Cine europeo

La Academia Europea de Cine o European Film Academy ha convocado la 24ª edición de los European Film Awards, en los que 32 países están representados y 45 films han sido preseleccionados para que, de entre ellos, se elijan los nominados a estos premios del cine europeo 2011. El 5 de noviembre, se darán a conocer, durante el Festival del Cine Europeo de Sevilla, las películas seleccionadas. Las definitivamente premiadas en cada una de las categorías se anunciarán el 3 de diciembre en Berlín. Desde aquí hasta entonces, los 2500 miembros de esta academia votarán por las cintas que consideran que deben estar entre las nominadas.

Cuatro son las producciones españolas que, por el momento, tienen posibilidades de estar entre las que competirán por uno de estos premios europeos. A la sazón, ‘La piel que habito’, de Pedro Almodóvar; ‘Pa negre’, de Agustí Villaronga; ‘También la lluvia’, de Iciar Bollain, y ‘Balada triste de trompeta’, de Álex de la Iglesia. No sabría con cuál de ellas me quedaría y tampoco podría reprochar que se hayan dejado alguna que me parezca mejor sin elegir. La catalana me parece un drama excelente, con grandes interpretaciones, pero personalmente no me dice nada en especial. A las otras tres entiendo que se les encuentren defectos o incluso, en el caso de las dos dirigidas por hombres, momentos de pleno despropósito que provoquen el odio o el rechazo total, pero cada una de ellas, tiene, en mi opinión, virtudes que la convierten en un producto único y muy destacable y momentos enormes.

Entre las elegidas del resto de los países, se encuentran ‘El discurso del rey’, de Tom Hooper; ‘Melancolía’, de Lars Von Trier; ‘En un mundo mejor’, de Susanne Bier; ‘Le Havre’, de Aki Kaurismäki; ‘Pequeñas mentiras sin importancia’, de Guillaume Canet; ‘Habemus Papam’, de Nanni Moretti; ‘Neds’, de Peter Mullan, ‘Drei’, de Tom Tykwer; ‘Cirkus Columbia’, de Danis Tanovic, o ‘Essential Killing’, de Kerzy Skolimowski.

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Hablando ayer de la película ‘Neighborhood Watch’ surgió en comentarios otra película que, por lo pronto, parece mucho más interesante. Se trata de ‘Attack the Block’, una comedia dirigida por Joe Cornish, que se estrenó en Reino Unido en mayo de este año y que se estrenará en nuestro país, en salas de cine, el 9 de diciembre de 2011, tras pasar por Sitges en competición.

Está protagonizada por Nick Frost, el inseparable compañero de Simon Pegg en ‘Spaced’, ‘Zombies Party’, ‘Arma fatal’ y ‘Paul’. Junto a él, aparecen Jodie Whittaker, John Boyega, Luke Treadaway y Adam Leese.

La película nos sitúa en un bloque de viviendas sociales de un suburbio del sur de Londres, en el que habita una pandilla de adolescentes problemáticos, que tendrá que combatir una invasión extraterrestre.

Lo que más interesante me parece de la película es que la hayan ubicado en uno de esos problemáticos “projects” que, de por sí, dan suficiente miedo sin necesidad de alienígenas, como se demostró hace poco con los disturbios. Por supuesto, la presencia de Frost también atrapa mi interés, así como el aspecto de su realizaación, que parece dinámico y actual.

La banda sonora es de Steven Prince y Felix Buxton y de Simon Ratcliffe, de Basement Jaxx.

Vía | Página web oficial.

Gracias a Jemoen por su comentario, y a Filmman por colgarlo en Respuestas.

Aprovechando que estamos en pleno especial sobre el genio sueco Ingmar Bergman, para muchos el director más importante de la historia del cine, he encontrado un antiguo documental de veinte minutos en el que el célebre director neoyorquino Woody Allen es entrevistado por Mark Kermode acerca de su pasión, muchas veces comentada por él, hacia todo el cine de sueco en general, y hacia la fascinante personalidad (creativa e íntima) del maestro en particular. Allen, gran cinéfilo, hace un repaso rápido pero no por ello menos lúcido a las constantes y a las películas que más le han marcado de Bergman, muchas de las cuales han dejado huella en su propio cine.

Particularmente, y no creo descubrir ningún Mediterráneo con esto, encuentro esa huella sobre todo en ‘Recuerdos’ (‘Stardust Memories’, 1980), ‘Septiembre’ (‘September’, 1987), ‘Otra mujer’ (‘Another Woman’, 1988) y ‘Sombras y niebla’ (‘Shadows and Fog’, 1991). Allen nació en el seno de una aburrida familia judía y se distraía, como adolescente curioso, con el cine europeo y asiático que llegaba a su ciudad, sobre todo el de Bergman, Fellini y algunos maestros japoneses. Cuando por fin se hizo director, pudo ofrecer su particular homenaje a ese cine, si bien creo que Allen, en su irregular carrera y pese a su incuestionable magisterio en la dirección de actores, está unos cuantos cuerpos por detrás, como artista, de Bergman. Pero merece la pena echarle un vistazo a este video. Abajo, la segunda parte:

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El cine francés fue un cine nacido tras los poetas y las imágenes de Lumiére podrían sostener, perfectamente, esta tesis. La tradición previa a la Nouvelle Vague está hecha (o centrada) en el surrealismo experimental de un francés exiliado, forjado en las obras maestras Jean Renoir e inmejorablemente acompañado por la vanguardia liviana y feliz de las películas de Sacha Guirtry (la influencia de Marcel Carné fue más ética, me temo, aún quedando hondura en sus trabajos).

Jorge Luis Borges escribió que Blaise Pascal era un poeta perdido en el espacio y en el tiempo (lo hizo en el memorable Otras Inquisiciones). Eric Rohmer abre esta película con una cita de Blaise Pascal, seguramente porque es honesto y también porque quiere acometer una audacia mejor, la de saberse un gran lector de las tesis del francés, un gran defensor del cristianismo. Es curioso que el francés sea un cineasta de errores fundamentales y presente a héroes tan heridos, digo que es curioso porque Pascal fue un gran defensor de la sabiduría del corazón.

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Al contrario que el héroe de Neruda, al protagonista de ‘El amor después del mediodía’ (‘L’amour l’aprés midi’, 1971) sucede que no se cansa de ser hombre y en cada esquina, en cada cafetería, en cada cine, no deja de oler el dulce lirisimo de toda mujer (bella, claro), pero no es lujuria sino la confortable sensación de habitar el mundo, un sitio, París, en el que hay tantas mujeres que pueden tensar metafísicamente el pensamiento sin convertir al protagonista, parece, en presa del deseo. Pero esto es una película de Eric Rohmer, ironista supremo, y, por supuesto, su héroe nos está mintiendo, aunque no de la manera que esperamos, una manera literal y sencilla, sino de una manera compleja, deliciosa y juguetona.

Porque el cine de este francés es, casi únicamente, un cine de hablar y divagar y ver como las palabras diluyen picardías y sutilezas, pero no debe eso convertirnos en ignorantes de su exquisito y sobrio estilo, de su idea de la composición, de su tradición y sus aparentemente férreas reglas para dirigir. Forma parte el francés de esa irrepetible generación de críticos-cineastas que cambiaron el mundo y el lenguaje del cine al menos dos veces: primero con la insolencia de escribir, no por vez primera como muchos creen pues tal mérito correspondería a Manny Farber, sobre cine como críticos y no como espectadores, como si el cine fuera un arte no ya importante sino digno de tal importancia, con una formación artística (e intelectual) que ha generado una de las mejores revistas de mundo, todavía hoy, Cahiers du Cinema y una forma de pensar las películas más allá de ese gesto sencillo que es la reacción emocional tras la película.

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Menuda pareja. La impecable Helen Mirren y el alocado Russell Brand han provocado algunas risas al respetable antes de presentar el Oscar a la mejor película extranjera o de habla no inglesa. Ése que no le importa a nadie en Estados Unidos, al parecer… Y el premio no ha sido para ‘Biutiful’ de Iñárritu y Bardem, la representante de México (con participación española), como todos esperábamos.

La vencedora ha sido la danesa ‘En un mundo mejor’ (‘Hævnen’), de la directora Susanne Bier, que se ha mostrado muy emocionada al recoger el premio. Habrá que verla.

Estamos pendientes de los Oscar como si los estadounidenses fuesen los únicos que hiciesen cine o los únicos que entregasen premios. Anoche, no obstante, se dieron a conocer los premiados en la trigésimo sexta gala de los César, lo galardones que entrega l’Academie des Arts et Techniques du Cinéma de Francia.

‘De dioses y hombres’ (‘Des Hommes et des Dieux’) una película sobre el asesinato sin resolver de siete monjes franceses durante un brutal conflicto civil en Argelia en los años ’90, se llevó el César a la Mejor película, así como el de Mejor Actor Secundario para Michael Lonsdale y el de Mejor dirección de Fotografía para Caroline Champetier.

En el premio a Mejor Película, la de Xavier Beauvois —en la fotografía, junto con Roman Polanski— competía contra ‘Los seductores’ (‘L’arnacoeur’), de Pascal Chaumeil; ‘Gainsbourg (‘Vie Heroïque’), de Joann Sfar; ‘Mammuth’, de Benoît Delepine y Gustave Kervern; ‘Le nom des Gens’, de Michel Leclerc; ‘El escritor’ (‘The Ghost Writer’), de Roman Polanski, y ‘Tournée’, de Mathieu Amalric.

Estas cintas, a pesar de todo, no se fueron de vacío: ‘El escritor’ (‘The Ghost Writer’) obtuvo el César a Mejor Director, para Roman Polanksi, el de Mejor Guion Adaptado, Mejor Montaje y Mejor Música. ‘Gainsbourg (‘Vie Heroïque’) se llevó el premio a la Mejor Opera Prima, al mejor sonido y al mejor actor, para Eric Elmosnino. ‘Le nom des Gens’, se ha ido con la estatuilla a la mejor actriz para Sara Forestier y la del mejor guion original.

La mejor película de animación es ‘El ilusionista’ (‘L’illusionniste’), de Sylvain Chomet, producida por Marc Lacan. Y el mejor documental, ‘Océanos’ (‘Océans’), de Jacques Perrin y Jacques Cluzaud.

La mejor película extranjera fue ‘La red social’ (‘The Social Network’), de David Fincher. Quentin Tarantino se llevó el César honorífico a toda su carrera.

Vía | Les César du Cinéma, donde se pueden ver todas las candidatas y todas las premiadas.

Pido disculpas por la tardanza en publicar la resolución de los Premios BAFTA, que se entregaron el mismo día que nuestros Goya y cuyas nominaciones ya había publicado.

Como era de esperar, ‘El discurso del rey’ ha sido la gran triunfadora, al conseguir siete de los catorce premios a los que había sido nominada: mejor película, película británica más destacada, mejor guion original, actores principal (Colin Firth, en la fotografía) y de reparto, actriz de reparto y música original.

David Fincher fue premiado como mejor director por la película ‘La red social’. ‘Cisne negro’, que optaba a un total de doce galardones, se llevó únicamente el de mejor actriz para Natalie Portman. ‘Origen’ consiguió tres premios BAFTA. ‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’ fue considerada la mejor cinta extranjera.

He comentado infinidad de veces que, aunque la considero más que correcta, no me entusiasmó ‘El discurso del rey’, así que poco más necesito añadir sobre estas decisiones de la academia británica, salvo que, al menos, lo entiendo mejor al tratarse de una película suya, de lo que lo entenderé cuando le entreguen numerosos Oscar.

Aquí se puede consultar la lista completa de ganadores a los BAFTA.

Paralelamente al ciclo Western, que será tratado con asiduidad en estas páginas, empezamos hoy un repaso a casi la mitad de la obra de unos de los cineastas más originales e influyentes que ha tenido el séptimo arte en toda su existencia, y eso que hablamos de alguien que sólo dirigió siete películas. Sergio Leone es su nombre, e imagino que no necesita presentación para muchos de vosotros. ‘Hasta que llegó su hora’ (‘C’era una volta il West’, 1968) supone una de las cotas más altas alcanzadas en su cine, la primera entrega de una trilogía, no intencionada en principio, que habla sobre la historia de los Estados Unidos. Tres películas, conformadas por las posteriores ‘Agáchate, maldito’ (‘Giù la testa’, 1971) y ‘Erase una vez en América’ (‘Once Upon a Time in America’), y que tardaría la friolera de 16 años en ver completada en contraposición a la previa Trilogía del dólar, que le llevaría tres años de su vida, reportándole fama, dinero y prestigio.

Resulta cuanto menos curioso la evolución de Leone, teniendo en cuenta el éxito de sus tres spaghetti westerns con Clint Eastwood. De ‘Por un puñado de dólares’ (‘Per a pugni di dollari’, 1964), por la que cobró mal y tarde, a la opulencia del presente film, en el que tuvo libertad absoluta. Sin embargo, hay que señalar que Leone no quería hacer un western, pues consideraba que ya lo había dicho todo sobre el género —prácticamente lo había reinventado—; su proyecto más querido era realizar la adaptación de una novela titulada ‘The Hoods’, que años más tarde se convertiría en el mítico film protagonizado por Robert De Niro. La Paramount le prometió a Leone financiar la filmación del ansiado film a cambio de que aquél rodase otro western. Por supuesto, y ya con dinero americano, la presencia de Clint Eastwood era otra de las condiciones.

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