Daniel Monzón es un ser bastante inteligente. De pedante crítico cinematográfico se pasó a excelente director de cine, sumando un elemento a tan estimable y maravillosa profesión: cultura por el medio. Si de algo puede presumir Monzón es de ser un empedernido cinéfilo que conoce muy bien el Cine, sobre todo su historia, sabiendo aplicar esos conocimientos a sus trabajos como realizador, con la excepción de ‘La caja Kovak’ que resultó ser el único tropiezo de su filmografía. Tanto ‘El corazón del guerrero’, como ‘El robo más grande jamás contado’ —para quien esto suscribe su mejor película—, como la presente, son películas que destilan cinefilia por los cuatro costados, con muchísimas referencias al cine clásico, y lo más llamativo de todo, realizadas como si se tratase de films estadounidenses, sobre todo en la forma.

Una de las principales característica de Monzón como cineasta, algo de lo que también puede presumir Alejandro Amenábar, por poner sólo un ejemplo, su cine está libre de complejos y prejuicios. Filma sus películas para todo el mundo, sin tener en cuenta fronteras y nacionalidades. Da igual que estén desarrolladas en España, ya sea en un museo o una cárcel, son historias universales que pueden ser disfrutadas por cualquiera. Ésa es la gran virtud de los guiones de Monzón, y además suele sacarles provecho, aunque en este caso, no me parece que nos encontremos ante esa genialidad que todos proclaman.

Antes de nada no quiero ser mailinterpretado. ‘Celda 211’ me parece una buena película, muy por encima de la media de lo que suele salir de nuestra pobre fábrica de sueños, un soplo de aire fresco a tantas y tantas mediocridades patrias, que prácticamente parecen clones las unas de las otras. Pero de ahí a proclamarla como el peliculón que intentan colarnos —sobre todo cierta parte de la crítica de este país, a la que le gusta venderse—, hay un gran trecho. Sinceramente creo que se está exagerando muchísimo con ‘Celda 211’, y lo cierto es que tiene su lógica. Hablamos de un film carcelario en toda regla que podría competir si ningún tipo de rubor con muchos de los productos de evasión que salen de tierras americanas. Es tan entretenida como la que más, su ritmo es impecable, las interpretaciones casi soberbias, pero no hablamos de una gran película. Y para el que esto suscribe, debería serlo, deberíamos estar ante el film español del año, ante una de las películas del año.

Monzón ha bebido mucho, mucho cine, y sabe perfectamente cómo empezar un relato para atrapar sin remisión al espectador. Tras una impactante secuencia inicial en la que contemplamos un suicidio, el ex-crítico nos presenta una situación ciertamente original —aunque si nos ponemos quisquillosos podríamos decir que no es más que una variante de ‘Brubaker’, el excelente film carcelario de Stuart Rosenberg con Robert Redford— al introducir a un funcionario de prisiones —que ha ido a su trabajo un día antes de empezar, tal y como hacemos todos los españoles en la vida real, sí señor— en el centro de un motín organizado por uno de los más peligrosos presos del lugar. A partir de ese momento, el film sorprende por lo bien estructurado que está, y sobre todo bien narrado. Pero hay un punto en el guión que le resta enteros a la película, uno de esos fallos tan gordos, que uno se pregunta cómo Monzón ha sido capaz de caer en ello, con lo bien atado que tenía todo lo demás.

El personaje al que da vida un entregado, aunque no plenamente satisfactorio, Alberto Ammann, cambia radicalmente a raíz de un dramático hecho, un instante que es previsible —por no decir que parece plagiado de ‘Batalla en Seattle’ (‘Battle in Seattle’, Stuart Townsend, 2008), en la que el personaje de Charlize Theron sufría exactamente lo mismo—, pero que resulta a todas luces forzado. De ese hecho depende absolutamente todo lo que viene después, pues los actos del protagonista, que ve como su mundo se ha acabado en una abrir y cerrar de ojos, marcan a partir de ese momento el relato. La dramatización de dicho hecho no termina de resultar creíble, sino más bien todo lo contrario, y el resto, bastante bien filmado al igual que el resto del film, funciona a partir de este débil detalle. Monzón hubiera hecho mucho más creíble las cosas con menos.

Afortunadamente, el director es capaz de mantener el interés en todo momento, apoyándose en diálogos bien escritos, y recitados con mayor convicción por una galería de actores donde evidentemente Luis Tosar brilla con luz propia, y muy por encima de todos los demás. El actor lucense ha tenido la suerte de encontrarse con uno de esos papeles caramelo con el que sueñan todos los actores. Malamadre forma parta ya de la memoria colectiva de nuestro cine, uno de esos villanos ambiguos a los que se ama y odia al mismo tiempo. Tosar le imprime carácter, dureza, humor, y un poco de corazón. Él sostiene todo el film, el cual no sería lo mismo sin su presencia, que poco a poco se va haciendo grande y de lo más destacable de nuestra cinematografía. El resto del reparto, sin llegar a la grandeza de Tosar, están todos magníficos, destacando al camaleónico Luis Zahera, que realiza un trabajo de lo más convincente con un personaje muy secundario.

Personajes sin esperanza encerrados en un mundo aún más violento que el que se desarrolla fuera de los muros de la cárcel, lleno de traiciones, de egoísmo, de odio, de rabia, y en el que lo poco que les queda de seres humanos a los perdidos presos es arriesgado en un golpe por una mejor suerte representado en forma de motín, una última llamada a la cordura y contra la injusticia que pocos o casi nadie conoce. En este aspecto, el guión de Jorge Guerricaechevarría y el propio Monzón, es modélico, permiténdose incluso el lujo de criticar a presos de E.T.A. Los presos, que únicamente quieren más dignidad, llaman a la violencia, el único lenguaje que el ser humano parece entender de verdad, la ironía de la fuerza bruta para conseguir justicia. Hace años, el gran Jules Dassin —firmante de algunas joyas del cine negro como ‘Noche en la ciudad’ (‘Nigh and the City, 1950)— dirigió un film titulado precisamente ‘Fuerza bruta’ (‘Brute Force’, 1947) en el que narraba lo mismo que Monzón, aunque con mucha más contundencia y un aterrador realismo, algo a lo que se acerca Monzón, sobre todo gracias a una excelente labor de fotografía, obra de Carles Gusi, cuya sequedad nos remonta al film de Dassin, con el que ‘Celda 211’ guarda no pocos parecidos.

Es más que probable que la película gane con el paso de los años; de momento se queda en estimable producto que logra apartarse de lo de siempre, tanto en intenciones como resultados, y sobre todo por demostrar la valentía de Daniel Monzón —director que merece mucho más que otros que están encumbrados—, al hacer un tipo de cine que necesitamos urgentemente en nuestro país. Aún con los fallos citados, ‘Celda 211’ es un buen film de género, que proporciona al espectador una alta dosis de lo que el cine debe hacer sobre todas las cosas: entretener, de la forma que sea, transportar al espectador a un mundo ficticio creíble, aunque sea tan terrible como el narrado aquí.

Otras críticas en Blogdecine:

• Sitges 09 | Tercera jornada | ‘La huérfana’ y ‘Celda 211’ no decepcionan

• ‘Celda 211’, el corazón de la bestia

Uno de los actos que me perdí en la última edición del Festival de Sitges fue el estreno del primer tráiler de ‘Tensión sexual no resuelta’, presentado por el director y algunos de los protagonistas de la película. El vídeo lleva desde entonces en la red, pero no lo habíamos comentado aquí, y la verdad es que llama mucho la atención. El reparto está lleno de caras famosas, salidos de la televisión, y aunque el avance es un teaser, muy corto, parece que la película (que al parecer ha costado más de cuatro millones de euros) promete. Habrá que esperar a ver un tráiler más extenso para tenerlo más claro.

Escrita y dirigida por Miguel Ángel Lamata (responsable de ‘Isi & Disi’ y ‘Una de zombies’), ‘Tensión sexual no resuelta’ gira en torno a un profesor universitario a quien le acaba de dejar su novia; para recuperarla recurre a un alumno descarado que le ayudará a cambio de recibir una matrícula de honor en su asignatura. La película está protagonizada por Fele Martínez, Amaia Salamanca, Pilar Rubio, Adam Jezierski, Norma Ruiz, Salomé Jiménez, Miguel Ángel Muñoz, Hugo Silva, Juan José Ballesta, Michelle Jenner, Marianico el Corto y Joaquín Reyes, entre otros; Santiago Segura (productor de la película) realiza un cameo, como podéis ver en el tráiler. El estreno se producirá el próximo verano y salvo que estrenen otra de un apocalipsis o de vampirillos ñoños, esto apunta a número uno en taquilla.

PD: Próximamente, uno de los protagonistas nos hablará sobre la película en Blogdecine.

Vía | Elblogdelcineespañol

Parece que fue ayer cuando llamaba a los despachos de la temible Filmax —¿puede haber en España una productora peor que ésta?— para asegurarme de que la segunda entrega de ‘[Rec]’ se iba a filmar. La respuesta fue un “aquí no sabemos nada” —nunca estarán tan acertados de describirse a sí mismos como con esa expresión—, y fue justo un día antes de que Paco Plaza anunciase en su blog que empezaban a rodarla. Ahora, la película ya ha pasado por Sitges y por las carteleras españolas, repitiendo más o menos el éxito de su predecesora, aunque sin llegar a armar tanto revuelo. Y eso que sus autores decidieron hacerla simple y llanamente porque el público lo pedía, no porque tuviesen algo pensado desde el principio. Una operación parecida a la que realizan al otro lado del charco cuando una película tiene éxito, léase las insulsas continuaciones de ‘Matrix’ o ‘Piratas del Caribe’, perfectos ejemplos de cómo tomarle el pelo al espectador y hacerse rico con ello.

Afortunadamente Plaza y Balagueró no han llegado a extremos tan infames como en las películas señaladas. Han sabido aprovechar lo mejor de una primera entrega excelente, intentando aportar cosas nuevas en una secuela tan entretenida como innecesaria, y si bien han perdido todo el factor sorpresa, al menos nos han ofrecido un producto por encima de la media de los films de terror salidos de nuestras tierras, lo cual ya es mucho.

‘[Rec] 2’ comienza justo después de los acontecimientos narrados en la primera entrega. En el edificio puesto en cuarentena entra una unidad de los GEOS para determinar qué está sucediendo y si pueden controlarlo. Con ellos irá un médico que sabe más de lo que dice, y muy pronto empezarán a temer por sus vidas. El terror en forma de virus contagioso se adueña de nuevo del lugar, y nuestros queridos soldaditos —entre los que se encuentra el cámara que acompañaba a Manuela Velasco en el anterior film, a modo de cameo gracioso— tendrán serias complicaciones para llevar a cabo su imposible misión.

Paco Plaza y Jaume Balagueró han confesado haberse visto todas las películas de zombies que hay, siendo evidente que de alguna de ellas se han dejado influenciar un poco. Referencias podemos encontrar miles, sobre todo al cine reciente en títulos como ’28 días después’ (‘28 Days Later…’, Danny Boyle, 2002) o ‘Amanecer de los muertos’ (‘Dawn of the Dead’, Zack Snyder, 2004), de las que cogen el elemento de que los zombies corran, lo que incrementa el temor hacia ellos. Pero de lo que nada se ha dicho, o al menos un servidor no lo ha visto por ahí, es de su descarada copia de ‘Aliens, el regreso’, la magistral película de James Cameron, con la que guarda numerosos parecidos, tantos que su primeros 20 minutos son prácticamente iguales. Sustitúyase a los marines por GEOS, a los aliens por infectados, súmesele las cámaras en los cascos de los soldaditos, idénticas reacciones ante el drama, y la comparación es innegable. Transcurrido un poco del corto metraje, la película toma otros derroteros, pero no evita caer en homenajes a films muy conocidos, como por ejemplo ‘El exorcista’ (‘The Exorcist’, William Friedkin, 1973), algo que muchos interpretarán como una broma o chiste.

Y es que ‘[Rec] 2’ camina peligrosamente por un humor que hace que el espectador no se tome demasiado en serio los acontecimientos del film, cosa que no ocurría en la primera entrega. Incluso los sustos parecen provocar ahora más risa que otra cosa, aunque los directores se reservan alguna que otra buena secuencia de miedo, que sin llegar a niveles excelentes logran levantar el vuelo de una segunda entrega en la que se notan sobre todo las prisas, y el haber resuelto la papeleta de continuar una historia con una explicación un poco cogida por los pelos, y que salvando las distancias, recuerda algo a la premisa de ‘Fallen’ (Gregory Hoblit, 1998). Si hace dos años, Balagueró y Plaza no podían presumir precisamente de poseer un buena historia, a la que afortunadamente le sacaban el máximo partido, ahora el problemas es mayor. Las referencias a otros films se disparan, los lugares comunes se repiten, y por si fuera poco, el film empieza por segunda vez, cuando decide cambiar su punto de vista a tres jóvenes que se ven metidos en el drama, personajes éstos metidos con el mayor de los calzadores.

No obstante, Balagueró y Plaza consiguen imprimir cierto ritmo al film, y sobre todo entretenernos, que es la principal intención de este tipo de films. Un entretenimiento que no le falta al respeto al espectador —como sí hace Filmax con el 90% de las cosas que produce—, y donde también podemos apreciar cómo los actores involucrados se lo han pasado en grande rodando el film, aunque rayan todos en el histrionismo, algo que acentúa un humor no deseado. Desafortunadamente, tenemos que soportar la presencia de Manuela Velasco —de lejos, lo peor de la anterior entrega—, en una intervención afortunadamente breve, que a parte de demostrar lo mala actriz que es, deja al espectador con cara de idiota siendo el único momento en el que nos preguntamos si no nos habrán querido tomar un poco el pelo.

‘[Rec] 2’ no pasará a los anales de la historia de nuestro cine, y tampoco lo pretende. Si uno logra pasar por alto algunas de las insensateces de su argumento, es muy posible que pasemos un rato de lo más entretenido, algo muy de agradecer en los tiempos que corren. Eso sí, Balagueró y Plaza deberían dirigir más películas juntos, parece que se entienden a la perfección y demuestran saber cómo se dirige una película. Por separado es otro lamentable cantar.

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘[REC] 2’, un nuevo enfoque de un mismo acontecimiento

Nos enterábamos hace pocas horas de que, alrededor de la una y media de la tarde, fallecía uno de los actores más importantes de la entera historia del cine español. Se despide así de nuestra cinematografía, dejándola un poco más huérfana, si cabe, después de la desaparición de Fernando Fernán Gómez, uno de los rostros con los que más hemos identificado una época y una manera de hacer películas en este país.

Tenía 87 años cuando fallecía, al parecer en su propia casa y rodeado de su familia y círculo más íntimo, dejando a sus espaldas un inmenso legado en teatro, cine y televisión, pues sus representaciones son incontables, sus películas son más de cien y sus apariciones televisivas numerosas y variadas. Un verdadero todoterreno, dueño de un talento inusitado para eso tan resbaladizo e incomprendido conocido como tragicomedia, que vendría a ser, quizás, aquello para lo que nació este madrileño de fisonomía tan castiza, el vecino de enfrente español.

Nacía López Vázquez en 1922, muy cerca de los legendarios cines Doré, en el seno de una familia humilde y con problemas de comunicación, según él mismo ha afirmado muchas veces. Debido a una vida gris y monótona, se aficionó muy pronto al cine, y se volvió un fan irredento de Buster Keaton y, más tarde, de las Screwball Comedies. Pero lo que primero quiso ser el joven López Vázquez fue pintor, y aunque su humilde condición le arrinconaba en trabajos de segunda categoría, logró ganarse la vida como creador de carteles de películas.

Todo cambió, por supuesto, cuando conoció a un director esencial del cine español, Luis García Berlanga, que con gran criterio se fijó en la enorme capacidad de este hombre para hacer lo máximo con lo mínimo, y para captar toda la atención de la cámara a pesar de que, muchas veces, sus papeles más importantes eran de esos llamados secundarios (patraña heredada del teatro, que tanta confusión crea respecto al trabajo de un actor). La admiración fue mutua, hasta tal punto que terminó participando en un gran porcentaje de las películas del gran director valenciano.

Pero quizá la mejor de todas ellas, y en la que el intérprete dio lo mejor de sí mismo, a pesar de que, una vez más, se trataba de un rol secundario, fue ‘El verdugo’. En ella su personaje era episódico, pero él ofrecía una presencia arrolladora, plena de verdad e intensidad, en la que se sustentaba gran parte de la genialidad de aquella obra irrepetible. De hecho, López Vázquez siempre fue un corredor de fondo en la eternamente cainita España, y en la siempre traidora industria española. Aguantó trabajando en papeles olvidables a los que él aportaba su personalidad y su intuitiva presencia, tan difícil de imitar y de describir.

Bordó lo excepcional en la hoy bastante olvidada ‘Mi querida señorita’, y otros como la mítica ‘El pisito’. Berlanga decía de él que poseía algo que él bautizó “la revolera”, su quiebro o toque final. Sin ese toque final, piezas tan celebradas como la que le dirigió Antonio Mercero, ‘La cabina’, no serían lo mismo, carecerían de la credibilidad y la verosimilitud que les otorgaba este intérprete. Con él, podías sufrir y sentir a través de él, porque a fin de cuentas era uno como cualquier otro en su humanidad.

Decía que estaba desilusionado porque a pesar de su fama, de su prestigio y de los continuos reconocimientos con que le agasajaban, apenas le llegaban guiones para seguir saliendo en la gran pantalla. No era rencoroso, pero le dolía que, en su ancianidad, nadie le diese más oportunidades. Supongo que se olvidó de en qué país vivimos: ese que, en cuanto puede, se ríe de sus más grandes hombres, como si cualquier pudiera ocupar su lugar.

Se aproxima el estreno de ‘Spanish Movie’ y hemos querido conocer, de primera mano, más detalles sobre la película y hablar con Javier Ruiz Caldera, su director, que debuta en el largometraje. En poco tiempo la maquinaria de marketing y publicidad invadirá todos los medios con la promoción y, parece que se plantea como una interesante propuesta de cara a la taquilla. Al menos, seguro que nos arranca alguna que otra sonora carcajada. Esa parece la principal premisa.

Javier Ruiz Caldera se aventurado con esta spoof movie que parodia algunos de los títulos más destacados del cine español de la última década. Una producción importante que ha contado con la participación estelar de Leslie Nielsen, además de un completo reparto con caras muy conocidas en el mundo de la televisión (y de la parodia). Ruiz Caldera cuenta en su haber con un premiado y estupendo cortometraje: ‘Tretium’.

Blogdecine: ¿Cómo surgió la idea de ‘Spanish Movie’?

Javier Ruiz Caldera: Los responsables de ‘Spanish Movie’ hemos crecido viendo comedias como ‘El jovencito Frankestein’, ‘Aterriza como puedas’, ‘Agárralo como puedas’ o ‘Top Secret’..., así que es normal que surgiese la idea de adaptarlo a nuestro cine, a nuestro humor. Además, el cine español se merecía una ‘Spanish Movie’, las películas que se han hecho estos últimos años eran carne de parodia, lo estaban pidiendo a gritos.

BdC: Se trata de una producción con un presupuesto importante ¿es que ha entusiasmado a los productores por no existir hasta ahora una película de estas características?

JRC: Nuestra premisa siempre fue que ‘Spanish Movie’ luciese en términos de producción como las películas que estamos parodiando, eso significa que tuvimos que reconstruir los decorados de ‘El Orfanato’, ‘Los Otros’, ‘Volver’ o ‘Mar Adentro’, con efectos especiales como los de ‘[REC]’ o ‘El Laberinto de Fauno’, de hecho el Fauno de ‘Spanish Movie’ fue hecho por las mismas personas que hicieron el de Guillermo del Toro… pues todo esto necesita un mínimo de presupuesto. Queríamos competir con las mejores comedias de este estilo a nivel formal y, si te fijas, en ‘Top Secret’ por ejemplo, hay secuencias espectaculares como la divertidísima pelea bajo el agua, pues nosotros hemos tomado ese nivel como referencia para ‘Spanish Movie’.

BdC: ‘Spanish Movie’ es tu debut en el largometraje, ¿cómo tuviste esta oportunidad?

JRC: Pues se lo debo a unos productores que están un poco locos y que vieron un corto que hice hace años: ‘Treitum’. Se pusieron en contacto conmigo y decidieron, para bien o para mal, que yo debía ser el director de ‘Spanish Movie’... ahora que lo pienso… nunca les pregunté porqué...

BdC: ¿Cómo ha resultado el proceso de rodaje?

JRC: Pues imagínate… tener a Joaquín Reyes, Silvia Abril, Carlos Areces, Alexandra Jiménez, Eduardo Gómez, Joselito… todos en el mismo set… parecía un circo. Yo, como es la primera peli que hago no puedo comparar, pero gente del equipo me ha dicho que nunca se habían reído tanto rodando. Recuerdo el día que se juntaron Leslie Nielsen y Chiquito de la Calzada, había técnicos que mordían las cortinas del decorado para no reír y estropear la toma.

BdC: ¿Qué ha sido lo más complicado hasta el momento?

JRC: Pues supongo que toda la parte de postproducción digital, efectos especiales y demás, en la que estamos enfrascados en el momento en que me estás haciendo esta entrevista, la verdad es que está siendo muy laboriosa y complicada . En ‘Spanish Movie’ hay explosiones, gente que vuela, una hada diminuta que se quema… muchos efectos visuales que están siendo muy complejos.

BdC: Cuentanos alguna anécdota (que se pueda contar).

JRC: Pues que se pueda contar… así públicamente… recuerdo que el primer día de rodaje de Leslie Nielsen estábamos todos muy excitados y nerviosos, pero había una persona que estaba especialmente fuera de sí: Carlos Areces. Carlos es muy mitómano y me hizo prometerle, con lágrimas en los ojos, que compartiría plano con Leslie. Yo, que soy un sentimental, accedí. Pues llegó el día y empezamos a rodar un plano con Leslie a solas… y entonces llegó Carlos, y al ver que estábamos rodando con Leslie y sin él pensó que me había olvidado del trato, y empezó a correr nervioso, apartando a todo el mundo que se encontraba en su camino, sorteó la valla de seguridad, pegó un salto de varios metros, asomó la cabeza por el plano y dijo: “¡Me lo prometiste!”. Entre risas le expliqué que su plano conjunto era por la tarde… se tranquilizó... pero no se despegó de Leslie en todo el día, por si acaso.

BdC: Particularmente, creo que el casting es todo un acierto ¿se plantearon otras opciones para los papeles o han trabajado los que se deseaban?

JRC: Queríamos a los actores más graciosos y divertidos posibles, aunque no fuesen demasiado conocidos. Y sabíamos que tanto en “Muchachada Nui” como en “El Terrat” había una cantera de grandes cómicos, actores que tienen el don de la comedia innato. Y hemos tenido la suerte de que todos, al escuchar lo loco que era el proyecto de ‘Spanish Movie’, se lanzaron de cabeza.

BdC: Para llevar a cabo una parodia ¿era fundamental contar con Joaquín Reyes y Carlos Areces (“Muchachada Nui”)?

JRC: Tenerlos a ellos es una garantía de risas. Sabíamos que contar Joaquín o con Carlos implicaría que cambiarían sus diálogos y los acercarían a su terreno, y así fue. Esta libertad creativa fue esencial para conseguir el tono cómico de ‘Spanish Movie’, y cuando tienes a estos genios del humor es algo que como director sería absurdo no aprovechar. En los ensayos ya veíamos por donde iría el tono de sus personajes, y nos moríamos de la risa… y eso que Joaquín aún no estaba caracterizado de Fauno y a Carlos aún no le habíamos afeitado la cabeza y puesto el jersey de cuello alto para hacer de Mar Adentro.

También queríamos que el resto de Muchachada Nui apareciese en la película y ahí tenemos a Julián Lopez, Raúl Cimas y Ernesto Sevilla en una maravillosa aparición que se escribieron ellos mismos para ‘Spanish Movie’, haciendo una absurda parodia de ‘Los lunes al sol’ llamada ‘Los lunes al…cohol’.

BdC: ¿Cómo se ocurrió contar con una figura como Leslie Nielsen?

JRC: Leslie Nielsen es el icono por excelencia de las “spoof movies”, así que teníamos que conseguir contar con él para ‘Spanish Movie’. Para los que hemos crecido con sus películas tenerle a él en el rodaje fue como una señal divina de que íbamos por el buen camino.

BdC: ¿Fue fácil contar con su participación?

JRC: Pues se emocionó mucho al saber que más allá de los USA, donde siempre ha trabajado, también era considerado como el grandísimo actor que es. Fue increíble ver como una persona de 84 años sigue manteniendo la ilusión por la comedia como un joven adolescente, fue realmente estimulante.

BdC: ¿Qué tal se integró en el rodaje? ¿habla algo de español?

JRC: Él no habla absolutamente nada de español y mi inglés es realmente lamentable así que te puedes imaginar lo divertido de nuestras conversaciones. A pesar de eso, nos entendíamos, yo gesticulaba como un mono y él lo reproducía en versión “crack de la comedia” , improvisaba mucho, y una mirada suya, con esos ojazos azules y vivos que aún conserva, era toda una lección de expresión cómica. A cada toma el equipo al completo no podía evitar estallar en aplausos.

BdC: ¿Qué se espera de ‘Spanish Movie’?

JRC: Yo no sé lo que se espera, pero lo que nosotros hemos pretendido es hacer reír… y no me refiero a una agradable sonrisa sino a la sonora y saludable carcajada.

BdC: Es una producción arriesgada, puesto que las “spoof movies” no suelen cosechar buena acogida de la crítica ¿te preocupa esto? ¿leeras las críticas?

JRC: A este tipo de películas se las suele condenar de antemano y es cierto que las últimas que se han hecho no tienen apenas ninguna gracia. Nosotros hemos querido recuperar el humor y la calidad de las primeras “spoof movies”, las que no te cansabas de ver con los amigos y te morías de la risa. En cuanto a la crítica, pues no sé, lo obvio es que se nos ponga a parir, pero también sabremos reírnos con ello.

BdC: Con el exitazo de producciones españolas recientes como ‘Ágora’ y ‘[REC] 2’, ¿en qué situación ves el cine español?

JRC: A mi me parece estimulante que dos películas españolas tan diferentes entre sí como ‘Ágora’ y ‘[REC] 2’ compitan en la misma semana por el primer puesto en la taquilla española. Es la prueba de que si ofreces al público algo que le apetezca ver, se deja de prejuicios sobre si es cine español o no. Nuestro cine es como el del resto del mundo, hay películas malísimas, la mayoría son regulares y de vez en cuando aparece una buena que te reconcilia con todo. Meter a todo el cine español en el mismo saco es un problema de estrechez de miras. Y este año parece ser que va a acabar de manera interesante ya que todavía están por venir (al menos cuando escribo estas líneas) propuestas tan diferentes ‘Celda 211’ o ‘Planet 51’... y ‘Spanish Movie’, por supuesto.

BdC: ¿Será ‘Spanish Movie’ el taquillazo del próximo mes de diciembre?

JRC: Si eso se supiera de antemano, el juego no sería tan divertido. En cualquier caso yo seguro que sí me escaparé algún día a verla con mis amigos en la sala más grande que encuentre para poder disfrutarla con gente, y sentir como la risa se contagia por toda la sala. Será emocionante.

BdC: ¿Es el comienzo de una saga o todo dependerá del resultado de taquilla?

JRC: Que haya una ‘Spanish Movie 2’ no depende ni de nosotros ni de la taquilla, sino de que se hagan las suficientes películas españolas parodiables en los próximos años, piensa que ‘Spanish Movie’ bebe de las películas españolas de estos últimos 10 años así que… haz las cuentas.

Bueno, lo cierto es que una de las películas que espero con más ganas, así que pronto comprobaremos (el 4 de diciembre) si consigue hacernos reir. Al menos tiene buena pinta. Aquí dejamos el último vídeo de la película, con Fauno/Joaquín Reyes.

Agradecimientos a Paco Cabezas, guionista de la película, por su mediación para la realización de esta entrevista.

Este mes, la noticia más sonada en esta sección ha sido la de un no rodaje, el de ‘Memoria de mis putas tristes’, la adaptación de García Márquez con Ana de Armas que se vio paralizada por una acusación de incitar a la corrupción de menores. También ha sido importante conocer que ‘You will meet a tall dark stranger’, lo próximo de Woody Allen, será coproducido por Antena 3. Hablamos, asimismo, de la producción de ‘Betsy and the Emperor’, con Dakota Fanning y Al Pacino; de ‘The Way’, una producción española que involucra a Martin Sheen y Emilio Estévez; del ridículo título ‘Exorcismus’ y de ‘También la lluvia’, un film politico-social capitaneado por Icíar Bollaín. Quedan por mencionar otros rodajes que se han producido durante este mese de octubre y que también merecen tener un espacio en Blogdecine.

‘Los ojos de Julia’

Guillermo del Toro produce. Belén Rueda y Lluís Homar protagonizan. Dirige Guillem Morales. Estamos hablando de ‘Los ojos de Julia’, una película escrita por Guillem Morales y Oriol Paulo, que ha comenzado a rodarse en octubre.

Esta historia nos acerca a una mujer (Rueda) que va perdiendo poco a poco la vista, mientras investiga la muerta de su hermana gemela ciega. Mientras su visión se deteriora, se ve obligada a enfrentarse a los mismos terrores que acechaban a su hermana.

Rodar y Rodar, Focus Features International —compañía filial de Universal Pictures International—, Antena 3 Films, Mes Films y Televisión de Cataluña son quienes se encargan del producto, como ya hicieran con ‘El orfanato’.

Morales es autor de ‘El habitante incierto’, un largometraje que despertó en mí y en todos los que estábamos en la sala muchas más risas que miedo o tensión. Film que tenía buenas intenciones, me pareció que era una de las demostraciones de cómo tratar de hacer algo bueno y no conseguirlo. Esperemos que esta nueva oportunidad de fabricar atmósferas opresivas resulte mejor, gracias a una producción internacional tan poderosa. Otras de las cintas de este director y guionista son ‘Upside Down’ y ‘Divaldo’. El resto de su producción estaba destinada directamente al DVD.

‘Flamenco, flamenco’

Carlos Saura rueda en Sevilla el largo documental musical, que produce GPD y en el que el aragonés repite con Vittotrio Storaro como director de fotografía. Los motivos de volver a este género musical de Saura son que “sentía la necesidad de recoger la evolución que ha sufrido este arte en los últimos años y la llegada de nuevos valores”. Ahora, dice, se acerca al flamenco “de una forma más barroca, menos limpia que la primera vez”. Storaro ha convertido el set de rodaje en una efímera pinacoteca con paneles móviles que reproducen cuadros, en su mayoría de Julio Romero de Torres.

Delante de la cámara repiten los más grandes que han formado parte del espectáculo teatral ‘Flamenco Hoy’, que Saura presentó en el ciclo Los Veranos de la Villa de Madrid. Uno de ellos será Paco de Lucía, acompañados de una nueva generación de flamencos representada, entre otros, por Protagonizan los bailaores Rafael Estévez y Nani Paños, Estrella Morente, Rocío Molina, Miguel Poveda, Farruquito e Israel Galván.

Mi opinión es que puede resultar una película preciosa, aunque los films musicales de Saura son los que menos me interesan del autor, por culpa de mi poca afición a los estilos sonoros que suele retratar.

‘Mapas’

El lunes, 12 de octubre, arrancó el rodaje de ‘Mapas’, la segunda película de Miguel Angel Calvo Buttini, una road-movie en clave de comedia que supone el “estiramiento” de un corto del autor. Esta forma de crear el guión no suele ser una buena opción, pues lo que en un corto se contaba sin problema, no tendría por qué necesitar la hora y media de un largo salvo para convertirse en algo aburrido y repetitivo. Pero démosle una oportunidad, ya que hay excepciones a todo.

Fele Martínez, Lorena Vindel (ambos en la fotografía), Chus Lampreave, Ruth Gabriel, David Fernández, Leo Rivera, Mercedes Hoyos y María Alfonsa Rosso son los actores que componen el cartel.

Produce Jaleo Films, en coproducción con Salto de Eje PC, Life & Pictures y la empresa portuguesa Recycled Films. La filmación se prolongará durante 6 semanas por las carreteras de Valencia, Sevilla y el Algarve portugués.

‘Planes para mañana’

Juana Macías realiza, entre Cáceres y Madrid, su ópera prima ‘Planes para mañana’, una historia de mujeres en encrucijadas vitales que interpretan Carmen Elías, Goya Toledo y Ana Labordeta.

Macías ha definido su película como “un drama realista, en el que se suceden historias cotidianas y cercanas, que observo en la realidad, pero que no veo reflejadas casi nunca en el cine” y ha añadido que las protagonistas, cuyas edades oscilan entre los 40 y los 50 años, “tienen que enfrentarse a momentos decisivos en sus vidas y afrontar de forma diferente sus relaciones con los maridos, hijos y familiares”.

‘Planes para mañana’ se está filmando con una cámara Red One. La producción corre a cargo de Teoponte PC, Monte Film y Viernes Producciones y cuenta con distintos apoyos institucionales.

‘El Gran Vázquez’

El 18 de octubre dio comienzo el rodaje en 35 mm. de ‘El Gran Vázquez’, la nueva película de Óscar Áibar sobre el dibujante, de la que ya dimos información extensa en Blogdecine, como por ejemplo, que Santiago Segura sería el protagonista.

‘El Tesoro del Rey Midas’

Maite Ruiz de Austri dirige su quinto largometraje de animación, ‘El Tesoro del Rey Midas’, que seguirá los pasos de los protagonistas de la película ‘Animal Channel’, ganadora este año de las medallas de Platino y Oro en The Houston Film Festival.

‘El Tesoro del Rey Midas’ es en una historia de aventuras y cargada de humor, donde se mezclan el coraje y la fuerza de la amistad y donde los medios de comunicación vuelven a ocupar el primer plano. Dos reporteros de Animal Channel, la cadena de TV hecha por y para animales, se encuentran en peligro mientras realizan un reportaje para televisión en las profundidades de la Selva Horripilante. Ante esta situación, la cigüeña Cathy, el pequeño ratón Nico y el loro Lorri, renuncian a sus vacaciones para ayudar a estos dos reporteros.

‘El Tesoro del Rey Midas’ está producida por Iñigo Silva para la productora extremeña ¡Extra! Según indica Silva, la película mostrará las características y hábitos del buen periodista “el afán por descubrir y defender la verdad, la audacia, el tesón, la solidaridad entre colegas, la dedicación al trabajo, el secreto profesional, la capacidad de improvisación, la defensa del más débil frente al abuso del poder…”, además, continúa Iñigo, “entre los niños espectadores de ‘El tesoro del rey Midas’ habrá más de un reportero de TV el día de mañana.” La película cuenta con una ayuda a la producción de largometrajes de la Junta de Extremadura y, varias cadenas de televisión, entre las que se encuentra TVE, ya han mostrado su interés por adquirir los derechos de emisión.

‘El cazador de dragones’ (‘Dragoi Ehiztaria’)

Patxi Barco rueda su segunda película ‘El cazador de dragones’, que narra la historia de Gorka, militante de ETA, político militar que se enfrenta a su pasado a partir de las insistentes preguntas de su hijo menor, interesado en conocer detalles de su padre. Gorka, tras su experiencia militante en Euskadi, se incorporó junto a otros muchos internacionalistas a la lucha que durante la década de los ochenta se desarrolló en América Central. Maddalen, una enfermera implicada en aquel conflicto desde su posicionamiento de cristiana comprometida, Jose, un guerrillero de raíces indígenas y Andrés, un ex militar del ejército salvadoreño, líder de la insurrección, cruzan sus vidas, critícan sus posicionamientos y unifican sus vivencias en un trayecto vital que transformará a todos. ¿Cómo se explica a un niño que su padre mataba por solidaridad? Es la base de una larga reflexión llena de recuerdos que le provoca además las preguntas de Aitor el sorprendente hecho de que la guerrilla en la que militó acaba de ganar, veinte años después, las elecciones en El Salvador.

El largometraje estará protagonizado por Itziar Ituño (en la fotografía) y Asier Ormaza. Las labores de producción serán desempeñadas por la productora Zurriola Group Entertainment, mientras que Barton Films se ocupará de su distribución. El presupuesto del filme asciende a dos millones y medio de euros, y su rodaje se llevará a cabo en el País Vasco y Cuba. Esta producción de zurriola Group Entertainment cuenta con la participación de TVE y ETB, y está coproducida por el ICAIC de Cuba. Barton Films la distribuirá en toda España, en euskera y en castellano.

TV-movies

Además de estas películas cinematográficas, se ruedan los telefilmes ‘Las reliquias del Santo’ para TVG, y ‘Mugaldekoak’, para ETB, que también tendrá formato de serie.

Vía | Cine y Tele.

Con ‘Si la cosa funciona’ recién estrenada, ya se está poniendo en marcha el nuevo rodaje de Woody Allen, lo que no es de extrañar, debido al ritmo de trabajo que lleva el neoyorquino. El título, que hasta ahora desconocíamos, aunque tuviésemos algo de información sobre la producción, será ‘You will meet a tall dark stranger’ (conocerás a un tipo alto y oscuro).

El argumento de esta comedia dramática girará en torno a diferentes miembros de una familia, sus variadas vidas amorosas y sus intentos de solucionar sus complicados romances. Con esto, de momento, no nos dicen mucho, pero conociendo la filmografía de Allen no parece difícil hacerse una idea de cómo será el film.

El protagonista —y probablemente el desconocido alto y moreno— será Antonio Banderas, de cuya participación en el film ya habíamos informado. El malagueño estará acompañado por Josh Brolin, Naomi Watts, Anthony Hopkins, Gemma Jones, Freida Pinto y Lucy Punch. Esta última sustituirá a Nicole Kidman, actriz de la que se habló para el papel.

‘You will meet a tall dark stranger’ es la segunda producción de Mediapro con dirección de Woody Allen tras ‘Vicky Cristina Barcelona’, que también contó con la participación de Antena 3. Tras éste, Mediapro producirá los dos siguientes filmes de Allen.

El rodaje de ‘You will meet a tall dark stranger’, que se desarrolla en Londres, durará unas siete semanas. El producto terminado podría llegar a las carteleras en otoño de 2010.

Lo de rodar con actores españoles no ha resultado demasiado bien para Woody Allen… o quizá para él, sí; pero no tanto para sus fans. ‘Vicky Cristina Barcelona’ fue una cosa extraña en la que nos podíamos reír sólo de lo que no formaba parte de la película: de los desvaríos de Penélpe Cruz en español, que no estaban en guión. Hemos agradecido que volviese a Manhattan para ‘Si la cosa funciona’, una cinta mucho más redonda, a pesar de que, en cuanto a la trama, no fuese nada original.

Esperemos que en ‘You will meet a tall dark stranger’ no vuelva a influir España negativamente y que Allen consiga otro buen producto europeo. Este autor ha demostrado ser tan buen director de actores que ha sacado a veces interpretaciones magistrales de estrellas no muy buenas, así que probablemente pueda hacer algo con Banderas. Por lo pronto, lo de comedia dramática a mí me da esperanzas, ya que lo mejor de la última que se ha estrenado era, sin duda, todo lo que nos hacía reír.

Vía | Empire.

El 30 de octubre se estrena el film catalán ‘Trash’, dirigido por Carles Torras e interpretado por Oscar Jaenada, Judit Uriach, Carla Nieto, Marta Solaz, Nuria Prims y Assumpta Serna. Dos hermanas y una madre sufren sus particulares dramas: las dos chicas serán víctimas de la infidelidad de sus parejas, una de ellas, durante su embarazo. La madre pasará por una grave enfermedad.

A medio camino entre las estructuras basadas en historias cortas y la preeminencia de una trama rodeada de subtramas vinculadas, ‘Trash’ nos cuenta diferentes vidas, sin colocar a una por encima de las demás en cuanto a protagonismo, pero con una relación entre ellas tan cercana como la que suele unir a los conflictos en los planteamientos aristotélicos.

Se trata de una película de personajes y éstos están bien definidos, con personalidades y sentires individuales, con sus anhelos y sus defectos. Por este motivo, no es difícil comenzar a ver ‘Trash’ con empatía hacia lo que sucede y con la cercanía que nos brinda su realismo. Los actores, construyendo a partir de este retrato certero, desempeñan una gran labor y son, sin duda, lo más apreciable del film.

La segunda obra del director de ‘Jóvenes’ (‘Joves’) está rodada con cámara en mano y presenta un etalonaje en tonos ocres, con la saturación muy baja. Cuenta con una ambientación acertada y un aspecto general muy correcto. La música cobra un alto protagonismo, ya que uno de los personajes tiene un grupo llamado Trash y una de las actuaciones es un eje central para el desarrollo del momento dramáticamente más intenso. Algunas de las letras de esta banda hacen referencia a lo que sucede en pantalla.

‘Trash’ casi carece de desarrollo: pasa del planteamiento a un desenlace muy precipitado. Esta forma de estructurar es muy común en los cortometrajes y, por ello, la escasa hora y media de duración se percibe excesiva. El film incluye un clímax de más de cuarenta minutos que se hace cargante. Ese montaje en paralelo que trata de converger en un mismo acontecimiento, aunque en teoría pueda ser la manera más clásica de finalizar un guión de varias historias, se ve forzado. Con ello, se vuelve demasiadas veces a situaciones que no han cambiado desde que se abandonaron y se exagera la gravedad de muchos de los hechos.

La constante del sexo y de las drogas está muy presente. Valga como aviso para aquellas personas a las que estos dos elementos son lo que más les molesta del cine español. A mí nunca me pareció un defecto de la cinematografía patria, lo que sí me puede incordiar es que algo se haga repetitivo, sea lo que sea. Diríamos que en ‘Trash’ se cumple la frase mítica: “sexo, drogas y rock and roll”.

Nos quejamos habitualmente de que las comedias románticas están pasando por un mal momento porque no saben reinventarse, porque no nos dan nada nuevo o siquiera una forma novedosa de contar lo mismo. Quizá con ellas se tiene más pillado el truquillo y las estructuras se ven más claras y por ello se puede llegar a esa conclusión de una forma tan generalizada. Pero no significa que no ocurra lo mismo en otros géneros, como el drama. Y, sin embargo, éstos aún no han sido denostados por este motivo.

Este drama nos presenta las mismas situaciones y los mismos problemas humanos que cualquier otro. Nada que haya aquí es nuevo, nada nos puede sorprender. No tendría importancia si, haciendo caso a esa máxima que indica que todas las historias están contadas y que lo que las hace diferentes son sus personajes o el enfoque novedoso que le dé cada autor, encontrásemos que ‘Trash’ se aleja tanto de otros dramas similares en esos apartados. Sin embargo, éstos tampoco brillan tanto como para que el film se convierta en imprescindible. Como originalidad, quizá lo único que se halle sea el personaje del “pagafantas” aprovechado.

Correctamente rodado y ambientado, ‘Trash’ es un film que puede contentar a quienes gusten de los dramas de personajes. Y, para aquellas personas que aprecian las interpretaciones actorales por encima de otros aspectos de las películas, puede ser una buena opción.

Tráiler de ‘Trash’.

Mi puntuación:

No es difícil remontarse a aquellos tiempos procelosos de 1996, es decir, mediados de los años noventa en la tímida y siempre paupérrima industria del cine español. Tampoco hace tanto tiempo. En realidad, el panorama sigue presentándose bastante parecido, aunque quizá las apariencias puedan engañar. Yo contaba por entonces menos de dos décadas de vida, y por entonces iba al instituto. Era un pringadillo, vamos (bueno, más o menos como ahora), y oía hablar de que existía cierta película barata, filmada por un principiante en la facultad de ciencias de la información de la Universidad Complutense de Madrid, que era algo increíble.

No la ví hasta algunos meses más tarde, preguntándome si las alabanzas eran para tanto. Creo que leí en alguna parte que su productor, Jose Luis Cuerda, había afirmado que los primeros cinco minutos de esta película eran mejor que todo ‘El silencio de los corderos’. No presté atención a ese tipo de cosas e intenté verla sin prejuicios y para disfrutar. Y disfruté bastante.

Y es verdad que los cinco primeros minutos están bastante bien (como toda la película, salvo algunas arritmias graves aunque esporádicas), pero dudo mucho, y creo que cualquiera con dos dedos de frente lo duda igual que yo, que sean mejor que aquella película citada. En cualquier caso, Amenábar, con esos primeros minutos de su filmografía (que ya cumple 13 años y cuatro largometrajes más), iba al meollo del asunto sin pestañear, con su protagonista Ángela, dejándose vencer por el morbo y asomándose para observar el cadáver destozado de una suicida en el metro.

Eso de ir al grano y dejarse de rodeos es una asignatura pendiente en muchos directores, ni que decir tiene en los directores españoles, sin importar su estilo o edad. Ahí ya Amenábar, por lo menos, ganaba diez puntos respecto a muchos cineastas. Cierto es, también, que Ana Torrent, exceptuando su prodigiosa presencia en ‘El espíritu de la colmena’ u otras apariciones de los años setenta, tan lejanos ya, nunca me ha parecido una actriz especialmente interesante, y aquí vuelve a dejarme frío. Además, su personaje quiere hacer una tesis sobre la violencia en el cine, y se pone a buscar snuff movies, sin saber que violencia y salvajismo no son exactamente lo mismo.

Ángela conoce a un tipo muy feo, pero con mucha personalidad (Fele Martínez, un talento desaprovechado del cine español), y a uno muy guapo pero un verdadero pan sin sal (Eduardo Noriega, una estrella del cine español, y un actor de dotes muy limitadas, por desgracia). Digamos que inicia un viaje hacia el lado oscuro de la realidad, sospechando que el guapo es un psicópata de película norteamericana de adolecentes, y el feo tiene mucho ingenio y puede ayudarle.

No hay nada de espectacular ni de asombroso en esta historia, me temo, pero Amenábar la cuenta como si le fuera la vida en ello, sin perder el control de la historia en ningún momento, y rizándola cuando le viene en gana, haciéndonoslo pasar bastante bien entre tanto rizo y tanta trampa mil veces vista pero de nuevo efectiva. Unos diálogos ingeniosos y un crescendo bien armado terminan por cerrar bien una historia baratísima, de aspecto netamente televisivo, pero que conoció el éxito que se merecía. Ahora bien, que la encumbraran en los casi siempre olvidables premios Goya, dice mucho no tanto de ella como de esta industria.

Personalmente soy capaz de disfrutar con el cine palomitero como el que más, pero me parece peligroso encumbrarlo, como cuando se hace con ‘Tesis’ o con ‘Gladiator’, por poner dos casos extremos. Ahora bien, mientras en Estados Unidos ‘Gladiator’ venció, de manera sonrojante, a ‘Traffic’, aquí Amenábar batió a películas como la insulsa ‘Bwana’ o la magnífica ‘El perro del hortelano’. ¿Y aún me preguntan por qué prefiero, con todos sus fallos, a los premios de los festivales?

Amenábar filmó la que aún es, de lejos, su mejor película, la más redondo y la que menos distancia posee entre lo buscado y lo encontrado. Empezaría a perder el norte con su segunda película, de la que ni siquiera voy a hacer una crítica, porque la he visto dos veces y no recuerdo nada de ella (mala señal), y en la presente década ha dirigido una trilogía de la que nadie me ha dado argumentos para cambiar de mi opinión. Y mi opinión es que Amenábar no tiene nada dentro.

‘After’: después. Después de que hayan cerrado los demás bares de copas. Pero también: después de la juventud, después del matrimonio, después de la paternidad, después de que la vida de cada uno haya tomado derroteros diferentes…

La película de Alberto Rodríguez, que se estrenará el viernes, 23, explora la forma de ser de tres personas, interpretadas por Guillermo Toledo, Tristán Ulloa y Blanca Romero, que no quieren abandonar la adolescencia por mucho que ésta les haya abandonado a ellos. Tres amigos pasan una noche de juerga después de haber estado un año sin verse. El alcohol, las drogas y sus problemas individuales se combinan para que esa noche se convierta en un punto de inflexión.

Me gusta cómo está rodada ‘After’, tanto su fotografía como sus encuadres y también el diseño de producción. Presenta, asimismo, un interesante juego estructural y de perspectivas que, si bien no es la primera vez que se hace, resulta adecuado a lo que se cuenta y aporta nuevas informaciones según se van sumando los puntos de vista. La música, muy bien elegida y que aporta una atmósfera pese a que en numerosas ocasiones no es más que la banda sonora diegética, es otro elemento a favor del film. ‘After’ consigue, con todo ello, integrarte en su reflexión y transmitirte las agonías de sus protagonistas.

A pesar de que mi edad está comprendida entre la de unos y la de la otra, no me reflejo en absoluto en las actitudes o preocupaciones de los protagonistas y ni siquiera comparto la máxima en la que se basa el film: “la madurez es una invención de los adultos para justificar su mundo”. Ello no impide, no obstante, que la película me llegue y que su reflexión me parezca legítima y hasta necesaria. Iré más allá: el retrato de esta edad y de esta situación de peterpanismo se ha hecho en cine cientos de veces antes de ‘After’ (before ‘After’) y, a pesar de ello, no creo que estemos ante otro producto más, sino ante un film que vale la pena, ya que, como mínimo, da un tratamiento diferente a lo de siempre.

Es intencionado que no se produzcan evoluciones de personajes, que no haya una conclusión final en forma de moraleja, que el tiempo esté relativamente detenido y que veamos los mismos hechos repetidamente. No critico la elección, pero sí señalo la contrapartida que conlleva: el film, de dos horas de duración, tiene interés en todos sus sentidos, menos en el que se refiere a la trama. Es decir: hace reflexionar, te introduce en sus dudas, pero no entretiene.

Los actores son un elemento imprescindible para que ‘After’ funcione, pues en sus personalidades recae todo el peso de la narración. No hay nada que criticar a ninguno de ellos que, como ocurre cuando te crees mucho a un intérprete, parece que están haciendo de sí mismos. Más difícil puede ser el papel de Romero, quien lleva sobre sus hombros la única presencia femenina y quien, como en la historia, se debate o se divide entre todos los hombres presentes. Su aspecto y su sonrisa consiguen que el personaje sea atractivo a pesar de los conflictos que difícilmente logra ocultar. Los otros ligues, esposa, compañero… no pintan nada en las vidas de los tres. Quizá tienen más relevancia todos los jóvenes, apenas veinteañeros, con los que se topan en esa noche, “jo, qué noche”, que están viviendo como si fuese la última de sus existencias.

Por una vez, en lugar de quejarme de que el cine español haga siempre lo mismo, diré que esta vez ha hecho lo mismo, pero con interés. ‘After’ no es un film perfecto, ni mucho menos, pero tiene valores que le ayudan a destacar.

Mi puntuación: