudo.
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10 mayo 2008
'Juntos Hasta la Muerte', sin último refugio
Ya os he comentado anteriormente que aquí, en Granada, tenemos un estupendo cineclub que, cada martes y viernes, proyecta clásicos (la mayoría) en pantalla grande y en versión original subtitulada. El pasado martes, con motivo de un ciclo sobre el glorioso género del western, tuve la suerte de ver ‘Juntos Hasta la Muerte’, una nueva versión de la novela ‘High Sierra’, de W.R. Burnett, que Raoul Walsh realizó años más tarde de ‘El Último Refugio’ (1941). Walsh traslada la historia del cine negro al salvaje oeste y nos proporciona un impresionante, trágico y romántico drama de aventuras sobre cosas tan poco importantes como el amor, la muerte, el honor, la amistad o el destino.
‘Juntos Hasta la Muerte’ (‘Colorado Territory’, 1949) se centra en el forajido Wes McQueen, que tras escapar de prisión debe realizar un último asalto a un ferrocarril, un trabajo fácil del que se espera obtener un gran botín. Sin embargo, Wes encuentra pronto demasiados puntos oscuros en el plan y en los que le acompañarán en el atraco, con la excepción de una bella mujer de origen indio, Colorado Carson.
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'El Soborno', Robert Mitchum y los policías corruptos
Robert Mitchum nos acostumbró en la mayoría de sus películas al tipo duro, sobre todo en sus westerns, o cintas de cine negro, cuando no nos atemorizó hasta límites insospechados en títulos como la atemporal ‘La Noche del Cazador’, dando vida a uno de los villanos más influyentes en el séptimo arte. Casi siempre estaba del lado de la ley, aunque eso no significaba que sus personajes representasen en modo alguno la bondad. Siempre había matices que decían que en cuestión de personas no todo es blanco o negro, si no que hay una gran variedad de grises. Sin embargo, en ‘El Soborno’, Mitchum da vida a uno de esos policías íntegros y honrados que no han cometido una falta en su vida. No hay un sólo ápice de sombra en su personalidad. Un hombre honesto en un mundo de delincuentes y corruptos.
‘El Soborno’ es una película medio olvidada de un director completamente olvidado, John Cromwell, uno de esos realizadores que no obtuvieron tanta fama como otros a los que no hace falta citar, y que sin embargo no tenía nada que envidiarles. A Cromwell le debemos grandes películas como ‘Desde Que te Fuiste’ o ‘Sin Remisión’, y también ésta que nos ocupa, cuyo rodaje no estuvo exento de complicaciones, llegando a sentarse en la silla de director gente tan dispar como Mel Ferrer, Tay Garnett o Nicholas Ray.
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'The Tell-Tale Heart', de Edgar Allan Poe, por Jules Dassin
‘The Tell-Tale Heart’ o ‘El Corazón Delator’ es uno de los relatos más famosos del gran Edgar Allan Poe. La historia gira en torno a un hombre que, tras cometer un asesinato, no puede dejar de oír los latidos del corazón del muerto. Este material sirvió de base al director Jules Dassin, recientemente fallecido, para realizar el magnífico cortometraje que os dejo más abajo.
Dassin, responsable de títulos tan inolvidables como ‘Noche en la Ciudad’ o ‘Rififi’, deja buena muestra de su extraordinario talento en este trabajo de casi 20 minutos; ejemplar, sobre todo, la forma en que se mantiene la tensión, que el espectador esté absolutamente pegado a la pantalla, casi sin respiración. El vídeo está en versión original (hay poco diálogo e incluso diría que se entiende sin él, si no se controla nada el inglés). Que lo disfrutéis/sufráis.
En Blogdecine | Información sobre ‘Tell-Tale’, próxima adaptación de la misma obra de Poe, con Josh Lucas
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06 mayo 2008
'Machine-Gun Kelly', Roger Corman dirigiendo a Charles Bronson
Roger Corman demostró que el dinero no era un problema para realizar una buena película (y también mala). Solía aprovechar el presupuesto que le daban para una, para filmar tres, algunas de las cuales rodaba en un fin de semana en el patio de su casa (caso de por ejemplo, ‘La Tienda de los Horrores’). Con él, muchas veces la calidad nada tenía que ver con el dinero asignado, el que tenía talento lo tenía y punto. Prueba fehaciente de ello es su ciclo de films, todos estupendos, dedicado a la figura de Edgar Allan Poe, con films como ‘La Caída de la Casa Usher’ o ‘La Tumba de Ligeia’, algunas de las cuales se encuentran editadas en dvd en nuestro país. Esto no quiere decir que todo lo que hacía fuera de buena calidad. Algunas eran cutres (y ahí sí se notaban los pobres medios) hasta decir basta, y no sólo eso, si no malas de solemnidad, como por ejemplo, ‘La Mujer Avispa’.
Corman tocó prácticamente todos los géneros, aunque se especializó en el género de terror y sci-fi. ‘Machine-Gun Kelly’ pertenece a ese grupo de films de gangsters, en el que tal vez el mayor exponente por parte de este director fue su maja ‘Mamá Sangrienta’, en la que Shelley Winters nos ofreció una interpretación realmente perturbadora. Para el presente film contó con el imperturbable Charles Bronson, en una primera época en la que participó en films de calidad, sobre todo westerns, y a las órdenes de grandes directores como John Sturges, Samuel Fuller, Delmer Daves o Robert Aldrich, y mucho antes de que nos martirizara con su imagen de justiciero callejero.
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'Pacto Tenebroso', Douglas Sirk juega a ser Hitchcock
Debe ser porque es muy cómodo. O porque fue el mejor manejándolo. Hablar de suspense es pensar en Alfred Hitchcock. En ‘Pacto Tenebroso’, el alemán Douglas Sirk (‘Ángeles sin Brillo’, ‘Imitación a la Vida’) parece querer jugar con las mismas herramientas que dominaba el director de ‘Vértigo’ e incluso (o eso parece) le llega a homenajear con cierto plano de un inocente vaso de luminosa leche, que el sospechoso marido prepara a su sufrida esposa, para que pueda dormir mejor (las buenas intenciones y maneras, ante todo). Señalar que la película está editada en DVD en España; pertenece a esa colección “Film Noir”, de precio tan apetitoso, que más de uno ya conoceréis.
Una cosa que nunca recomiendo es leerse la contraportada de un DVD. Rara vez lo hago y nunca paso de las dos o tres primeras líneas; me da igual, normalmente, de qué va una película, elemento que, me doy cuenta, para muchos es esencial a la hora de decidirse entre varias opciones. En la mayoría de los casos no falla, leer la sinopsis del DVD es enterarse de puntos importantes de la trama que es mejor recibir de sorpresa viendo el film. Pero bueno, allá cada uno con sus costumbres. Es como con los títulos de crédito, que se hablaba el otro día. Independientemente de las razones, lo cierto es que las personas que más respeto sienten por el cine se quedan a verlos; los que menos consideración le tienen, se largan en cuanto pueden. Pero bueno, yo no soy de matemáticas.
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04 mayo 2008
'2001: una odisea del espacio' cumple 40 años
En la oscuridad de la sala de cine Loew’s Capitol de Nueva York, aparece sobre la pantalla una imagen espacial del sol amaneciendo sobre la tierra acompañado del electrizante tema musical ‘Así hablaba Zaratustra’ de Richard Strauss. El calendario marca el 4 de abril de 1968 y es el estreno mundial de ‘2001: una odisea del espacio’.
No sé como se me pudo pasar esta fecha tan destacada en mi particular calendario cinéfilo. Ya que el pasado 4 de abril se cumplió 40 años del estreno, y no quería dejar pasar la oportunidad de rememorar esta importante efeméride del maestro Stanley Kubrick.
Y resulta complicado hacerlo cuando esta película ha suscitado tantos ríos de tinta, tantos comentarios, interpretaciones y debates en cuatro décadas de existencia. Pero, quizás, no me supone tanta dificultad por tratarse de una de mis películas de cabecera y, sin duda, una de las que mayor impacto me causó en el primer visionado.
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29 abril 2008
'Fourteen Hours', drama desde la cornisa
Es curioso que mañana se estrene ‘88 Minutos’, lamentable película en la que sólo se salva la presencia de Al Pacino (y fíjense que digo presencia y no interpretación), en la que se supone que el espectador va a sumergirse en una historia de suspense en la que el tiempo es un factor esencial. Ya hablaré en un próximo post del despropósito firmado por Jon Avnet, pero lo cito porque ‘Fourteen Hours’ es una película al revés. Me explico. Una vez mostrada la premisa que da lugar a todo el film, el espectador queda atrapado en un drama en el que el tiempo también es algo primordial, pero mientras en el film de Avnet, éste tiene límite e influye en la acción, en la presente película no tenemos ni idea de cómo acabará todo, aun a pesar de su título, el cual hace referencia a las horas que dura la situación planteada.
‘Fourteen Hours’ nunca se estrenó en nuestro país. Ni siquiera fue emitida por televisión. Tampoco aparece en la famosa Guía del Vídeo-Cine de Carlos Aguilar, probablemente la mejor recopilación en español de películas que existe. Las razones se me escapan, porque estamos ante un drama, con tintes de thriller, realmente original, y estupendamente filmado, por un excelente director como fue Henry Hathaway, responsables, entre otras joyas, de ‘Sueño de Amor Eterno’ o ‘El Beso de la Muerte’.
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28 abril 2008
Películas gratis a puñados (IV): Charlot y 'Luces de la ciudad'
Recuerdo como si fuese ayer mismo, un domingo de hace seguramente 20 años, el ciclo que La2 le dedicó durante bastantes tardes de domingo consecutivas al cine de Charles Chaplin. Si algún pero me pongo, fue que me enganche tarde al mismo, todo porque a mi joven edad, el cine mudo poco menos que era algo que sabía que existía, sin acercarme a él por pura pereza, ¿quién querría ver una película donde los personajes no hablaban y en blanco y negro?, pensaba erróneamente. Un buen amigo me comentó con acierto, “no sabes lo que haces, si algo bueno tienen las películas mudas, es lo difícil que resulta encontrar una que sea mala, y además ninguna aburre”, acto seguido me entregó el vídeo de ‘Nosferatu’, y me obligó a verla. El resto es una amor declarado al cine mudo, desde esas tardes de domingo.
Si me piden que escojan un largo de Charles Chaplin, no podría. Si me dicen que diga cuál es mi favorita, responderé sin dudar que ‘City Lights’ (Luces de la ciudad), y no sólo por la grandiosa secuencia del combate de boxeo, sino por la banda sonora que no paro de tararear en mi cabeza, por como Chaplin narra una historia de amor tan bonita, porque Charlot es el entrañable vagabundo de enorme corazón que forma parte del séptimo arte… y porque, como dijo Alberto en su serie de sus películas favoritas de los años 30, “pocas películas producen el mismo efecto que ésta”, y más con el auge del sonoro que se vivía. Una vez entras en su juego, ‘Luces de la ciudad’ te atrapa.
Una de las obras maestras de este director, una de las más grandes historias de amor de la historia del cine. Para áquellos que no la hayan visto, la encontráreis entera en la continuación de la entrada, son algunas de las joyas del cine que se pueden encontrar disponibles en Internet gratis.
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25 abril 2008
'El Rapto de Bunny Lake', viviendo la pesadilla
Creo que la palabra que mejor define ‘El Rapto de Bunny Lake’ es inquietante. Desde que comienza, con esos magníficos títulos de crédito de Saul Bass (plagiados en la efectiva pero muy sobrevalorada ‘El Orfanato’), la película de Otto Preminger atrapa nuestra atención y casi nos mantiene sin respiración, como si estuviéramos sentados realmente frente a lo que ocurre y al movernos fuésemos a interrumpir la acción. No estamos ante un film de terror pero lo que se cuenta en ella y, sobre todo, cómo está contado, tiene un aire de pesadilla ciertamente perturbador.
Resulta extraordinaria la forma en que se va agobiando a la protagonista, con esa atmósfera irreal, más propia de otro mundo, o quizá de otra forma de ver/vivir en este mundo. En lugar de atemorizar con el cansino recurso de un asesino psicópata que acuchilla jovencitas o el no menos absurdo de un ser maligno que destroza seres humanos, Preminger nos deja paralizados con un terror cotidiano, el que se deriva de perder a un ser querido en un mundo egoísta, que sólo mira por lo suyo. Pero también el que nos envuelve al cuestionarnos la realidad de las cosas y, por último, nuestro propio juicio.
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