En 1999 dos tipos de los que ahora nadie se acuerda, llamados Daniel Myrick y Eduardo Sánchez escribieron y dirigieron una película titulada ‘El proyecto de la bruja de Balir’ (‘The Blair Witch Project’) con la que se rieron de medio planeta —supongo que el otro medio vive con la felicidad que supone el no haberla visto—, logrando gracias a una excelente campaña de marketing que el público acudiese en masa a las salas a ver lo que yo considero una de las más grandes tomaduras de pelo de toda la historia del cine. Dejando a un lado que cualquiera de los films que dirigieron por separado a posteriori son mucho más interesante que el mencionado —sobre todo ‘Alterado’ (‘Altered’, Eduardo Sánchez, 2006)— poco se imaginaban estos dos que su invento iba a revolucionar a las audiencias diez años después.

El subgénero llamado found footage, por aquello de la cámara subjetiva, o bien mockumentary, por aquello de hacer pasar por cierto algo ficticio, ha tenido con la correcta ‘Paranormal Activity’ (id, Oren Peli, 2007) uno de sus máximos exponentes, iniciando esta una saga que ha seguido cosechando montones de dinero a pesar de lo bochornoso de sus secuelas. Films patrios como ‘[Rec]’ (id, Paco Plaza y Jaume Balagueró, 2007) o ‘Monstruoso’ (‘Cloverfield’, Matt Reeves, 2008), por citar más ejemplos, se sumaron a la moda desarrollando con más eficacia las posibilidades de la cámara subjetiva, convirtiéndola en un personaje más de la función. Ahora nos llega al mercado casero español la noruega ‘Troll Hunter’ (‘Trolljegeren’, André Øvredal, 2010), que juega en la misma liga, añadiendo algo de mitología al asunto.

Resulta curioso como algunas de estas películas jamás llegan a nuestras pantallas, y otras, como el caso que nos ocupa se estrenan directamente en DVD. Quiero decir con esto que muchas de esas películas, caso de cierto bodrio protagonizado por Milla Jovovich y cuyo título me niego a decir, no merecerían ni distribución, y en cambio otras que sí merecerían que las conociese más gente, terminan en el mercado casero, siempre más menospreciado por el espectador. ‘Troll Hunter’ no es ninguna maravilla, al fin y al cabo su premisa es mínima, el desarrollo justo y su sensación de déjà vu, constante. Pero hay en ella elementos suficientes para defenderla y destacarla entre tanta mediocridad del mencionado subgénero. La gracia, nunca mejor dicho, está en haber renunciado a la moda imperante, esto es, infectados y fantasmas varios que no descansan y quieren hacer su agosto entre los vivos.

En este caso se ha echado mano de la mitología escandinava y se ha vuelto sobre una serie de criaturas cuyo término se usa más en lugares como la red en la que abundan los blogs personales o comerciales como éste. Evidentemente me refiero a los trolls, cuya imagen parece deformarse con el paso del tiempo y ahora nos referimos a ellos cuando hablamos de esos insensatos que no tienen nada que hacer con sus vidas más que meterse con los demás sólo por pura diversión. A los trolls a los que me refiero son evidentemente esas figuras mitológicas tan poco exploradas en el cine, y que en ‘Troll Hunter’ están bañados con cierto encanto a pesar de su peligrosidad. El film de Øvredal añade además ciertas gotas de humor a la historia, sin renunciar en ningún momento al relato de terror puro y duro, pero como en este campo cada vez es más difícil sorprender al poco exigente espectador —menuda contradicción— la comedia le da cierta frescura al producto.

Con la sempiterna coletilla de “esta grabación se encontró sin saberse nada del destino de sus autores”, y que ya cansa porque hay que ser muy, pero muy burro para creerse que algunas de las películas pertenecientes a este subgénero son grabaciones reales, el film nos narra cómo unos jóvenes estudiantes se adentran en la Noruega profunda, maravillosamente fotografiada, para investigar las misteriosas muertes de osos salvajes. Una vez allí se encontrarán con la figura de un enigmático cazador —excelente Otto Jespersen— que caza precisamente trolls. Resulta admirable la capacidad del realizador para lograr que nos creamos lo dicho y que no resulte ni forzado ni ridículo, sobre todo dado el aspecto de algunos de los trolls que aparecen en pantalla, eso sí, muy fugazmente. Cabe señalar los excelentes efectos visuales, a pesar del muy limitado presupuesto, y lo bien que Øvredal films a los trolls, nunca demasiado y sí lo suficiente, sobre todo en su extraño tramo final.

En su contra cabe decir que durante su desarrollo el film se vuelve demasiado monótono y parece no ir hacia ningún lado concreto, como también el finalizarlo porque sí apoyándose en la excusa de que son grabaciones y no se encontraron más. La monotonía conduce un poco hacia el aburrimiento y esa sensación de ya visto antes comentada. Afortunadamente el tono de comedia en ciertos instantes animan la función sobremanera, las referencias al trabajo social que hace el cazador, y la rueda de prensa final son detalles cómicos que valen su peso en oro, inteligemente introducidos en la historia. Y también la simpatía que desprenden algunos de los monstruos. En cualquier caso un producto más digno de lo que parece a pesar de las limitaciones del propio subgénero.

En la mañana de hoy, la Academia del Cine francés ha dado a conocer la lista de nominados a los Premios César 2012. ‘The Artist’ aspira a diez, el mismo número de candidaturas que en los Oscar y en los mismos apartados, con la diferencia de que Bérénice Bejo opta como mejor actriz protagonista y no como secundaria. Sin embargo, esta triunfadora internacional no ha sido la que más nominacines ha obtenido, pues ha sido superada por dos cintas:

‘Polisse’, la película de Maïween, con Riccardo Scamarcio, Maïween, Fréderic Pierrot, Joeystarr, Nicolas Duvauchelle, Karole Rocher, Marina Foïs y Karin Viard ha resultado la indiscutible triunfadora al acumular 13 nominaciones: mejor película, mejor dirección, mejor guion, mejor actriz (Karin Viard y Marina Foïs), mejor actriz secundaria (Karole Rocher), mejor actor secundario (Nicolas Duvauchelle, Joeystarr y Frédéric Pierrot) y actriz revelación (Naidra Ayadi), mejor fotografía, mejor montaje y mejor sonido. ‘Polisse’, que Juan Luis pudo ver en Cannes, habla de la rutina diaria para los policías de la Unidad de Protección Juvenil del Departamento de Policía: arrestar pederastas, perseguir carteristas menores de edad y discutir problemas de pareja a la hora de comer; interrogar a padres maltratadores, recoger declaraciones de los chicos, hacer frente a los excesos de la sexualidad adolescente, disfrutar la solidaridad con los colegas y reír incontroladamente en los momentos más insospechados. Sabiendo que lo peor existe y viviendo con ello, ¿cómo mantienen el equilibrio entre sus vidas privadas y la realidad que afrontan cada día de trabajo?

‘L’exercice de l’état’, de Pierre Schöller, logra 11 nominaciones, incluyendo película, director y actor protagonista. Michel Blanc y Olivier Gourmet protagonizan este film que plantea una brutal mirada sobre el sistema democrático, sobre la débil implicancia de lo humano en las decisiones políticas. Se comenta que se trata de un impactante largometraje con certeros diálogos e impecable realización, en el que la psicología de los personajes envuelve al espectador en ese laberinto tenebroso de la conciencia humana y, más aún, en los laberintos que el hombre se construye para su propia supervivencia.

‘Intocable’, dirigida por Olivier Nakache y Eric Toledano, y protagonizada por François Cluzet (‘Pequeñas mentiras sin importancia’, ‘No se lo digas a nadie’) y Omar Sy (’Micmacs‘), está nominada en nueve categorías: Mejor Película, Mejor Director (Eric Toledano y Olivier Nakache), Mejor Actor (François Cluzet), Mejor Actor (Omar Sy), Mejor Guion, Mejor Fotografía, Mejor Montaje, Mejor Actriz Secundaria (Anne Le Ny) y Mejor Sonido. Esta comedia, basada en hechos reales, trata sobre dos hombres que nunca deberían haberse encontrado: un aristócrata herido en un accidente y un joven de los suburbios de París quien se convierte en su asistente y le devuelve las ganas de vivir.

Les siguen ‘L’apollonide (souvenirs de la maison close)’ con 8 candidaturas, pero sin presencia en las categorías principales; ‘Declaración de guerra’, con seis, y ‘Le Havre’, de Aki Kaurismäki con tres. ‘De Nicolas a Sarkozy’ obtiene dos: al mejor actor por Denis Podalydès y mejor actor secundario por Bernard Le Coq y ‘La delicadeza’ una nominación al mejor guión adaptado, donde compite con ‘Un dios salvaje’, de Roman Polanski.

Los franceses no se han olvidado de España. Carmen Maura ha sido nominada en la categoría de mejor intérprete de reparto por ‘Les femmes du 6ème étage’. ‘La piel que habito’, de Pedro Almodóvar, está preseleccionada en la categoría de mejor película extranjera.

Vía | Cinema Series

Comentaba, no hace demasiado, que el film de Guillaume Canet ‘No se lo digas a nadie’ (‘Ne le dis à personne’, 2006) iba a ser refilmado por los estadounidenses. Más concretamente por Ben Affleck, en su faceta de director, quien partiría de un guion basado en parte en la película y en parte en la novela de la que surge esta: ‘Tell No One’, de Harlan Coben. Chris Terrio, autor que ya escribió ‘Argo‘ para Affleck, es el encargado de la adaptación/remake. ‘No se lo digas a nadie’ obtuvo nueve nominaciones a los César, de las que se llevó cuatro premios: mejor director, mejor actor principal, mejor montaje y mejor banda sonora.

François Cluzet, ahora muy de actualidad por ‘Intocables’, protagoniza, junto con Kristin Scott Thomas, Jean Rochefort, Andrè Dussollier, Nathalie Baye, Marie-Josée Croze y Marina Hands, la historia de un hombre que, ocho años después de haber perdido a su mujer, aún no la olvida. La pareja eran amigos desde niños y Alexandre sigue celebrando los aniversarios con sus suegros. Cuando su cuñada y el resto de sus conocidos le insisten en que permita al pasado ser pasado, aparecen nuevas pruebas sobre la muerte de la mujer y, lo que es más misterioso, en la bandeja de correo del protagonista alguien le ha dejado un vídeo en el que él cree reconocer a su fallecida esposa. Todo es tan turbio con respecto a la muerte de Margot como las aguas en las que se bañaban ella y su compañero cuando fue mutilada y él perdió el conocimiento. Como suele ocurrir en casos similares, el primer sospechoso de la policía es el marido y, aunque no se ha podido demostrar su culpabilidad, muchas incongruencias del caso podrían darle la vuelta sin dificultad para cargarle la autoría del crimen. Desconcertado e ignorante de todo, este viudo comienza una investigación que va involucrándolo cada vez más a fondo, hasta el punto de que le resulte imposible desvincularse. Ya solo le quedan dos opciones: demostrar su inocencia por sí mismo o sufrir un injusto castigo.

El guion, escrito por el propio Canet y por Philippe Lefebvre, despliega la intriga de forma hábil y engancha con las primeras cuestiones. La incógnita es tan poderosa que se antepone al exceso de metraje de la película y a un desarrollo que en ocasiones podría considerarse lento. Las revelaciones finales son satisfactorias y todas las piezas encajan en un engranaje que no parece al inicio tan perfecto como luego irá desvelando ser. Consideraría un defecto que la información se ofrezca en un largo diálogo, en lugar de a lo largo de varias secuencias activas. Pero un giro posterior demostrará la necesidad de esa sobada fórmula en este caso concreto.

Las interpretaciones, entre las que se incluye a algunos monstruos del cine francés, como Rochefort o Dussollier, y a la estrella internacional Scott Thomas, son correctas. Pero si hay algo que se le podría pedir a ‘No se lo digas a nadie’ es que los personajes resultasen más cercanos o contagiasen con mayor fuerza sus sentimientos. La película tiene un componente de amor que quedaría por detrás, pero a pocos pasos, de la cuestión policíaca. Sin embargo, el protagonista, por mucho que haga ver que sigue añorando a su mujer, no despierta adhesión con su sufrimiento, quizá por el carácter huraño que suponemos que ha cultivado durante sus años de soledad.

Canet como director

Guillaume Canet, que también es actor, demuestra, tanto aquí como en ‘Pequeñas mentiras sin importancia’ (‘Les Petits Mouchoirs’, 2010), que tiene una mano ágil para la dirección. Gusta de planos con movimiento –en la fotografía podemos verlo manejando la steady–, que siguen las acciones y a los personajes –la cumbre podría estar en ese meritorio plano secuencia con el que comienza su tercer film, estrenado en España en 2011– y eso imprime fluidez a sus películas. En su segundo largometraje, tras ‘Mon idole’ (2002), la secuencia de acción que merecer ser destacada reproduce una trepidante persecución en la que el protagonista, a pie, arrastra a la policía hasta el otro lado del Boulevard Périphérique, donde los barrios marginales suponen un escenario imposible para los agentes. París y sus diferentes estratos sociales quedan retratados de un plumazo, pero con fidelidad.

Podría reprocharle al autor una inclinación excesiva por cargar las películas de música ya que, además de la banda sonora incidental creada para el film que nos ocupa por Mathieu Chedid, no para mientes a la hora de tirar de talonario y pagarse, en ambas películas, canciones de éxito de fuera de sus fronteras. Otra tónica común que he hallado en las dos cintas es el estrato social de sus protagonistas: puede resultar difícil llegar a empatizar con personajes que dedican su ocio a la equitación y el esquí náutico, pero supongo que ese es el mundo del que proviene Canet. Como exhibición de franqueza, en ‘No se lo digas a nadie’ se coloca a sí mismo en la piel del heredero de un imperio hípico, cuya carrera de jockey fue interrumpida repentinamente, como lo fue la del director.

Conclusión

Canet dirige con elegancia y buen gusto, pero sin demasiado brío o fuerza dramática un excelente guion que probablemente sea bueno gracias al material de partida, la novela de Harlan Coben que aquí se ha traducido con el mismo título que la película: ‘No se lo digas a nadie’. Las sorpresas de la resolución compensan los impasses menos atrayentes y como conjunto, el film se coloca entre los thrillers que merecen la atención de cualquier amante del género.

Miradme a mí e imaginad a las chicas que puedan estar a mi alcance” (Will).

‘The Inbetweeners’ fue una serie creada por Iain Morris y Damon Beesley que duró tres temporadas, entre 2008 y 2010, y fue nominada dos años consecutivos al BAFTA a la mejor comedia de situación. En la misma competición, obtuvo el premio del público. En 2011, ganó en los British Comedy Awards el premio a la mejor sitcom. Protagonizada por Simon Bird, quien hoy está en ‘Friday Night Dinner’ y a quien le auguro futuro en la comedia; James Buckley, Blake Harrison y Joe Thomas; la serie británica nos acercaba a las desgracias y miserias de cuatro jóvenes de instituto que no son ni los más “friquis” ni los más populares, sino algo intermedio, de ahí lo de “the inbetweeners”. Sus intentos por perder la virginidad y sus fantasmadas al respecto les llevan a situaciones que, lejos de cumplir con los tópicos en este tema tan manido, van más allá para provocar vergüenza ajena y momentos en los que lo desternillante se da la mano con lo desagradable. Esta serie, que se estuvo emitiendo en el canal E4 y Channel 4, tendrá un remake norteamericano que llegará el año próximo.

Tras la cancelación de la serie, se realizó ‘Supercutres’ (‘The Inbetweeners Movie’, 2011) dirigida por Ben Palmer y escrita por los creadores de la versión televisiva, que se estrenó en el Reino Unido el 17 de agosto. Finalizado el curso académico, Will, Simon, Neil y Jay deciden marcharse juntos de vacaciones. Forman un grupo de amigos muy improbable, ya que cada uno tiene una particular forma de ser, muy diferente a la de los otros tres, pero no tienen a nadie más, lo que los condena a pasar el curso juntos y, ahora que llega el verano, a divertirse unidos. Se despiden de sus padres, de sus novias, quienes las tienen, y dejan sus trabajos. Antes de los exámenes de acceso a la Universidad, tratarán de desfasar al máximo.

Un film para quien conozca la serie

‘Supercutres’ sirve de despedida entre los cuatro amigos y su público, aportando un broche perfecto del que recientemente parecen siempre carecer las producciones televisivas que son canceladas antes de alcanzar su prevista conclusión, dejando a medias las ilusiones y objetivos de los protagonistas.

No puede decirse, no obstante, que la película funcione de forma independiente, ya que no puedo imaginar a espectadores que desconozcan a estos cuatro personajes y sus situaciones disfrutando de los líos en los que se ven envueltos en la cinta. En algunos medios se habla de un estreno español de este film en enero del año que viene o este fin de semana, pero no veo el sentido de estrenarla sin haber emitido la serie –que solo pudo verse en catalán en el canal 3XL–. Sus creadores no se toman la molestia de ofrecer una presentación para los recién llegados, sino que dan por hecho que se reconocerán todos sus aspectos y que el espectador partirá de ahí, pues en Inglaterra la serie resultó un fenómeno. No solo es necesario saber de qué pie cojea cada uno y conocer bien a los personajes secundarios –los padres, por ejemplo, que apenas tienen aquí papel– para entender cada chiste y cada referencia, sino que, además, la exageración que se presenta en algunas ocasiones, solo puede comprenderse si ya hemos visto a los personajes hundirse hasta lo más bajo en los capítulos para televisión.

Pillada de nuevas, sin haber visto la serie, probablemente genere rechazo, pues no encaja exactamente en lo que venimos recibiendo últimamente como comedia descerebrada del tipo ‘Resacón en Las Vegas’, por mucho que presente un viaje protagonizado por cuatro tíos sin freno. El tono en ‘The Inbetweeners’ va por otro lado, con un humor sucio y pasado de vueltas, pero con un tremendo fondo de ternura hacia sus vilipendiados y abofeteados personajes. La película supone un acto de cariño hacia ellos y quienes sí conozcan la serie, encontrarán aquí plena satisfacción, ya que el largometraje mantiene el nivel de comicidad y de falta de decoro de los que han hecho gala las tres temporadas.

La catarsis (spoilers)

Como decía, el hecho de cerrar una serie con una película ha servido para redondear las historias de estos chavales de manera definitiva. Por ese motivo, podemos entender que al final del film ocurra lo que es a todas luces inverosímil, pero que de alguna manera tenía que suceder, ya que sus protagonistas se lo merecían. Me refiero, claro está, a que todos ellos consigan ligues al final de su estancia. Tras hacerlos sufrir y ponerles las cosas imposibles durante tres temporadas, estos pobres diablos y sus seguidores necesitaban la catarsis de verlos marcar un tanto, por increíble que resulte, especialmente en el caso de Will –apodado en la serie como “briefcase twat”, “el idiota del maletín“–, no por ser el menos deseable, sino por soñar con la chica más inalcanzable de todas, de ahí la frase que cito al arranque de la crítica. Este personaje lo encarna Laura Haddock –en la fotografía siguiente–, quien ya dio vida a una mujer con una actitud similar hacia los hombres en otra serie igual de recomendable: ‘How Not to Live Your Life’, que utilizaba la misma estrategia que aquí para lograr la empatía con un personaje deplorable: que los demás fuesen aún peor. (Fin de los spoilers)

Rodada en España

Los cuatro adolescentes escogen acudir a un lugar que les ofrezca “sol, playas, sexo…” sí, en ese momento, todos pensamos que acudirían a Mallorca, sin embargo, su idea es volar hasta Creta. El padre de uno de ellos les comenta que en su época iban a Magalluf –lo que ellos llaman “shaggalluf“–, pero los chicos ya se han decidido por Malia. Lo curioso es que, aunque haya algunas tomas rodadas en Grecia, la mayor parte de la filmación veraniega tuvo lugar, efectivamente, en esa localidad de la Costa de Calvià que, para quienes la conozcan, aparece perfectamente reconocible en los planos. No sé si por suerte o por desgracia, el guion no llegó a modificarse y se mantuvo la idea de que veraneaban en Grecia, lo que probablemente sea bueno, ya que la imagen que se da de esos lugares de vacaciones no es en absoluto exagerada ni errónea, pero no es, sobre todo, positiva.

Conclusión

Con un humor incorrecto y sucio, ‘Supercutres’, al igual que ‘The Inbetweeners’, hace de la desmesura una forma de provocar las risas. Se maltrata a los personajes hasta la humillación de ellos y la incomodidad de quien los contempla. Pero ninguna de estas exageraciones se percibe como irreal, ya que la edad y circunstancias por las que pasan los cuatro protagonistas nos permiten creernos que lleguen a ser así y a actuar de esa manera. Cuatro tipos dispares, condenados a convertirse en amigos por no tener a nadie más que les haga caso y que, a pesar de su falta de cerebro en algunos casos y de habilidades sociales en otros, consiguen finalmente, aunque solo sea por comparación con quienes les rodean, despertar cierta conmiseración.

Mi puntuación:

‘Cuenta atrás’ (‘À bout Portant’), el thriller francés de Fred Cavayé, con Gilles Lellouche, Elena Anaya, Roschdy Zem y Gerard Lanvin, llegará a nuestras pantallas el 20 de enero 2012.

Samuel ha sido acusado de un asesinato que no ha cometido y su esposa, embarazada, ha sido secuestrada. Este enfermero, que trabaja en un hospital, recibe una llamada de los secuestradores que le obligan a ayudar a escapar de su habitación a un herido que está internado con vigilancia policial. Samuel se ve envuelto en una carrera a contrarreloj para salvar a su familia y demostrar su inocencia. A partir de ese momento, empezará su particular cuenta atrás.

Fred Cavayé había dirigido ‘Cruzando el límite’ (‘Pour Elle’), título que posteriormente Paul Haggis adaptó en ‘Los próximos tres días’, con Russell Crowe y Elizabeth Banks.

Tras su estreno en Francia, ‘Cuenta atrás’ ha tenido gran éxito de público y crítica. Estos últimos le han dirigido frases como: “Una carrera a contrarreloj que deja sin aliento al espectador” (Le Parisien). “Un thriller romántico de pura adrenalina con la ayuda de un reparto carismático”. (Télé 7 Jours). “El montaje vivo, el ritmo hiperactivo y la dirección de actores de una precisión quirúrgica hacen desde ahora, este thriller, una referencia”. (Paris Match). “‘Cuenta atrás’ es la cinta de acción de la temporada”. (Elle).

Que se hable de montaje frenético y de ritmo vivo en un film francés nos suena ligeramente increíble, pues no es a lo que nos tiene acostumbrada la filmografía vecina que, incluso cuando se adentra en el thriller o el cine de acción, mantiene su tempo pausado y contemplativo. La han comparado con ‘Frenético‘ o ‘El Fugitivo’. Lo cierto es que el primer tráiler sí que da esa impresión de velocidad vertiginosa y despierta todas las ganas de ver la película, mientras que el siguiente muestra más los colores de lo que le achacamos al cine francés y genera mayores dudas. Con que ‘Cuenta atrás’ ofreciese la mitad de lo que aseguran las observaciones y comparaciones de la prensa, me conformaría.

Vía | A ContraCorrienteFilms.

‘El discurso del Rey’ se encuentra con ‘Paseando a Miss Daisy’ en ‘Intocable’

(The Hollywood Reporter)

Tras su paso por los festivales de San Sebastián y Tokio (donde se llevó el premio a la mejor película y el mejor actor), la comedia dramática ‘Intocable’ (‘Untouchables’) se estrenó el pasado 2 de noviembre en Francia convirtiéndose en uno de los mayores éxitos del año en el país vecino. Es la producción francesa más vista en 2011 (más de 2 millones de espectadores en una semana) y el tercer estreno más taquillero después de las superproducciones ‘Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte 2’ y ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’; en una semana recaudó 13 millones de euros, una salvajada. Y además no pinta nada mal. Un poco edulcorada, sí, pero hay días en los que se agradece un enfoque más amable de la vida. Os dejo el tráiler por si os tenéis curiosidad, lamentablemente no ha sido editado aún en español y solo lo he podido encontrar con subtítulos en inglés. Pese a todo, aunque no entendáis nada de francés o inglés, creo que podéis ver el avance y tener una idea muy aproximada de qué cabe esperar del film, casi todas las escenas se explican sin necesidad de diálogos.

Eric Toledano y Olivier Nakache han escrito y dirigido ‘Intocable’, que está protagonizada por François Cluzet (‘No se lo digas a nadie’, ‘Pequeñas mentiras sin importancia’) y Omar Sy (‘El embolao’, ‘Micmacs’), a quienes acompañan Anne Le Ny, Audrey Fleurot, Clotilde Mollet, Grégoire Oestermann y Christian Ameri, entre otros. La historia gira en torno a la sorprendente amistad que surge entre dos personas que no tienen nada en común: un millonario que se ha quedado tetrapléjico tras un accidente y el hombre al que contrata para que lo cuide, un inmigrante proveniente de los suburbios de París que acaba de salir de la cárcel. A Contracorriente Films se encarga de la distribución de la película en España; no llegará a nuestros cines hasta el 9 de marzo. Tarde.

PD: The Weinstein Company tiene los derechos para distribuir la película en Estados Unidos y hacer el remake. ¿Qué os parecen Dustin Hoffman y Djimon Hounsou?

Vía | Impawards

Hasta el 16 de diciembre tendremos que esperar para ver en España ‘The Artist’ , película muda y en blanco y negro que recrea los mundos de los musicales clásicos de Hollywood y que está protagonizada por Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, Malcolm McDowell, Penelope Ann Miller y James Cromwell, entre otros. El guion y la dirección es de Michel Hazanavicius, director de ‘OSS 117: El Cairo, nido de espías’, película que hacía algo parecido a esta, pero con las aventuras de James Bond, 007..

Al igual que hacía, magistralmente, la divertida ‘Cantando bajo la lluvia’, ‘The Artist’ tomará el momento de cambio entre el mudo y el sonoro para situar su historia y este giro en la forma de hacer cine como conflicto para su protagonista. Hollywood, 1927: El afamado actor George Valentin se pregunta si la llegada del sonoro causará que su estrella se pierda en el olvido. Mientras tanto, Peppy Miller, una joven bailarina que necesita un golpe de suerte para adquirir fama, podría encontrar en ese cambio su momento.

Es difícil hacerse la idea de que encontraremos un gran film tras este trailer que no se despoja del aire irreal de una recreación actual de aquellas imágenes, sin embargo, ‘The Artist’ ha recibido numerosas aclamaciones, incluida la de mi compañero Juan Luis, que la pudo ver en Cannes. El cartel, muy clásico, se queda igual de escaso a la hora de dar pistas sobre la calidad del film que podremos encontrarnos, así que habrá que confiar en las opiniones ajenas.

Vía | IMDb.

El belga de treinta y siete años Geoffrey Enthoven se ha alzado con la Espiga de oro en la 56ª edición de la Seminci 2011 o Semana Internacional de cine de Valladolid, con su película ‘Hasta la vista’, que cuenta, en clave de humor negro y con la intención de romper tabúes gracias a la risa y de predicar el “carpe diem”, la epopeya de tres minusválidos que vienen a España en busca de un brudel acondicionado para sus dificultades. El argumento me recuerda a ‘Nacional 7’, pero habrá que esperar para comprobar si se parecen.

Agnieszka Holland ha sido considerada mejor directora por ‘In darkness’. La espiga de plata ha sido para ‘Las nieves del Kilimanjaro’, de Robert Guédiguian. La española Paula Ortiz recibe el premio Pilar Miró a la mejor dirección novel por ‘De tu ventana a la mía’. Zhou Dongyu, la protagonista de ‘Shan sha shu zhi lian’, de Zhang Yimou, se ha llevado el de mejor actriz y el de mejor intérprete masculino ha ido a parar, ex aequo, en Brendan Gleeson, por ‘The guard’, y Patrick Huard, por ‘Starbucks’. La islandesa ‘Volcán’, de Rúnar Rúnarsson, ha triunfado en Punto de Encuentro, y la australiana Murundak songs of freedom, de Natasha Gadd y Rhys Graham, se ha llevado el premio en la sección Tiempo de Historia.

Anteriormente en Blogdecine:

• Seminci 2011 | El festival de cine de Valladolid anuncia su programación.

• Seminci 2011 | Da comienzo el festival de cine de Valladolid, con ‘Habemus Papam’, de Moretti.

Vía | Europa Press.

Hace bien poco os hablaba, en mi texto sobre ‘Intruders’ (id, Juan Carlos Fresnadillo, 2011), de cómo el tramo final de una película podía echar por tierra y anular todo lo visto hasta ese instante. También os comentaba al respecto de ‘Carga maldita’ (‘Sorcerer’, William Friedkin, 1977), que todos los grandes directores —con la excepción que confirma la regla por motivos evidentes, de Charles Laughton— tienen su película fallida o maldita, incluso varias. ‘Muerte en Venecia’ (‘Morte a Venezia’, 1971) es curiosamente una de las películas más prestigiosas de su director, el gran Luchino Visconti, una de las más admiradas de su filmografía, pero para quien esto suscribe también una de las más flojas, un ejemplo perfecto de la decadencia de un director que, cuando el cine empezó a ser más libre en sus formas, se perdió en sus obsesiones y en un gusto por el detalle realmente obsesivo.

Basada en la novela de Thoman Mann, ‘Muerte en Venecia’ supone la segunda entrega de una trilogía temática bautizada como Trilogía de Alemania, que aunque fue producto del azar —Visconti en realidad quería filmar otra película— conforma junto con la anterior ‘La caída de los dioses’ (‘La caduta degli dei’, 1969) —el film más insoportable de su director—, y la posterior ‘Ludwig’ (1972), un tríptico en el que el director italiano se obsesiona por la diferencia entre lo ideal y lo real, marcando una gran distancia entre ambos. Los deseos, los sueños, la juventud evaporada, el éxito, y frente a todo eso, la lamentable realidad expuesta a través de una sociedad decadente, que no es otra cosa que el propio final de sus personajes. ‘Muerte en Venecia’ explora todo eso de forma muy bonita y también cargante. Afortunadamente, el trabajo de Dirk Bogarde y uno de los finales más impresionantes que se puedan dar en una película, hacen que el viaje merezca la pena.

El principal cambio que existe en la adaptación es el hecho de que el personaje central es músico, mientras que en la obra de Mann es un escritor. Según Luchino Visconti, el novelista quería que su personaje fuese músico, así que el director italiano cambió su profesión y le convirtió en compositor. Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde) es un trasunto del célebre Gustav Mahler —de ahí que Visconti llene de su música el film, en concreto echando mano del Adagio de la Quinta Sifonía, que se repite hasta la saciedad en la película—, sus días están llegando a su fin, y ante la triste pérdida de su hija se recluye en Venecia esperando descansar de tal tragedia. Pero Aschenbach, que siempre ha considerado que la belleza debe alcanzarse con el intelecto, sucumbirá ante la turbadora presencia de Tadzio (Björn Andersen), efebo de aspecto andrógino que representa la belleza absoluta.

El problema de ‘Muerte en Venecia’ es que es repetitiva hasta la desesperación. En un intento por narrar la decadencia de las clases altas en un país que estaba cambiando a marchas forzadas con dos importantes Guerras en el horizonte, Visconti se recrea demasiado en una ciudad de la que seguramente es imposible no enamorarse, y que convierte en metáfora indiscutible del hundimiento artístico, personal y social del propio Aschenbach. Una epidemia es el principal de sus miedos, mientras que Tadzio, el joven que lo mira de reojo, como provocándole y quien sabe si invitándole a acercarse, es su única razón de existencia, aquella que le lleva a cuestionar sus propias creencias sobre alcanzar la belleza. Indudablemente la homosexualidad de Visconti hace acto de presencia en tal premisa y no es descabellado imaginar que esta película es en parte una crítica a todos aquellos que no afrontan su sexualidad.

En las vueltas que Visconti da una y otra vez a la premisa, su obsesión por el detalle se hace realmente insoportable —luego hablan de Kubrick—, llegando a sobrecargar cada plano, cada imagen, logrando que ‘Muerte en Venecia’ sea una producto kitsch en toda regla. Si a ello sumamos un ritmo que decae continuamente, la narración se resiente destacando únicamente la utilización de la música, algo en lo que Visconti siempre fue un genio. En ese continuo enfrentamiento artístico/estético/ético al que el director somete a su protagonista somos testigos de secuencias tan grotescas como la de la irrupción de los músicos callejeros en un hotel, en la que se subraya una y otra vez lo que ha quedado claro ya desde hace tiempo. La película gana enteros o descubre toda su esencia en su tramo final. Aschenbach es convencido por un peluquero de rejuvenecer su aspecto, de recuperar, según las palabras del propio peluquero, lo que le pertenece. Es ahí cuando Visconti no tiene ni la más mínima piedad con su personaje y lo lleva al fondo de la humillación para después abrazarle con el manto de la muerte mientras presencia una imagen imperecedera, la belleza en todo su esplendor.

Ante la desesperación de Aschenbech, que está en una tumbona en la playa, Tadzio se revuelve a modo de juego en la arena con un amigo. Una pelea sin importancia que Aschenbech parece mirar con deseo y al mismo tiempo nerviosismo —dos jóvenes cuerpos retozando en la arena es una imagen que puede llegar a ser muy turbadora, como de hecho es para el músico— por no poder intervenir como en multitud de ocasiones anteriores —atención a la del ascensor donde Visconti se muestra terriblemente cruel con Aschenbech—, pero entonces llega el milagro de la visión. Tadzio se retira hacia el mar creando en su admirador una imagen de ensueño. Como si de un ángel de la muerte se tratase —a través de Tadzio el músico siente lo cobarde que es, lo acabado que está, lo poco que le queda— Tadzio señala en el horizonte un punto en el cielo, el cual parece unirse con el mar. Aschenbech levanta su brazo hacia un punto en el infinito, aquel en el que tal vez se toque con su amado Tadzio, el perfecto ideal de belleza, algo que no ocurre en la realidad. Aschenbech muere derrotado por su propio deseo reprimido, quien sabe si aceptando su completa equivocación al respecto de la belleza (el amor). El tinte que cae por su frente debido al calor es un elemento más en su humillación, la de un artista que sucumbe ante la contemplación de la imagen perfecta.

Pesa sobre Carol Reed, uno de los grandes cineastas británicos que el séptimo arte ha tenido entre sus brazos, el hecho de haber dirigido ‘El tercer hombre’ (‘The Third Man’, 1949), película sobre la que las malas lenguas inciden una y otra vez en que el mayor responsable de sus virtudes fue uno de los actores que intervienen en ella, el mítico Orson Welles. Demostrada su implicación en la dirección de dos escenas, y teniendo en cuenta de que jamás sabremos la verdad, Carol Reed siempre fue considerado a la sombra de dicho hecho. No hay más que adentrarse en la filmografía de Reed para darnos cuenta de que éste ha sido objeto de una injusticia. Su cine es mucho mejor de lo que ha llegado a decirse, y así lo atestiguan films como ‘Larga es la noche’ (‘Odd Man Out’, 1947) o la que hoy nos ocupa, ‘El ídolo caído’ (‘Fallen Idol’, 1948), pertenecientes a la época más creativa de su director.

Basada en una novela de Graham Greene, está escrita por el propio escritor —ayudado en los diálogos por Lesley Storm y William Templeton—, quien en sus años de crítico cinematográfico consideraba a Reed uno de los mejores directores británicos que había, por encima incluso de nombres tan conocidos como Alfred Hitchcock. El hecho de que una de sus novelas fuese llevada al cine por uno de sus ídolos debió suponer todo un orgullo para alguien como Greene, aunque quiero imaginar que el orgullo fue doble. En cualquier caso hablamos de una excelente película que no sólo desvela las virtudes de dos artistas, también es un claro ejemplo de cómo componer una gran historia con elementos muy sencillos. Ambos, director y escritor, recibieron una merecida nominación a los Oscars en 1950.

La historia de ‘El ídolo caído’ narra las vicisitudes de un niño, Phillipe (Bobby Henrey) que vive en la embajada extranjera de Londres, pasando su tiempo admirando al mayordomo, Baines (Ralph Richardson), quien ayudado de su esposa lleva las cosas de la casa. Pero Baines tiene un secreto, mantiene una relación con una mujer de la que está enamorado. Gracias a la infantil indiscreción del niño, y sobre todo a su inocencia, la mujer de Baines se enterará de la infidelidad de su marido. Un fatal accidente empeorará las cosas hasta límites insospechados, y Phillipe, que siempre ha tenido al Sr. Baines como un modelo a seguir, probablemente por la ausencia de una figura paterna, verá como su ídolo irá derrumbándose poco a poco. Una sencilla historia de admiración, en la que no falta amor, una gotas de thriller e incluso terror. El tono del film va cambiando progresivamente hasta un final que enlaza directamente con el inicio.

Reed se toma su tiempo para definir perfectamente a los personajes centrales, para que los conozcamos lo suficiente como para después empatizar aún más con ellos al someterlos a algunas crueldades del destino, y sobre todo a la mala interpretación de los hechos por parte de Phillipe, que al fin y al cabo es un inocente niño que nada comprende del mundo adulto, sólo siente una gran admiración por Baines. En ese aspecto resulta muy interesante que el film siempre conserva el punto de vista de Phillipe, quien lejos de entender lo que está pasando, malinterpreta todo. Sirva como ejemplo, la escena completa del accidente de la Sra. Baines, todo un ejemplo de planificación y montaje, en la que Phillipe observa una discusión del matrimonio desde unas escaleras exteriores a la casa. Mientras baja de piso, ocurre el accidente, y lo primero que ve Phillipe es el cuerpo de la Sra. Baines, y a su marido en lo alto de las escaleras de la casa. La confusión está servida. Phillipe cree que su ídolo ha cometido un asesinato, y pronto la policía empezará a sospecharlo también.

El punto de vista sigue conservándose cuando Reed filma el interior de la casa con grandes planos retorcidos, como perfecta alegoría a lo grande que ve el mundo el niño. Dichos planos servirán además para tensar un relato que va pasando de drama familiar a drama policíaco, en el que todo empezará a complicarse para el Sr. Baines. Y antes de eso la película jugueteará con el drama victoriano, en el que una sorprendente y perfecta Sonia Dresdel se convertirá en una temible ama de llaves —atención a la terrorífica escena en la que se aparece de noche en el cuarto de Phillipe— que recuerda sobremanera a algunas de las más inquietantes de la historia del cine, estando a la cabeza, cómo no, la Judith Anderson de ‘Rebeca’ (‘Rebecca’, Alfred Hitchcock, 1940). Y más tarde, Reed parecerá darle la mano al mismísimo maestro del suspense, cuando el cerco policial se vaya cerrando sobre el Sr. Baines. No hay más que citar escenas como la del avión de papel para saborear el nivel de tensión al que llega la película.

‘El ídolo caído’ incide también en las diferencias entre el mundo infantil y el adulto, y en el camino que hay del uno al otro, la pérdida de la inocencia a través de un viaje que no siempre será agradable —la huida de Phillipe tras el accidente, y terminando en comisaría, semeja un relato de terror, una salida al mundo exterior, donde no hay padre ni madre, y donde uno tendrá que valerse por sí mismo—, como también explora el mundo adulto de las mentiras, y el impacto que éstas pueden tener en un niño. Al final, la llamada materna hará que Phillipe se olvide de lo sucedido, o le reste importancia, con la misma facilidad con la que todo empezó, algo que puede verse como un poco precipitado después de lo complicado que se vuelve todo. En cualquier caso, una excelente película que sin duda callaría a todos aquellos que no valoran a Reed como es debido, al menos en esta etapa de su filmografía. Ya vendrían los años de cansancio creativo.