El 16 de mayo (14 para los madrileños, que tenemos otro puente) se estrena lo último de Claude Chabrol: ‘Una chica cortada en dos’ (‘La fille coupée en deux’), protagonizada por Ludivine Sagnier, Marie Bunel, François Berléand y Benoît Magimel. En ella se cuenta la historia de Gabrielle de Neige (Nieves en los subtítulos), una presentadora del tiempo que se topa con un escritor mayor que su madre. Al mismo tiempo, Gabrielle conoce a un rico heredero, Paul, que se enamora inmediatamente de ella. Ambos hombres la invitan a salir y, mientras ella coquetea con los dos, de quien de verdad está enganchada es del mayor.

Claude Chabrol lleva dirigiendo cine desde finales de los ‘50. Comenzó con un film que le dio gran fama, ‘El bello Sergio’ (‘Le Beau Serge’, 1958), anterior a la irrupción de la Nouvelle Vage. Ya más adelante, hizo uno de los episodios de ‘París visto por’, donde sí compartió cartel con los directores más emblemáticos de este movimiento. Entre sus títulos se encuentran ‘El tigre se perfuma con dinamita’, ‘Las ciervas’, ‘Las infieles’, ‘El carnicero’, ‘Relaciones sangrientas’... También ‘Nada’ o ‘Inocentes con manos sucias’, ambas según las novelas negras del espléndido Manchette. Más tarde llegarían ‘Un asunto de mujeres’, magnífica cinta sobre el aborto que huye de todo maniqueísmo; ‘El infierno’, ‘La ceremonia’… donde quizá alcanza su mayor brillantez en un tipo de historias en el que ya se mantiene hasta ahora.

En esta década ha estrenado trabajos con mayor o menor acierto. Encontré impresionante ‘Gracias por el chocolate’, pero ‘La dama de honor’, no me pareció que transmitiese bien esos sentimientos extraños tan bien retratados habitualmente por Chabrol. Y ‘Una chica cortada en dos’ se queda en la parte de las que encuentro menos acertadas, aunque es más interesante que ‘La dama de honor’.

Lo primero es que vuelve a tratar ese tema tan querido por los cineastas franceses de la joven y el viejo, una fantasía masculina que aquí se lleva al extremo cuando la chiquilla no sólo está dispuesta a cometer todo tipo de actos depravados con el hombre, sino que además, lo ama. Esto que añade al disfrute gratuito del señor un enorme regalo para su ego. Y claro, supongo que quienes estén en esa edad y sean hombres disfrutarán mucho de estos films que les hacen creer que esa fantasía puede ser verdad.

No comento esto con la única intención de hacer una reivindicación feminista, que también, sino más que nada para tratar de encontrar los motivos por los que ‘Una chica cortada en dos’ no ha funcionado desde mi punto de vista. Y es que justo por aquí va el problema: no percibo la más mínima credibilidad en el sentimiento del personaje de la joven hacia el viejo y, al no creerme sus sentimientos, no puedo tener empatía con ella. Y, si no hay empatía, el argumento entero carece de interés. Pero no es sólo la cuestión de que ella sea joven y él, viejo. Se podrían haber introducido muchísimas motivaciones diversas que harían que nos pareciera creíble incluso con la diferencia de edad. El problema es que no hay nada que nos lleve a pensar que ella puede sentirse así. Si se supone que se engancha de él porque la rechaza o porque le enseña cosas sucias, eso ocurre ya más tarde. Su primer interés no está justificado. Pero incluso mientras vamos viendo cómo avanza la relación, esos sentimientos no se nos transmiten. Se nos dice que ella se siente así, pero no lo percibimos con autenticidad.

De los tres vértices del triángulo amoroso, quizá el único que funciona es el del joven, Benoît Magimel, que interpreta a un rico heredero que no tiene oficio (pero sí mucho beneficio) y que cree que se ha enamorado de la joven. Incluso aunque su encaprichamiento sea mucho más rápido y absurdo de lo normal, sí vemos en él una especie de amour fou que podemos considerar verdadero. Pero en los otros dos actores no se percibe nada. Y no es cuestión de que no hagan bien su trabajo, ya que considero que Ludivine Sagnier está magnífica interpretando a esa joven completamente egoísta y seductora. Pero es quizá una mala elección de los rostros lo que hace que no conjuguen bien para estos roles y que no veamos nada de auténtico en lo que se supone que se nos está mostrando.

Puede haber parte de culpa en el guión: Chabrol nos lo muestra todo como fait accompli –hoy me he puesto pedante, pero es que los personajes de la película lo son muchísimo—. Me explico: conocemos a los personajes y ya directamente tenemos que adivinar que son personas que tienen esos sentimientos depravados o retorcidos sin que se nos hayan presentado así. Creo que el autor ha confiado demasiado en que los espectadores están dispuestos a entrar en estas presuposiciones con tal de disfrutar de una historia de las que se muestran tan suyas. Pero no habría hecho daño que nos hubiese hecho ver esas personalidades, en lugar de simplemente comunicarnos que los personajes son así. Se puede hacer el esfuerzo de creerlo como acto de fe, pero el efecto de creerse algo de esa manera nunca será equivalente al de haberlo comprobado por uno/a mismo/a. La empatía con toda la película sería mucho mayor si lo hubiésemos visto.

‘Una chica cortada en dos’, tal como expresa su título, como se ha hecho creer en las sinopsis –y como se expresa con una metáfora deliberadamente obvia en la escena final—, parece que querría contar la historia de una joven que no sabe bien con qué carta quedarse o a cuál de los dos hombres de su vida elegir. Sin embargo, no hay ninguna división en el corazón de esta mujer porque ella lo tiene muy claro: ella sólo quiere al viejo y al joven le hace caso únicamente por despecho. Para que nos creamos que a ella no le interesa el personaje de Magimel, se intenta presentar de forma negativa, como un mimado sin personalidad. Pero esto sólo se hace en algunas ocasiones y en otras es un hombre más cabal y sensato que el escritor y que la protagonista juntos. Y, por otro lado, si el problema son esas fallas de su personalidad, también el mayor las tiene. Esto, además de ser poco verosímil, no es acertado porque impide que veamos a esta mujer ante una decisión difícil de tomar. Aunque se hubiese hecho creíble el que a ella sólo le interesa el escritor, seguiría siendo más interesante como conflicto psicológico que sintiese atracción hacia los dos.

Lo mejor de la película es el retrato social. Decía que los personajes eran pedantes. El viejo es un escritor que crea libros titulados, por ejemplo, ‘La ausencia de Penélope’ y que lo único que sabe hacer es citar frases de otros. En definitiva, es inaguantable –por ello decía lo de que no es creíble que a ella le interese en un principio—. Es maravilloso el retrato que se hace de un entrevistador de un programa teóricamente cultural al que acude este escritor. El presentador no sólo no tiene ni idea de lo que está preguntando, sino que además se las da de listo. También la parodia de programa en el que trabaja la joven es un perfecto reflejo de la estulticia de algunos espacios televisivos actuales. Del mismo modo, la familia del niño rico está muy bien seleccionada y hacen sus papeles de maravilla. Sin embargo, tiene otros personajes, como la madre de la presentadora, que no están nada bien retratados, parecen muñecos sin opiniones ni sentimientos.

En definitiva, ‘Una chica cortada en dos’ es una película que tenía la posibilidad de mostrar grandes dilemas morales, mentes retorcidas, enganches psicológicos que rozan la enfermedad mental, etc… pero que, en mi opinión, no consigue transmitir nada de esto. Sabemos que está ahí porque se nos dice, pero no lo sentimos.

En Blogdecine | Póster y tráiler de ‘Una chica cortada en dos’.

‘The Edge of Love’, protagonizada por Keira Knightley, Sienna Miller, Matthew Rhys y Cillian Murphy, narra la biografía del poeta Dylan Thomas. Durante el rodaje, llevó como título ‘The Best Time of Our Lives’. Está dirigida por John Maybury, que recientemente ha sido noticia porque va a realizar una nueva adaptación de la novela de Emily Brontë ‘Cumbres borrascosas’. Maybury ya dirigió a Knightley en la insulsa ‘The Jacket’.

Del poeta galés hace Matthew Rhys, mientras Sienna Miller interpreta a su esposa, Caitlin MacNamara. Knightley y Murphy dan vida a un matrimonio amigo, Vera Phillips y William Killick, respectivamente. También tiene un papel la cantante Lisa Stansfield como Ruth Williams. Alastair Mackenzie y Camilla Rutherford son otros de los intérpretes.

Vera y Dylan habían sido amantes cuando eran adolescentes y cuando se reencuentran, diez años después, él vive de su esposa Caitlin mientras escribe guiones para películas de propaganda para el gobierno. Vera es una cantante que se casa con su admirador, William Killick. A William lo envían al extranjero y Vera, embarazada, vuelve junto con Dylan y Caitling. Ésta, aunque entiende la rivalidad que supone Vera, se lanza a una peligrosa amistad con ella.

El guión ha corrido a cargo de la dramaturga Sharman Macdonald, madre de Knightley.

En el Reino Unido tiene previsto su estreno para el 27 de junio.

A continuación podéis ver una galería de imágenes.

‘The Edge of Love’

(Haz clic en una imagen para ampliarla)

Más información en Blogdecine sobre ‘The Edge of Love’ y John Maybury.

Fuente | IMDB.

Cuando se estrenó en España la película anterior de Rachid Bouchareb, venía acompañada de una importante reputación: obtuvo el César al Mejor Guión, el premio de Cannes a las mejores interpretaciones masculinas para los cinco protagonistas y otros premios. Pero la distribuidora nos la trajo con un título inglés, ‘Days of Glory’, cuando el film es francoargelino y su título real es ‘Indigènes’. A lo mejor hay una razón para ello que no sea el márketing, pero si no la hay, me parece una decisión equivocada: o bien lo traducen para que en los países de habla no francesa lo comprendamos, “Indígenas” u otro título de los que se inventan aquí, pero español; o bien lo dejan en un idioma extranjero, pero en el suyo, no en un idioma que ni es el del país donde se estrena, ni es el del lugar donde se ha hecho la película, ni el que hablan sus personajes. En fin, cosas como ésta se hacen cada dos por tres.

Esta vez han tenido suerte, Bouchareb ha decidido centrar su próximo film en el Reino Unido y, ahora sí respondiendo a una lógica, él mismo le ha dado un título inglés: ‘London River’, así que no tendrán que hacer otra traducción como la anterior.

‘London River’ tratará sobre las consecuencias directas del cuádruple atentado ocurrido en Londres el 7 de julio de 2005 y que reivindicado por las brigadas Abou Hasf-Al-Masri, afiliadas a Al Qaeda.

Dos de los intérpretes serán Brenda Blethyn y Sotigui Kouyate, en los papeles de Elisabeth y Ousmane, respectivamente, dos extranjeros que llegan a Londres para buscar a sus hijos desaparecidos y descubren que vivían juntos durante el ataque.

‘London River’ estará financiada por las cadenas de televisión Arte y France 3. En un primer momento, se había proyectado como una tv-movie pero la fuerza del guión de Bouchareb ha convencido a los productores para hacerle los honores de un estreno en la gran pantalla. Cuando el director termine su labor de jurado en el Festival de Cannes, comenzará el rodaje, que está previsto para el 28 de mayo.

El director franco-argelino, se dio a conocer en 1995 con ‘Poussières de vie’. Después de ‘London River’, Rachid Bouchareb realizará ‘Outside the law’, la continuación de ‘Indigènes’, que tratará sobre las manifestaciones parisinas a favor de la independencia argelina tras la II Guerra Mundial. Y, claro, esto de ponerle un título inglés directamente echa por tierra toda mi protesta, ¿no se debería llamar “dehors de la loi” u “hors-la-loi”? Alguna razón tendrá, ya lo averiguaremos cuando se estrene.

Más información en Blogdecine sobre ‘Days of Glory’ o ‘Indigènes’ y sobre ‘Rachid Bouchareb’.

Fuente | Allo Cinèma.

El francés Gérard Jugnot es actor guionista, productor y director de cine. En nuestro país encontró la fama gracias a la película ‘Los chicos del coro’ (‘Les Choristes’, 2004) de, Christophe Barratier. Se trataba de la eterna historia de niños rebeldes y profesor bueno que tenía algún momento entrañable, pero que triunfó más por la música (el CD se vendió como churros) que por sus cualidades cinematográficas.

Posteriormente nos llegó un film dirigido por él con anterioridad: ‘Monsieur Batignole’ (2002), en el que hacía el personaje que da título a la película. En mi opinión estaba mejor que la más famosa, ‘Los chicos del coro’, pero también era un tanto optimista de más o, peor aún, un tanto blanda, pero sólo en ocasiones. Tratando de hacer una especie de ‘La vida es bella’ al poner niños en una situación de guerra, se quedó en una película simpática.

Recientemente se ha estrenado en nuestro país ‘Tenemos un problema gordo’ (‘Boudu’ 2005), de la que también es autor. El film estaba protagonizado, además de por el propio Jugnot, por Gérard Depardieu y por Catherine Frot, actriz que durante esa época estaba viviendo una etapa de esplendor, con papeles protagonistas como el de ‘Odette’, pero que donde resultaba magnífica era en ‘Como en las mejores familias’. ‘Tenemos un problema gordo’ era un film agradable que iba ganando en humor según avanza, al contrario que en muchas otras comedias que lo pierden a medida que profundizan en la trama; pero no presentaba ninguna originalidad.

Un poco antes nos llegó ‘Nunca digas nunca’ (‘Il ne faut jurer de rien!’, 2005), dirigida por Eric Civanyan. En este caso, aunque de ella también se podía decir que era agradable, la curva se dibujaba al revés: el planteamiento era bueno y la película comenzaba con ritmo y la promesa de una comedia romántica de época que funcionase en todos sus aspectos. Pero poco a poco iba decayendo y, ya que no veías a los personajes enamorados, el final resultaba forzado y carente de emoción. Por lo tanto, el film tenía un buen inicio y unos actos segundo y tercero decepcionantes.

Este mes, Gérard Jugnot rodará coproducción franco-española ‘Rose et Noir’, que produce por parte nacional Flamenco Films y por parte francesa Les Films Manuel Munz y Novo Arturo Films. ‘Rose et Noir’ (rosa y negro) obtuvo una ayuda de las que concede el fondo Eurimages y contará con la financiación de France 2 Cinéma y France 3 Cinéma. El filme iniciará su rodaje este próximo lunes, 12 de mayo, en Andalucía, en donde permanecerá durante siete semanas. De ahí se trasladará posteriormente a Francia.

Se tratará, una vez más, de una comedia de época. Esta vez tendrá lugar en España durante el siglo XVI. La historia sigue a un gran costurero francés que es enviado a nuestro país con su equipo para los preparativos de una boda real. La expedición se convertirá en un choque intercultural entre una Francia libertina y una España dominada por la Inquisición. Estos choques culturales suenan mucho a los álbumes de viajes de Astérix, no en balde, Jugnot había tenido la idea de adaptar al cine ‘Astérix en Hispanie’.

En el reparto, además del propio Gérard Jugnot, se encontrará Stéphane Debac (‘Modern love’, ‘Una chica cortada en dos’ y ‘The Happening’, de M. Night Shyamalan), Bernard Le Coq y Patrick Haudecoeur. Estos tres intérpretes serán quienes formen parte del equipo del costurero.

La única española de las premiadas por Eurimages es ‘Bon Appetit’, de David Pinillos.

Más información en Blogdecine sobre Gérard Jugnot.

Fuente | Cinèma France.

‘La isla de las almas perdidas’ narra la historia de Lulú (Sara Langebæk Gaarmann), una chica de 14 años que acaba de mudarse con su madre y su hermano a un pueblecito de la costa. Se aburre tanto que ruega para que ocurra algo, lo que sea. Pero hay que tener cuidado con lo que se desea… De repente, el hermano pequeño de Lulú es poseído por el espíritu de un hombre que luchó contra el mal en el siglo XIX. Lulú deberá buscar ayuda en las dos únicas personas que creen en ella: Oliver, un niño rico, asustado hasta de su propia sombra, y Richard, un desilusionado científico de lo paranormal. Juntos se verán envueltos en una batalla contra las fuerzas de la oscuridad para descubrir los secretos escondidos en la Isla de las Almas Perdidas.

Quienes preferís ver los tráilers en v. o., con el enlace anterior podéis llegar a él. Más abajo se puede ver el póster.

La cinta en cuestión cuenta como Oskar, un joven tímido de 12 años, aterrorizado por unos matones, se hace amigo de Eli, una misteriosa vecina, cuya llegada coincide con una serie de misteriosas muertes. A pesar de que el joven piensa que ella es un vampiro, intenta que su amistad esté por encima de su miedo. La historia está basada en el best seller ‘Déjame entrar’ de John Ajvide Lindqvist, y con este premio es posible que se puede exhibirse en algunas salas y no acabar directamente en las estanterías enlatada en DVD.

Las críticas han elogiado su excelente adaptación y el hecho de que se trate de una cinta de vampiros protagonizada por dos niños, aunque no precisamente se trata de una película para el público infantil. Para hacernos una idea, podemos ver el tráiler que apunta una cinta interesante. Por cierto, el resto de ganadores han sido:

• Mejor opera prima de ficción: ‘My Marlon and Brando’, de Hüseyin Karabey (Turquía, Holanda, Inglaterra).
• Mejor actor: Thomas Turgoose y Piotr Jagiello en ‘Somers Town’, de Shane Meadows (Inglaterra).
• Mejor actriz: Eileen Walsh en ‘Eden’, de Declan Recks (Irlanda).
• Mejor documental: ‘Pray the Devil Back to Hell’, de Gini Reticker (EE.UU.).
• Mejor opera prima documental: ‘Old Man Bebo’, de Carlos Carcas (España).

Vía | Cinencuentro
Web oficial | Tribeca Film Festival

En ‘Three And Out’, una comedia cuya frase comercial es “hasta dónde puedes llegar para cambiar tu vida” es el protagonista absoluto: un conductor de metro que, tras dos accidentes en los que mató a personas, recibe la noticia de que si mata a una tercera será retirado de su puesto con una pensión vitalicia.

Crook recomienda que veamos “el film y luego decidamos” cuando se acusa a la comedia de tomarse muy poco en serio un tema tan macabro. Ahora llega el tráiler y tras el salto aparecen dos pósters.

Fuente | Página oficial.

Lo de que tenga que ver con Alemania y lo de que haya zombies, además del aspecto salchichero, me ha hecho pensar en Uwe Boll rápidamente. De hecho, el argumento de ‘Far Cry’ es superparecido. Aunque hay una gran diferencia: Boll tendría un reparto famoso. Aquí los protagonistas son Ray Stevenson, Julian Wadham y Richard Brake.

A continuación se puede ver el tráiler de ‘El búnker’ (‘Outpost’). Y más abajo hay una especie de póster horizontal.

Dirigida por Steve Barker y escrita por Rae Brunton, ‘Outpost’ se centra en un misterioso hombre que reúne en un bar a un grupo de exmilitares para encomendarles la misión de protegerlo mientras penetra en un viejo búnker militar nazi abandonado en el Este de Europa para recuperar su secreto. Tendrán 48 para completar su misión que aparentemente es demasiado sencilla. Pero cuando llegan a ese búnker olvidado desde hace mucho tiempo, despertarán sin querer un terror que se agazapaba allí dentro. Su misión se convertirá en la de sobrevivir contra un enemigo al que nunca le habían hecho frente.

‘El búnker’ (‘Outpost’) se va a estrenar en el Reino Unido el 16 mayo (aquí podéis comprobar que es verdad) con el tag-line “La maldad nunca muere”. Y que sepáis que ya se está escribiendo la secuela: ‘Outpost II: The Red Zone’. A nuestro país no llegará a las salas de cine, pero sí apareció en DVD el día 22 de abril de este año, como se puede comprobar aquí.

Fuente | Blackcamel.

Como supongo que ya sabréis, la palabra italiana “giallo” (amarillo) se utiliza par designar al género de terror de serie Z que se realizaba principalmente en el país mediterráneo. Este término comienza a utilizarse para designar un estilo literario y viene del color de la páginas baratas de las novelas de una colección publicada por Mondadori, igual que la expresión “pulp fiction” venía del tipo de pasta de papel con el que se publicaban los libros de poca calidad.

Autores como Riccardo Freda, Mario Bava, Lucio Fulci, Umberto Lenzi, Sergio Martino y Luciano Ercoli son algunos de los creadores de los films más importanes del giallo. Entre ellos ha destacado Dario Argento, que ahora prepara una película que toma el nombre del género como título: ‘Giallo’. Esto me da la idea de que Argento quiere dirigirse a un público genérico y no al aficionado al terror italiano. No sería extraño encontrar en el film autorreferencias y guiños a sus seguidores.

Se podría confirmar esta sensación con el reparto, pues Adrien Brody no es un actor que normalmente participaría en un film Giallo, de hecho es la mayor estrella que ha trabajado para Argento. Elsa Pataky también estará en el reparto, que se completa con Emmanuelle Seigner. Se rumorea que también podría estar Ray Liotta en el papel de malo, cosa que ya hizo en ‘In The Name of the King. A Dungeon Siege Tale’, de Uwe Boll.

‘Giallo’ será un thriller sobre una azafata (Seigner) estadounidense que se une a un detective italiano, Enzo Lavia (Brody), para buscar a su hermana (Pataky) que ha sido secuestrada por un asesino en serie sádico a quien se conoce por el nombre de “Amarillo”.

No es necesario comentarlo, pero por si acaso: un estadounidense hará de italiano, una francesa y una española harán de norteamericanas.

El guión es de Jim Agnew y Sean Keller, y estará producida por Rafael Primorac y Richard Rionda Del Castro. El rodaje comenzará el 12 de mayo en Turín. La postproducción se llevará a cabo en Los Ángeles.

Algunos de los títulos de Dario Argento son ‘Suspiria’, ‘Rojo oscuro (‘Profondo Rosso’) e ‘Inferno’, entre muchos otros.

En ‘Cuento de Navidad’, de Paco Plaza, Elsa Pataky ya interpretó a la protagonista de una parodia de estos films de terror erótico.

Fuente | The Hollywood Reporter.

Edgar Wright no para. Hace nada os había anunciado que tenía dos proyectos entre manos: ‘Scott Pilgrim’, que protagonizará Michael Cera, y ‘Ant Man’. Ahora, además, ha firmado un contrato para rodar otras dos películas con los socios de Working Title Tim Bevan y Eric Fellner, que han ejercido como padrinos del director durante toda su carrera profesional.

La primera que escriba y dirija será ‘Baby Driver’, un giro salvaje sobre el género del thriller de acción que se situará en los EE. UU.

La otra será ‘The World´s End’, que funcionaría como cierre de trilogía a las geniales y desternillantes ‘Zombies Party’ (‘Shaun of the Dead’) y ‘Arma fatal’ (‘Hot Fuzz’). Como en las dos anteriores, Simon Pegg le acompañará en la escritura de los guiones.

Wright y Pegg son responsables de otra de las mejores series que se han hecho para la pequeña pantalla: ‘Spaced’.

Extender el trato con Wright es importante para Working Title y Universal, porque la productora ha situado sus prioridades en generar películas que obtengan una distribución fuera de sus fronteras para aprovechar la operación que hicieron en distribución en el extranjero. ‘Arma fatal’ (‘Hot Fuzz’) y ‘Las vacaciones de Mr. Bean’ (‘Mr. Bean’s Holiday’) tuvieron un gran éxito internacional.

“Estamos encantados de seguir trabajando con Edgar”, dijo Fellner. “Consideramos que es uno de los guionistas y directores con más talento que tiene la industria hoy en día”.

Además, Wright podría participar en otra adaptación: ‘Them’, que podría estar protagonizada por Jack Black. El guión de Mike White (‘Escuela de Rock’, ‘Nacho libre’, ‘Freaks and Geeks’) se basa en el libro de Jon Ronson –guionista y director de la serie de TV ’ The Crazy Rulers of the World’—. La producción la llevarían a cabo Jack Black y Mike White para la empresa Black & White.

La comedia de aventuras ‘Them’, nos contará la historia de una extremista que viaja hasta el fin del mundo para desenmascarar a los secretos gobernadores de la Tierra. Esta mujer cree en una paranoica teoría de la conspiración que dice que bajo la apariencia humana de las personas responsables del holocausto y otras desgracias, se esconden lagartos extraterrestres.

En la fotografía, de izquierda a derecha: Simon Pegg, Kevin Smith y Edgar Wright.

Más información en Blogdecine sobre Simon Pegg y Edgar Wright.

Fuente | Variety.

Películas como ‘Los Cuatrocientos Golpes’ (que representó equivocadamente a ese movimiento de culturetas llamada la Nouvelle Vague, del que afortunadamente Truffaut se desenmarcó enseguida, provocando el enfado de su amigo por aquel entonces, el soporífero Godard), sus secuelas, ‘Fahrenheit 451’, ‘Jules y Jim’ o ‘Las Dos Inglesas y el Amor’ (a la que Scorsese rindió un sentido homenaje en su impresionante ‘La Edad de la Inocencia’), por poner unos pocos ejemplos, forman parte de una filmografía excelente. Es un pena que un cáncer cerebral se lo llevase con tan sólo 52 años de edad a principios de los 80, porque de no ser así, hubiéramos tenido Truffaut para rato.

‘La Sirena del Mississippi’ (‘Le Sirène du Mississipi’, 1969) es, para un servidor, una de sus mejores obras. Un canto sin concesiones al amor, como pocas veces ha habido. Una película que dedicó a su tan admirado Jean Renoir.

SPOILERS

La historia nos narra una historia de amor entre un hombre (un rico cultivador de tabaco) y una mujer a la que conoce sólo por carta. Sin embargo, con quien llega a casarse es con una impostora que termina huyendo con la mayor parte de su fortuna. Dispuesto a vengarse, el hombre la persigue con la intención de matarla, pero cuando la encuentra se da cuenta de que la ama perdidamente. Por otro lado, ella demostrará no tener el más mínimo escrúpulo.

Una vez más en el cine de Truffaut, la mujer es un ser capaz de la abominación más grande cuando descubre que tiene a un hombre a sus pies. Esta constante en su cine alcanza su máxima expresión en otra cinta titulada ‘Una Chica tan Decente como Yo’ (película no recomendada a misóginos incurables). En ‘La Sirena del Mississippi’ se cristalizan todas las inquietudes con las que el director francés ha jugado a lo largo de su carrera, y que posteriormente seguiría desarrollando, pero fue quizá en esta película donde quedaron plasmadas con más perfección y autenticidad. Por un lado, tenemos la figura de un hombre que aún teniéndolo todo en su vida, tiene que recurrir a relaciones epistolares para conseguir casarse, y a la hora de amar es un auténtico pardillo. Sin embargo, cuando llega el momento de la verdad, no le importa ni lo más mínimo ser envenenado paulatinamente por la mujer de la que está enamorado.

Dicho personaje está interpretado por un muy ajustado Jean-Paul Belmondo, por aquel entonces toda una estrella en el cine francés. Parece casi una broma del director el haberlo emparejado con la bellísima Catherine Deneuve, que por aquel entonces estaba en la cúspide de su belleza, y también de su frialdad. Truffaut consigue lo increíble: hacer creíble a esta pareja totalmente imposible. A pesar de la corrección de sus interpretaciones, quizá el único punto flojo de la película, sobre todo en el caso de Belmondo, la historia es tan fascinante y está tan llena de matices, a la par que bien rodada, que uno no puede hacer otra cosa que rendirse ante la que es, sin duda, una de las películas más dolorosamente románticas que se hayan realizado jamás.

Y cuando hablo de romanticismo, no me refiero a las ñoñadas que no han querido vender como grandes historia de amor, haciendo únicamente que suban nuestros niveles de azúcar. Aquí no hay nada de eso. Tenemos a unos personajes solos frentes a una serie de circunstancias y el mundo que les rodea, el cual no parece comprender su relación. Una serie de infortunios que deberán vencer para conseguir lo que quizá todos perseguimos en esta vida. Y para Truffaut está muy claro: no hay amor sin dolor. Un dolor penetrante que consume por dentro, con la única esperanza de que afuera sólo quedará el amor, más que suficiente para sobrevivir a cualquier tipo de penuria. Así lo resaltan sus finales y maravillosa escenas. Después de haber asistido a la presentación de los personajes, todo va cuesta abajo, un descenso hacia el mismísimo infierno a cambio del único y verdadero amor. Al final, solos, sin nada como posesión, sólo ellos mismos, caminan bajo la nieve hacia un futuro incierto, que paradójicamente está representado con el color blanco, el de la pureza. Atrás quedan las riquezas, un asesinato, y demás desgracias. Casi podríamos decir que es una historia de amor al revés.

‘La Sirena del Mississippi’ es una película magistral, una rareza si se quiere ver así, con el sello característico de su autor. Hace años, uno de los críticos más famosos de este país dijo que era una de las pocas películas que demostraban que el amor existía. También puede verse de esa forma. La película está editada en dvd en nuestro país desde hace relativamente poco, pero he de advertiros que la copia es penosa, sobre todo la imagen. Una pena de edición para un film imprescindible.

Más cine de François Truffaut en Blogdecine:

• ‘El Pequeño Salvaje’, un Truffaut didáctico
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‘Los Falsificadores’ se hizo con el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en la pasada edición de la dorada estatuilla. No había una clara favorita para el premio, tal y como ocurre todos los años (lo que no significa absolutamente nada, dados los resultados del año pasado, o el año de ‘Amelie’, que era la gran favorita, y la tontería aquella sobre la guerra se llevó el pato al agua). Tal vez, una temática tan favorita de los estadounidenses como es la de los campos de concentración en los que se ve a un montón de judíos pasarlo mal, pues ha logrado ganarse el corazoncito de los académicos.

Afortunadamente ‘Los Falsificadores’ (‘Die Fälscher’, 2007) no trata el mismo tema de siempre que ya han tratado películas como ‘La Lista de Schindler’ o ‘El Pianista’, y con esto no me refiero a que estas películas sean malas (más bien todo lo contrario, sobre todo la primera), pero se agradece que nos narren cosas nuevas en unos tiempos en los que la originalidad brilla por su ausencia, lo que tampoco convierte a las películas en buenas o malas, todo hay que decirlo.

SPOILERS

‘Los Falsificadores’ narra una historia basada en hechos reales. La de un grupo de judíos que salvaron sus vidas en los campos de concentración alemanes, trabajando para los nazis en una importante operación de falsificación de varias monedas, con la que se trató de hundir la economía de varios países. Así pues la película no versa sobre las penurias de los judíos sometidos a la maldad de los malvados, valga la redundancia, nazis. Aquí no hay buenos ni malos en la típica tradición del género. Aquí ni los buenos son tan buenos, ni los malos tan malos. Al igual que la vida, no todo es blanco o negro, si no que hay una clara gama de grises con sus matices.

Precisamente el personaje central de la película es probablemente el más fascinante de todos. Su comportamiento se basa siempre en el más puro egoísmo, incluso cuando se trata de salvar la vida a algún compañero, no lo hace por motivos altruistas, siempre esconde un motivo, sea éste justificado o no. Sirva como ejemplo, el final del film, en el que se dedica a gastar todo el dinero jugando, movido por los remordimientos de haber conseguido ese dinero a costa de vidas. Y sin embargo, inmediatamente después, mientras baila con una mujer que está con él exclusivamente por su dinero, afirma que hará más dinero, ya que es lo único que sabe hacer perfectamente. Dicho personaje choca en la película con otros más típicos, como el de cierto compañero que se niega a falsificar dólares porque no quiere trabajar para los nazis. Dicho personaje es mucho más tópico, y también un poco inútil, ya que lo que parece ser un interesante conflicto en el desarrollo de la trama, se convierte en nada cuando nuestro protagonista mete mano y lo realiza todo él.

Stefan Ruzowitzky, quien nos horrorizó con la espantosa ‘Anatomía’ (la segunda parte ya ni la vi), se muestra algo nervioso por momentos en la realización, con movimientos de cámara, que a mi juicio, entorpecen un poco la narración. No lo hace siempre, lo cual llama la atención, porque tampoco lo reduce a momentos dramáticos por excelencia o por algún motivo en especial. Parece hecho a la buena de Dios, sin ningún tipo de justificación. Aún así, bien lejos queda esta película de la antes mencionada, tanto por intenciones como por resultados. Buenas interpretaciones, destacando sobre todo la de Karl Markovics, quien realiza un personaje ciertamente incómodo y nada complaciente con el espectador. Y sobre todo, buen ritmo, a lo que contribuye la ajustada duración de la película, poco más de hora y media, un milagro en los tiempos que corremos.

Me ha llamado la atención de la utilización en la banda sonora de tangos, algo que me parece un acierto. El tango posee algo de tristeza, de alegría, de melancolía. Y eso es precisamente lo que destila ‘Los Falsificadores’, la historia de un hombre que tuvo que sobrevivir a un infierno, en el que pudo obtener, gracias a su talento, pequeñas alegrías como camas con sábanas limpias o una mesa de ping pong. Y también el conservar su vida, algo que parece insignificante si se comparan con el resto de muertos en tan fatídicos años. Gracias a Dios, ‘Los Falsificadores’ no es maniquea ni abusa de sentimentalismos baratos con un tema en el que sería fácil caer en la blandenguería. Ruzowitzky cuenta con la cultura del espectador, no tratándolo como tonto, y le bastan un par de secuencias para remover conciencias resultando emotivo (la escena en la que el resto de los presos comprueban lo bien tratados que han sido sus compañeros, y se paralizan al tocar unas simples sábanas).

Una buena película, a la que tal vez el Óscar le quede demasiado grande, pero es altamente disfrutable.

En Blogdecine | ‘Los falsificadores’ no es la mejor película de habla no inglesa

En AmbienteG | Entrevista a Maria Popistaşu.

Fuente | Youtube.

Un matrimonio (Aitana Sánchez-Gijón y Ulrich Thomsen) se enfrenta a la muerte accidental de su hijo, Eyolf, un niño cojo que cae un día al agua y muere ahogado. A partir de aquí, Rita y Alfred, descubren con horror que nunca habían querido a ese hijo, se sienten culpables por ello y desenmascaran los aspectos más negativos de su personalidad.

Para Audí, se trata de un “tema muy moderno”, que tiene una “gran carga psicológica y social”. En su opinión, fue precisamente la modernidad de la obra lo que provocó en su momento su fría acogida, ya que el público del siglo XIX no estaba preparado para asimilar el argumento que se le exponía. El director admite que se ha tomado la libertad de dar más peso a algunos personajes que en el original tan sólo tienen una “aparición corta”.

El reparto de ‘The Frost’ (la escarcha) se completa con Tristán Ulloa, Eva Morkeset, Astrid Overaa, Fermí Reixach, Jordi Cortés y Bibi Andersson, musa de Ingmar Bergman, que participó en filmes como ‘Fresas salvajes’ (1956) y ‘El séptimo sello’ (1957). Todos ellos se han mostrado ilusionados con un proyecto que une dos culturas diferentes. Según ha destacado Eva Morkeset, el contraste pueda dar lugar a “algo maravilloso”. La película se rodará íntegramente en inglés y se estrenará en las pantallas españolas en el 2009, en versión original y también en castellano y en catalán.

Aitana Sánchez Gijón ha destacado que trabajar con un director como Audí es “lo más parecido a un proceso teatral”. A su parecer, su manera de conducir al reparto es “de lujo” y “de lo más peculiar”. La actriz ha explicado que el hecho de que los actores lleven dos semanas preparándose en Noruega ha facilitado que “el inglés fluya de forma muy orgánica” y que exista de antemano “una conexión entre los personajes”. Sobre Noruega, Sánchez Gijón ha destacado su naturaleza, “muy potente e inquietante” y, en ocasiones, “desoladora”.

Tristán Ulloa ha añadido que le gusta la idea de trabajar una obra de Ibsen ya que es un autor “bastante agresor” y “algo contemporáneo”.

La coproducción de la catalana Alta Realitat y la noruega Frost Media y comenzará a rodarse el 25 de marzo en el parque nacional de Aigüestortes (Lleida) y en estudios de Barcelona. El rodaje, que se prolongará durante siete semanas, tendrá como escenario principal la ciudad noruega de Olescut y quizá se grabe algún plano en Gijón. El coordinador general de la productora Alta Realitat, Raül Perales, ha destacado que el hecho de que Noruega, al no formar parte de la Unión Europea y no tener firmado el convenio europeo de cine, “permite crear un diseño de película” tal y como desean.

Fuente | La Vanguardia.

Os he hablado en numerosas ocasiones del director alemán Uwe Boll, experto en destrozar videojuegos con sus adaptaciones. Ya comentábamos entonces que sus películas no son films de mala calidad comunes y corrientes, sino que tienen una clara marca de autor. Añadía que lo peor del asunto es que no se suele entender lo que ocurre y no porque la trama sea complicada o la narración críptica, sino porque él solito se monta unos caos que no hay quien organice.

El guión y el montaje de los films de Boll son penosos. En el primero de los casos, los guionistas suelen contar que es imposible discutir con él y con respecto a la parte de postproducción, nos imaginamos que el montador tiene la mente tan desestructurada como Uwe y él, que es un buen amigo, le sigue contratando a pesar de todo. Se empeña en darlo todo en paralelo y no le importa conjugar muchas más de dos tramas aunque eso suponga que algunas se le pierdan, que la duración de otras quede completamente falseada y hasta cosas como pasar de la noche al día de repente.

Tan incomprensibles son las películas del alemán que resulta divertido verlas como si fuese cine de humor, un humor no intencionado, pues –salvo en las últimas, ‘Postal’ y ‘Far Cry’, por lo visto en sus tráilers— Boll no introduce ni una frase cómica, ya que se toma muy en serio sus historias.

En ‘In the Name of the King: A Dungeon Siege Tale’, Uwe Boll y su montador abusan de nuevo del montaje en paralelo. Sin embargo, de manera milagrosa, a partir de cierto momento, la película tiene sentido. En el inicio, no sabemos quiénes son los personajes, qué es lo que quieren, por qué luchan, quién va con quién… eso sí son cosas familiares en el cine de Uwe. No es que todo esto quede más claro hacia el final, especialmente si, por ejemplo, intentamos saber por qué el personaje de Leelee Sobieski se cambia de bando; pero al menos no impide que veamos las escenas de acción con atención.

Y esto resulta un tanto decepcionante ya que, pasado un principio muy digno de Uwe Boll, el resto de la película se ve casi casi como un film malo normal. De hecho, apostaría –aunque nadie me lo querrá reconocer— que un cierto público no demasiado exigente con las cintas de género la vería con tranquilidad si no supiese que es de Boll y no le odiase ya, comprensiblemente, por sus películas anteriores.

Las batallas están rodadas con bastante soltura, pues la única cosa que sabe hacer este hombre, si es que sabe hacer alguna, es colocar la cámara. Y la intervención del coreógrafo de las escenas de acción de ‘La casa de las dagas voladoras’, Tony Ching Siu Tung, se aprecia en algunos planos rodados en el bosque que incluso se podría decir que son bonitos. Eso sí, el por qué intervienen ninjas en una cuestión medieval, nadie lo explica.

Pero hay otra faceta que a Uwe Boll se le da tan mal como la narración: la dirección de actores. Lo normal sería que una película de esta calidad tuviese intérpretes desconocidos o acabados, pero Boll KG es capaz de conseguir estrellas nada desdeñables, no olvidemos que se trata de una superproducción de 70 millones de dólares. ‘In the Name of the King’ está protagonizada por Jason Statham. El inglés tiene un personaje deplorable, que no tiene nombre de pila y a quien llaman simbólicamente “El granjero”. Incluso su mujer, en un momento de entrañable reencuentro, se dirige a él como “Farmer”. Si al menos utilizase un diminutivo, como cuando a “El frutero” de ‘Siete vidas le decían cariñosamente “Fru”… A pesar de eso, Statham hace un esfuerzo, se entrega y trata de estar metido en la película en todo momento. En su personaje podemos intuir una heroicidad que no va a ningún sitio, pero que anima las batallas bastante. John Rhys-Davies es otro que intenta estar en su papel y más o menos cuela.

El resto de los intérpretes no se salvan ni por sus buenas intenciones. Parece que la única indicación de dirección de actores que les diese Boll fuese que hablasen muy despacito y vocalizando muy bien. Claro, como él es alemán, quizá de otra forma no comprendería bien los diálogos. De hecho, uno de esos guionistas que se quejaban de él decía “el inglés no es su lengua materna, pero ¿tiene este hombre una lengua materna?”. Matthew Lillard es el peor sin duda. No sabemos qué le pica a este hombre que no se apea del histrionismo en ningún momento. Uwe Boll es tan cachondo que hasta mete dentro de los diálogos parte de la crítica que merece su película y pone en boca de otro personaje una frase dirigida a Lillard: “No seas tan melodramático”. Genial. Si en ‘Postal’ introduce metalingüísticamente peleas de boxeo con los críticos, aquí nos da parte de la reseña ya hecha.

Ray Liotta le sigue de cerca con esos gestos tan exagerados y un dramatismo que no sabemos a qué viene… ¿para cuándo un papel para Daniel Day-Lewis en una película de Boll? A Burt Reynolds es cierto que el botox le permite poca expresividad, pero incluso así, su personaje es de lo más ridículo. Claro que, los momentos en los que podría actuar SPOILER, como por ejemplo, cuando le dicen que “El granjero” es su hijo, FIN DEL SPOILER están dados tan como quien no quiere la cosa, con tanta falta de énfasis, que incluso con una buena interpretación, este instante habría quedado perdido en el tiempo. Claire Forlani es exagerada en cualquier parte, así que tampoco merece la pena comentar su papel en ‘In the Name of the King’. Y Kristanna Loken parece que tuviese un cameo, más que un personaje, pues su estirpe es un pegote que los guionistas no saben cómo encajar en la trama y ella no hace apenas nada.

Como Uwe Boll no sabe narrar, cree que podrá transmitir épica gracias a la banda sonora. Por este motivo, desde la última cosa de Paul Haggis no he visto nada en lo que la presencia de la música fuese tan molesta y exagerada como en ‘In the Name of the King’.

Si la adaptación es de ‘Dungeon Siege’, ¿por qué se titula ‘En el nombre del rey’? Pues sencillamente, para tener alguna palabra en común con ‘El señor de los anillos: El retorno del rey’. Alguna palabra, porque elementos coincidentes con la trilogía de Peter Jackson no le faltan a este film, que Boll quería que hubiese estado dividido en varias partes. Los Krug son exactamente iguales que los orcos, pero en cutre; hay jinetes que recuerdan mucho a los Nazgul; el malo y el bueno hacen una pelea de magos; la torre-cueva donde se esconde el personaje de Liotta es igualita que la de Saruman; existen planos calcados… E, incluso con todo esto, hay alguna cosa original en la película de Boll.

A pesar de todo lo que he escrito, seguro que quedan muchas cosas por comentar. No le recomendaría a nadie que viese esta película ni ninguna otra de Uwe Boll tomándosela en serio, pero para pasar unas risas, no es mala opción ya que, además de lo de siempre, tiene algún elemento mejor que las anteriores y se hace menos aburrida.

Trailer de ‘In the Name of the King’

¿Amor sin sexo? ¿sexo sin amor? ¿amor con sexo? ¿sexo con amor? ¿por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo? ¿siempre quieren decir sexo? ¿es el amor un invento para ponerle al sexo un nombre más serio, por así decirlo? Todas estas preguntas, y otras tantas derivadas de éstas, darían para hablar y hablar durante días y noches, y son precisamente las que se derivan de una película tan cruelmente ingeniosa como ‘El Pan y el Perdón’, una de las pocas películas estrenadas en nuestro país, del poco, o nada, conocido, Marcel Pagnol, dramaturgo que adaptó varias de sus obras al cine. Todo un referente del cine francés en los años 30, probablemente la época más gloriosa de la cinematografía francesa.

La historia de ‘El Pan y el Perdón’ es sencilla. En un pequeño pueblo un pastor se enamora de la mujer del panadero. Juntos se fugan, dejando al pobre marido totalmente estupefacto por la situación de abandono. Primero rechazará la idea de que su mujer le ha sido infiel, pero poco a poco se irá convenciendo de ello, sobre todo cuando se convierte en objeto de burla para la mayor parte de sus vecinos.

El gran acierto de ‘El Pan y el Perdón’ (‘La Femme du Boulanger’, 1938) es el hablar de temas como la infidelidad o la pasión sexual en unos tiempos en los que esos termas eran prácticamente tabú para la censura, la cual no permitía hablar con claridad de determinadas cosas. Quizá por ello, Pagnol recurre a la sátira en su película, para vestirlo todo como si de una gran broma se tratase, quitándole yerro al asunto. Todas las frases de la película, los diálogos, tienen un doble sentido, casi siempre cómico, y al mismo tiempo no le resta el toque melodramático que la historia requiere. Recordemos que al fin y al cabo, estamos hablando de un buen hombre abandonado por su bella mujer y que para él eso supone el fin del mundo.

Pagnol comienza la película de forma muy amable, presentándonos los personajes, los cuales quedan perfectamente definidos con un par de frases. Enseguida vemos de que pié cojean todos y cada uno de ellos, y enseguida simpatizamos con el personaje central, ese panadero terriblemente enamorado de su mujer, pero que no es consciente de lo que eso supone. Un hombre mayor que su pareja, la cual cae enseguida en brazos de otro hombre, mucho más joven y apuesto que su marido, para el que nunca ha tenido ojos. Después del abandono, el director empieza a mostrar sus verdaderas cartas, y no da el más mínimo cuartel, ofreciéndonos un incisivo estudio sobre la crueldad humana en este tipo de situaciones, algo de lo más cotidiano. Nuestro personaje está perplejo, y se pasa un buen rato de la película excusando a su mujer, con unos diálogos brillantes y realmente delirantes y con un punto desternillantes. Es hora de la comedia, la situación lo requiere, pero Pagnol es lo suficientemente inteligente para lograr que nos riamos pero sin dejar de pensar que asistimos al hundimiento inmerecido de un buen hombre al que se le ataca en su punto más débil: el amor. Cuando éste ya es consciente de su situación, el film da un paso más allá y a través de una de las borracheras más impresionantes que el cine recuerda, se termina de redondear la jugada. A través del personaje central, maldecimos al amor, es hora de locura, de la sinrazón, nos dejamos llevar al igual que nuestro panadero, por la rabia. La película es como una bomba de relojería que en cualquier momento puede estallar. Y en la parte final vuelve la calma, la reflexión, un volver a empezar.

Pagnol no abandona en ningún momento la sonrisa, y a nosotros no nos permite en ningún momento estar serios. Y sin embargo, Pagnol, con toda su picardía y su humor, es terriblemente serio. Tal vez el final sea algo complaciente, una cesión al espectador que no tenía porqué hacerla, pero éste le sirve no sólo para terminar la historia de una forma bastante cerrada, sino para realizar una de las metáforas visuales más perfectas que se hayan visto en una pantalla, de cuantas se han hecho sobre el acto sexual. Un cierre conciso y adecuado, visto desde cierto punto de vista. Hasta llegar ahí, hemos sido testigos de todo. Pagnol demuestra tener un cuidado exquisito por el detalle, y el mosaico de personajes que desfilan por el film es realmente sorprendente. Desde el más tonto del pueblo hasta el párroco, con el cual el director se ceba sobremanera en el momento en el que el cura en cuestión utiliza la desgracia del panadero para ponerla de ejemplo en uno de sus sermones. Un momento en el que el personaje central busca el consuelo divino, por así decirlo, y se encuentra con algo peor.

‘El Pan y el Perdón’ es una película para saborearla detenidamente, para reírse y reflexionar. Uno de esos films a los que el paso del tiempo no le hace ni la más mínima mella, erigiéndose 70 años después de su realización como una película muy fresca y actual. Una película magistral de cabo a rabo, que ha tenido muy poca difusión por estos lares, como el grueso de la filmografía de su autor. No está editada en dvd, así que aquellos interesados que despierten a su animal de carga favorito.

Mañana, viernes, 14 de marzo, se estrena ‘Vaya par de productoreX’ (‘I want Candy’, 2007), el film de Stephen Surjik, interpretado por Carmen Electra en el personaje de una actriz porno, Candy Orificios (Fiveways en el original). La acompañan Tom Burke y Tom Riley en los papeles protagonistas.

Dos jóvenes estudiantes de cine ven frustradas sus esperanzas de convertirse en los nuevos talentos de la gran pantalla cuando su profesor de realización limita la práctica que pueden hacer en la escuela a una duración ridícula. Para dar el salto al largo, su única opción será realizar una película porno y se pondrán manos a la obra. Como su presupuesto es mínimo, la casa de los padres de uno de ellos se convertirá en plató, aún a riesgo de que los pillen cuando vuelvan del trabajo en su autoescuela.

No es que quiera defender esta película, pues buena no es, pero sí que me gustaría decir que no es, en absoluto, lo que cabría esperarse, para bien o para mal. Se trata de una producción de la Ealing y a cualquiera que conozca el trabajo de esta productora, este dato le dará más pistas sobre lo que se puede esperar de este film que su título o su famosa ex-vigilante de la playa: buenos sentimientos, planes positivos, ambición, logro de los sueños… y un humor bastante blanco.

El tema de la pornografía, que será lo que atraiga a unos cuantos espectadores a la taquilla y lo que cree rechazo en muchísimos otros, en realidad, es lo de menos. Se podría tratar de rodar cine porno como de fabricar un tejido mágico, daría lo mismo. Ya que hablamos de cine británico, añadiría que la pornografía en ‘Vaya par de productoreX’ no es más que el McGuffin.

Como ya os conté, la Ealing, productora de ‘El quinteto de la muerte’ (‘The Ladykillers’, 1955), de Alexander Mackendrick; ‘Oro en barras’ (‘The Lavender Hill Mob’, 1951), de Charles Crichton; ‘El hombre vestido de blanco’ (‘The man in the white suit’, 1951), también de Mackendrick, etc… resucitó después de más de cuatro décadas de inactividad con ‘La importancia de llamarse Ernesto’ (‘The Importance of Being Earnest’, 2002), ‘Valiant’ (2005) y ‘Rosas rojas’ (Imagine me and you’, 2005), entre otros títulos. De todas estas producciones recientes, ‘Vaya par de productoreX’ es la que más mantiene el espíritu de las antiguas comedias optimistas, aunque no está a la altura, como tampoco llegan a esos niveles las otras rodadas en este siglo.

Se trata, como digo, de una comedia más bien infantil e inocente. Y lo que nos importa, por lo tanto, es saber si hace gracia o no. En realidad, hay que admitir que tiene un par de chistes buenos y que es más o menos amena y entretenida. Además de las bromas un tanto subidas de tono, lo mejor es el retrato de los estudiantes de la escuela de cine y, en especial, de su profesor, interpretado por MacKenzie Crook (el tuerto de ‘Piratas del Caribe’). Y tampoco está mal el del productor porno.

El guión peca de previsible y de clásico y falla en su intento de incluir tramas románticas que ni encajan en el resto de la historia ni se resultan en absoluto creíbles. Igualmente adolece de una blandura del final, que, por otro lado, en realidad es lo que encaja con el devenir de la historia.

Como a nadie le importará eso, no me voy a molestar en decir que Carmen Electra no actúa demasiado bien o que su personaje de culta cinéfila no hay quien se lo crea… ah, que ya lo he dicho. Bueno, ahí queda. Los intérpretes británicos sí están acertados en sus papeles, pero eso tampoco haría falta decirlo por otro motivo: cuando alguien vea a un actor inglés hacerlo mal, que me avise. Los dos protagonistas, tratando desde lejos de emular al gran Hugh Grant, abusan un tanto de los gestos faciales para lograr la comicidad, pero son capaces de despertar algo de empatía a pesar de lo vacíos que están sus personajes y le dan un encanto a la película que es lo que más poderosamente la aleja de la comedia zafia que nos imaginaríamos por su título.

Después de dirigir ‘El mundo de Wayne II: qué desparrame’, Surjik se ha dedicado exclusivamente a realizar capítulos de series televisivas y eso se acusa en la forma en la que está rodada ‘Vaya par de productoreX’, film al que se le nota demasiado la falta de presupuesto. A pesar de eso, la película tiene momentos divertidos y no se trata del film soez que se podría esperar, aunque esto último no sé si es positivo o negativo.

‘Los falsificadores’ (‘Die Fälscher’) se estrena el viernes, 14 de marzo. Se trata de la ganadora del Óscar a la mejor película de habla no inglesa. Está dirigida por Stefan Ruzowitzky y protagonizada por Karl Markovics y August Diehl.

‘Los falsificadores’ nos narra cómo Salomon “Sally” Sorowitsch es detenido por falsificar documentos y llevado a un campo de concentración. Su talento artístico pronto será detectado por los guardias que le darán comida y privilegios a cambio de retratos. Más tarde, se le trasladará a otro campo donde los nazis reproducen divisas para romper las bolsas del Reino Unido y de Estados Unidos. El protagonista tendrá que colaborar con sus enemigos y los exterminadores de su raza ayudándoles a ganar la guerra.

El tema de las falsificaciones, basado en un hecho real, es muy interesante, pero eso no evita que la historia que se narra en la película sea demasiado convencional y esté desarrollada con todos los pasos previsibles de una cinta formularia. Se le añaden los toques humanos necesarios para que aparente algo más y el plato está servido.

Lo que la saca de lo convencional es la forma en la que se ha rodada. La cámara se mueve con un pulso tembloroso, lo cual destaca dentro de una historia ambientada en los años cuarenta del pasado siglo. El objetivo se acerca a los personajes en cortos zooms repentinos similares a los que podemos ver en las series de televisión. La música, creada con la base de un tango que se escucha al principio, tiene un componente alegre y hedonista que sirve como auténtico contrapunto a las imágenes mostradas y quizá es, por ello, el elemento que más hace que ‘Los falsificadores’ sobresalga de manera positiva.

De nuevo, como dije sobre ‘Cometas en el cielo’, el hecho de incluir un tema político, hace que la película parezca más importante de lo que es. Pero incluso en este sentido, el mensaje que se da es muy cuestionable, pues, ‘Los falsificadores’ presenta a los nazis como personas capaces de apreciar el arte (probablemente lo serían algunos de ellos, ¿por qué no?) y al contarnos que el protagonista se libró de perecer o sufrir en el holocausto gracias a sus habilidades, da la impresión de que si los demás judíos sucumbieron fue porque no eran lo bastante listos o porque no tenían aptitudes concretas de las que valerse. Se incluye una frase en el film que lo deja muy claro, algo parecido a esto: “Un judío tan listo como tú, conseguirá librarse de alguna forma”. Es evidente que el personaje lo logró por esos motivos, pero está claro que los que murieron o fueron torturados y acabaron casi en la inanición no llegaron a esos extremos por su falta de astucia. Este mensaje individualista que hace creer que uno se puede salvar a sí mismo gracias a determinadas capacidades me suena muy estadounidense y quizá por ello ha calado en los corazones de los miembros de la Academia de Hollywood.

El protagonista, Sorowitsch, es un tipo que no destaca precisamente por ser una buena persona, pero que se verá arrastrado a llevar a cabo una heroicidad. Esto es lo que la película quiere contar y es algo que podría ser muy interesante psicológicamente. Sin embargo, no se puede decir que lo logre del todo. El retrato del personaje vividor que, a pesar de todo, se preocupa por los demás, más que hallar el equilibrio entre virtudes y defectos que se aleje del maniqueísmo, lo que hace es presentar a una persona indefinida, que actúa de maneras diferentes según lo que el guión requiera en cada momento. Tan pronto es indiferente a todo, como de repente planta cara por los más jóvenes para no parecer un cobarde y se vuelve paternalista. Incluso dentro de un personaje polifacético tiene que haber una cohesión. Cuando llega ese final heroico, parece que todo le viene hecho y que le hubiese salido así por casualidad. Tan poco claras han quedado sus acciones que la heroica intervención de los protagonistas tiene que transmitirse a los espectadores a través de un letrero final. Estos carteles se suelen utilizar para añadir más información de la ya mostrada, no para aclarar lo que no se ha contado bien.

Con todo esto no quiero decir que se trate de un mal film. Los actores hacen un buen trabajo y la historia engancha –a pesar de ser convencional y de que se le puedan objetar algunos detalles—. Así que en general, la película funciona y, como mínimo, se puede decir de ella que es correcta e incluso que supera la corrección. Pero ni mucho menos es la mejor de 2007 de habla no inglesa. No es que me extrañe encontrar discrepancias con los gustos de los grandes jurados, pero sí se me hace raro ver que le han dado el Oscar a un film que es, como mucho, solvente y pulcro, pero muy similar a tantos otros. Da la sensación de que lo hubiesen hecho para que la ganadora no haga sombra a ninguna de sus premiadas o siquiera a las candidatas.

En Blogdecine:

Tráiler y pósters de ‘Los falsificadores’.

Podría parecer lo contrario porque trata sobre cine porno,pero ‘Vaya par de productoreX’ es una película de la Ealing, es decir, es un film de buenos sentimientos y planes que salen bien. Se estrenará el próximo 14 de marzo de 2008.

Normalmente, no defiendo que se dejen los títulos en el original por sistema, pero en este caso sí habría sido preferible, no sólo por la mala imagen que dará este título español, sino además porque el dejarlo tal cual está justificado ya que se trata del título de una canción y ya que Candy es el nombre artístico de la protagonista. ‘I want Candy’ puede querer decir “quiero caramelos”, pero ya que ella se llama así, se podría traducir por “deseo a Candy”.

Fuente | Página web oficial.

Jaime Rosales es la última prueba de lo caraduras que somos en nuestro cine. El muy listo ha conseguido engañar a los miembros de nuestra queridísima Academia para que éstos le galardonaran con cuatro tres (menos mal) premios Goya por ‘La Soledad’, la cual puede ser considerada casi como una memez (ahora podría dar nombres aquí de muchos profesionales del sector que opinan lo mismo, o cosas peores, pero no es cuestión de meter cizaña). El señorito Rosales además se ríe de los pocos espectadores que han ido a ver su película (y digo pocos porque ‘La Soledad’, por mucho que haya triunfado en la noche de los Oscars españoles, no se le puede considerar un éxito, pero ni de lejos), a los que poco menos que les trata como idiotas sin cultura.

El tío dice que ha inventado la polivisión y se queda tan ancho. Claro, será porque Richard Fleischer no hizo lo mismo hace 40 años en ‘El Estrangulador de Boston’ y con mucho más sentido. No se trata en este caso de filmar acciones paralelas partiendo la pantalla (como por ejemplo pueden hacer en la serie de televisión ‘24’), no, se trata de filmar la misma acción desde varios puntos de vista. Sí, eso es lo que hacía Fleischer, pero Rosales hace otra cosa: se rasca la barriga, mientras no nos cuenta absolutamente nada durante dos horas largas. Y ojo, que la película no me parece un bodrio, pero que haya sobresalido en la última gala de los Goya por encima de films como ‘Siete Mesas de Billar Francés’ o ‘El Orfanato’, tiene delito.

‘La Soledad’ narra varias historias entrelazadas por un mismo personaje, el de Adela, una mujer separada que, con su hijo pequeño se marcha a Madrid a intentar tener mejor vida. Allí compartirá piso con dos simpáticos jóvenes, Carlos e Inés, con los que compartirá muchas cosas además del piso (sí, charlas profundas y misteriosas que se tienen mientras se juega al parchís o se plancha la ropa). Inés pertenece a una familia en la que la madre tiene un pequeño supermercado, y disfruta de su “apacible” vida en compañía de su novio Manolo. Entre sus hijas ocurre de todo, a una le diagnostican un cáncer, la otra quiere con todas sus fuerzas un piso nuevo, y la otra al igual que el director del film, se rasca la barriga.

Lo más interesante de la película pasa en su tercio final, y claro, no lo vamos a desvelar. Mientras eso no llega asistimos a una soporífera narración en la que Rosales se recrea filmando un campo lleno de vacas, una cocina vacía, un pasillo vació, una ventana, otro pasillo, otra ventana, una calle, el cielo… Y lo más curioso de todo es que el asunto éste de la polivisón lo utiliza cuando le viene en gana, sin ningún tipo de rigor ni aprovechándolo narrativamente. Por otro lado, Rosales se olvida de lo que es la progresión dramática, y los personajes no sufren ninguna evolución, por mucho hecho dramático que acontezca. Al final, a pesar de los cambios, estamos igual que al principio. Y eso que la parte actoral es indudablemente lo mejor del film, precisamente por haber utilizado no sólo actores desconocidos para el gran público (ése que no ha ido a ver la película), si no además porque son buenos actores, respiran autenticidad y eso ya es algo. Probablemente el más cinematográfico de todos, por decirlo de alguna manera, es precisamente el que se ha llevado el Goya al mejor actor revelación: José Luis Torrijo, que interpreta a la ex-pareja de Adela, y demuestra tener algo de nervio escénico. El resto del reparto cumple con creces y consiguen algo extraño en nuestro queridísimo Cine: no caer como una patada en los… ese sitio que estáis pensando.

‘La Soledad’ es una película floja, larga y aburrida. Arriesgada si se quiere decir, pero un riesgo de poca altura. No funciona ni como drama ni como nada. Eso sí, toca las narices bastante, no sólo por su estúpida puesta en escena que encima le ahorra trabajo al montador, sino porque además se ha pretendido hacer con esto un nuevo tipo de cine dentro de nuestras fronteras. Pues vamos bien, ahora el cine español empezará a estar más solo que nunca. Si ya tenía no pocos detractores, ahora, con ofertas como ésta, algunos no le volverán a conceder ni la más mínima oportunidad. Por cierto, que alguien le enseñe a este señor a acercar la cámara a los personajes para que nos podamos enterar de lo que dicen los mismos. Al parecer lo ha vuelto a hacer en su nueva película, y con la excusa de que así el espectador pondrá atención ya que no sabemos escuchar. Pues nada hombre, que nos pongan las butacas fuera del cine para que nos concentremos al máximo.

En Blogdecine:

• ‘La soledad’, la sencillez que paulatinamente va emocionando

Actualización: dejándome llevar por mi entusiasmo, no he caído en que efectivamente Rosales no ha inventado nada de nada (algunos medios decían que sí lo había dicho). Muy acertadamente me han llamado la atención, y así pues rectifico. Eso sí, no le sube puntos a la película. Ni de coña, vamos.