‘Mr. Arkadin’ siempre se ha tildado de obra menor de Welles, pero incluso en esta incompleta y desestructurada cinta, se aprecia la mano de un artista de su talla. Para todo amante del cine clásico este título tiene un enorme interés, que pertenece a la etapa de su primer exilio europeo, que le llevó a recalar en España para llevar a cabo sus proyectos. Con escaso presupuesto, muy por debajo del necesario para afrontar esta historia con múltiples escenarios, y con algún recorte más obligado durante su filmación, Welles sacó adelante esta película, que guarda una enorme relación con su obra capitular ‘Ciudadano Kane’.

Aunque más en la trama y temática que en el resultado final. Eso es cierto. Welles tenía en mente su versión del Quijote, pero ‘Mr. Arkadin’ fructificó antes y debido a las prisas, la falta de medios y su escasa fe en el proyecto, dieron lugar a una película que se puede calificar de rareza e incompleta. Primero por ser una obra de argumento enrevesado, narrada de forma acelerada y caótica, con constantes cambios de escenarios, un montaje irregular, inconexo y con abundantes errores casi infantiles, impropios de un cineasta de su talla. Cierto es que el montaje final del autor quedó en el aire, por su asumido fracaso y con posterioridad se harían nuevos dando lugar a versiones con ciertas diferencias.

La película, con presupuesto francés, suizo y español, se rodó en gran parte en nuestro país (en recurrentes escenarios naturales como Segovia), sin embargo, muchas secuencias de la historia se desarrollan en distintos lugares del mundo. Aquí la genialidad de Welles para saber afrontar esta situación sin apenas medios. Aproximando la cámara, llenando el encuadre y con abundante atrezzo que diera la impresión necesaria para hacer creer que los personajes se encuentran en Berlín o México. Además, se rodaron dos versiones, la española, con algunos actores patrios y la versión internacional. Ambas idénticas, con los mismos diálogos, aunque la posterior disgregación del material rodado diera lugar a nuevos montajes con ligeras variaciones (el propio Welles años después renegaría del trabajo exhibido, por alejarse por completo de su idea original).

La historia se centra en la figura del enigmático Arkadin y a través de una enmarañada, y por momentos inverosímil, trama vamos conociendo detalles de su pasado. De ahí su cierta similitud con Kane. Van Stratten, un tipo rudo y curtido (Robert Arden) descubre casualmente a un hombre moribundo que le confiesa un nombre para poder acceder a cierta fortuna. El tipo, una especie de marinero, investigador y trotamundos logra localizar al tal Arkadin (encarnado con el propio Welles) e intenta acceder a él a través de su hija (Paola Mori), una joven a la que intenta conquistar. Pero ella, custodiada contra posibles cazafortunas, es la niña protegida de su misterioso y poderoso padre. Cuando llegan al encuentro, Mr. Arkadin, un millonario enigmático, le encarga un informe confindencial (que da nombre al título de la versión internacional: ‘Confidential Report’) sobre su propio pasado, del que no recuerda nada hasta convertirse en Mr. Arkadin. A la vez, éste lo investiga, dando lugar a un juego confuso por su celeridad y atropellada historia.

Como digo, la trama navega en errores narrativos y salta de un lugar a otro, sin muchas claves para entender lo sucedido. Este es el principal bache de la cinta, que con continuos saltos nos va trasladando a distintos escenarios, con múltiples personajes estrambóticos, que van aportando con cuentagotas su particular visión de Mr. Arkadin.

Precisamente esta continua aparición de personajes secundarios supone un enorme acierto y quizás lo más destacable del film (junto con el arranque espléndido de la película). Toda una galería de individuos absolutamente extraños, que resultan brillantes y que acaban todos asesinados: un domador de pulgas, un excéntrico anticuario…

Aparte de las apariciones en escena del propio Welles, que logra llenar la pantalla y ofrece todo su arsenal de capacidad interpretativa, eclipsando al resto, aunque también próxima al exceso y la sobreactuación, pero con una fuerza descomunal. Detrás de una prótesis y una barba que provocan media sonrisa, se esconde un Mr. Arkadin/Orson Welles, que bien parece un desdoblamiento de su propia personalidad. El fondo de la trama es la búsqueda de la verdad, aderezada de confusiones, trampas y dobles personalidades, un tema recurrente en el universo de Welles.

Inolvidable la fábula del escorpión y la rana, en una de las primeras apariciones del personaje de Mr. Arkadin, que resulta una escena sublime y con una intencionalidad que traspasa la mera ficción en la pantalla. Aquí el momento (y algo más):

Para todos los que sientan curiosidad por comparar las dos versiones o simplemente ver esta curiosa película, recordarles que recientemente la filmoteca Fnac y Avalon han sacado a la venta una edición especial de ‘Mr. Arkadin’ con completo contenido extra.

En Blog de Cine | Orson Welles

[Nota: La versión en vídeo que hemos subido está en español, en este otro enlace tenéis la secuencia de inicio de Manhattan en V.O., con los matices y tonos que le dio el propio Woody Allen]

Como habéis podido ver en alguna publicidad que tenemos colgada en esta página, un medio tradicional pone a la venta una colección con algunas, no todas, de las películas de Woody Allen, a partir de este domingo. La serie tiene un arranque fuerte, porque la primera entrega viene con ‘Manhattan’, una de mis películas favoritas, seguramente una de la películas de mi vida. El inicio de ‘Manhattan’ lo podría incluir en esa serie de secuencias mágicas de cine, pero es tan grande y universal que seguramente para muchos es de por sí mágica, y no descubriría nada nuevo. En esta película el cineasta realiza una declaración de amor completa a la ciudad de Nueva York. La historia es lo de menos, aunque el guión es magistral, lo importante es el decorado, los restaurantes y cafés donde Woody Allen hacía su vida diaria, o esa conversación junto al puente de Brooklyn bajo la bruma y empezando a amanecer, fotograma universal sin duda. La música de George Gershwin, el Rhapsody in blue in crescendo que acompaña a Nueva York según va despertando, tanto al principio como al final de la película (ésta, otra secuencia soberbia), la demostración de que si tienes una vida hecha sin complicaciones, lo mejor es no cambiarlo.

En esta película, Allen nos enseñó una forma de rodar los paseos y caminatas de los protagonistas, no sólo por mostrar espacios de Nueva York, sino como una forma de decir que los actores no deben estar parados, que los diálogos necesitan movimiento. En una época en la que el blanco y negro era poco menos tabú, Woody Allen se arriesgó con él, porque si lo pensamos los homenajes a tus grandes amores, tanto en la fotografía como en el cine, se deben hacer en el color en el que mejor salen, que no es otro que el blanco y negro. Hace ya tiempo que no vuelvo a sus imágenes, aunque me sigue impresionando la Nueva York que esta película me mostró, diferente a la que vi hará 16 años, la mía en color por desgracia. Pero una cosa tengo clara, es el puente de Brooklyn de esta película el que tengo siempre en mi cabeza, como el Rhapsody in blue de Gershwin, o la vista aérea del sky line, o el Broadway que yo siempre imaginé con sus carteles luminosos. La culpa es de Woody, y yo bien que lo agradezco. Luego haría otras obras maestras, y cada uno ordena según su criterio las películas de Woody Allen que más le gustan, pero me sigo quedando con ‘Manhattan’, por encima de ‘Annie Hall’ (aunque lo cierto que es como preguntar a quien quieres más, ¿a papá o mamá?). Las películas de mi vida tienen esas cosas, y ahora me doy cuento lo difícil que resulta explicarlas.

[¡Ojo spoilers!: A continuación encontraréis el trailer y varias secuencias de la película (en inglés, en español y con subtítulos), entre ellas está la maravillosa escena final, con toda la carrera y el diálogo incluido, obviamente, para los que no la hayáis visto, como el resto de las secuencias, os puede destripar la película, y aunque creáis lo contrario, no importa, lo que provoca son una ganas enormes de verla… eso sí, lo correcto es avisaros primero.]

Trailer de Manhattan

Manhattan, secuencia 1

Manhattan, secuencia 2

Manhattan, secuencia 3

Manhattan, secuencia final

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A pesar de que siempre será recordado como “La Voz” y sus más de 1.200 canciones grabadas, lo cierto es que su carrera cinematográfica no se puede desdeñar. Cincuenta títulos, algunos importantes premios y el hecho de compartir cartel con otras grandes estrellas de la época, es un bagaje impresionante, para un cantante que quiso probar suerte en el mundo del celuloide.

Su filmografía, por tanto, es extensa y comprende muchas momentos inolvidables, no en vano, destacó en una de las etapas más fructíferas y más destacadas que Hollywood ha vivido. Por lo que hacer una selección de sus mejores trabajos no es fácil, pero atendiendo a mi gusto particular y la gran sensación que me dejaron, destacaría cinco películas del gran Sinatra:

• ‘Levando Anclas’ (1945, de George Sidney).

Junto a Gene Kelly formó una pareja sensacional y artísticamente se complementaron con gran complicidad. El cantante y el bailarín demostraron que juntos e inspirados podían deparar una estupenda pareja cinematográfica. En este musical Frankie se mostraba como un marinerito simpático, a la par que ingenuo y algo tímido, frente a su compañero de andanzas en Los Ángeles, que aparecía como un ciclón, un curtido hombre de mar. Sinatra estuvo brillante y mucho de ello le debió a su compañero de reparto. De la primera etapa en el cine, de Sinatra explotaba más su fama y su portentosa voz, pero con esta cinta, dio un paso más, demostrando que poseía un aletargado talento interpretativo. Kelly le enseñó a soltarse en el rodaje, a romper su rigidez e interpretar con todo su cuerpo (hasta ahora su voz en su principal baza).

• ‘De aquí a la eternidad’ (1951, de Fred Zinnemann).

Cansado de que no le supieran valorar por sus cualidades como actor, Sinatra se ofreció para el papel del soldado Angelo Maggio. Luchó por el papel pero nadie apostaba por él. Se trataba de un cantante de éxito, con algunas películas (casi todas musicales) en su historial y no parecía el más adecuado para un drama de estas características. Pero sorprendió a los productores con su prueba, dejó boquiabiertos a todos con su enorme esfuerzo y su inesperada capacidad. Como se suele decir vulgarmente, “la clavó en la primera toma”. Y es que, como después comprobaron otros directores, Frankie daba lo mejor de sí a la primera (algo similar a lo que sucedía en la grabación de sus discos, donde otros empleaban varias horas y jornadas interminables de repeticiones, a él le bastaban tres horas para grabar todas las canciones a la primera y de un tirón). Sin duda un memorable trabajo en una sensacional película, con ese momento cúspide (quizás lo mejor de su carrera) cuando muere agónicamente en brazos de Montgomery Clift. Le valió el Oscar.

• ‘De repente’ (‘Suddenly’, 1954 de Lewis Allen).

Tras su fulgurante éxito en ‘De aquí a la eternidad’, Sinatra grabó once películas en algo más de dos años. Estaba en un dulce momento y supo sacarle partido encadenando trabajos. Con esta película, y compartiendo cartel con Sterling Hayden, Nancy Gates y James Gleason, volvió a dar un enorme rendimiento, un espléndido trabajo, encarnado a un cruel asesino que junto con otros dos intentaban acabar con la vida del presidente de los Estados Unidos en la casa que da el nombre al título de la película. Un thriller brillante, de bajo presupuesto, pero en la que Sinatra bordó el papel de despiadado maníaco y asesino.

• ‘El hombre del brazo de oro’ (1955, de Otto Preminger).

Arriesgado papel en una película que levantó ampollas entre el puritanismo de Hollywood, por tratar una escabrosa temática. Aquí, Sinatra encarnaba a un heroínomano que al salir de la cárcel buscaba volver a la normalidad, dejando atras sus peligrosas adicciones. Sinatra se metió de pleno en la piel de su personaje y brilló con altura. Especialmente en las escenas en las que muestra las consecuencias del síndrome de abstinencia. Excepcional trabajo que se vio recompensado con una nominación al Oscar y la aclamación del mundo del cine. Uno de sus títulos más emblemáticos.

• ‘Como un torrente’ (1958, de Vicente Minelli).

Tras sus grandes éxitos, Frankie seguía en la brecha y ya convertido en un actor de primera fila. Otro inolvidable trabajo fue el que realizó en este melodrama de Minelli, formando excepcional trío junto a Dean Martin y Shirley MacLaine. Sinatra encarna a un escritor sin éxito, cínico, bebedor y veterano de guerra, que regresa tras muchos años a su ciudad natal, acompañado de una prostituta, enfrentándose a su pasado y donde establece relaciones con un jugador alcohólico y una chica provinciana. Enorme trabajo de los actores y Sinatra estuvo realmente convincente y soberbio en su papel protagonista.

Frank Sinatra tiene otros muchos títulos recordables e incluso llegó a dirigir ‘Todos eran valientes’, un drama bélico en 1965, lo que corrobora que se trataba en impresionante hombre de cine. Perfecto complemento a su grandiosa voz. Aprovechando la efeméride de su desaparición, se han editado varios packs de DVD’s con algunas de sus películas, además de la buena noticia de su biografía por Scorsese. Buena ocasión para recordarle.

En Blog de Cine | Frank Sinatra

Seguimos con el western, el considerado como el género cinematográfico por excelencia. Si fuera un producto alimenticio, cada clásico del western debería llevar una etiqueta que dijera: “sólo tienes que probar uno”. El resto, claro, viene solo. Es increíble lo que llegan a atrapar las buenas historias de pistoleros, a pesar de que muchas son similares y juegan con los mismos elementos. El otro día os hablaba de la grandeza de ‘Juntos Hasta la Muerte’, de Raoul Walsh, y hoy le toca el turno a la impresionante ‘El Pistolero’, de Henry King. El orden es por un ciclo de un estupendo cineclub (granadino) al que voy a menudo.

En ‘El Pistolero’ (The Gunfighter, 1950), Gregory Peck encarna al forajido Jimmy Ringo, considerado el pistolero más rápido del viejo oeste. A pesar de que dejó de buscar “problemas”, Ringo se ve obligado a escapar de todas partes, acosado por otros pistoleros, decididos a acabar con él y lograr fama. Tras haber matado, en defensa propia, a un arrogante oponente, y huyendo de los tres hermanos de éste, Ringo se refugia en la localidad de Cayenne. Su llegada causa conmoción y aunque el marshall del lugar, viejo amigo suyo, le pide que se marche, Ringo pide tiempo, esperando poder hablar con una mujer de su pasado…

No quiero repetirme, no al menos con tan poco tiempo entre una crítica y otra (con los pocos que hay interesados en cine clásico como que para colmo se me aburran), así que iré al grano: de nuevo, aplaudir que en apenas hora y media (83 minutos en esta ocasión), se nos cuenta de todo y con un buen puñado de personajes interesantísimos. No deja de sorprenderme, por culpa del “cine moderno” que se saque tantísimo provecho a tan poco tiempo. La culpa la tienen el excelente guión de William Bowers y William Sellers y, sobre todo, la exquisita y precisa dirección de Henry King (responsable de otros westerns como ‘Tierra de Audaces’ o ‘Vengador sin Piedad’). Por supuesto, el reparto también brilla a gran nivel, especialmente la estrella, Gregory Peck, que compone un personaje fascinante.

Peck encarna a Ringo, del que nos dicen en la introducción de la película que es el pistolero más rápido del oeste. Dicho esto, uno espera encontrar un film épico, de acción, de duelos, de rápidos asesinatos a sangre fría, de peleas, amplios paisajes, etc. Un poco de circo con pistolas. Pues no. Al revés. Dramón. Un hombre encerrado que espera su muerte. El pistolero más habilidoso del lejano oeste es un hombre cansado, arrepentido, desencantado, harto de todo, que va de pueblo en pueblo huyendo. ¿De qué? De nada concreto. De su sombra. De su destino. De todo lo que ha ido sembrando y ahora le amenaza con estallar en pleno rostro. El western se cubre de humanidad; no hay sitio para la gloria del que empuña el revólver.

‘El Pistolero’ es un drama pero, ante todo, es lo que suele catalogarse comercialmente como un film de suspense psicológico (o un thriller). En este caso, un western psicológico. Un par de años más tarde, Fred Zinemann rodaría ‘Solo ante el Peligro’, deudora hasta la médula del título que nos ocupa. Ringo huye de tres hombres y se queda en el “saloon” de un pueblo, donde sabe que, tarde o temprano, vendrán a buscarle. Y nadie va a estar a su lado, puede estar seguro. El tiempo juega, por tanto, un papel fndamental y en ese sentido tenemos dos recursos a los que King recurre con frecuencia y con acierto: el reloj, que nos dice que Ringo se está retrasando, y los tres hombres avanzando, el peligro que no se detiene.

Sin embargo, el peligro no sólo le llega a Ringo desde ese lado. Su llegada a Cayenne produce un sonoro revuelo y esto, para un forajido famoso, es el principio de una larga serie de problemas que, de una forma u otra, pueden acabar con su preciada vida. La tragedia se intuye y se teme desde el principio; se mastica y nos hace torcer el gesto, pues sabe mal, a pesar de que el film comienza con un plano precioso que nos hace pensar en leyenda, en gloria. Nada que ver. Como señalaba, el protagonista es un hombre que debe huir de todas partes; pues en todas partes hay siempre alguien que desea su popularidad, llegar a ser el hombre que mató a Jimmy Ringo. Lo mismo que ocurría con Jesse James, disparado a traición por ya sabéis quién, acción que no tuvo, al parecer la repercusión deseada por el pistolero; en el sentido contrario, estaría, por ejemplo, el personaje de James Stewart en cierto film imprescindible para todo amante del cine.

Así pues, tenemos a un pistolero agobiado por su propio nombre, perseguido por hombres sedientos de fama y venganza. La tensión va en aumento, conforme los enemigos de Ringo van creciendo y el tiempo avanza sin piedad. Pero, ¿qué hay del protagonista? ¿Qué hace en Cayenne y por qué se comporta así? Las preguntas tienen respuesta, y todo en beneficio de un film que va mejorando constantemente. En este sentido, el desenlace es un auténtico disfrute que deja sin respiración, emoción en estado puro. Todo se cierra a la perfección, incluyendo un memorable plano final cargado de simbolismo.

Desde luego, King no se queda en la superficie del western o del suspense, sino que nos ofrece una película completísima, donde todos los personajes tienen entidad propia, vida. Como dije, destaca Peck, pero también cabe referirse al magnífico trabajo de Karl Malden (el barman que también quiere su parte del botín, en este caso, la fama de Ringo), Helen Westcott (la misteriosa maestra, crucial en el desenlace), Millard Mitchell (el personaje secundario más interesante, antiguo compañero en la banda de Ringo y ahora marshall de Cayenne) y Skip Homeier (en el papel de, como lo describen en el film, el típico imbécil de cada pueblo que necesita cubrirse de fama), entre otros. Todos tienen participación en esta fatalista partida. Dicho esto, a pesar del tono oscuro del film, hay que destacar los no pocos toques cómicos, algunos sencillamente geniales, como el que acontece en la comisaría con un grupo de mujeres ridículas, defensoras de la moral y la honradez, o en plena calle entre dos hombres que, a saber porqué, se retuercen peleando en el suelo.

‘El Pistolero’ no es sólo uno de los títulos imprescindibles del western, es uno de los grandes clásicos dorados de Hollywood; una película maravillosa, de gran tensión, que, sencillamente, hay que ver. Está editada en DVD en nuestro país.

‘En Busca del Arca Perdida’ es algo más que una película, es un milagro. Una de esas obras de arte en las que todos sus elementos se complementan a la perfección, producto de la mente de un director, y un creador, y sus ganas por contar con enorme pasión historias antiguas llenas de aventuras que de niño les hicieron soñar. George Lucas ya había creado a Indiana Jones allá por 1977, y cuando su buen amigo Steven Spielberg le confesó que le apetecía mucho rodar una película al estilo de James Bond, Lucas le salió con un arqueólogo que recorría el mundo buscando tesoros y metiéndose en mil y un peligros, basado todo ellos en los seriales que el director de ‘Star Wars’ veía de crío.

Dejando a un lado todo tipo de anécdotas, como que el nombre es el mismo que el del perro de Lucas (algo que se extendió a la segunda parte con los nombres de los perros de otros componentes del equipo), o como que Tom Selleck fue el elegido después de realizar unas pruebas con Sean Young (Spielberg siempre pensó en Harrison Ford desde un principio, pero Lucas no quería que éste se convirtiese en su Robert De Niro particular, haciendo referencia a la relación profesional que por aquel entonces tenían Scorsese y el citado actor), la verdad es que ‘En Busca del Arca Perdida’ está llena de referencias y chistes privados, bebiendo de todo tipo de fuentes, y consiguiendo al mismo tiempo tener una entidad propia que poca películas alcanzan, tener un universo único y reconocible, y con sus propias reglas.

Steven Spielberg venía de tener su primer gran fracaso, tanto de público como de crítica, con su injustamente atacada ‘1941’, en la que se había gastado una enorme cantidad de dinero. Pero seguía siendo el director de dos de las películas más taquilleras de la historia, ‘Tiburón’ y ‘Encuentros en la Tercera Fase’, por lo que no tuvo ningún problema para convencer a la Paramount con este proyecto que prometía devolver en todo su esplendor el olvidado cine de aventuras de los años 30 y 40. Y eso es algo que se respira por los cuatro costados en esta película. El personaje de Indiana Jones tiene algo del personaje de Humphrey Bogart en ‘El Tesoro de Sierra Madre’, el personaje de Marion recuerda a esas viejas heroínas al estilo de Carole Lombard, el personaje que interpreta Ronald Lacey tiene su inspiración en Peter Lorre, y toda la película tiene un aire al estilo de las películas de Michael Curtiz.

El film comienza con el mismo esquema que una película de la saga Bond, con una aventura a punto de acabar, y de la que el personaje central sale airoso aunque no sin grandes problemas que sortear. A partir de ahí, y con una más que concisa presentación de Indiana Jones dando clases en la Unversidad, escena en la que Spielberg homenajeó a Eastwood calcando punto por punto una escena de ‘Licencia Para Matar’ (curiosamente por realizar este film, Eastwood declinó interpretar ‘Tiburón’, en el papel que luego haría Roy Scheider, lo que son las cosas): la de la chica que tiene escritos en sus párpados I Love You, el film no ofrece respiro al espectador, metiéndolo en una especie de montaña rusa, con una set piece tras otra. Del Nepal al Cairo y de ahí a una isla en la que tiene lugar el clímax del film. Al más puro estilo Bond, se viaja por todo el mundo, sin que el ritmo decaiga ni un sólo instante.

A ello contribuye un guión absolutamente perfecto, de uno de los mejores guionistas que ha dado el Holywood de los últimos 30 años: Lawrence Kasdan, y que curiosamente ya había participado en la escritura de ‘El Imperio Contraataca’, su primer guión para el cine. La labor de Kasdan es encomiable por cuanto condensa a la perfección, y con un envidiable sentido del equilibrio, los múltiples elementos de una historia en apariencia sencilla (aventuras, amor, humor…), pero que va más allá del simple relato aventurero. Por supuesto, Spielberg lo filma todo con una puesta en escena de las que hacen historia, y ayudado por la labor de Michael Kahn en el montaje, consigue el milagro. Dotar de entidad propia un film que sobrepasaría todos los límites conocidos, conjugando una vez más, y como es habitual en su director, comercialidad y calidad en perfecta comunión. Amenizado, como no, con una de las bandas sonoras más reconocidas de todas cuantas se hayan hecho, y sobre la que no hace falta decir absolutamente nada, pues un nombre llega para decirlo todo: John Williams.

Pensar hoy día en que otro actor que no fuera Harrison Ford, pudiera hacerse con el personaje, es algo que nos resulta difícil de aceptar. Ford está perfecto, y le da un toque de ironía a Jones que le queda estupendamente. Todo un reto para un actor que venía de dar vida al mítico Han Solo, personaje demasiado parecido al del arqueólogo, pero del que logra apartarse, haciéndolo tal vez más humano, con una mezcla de elegancia y chulería, más un sombrero y un látigo, por supuesto. A su lado, Karen Allen, daba vida a una heroína muy particular, un personaje femenino con fuerza, y que se compenetra a la perfección con Ford (impagable su encuentro/reencuentro). Paul Freeman como el arqueólogo francés Bellocq, un villano de altura para nuestro héroe, y por supuesto, los nazis como los verdaderos malvados de la historia, ambientada en 1936.

Es curioso como los elementos sobrenaturales se entremezclan con todo lo demás. Toda la explosión final de efectos visuales, en la que vemos representada, por así decirlo, la Ira de Dios, nos es convenientemente presentada con anterioridad en un par de escenas, una crucial, en la que Jones explica qué es el Arca de la Alianza, y más adelante, y en boca de varios personajes, la advertencia de que es algo con lo que no se debería jugar, algo que no pertenece a este mundo. Lo justo y necesario para que el final sea de lo más coherente, y a la vez fascinante, encerrando consigo más secretos de los que nos han sido desvelados. Y ésa es también es una de las múltiples razones de su éxito, el haber elegido algo conocido por todos, y al mismo tiempo sobre lo que no sabemos nada, pues no conocemos dónde termina la historia y dónde la leyenda. Por supuesto, la trama contiene connotaciones religiosas, de interés para un buen número de espectadores, y que le confieren al film un marcado aire de misterio que tiene enganchado al público en todo momento. Y más loable es el haberlo enmarcado todo con un espíritu de serie B bien palpable, al estilo de las viejas películas de la Republic.

En 1981, un servidor tenía 11 años cuando la disfrutó en una sala de cine y se quedó completamente fascinado. Hoy, 27 años después, ‘En Busca del Arca Perdida’ no sólo ha aguantado el paso del tiempo sin perder ni un ápice, si no que es mejor de lo que era entonces, poniendo en ridículo a la mayor parte de las películas que actualmente salen de Hollywood. Y con ella Spielberg aún nos sigue devolviendo la verdadera magia del cine, la de hacernos soñar más allá de la pantalla, olvidándonos de todo lo demás. Da igual las veces que se vea, la emoción sigue viva en cada nuevo visionado, y no morirá nunca. Uno de los últimos grandes clásicos. Una obra maestra.

En Blogdecine | Harrison Ford, Steven Spielberg, George Lucas, Karen Allen

Dicen que las películas de Charlot se veían en USA como una forma de escapar a los malos momentos, de olvidarse los problemas de la depresión. Y que no comentar de esta película a lo que ya aportó Alberto en su lista de sus favoritas del cine mudo, que tiene algunas de las secuencias más inmortales de la historia del cine: el baile de los panes, las botas comestibles, la casa pendular sobre del desfiladero, el salón del oeste imaginario…, la película al completo. Sin embargo, voy a comentar lo que supuso para mí ver esta película. De nuevo un cine club de La2, cuando sólo había dos canales en televisión. Fue la primera película que vi de Charles Chaplin, la segunda muda, poco después de ‘Nosferatu’, y para mí fue la confirmación de lo grande que era el cine de los pioneros. A partir de ahí, Charlot me ganó el corazón.

Como comenta un lector en la entrada de las películas favoritas del cine mudo, existen dos versiones de ‘La quimera del oro’, la original y una revisión del propio director realizada en 1942, donde ponía una voz en off para narrar algunas de las secuencias, poniendole sonido y cambiando de 18 a 24 fotogramas por segundo, todo por la sensación que tenía el director de hacer más cortos los intervalos entre las secuencias de humor. También cambió el final, lo que motiva que algunos, yo entre ellos, prefiramos el original a la revisión que realizó. No obstante, para que valoréis ambas, en la continuación de la entrada las tenéis disponibles. Y pensado para aquellos que quieren seguir soñando con el cine mudo.

La quimera del oro, versión 1942

La quimera del oro 1/9

La quimera del oro 2/9

La quimera del oro 3/9

La quimera del oro 4/9

La quimera del oro 5/9

La quimera del oro 6/9

La quimera del oro 7/9

La quimera del oro 8/9

La quimera del oro 9/9

En blogdecine, la serie sobre las películas gratis a puñados:

• El acorazado Potemkin
• Tiempos modernos
• Descubriendo a Buster Keaton
• Luces de la ciudad

Ya os he comentado anteriormente que aquí, en Granada, tenemos un estupendo cineclub que, cada martes y viernes, proyecta clásicos (la mayoría) en pantalla grande y en versión original subtitulada. El pasado martes, con motivo de un ciclo sobre el glorioso género del western, tuve la suerte de ver ‘Juntos Hasta la Muerte’, una nueva versión de la novela ‘High Sierra’, de W.R. Burnett, que Raoul Walsh realizó años más tarde de ‘El Último Refugio’ (1941). Walsh traslada la historia del cine negro al salvaje oeste y nos proporciona un impresionante, trágico y romántico drama de aventuras sobre cosas tan poco importantes como el amor, la muerte, el honor, la amistad o el destino.

‘Juntos Hasta la Muerte’ (‘Colorado Territory’, 1949) se centra en el forajido Wes McQueen, que tras escapar de prisión debe realizar un último asalto a un ferrocarril, un trabajo fácil del que se espera obtener un gran botín. Sin embargo, Wes encuentra pronto demasiados puntos oscuros en el plan y en los que le acompañarán en el atraco, con la excepción de una bella mujer de origen indio, Colorado Carson.

Discutible podría ser si el señor Raoul Walsh realiza un remake de ‘El Último Refugio’ o una nueva versión de la citada novela de Burnett. Pero este asunto realmente creo que carece de sentido, ¿qué más da? Ambas películas son maravillosas, y aunque cuentan la misma historia, tienen bastantes diferencias, lo que hace que ‘Juntos Hasta la Muerte’ sea tan interesante y fascinante como la que protagonizó uno de los mayores mitos del séptimo arte, el señor Humphrey Bogart (tan pequeño físicamente como grandioso actor).

Como ya dije cuando hablé sobre ‘Pacto Tenebroso’, resulta increíble cómo hay muchos clásicos que en apenas hora y media te cuentan una historia completísima, con abundantes giros en la trama, que nunca se detienen, llena de personajes multidimensionales, todos con algo que aportar. Walsh nos narra de todo en ‘Juntos Hasta la Muerte’. Como he señalado antes, esta película tiene tiempo para hablarnos del amor (Joel McCrea y sus dos “amores”), la muerte (me ahorro los spoilers), la amistad (la que surge entre el personaje de McCrea y el de Henry Hull) o el destino (el memorable desenlace, que recuerda un poco a cierto film de King Vidor).

Como ejemplos de esto, y para destacar momentos de esta magnífica película, cabe referirse a la escena en la que Wes McQueen, tras escapar de prisión, va a buscar a su amada y el hermano pequeño de ésta le dice “se ha ido”; lo que viene a continuación es poco menos que un puñetazo en el estómago. Más adelante, destacar también la llegada de McQueen a Todos Santos, la ciudad abandonada y casi maldita, donde ahora sólo llegan serpientes perdidas. Otra de las mejores partes de la película es la relación que se establece entre los Winslow y McQueen, quien los ayuda en todo lo que puede, pues los toma como símbolo de lo que él aspira, una vez que ya se encuentra cansado de estar al margen de la ley. Pero creo que lo más brillante de ‘Juntos Hasta la Muerte’ llega en el último tramo, del que no voy a contar nada (de hecho, espero no haber desvelado nada a quien haya leído hasta aquí sin ver el film), salvo que, al margen de cierto plano, con unas manos entrelazadas, merece ser recordada la siguiente línea de guión: “Que somos un par de imbéciles soñando en una ciudad muerta en medio del desierto algo que no ocurrirá”. Brutal.

El desierto, la ciudad abandonada, el “último refugio”, es parte fundamental de la película, como si se tratasen de otros personajes de la trama, presencias que dicen mucho del ambiente, la historia y el destino de quienes viven y mueren allí. Casi se siente el sofocante calor y se seca la boca cuando McQueen cabalga hacia el escondite de los forajidos, por no hablar de la parte final, huyendo de los “centauros de la ley”.

En ‘El Último Refugio’, los protagonistas eran Bogart, encarnando a “perro loco”, Ida Lupino y Joan Leslie. En ‘Juntos Hasta la Muerte’, esos papeles son encarnados por Joel McCrea, Virginia Mayo y Dorothy Malone. No creo que deban ser comparados, como he señalado, hay demasiadas diferencias entre las dos historias, quizá de matices, pero diferencias al fin y al cabo. Y si bien es cierto que Bogart y Lupino estén inmejorables, me niego a considerar por debajo a la pareja que forman McCrea y Mayo, aunque sólo sea por ese sueño imposible que ambos pretenden lograr ciegamente, mientras un grupo de pistoleros van a su encuentro en busca de sangre.

Y es que resulta que aquí no hay malos ni buenos. Cada uno cumple con su función/papel y trata de sobrevivir, de salir adelante lo mejor posible. Como en los mejores westerns. En todo caso, se juega a darle la vuelta a los típicos roles. Es decir, si consideramos la ley como motivo de diferenciación, hay quienes la hacen cumplir y quienes la incumplen. Pero en
‘Juntos Hasta la Muerte’ los hombres de la ley no dudan en usar la violencia, engañar y asesinar. Por esto, cuando persiguen a la pareja protagonista, uno no duda que la tragedia hará acto de presencia. El espectador no tiene dudas, se pone del lado de los bandidos, del romanticismo sin sentido ni posibilidad.

Volviendo al reparto protagonista, es cierto que McCrea puede resultar a veces un poco frío, especialmente si tenemos en mente a Bogart en ese rol similar; pero creo que todo forma parte de entender a un personaje que está cansado de todo, harto de su vida, casi sin vida. Por eso, cuando encuentra a la chica que interpreta Malone, y oye la historia del que encarna Hull, recupera cierto brillo, recupera algo de sentido. Este desarrollo del personaje, podría decirse que del desierto al cielo (aunque sea soñado), tiene su culminación en el abrir de ojos que implica la fiel mujer a la que Mayo da vida.

Si queremos encontrar defectos en ‘Juntos Hasta la Muerte’, creo que lo más reseñable es la inclusión de ciertas escenas que no aportan gran cosa y que sólo ralentizan la narración, pero realmente aburrirse en los 90 minutos que dura el espectáculo es altamente complicado. Personalmente, sólo encontré algo “absurdo” cierto mensaje que McQueen escribe en la pared, aunque imagino que sobre el papel tendría su sentido (¿quizá despistar al espectador sobre lo que viene después?).

En cualquier caso, magistral título de Raoul Walsh, un fantástico, romántico, tenso, trepidante, bellísimo y, sobre todo, triste western de antológico desenlace. Imprescindible.

• Críticas de otras películas de Raoul Walsh en Blogdecine:

‘El Arrabal’

‘El Último Refugio’

‘Background to Danger’

‘Al Rojo Vivo’

Robert Mitchum nos acostumbró en la mayoría de sus películas al tipo duro, sobre todo en sus westerns, o cintas de cine negro, cuando no nos atemorizó hasta límites insospechados en títulos como la atemporal ‘La Noche del Cazador’, dando vida a uno de los villanos más influyentes en el séptimo arte. Casi siempre estaba del lado de la ley, aunque eso no significaba que sus personajes representasen en modo alguno la bondad. Siempre había matices que decían que en cuestión de personas no todo es blanco o negro, si no que hay una gran variedad de grises. Sin embargo, en ‘El Soborno’, Mitchum da vida a uno de esos policías íntegros y honrados que no han cometido una falta en su vida. No hay un sólo ápice de sombra en su personalidad. Un hombre honesto en un mundo de delincuentes y corruptos.

‘El Soborno’ es una película medio olvidada de un director completamente olvidado, John Cromwell, uno de esos realizadores que no obtuvieron tanta fama como otros a los que no hace falta citar, y que sin embargo no tenía nada que envidiarles. A Cromwell le debemos grandes películas como ‘Desde Que te Fuiste’ o ‘Sin Remisión’, y también ésta que nos ocupa, cuyo rodaje no estuvo exento de complicaciones, llegando a sentarse en la silla de director gente tan dispar como Mel Ferrer, Tay Garnett o Nicholas Ray.

Lo cierto es que resulta difícil saber quién dirigió qué partes de la película, aunque la mayor parte del trabajo corresponde a Cromwell. El temible Howard Hugues fue su productor, quien ya había producido una versión anterior en 1928, basada a su vez en una obra teatral. Para este remake, se contó en un principio con la colaboración de Samuel Fuller a la hora de escribir el guión, pero parece ser que éste no fue del agrado de Hugues, y Fuller fue sustituido. ‘El Soborno’ (‘The Racket’, 1951) narra la historia de un jefe de policía honesto como pocos, que se verá relegado a comandar una comisaría de barrio, a la que es destinado para que no dé muchos problemas. Sin embargo allí, nuestro héroe no se dará por vencido y pondrá todo su empeño en atrapar a un importante gangster que influye sobre todo el mundo, llegando incluso hasta jueces.

Ante todo ‘El Soborno’ es un film realista. Ficción, pero con un toque de “verdad” en lo que vemos, tal y como le gustaba hacer en sus últimos trabajos a Cromwell, que llegamos a introducirnos en su historia de forma totalmente natural. Gracias a un guión, que bien podría haber servido para un western (¿tendría Fuller algo que ver en esto?), claro y conciso y lleno de matices, nos adentramos en un mundo lleno de corrupción a todos los niveles. Un mundo en el que no parece haber sitio para la honradez, y mucho menos la esperanza, a no ser, claro está, que ésta se vea reflejada en dos de los personajes que pululan por el film, y que ante la aplastante y terrorífica realidad que les rodea, parecen unos míseros secundarios enfrentándose a algo imposible de vencer. Una tela de araña que poco a poco nos va descubriendo sus rincones más oscuros, por lo que descubrimos que nuestro héroe tal vez no tenga nada que hacer. En ese aspecto, el clímax de la película está más que conseguido, y su final no es típico, sino coherente con todo lo que hasta ese momento nos han contado.

Cromwell contó para esta cinta de cine negro en el más puro estilo, con dos monstruos que ya coincidieron con anterioridad, y volverían a trabajar juntos. Robert Mitchum y Robert Ryan dan vida respectivamente al jefe de policía y a un gangster capaz de todo por salir siempre impune de cualquier lío en el que se meta. Los dos actores se compenetran a la perfección, y creo que Ryan le gana la partida a Mitchum, y con diferencia. Es curioso comprobar como éste último no le da demasiado carácter a su rol, y hasta parece encontrarse incómodo dando vida a alguien tan honesto. Sin duda, es de lo más flojo de la película. En cambio Ryan se sale por todos lados, teniendo a su disposición un personaje tan odioso y poder recrearse en él de mil formas, sin llegar jamás a sobrepasar ciertos límites que muchos han cruzado cayendo en la sobreactuación. El bien y el mal de nuestra sociedad (resulta sorprendente lo moderna que es la película) representados en dos personajes radialmente opuestos, dando vida a dos formas de entender la vida demasiado simples, o tal vez prácticas. En los secundarios, la cosa se expande, y aunque éstos no resultan tan fascinantes, cobra importancia la figura de un policía que ayuda a nuestro héroe a poner las cosas en su sitio, un pobre hombre con la única fuerza de su propia voluntad y un sentido del deber y la justicia únicos, incorruptible hasta la médula, porque hasta los más pequeños (socialmente hablando) pueden tener la fuerza para combatir a los más grandes. Por supuesto, como en toda cinta de cine negro que se precie, tenemos a la mujer fatal, aunque aquí no cargan demasiado las tintas en ese aspecto, y esta vez la presencia de Lizabeth Scott no resulta tan perturbadora como en otras ocasiones. Una pena.

‘El Soborno’ es una estupenda película con un ritmo increíble. Una pequeña joya que hará las delicias de todos los amantes de los buenos thrillers, con una historia llena de interés y de rabiosa actualidad. El sistema funciona a veces, y cuando no lo hace, es mejor esconderse, a no ser que haya alguien como el personaje de Mitchum en este film. Demasiado bonito para ser verdad. Cromwell nos convenció de ello, y esa es la magia del cine, que podamos creer en lo que muchas veces nos cuenta.

Más información | Imdb

Dassin, responsable de títulos tan inolvidables como ‘Noche en la Ciudad’ o ‘Rififi’, deja buena muestra de su extraordinario talento en este trabajo de casi 20 minutos; ejemplar, sobre todo, la forma en que se mantiene la tensión, que el espectador esté absolutamente pegado a la pantalla, casi sin respiración. El vídeo está en versión original (hay poco diálogo e incluso diría que se entiende sin él, si no se controla nada el inglés). Que lo disfrutéis/sufráis.

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Roger Corman demostró que el dinero no era un problema para realizar una buena película (y también mala). Solía aprovechar el presupuesto que le daban para una, para filmar tres, algunas de las cuales rodaba en un fin de semana en el patio de su casa (caso de por ejemplo, ‘La Tienda de los Horrores’). Con él, muchas veces la calidad nada tenía que ver con el dinero asignado, el que tenía talento lo tenía y punto. Prueba fehaciente de ello es su ciclo de films, todos estupendos, dedicado a la figura de Edgar Allan Poe, con films como ‘La Caída de la Casa Usher’ o ‘La Tumba de Ligeia’, algunas de las cuales se encuentran editadas en dvd en nuestro país. Esto no quiere decir que todo lo que hacía fuera de buena calidad. Algunas eran cutres (y ahí sí se notaban los pobres medios) hasta decir basta, y no sólo eso, si no malas de solemnidad, como por ejemplo, ‘La Mujer Avispa’.

Corman tocó prácticamente todos los géneros, aunque se especializó en el género de terror y sci-fi. ‘Machine-Gun Kelly’ pertenece a ese grupo de films de gangsters, en el que tal vez el mayor exponente por parte de este director fue su maja ‘Mamá Sangrienta’, en la que Shelley Winters nos ofreció una interpretación realmente perturbadora. Para el presente film contó con el imperturbable Charles Bronson, en una primera época en la que participó en films de calidad, sobre todo westerns, y a las órdenes de grandes directores como John Sturges, Samuel Fuller, Delmer Daves o Robert Aldrich, y mucho antes de que nos martirizara con su imagen de justiciero callejero.

‘Machine-Gun Kelly’ narra las andanzas del personaje que lleva el nombre del título de la película. Jefe de una banda de ladrones que suelen cometer robos importantes de dinero, con espectaculares planes de huida. Robo tras robo, las cosas se van complicando en la banda, en la que hay espacio para las traiciones y nadie confía en nadie. Unos se enfrentan a otros, mientras la policía les pisa los talones.

No hay absolutamente nada más en esta película, a no ser claro está, cómo terminan todos y cada uno de ellos. Corman economizaba hasta en el argumento, y en esta película se nota bastante, dejando de lado los sutiles elementos que dibujan psicológicamente un personaje marcado por el miedo, y por una aparente mala suerte, detalle éste que se nos da cuando nuestro protagonista se topa con señales al respecto, ya sea un ataúd o una calavera. Pero la cosa se queda ahí, sabemos que tiene miedo a morir, que las cosas le pueden salir mal por culpa de ser un supersticioso. Pero es algo que simplemente nos muestran, sin profundizar ni lo más mínimo en ello, a pesar de estar continuamente recordándolo. Ni siquiera, llegamos a saber porqué es así, cuál sería el motivo de creer en la mala suerte. La película tampoco realiza un estudio, extenso o breve, sobre la fatalidad, algo parecido a lo que Wise o Huston hicieron en films como ‘Odds Against Tomorrow’ o ‘La Jungla de Asfalto’. Ni siquiera nos presenta a unos personajes marcados por la mala suerte, perdedores sin rumbo, pero destinados a un fatídico final, al contrario, son villanos malvados y sin escrúpulos, con las cosas muy bien planeadas, por mucho que las cosas se tuerzan al final.

El argumento no se sostiene demasiado, e incuso algunas de sus situaciones llegan a parecer un poco ridículas, pero Corman es lo suficientemente inteligente como para obviarlo y ofrecernos una película lo bastante entretenida, salvándola de la quema. Así lo demuestra su espectacular inicio, una demoledora secuencia, casi muda, en la que vemos cómo los personajes principales cometen un atraco y huyen del lugar de los hechos, esparciendo tanto el botín como las armas en determinados lugares a lo largo y ancho de su trayectoria de escape. Toda una lección de ritmo y planificación, en la que Corman filma algunas secuencias importantes sin cortar el plano, demostrando que sabe narrar impecablemente, contándonos sin palabras el modus operandi de la banda de ladrones y lo minuciosos que son.

Es una pena que el resto del film no llegue a la altura de su arrebatador comienzo, pero por lo menos no resulta aburrido en ningún momento. Y todo amenizado con una movida banda sonora, muy jazzística, obra de Gerald Fried, quien realizó muchos trabajos para televisión. Mejor no pararse en las hieráticas performances de Charles Bronson (que ya apuntaba “maneras”, y aquí no hace más que reírse forzosamente), y Susan Cabot (una de las actrices fetiche de Corman), porque sin duda también pertenecen a lo peor de la película, aunque hay que observar que ambos se compenetran a la perfección. Una película pasable, que nunca se estrenó en nuestro país, aunque se puede encontrar una copia en dvd usada, al otro lado del charco, y a un precio que no lo merece. Ya sabéis el otro método a utilizar.

Debe ser porque es muy cómodo. O porque fue el mejor manejándolo. Hablar de suspense es pensar en Alfred Hitchcock. En ‘Pacto Tenebroso’, el alemán Douglas Sirk (‘Ángeles sin Brillo’, ‘Imitación a la Vida’) parece querer jugar con las mismas herramientas que dominaba el director de ‘Vértigo’ e incluso (o eso parece) le llega a homenajear con cierto plano de un inocente vaso de luminosa leche, que el sospechoso marido prepara a su sufrida esposa, para que pueda dormir mejor (las buenas intenciones y maneras, ante todo). Señalar que la película está editada en DVD en España; pertenece a esa colección “Film Noir”, de precio tan apetitoso, que más de uno ya conoceréis.

Una cosa que nunca recomiendo es leerse la contraportada de un DVD. Rara vez lo hago y nunca paso de las dos o tres primeras líneas; me da igual, normalmente, de qué va una película, elemento que, me doy cuenta, para muchos es esencial a la hora de decidirse entre varias opciones. En la mayoría de los casos no falla, leer la sinopsis del DVD es enterarse de puntos importantes de la trama que es mejor recibir de sorpresa viendo el film. Pero bueno, allá cada uno con sus costumbres. Es como con los títulos de crédito, que se hablaba el otro día. Independientemente de las razones, lo cierto es que las personas que más respeto sienten por el cine se quedan a verlos; los que menos consideración le tienen, se largan en cuanto pueden. Pero bueno, yo no soy de matemáticas.

‘Pacto Tenebroso’ (‘Sleep, My Love’, 1948) comienza con una mujer terriblemente asustada en un tren. Pronto descubrimos que ella creía estar durmiendo en su casa (lógica su reacción) y que no tiene ni idea de cómo ha podido llegar a entrar en el transporte y alojarse en su compartimento. Cuando llega a casa, descubre que, en mitad de la noche, inconscientemente, disparó contra su marido, al que, menos mal, sólo hirió en un brazo. Juntos deciden que lo mejor es que la mujer vea a un especialista, con la esperanza de que su salud mental mejore…

Lo que son los clásicos. En hora y media puede pasar de todo, sin que tengas la sensación de rapidez atropellada; aquí fluye todo perfectamente. Te presentan a un buen número de personajes, te cuentan de todo (una y otra vez), la acción no deja de desarrollarse constantemente y al final te cierran la historia con un fulminante “the end”, que te deja unos segundos pensando en todo lo visto. Por eso resulta tan refrescante verlos y volver a verlos, son grandes películas hechas para el público, al que exigen tanto como cuidan.

Quizá, bien mirado, no es reflexionar lo que más le conviene al espectador de ‘Pacto Tenebroso’. Quiero decir, la trama, simple y por momentos algo absurda, está muy bien oculta entre la gran realización de Douglas Sirk y las convincentes interpretaciones de todo el reparto. Desde luego, si se rasca, uno encuentra que el “super-plan-maligno” que está detrás de todo flaquea por varios sitios y que algunas reacciones de los personajes no son muy creíbles. Por no hablar de esa imposible boda japonesa donde todos hablan inglés (eso sí, acaba por resultar desternillante que la pareja de recién casados esté deseando ir a la cama y no dejen de retrasarles el momento).

Pero ya digo, no hay verdadero problema. Esto es cine, es magia, es olvidarse de todo por un rato, es entrar en un mundo diferente y que te cuenten una historia que te atrape. Y vaya si atrapa. Sirk se ocupa de que no pienses ni un momento, atándote al asiento de principio a fin, basándose sobre todo en una historia tan tenebrosa como el pacto del título y en una puesta en escena magistral. Destacar también la preciosa fotografía en blanco y negro, llena de contrastes, aprovechada a la perfección para crear ese ambiente de pesadilla, locura y misterio.

El reparto de ‘Pacto Tenebroso’ está encabezado por Claudette Colbert, Don Ameche y Robert Cummings. Colbert, estrella de sobra conocida por todos, interpreta a la protagonista, una mujer con una gran fortuna cuyo juicio es puesto en duda durante casi todo el metraje, por casi todos los personajes de su entorno. Casi, porque ahí está Cummings, el enamorado, para ponerse de su parte; el actor cumple, pero quizá otro en su lugar podría haber aportado un poco más de chispa y ambigüedad. Ameche encarna al marido, un hombre del que sospechamos desde el primer momento. A través de él y del personaje de Cummings vamos pasando de un film de suspense a uno de cine negro, con mujer fatal, traición y tiroteos incluídos. Como curiosidad, y ya que mencioné a Hitchcock, añadir que Cummings protagonizaría, años más tarde, ‘Crimen Perfecto’, con una trama algo similar a la que nos ocupa.

En definitiva, un entretenido y elegante film de suspense. Nada del otro mundo, en realidad, pero sí una ración de refrescante cine bien hecho, especialmente si lo ponemos en relación con el actual, cada vez más dividido entre el producto prefabricado para hacer taquilla y el aburrido cine de autor pretencioso. Ya, quizá me he levantado pesimista; no he dormido mis doce horas.

No sé como se me pudo pasar esta fecha tan destacada en mi particular calendario cinéfilo. Ya que el pasado 4 de abril se cumplió 40 años del estreno, y no quería dejar pasar la oportunidad de rememorar esta importante efeméride del maestro Stanley Kubrick.

Y resulta complicado hacerlo cuando esta película ha suscitado tantos ríos de tinta, tantos comentarios, interpretaciones y debates en cuatro décadas de existencia. Pero, quizás, no me supone tanta dificultad por tratarse de una de mis películas de cabecera y, sin duda, una de las que mayor impacto me causó en el primer visionado.

Existe tanta literatura acerca de esta película, porque guste más o menos, como espectador hay que reconocerle el valor de tratarse de un hito en la historia del cine. Una cinta que revolucionó el arte cinematográfico y que elevó el género de la ciencia ficción a la misma altura y consideración de otros, como el western, el musical o el drama.

Resulta fascinante analizar y profundizar en las múltiples interpretaciones que se derivan de la película. La casi ausencia de diálogos o una voz en off que faciliten su entendimiento, además de su lentitud narrativa y su carácter experimental, la convierten en una película compleja, que exige del espectador algo más que su mera atención. Pero esta dificultad no está reñida con su enorme capacidad de impacto, de transmitir sensaciones que no dejan indiferente. Resulta toda una experiencia intensa si se ve en las condiciones adecuadas.

También resulta fascinante conocer algo más sobre su dilatado y denso proceso de creación. Y aún más, si tenemos en cuenta que todo se debe a la prodigiosa mente de un genio como Stanley Kubrick y su extremada obsesión por el perfeccionismo que hizo que su producción fuera toda una proeza fílmica.

Kubrick deseaba hacer “la película” de ciencia ficción, estaba fascinado con la recién iniciada carrera espacial, en plena guerra fría, y con la posibilidad de existencia de vida extraterrestre. Por lo que se encontraba en la necesidad de hallar una historia que se adaptara y le sirviera como excusa para llevar a cabo su idea de película. En ese proceso, irrumpió el nombre de Arthur C. Clarke (recientemente fallecido, por cierto). No era precisamente el mejor escritor del género (al menos en cuanto a forma, con una prosa simplona), pero sí gozaba de cierta popularidad y cuando a Stanley se lo recomendaron y tuvieron su primer encuentro en Nueva York, congeniaron de inmediato. Y eso ya era mucho, teniendo en cuenta el carácter egocéntrico de ambos autores.

Además, la elección final del relato ‘El Centinela’ no era precisamente la mejor, ya que no se trata de un texto brillante, ni mucho menos, aunque sí contenía la premisa básica para contar lo que después sería el guión de la película. Y así se lanzaron a escribir ‘Cómo se conquistó el sistema solar’, que fue uno de los primeros títulos que se barajaron. Pero, mientras Clarke tenía la idea de realizar una historia de ciencia ficción pura, a Stanley le entusiasmaba más el concepto de un “documental mitológico” con inserciones dramáticas.

Y justo antes de comenzar a escribir la adaptación, el propio Kubrick le propuso a Clarke escribir juntos una novela que sería la base de la película. Ésto fue clave, pues parece que se trataba de una estrategia urdida por el cineasta buscando aprovecharse de Clarke para hacer lo que él realmente buscaba. Y así fue, ya que cuando la película se estaba llevan a cabo, el escritor tenía terminada la novela a espera de los reparos o modificaciones de Kubrick para lanzarla y lograr la popularidad definitiva. Pero Stanley actuó con crueldad y alargó la situación porque no le interesaba que apareciese antes de que se estrenase el film.

‘Viaje más allá de las estrellas’ fue el título con el que la Metro Goldwin Mayer anunció en 1965 la promoción de la nueva película de Kubrick, que pronto comenzaría a rodarse. Ésta fue la génesis definitiva de la película, luego vendrían varios meses de rodaje con los actores, que nunca supieron muy bien el sentido de lo que interpretaron, y un posterior y dilatado proceso de post producción. En este periodo fue cuando la creación de los efectos especiales se convirtió en un laborioso y extenso trabajo que Kubrick y su equipo, llevaron a cabo con extrema minuciosidad en los estudios de la productora en Londres. La obsesión por lograr un perfeccionismo realista como nunca antes, llevó a Kubrick a contar con científicos de la NASA, para conseguir un resultado que bien mereció la pena.

Clarke, por su parte, reescribió muchas partes de la historia, a petición del director, sobre todo en la parte final, la del viaje interestelar, además de añadir algunas partes con voz en off que intentaban explicar las partes más complejas al espectador. Todo fue eliminado en la sala de montaje, Kubrick no quería caer en lo fácil, además de que, tras un primer y obligado visionado por parte de los directivos de la Metro, necesitaba recortar en unos minutos el metraje final.

Stanley también tuvo que claudicar, aparentemente, con su idea de insertar música pregrabada en la película, temas de música clásica, a lo que la Metro se negó en rotundo. Así llegó el encargo de la composición de una partitura original a Álex North, que trabajó durante dos intensos meses en ella. Para su sorpresa, comprobó en el estreno como no aparecía ni una nota suya. Sin embargo, lo que parecía una excentricidad más del director, supuso una verdadera genialidad y un acierto esencial en el resultado final.

Y es que Kubrick siempre tuvo en mente que la película fuese una experiencia intensamente subjetiva, que llegase al espectador a un nivel más íntimo de conciencia, como hace la música. Según sus propias palabras. Y de ahí, que también resultara una apuesta arriesgada pero finalmente certera, la inclusión de temas del compositor húngaro György Ligeti, cuyas trémulas partituras para voces corales sin palabras, evocaron el misterio del monolito.

Tras ese estreno por todo lo alto en Nueva York el 4 de abril de 1968, las críticas no tardaron en calificarla negativamente, aunque conforme fue acaparando atención y acumulando espectadores, muchos críticos fueron suavizando su concepción pesimista, para empezar a valorar ciertos elementos incontestables de la cinta. La verdad es que, después de algunos meses de exhibición, la Metro recaudó una importante cantidad que justificaba el exceso y las exigencias del director, a la par que se fue considerando una película muy importante dentro del género. En la actualidad no se puede obviar que se trata de una de las más grandes películas de la historia. Hoy la volveré a ver para rememorar este 40 aniversario.

En Blog de Cine | Stanley Kubrick

Es curioso que mañana se estrene ‘88 Minutos’, lamentable película en la que sólo se salva la presencia de Al Pacino (y fíjense que digo presencia y no interpretación), en la que se supone que el espectador va a sumergirse en una historia de suspense en la que el tiempo es un factor esencial. Ya hablaré en un próximo post del despropósito firmado por Jon Avnet, pero lo cito porque ‘Fourteen Hours’ es una película al revés. Me explico. Una vez mostrada la premisa que da lugar a todo el film, el espectador queda atrapado en un drama en el que el tiempo también es algo primordial, pero mientras en el film de Avnet, éste tiene límite e influye en la acción, en la presente película no tenemos ni idea de cómo acabará todo, aun a pesar de su título, el cual hace referencia a las horas que dura la situación planteada.

‘Fourteen Hours’ nunca se estrenó en nuestro país. Ni siquiera fue emitida por televisión. Tampoco aparece en la famosa Guía del Vídeo-Cine de Carlos Aguilar, probablemente la mejor recopilación en español de películas que existe. Las razones se me escapan, porque estamos ante un drama, con tintes de thriller, realmente original, y estupendamente filmado, por un excelente director como fue Henry Hathaway, responsables, entre otras joyas, de ‘Sueño de Amor Eterno’ o ‘El Beso de la Muerte’.

SPOILERS

‘Fourteen Hours’ empieza cuando un botones le lleva el desayuno a un hombre a la habitación en la que se hospeda en un hotel de Nueva York. En un abrir y cerrar de ojos, el hombre sale a la cornisa y amenaza con suicidarse. Pronto salta la alarma, tanto porque la da el botones, como la gente que pasa por la calle y ve a un hombre en el piso 14 de un edificio dispuesto a saltar. Entre la multitud hay un guardia de tráfico que es el primero en subir hasta la habitación. El policía logrará establecer una estrecha relación con el misterioso hombre que quiere quitarse la vida. Mientras tanto, especialistas y policía tratarán de averiguar cómo ha llegado a esa situación.

Lo más llamativo de la película es que prácticamente toda se desarrolla en una cornisa, en la que nuestro desesperado personaje mantiene algunas conversaciones con los distintos personajes que desfilan por el film. A parte de eso, se suceden varias situaciones, alejadas de ese lugar, pero notablemente derivadas por el intento de suicidio. Allá abajo, entre la muchedumbre anónima, se suceden varias microhistorias que no dejan indiferente al espectador. desde los taxistas que no pueden realizar su trabajo por culpa del atasco que se produce en las calles, y deciden apostar sobre cuánto tardará en tirarse el hombre, pasando por la pareja que se conoce justo al pie del edificio y se enamoran, hasta llegar a la pareja que en una oficina del edificio de enfrente están ultimando su divorcio. Ninguna de esas ramificaciones de la trama central, estorban lo más mínimo al ritmo de la película, al contrario, terminan de revestir a la misma, dotándola de nuevos matices. Incluso hay un descarnado ataque a la Iglesia en el momento en el que un patético cura hace acto de presencia. Todo ello gracias a un conciso guión de John Paxton, quien hizo varios trabajos para Edward Dmytrick, como por ejemplo, las famosas ‘Historia de un Detective’ o ‘Encrucijada de Odios’.

Las puesta en escena de Henry Hathaway es ejemplar, sacando un enorme provecho de los lugares, y alternando las acciones de la cornisa y las que suceden alejadas de la misma, con envidiable pericia. También logra una gran sensación de realismo, sobre todo porque los personajes son personas normales y corrientes con las que es fácil identificarse. No tenemos ningún policía ejemplar o malvado carismático. Personas de a pie, que tranquilamente podrían ser nuestros vecinos. Para ello, la elección de actores rehuye de las típicas estrellas o caras conocidas. Richard Baseheart y Paul Douglas dan vida al suicida y al policía respectivamente con una compenetración perfecta. Después desfilan actrices como Agnes Moorehead, en un rol muy de su genio, Debra Paget, Barbara Bel Geddes, inmortalizada en la serie ‘Dallas’, o Grace Kelly, cuando no era conocida (estamos en 1951), y actores como Jeffrey Hunter, antes de sus títulos más famosos. Un reparto que funciona como un mecanismo de relojería, mezclándose en lo que podría considerarse un antecedente de las películas de varias historia.

Una película magnífica, a la que le reprocho simplemente el hecho de en cierto momento, llegando al final, uno de los psicólogos llega a una conclusión acertadísima, teniendo muy pocos datos para ello. Pero se trata de algo muy anecdótico en una película tan viva como ésta. Si os interesa, está editada en dvd al otro lado del charco.

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Recuerdo como si fuese ayer mismo, un domingo de hace seguramente 20 años, el ciclo que La2 le dedicó durante bastantes tardes de domingo consecutivas al cine de Charles Chaplin. Si algún pero me pongo, fue que me enganche tarde al mismo, todo porque a mi joven edad, el cine mudo poco menos que era algo que sabía que existía, sin acercarme a él por pura pereza, ¿quién querría ver una película donde los personajes no hablaban y en blanco y negro?, pensaba erróneamente. Un buen amigo me comentó con acierto, “no sabes lo que haces, si algo bueno tienen las películas mudas, es lo difícil que resulta encontrar una que sea mala, y además ninguna aburre”, acto seguido me entregó el vídeo de ‘Nosferatu’, y me obligó a verla. El resto es una amor declarado al cine mudo, desde esas tardes de domingo.

Si me piden que escojan un largo de Charles Chaplin, no podría. Si me dicen que diga cuál es mi favorita, responderé sin dudar que ‘City Lights’ (Luces de la ciudad), y no sólo por la grandiosa secuencia del combate de boxeo, sino por la banda sonora que no paro de tararear en mi cabeza, por como Chaplin narra una historia de amor tan bonita, porque Charlot es el entrañable vagabundo de enorme corazón que forma parte del séptimo arte… y porque, como dijo Alberto en su serie de sus películas favoritas de los años 30, “pocas películas producen el mismo efecto que ésta”, y más con el auge del sonoro que se vivía. Una vez entras en su juego, ‘Luces de la ciudad’ te atrapa.

Una de las obras maestras de este director, una de las más grandes historias de amor de la historia del cine. Para áquellos que no la hayan visto, la encontráreis entera en la continuación de la entrada, son algunas de las joyas del cine que se pueden encontrar disponibles en Internet gratis.

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Escena nunca añadida a City Lights

En blogdecine, la serie sobre las películas gratis a puñados:

• El acorazado Potemkin
• Tiempos modernos
• Descubriendo a Buster Keaton

Creo que la palabra que mejor define ‘El Rapto de Bunny Lake’ es inquietante. Desde que comienza, con esos magníficos títulos de crédito de Saul Bass (plagiados en la efectiva pero muy sobrevalorada ‘El Orfanato’), la película de Otto Preminger atrapa nuestra atención y casi nos mantiene sin respiración, como si estuviéramos sentados realmente frente a lo que ocurre y al movernos fuésemos a interrumpir la acción. No estamos ante un film de terror pero lo que se cuenta en ella y, sobre todo, cómo está contado, tiene un aire de pesadilla ciertamente perturbador.

Resulta extraordinaria la forma en que se va agobiando a la protagonista, con esa atmósfera irreal, más propia de otro mundo, o quizá de otra forma de ver/vivir en este mundo. En lugar de atemorizar con el cansino recurso de un asesino psicópata que acuchilla jovencitas o el no menos absurdo de un ser maligno que destroza seres humanos, Preminger nos deja paralizados con un terror cotidiano, el que se deriva de perder a un ser querido en un mundo egoísta, que sólo mira por lo suyo. Pero también el que nos envuelve al cuestionarnos la realidad de las cosas y, por último, nuestro propio juicio.

‘El Rapto de Bunny Lake’ es el título (nada apropiado, a mi parecer) que en España recibió ‘Bunny Lake is Missing’ (1965); eso sí, no la busquéis por aquí editada en DVD, para poder disfrutar de este tipo de clásicos hay que recurrir a grabaciones “antiguas” (VHS) o a otras vías supuestamente ilegales, o eso dicen. La historia de la película, basada en la novela de Evelyn Piper, gira en torno Ann Lake, que acaba de mudarse a Londres con su hija Bunny. Cuando va a recoger a la niña al colegio después de su primer día, descubre que no hay rastro de ella por ninguna parte. Nadie sabe nada de Bunny, nadie la ha visto. Denunciada la desaparición, la policía se encuentra sin pruebas de la existencia de la pequeña, sospechando que realmente todo es una invención…

Apoyado en una impresionante fotografía en blanco y negro, Preminger nos sumerge en una historia que pretende empezar de forma relajada, a pesar de que pronto notamos que “algo” no va bien; un escenario donde el espectador se encuentra totalmente perdido y va comprendiendo poco a poco, tanto lo que ocurre como a quién le ocurre, atando cabos, o creyendo atarlos. El tratamiento del suspense es magistral , así como la puesta en escena. Ojo a cómo está rodada la inspección del colegio, por ejemplo, dando en todo momento la sensación, como decía antes, de que estamos realmente allí, siguiendo a escondidas el transcurso de los acontecimientos.

El reparto protagonista de ‘El Rapto de Bunny Lake’ lo encabezan Carol Lynley, Keir Dullea y Laurence Olivier. Lynley interpreta a Ann, el personaje central de la historia, logrando una magnífica composición, haciendo creíble en todo momento un rol muy complicado que oscila entre la inocencia, la locura, el miedo y la desesperación. En cuanto a Dullea, recordado por protagonizar la mítica ‘2001’, encarna al extraño hermano de Ann, un hombre que incomoda con esa actitud tan tranquila, tan fría, logrando también un excelente trabajo; no quiero añadir más, pues es quien tiene la clave de todo el oscuro misterio que rodea a Ann y Bunny, como cualquier espectador entiende muy pronto. Por supuesto, Laurence Olivier también brilla, interpretando al veterano, cerebral y eficaz investigador que debe resolver el caso (sus razonamientos y sospechas son las del espectador). Tiene un papel similar, a mi parecer, al de Henry Fonda en ‘El Estrangulador de Boston’, de Richard Fleischer.

Destacar también la breve pero importante presencia de Noel Coward, con un particular personaje, el de “casero artista”, que alimenta el miedo y la inseguridad de Lynley. En este sentido, es crucial que en la película nadie parece querer ayudar a Ann, sino todo lo contrario, engañarla, acosarla, maltratarla o simplemente obviarla. Como muestra, la secuencia en el bar, cuando cambian de canal para poner música alegre, en lugar de atender a las noticias sobre la desaparición de Bunny. De nuevo esa sensación de estar en un inquietante mundo irreal, donde todo parece dispuesto para que lo pases mal hasta que, por fin, consigas liberarte y abrir los ojos. En alguna ocasión me vino a la mente otra (muy destacable) obra de Preminger, ‘Vorágine’.

Sobre esto mismo gira la secuencia en la que la dueña del colegio (otro personaje “de otro mundo”) comienza a referirse a la imaginación que tienen los niños cuando sueñan; fundamental para comprender el desenlace pero también para crear la atmósfera. Y sobre los niños, su imaginación, su mente, su fragilidad, y esa irrealidad que se respira en toda la película, mencionar la memorable secuencia, bañada en oscuridad, de la tienda de muñecas, lugar donde comienza a fracturarse la primera capa de las apariencias y desvelarse el núcleo de todo.

En conclusión, ‘El Rapto de Bunny Lake’ es un incómodo, oscuro y fascinante thriller psicológico con el que Otto Preminger consigue que nos planteemos, sin efectos especiales, recursos fantásticos o parafernalias digitales, si estamos viviendo la terrible realidad o una pesadilla terriblemente real. De obligado visionado. Y por cierto, esperemos que se abandone la idea del remake que planea realizar Joe Carnahan, director que, por otra parte, hasta el momento, me gusta. Pero es que, sencillamente, este film no puede ser mejorado, y el director no es precisamente el más indicado.

Más que trailers, nos encontramos ante nuevas imágenes de la película y de la serie de animación de ‘Star Wars: The Clone Wars’. Cuando Lucas nos presentó la 3ª entrega de la saga, aquella en la que íbamos a ver la conversión de Anakin Skywalker en Darth Vader, todos nos preguntamos que había pasado en el tiempo intermedio, entre ésta y la anterior. En el fondo la pregunta se dirigía sobre por qué Lucas nos había quitado de la historia las guerras clónicas. La respuesta la tenía una serie de animación, que así era cómo nos quería contar esta parte de la historia.

La primera impresión de las imágenes que se han ido viendo son todas francamente excelentes. Bien es cierto que hay personajes que no aparecen en ninguna de las películas, pero las secuencias de las batallas, se puede intuir que están muy logradas, y que se auguran bastantes de ellas. Pero más que contaros cosas sobre esas guerras clónicas que ahora nos trae el amigo Lucas, mejor será que las veáis vosotros mismos y así saquéis vuestra propias conclusiones.

Vía | Gizmodo – Nuevo trailer de ‘Star Wars: The Clone Wars’
Más información | StarWars.com – Batallas épicas de ‘Star Wars: The Clone Wars’
En blogdecine | Star Wars: The Clone Wars, otra película más de la saga galáctica
En blogdecine | Introducción de ‘Star Wars: The Clone Wars’

El nombre de William A. Wellman no le dirá absolutamente nada a las nuevas generaciones de cinéfilos. A los de anteriores generaciones por supuesto que sí, y son bastantes los títulos de su fructífera trayectoria como para considerarlo uno de los grandes. Películas como ‘Alas’, ‘El Enemigo Público’, ‘Caravana de Mujeres’ (de impresionante éxito en nuestro país en sus pases televisivos, llegando hasta el punto de poner en práctica lo que la película cuenta), o ‘Beau Geste’ visten una filmografía llena de joyas, algunas de ellas a redescubrir urgentemente.

En la actualidad, el único director que rememora, y más de una vez, al cine del viejo Wellman es don Clint Eastwood, quien no deja de homenajear, tanto en forma como en fondo, una de las obras maestras del director: ‘Incidente en Ox-Bow’, un western insólito, como muchos de los que firmó Wellman, en el que se hacía un incisivo análisis sobre el ser humano. Curiosamente, en ‘Good-bye, my Lady’ se encuentra otro paralelismo con la obra de Eastwood, aunque de menor grado. Laurindo Almeida, uno de los dos compositores de la banda sonora, fue un excepcional guitarrista que terminó interpretando los fantásticos solos del score de ‘Sin Perdón’, en una operación similar a la que realizó con el mítico Marty Robbins cuando lo puso a cantar en ‘El Aventurero de Medianoche’. Un pequeño ejercicio de nostalgia.

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Y es que la sensible música de Almeida, acompañado de George Fields, es un acompañamiento perfecto a la sencilla historia que nos narra ‘Good-bye, my Lady’. En los pantanos de Georgia vive Skeeter, un niño, con su tío, ya mayor. Un día descubren por los alrededores, un perro perdido de lo más curioso. Resulta que se ríe casi igual que las personas, y para su asombro comprueban que es probablemente el mejor perro de caza jamás visto. Entre el can y el niño se establecerá una de esas historias de amistad inmortales.

Y aunque todo lo expuesto pueda caer en la sensiblería más repugnante, ya sabéis, fórmula de niño+perro=caca ñoña, lo cierto es que Wellman conoce muy bien los límites y nunca cae en eso. Todo lo contrario. A través de una historia, si queréis, tan tópica como ésta, el director nos habla de la madurez, de ese paso tan difícil que todos damos de niño a adulto. En este caso se trata de superar a lo largo de un proceso de encariñamiento, y luego de despedida, en el que nuestro joven protagonista, primero tomará una actitud de responsabilidad con el perro, y luego el tener que soportar su total y absoluta falta. Todo ello muy bien condensado en los 90 minutos que dura el film, y filmado por la cámara tranquila y sosegada de Wellman. Porque lo que queda muy claro, es que ésta es una de las películas más apaciguadas, por decirlo de alguna manera, de su director. Una mirada tranquila hacia el crecimiento de una persona que tendrá que hacerse mayor en un marco no demasiado fácil.

Al respecto resulta curioso como la extrema pobreza en la que viven la mayor parte de sus personajes, queda retratada como algo cercano y nada incómodo. El espectador sigue muy de cerca los avatares del niño y su excelente perro, deseando incluso en algún momento, estar allí con ellos. Una empatía perfecta con el espectador, a quien quizá le sobre el ver ciertas escenas, quizá metidas a calzador, y para subrayar cierto detalle fundamental de la trama, protagonizadas por un primerizo Sidney Poitier, en el papel de un vecino que conoce de sobra la procedencia del perro pero no dice nada. Tal y como se desarrolla el film, no era necesario incluir dichas escenas.

Walter Brennan (el actor con más Oscars junto con Jack Nicholson) y Brandon De Wilde (el niño de ‘Raíces Profundas’) se compenetran a la perfección, transmitiendo el feeling que ambos poseen, y que está claramente expuesto en escenas como las del café, o en una sorprendente conversación que tienen cada uno desde su respectiva cama, de espaldas. Realmente increíble esta escena en la que Wellman se corona, y que sirve para profundizar de forma muy natural en la relación de ambos personajes.

Una película estupenda, llena de matices y detalles, servidos con una gran naturalidad por un director al que le faltaban dos películas para dejar de hacer cine. ‘Good-bye, my Lady’ es de las menos conocidas de su larga filmografía, y no merece caer en el injusto olvido en el que caen muchas películas. No existe una edición en dvd de esta película, aunque sí hay un vhs por ahí, y también el libro de James Street en el que está basado el film. También podéis recurrir a ese animal de carga al que hay que agradecerle tantas y tantas cosas…

Cuenta la historia de J.R. (encarnado por el debutante Harvey Keitel), un joven italoamericano, que junto a sus amigos deambulan por las calles. Paralelamente vamos conociendo como el protagonista va estableciendo una relación con una chica, de origen distinto, que vive independiente y posee una distinta moral. Él se siente muy atraído pero rehuye el sexo, al que sólo concibe dentro de un posible matrimonio, hasta que ella le cuenta que fue violada lo que echa al traste su concepción de ella. En líneas básicas esta es la línea argumental final, pero no fue así concebida en un principio.

La naturaleza fragmentada de ‘Who’s that knocking at my door’ tiene su esencia precisamente en la transformación que sufrió la película. Primero fue un largometraje de 65 minutos, sufragado con unos miles de dólares prestados por amigos y familiares cuyo resultado fue ‘Bring on the dancing girls’, una historia que retrataba a unos jóvenes italoamericanos en las calles de Little Italy y su discurrir nocturno, asolados por las dudas sobre la moral religiosa a la par que descubren su apetito sexual. Tras un primer visionado, Haig Manoogian, que hacía las veces de mentor (y que fue uno de sus profesores), quedó horrorizado sin ver salida al resultado obtenido. Logró nueva financiación para una segunda versión, con más minutos de metraje y reescribiendo de nuevo la historia. Scorsese se puso manos a la obra para darle más páginas de guión a la relación entre el protagonista J.R. y la chica que conoce.

Esta segunda fase fue rodada en 16 mm, frente a los minutos ya rodados en 35 mm dan una idea del puzzle con el que se estaba trabajando. Finalmente en 1967 se exhibe en el Chicago Film Festival bajo el título de ‘I call first’ sin lograr especial relevancia. Aquello quedó estancado y Scorsese, ávido por ampliar horizontes marcha a Europa atraído por el mundo de la publicidad. Hasta que recibe la llamada de nueva financiación para lograr distribuir la película, a condición de incluir una escena de sexo. Sin muchos tapujos se puso manos a la obra y grabó una pieza que le abriría las puertas de una mayor difusión, a costa de insertar de forma inconexa y gratuita una secuencia que no aportaba nada a la historia (pero que está resuelta con gran virtuosidad). Con este nuevo capítulo volvió a estrenarse en el Chicago Film Festival de 1969 bajo el título definitivo, obteniendo buena acogida, más a su valía como joven promesa que por el resultado. Se estrenó en Nueva York y algo después en Los Ángeles (con otro título: ‘J.R.’).

Este periplo hacen que su debut en un largometraje fuera un tanto especial y, por supuesto, complejo, lo que le exigió sacar de dentro lo mejor de sí mismo. Supuso también el debut de un joven actor, Harvey Keitel, del que sacó una excelente interpretación. La película tiene la esencia de lo que serían algunos de los ingredientes sus futuras películas: la ciudad de Nueva York, la influencia religiosa, la violencia…

La película, a pesar de no ser una obra mayor, sí que tiene elementos técnicos muy destacables como son un manejo virtuoso de la cámara, el uso de imágenes congeladas, un montaje innovador que roza lo experimental, además de una sobresaliente puesta en escena. Todo ello teniendo en cuenta el escaso presupuesto que impidió rodar más escenas en exteriores. La escena más sobresaliente, quizás la más cuidada y que evidencia un notable dominio en la dirección es en la que el protagonista J.R. conoce a la chica (a secas, no tiene nombre alguno en el guión) en la estación del ferry que cruza a Staten Island. Allí se establece un primer contacto, contado con especial cuidado, con unos diálogos magistralmente rodados, en un espacio reducido (ambos sentados en un banco) pero que está resuelto con una enorme variedad de planos y ángulos que acompañan la conversación.

Las influencias que comentaba al principio son obvias. Su origen en una familia emigrante con gran arraigo religioso es tangible en la primera escena, en donde una madre (la propia progenitora de Scorsese) prepara una pizza a sus vástagos en un montaje que alterna las imágenes religiosas. Las influencias cinematográficas son esenciales, la primera conversación con la chica versa sobre John Wayne y el western es sólo un ejemplo.

La importancia de la música en este humilde largometraje está asociado a la modernidad del montaje y, también es buen ejemplo de lo que Scorsese nos iría deparando en el futuro hasta llegar al reciente documental ‘Shine a Light’.

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Hace poco nos dejaba Jules Dassin (como guinda a una etapa de fatales desapariciones del mundo del cine, tanto en activo como no), quien no se sentaba en la silla de director desde 1980. Demasiado tiempo para saber si estaba vivo o no, la verdad. Pero dejando eso a un lado y que la muerte de cualquier ser humano siempre nos pone tristes, lo cierto es que se ha ido uno de los grandes del cine, al menos físicamente. Por suerte nos quedan sus grandes obras, algunas de ellas clásicos indiscutibles del cine negro, como por ejemplo, las ya tan comentadas estos últimos días ‘Noche en la Ciudad’ o ‘Rififí’, que junto con ‘Topkapi’ son probablemente sus films más famosos.

‘Mercado de Ladrones’ (‘Thieves´ Highway’, 1949) pertenece a su primera época americana, justo antes de ser perseguido por la famosa caza de brujas encabezada por el temible senador McCarthy en los años 50. La película narra las dichas y desdichas de Nick Garcos, quien descubre que su padre está paralítico por haber sido engañado por un duro hombre de negocios que se dedica a comparar todo tipo de alimentos al por mayor, embaucando al mayor número de gente posible. Garcos se hará con un importante cargamento de manzanas como anzuelo para poder recuperar todo el dinero que le deben a su padre, y de paso vengarse.

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‘Mercado de Ladrones’ es puro cine negro, y en ella no hay un sólo gangster o policía (estos últimos aparecen justo antes de que se cierre la película, por aquello de que los malvados sean encerrados entre rejas). El mundo de ‘Mercado de Ladrones’ está lleno de personas normales y corrientes, todas ella de clase social media/baja, personajes que podrían ser nuestros vecinos, sin ningún tipo de aureola excesivamente cinematográfica, a pesar de estar interpretados por actores más o menos conocidos (en aquella época muy conocidos). Lo único verdaderamente cinematográfico es la labor de Jules Dassin, absolutamente encomiable, a la hora de vestir esta sencilla historia en un thriller denso a la para que intenso, donde hay lugar para la traición, el robo, el amor e incluso el asesinato.

Con un punto de partida tan simple como la competencia de mercado entre distintos camioneros a la hora de ganarse el pan con importantes cargamentos de alimentos, Dassin construye todo un mosaico de sentimientos encontrados, a través de una galería de personajes matizada hasta la última línea. Casi todos perdedores con muy mala suerte, al servicio de un sistema, creado por los que están por encima en la escala económica, que los va engullendo hasta que no hay más salida que la desesperación, la cual lleva a la venganza. Lo más curioso del film es que éste tenga un final aparentemente feliz, en el que el villano recibe su merecido, y que por aquel entonces responde más a una necesidad del propio director, por reflejar en el microuniverso de ‘Mercado de Ladrones’ a la sociedad de aquellos tiempos, en los que el enemigo debía ser vencido a toda costa.

Además de la excelente labor de Dassin tras las cámaras con su puesta en escena, en la que una vez más, la fotografía en blanco y negro tiene una importancia vital, tenemos un plantel de actores bastante apropiado. Richard Conte es el protagonista, y por aquel entonces estaba en pleno apogeo, apareciendo en un buen número de films de género. Sin ser ninguna maravilla como actor, tenía una fuerte presencia que encajaba perfectamente con sus personajes. A su lado, brilla con luz propia, Valentina Cortese, en una de sus primeras interpretaciones dentro del cine americano, el de una mujer acabada al servicio del mejor postor. La actriz se compenetra a la perfección con Conte, estableciéndose entre los dos una química perfecta, con una tensión sexual evidente. Como malo de la función, el siempre excelente Lee J. Cobb, en uno de sus típicos papeles de mal nacido, que por conseguir más dinero, es capaz de las acciones más rastreras, no teniendo el más mínimo respeto ni por la vida ni por la muerte.

Lo que ‘Mercado de Ladrones’ tiene de maravilloso en su labor de dirección y actores, no lo consigue del todo en su guión, pero no porque la historia no interese, sino porque hay algunos fallos absurdos que estropean considerablemente al conjunto. Son apuntes argumentales que una vez vistos, uno se pregunta como fueron capaces de cometer semejantes errores. Por ejemplo, cabría citar lo importante es que cierto camión tenga siempre una de las ruedas pinchada (esto provoca toda una serie de acontecimientos en el film), para luego, en la parte final de la película, arrancar ese camión como si nada. O ya en la escena final, y para redondear el hecho de que los malos reciban su justo merecido, la policía, ausente durante toda la proyección, haga acto de presencia con los compinches del villano detenidos.

‘Mercado de Ladrones’ es una buena película, altamente disfrutable. Tal vez no haya que incluirla entre las obras magnas del cine negro, pero desde luego pasa por un film muy importante dentro del género, aunque sólo sea por apartarse de la tónica. La película no se haya editada en dvd en nuestro país (qué raro), pero podéis obtenerla al otro lado del charco, en una envidiable edición de Criterion. Eso sí, preparad la cartera.

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