Cine europeo

Me pregunto quiénes son los iluminados que ascienden a alguien como Michael Haneke a los altares, seguro que son la misma gente que protesta por el hecho de que ‘Avatar’ gane Globos de oro echando pestes contra los premios en general, y luego alaban los concedidos a Haneke y su última película, ‘La cinta blanca’ (‘Das weisse Band – Eine deutsche Kindergeschichte’, 2009). Lo cierto es que estamos ante una de las mejores películas de tan curioso cineasta, al menos es en la que menos imbécil me he sentido pues siempre he tenido la sensación de que este tío se ríe del público. Su cine no plantea ninguna respuesta, sólo preguntas, su obsesión por el mal y los orígenes, por el ser humano y sus intrincados sentimientos de culpabilidad y remordimiento, siguen siendo sus temas predilectos. Y no digo yo que no sean de gran importancia, lo son, pero en manos de Haneke se me antojan pueriles e insatisfactorios.

Mis compañeros Juan Luis Caviaro, Jesús León y Adrián Massanet, o lo que es lo mismo, el raro, el soso y el toca cojones, estarán absolutamente emocionados con el más que cantado Oscar para esta cinta —si gana Campanella doy una fiesta—, pues la tratan como una obra maestra, en la que éste vuestro humilde servidor, más cazurro y borrego de lo que parece, ha sido incapaz de entrar. Realmente creo que el cine de Haneke es vacío por culpa de sus formulismos, esta vez el fondo —de una envergadura dramática realmente estremecedora— queda anulado por una puesta en escena que, aún tirando a clásica se pierde al sustituir la sutileza en pos de una incapacidad narrativa hasta insultante.

El viernes, 29 de enero, se estrena ‘Krabat y el molino del diablo’ (‘Krabat’), película basada en la novela de juvenil del checo Otfried Preussler, quien a su vez se inspiró en mitos y leyendas de su niñez. El libro ha vendido más de cincuenta millones de ejemplares en medio centenar de idiomas. La cinta está dirigida por Marco Kreuzpaintner y protagonizada por Daniel Brühl, David Kross —protagonista de ‘El lector’ (‘The Reader’)— y Paula Kalemberg.

Krabat es un adolescente pobre que sueña que once cuervos le reclaman, así que abandona a sus amigos pedigüeños y atiende a la llamada. Un viejo y misterioso hombre tuerto le da la bienvenida a un molino y le pregunta si quiere aprender sólo a moler harina o si quiere que se lo enseñe todo. Él acepta aprenderlo todo y se queda a vivir allí, donde descubre que tiene once compañeros de trabajo, junto con los que se ocupará del molino. Sin embargo, el comportamiento de los muchachos es extraño: guardan muchos secretos y no se atreven a hablar con las chicas del pueblo vecino. Algunas noches acuden a las clases del maestro, las cuales todavía le están vedadas a Krabat.

A principios de este mes se estrenó en España ‘In the Loop’, un film británico, donde los diálogos y las interpretaciones destacan de forma extraordinaria por encima de cualquier otro aspecto. El debutante Armando Iannucci es su director y Tom Hollander, Chris Addison, Peter Capaldi, Mimi Kennedy, Anna Chlumsky y James Gandolfini componen su elenco.

Como nos contaba Jesús León, el film está basado en la serie ‘The Thick of It’. ‘In The Loop’, que se podría traducir por “al corriente” —pero ya conocemos esta moda reciente de dejar los títulos tal cual—, nos muestra que la decisión de que el mundo entre o no en guerra recae sobre unos pocos y se toma de forma muy arbitraria e irreflexiva.

‘In The Loop’ está rodada con cámara al hombro, aunque no de forma ostentosa que haría que este recurso quedase por encima de lo que se cuenta, sino con la dosis de movimientos adecuada a los hechos. A esta opción se suma un montaje frenético para crear un ritmo trepidante en el que no se deja un momento de respiro. Si bien ésta es la característica más apreciable de la película, es exagerada, ya que podría haber venido bien algún instante de pausa para que la trama se asentase mejor en las mentes de los espectadores. Tal como está, se mueve de forma tan precipitada que te permite disfrutar de los diálogos, pero no del argumento o de la definición de los personajes.

El cine de Ken Loach ha sido en un 90% de contenido claramente político, atreviéndose a denunciar lo que otros no han sido capaces, acercando tanto su cámara a los personajes y sus desgracias, que muchas veces se nos hacía insoportable lo que Loach nos contaba, la mayoría de las veces una bofetada de verdad. Desde ‘Riff-Raff’ hasta ‘En un mundo libre…’ (‘It´s a Free World’, 2007) Loach nos ha plasmado la realidad con inusitada pericia, aunque también cayendo en la repetición. Sus últimas obras —entre las que sobresale ‘El viento que agita la cebada’ (‘The Wind that Shakes the Barley’, 2006)— empezaban a mostrar cierto cansancio formal, en las que su discurso ensombrecía buena parte del film.

‘Buscando a Eric’ (‘Looking for Eric’, 2009) supone una sorpresa dentro de la trayectoria de Loach, y aunque muchos pensarán que se ha ablandado o cae en la demagogia, lo cierto es que consigue un perfecto equilibrio entre lo que cuenta y cómo lo cuenta. Con ramalazos de realismo mágico, y más esperanzador que nunca, Loach firma, a juicio de quien suscribe, su mejor trabajo hasta la fecha, consiguiendo lo que hasta ahora no había logrado: que salgamos del cine con una sonrisa.

La gala de la 22ª edición de los Premios del Cine Europeo 2009 tuvo lugar en la ciudad alemana de Essen. Hasta allí se fue el centro de atención del cine de viejo continente y allí se presentaron tanto estrellas como reputados directores para asistir a la entrega de premios de la Academia Europea del Cine.

Y en la ciudad alemana hubo un vencedor: Michael Haneke. El realizador que partía entre los favoritos con la que puede ser su mejor película, la aplaudida y sobrecogedora ‘La cinta blanca’. Tenía como principal rival otra película vitoreada durante este año como era ‘Un profeta’ del francés Jacques Audiard. Pero, Haneke se terminó imponiendo y llevándose a casa los premios a la mejor película, mejor dirección y mejor guión.

El bestseller ‘La elegancia del erizo’, de Muriel Barbery, tiene su versión fílmica en ‘El erizo’ (‘Le hérisson’), de Mona Achache, que se estrena mañana, 11 de diciembre, medio año después que en Francia.

Josiane Balasko, Garance Le Guillermic y Togo Igawa protagonizan este drama, con algún toque cómico, en el que se narran dos historias con una mínima ilación entre ellas. Por un lado, está Paloma, que rueda una película sobre quienes le rodean con una vieja cámara de cine, mientras espera el día de su duodécimo cumpleaños para suicidarse. Por otro está la portera del edificio donde habita Paloma, una mujer cincuentona que oculta una gran cultura tras su aspecto huraño y que verá su vida cambiada cuando un nuevo inquilino, un atractivo e inteligente señor japonés, se dé cuenta de su belleza interior.

El personaje de Renée Michel, la conserje, es lo más apreciable de ‘El erizo’, a lo cual contribuye en gran medida la interpretación de Balasko. La mujer, con su actitud pasiva, implica más de lo que parece decir, y funciona como la única forma de enganche a la película, gracias al atisbo de empatía que despierta. Su transformación o sus reacciones ante las situaciones que van surgiendo revisten algo de interés y el misterio que supone su ser en general, aunque esté muy forzado, nos crea un mínimo de curiosidad. Kakuro Ozu es otro personaje con valía por su actitud tan enigmática, su manera de sonreír y su dulce forma de hablar. Para todo ello, de nuevo, suponemos que el mérito estará más que nada en el actor: Togo Igawa.

Iniciamos hoy un ciclo dedicado al vampirismo en el cine. En él repasaremos las más importantes obras —y alguna más no tan importante— de un tipo de films que, enmarcados en el género de terror, han hecho las delicias de millones de aficionados a lo largo de las décadas. Procuraremos seguir un orden cronológico, y los títulos elegidos evidentemente quedan a juicio de un servidor. Empezamos con una cita obligada para todo cinéfilo que se precie, una cinta que está considerada como una de las cumbres del género, y dentro del cine vampírico, como la más alta cota jamás alcanzada. No sólo eso, ‘Nosferatu’ (‘Nosferatu, eine Symphonie des Grauens’, F.W. Murnau, 1922) es una de las películas más influyentes de todas cuantas se han realizado.

La sombra de su poder se extiende hasta nuestros días, no sólo a la hora de representar la figura del vampiro, sino también en la creación de una atmósfera en donde lo real y lo irreal se dan la mano en perfecta comunión. F.W. Murnau, cuya repentina y curiosísima muerte, fue uno de los grandes pioneros del cine, alguien sin el cual no podría entenderse absolutamente nada del séptimo arte. El gran François Truffaut —nota mental: hacer un especial sobre él— emitió una terrible sentencia en su día, y es que según él, los cineastas deberían aceptar la idea de ser juzgados,en un futuro, por críticos que desconociesen la obra de Murnau. Me temo que falta muy poco para que Truffaut tenga toda la razón del mundo.

‘Micmacs à tire-larigot’ es el título de la nueva película del director Jean-Pierre Jeunet (‘Delicatessen’, ‘Amelie’), cinco años después de su último trabajo, ‘Largo domingo de noviazgo’. Tras anunciar el inicio del rodaje, hace un par de años, no habíamos comentado nada más sobre esta interesante producción, aunque ya hace tiempo que aparecieron varios avances en la red. En esta entrada podéis echar un vistazo al tráiler completo, de apenas dos minutos, que da una idea bastante clara de cómo va a ser la película. Más abajo tenéis una serie de teasers, de 30 segundos cada uno, donde se nos presentan a los diferentes personajes principales. Puro Jeunet.

¿Qué es preferible? ¿Vivir con una bala en el cerebro, que puede matarte en cualquier momento, o que te la extraigan y que puedas quedar en coma el resto de tu vida? La historia de ‘Micmacs à tire-larigot’ gira en torno a Bazil, que accidentalmente recibe un disparo en la cabeza, hecho al cual sobrevive. Pero en lugar de curar su herida y descansar, Bazil decide vengarse de la industria armamentística, que fabrica balas como la que casi le quita la vida. Dany Boon, André Dussollier, Nicolas Marié, Jean-Pierre Marielle, Yolande Moreau, Michel Crémadès y Dominique Pinon, entre otros, encabezan el reparto. La película se ha paseado por varios festivales y ya se ha estrenado en Francia y Grecia; en enero llegará a los cines de Inglaterra y Alemania… ¿la veremos algún día en España? Ojalá.

En 1927, Walther Ruttman, pintor de profesión, rodó el documental ‘Berlín sinfonía de una ciudad’ (‘Berlin: Die Sinfonie der Grosstadt’), a partir de de un guión suyo y de Karl Freund, que a su vez se basaba en una idea de Carl Mayer. Se trata de un film mudo, concebido para ser acompañado por una partitura de Edmund Meisel que estuvo desaparecida durante décadas. Aunque se recuperó en 2007, todavía circulan copias con una banda sonora alternativa, compuesta posteriormente para el film.

Narrativamente documental, ‘Berlín sinfonía de una ciudad’ es, no obstante, un film muy elaborado y cargado de intervenciones del autor en lo estético: encadenados y otros efectos de truca se suman a una fotografía cálida en su blanco y negro y una diversidad de encuadres y movimientos de cámara, para mostrarnos una visión muy personal y muy moderna para su época. Estos juegos con la imagen suponen el valor que más ha pervivido de la película y la convierten en una curiosidad que no tendría que perderse en el olvido. Por algo fue precursora de otros films y marcó un hito como aportación experimental.