Cine europeo

El Festival, apunto de echar el cierre, que se produce esta misma noche con el homenaje a Fernando Trueba, ha tenido en una de las cintas programadas para hoy un pequeño rayo de luz entre la oscuridad de una sección oficial de auténtico pánico. ‘Nothing Personal’ de la debutante Urszula Antoniak es una película muy de festival, pero al menos con una propuesta interesante y un resultado más que notable en comparación con sus competidoras.

Se trata de una película que nos retrata la soledad como opción, a través de una joven ¿antisocial? holandesa que recorre el paisaje irlandés de forma errática, huyendo de la civilización, de las personas y buscando una soledad que no sabemos si es consecuencia de algo el comienzo de un futuro. Poco importa, porque su directora, no pretende narrar hechos sino explayarse con la traslación en imágenes del verdadero sentimiento de soledad y lo que ello conlleva.

El título que abría la jornada de hoy ha puesto los vellos de punta a más de uno. Una película como ‘When Heaven Falls’ (‘Himlen Falder’) que aborda una dura historia real sucedida hace un par de años en Dinamarca y lo hace de manera desgarradora y realista, pero sin renunciar a una realización arriesgada.

Y lo es en doble sentido, por una parte al director danés de origen afgano Manyar I. Parwani no le duelen prendas al entrar en detalles escabrosos y tremebundos de una historia de incesto que hiela la sangre. Y por otro, a la hora de afrontar una narración nada convencional, que acentúa en algunos momentos el estado casi paraoico que sufre la protagonista. A base, eso sí, de colores saturados, cámara inquieta y desenfoques a ritmo de músicas diversas.

‘In the Loop’ del debutante Armando Iannucci venía precedida de excelentes críticas, algún premio y sobre todo unas enormes expectativas. Y más cuando participa en la sección oficial, donde hasta ahora los dramas y las tragedias estaban decayendo la moral de los presentes (junto a la calidad infame de algunas de ellas). Por suerte, ‘In the Loop’ ha supuesto una reconciliación con el buen cine y, de paso, ha acumulado sonoras carcajadas en la sala.

Cuenta en el reparto con actores de primera, aunque no demasiado conocidos por estos lares como Peter Capaldi, Tom Hollander o Steve Coogan, pero tan brillantes como la aparición estelar de James Gandolfini (sin olvidarnos de Anna Chlumsky, a la que se recuerda por ‘Mi chica’ con Macaulay Culkin hace ya bastantes años). La cinta está basada en la comedia televisiva de la BBC ‘The Thick of It’ (de auténtico culto, por cierto). Resulta una comedia ácida, alocada, brillante y con un ritmo tan vivo como ágil resulta cada diálogo encadenado en un ritmo endiablado. Aunque, por otra parte es clara deudora de la brillante serie mencionada, de la que traslada buena parte de sus principales valores e ingredientes.

Hoy llegaba el turno de uno de los títulos más esperados y que muy pronto se podrá ver en cines. En concreto se trata de ‘Partir’ y se estrenará el próximo viernes comercialmente. El hecho de que una directora como Catherine Corsini esté al frente de un reparto de dos actores reputados como Kristin Scott Thomas y Sergi López la cosa apuntaba, a priori, muy interesante. Si le sumamos que la película ha funcionado muy bien en la taquilla francesa, tenemos más alicientes si cabe.

La historia planteada ya nos la adelantó, así como otros detalles, el mismo Sergi López al comienzo de este Festival. Se trata de una pasional historia de amor, entre una mujer de unos 40 años que tiene una vida acomodada y burguesa, y un albañil que ha estado en la cárcel.

La jornada de hoy deparaba dos títulos bastante dispares. Una historia de amor colorista con tintes filosóficos ambientada en Noruega y Sevilla (¿?) y un drama israelí, también con historia de amor de fondo, pero bien diferente, más acentuado con sabor tremendamente trágico. Ambas dirigidas por mujeres (a las que se quiere homenajear en esta edición) y que van completando una sección oficial necesitada de un título ganador.

‘La joven de las naranjas’ dirigida por Eva Dahr tiene producción española y Sevilla es escenario de buena parte de la misma. Se trata de una adaptación de la novela del popular Jöstein Gaarder (que ha pasado por aquí para apoyar la cinta, aunque lo suyo sean los libros), que nos cuenta a través de los ojos de un adolescente un dilema sobre el amor, la búsqueda del mismo y las decisiones que nos hace tomar en la vida y que determinan su discurrir.

A veces uno llega a plantearse que oscuro impulso lleva a incluir determinados títulos en una sección oficial de un festival de cine. Lo menos que se espera de las películas que concursan es, aunque relativamente, darle esplendor y calidad al certamen. No se puede afirmar que esto ocurra con algunas cintas que hasta el momento se están viendo en Festival de Cine Europeo de Sevilla.

El ejemplo más patente de ello es ‘Men of the bridge’ (exhibida en la jornada de ayer), una coproducción entre Alemania, Holanda y Turquía dirigida por la turca Asli Özge. Un intento de reflejar la cara menos amable de un espacio como es el puente del Bósforo en Estambul, que separa la parte asiática de la europea. Por allí, entre los terribles atascos de tráfico, pululan personajes que son un fiel reflejo de la sociedad turca actual.

Mientras que la sección oficial del certamen aún espera que llegue una película que brille con suficiente satisfacción generalizada, la sección Eurimages, alternativa y con títulos interesantes, ofrece grandes momentos. Con ‘La cinta blanca’ (‘Das Weiße Band’) se cumple esa satisfacción y la ganadora de Cannes llena la sala y asombra con su brillantez.

Las películas de Michael Haneke suelen incomodar al espectador en su asiento. Es un realizador al que gusta remover conciencias y, quizás por ello, tiene muchos detractores. Pero su cine, o su forma de concebirlo, precisamente intenta que reflexionemos, hacer que el espectador no asista impasivo a una historia y se olvide de ella justo al terminar. Y, con ‘La cinta blanca’, Haneke precisamente consigue este propósito. Fiel a su estilo, pero con un madurado y más inspirado resultado, hace un ejercicio inteligente de narración poderosa, para sumergirnos en el gérmen de la violencia. Tema recurrente, por otra parte, en sus películas.

La directora suiza Ursula Meier, experimentada en documentales y televisión, estrena su primera cinta dirigida a la gran pantalla, ‘Home, ¿dulce hogar?’ (‘Home’, 2008), este viernes, 30 de octubre. La película está protagonizada por Isabelle Huppert, Olivier Gourmet, Adélaïde Leroux, Madeleine Budd y Kacey Mottet Klein, y nos presenta a una estrafalaria familia que habita en un extraño lugar donde se comienza a construir una autovía.

Se trata de un film pequeño, entrañable, con aires algo antiguos y muy europeo o también: muy de autora. Meier introduce, dentro de una realización realista y funcional, algunos interludios poéticos, donde la música cobra más fuerza y el estilo de los encuadres se hace más fijo y pausado, que son poderosos y bellos —hasta la fotografía parece mejorar en esos planos—. Una vez la narración se vuelve a poner en marcha, nos metemos en una espiral de situaciones alocadas y claustrofóbicas nada fáciles de sobrellevar.

Sin lugar a dudas, una de las cinematografías más interesantes que hay es la francesa de los años 40, y sobre todo los 50. Con la Segunda Guerra Mundial terminada hacía bien poco, sobre todo para un continente que tuvo que sufrir en sus propias carnes las consecuencias del invento más estúpido jamás creado por el hombre, Europa puso de manifiesto sus sentimientos al respecto a través de obras inmortales cuyo visionado hoy día, no sólo no han perdido ni un ápice de su valor, si no que además suponen una de las experiencias más duras que un cinéfilo pueda soportar. Muchas películas han hablado de la guerra y sus consecuencias, algunas lo hacían en plan propagandístico —gran parte de la producción de films bélicos salida de los Estados Unidos, contenían ese elemento—, y otras mostraban sin concesiones de ningún tipo el horror en grado sumo. El Neorrealismo Italiano fue probablemente el máximo exponente, con sus retratos de la dura realidad tras la contienda. Pero también Francia no se quedó atrás, y ‘Juegos prohibidos’ (‘Jeux interdits’) de René Clément, impactó de forma brutal en las audiencias de todo el mundo en 1952.

La clave estuvo en hablar sobre la infancia en tiempos de guerra. Clément contó con el elemento más horrible de un conflicto bélico: la pérdida de la inocencia de los niños, los peor parados cuando a los demás les da por pelear.