‘Mr. Arkadin’ siempre se ha tildado de obra menor de Welles, pero incluso en esta incompleta y desestructurada cinta, se aprecia la mano de un artista de su talla. Para todo amante del cine clásico este título tiene un enorme interés, que pertenece a la etapa de su primer exilio europeo, que le llevó a recalar en España para llevar a cabo sus proyectos. Con escaso presupuesto, muy por debajo del necesario para afrontar esta historia con múltiples escenarios, y con algún recorte más obligado durante su filmación, Welles sacó adelante esta película, que guarda una enorme relación con su obra capitular ‘Ciudadano Kane’.

Aunque más en la trama y temática que en el resultado final. Eso es cierto. Welles tenía en mente su versión del Quijote, pero ‘Mr. Arkadin’ fructificó antes y debido a las prisas, la falta de medios y su escasa fe en el proyecto, dieron lugar a una película que se puede calificar de rareza e incompleta. Primero por ser una obra de argumento enrevesado, narrada de forma acelerada y caótica, con constantes cambios de escenarios, un montaje irregular, inconexo y con abundantes errores casi infantiles, impropios de un cineasta de su talla. Cierto es que el montaje final del autor quedó en el aire, por su asumido fracaso y con posterioridad se harían nuevos dando lugar a versiones con ciertas diferencias.

La película, con presupuesto francés, suizo y español, se rodó en gran parte en nuestro país (en recurrentes escenarios naturales como Segovia), sin embargo, muchas secuencias de la historia se desarrollan en distintos lugares del mundo. Aquí la genialidad de Welles para saber afrontar esta situación sin apenas medios. Aproximando la cámara, llenando el encuadre y con abundante atrezzo que diera la impresión necesaria para hacer creer que los personajes se encuentran en Berlín o México. Además, se rodaron dos versiones, la española, con algunos actores patrios y la versión internacional. Ambas idénticas, con los mismos diálogos, aunque la posterior disgregación del material rodado diera lugar a nuevos montajes con ligeras variaciones (el propio Welles años después renegaría del trabajo exhibido, por alejarse por completo de su idea original).

La historia se centra en la figura del enigmático Arkadin y a través de una enmarañada, y por momentos inverosímil, trama vamos conociendo detalles de su pasado. De ahí su cierta similitud con Kane. Van Stratten, un tipo rudo y curtido (Robert Arden) descubre casualmente a un hombre moribundo que le confiesa un nombre para poder acceder a cierta fortuna. El tipo, una especie de marinero, investigador y trotamundos logra localizar al tal Arkadin (encarnado con el propio Welles) e intenta acceder a él a través de su hija (Paola Mori), una joven a la que intenta conquistar. Pero ella, custodiada contra posibles cazafortunas, es la niña protegida de su misterioso y poderoso padre. Cuando llegan al encuentro, Mr. Arkadin, un millonario enigmático, le encarga un informe confindencial (que da nombre al título de la versión internacional: ‘Confidential Report’) sobre su propio pasado, del que no recuerda nada hasta convertirse en Mr. Arkadin. A la vez, éste lo investiga, dando lugar a un juego confuso por su celeridad y atropellada historia.

Como digo, la trama navega en errores narrativos y salta de un lugar a otro, sin muchas claves para entender lo sucedido. Este es el principal bache de la cinta, que con continuos saltos nos va trasladando a distintos escenarios, con múltiples personajes estrambóticos, que van aportando con cuentagotas su particular visión de Mr. Arkadin.

Precisamente esta continua aparición de personajes secundarios supone un enorme acierto y quizás lo más destacable del film (junto con el arranque espléndido de la película). Toda una galería de individuos absolutamente extraños, que resultan brillantes y que acaban todos asesinados: un domador de pulgas, un excéntrico anticuario…

Aparte de las apariciones en escena del propio Welles, que logra llenar la pantalla y ofrece todo su arsenal de capacidad interpretativa, eclipsando al resto, aunque también próxima al exceso y la sobreactuación, pero con una fuerza descomunal. Detrás de una prótesis y una barba que provocan media sonrisa, se esconde un Mr. Arkadin/Orson Welles, que bien parece un desdoblamiento de su propia personalidad. El fondo de la trama es la búsqueda de la verdad, aderezada de confusiones, trampas y dobles personalidades, un tema recurrente en el universo de Welles.

Inolvidable la fábula del escorpión y la rana, en una de las primeras apariciones del personaje de Mr. Arkadin, que resulta una escena sublime y con una intencionalidad que traspasa la mera ficción en la pantalla. Aquí el momento (y algo más):

Para todos los que sientan curiosidad por comparar las dos versiones o simplemente ver esta curiosa película, recordarles que recientemente la filmoteca Fnac y Avalon han sacado a la venta una edición especial de ‘Mr. Arkadin’ con completo contenido extra.

En Blog de Cine | Orson Welles

Tres años después de la muy correcta ‘Buenas noches y buena suerte’, George Clooney vuelve a dirigir y protagonizar una película en este caso menos comprometida y más comercial. Se trata de ‘Leatherheads’, absurdamente traducida como ‘Ella es el partido’, para hacer creer al futuro espectador que el film tiene un eje central que no es tal. Seguramente son los mismos que tradujeron ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’ como ‘¡Olvídate de Mí!’ porque el protagonista es Jim Carrey. Así que, para qué seguir lamentándose… ‘Ella es el partido’ se estrenará el 6 de junio tras varios retrasos.

En fin, que es 1925, y con unos créditos iniciales estupendos a cargo de la música del especialista Randy Newman, nos damos cuenta de que estamos ante una película puramente deportiva. Dodge Connelly (George Clooney) es el maduro capitán del modesto equipo de fútbol americano de Duluth, un pueblo de Minnesotta. Patrocinados por una productora de almidón, se ven obligados a disolver el club por dificultades económicas. No obstante, Connelly ve en un universitario llamado Carter Rutherford (John Krasinski) la oportunidad para poner a Duluth en la categoría de club de élite y convertirlo en un fenómeno mediático.

Con una dirección que se debate entre el clasicismo más conservador (cinematográficamente hablando) y una extraña modernidad, Clooney realiza sin rastro de parsimonia un intento de comedia con grandes tintes nostálgicos. La primera media hora está francamente bien, cuando arranca la premisa argumental y se dejan claras todas las intenciones. El hecho de que Clooney sea director y protagonista se nota quizás en demasía, ya que se lleva más planos de lo que posiblemente requeriría su personaje dentro de la trama. Pero no molesta, puesto que su carisma es tan demoledor que sólo podemos verlo como un acierto del film. De hecho, la situación inversa me pareció un defecto en ‘Confesiones de una mente peligrosa’, el debut de Clooney en la dirección, ya que sólo se reservó un papel secundario, y se echó en falta una mayor química entre Sam Rockwell y él.

En la segunda hora, hay un declive importante, sobretodo porque ‘Ella es el partido’ baja notablemente sus dosis de comedia, y tiende más a explicar el drama en torno al personaje de Carter Rutherford y su abstracta, pero evidente, rivalidad con Connelly. Por supuesto, esto provoca esa sensación en el espectador de que “no pasa nada” y sólo en el final se remonta hasta volver a subir el nivel impuesto por la primera mitad.

Está demasiado centrada a veces en retratar fielmente la ambientación de la época, por encima de confeccionar una buena historia. Una fotografía condicionada por continuos tonos sepia, y la atmósfera sucia, impregnan la película de forma que algunas escenas parecen colocadas sólo para justificar el buen trabajo de vestuario y recreación de los felices años 20. En este sentido, se desvela un buen reflejo de lo excesivo y banal de la sociedad estadounidense, justo antes del crac del 29. Para ayudar a esto, da la impresión de que no estamos ante una película de Clooney dirigido por él mismo, sino ante Cary Grant dirigido por Howard Hawks, o Jack Lemmon dirigido por Billy Wilder… Las influencias son innegables, y de hecho, la pelea central entre los dos protagonistas parece extraída de alguna secuencia de ‘El Hombre Tranquilo’ de John Ford. La omnipresencia de la música de Randy Newman es un punto a favor, ya que permite grandes licencias en cuanto a la tendencia puramente cómica del film.

Y es que eso es probablemente lo mejor de ‘Ella es el partido’: su aura desternillante, su visión humorística de la trama, que en un guión retocado por el propio Clooney y su colega Steven Soderbergh sobresale por su frescura y buen hacer. La cantidad de miradas, gags, desproporciones y tremendismos de la película sirven de homenaje no sólo al cine mudo, sino a la comercialidad de aquella época del cine en el que los mamporros eran casi exclusivamente un motivo para reírse, y la consciencia de que hay que divertir al espectador, absoluta.

Lo que impide a ‘Ella es el partido’ considerarse una gran película es que su mezcla de géneros no termina de cuajar en ningún momento. Si Clooney se hubiera dispuesto a hacer una película deportiva, o una comedia romántica, habría cosechado mejor resultado. Pero la irregularidad que supone combinar ambas, es un vaivén que la película ha de soportar. Además, SPOILER en los minutos finales, tiene que satisfacer las dos características con un final previsible y chapado a la antigua FIN SPOILER.

George Clooney construye con Dodge Connelly (curioso que los nombres se parezcan tanto, al menos fonéticamente) un personaje logrado, entrañable, el típico simpaticón del cine de antaño. Renée Zellweger tiene en sus manos el contrapunto femenino, una periodista que ha de entrevistar a Carter mientras coquetea con Dodge, ese “ella” al que se refiere el título, evocando un triángulo amoroso que funciona con graves intermitencias. Zellweger pone muecas, miradas que evocan inaccesibilidad, y su papel es calcadito, en todos los aspectos, al de ‘Abajo el Amor’. John Krasinski regular, ya que un ídolo de las masas debería, por lo menos, tener una personalidad más fuerte y trabajada. Clooney se lo come cada vez que salen juntos. Por último, Jonathan Pryce, como el mánager de Carter, aporta solvencia con su elegancia, su seguridad en sí mismo y su acento británico.

Podría considerarse, por tanto, que ‘Ella es el partido’ es un proyecto arriesgado, pero no en vano es la tercera película ambientada en otra época que dirige, escribe y protagoniza George Clooney. Aunque algunos le achacarán un paso atrás respecto a ‘Buenas noches, buena suerte’, con la conclusión que cabe quedarse en con que es un título muy entretenido, gracioso y simpático, sin mayores virtudes que las de evitar a toda costa que pensemos que perdemos el tiempo durante las casi dos horas que dura. No se le pueden pedir peras al olmo.

Más información en Blogdecine sobre ‘Ella es el Partido’, George Clooney y Renée Zellweger.

‘Sultanes’ llega a nuestras pantallas este próximo viernes. Se trata de una coproducción entre España y México, auspiciada por la temible Filmax, cuyo máximo dirigente es el más temible aún Julio Fernández, que mete la nariz en todo lo que puede, y mal. De su cartera han salido algunos de los más insoportables bodrios que ha parido nuestro reciente cine, aunque por supuesto hay que reconocerle mérito al hecho de producir mayoritariamente cine de género, y no andarse con chorradas de otro tipo. El problema es que con la intención no llega, y si pensamos en el resultado de algunas de sus producciones, la cosa termina siendo peor de lo esperado.

‘Sultanes’ cuyo título original es ‘Sultanes del Sur’ (y aquí ya me quedo completamente alucinado al desconocer completamente las razones del cambio), versa sobre un atraco a un banco realizado por tres hombres y una mujer, llevado a cabo en México. Todo sale de órdago, y cuando se marchan a Buenos Aires para hacer negocios con un capo de la ciudad, las cosas empiezan a torcerse. El dinero se perderá, y empezará una carrera contrarreloj para recuperarlo, y poder salvar sus vidas.

‘Sultanes’ se trata de la nueva colaboración entre Alejandro Lozano y Tony Dalton después de su aclamada ‘Matando Cabos’. Lozano dirige y Dalton escribe el guión, y de paso, aprovecha para protagonizar la película. Ésta tiene un arranque ciertamente espectacular con un minucioso atraco a un banco, que logra atrapar al espectador sin ningún tipo de efectismo ni trampa. Nos presentan a unos personajes que realizan un peligroso acto delictivo, sin que nos muestren los motivos. El montaje es perfecto, el plan también. Incluso cuando la acción se desplaza, tenemos interés por saber qué seguirá a continuación, pues aún no nos han sido presentadas todas las cartas. Pocos diálogos, justos y certeros, más un ritmo que va in crescendo en su primer cuarto de hora, hacen que pensemos estar ante una cinta de género con fuerte personalidad.

Pero todo se acaba ahí. De hecho, a partir de un cambio brutal de situación, en uno de esos giros de guión que molestan más que sorprenden, y creando lo que se supone es un conflicto entre varios personajes cuando una cantidad de dinero desaparece como por arte de magia, todo lo que sigue está alargado en exceso con momentos bastante inverosímiles, como la visita a un capo y a un jefe de policía, aunque esto último desemboque en un nuevo descubrimiento. Ambas escenas sonrojan por destilar torpeza, sobre todo en los diálogos, que hasta ese momento eran de lo más efectivos, pero de repente les da a todos por abrir la boca y se comienza a hablar de cosas sin sentido alguno. En vez de aportar más tensión a la trama, lo que hacen es entorpecer considerablemente la misma, y dejando al descubierto que esta película parece pensada nada más para un espectacular inicio, y una sorpresa final que se supone nos dejará a todos con la boca abierta.

Y es que ahora parece que haya que ir a por el más difícil todavía en esto de los thrillers, con esos giros finales, sacados mayoritariamente de la manga, y en algunos casos, hasta contradiciendo todo lo narrado hasta ese punto. En este caso ocurre algo parecido, y para no desvelar nada, sólo diré que el detalle de cierto resguardo de equipaje no está claro del todo por lo que se ve en pantalla. Una pirueta argumental poco coherente que desvela el verdadero final de la historia, pero que resulta, a todas luces, forzada, por mucho que venga del personaje más simpático de todos.

En su reparto, tenemos una de cal y otra de arena. Jordi Mollà cae bien dando vida al cabecilla de toda la operación, y la forma en la que lleva a cabo la misma. Su aire de superioridad y chulería, le imprimen al personaje algo de temible por no saber cómo va a reaccionar ante las cosas. A su lado, Silverio Palacios parece encontrarse muy a gusto con su personaje, el cual contiene, por decirlo de alguna manera, los puntos cómicos de la historia. El resto navega por la mediocridad más absoluta, incluso Celso Bugallo que parece no saber qué hacer con lo que tiene entre manos. Por no hablar de Tony Dalton, que orgulloso de su historia, se olvida de darle algo de consistencia a su personaje. Respecto al personaje femenino pocas veces he visto desperdiciar tanto uno como el de esta película.

‘Sultanes ‘es un film fallido, y hasta en ciertos momentos da la sensación de que han improvisado sobre la marcha. No dura mucho, y se hace demasiado larga, tanto en la conversaciones antes citadas, en las que dictan frases ridículas, hasta en un par de escenas de acción, que parecen realizadas simple y llanamente (Moleskine, esto es para ti) para que veamos que disponían de medios. Lo que ocurre es que se les olvidó darle ritmo y emoción a la cosa. Dicha persecución tiene menos interés que la vida sexual de las moscas en América del Sur. Como el resto de la película después de su prometedor inicio.

De la misma forma que tenemos categorías en el blog que corresponden a los estrenos (o sea cine actual) y también a los clásicos (donde dentro de 30 años acabarán todas las películas del cine actual), creo que habría que ir poniendo una denominada algo así como “cine del futuro”. ‘Speed Racer’ entraría de lleno en esa categoría, simple y llanamente por adelantarse a su tiempo de una forma totalmente desvergonzada y libre de prejuicios. El espectador por supuesto tiene que hacer una esfuerzo algo más que sobrehumano para entrar en el juego, en el cual se juegan con las reglas del mundo de los hermanos Wachowski.

Unos hermanos que cuando se dieron a conocer con ‘Lazos Ardientes’, un estimulante thriller cargado de sensualidad (¿quién es capaz de ver las escenitas de Jennifer Tilly y Gina Gershon sin “alterarse”?), ya auguraban que las cosas cambiarían en el séptimo arte. Con ‘Matrix’ fue la confirmación más absoluta. Esa magnífica cinta fue una de las más influyentes en mucho del cine que se hizo posteriormente, y aunque el cierre de la saga fue realmente penoso, quedó abierto un camino por el que experimentar, algo que sólo parecen haber hecho ellos. Con ‘Speed Racer’ han dado un paso más.

‘Speed Racer’ cuenta una historia sencilla, que no simple. Una de esas conocidas historias más viejas que Matusalén, sobre la superación personal, el perseguir los sueños, y el poder de la familia unida para vencer a empresarios corruptos envenenados por el dinero. Todo ello se cuenta en las aventuras de Speed Racer, un joven piloto de carreras, cuyo máximo sueño es participar en la carrera más importante del mundo, para así poder demostrar lo bueno que es. Con él, su familia, compuesta por un padre experto en coches, una madre muy comprensiva, un hermano gilipollas y un chimpancé insoportable, más un fiel mecánico y el recuerdo de un hermano fallecido hace años, y que había sido una leyenda de las carreras. Contra él, simple y llanamente el sistema.

Los Wachowski no son tontos, más bien todo lo contrario. Consiguen mezclar clasicismo y modernidad (o más bien futurismo) en una película apta para todas las edades y todo tipo de públicos, aunque lo más lógico es que sea rechazada. Se le pueden achacar algunas cosas. Por ejemplo, esa parafernalia visual, que aun formando parte del personal mundo de los dos hermanos, termina por marear un poco, aunque es brillante el hecho de que sea algo totalmente opuesto a su famosa trilogía. En aquélla todo era oscuridad con colores apagados, aquí todo es luz con colores vivos, chillones, quizá como grito de rebeldía de sus propios creadores al resto de productos salidos de Holywood. Porque aunque, ésta sea la adaptación de la famosa serie que aquí conocimos como ‘Meteoro’, no hay duda alguna de que los Wachowski han hecho suyo un mundo que ahora les pertenece por derecho propio. También habría que darles una colleja por insertar a dos personajes bastante molestos, cuya participación en el film es la de simplemente resultar graciosos, sin conseguirlo. Me refiero, claro está, al hermano del protagonista y el chimpancé que le acompaña, que viéndole no me queda ni la más mínima duda de que el hombre proviene del mono. Por cierto, ¿cuánto tiempo hacía que no veíamos en una película a un chimpancé como contrapunto cómico? Pensad, pensad, que a lo mejor tenéis que retroceder tres décadas. Dichos personajes protagonizan escenas que no viene a cuento (la de las golosinas) y aunque no terminan resultando del todo cargantes, sí son totalmente excluyentes de la historia.

Las carreras mostrada son todas espectaculares, aunque demasiado parecidas entre sí, y también algo confusas. De hecho posiblemente la mejor de todas sea con la que empieza la película, donde además los Wachowski se permiten el lujo de saltarse a la torera los esquemas clásicos de narración, saliendo airosos de tamaña osadía. El inicio del film con el montaje en paralelo de dos acciones similares y separadas en el tiempo, es una de las virguerías narrativas más deslumbrantes que he visto en mucho tiempo. A partir de ahí, tal vez el film caiga un poco en la repetición, éste se olvida del plano-contraplano en las conversaciones, sustituyéndolo por primeros planos de los personajes desfilando como si de una barrido de cámara se tratase. Puede que los directores abusen de esto bastante, y entre tanta pirueta algunas cosas terminen por pasar desapercibidas. Además, la historia es tan sencillamente sencilla, valga la redundancia, que el film parece ahogarse en su propia forma, aunque sólo en determinados momentos.

Los actores, a pesar de estar embutidos en todo este mundo, está mejor de lo que cabría esperar. Emile Hirsch hace muy creíble su personaje, al igual que Susan Sarandon y John Goodman, que aportan la nota veterana al conjunto, Christina Ricci parece salida literalmente de un anime, y cada día impresiona más como mujer. Mattew Fox hace un personaje algo previsible, pero cumple. Y Roger Allam hace uno de esos villanos a la antigua usanza, odiosos hasta decir basta, tal vez un poco histriónico, pero eso también forma parte del juego. Al niño y al mono ni los cito.

Irregular, excesiva, a ratos simplona, pero lo que no se le puede negar es que es un entretenimiento de primera, capaz de hurgar en nuestras emocionas más primitivas para hacernos gritar de pura rabia en cada nueva carrera a la que nuestro joven protagonista se somete. Los Wachowski han ido a contracorriente, desde el mismísimo germen del cine-espectáculo para ofrecernos lo que el séptimo arte nos ofrece desde el inicio de los tiempos. No es una gran película, pero su valentía la coloca por encima de lo esperado. Un delirio de más de dos horas que se pasan en un suspiro.

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• ‘Speed Racer’, frenético espectáculo palomitero

Seguimos con el western, el considerado como el género cinematográfico por excelencia. Si fuera un producto alimenticio, cada clásico del western debería llevar una etiqueta que dijera: “sólo tienes que probar uno”. El resto, claro, viene solo. Es increíble lo que llegan a atrapar las buenas historias de pistoleros, a pesar de que muchas son similares y juegan con los mismos elementos. El otro día os hablaba de la grandeza de ‘Juntos Hasta la Muerte’, de Raoul Walsh, y hoy le toca el turno a la impresionante ‘El Pistolero’, de Henry King. El orden es por un ciclo de un estupendo cineclub (granadino) al que voy a menudo.

En ‘El Pistolero’ (The Gunfighter, 1950), Gregory Peck encarna al forajido Jimmy Ringo, considerado el pistolero más rápido del viejo oeste. A pesar de que dejó de buscar “problemas”, Ringo se ve obligado a escapar de todas partes, acosado por otros pistoleros, decididos a acabar con él y lograr fama. Tras haber matado, en defensa propia, a un arrogante oponente, y huyendo de los tres hermanos de éste, Ringo se refugia en la localidad de Cayenne. Su llegada causa conmoción y aunque el marshall del lugar, viejo amigo suyo, le pide que se marche, Ringo pide tiempo, esperando poder hablar con una mujer de su pasado…

No quiero repetirme, no al menos con tan poco tiempo entre una crítica y otra (con los pocos que hay interesados en cine clásico como que para colmo se me aburran), así que iré al grano: de nuevo, aplaudir que en apenas hora y media (83 minutos en esta ocasión), se nos cuenta de todo y con un buen puñado de personajes interesantísimos. No deja de sorprenderme, por culpa del “cine moderno” que se saque tantísimo provecho a tan poco tiempo. La culpa la tienen el excelente guión de William Bowers y William Sellers y, sobre todo, la exquisita y precisa dirección de Henry King (responsable de otros westerns como ‘Tierra de Audaces’ o ‘Vengador sin Piedad’). Por supuesto, el reparto también brilla a gran nivel, especialmente la estrella, Gregory Peck, que compone un personaje fascinante.

Peck encarna a Ringo, del que nos dicen en la introducción de la película que es el pistolero más rápido del oeste. Dicho esto, uno espera encontrar un film épico, de acción, de duelos, de rápidos asesinatos a sangre fría, de peleas, amplios paisajes, etc. Un poco de circo con pistolas. Pues no. Al revés. Dramón. Un hombre encerrado que espera su muerte. El pistolero más habilidoso del lejano oeste es un hombre cansado, arrepentido, desencantado, harto de todo, que va de pueblo en pueblo huyendo. ¿De qué? De nada concreto. De su sombra. De su destino. De todo lo que ha ido sembrando y ahora le amenaza con estallar en pleno rostro. El western se cubre de humanidad; no hay sitio para la gloria del que empuña el revólver.

‘El Pistolero’ es un drama pero, ante todo, es lo que suele catalogarse comercialmente como un film de suspense psicológico (o un thriller). En este caso, un western psicológico. Un par de años más tarde, Fred Zinemann rodaría ‘Solo ante el Peligro’, deudora hasta la médula del título que nos ocupa. Ringo huye de tres hombres y se queda en el “saloon” de un pueblo, donde sabe que, tarde o temprano, vendrán a buscarle. Y nadie va a estar a su lado, puede estar seguro. El tiempo juega, por tanto, un papel fndamental y en ese sentido tenemos dos recursos a los que King recurre con frecuencia y con acierto: el reloj, que nos dice que Ringo se está retrasando, y los tres hombres avanzando, el peligro que no se detiene.

Sin embargo, el peligro no sólo le llega a Ringo desde ese lado. Su llegada a Cayenne produce un sonoro revuelo y esto, para un forajido famoso, es el principio de una larga serie de problemas que, de una forma u otra, pueden acabar con su preciada vida. La tragedia se intuye y se teme desde el principio; se mastica y nos hace torcer el gesto, pues sabe mal, a pesar de que el film comienza con un plano precioso que nos hace pensar en leyenda, en gloria. Nada que ver. Como señalaba, el protagonista es un hombre que debe huir de todas partes; pues en todas partes hay siempre alguien que desea su popularidad, llegar a ser el hombre que mató a Jimmy Ringo. Lo mismo que ocurría con Jesse James, disparado a traición por ya sabéis quién, acción que no tuvo, al parecer la repercusión deseada por el pistolero; en el sentido contrario, estaría, por ejemplo, el personaje de James Stewart en cierto film imprescindible para todo amante del cine.

Así pues, tenemos a un pistolero agobiado por su propio nombre, perseguido por hombres sedientos de fama y venganza. La tensión va en aumento, conforme los enemigos de Ringo van creciendo y el tiempo avanza sin piedad. Pero, ¿qué hay del protagonista? ¿Qué hace en Cayenne y por qué se comporta así? Las preguntas tienen respuesta, y todo en beneficio de un film que va mejorando constantemente. En este sentido, el desenlace es un auténtico disfrute que deja sin respiración, emoción en estado puro. Todo se cierra a la perfección, incluyendo un memorable plano final cargado de simbolismo.

Desde luego, King no se queda en la superficie del western o del suspense, sino que nos ofrece una película completísima, donde todos los personajes tienen entidad propia, vida. Como dije, destaca Peck, pero también cabe referirse al magnífico trabajo de Karl Malden (el barman que también quiere su parte del botín, en este caso, la fama de Ringo), Helen Westcott (la misteriosa maestra, crucial en el desenlace), Millard Mitchell (el personaje secundario más interesante, antiguo compañero en la banda de Ringo y ahora marshall de Cayenne) y Skip Homeier (en el papel de, como lo describen en el film, el típico imbécil de cada pueblo que necesita cubrirse de fama), entre otros. Todos tienen participación en esta fatalista partida. Dicho esto, a pesar del tono oscuro del film, hay que destacar los no pocos toques cómicos, algunos sencillamente geniales, como el que acontece en la comisaría con un grupo de mujeres ridículas, defensoras de la moral y la honradez, o en plena calle entre dos hombres que, a saber porqué, se retuercen peleando en el suelo.

‘El Pistolero’ no es sólo uno de los títulos imprescindibles del western, es uno de los grandes clásicos dorados de Hollywood; una película maravillosa, de gran tensión, que, sencillamente, hay que ver. Está editada en DVD en nuestro país.

El 16 de mayo (14 para los madrileños, que tenemos otro puente) se estrena lo último de Claude Chabrol: ‘Una chica cortada en dos’ (‘La fille coupée en deux’), protagonizada por Ludivine Sagnier, Marie Bunel, François Berléand y Benoît Magimel. En ella se cuenta la historia de Gabrielle de Neige (Nieves en los subtítulos), una presentadora del tiempo que se topa con un escritor mayor que su madre. Al mismo tiempo, Gabrielle conoce a un rico heredero, Paul, que se enamora inmediatamente de ella. Ambos hombres la invitan a salir y, mientras ella coquetea con los dos, de quien de verdad está enganchada es del mayor.

Claude Chabrol lleva dirigiendo cine desde finales de los ‘50. Comenzó con un film que le dio gran fama, ‘El bello Sergio’ (‘Le Beau Serge’, 1958), anterior a la irrupción de la Nouvelle Vage. Ya más adelante, hizo uno de los episodios de ‘París visto por’, donde sí compartió cartel con los directores más emblemáticos de este movimiento. Entre sus títulos se encuentran ‘El tigre se perfuma con dinamita’, ‘Las ciervas’, ‘Las infieles’, ‘El carnicero’, ‘Relaciones sangrientas’... También ‘Nada’ o ‘Inocentes con manos sucias’, ambas según las novelas negras del espléndido Manchette. Más tarde llegarían ‘Un asunto de mujeres’, magnífica cinta sobre el aborto que huye de todo maniqueísmo; ‘El infierno’, ‘La ceremonia’… donde quizá alcanza su mayor brillantez en un tipo de historias en el que ya se mantiene hasta ahora.

En esta década ha estrenado trabajos con mayor o menor acierto. Encontré impresionante ‘Gracias por el chocolate’, pero ‘La dama de honor’, no me pareció que transmitiese bien esos sentimientos extraños tan bien retratados habitualmente por Chabrol. Y ‘Una chica cortada en dos’ se queda en la parte de las que encuentro menos acertadas, aunque es más interesante que ‘La dama de honor’.

Lo primero es que vuelve a tratar ese tema tan querido por los cineastas franceses de la joven y el viejo, una fantasía masculina que aquí se lleva al extremo cuando la chiquilla no sólo está dispuesta a cometer todo tipo de actos depravados con el hombre, sino que además, lo ama. Esto que añade al disfrute gratuito del señor un enorme regalo para su ego. Y claro, supongo que quienes estén en esa edad y sean hombres disfrutarán mucho de estos films que les hacen creer que esa fantasía puede ser verdad.

No comento esto con la única intención de hacer una reivindicación feminista, que también, sino más que nada para tratar de encontrar los motivos por los que ‘Una chica cortada en dos’ no ha funcionado desde mi punto de vista. Y es que justo por aquí va el problema: no percibo la más mínima credibilidad en el sentimiento del personaje de la joven hacia el viejo y, al no creerme sus sentimientos, no puedo tener empatía con ella. Y, si no hay empatía, el argumento entero carece de interés. Pero no es sólo la cuestión de que ella sea joven y él, viejo. Se podrían haber introducido muchísimas motivaciones diversas que harían que nos pareciera creíble incluso con la diferencia de edad. El problema es que no hay nada que nos lleve a pensar que ella puede sentirse así. Si se supone que se engancha de él porque la rechaza o porque le enseña cosas sucias, eso ocurre ya más tarde. Su primer interés no está justificado. Pero incluso mientras vamos viendo cómo avanza la relación, esos sentimientos no se nos transmiten. Se nos dice que ella se siente así, pero no lo percibimos con autenticidad.

De los tres vértices del triángulo amoroso, quizá el único que funciona es el del joven, Benoît Magimel, que interpreta a un rico heredero que no tiene oficio (pero sí mucho beneficio) y que cree que se ha enamorado de la joven. Incluso aunque su encaprichamiento sea mucho más rápido y absurdo de lo normal, sí vemos en él una especie de amour fou que podemos considerar verdadero. Pero en los otros dos actores no se percibe nada. Y no es cuestión de que no hagan bien su trabajo, ya que considero que Ludivine Sagnier está magnífica interpretando a esa joven completamente egoísta y seductora. Pero es quizá una mala elección de los rostros lo que hace que no conjuguen bien para estos roles y que no veamos nada de auténtico en lo que se supone que se nos está mostrando.

Puede haber parte de culpa en el guión: Chabrol nos lo muestra todo como fait accompli –hoy me he puesto pedante, pero es que los personajes de la película lo son muchísimo—. Me explico: conocemos a los personajes y ya directamente tenemos que adivinar que son personas que tienen esos sentimientos depravados o retorcidos sin que se nos hayan presentado así. Creo que el autor ha confiado demasiado en que los espectadores están dispuestos a entrar en estas presuposiciones con tal de disfrutar de una historia de las que se muestran tan suyas. Pero no habría hecho daño que nos hubiese hecho ver esas personalidades, en lugar de simplemente comunicarnos que los personajes son así. Se puede hacer el esfuerzo de creerlo como acto de fe, pero el efecto de creerse algo de esa manera nunca será equivalente al de haberlo comprobado por uno/a mismo/a. La empatía con toda la película sería mucho mayor si lo hubiésemos visto.

‘Una chica cortada en dos’, tal como expresa su título, como se ha hecho creer en las sinopsis –y como se expresa con una metáfora deliberadamente obvia en la escena final—, parece que querría contar la historia de una joven que no sabe bien con qué carta quedarse o a cuál de los dos hombres de su vida elegir. Sin embargo, no hay ninguna división en el corazón de esta mujer porque ella lo tiene muy claro: ella sólo quiere al viejo y al joven le hace caso únicamente por despecho. Para que nos creamos que a ella no le interesa el personaje de Magimel, se intenta presentar de forma negativa, como un mimado sin personalidad. Pero esto sólo se hace en algunas ocasiones y en otras es un hombre más cabal y sensato que el escritor y que la protagonista juntos. Y, por otro lado, si el problema son esas fallas de su personalidad, también el mayor las tiene. Esto, además de ser poco verosímil, no es acertado porque impide que veamos a esta mujer ante una decisión difícil de tomar. Aunque se hubiese hecho creíble el que a ella sólo le interesa el escritor, seguiría siendo más interesante como conflicto psicológico que sintiese atracción hacia los dos.

Lo mejor de la película es el retrato social. Decía que los personajes eran pedantes. El viejo es un escritor que crea libros titulados, por ejemplo, ‘La ausencia de Penélope’ y que lo único que sabe hacer es citar frases de otros. En definitiva, es inaguantable –por ello decía lo de que no es creíble que a ella le interese en un principio—. Es maravilloso el retrato que se hace de un entrevistador de un programa teóricamente cultural al que acude este escritor. El presentador no sólo no tiene ni idea de lo que está preguntando, sino que además se las da de listo. También la parodia de programa en el que trabaja la joven es un perfecto reflejo de la estulticia de algunos espacios televisivos actuales. Del mismo modo, la familia del niño rico está muy bien seleccionada y hacen sus papeles de maravilla. Sin embargo, tiene otros personajes, como la madre de la presentadora, que no están nada bien retratados, parecen muñecos sin opiniones ni sentimientos.

En definitiva, ‘Una chica cortada en dos’ es una película que tenía la posibilidad de mostrar grandes dilemas morales, mentes retorcidas, enganches psicológicos que rozan la enfermedad mental, etc… pero que, en mi opinión, no consigue transmitir nada de esto. Sabemos que está ahí porque se nos dice, pero no lo sentimos.

En Blogdecine | Póster y tráiler de ‘Una chica cortada en dos’.

‘En Busca del Arca Perdida’ es algo más que una película, es un milagro. Una de esas obras de arte en las que todos sus elementos se complementan a la perfección, producto de la mente de un director, y un creador, y sus ganas por contar con enorme pasión historias antiguas llenas de aventuras que de niño les hicieron soñar. George Lucas ya había creado a Indiana Jones allá por 1977, y cuando su buen amigo Steven Spielberg le confesó que le apetecía mucho rodar una película al estilo de James Bond, Lucas le salió con un arqueólogo que recorría el mundo buscando tesoros y metiéndose en mil y un peligros, basado todo ellos en los seriales que el director de ‘Star Wars’ veía de crío.

Dejando a un lado todo tipo de anécdotas, como que el nombre es el mismo que el del perro de Lucas (algo que se extendió a la segunda parte con los nombres de los perros de otros componentes del equipo), o como que Tom Selleck fue el elegido después de realizar unas pruebas con Sean Young (Spielberg siempre pensó en Harrison Ford desde un principio, pero Lucas no quería que éste se convirtiese en su Robert De Niro particular, haciendo referencia a la relación profesional que por aquel entonces tenían Scorsese y el citado actor), la verdad es que ‘En Busca del Arca Perdida’ está llena de referencias y chistes privados, bebiendo de todo tipo de fuentes, y consiguiendo al mismo tiempo tener una entidad propia que poca películas alcanzan, tener un universo único y reconocible, y con sus propias reglas.

Steven Spielberg venía de tener su primer gran fracaso, tanto de público como de crítica, con su injustamente atacada ‘1941’, en la que se había gastado una enorme cantidad de dinero. Pero seguía siendo el director de dos de las películas más taquilleras de la historia, ‘Tiburón’ y ‘Encuentros en la Tercera Fase’, por lo que no tuvo ningún problema para convencer a la Paramount con este proyecto que prometía devolver en todo su esplendor el olvidado cine de aventuras de los años 30 y 40. Y eso es algo que se respira por los cuatro costados en esta película. El personaje de Indiana Jones tiene algo del personaje de Humphrey Bogart en ‘El Tesoro de Sierra Madre’, el personaje de Marion recuerda a esas viejas heroínas al estilo de Carole Lombard, el personaje que interpreta Ronald Lacey tiene su inspiración en Peter Lorre, y toda la película tiene un aire al estilo de las películas de Michael Curtiz.

El film comienza con el mismo esquema que una película de la saga Bond, con una aventura a punto de acabar, y de la que el personaje central sale airoso aunque no sin grandes problemas que sortear. A partir de ahí, y con una más que concisa presentación de Indiana Jones dando clases en la Unversidad, escena en la que Spielberg homenajeó a Eastwood calcando punto por punto una escena de ‘Licencia Para Matar’ (curiosamente por realizar este film, Eastwood declinó interpretar ‘Tiburón’, en el papel que luego haría Roy Scheider, lo que son las cosas): la de la chica que tiene escritos en sus párpados I Love You, el film no ofrece respiro al espectador, metiéndolo en una especie de montaña rusa, con una set piece tras otra. Del Nepal al Cairo y de ahí a una isla en la que tiene lugar el clímax del film. Al más puro estilo Bond, se viaja por todo el mundo, sin que el ritmo decaiga ni un sólo instante.

A ello contribuye un guión absolutamente perfecto, de uno de los mejores guionistas que ha dado el Holywood de los últimos 30 años: Lawrence Kasdan, y que curiosamente ya había participado en la escritura de ‘El Imperio Contraataca’, su primer guión para el cine. La labor de Kasdan es encomiable por cuanto condensa a la perfección, y con un envidiable sentido del equilibrio, los múltiples elementos de una historia en apariencia sencilla (aventuras, amor, humor…), pero que va más allá del simple relato aventurero. Por supuesto, Spielberg lo filma todo con una puesta en escena de las que hacen historia, y ayudado por la labor de Michael Kahn en el montaje, consigue el milagro. Dotar de entidad propia un film que sobrepasaría todos los límites conocidos, conjugando una vez más, y como es habitual en su director, comercialidad y calidad en perfecta comunión. Amenizado, como no, con una de las bandas sonoras más reconocidas de todas cuantas se hayan hecho, y sobre la que no hace falta decir absolutamente nada, pues un nombre llega para decirlo todo: John Williams.

Pensar hoy día en que otro actor que no fuera Harrison Ford, pudiera hacerse con el personaje, es algo que nos resulta difícil de aceptar. Ford está perfecto, y le da un toque de ironía a Jones que le queda estupendamente. Todo un reto para un actor que venía de dar vida al mítico Han Solo, personaje demasiado parecido al del arqueólogo, pero del que logra apartarse, haciéndolo tal vez más humano, con una mezcla de elegancia y chulería, más un sombrero y un látigo, por supuesto. A su lado, Karen Allen, daba vida a una heroína muy particular, un personaje femenino con fuerza, y que se compenetra a la perfección con Ford (impagable su encuentro/reencuentro). Paul Freeman como el arqueólogo francés Bellocq, un villano de altura para nuestro héroe, y por supuesto, los nazis como los verdaderos malvados de la historia, ambientada en 1936.

Es curioso como los elementos sobrenaturales se entremezclan con todo lo demás. Toda la explosión final de efectos visuales, en la que vemos representada, por así decirlo, la Ira de Dios, nos es convenientemente presentada con anterioridad en un par de escenas, una crucial, en la que Jones explica qué es el Arca de la Alianza, y más adelante, y en boca de varios personajes, la advertencia de que es algo con lo que no se debería jugar, algo que no pertenece a este mundo. Lo justo y necesario para que el final sea de lo más coherente, y a la vez fascinante, encerrando consigo más secretos de los que nos han sido desvelados. Y ésa es también es una de las múltiples razones de su éxito, el haber elegido algo conocido por todos, y al mismo tiempo sobre lo que no sabemos nada, pues no conocemos dónde termina la historia y dónde la leyenda. Por supuesto, la trama contiene connotaciones religiosas, de interés para un buen número de espectadores, y que le confieren al film un marcado aire de misterio que tiene enganchado al público en todo momento. Y más loable es el haberlo enmarcado todo con un espíritu de serie B bien palpable, al estilo de las viejas películas de la Republic.

En 1981, un servidor tenía 11 años cuando la disfrutó en una sala de cine y se quedó completamente fascinado. Hoy, 27 años después, ‘En Busca del Arca Perdida’ no sólo ha aguantado el paso del tiempo sin perder ni un ápice, si no que es mejor de lo que era entonces, poniendo en ridículo a la mayor parte de las películas que actualmente salen de Hollywood. Y con ella Spielberg aún nos sigue devolviendo la verdadera magia del cine, la de hacernos soñar más allá de la pantalla, olvidándonos de todo lo demás. Da igual las veces que se vea, la emoción sigue viva en cada nuevo visionado, y no morirá nunca. Uno de los últimos grandes clásicos. Una obra maestra.

En Blogdecine | Harrison Ford, Steven Spielberg, George Lucas, Karen Allen

Ha llovido mucho desde que ‘Meteoro’ amenizaba las mañanas televisivas, junto a una interminable sucesión de series de dibujos animados, y hacíamos crujir los cereales en nuestra boca mientras nuestras madres nos metían prisa para ir al colegio. Con Fernando Alonso en una situación un tanto apurada, los espectadores seguramente irán a puñados a ver a un héroe ganador en la pista, más próximo a Rayo McQueen de ‘Cars’ que una persona con defectos relevantes. Y tengo que decir una cosa para adelantarme a los acontecimientos: en conjunto, ‘Cars’ es bastante mejor que ‘Speed Racer’. Y todo, porque ‘Cars’ tiene un público definido, un target que dirían los publicistas, y esta película carece de él.

El productor Joel Silver ha estado detrás de la trayectoria de los Wachowski, y parece que este vínculo ha llegado a su fin. Así puestos, los hermanos responsables de ‘Matrix’ han bordado una película única en cuanto a su aspecto visual, y han pensado que la mejor forma de ofrecer un producto familiar es combinar una mezcla entre la ingenuidad más pastelosa y el enrevesamiento más gratuito. De esta forma, los niños pueden disfrutar mucho con ‘Speed Racer’, pero no por la historia (demasiado complicada para los que cursan Primaria), sino por las carreras y el frenetismo perpetuo en el metraje. Los adultos, sólo quizás, aunque los habrá que se muestren abiertamente abrumados por la original, creativa e imaginativa dirección de la que se hace gala en la película.

Desde el primer segundo, se presenta al protagonista absoluto, sin andarse con tonterías. Es decir, a Speed Racer (Emile Hirsch), poniendo al espectador en situación, y expresando sin tapujos el trauma de un talentoso piloto que perdió a su hermano mayor, y ahora sigue un camino tremendamente similar. Todo barnizado con convencionalismos, de forma que los diálogos, por ejemplo, resultan tan escuetos y triviales que incluso puede pensarse en la autoparodia. Pero enseguida nos damos cuenta de que los Wachowski, lo que realmente han hecho es divertirse, exprimiendo como buenamente pueden la paupérrima base argumental de los dibujos animados, y experimentando hasta la saciedad con su irrepetible forma de tratar el cine.

Por supuesto, todo esto implica que todo espectador con dos dedos de frente se ilusionará más por la estética del film que por su propuesta argumental, que a pesar de todo no carece de cierta simpatía. Y es que la fotografía es alucinante, el estilo colorista y ultracargado beneficia a las escenas, hay planos nunca vistos con anterioridad, y una gama de secuencias que hace las delicias de los amantes de los aspectos técnicos de una película, como es mi caso. El homenaje a los dibujos animados y hasta a los videojuegos es muy obvio y logrado, y constituye una atmósfera muy estimulante.

Hasta tres grandes carreras se suceden en la película, y ninguna de ellas ve mermada su principal función: entretener y evitar que miremos el reloj, como sí ocurre con las escenas “familiares”. La familia Racer en ningún momento despierta empatía, a pesar del buen hacer de John Goodman y Susan Sarandon como los padres del protagonista. También aparece Christina Ricci, novia del héroe, en una relación tan insípida que hasta resulta repulsiva. Matthew Fox aparece en un papel misterioso, pero pasándoselo pipa. Pero Emile Hirsch, que con sólo una mirada se comía la pantalla en ‘Hacia Rutas Salvajes’, no despierta el menor afecto que cabe esperarse de un personaje de este tipo.

Por lo demás, ya sabeis: buenos muy buenos, malos muy malos, un mono que pretendidamente hace gracia, un niño repletísimo de clichés, y SPOILER un final orgásmico de esos que tanto gustan a los productores de Hollywood, para que el espectador poco exigente se vaya de la sala con una felicidad artificial FIN SPOILER. La música, del habitualmente inspirado Michael Giacchino, a veces está bien, el resto fatal. No así el sonido, con una producción aceptable. Y, como era previsible, a la película le sobra media hora, como mínimo, ya que ‘Speed Racer’ dura dos horas y a esa altura a un servidor ya se le ha terminado el tarro de palomitas. La segunda mitad, en este sentido, es especialmente redundante. El uso de flashbacks, acertado y dinámico al principio, termina siendo deplorable, con una recopilación de frases que nos trata descaradamente como a tontos.

Una película entrañable, atípica y excesiva, que no sabe encontrar un público en quien apoyarse económicamente hablando, que tiene todos los defectos y limitaciones que cabía esperarse, y que para muchos no tendrá más repercusión ni interés que el de comprobar que los Wachowski llevan años de adelanto a la mayoría de cineastas, al menos en el ámbito visual.

Más información en Blogdecine sobre ‘Speed Racer’ y los Wachowski.

Cuando Frank Darabont sacó esa emotiva maravilla llamada ‘Cadena Perpetua’, muchos, entre los que me incluyo, nos dispusimos a seguir la filmografía de este cineasta. Aunque no han llegado al nivel de esta película, hay que reconocer que sus siguientes títulos han sido cuanto menos interesantes, aun con sus defectos. Por ello, ‘La Niebla’, nueva adaptación de Stephen King (de una homónima colección de relatos), que se estrena el 30 de mayo despierta cierta expectación y más después de ver su efectivo trailer.

Aclaremos una cosa: ‘La Niebla’ puede considerarse, en todos los aspectos, y como bien digo en el título, como una película de serie B, que cumple perfectamente su función y que satisface al que ya sabía desde un principio lo que la película iba a ofrecerle. En este sentido, todo parece encajar en la historia por lo menos durante la primera mitad, y se agradece la valentía de Darabont al atreverse a filmar una trama de terror que bajo cualquier punto de vista apesta a convencional.

En un pueblo de Maine, se presenta al artista David Drayton (Thomas Jane) que va con su hijo al supermercado en lo que se intuye como vida idílica. La típica propuesta, ya sabeis. De pronto, una intensa y repentina niebla inunda todo lo que antes era visible, y ninguno de los empleados o clientes del supermercado, alrededor de unos cuarenta, se atreve a salir. El horror y la paranoia vienen cuando parece que la niebla trae unos monstruos dispuestos a acabar con ellos.

Es curioso que Darabont planteara dos dramas carcelarios, uno desde el lado de los presos (‘Cadena Perpetua’) y otro desde el lado de los carceleros (‘La Milla Verde’). Ahora se atreve a ofrecer el contrapunto a lo que fue ‘The Majestic’, un melodrama en un pueblo que parecía del mundo de las gominolas, para mostrar uno compungido por el miedo y sin saber a qué atenerse.

La historia cuenta con elementos que resaltan como puramente típicos de Stephen King, con quien Darabont ha demostrado mantener un vínculo especial a la hora de adaptar sus obras. La señora Carmody, excelentemente construida por Marcia Gay Harden, es una fanática religiosa que convive con el resto de personajes del supermercado, y trata de convencerles de que lo que realmente ocurre es un castigo de Dios, un Dios salido del Antiguo Testamento, y pronto se revela como la verdadera villana del film. Un personaje, por tanto, que si se mira bien es bastante próximo al de Annie Wilkes (encarnada por Kathy Bates en ‘Misery’).

Lo más importante es la atmósfera que, con simples trazos, está muy bien conseguida. A lo que no ayuda, por cierto, la mediocre música de Mark Isham. La dirección es solvente y hay ciertas escenas, como la del garaje, que son de lo más estimable que he tenido la ocasión de ver últimamente dentro del género. Asimismo, la claustrofobia que provoca el espacio cerrado que conforma el supermercado ayuda mucho a la sensación de incertidumbre paranoide que se ha de manifestar al espectador. Darabont prefiere insinuar todo el tiempo el terror, y sólo lo muestra en determinadas escenas. Esto es una gran virtud de ‘La Niebla’, pero irreversiblemente, como ya he dicho, conduce a un importante declive en la segunda mitad del metraje, donde todo es más simple y menos misterioso.

Con un reparto compuesto en gran medida por actores habituales de Darabont, como William Sadler, Jeffrey DeMunn o Laurie Holden (ésta última la mejor junto con Harden), el personaje protagonista recae sin acierto en Thomas Jane, con un liderazgo que le viene muy grande, y su nada convincente actuación contribuye sin duda a ese mencionado tufillo a serie B de la película. Destaco particularmente a Toby Jones que, en su papel secundario, y a pesar de su extraño aspecto físico, desprende un carisma arrollador.

No es difícil la tarea de adivinar claras influencias en la forma de mantener el pulso narrativo y la perpetua intriga en la trama: podemos ver en ‘La Niebla’ un refrito de las películas de M. Night Shyamalan, sobretodo ‘Señales’, aunque también, por su coincidencia de propuesta argumental, lo cierto es que recordamos con facilidad ‘Los Pájaros’, de Alfred Hitchcock. Hay ciertos fallos de guión totalmente evitables, y que van en pro de una efectista tensión progresiva. Por ejemplo, SPOILER ¿de verdad que los bichos no atraviesan los cristales? ¿Y eso por qué? ¿La vieja sobrevive a todas las situaciones? Inverosímil. ¿Tan tontos son los personajes secundarios para hacer caso tan rápidamente a la fanática? El militar y la cajera, como tontolitos… un poco repulsivo. FIN SPOILER. En definitiva, no hay esfuerzo alguno por evitar ciertos clichés y diálogos insustanciales.

Pero, sin duda, lo que más da que hablar en ‘La Niebla’ es su final, que es, como dirían los anglosajones, “absolutely astonishing”. Es un final extremadamente arriesgado, cargado de cinismo, y que redunda en la reflexión que se ha insinuado durante toda la película: “El hombre es un lobo para el hombre”. Y es que, por encima de los monstruos, la película trata de analizar el comportamiento agresivo y desesperado que puede determinar al ser humano en una situación adversa de este tipo. El ser humano es pues, una amenaza aún mayor que los monstruos. Cómo no recordar la inmejorable novela de William Golding, ‘El Señor de las Moscas’. Qué pena que la mala implicación de Thomas Jane lastre el momento. Y es que el final da que pensar. Y mucho.

En definitiva, estamos ante una película que está mejor cuando no desvela su exceso de ambición, molesto en algunas escenas, curioso y reconfortante en otros. Si se ve como un thriller con tintes de horror, está perfectamente planteado y es indudablemente una película estimable. Con ‘La Niebla’, mayores expectativas darán lugar a inequívocas decepciones.

Más información en Blogdecine sobre ‘The Mist’ y Frank Darabont.

Ya os he comentado anteriormente que aquí, en Granada, tenemos un estupendo cineclub que, cada martes y viernes, proyecta clásicos (la mayoría) en pantalla grande y en versión original subtitulada. El pasado martes, con motivo de un ciclo sobre el glorioso género del western, tuve la suerte de ver ‘Juntos Hasta la Muerte’, una nueva versión de la novela ‘High Sierra’, de W.R. Burnett, que Raoul Walsh realizó años más tarde de ‘El Último Refugio’ (1941). Walsh traslada la historia del cine negro al salvaje oeste y nos proporciona un impresionante, trágico y romántico drama de aventuras sobre cosas tan poco importantes como el amor, la muerte, el honor, la amistad o el destino.

‘Juntos Hasta la Muerte’ (‘Colorado Territory’, 1949) se centra en el forajido Wes McQueen, que tras escapar de prisión debe realizar un último asalto a un ferrocarril, un trabajo fácil del que se espera obtener un gran botín. Sin embargo, Wes encuentra pronto demasiados puntos oscuros en el plan y en los que le acompañarán en el atraco, con la excepción de una bella mujer de origen indio, Colorado Carson.

Discutible podría ser si el señor Raoul Walsh realiza un remake de ‘El Último Refugio’ o una nueva versión de la citada novela de Burnett. Pero este asunto realmente creo que carece de sentido, ¿qué más da? Ambas películas son maravillosas, y aunque cuentan la misma historia, tienen bastantes diferencias, lo que hace que ‘Juntos Hasta la Muerte’ sea tan interesante y fascinante como la que protagonizó uno de los mayores mitos del séptimo arte, el señor Humphrey Bogart (tan pequeño físicamente como grandioso actor).

Como ya dije cuando hablé sobre ‘Pacto Tenebroso’, resulta increíble cómo hay muchos clásicos que en apenas hora y media te cuentan una historia completísima, con abundantes giros en la trama, que nunca se detienen, llena de personajes multidimensionales, todos con algo que aportar. Walsh nos narra de todo en ‘Juntos Hasta la Muerte’. Como he señalado antes, esta película tiene tiempo para hablarnos del amor (Joel McCrea y sus dos “amores”), la muerte (me ahorro los spoilers), la amistad (la que surge entre el personaje de McCrea y el de Henry Hull) o el destino (el memorable desenlace, que recuerda un poco a cierto film de King Vidor).

Como ejemplos de esto, y para destacar momentos de esta magnífica película, cabe referirse a la escena en la que Wes McQueen, tras escapar de prisión, va a buscar a su amada y el hermano pequeño de ésta le dice “se ha ido”; lo que viene a continuación es poco menos que un puñetazo en el estómago. Más adelante, destacar también la llegada de McQueen a Todos Santos, la ciudad abandonada y casi maldita, donde ahora sólo llegan serpientes perdidas. Otra de las mejores partes de la película es la relación que se establece entre los Winslow y McQueen, quien los ayuda en todo lo que puede, pues los toma como símbolo de lo que él aspira, una vez que ya se encuentra cansado de estar al margen de la ley. Pero creo que lo más brillante de ‘Juntos Hasta la Muerte’ llega en el último tramo, del que no voy a contar nada (de hecho, espero no haber desvelado nada a quien haya leído hasta aquí sin ver el film), salvo que, al margen de cierto plano, con unas manos entrelazadas, merece ser recordada la siguiente línea de guión: “Que somos un par de imbéciles soñando en una ciudad muerta en medio del desierto algo que no ocurrirá”. Brutal.

El desierto, la ciudad abandonada, el “último refugio”, es parte fundamental de la película, como si se tratasen de otros personajes de la trama, presencias que dicen mucho del ambiente, la historia y el destino de quienes viven y mueren allí. Casi se siente el sofocante calor y se seca la boca cuando McQueen cabalga hacia el escondite de los forajidos, por no hablar de la parte final, huyendo de los “centauros de la ley”.

En ‘El Último Refugio’, los protagonistas eran Bogart, encarnando a “perro loco”, Ida Lupino y Joan Leslie. En ‘Juntos Hasta la Muerte’, esos papeles son encarnados por Joel McCrea, Virginia Mayo y Dorothy Malone. No creo que deban ser comparados, como he señalado, hay demasiadas diferencias entre las dos historias, quizá de matices, pero diferencias al fin y al cabo. Y si bien es cierto que Bogart y Lupino estén inmejorables, me niego a considerar por debajo a la pareja que forman McCrea y Mayo, aunque sólo sea por ese sueño imposible que ambos pretenden lograr ciegamente, mientras un grupo de pistoleros van a su encuentro en busca de sangre.

Y es que resulta que aquí no hay malos ni buenos. Cada uno cumple con su función/papel y trata de sobrevivir, de salir adelante lo mejor posible. Como en los mejores westerns. En todo caso, se juega a darle la vuelta a los típicos roles. Es decir, si consideramos la ley como motivo de diferenciación, hay quienes la hacen cumplir y quienes la incumplen. Pero en
‘Juntos Hasta la Muerte’ los hombres de la ley no dudan en usar la violencia, engañar y asesinar. Por esto, cuando persiguen a la pareja protagonista, uno no duda que la tragedia hará acto de presencia. El espectador no tiene dudas, se pone del lado de los bandidos, del romanticismo sin sentido ni posibilidad.

Volviendo al reparto protagonista, es cierto que McCrea puede resultar a veces un poco frío, especialmente si tenemos en mente a Bogart en ese rol similar; pero creo que todo forma parte de entender a un personaje que está cansado de todo, harto de su vida, casi sin vida. Por eso, cuando encuentra a la chica que interpreta Malone, y oye la historia del que encarna Hull, recupera cierto brillo, recupera algo de sentido. Este desarrollo del personaje, podría decirse que del desierto al cielo (aunque sea soñado), tiene su culminación en el abrir de ojos que implica la fiel mujer a la que Mayo da vida.

Si queremos encontrar defectos en ‘Juntos Hasta la Muerte’, creo que lo más reseñable es la inclusión de ciertas escenas que no aportan gran cosa y que sólo ralentizan la narración, pero realmente aburrirse en los 90 minutos que dura el espectáculo es altamente complicado. Personalmente, sólo encontré algo “absurdo” cierto mensaje que McQueen escribe en la pared, aunque imagino que sobre el papel tendría su sentido (¿quizá despistar al espectador sobre lo que viene después?).

En cualquier caso, magistral título de Raoul Walsh, un fantástico, romántico, tenso, trepidante, bellísimo y, sobre todo, triste western de antológico desenlace. Imprescindible.

• Críticas de otras películas de Raoul Walsh en Blogdecine:

‘El Arrabal’

‘El Último Refugio’

‘Background to Danger’

‘Al Rojo Vivo’

Robert Mitchum nos acostumbró en la mayoría de sus películas al tipo duro, sobre todo en sus westerns, o cintas de cine negro, cuando no nos atemorizó hasta límites insospechados en títulos como la atemporal ‘La Noche del Cazador’, dando vida a uno de los villanos más influyentes en el séptimo arte. Casi siempre estaba del lado de la ley, aunque eso no significaba que sus personajes representasen en modo alguno la bondad. Siempre había matices que decían que en cuestión de personas no todo es blanco o negro, si no que hay una gran variedad de grises. Sin embargo, en ‘El Soborno’, Mitchum da vida a uno de esos policías íntegros y honrados que no han cometido una falta en su vida. No hay un sólo ápice de sombra en su personalidad. Un hombre honesto en un mundo de delincuentes y corruptos.

‘El Soborno’ es una película medio olvidada de un director completamente olvidado, John Cromwell, uno de esos realizadores que no obtuvieron tanta fama como otros a los que no hace falta citar, y que sin embargo no tenía nada que envidiarles. A Cromwell le debemos grandes películas como ‘Desde Que te Fuiste’ o ‘Sin Remisión’, y también ésta que nos ocupa, cuyo rodaje no estuvo exento de complicaciones, llegando a sentarse en la silla de director gente tan dispar como Mel Ferrer, Tay Garnett o Nicholas Ray.

Lo cierto es que resulta difícil saber quién dirigió qué partes de la película, aunque la mayor parte del trabajo corresponde a Cromwell. El temible Howard Hugues fue su productor, quien ya había producido una versión anterior en 1928, basada a su vez en una obra teatral. Para este remake, se contó en un principio con la colaboración de Samuel Fuller a la hora de escribir el guión, pero parece ser que éste no fue del agrado de Hugues, y Fuller fue sustituido. ‘El Soborno’ (‘The Racket’, 1951) narra la historia de un jefe de policía honesto como pocos, que se verá relegado a comandar una comisaría de barrio, a la que es destinado para que no dé muchos problemas. Sin embargo allí, nuestro héroe no se dará por vencido y pondrá todo su empeño en atrapar a un importante gangster que influye sobre todo el mundo, llegando incluso hasta jueces.

Ante todo ‘El Soborno’ es un film realista. Ficción, pero con un toque de “verdad” en lo que vemos, tal y como le gustaba hacer en sus últimos trabajos a Cromwell, que llegamos a introducirnos en su historia de forma totalmente natural. Gracias a un guión, que bien podría haber servido para un western (¿tendría Fuller algo que ver en esto?), claro y conciso y lleno de matices, nos adentramos en un mundo lleno de corrupción a todos los niveles. Un mundo en el que no parece haber sitio para la honradez, y mucho menos la esperanza, a no ser, claro está, que ésta se vea reflejada en dos de los personajes que pululan por el film, y que ante la aplastante y terrorífica realidad que les rodea, parecen unos míseros secundarios enfrentándose a algo imposible de vencer. Una tela de araña que poco a poco nos va descubriendo sus rincones más oscuros, por lo que descubrimos que nuestro héroe tal vez no tenga nada que hacer. En ese aspecto, el clímax de la película está más que conseguido, y su final no es típico, sino coherente con todo lo que hasta ese momento nos han contado.

Cromwell contó para esta cinta de cine negro en el más puro estilo, con dos monstruos que ya coincidieron con anterioridad, y volverían a trabajar juntos. Robert Mitchum y Robert Ryan dan vida respectivamente al jefe de policía y a un gangster capaz de todo por salir siempre impune de cualquier lío en el que se meta. Los dos actores se compenetran a la perfección, y creo que Ryan le gana la partida a Mitchum, y con diferencia. Es curioso comprobar como éste último no le da demasiado carácter a su rol, y hasta parece encontrarse incómodo dando vida a alguien tan honesto. Sin duda, es de lo más flojo de la película. En cambio Ryan se sale por todos lados, teniendo a su disposición un personaje tan odioso y poder recrearse en él de mil formas, sin llegar jamás a sobrepasar ciertos límites que muchos han cruzado cayendo en la sobreactuación. El bien y el mal de nuestra sociedad (resulta sorprendente lo moderna que es la película) representados en dos personajes radialmente opuestos, dando vida a dos formas de entender la vida demasiado simples, o tal vez prácticas. En los secundarios, la cosa se expande, y aunque éstos no resultan tan fascinantes, cobra importancia la figura de un policía que ayuda a nuestro héroe a poner las cosas en su sitio, un pobre hombre con la única fuerza de su propia voluntad y un sentido del deber y la justicia únicos, incorruptible hasta la médula, porque hasta los más pequeños (socialmente hablando) pueden tener la fuerza para combatir a los más grandes. Por supuesto, como en toda cinta de cine negro que se precie, tenemos a la mujer fatal, aunque aquí no cargan demasiado las tintas en ese aspecto, y esta vez la presencia de Lizabeth Scott no resulta tan perturbadora como en otras ocasiones. Una pena.

‘El Soborno’ es una estupenda película con un ritmo increíble. Una pequeña joya que hará las delicias de todos los amantes de los buenos thrillers, con una historia llena de interés y de rabiosa actualidad. El sistema funciona a veces, y cuando no lo hace, es mejor esconderse, a no ser que haya alguien como el personaje de Mitchum en este film. Demasiado bonito para ser verdad. Cromwell nos convenció de ello, y esa es la magia del cine, que podamos creer en lo que muchas veces nos cuenta.

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Creo que nadie se ha dado cuenta, pero el pasado 30 de abril se estrenó en España cierta peliculilla sobre un ricachón muy chulo que se construye una armadura ultramoderna en su tiempo libre para justificar su gusto por las armas, sin que le vuelvan a secuestrar terroristas confusos y/o molestar con preguntas las más seductoras reporteras. Se titula ‘Iron Man’ y está basada en el personaje de cómic de la Marvel.

Ahora en serio, que una película como ésta haya recaudado, en pocos días, más de 200 millones de dólares en todo el mundo, y que ya haya una fecha para la rápida secuela, da que pensar. Al menos a mí, claro, que veo, una vez más, que me encuentro en el bando de los “bichos raros”. O quizá ahora soy el único que no siente ningún tipo de entusiasmo por ‘Iron Man’, un flojo film que incluso me provocó bostezos, donde sólo destacan unos extraordinarios efectos visuales y algunas escenas divertidas de Robert Downey Jr. Absolutamente nada más. ¿Esto es lo que se entiende ahora por buen cine? Buf…

He leído en más de un sitio que había miedo sobre lo que iba a aportar Jon Favreau tras las cámaras. No sé yo qué esperaban y porqué se alegran. La forma en que empieza la película es lamentable, adelantando una secuencia floja, nada espectacular, y que veremos poco después, ampliada; por no hablar de lo pesada y aburrida que se hace toda la parte del encierro y posterior liberación (mágica idea, por cierto, la de fabricarse una armadura letal, y lo fácil que parece llevarla a cabo) de Tony Stark. La película mejora luego, resultando más llevadera, pero no veo mejor su trabajo al de Tim Story, responsable de las mucho peor consideradas dos películas de ‘Los 4 Fantásticos’. Vale que la primera es muy floja, pero la segunda me parece mucho más entretenida (de consumo más ligero si se quiere) que ‘Iron Man’, a la que considero que le sobra metraje, así como el repetitivo énfasis en el carácter de Tony Stark, personaje simplón donde los haya; por el contrario, a la película le falta garra, profundidad, así como un villano de entidad.

Por no hablar de algunos aspectos del guión ciertamente ridículos, que pueden defenderse alegando que todo se basa en un cómic, pero que realmente quedan fuera de lugar dentro del aire realista que se ha intentado dar al film. Me refiero a dos, fundamentalmente, relacionados con el personaje de Obadiah Stone, al que interpreta un desganado Jeff Bridges; el actor debería ser una de las razones para ver la película, pero acaba siendo lo contrario.

Si no has visto el film no deberías leer lo que viene a continuación. Avisado quedas. En primer lugar, pensemos en su plan. El de Obadiah, digo. Que unos terroristas maten a Tony Stark. Vale. A cambio de armas. Vale. Los malos secuestran a Tony. Piden más. Supuestamente lo reciben, al menos eso se nos muestra en la película. Entonces, ¿para qué le piden a Stark que fabrique un cohete? ¿¿No tienen ya un montón?? En este sentido, ¿por qué les paga con misiles Obadiah? O mejor, ¿¿en algún momento creen, gracias a las cámaras de seguridad, que Stark está haciendo un misil?? Pero volvamos a Obadiah… A ver, la película nos muestra lo complicado que es ponerse en el “traje” de Iron Man, manejarlo y tal. Sin embargo, Bridges, que no es precisamente un tipo atlético, se sube a bordo de esa gigantesca armadura (Iron Monger) y consigue controlarlo automáticamente, sin entrenamiento previo ni narices. Recordad que hasta que no le pone el “corazón” de Stark, no echa a andar el bicharraco, por lo que es así, lo enciende, se sube y ala, a jugar contra Stark…

Todo aquel que ha hablado bien de la película (la tónica general, por lo que veo/leo), se centra en elogiar el trabajo de Robert Downey Jr., actor que tras problemas de sobra conocida por todos, parece vivir una segunda juventud. Así, recientemente, le hemos podido ver en películas como ‘Kiss Kiss Bang Bang’ o ‘Zodiac’, donde su trabajo era más que notable. Sin embargo, tiene que protagonizar un lujoso blockbuster para que, ahora sí, se le reconozca abiertamente lo buen actor que es. Se dijo desde que lo ficharon y se confirmó luego, Downey Jr. era la elección perfecta para encarnar a Tony Stark (a pesar de que en ‘The Ultimates’ apuntaban a Johnny Depp). ¿Por qué? Por su pasado problemático y por ese aire chulesco y excéntrico que le rodea. De hecho, viendo la película y su composición de Stark, ¿de verdad creéis que ha realizado un gran trabajo de interpretación? ¿Se ha metido en la piel de Stark? ¿O más bien todo estaba preparado para que Downey Jr. encajara perfectamente?

Tony Stark, o Robert Downey Jr., se nos presenta como un chulo multimillonario al que le da igual todo y al que le gusta el juego, el alcohol, las mujeres, la velocidad… quiero decir, ¿tan difícil resulta interpretar a alguien así? Vale, un poco de gimnasio para que luego pueda lucir un poco sin camiseta y hacer creíble que pueda controlar la pesada armadura. Poco más. Si eres un actor con carisma, como Downey Jr., absolutamente nada más. Este personaje lo podría haber interpretado Clive Owen, Ewan McGregor, George Clooney (hace unos años), etc. A diferencia de otras películas, como las que cité en el post de los superhéroes que puse hace poco, en ‘Iron Man’ no hay un protagonista complejo que requiera una gran interpretación. Se necesitaba a alguien carismático que dijera las frases con chulería y fuera al gimnasio. Como con 007…

En relación a todo esto, resulta interesante comparar este personaje con Bruce Wayne/Batman, así como ‘Iron Man’ y ‘Batman Begins’ (de Christopher Nolan), que le da mil y una vueltas, en todos los aspectos menos en el de los efectos especiales; ya digo, éste es el único aspecto realmente destacable de la blandita película de Favreau. En este sentido, Stark es lo que Wayne aparenta ser; un multimillonario despreocupado, derrochador y mujeriego. Pero mientras que uno se queda ahí, y luego cambia forzadamente, mínimamente, tras su secuestro, el otro va más allá, le vemos nacer y desarrollarse. Mientras que Stark es un personaje simple, de una capa, Wayne goza de una personalidad compleja, fascinante, de muchas capas. Por eso, creo, ‘Iron Man’ es para todos los públicos (y no me refiero sólo a la edad), y ‘Batman Begins’ sólo para adultos que buscan algo más que entretenimiento; no hay más que ver cómo se nos presenta el origen, las motivaciones y los conflictos de los dos protagonistas. Una va a la taquilla, la otra a quedarse en nuestra memoria.

Dicen que un superhéroe no es nadie sin su supervillano. Aquí, como dije, está otro de los defectos de ‘Iron Man’. ¿Qué le ponemos delante? ¡Un Iron Man más grande y loco! Lo mismo que van a hacer con Hulk y Abominación, vamos. A falta de imaginación, pongamos un malo igual que el bueno versión exagerada. No digo que sea una mala opción, ahí está Venom, que a pesar del bochornoso regalo que le hizo Sam Raimi, es un personaje que da mucho juego; pero no sé, parece un recurso algo facilón, ¿no os parece? Vuelvo a acordarme de Batman…

Y luego está el tema de que Obadiah/Jeff Bridges esté escrito/interpretado de tan mala manera, resultando un personaje simplón, sin chispa, con planes dudosamente brillantes para conseguir algo que tampoco parece que ansíe tanto. Pero lo cierto es que ninguno de los personajes, salvo la acertada unión de Stark/Robert Downey Jr., resulta interesante. Gwyneth Paltrow, insípida como ella sola, podría ser tan sustituible como el mayordomo Jarvis (por cierto, voz de Paul Bettany, en el original) y haber puesto a una especie de C3PO rosa y con falda. En cuanto a Terrence Howard, tres cuartos de lo mismo, tiene un par de momentos simpáticos pero su labor es intrascendente, parece que está puesto ahí sólo para adelantar al personaje de War Machine, que seguro que tendrá más terreno en la secuela (ya en preparación y de estreno en 2010, esta gente no pierde el tiempo con tanto dinero en juego).

Destacar, por último, la fugaz aparición de Samuel L. Jackson como Nick Fury (Nick Furia), director del S.H.I.E.L.D. (Escudo). Increíble que el público (al que, además, le gustó la película) se marchara antes de que acabaran los créditos, sabiendo que Jackson actuaba en la película y hasta el momento no había aparecido. Un tirón de orejas para todos. Por cierto, no entiendo por qué la gente se levanta tan rápido de su butaca, al margen de que necesite ir al baño o fumarse un cigarrillo. De verdad, ¿y esas prisas?

Peliculilla intrascente y simplona, a ratos aburrida e infantil, a ratos divertida, de impresionantes efectos especiales, ‘Iron Man’ ha cumplido con su objetivo: rentabilizar al máximo un personaje de cómic.

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A muchos sectores entre la crítica cinéfila se les llena la boca cuando hablan del director de procedencia china Wong Kar-Wai. Siguen pasando los años y, personalmente, sigo sin entender, qué tiene este cineasta para que se le endiose de la forma que se está haciendo. Junto con el danés Lars von Trier, me parece una de esas figuras del cine, que por inercia han de alabarse sus obras, independientemente de la calidad de éstas. En cambio, hay una cierta tendencia a crucificar a Steven Spielberg por haber sido responsable de ese mediocre remake de ‘La Guerra de los Mundos’, obviando la gran cantidad de obras maestras y dignos blockbusters que nos ha ofrecido en los últimos 30 años.

De esta manera, nos encontramos con ‘My Blueberry Nights’, el salto definitivo de Wong a Hollywood, con todo lo que eso conlleva. En una especie de aleación entre la comedia romántica, el drama y la road movie, desde el primer momento se adivinan las verdaderas intenciones de la película: hacer lo mismo de siempre, pero en lugar de contar con actores orientales, ahora aparecen en escena verdaderas estrellas del cine de los EEUU. Y me atrevo a decir que esa es la auténtica virtud de la película.

Una joven neoyorquina llamada Elizabeth (Norah Jones) echa el rato en una cafetería regentada por Jeremy (Jude Law), y se sincera con él a raíz de su trágico y reciente desamor. En base a esto, decide recorrer el país, de una forma nómada e incierta sin que sepamos en ningún momento sus motivaciones, que con cierta intuición puede tratarse de huir del ambiente que le relaciona con su amor perdido. Sus viajes dan lugar a dos historias totalmente independientes, con Elizabeth como único nexo. Para quien haya visto ‘Chungking Express’, sabrá que esta premisa argumental ya ha sido utilizada por Wong. Se puede así tomar ‘My Blueberry Nights’ como una colección de relatos que se hace pasar por novela. Tenemos las conversaciones con Jeremy y Elizabeth, el trabajo de Elizabeth en un pub y un policía alcohólico llamado Arnie como eje central, y por último una chica atractiva, ludópata y compulsiva que viaja a Las Vegas.

Hay que reconocer que la riqueza de temas que se trata en ‘My Blueberry Nights’ es portentosa, y que el trabajo de Wong como director y guionista es notable, pero la película no termina de funcionar. Tendrá su público, está claro, y habrá gente que el día del estreno irán con impaciencia para recrearse con su intelectualidad, pero es que hay ciertos lastres que contrarrestan claramente las amplias facultades de la cinta.

Para empezar, el estilo preciosista de Christopher Doyle, habitual en otras películas del director, se echa de menos. Más que nada, porque su construcción de ambientes se convierte ahora en algo próximo al videoclip, con planos muy incómodos, en donde resalta más una tendencia voyeurista que virtuosismo con las cámaras, como ocurre, por ejemplo, con esos planos desde fuera de la cafetería. El nulo pulso narrativo, que se ve mermado por gran cantidad de escenas gratuitas, que van más en la sintonía de aprovechar la excelente banda sonora que de aportar algo realmente a la película. En este sentido, la cámara lenta y la voz en off (tanto de Jeremy como de Elizabeth), de las que Wong abusa de una forma insultante, es curiosa al principio, pero luego se convierte en una carga con la que tiene que soportar el espectador el resto del metraje. La supuesta emotividad que debería arrancar ese tipo de secuencias no aparece por ninguna parte, y lo que es peor, llega uno a pensar que se podría haber conseguido el mismo resultado sin esa gama de arbitrariedades técnicas de las que hace gala el director.

Hay diálogos interesantes, y detalles simpáticos, como el de la tarta de arándanos, que Jeremy ha de tirar cada día porque nadie la consume a pesar de lo buena que está, o el tratamiento que hace del amor, paciente e incondicional. Sin embargo, la verosimilitud está en punto muerto, sobretodo porque la idiosincrasia oriental no encaja ni de lejos en un ambiente típico estadounidense. Incluso la entonación de los personajes cuando hablan, no suena natural y en todo momento somos conscientes de que estamos ante un teatro. Y esto no es culpa del logrado trabajo de los actores. Porque de hecho, los numerosos planos que se otorgan a la debutante Norah Jones (cantante, no actriz) no molestan en absoluto y sabe tomar el peso de la historia con una pose serena y solvente. Hablar de que Jude Law, Rachel Weisz, David Strathairn y Natalie Portman actúan francamente bien es algo previsible, son grandes actores enfrascados en personajes con una forma de ser muy marcada, y eso se nota.

Todo esto viene a que, sobretodo en su nudo, ‘My Blueberry Nights’ es realmente tediosa. El ritmo pausado de los diálogos y de las situaciones hace pensar que en la película “no pasa nada”, aunque no sea del todo cierto. En ‘Chungking Express’ puede uno percatarse de que el hecho de que se reproduzca hasta 7 veces la canción ‘California Dreaming’ es más un capricho que una muestra de talento, y lo mismo ocurre con la archiconocida pieza central de ‘Deseando Amar’. El uso de la banda sonora es destacable, sí, pero no ayuda en absoluto a dejar que la película avance por sí sola, con fluidez.

‘My Blueberry Nights’ es la consolidación en la conjetura de que una gran banda sonora y un estilo colorista, minucioso y bello no es ni mucho menos suficiente para ofrecer un resultado final satisfactorio. Y es que Wong Kar Wai lleva años y años olvidándose de lo mismo: hace falta un argumento sólido y un ritmo argumental de garantías, porque si no, nos encontramos con lo mismo de siempre: ‘2046’ es, en muchos aspectos, un complemento perfecto para una siesta más que una película memorable, y en ciertas escenas ‘My Blueberry Nights’ está muy cerca de ofrecer esa misma impresión al espectador. SPOILER Tampoco nos llegamos a enterar en qué mueve a Elizabeth a escribir postales a Jeremy, ni ese final tan pasional, que es más un pronto repentino que un sentimiento progresivo. FIN SPOILER

Curiosa, sí. Wong Kar Wai hace un cine único con una música única con una fotografía única, sí. Pero poco más. La fuerte presencia de las hermosas Rachel Weisz y Natalie Portman ayudan un poco (sólo un poco) a amenizar este berenjenal, pero todo se desvanece en cuanto llegamos a pensar que, con toda probabilidad, Wong ha llegado a Hollywood para reciclarse sin inventar nada nuevo, a costa de esas masas que le aclaman continuamente.

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• ‘My Blueberry Nights’, seguimos deseando amar

A David Ayer le interesa la corrupción policial, tal vez le obsesione. Lo cierto es que a todos nos interesa, y además, es una tema muy cinematográfico. Hace poco veía una vieja película de John Cromwell, ‘The Racket’, que trataba el tema a través de la figura de un gangster que se aprovechaba de lo fácil que era comprar a las fuerzas del orden, jueces incluidos. Ésa es la que tengo más reciente, pero en el caso de Ayer, su reciente pasado parece pertenecer sólo a este tema. En la pasable ‘Training Day’, Denzel Washington ganaba un Oscar de consolación (no se le puede llamar de otra forma) por dar vida a un corrupto policía con el que era mejor que no te cruzases. En su fallida ópera prima, ‘Harsh Times’, un sensacional, como casi siempre, Christian Bale, tenía en sus manos un rol similar al de Washington en el film mencionado.

Con su última película, ‘Dueños de la Calle’, ha repetido la operación de los dos films citados (con ecos de su guión para la similar ‘Dark Blue’), aunque para dar vida al personaje central ha bajado un “poco” la calidad. Y es que pasar de Washington y Bale a alguien como Keanu Reeves, y encima acompañarle en buena parte de su metraje de alguien como Chris Evans, es algo que invita al suicidio (al artístico por supuesto). Mirando un vistazo a los secundarios nos encontramos nombre como Forest Whitaker y Hugh Laurie, lo que hace pensar que al menos la cosa puede estar equilibrada. Pues no. Sólo Laurie sale vencedor en el apartado interpretativo.

SPOILERS

‘Dueños de la Calle’ versa sobre Tom Ludlow, un policía de Los Ángeles, y con métodos no demasiado legales, que un día se ve implicado en la muerte de su ex-compañero. Pronto estará en el punto de mira, tanto de sus actuales compañeros que le sacarán del embrollo en el que se ha metido, como en el de Asuntos Internos, deseosos de dar caza a policías corruptos.

‘Dueños de la Calle’ camina por terreno espinoso con irregular eficacia. Por un lado se nota la pluma en el guión de alguien como James Ellroy, aunque no sé que pinta aquí Kurt Wimmer. Los Ángles aparece retratada como una ciudad sucia y peligrosa, en consonancia con los personajes del relato que Ayer nos ofrece. No hay nada nuevo bajo el sol, policías corruptos cuya voz de conciencia empieza a sonar más alto que las demás, jefes de policía todavía más corruptos, falsa amistad y por lo tanto traicionada, tiroteos a mansalva, media sorpresa final, y nada de querer dogmatizar, lo cual hace su mensaje más temible. Es precisamente la reflexión final en boca de uno de los personajes lo que termina de redondear un film bien planteado, y disfrutable hasta cierto punto. “Todos somos malos”. En ‘Dueños de la Calle’ no hay lugar para la bondad, e incluso para hacer justicia hay que hacerlo desde fuera de la ley. Todos y cada uno de los personajes de la película (salvando algún secundario efímero) no representan ni de lejos a lo que debería ser un buen representante de la ley. Algunos sacan provecho de ello, otros ni siquiera lo saben, y otros intentan apartarse de esa corrupción, sin saber ni comprender que no se puede.

Es por eso que esa falsa esperanza que se adivina a ver en las últimas escenas de ‘Dueños de la Calle’, hace de ésta una película muy interesante, aunque no por ello estamos ante una ejemplar muestra del género. De hecho, el film navega entre la sobriedad y el exceso de forma un tanto molesta. Por un lado, escenas contenidas, e incluso alguna de acción bien filmada. Y por otro, respecto a éstas últimas, se les va la mano. Llegados a cierto punto, tenemos la sensación de que en la película hay que matar a todo aquel que se ponga por delante, sólo porque sí. No hay que llenar de muertes violentas un film para que éste funcione dentro del género de acción o thriller. Aún así, David Ayer, logar imprimirle ritmo a la película, y que ésta se siga con interés, algo de lo que no pueden presumir muchas películas actuales.

Eso sí, para eso tenemos que aguantar a Keanu Reeves, que tiene en su haber un personaje que le queda grande, y a Chris Evans. Y lo que es peor: una lamentable interpretación de Forest Whitaker, que convierte a los anteriormente citados en los mejores actores de la historia. Whitaker está pasadísimo de rosca, logrando molestar en cada escena en la que sale. Su personaje no resulta creíble por culpa de un histrionismo de lo más exagerado, incluidos gestos y palabras malsonantes. Hugh Lauire aparece en un momento en el que casi pensamos que el Dr. House es otro de los personajes de la película, y ciertamente no parece alejarse demasiado del rol que le hizo famoso. Con todo, es el mejor de todo el reparto.

‘Dueños de la Calle’ es un film correcto, bastante entretenido, que tal vez camine por senderos demasiado previsibles. La originalidad hace tiempo que se acabó (cuando se inventó el sonoro, si no me equivoco). Todas las historias han sido contadas, y esto ya nada tiene que ver con si una película es buena o mala (preguntadle a Tarantino). Si una historia, por muy previsible que sea, está servida con el oficio de Ayer en esta película (y que le augura un futuro más que digno tras las cámaras), sin dejarse atrapar por todos los males del cine moderno (efectismos y demás) en la medida de lo posible, bienvenida sea.

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• ‘Dueños de la Calle’, GTA + lo de siempre

‘Seda’ está protagonizada por la ultrafamosa Keira Knightley, es la adaptación de la novela homónima de Alessandro Baricco, es una historia de amor, con un diseño de producción más que excelente, y un guión que condensa bastante bien todos sus elementos en menos de dos horas, cerrándolo todo de forma muy elegante, y bañando el conjunto con una de las mejores bandas sonoras compuestas recientemente, obra de Ryuichi Sakamoto, quien ganó un Oscar por la multipremiada ‘El Último Emperador’, pero todos le recordamos por su maravilloso trabajo para ‘Feliz Navidad, Mr. Lawrence’.

Y sin embargo, ‘Seda’ ha sido un fracaso tanto a nivel taquillero, en el que muy probablemente ha tenido mucho que ver su más que limitada distribución en todas partes del mundo (en España se estrenó hace casi dos meses, y muchos no se enteraron), y también que ha tenido críticas poco más que desastrosas. Cuando una película tiene esa carta de presentación, lo más probable es que esté condenada al olvido. Y sinceramente, creo que en este caso es totalmente injusto. ‘Seda’ no es ninguna maravilla, pero desde luego contiene cosas interesantes y buenas.

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‘Seda’ está ambientada en la segunda mitad del siglo XIX, en un pequeño pueblo francés, en el que un comerciante llamado Boldabiou, descubre que la mejor seda se encuentra en Japón. Hasta allí enviará a un joven militar, y buen amigo, con el fin de traer consigo los preciados huevos de gusano con los que fabricarán más seda y el pueblo prosperará como nunca lo ha hecho. Dicho viaje supone separar a su joven amigo de su encantadora esposa. Ambos se han jurado amor eterno. O no.

‘Seda’ supone el regreso a la dirección, tras nueve años de inactividad, de François Girard, de quien su último trabajo, ‘El Violín Rojo’, destacaba su impresionante banda sonora (ganadora del Oscars), en la que Joshua Bell interpretaba la majestuosa partitura de John Corigliano, con su típica sensibilidad. Todo lo demás se perdía en una narración bastante irregular e imprecisa. Parece que el paso del tiempo le ha hecho mejorar en ese aspecto, porque de lo que puede presumir ‘Seda’ es de contener una narración limpia y clara. Puede que en su parte central, cuando nuestro protagonista está en tierras japonesas, el ritmo decaiga un poco. Y es que el encuentro amoroso del occidental con su futuro amor japonés no está mostrado con la fuerza necesaria. Aparte de previsible en su trama, cuando éste sucede no nos interesan demasiado sus consecuencias. Así pues, la posterior relevancia de su relación con su esposa, cobra una importancia exagerada, y termina por obviar lo que ya sabíamos, por reforzarlo un poco inútilmente. Eso sí, todo adornado con una fastuosa puesta en escena, un trabajo de fotografía, obra de Alain Dostie, realmente soberbio, imponentes paisajes, nada recargados, y un trabajo actoral secundario que compensa el flojo trabajo de la pareja protagonista.

Keira Knightley parece que se encuentra mejor en películas de época, tal y como lo demuestran sus dos trabajos a las órdenes de Joe Wright, pero aquí vuelve a deleitarnos con su habitual inexpresividad, y no poseer ni la más mínima química con Michael Pitt, quien tampoco hace demasiado con su personaje, sólo llevar más maquillaje encima según van pasando los años. Afortunadamente tenemos a unos actores secundándoles, que realizan un buen trabajo. Son ellos los que dan más intensidad a la historia. Así pues, en la parte oriental destacan Kôji Yakusho, dando vida al cornudo marido, que con sólo estar callado transmite más que con el más acertado de los diálogos; y Miki Nakatani, dando vida a la dueña de un burdel, amiga y consejera de nuestro protagonista, y que se reserva una sorpresa final que provoca una situación final que empareja la película con esa obra maestra de Martin Scorsese, ‘La Edad de la Inocencia’, salvando las distancias por supuesto. Y en el lado occidental tenemos a un muy acertado Alfred Molina, con un personaje lleno de carisma, origen de prácticamente todo, y cuya pequeña historia con el billar forma parte de lo mejor del film.

‘Seda’ es una correcta película, no exenta de interés. Aunque su trama abarca muchos años, realmente no hay mucho de lo qué hablar, y la progresión de los personajes no parece de lo más acertado, por no hablar de que la diferencia cultural entre occidentales y orientales está tratada muy a la ligera. Aún así, se disfruta en su justa medida y sin complejos, y hasta se respira cierto aire clásico en alguno de sus tramos. Menos da una piedra.

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Roger Corman demostró que el dinero no era un problema para realizar una buena película (y también mala). Solía aprovechar el presupuesto que le daban para una, para filmar tres, algunas de las cuales rodaba en un fin de semana en el patio de su casa (caso de por ejemplo, ‘La Tienda de los Horrores’). Con él, muchas veces la calidad nada tenía que ver con el dinero asignado, el que tenía talento lo tenía y punto. Prueba fehaciente de ello es su ciclo de films, todos estupendos, dedicado a la figura de Edgar Allan Poe, con films como ‘La Caída de la Casa Usher’ o ‘La Tumba de Ligeia’, algunas de las cuales se encuentran editadas en dvd en nuestro país. Esto no quiere decir que todo lo que hacía fuera de buena calidad. Algunas eran cutres (y ahí sí se notaban los pobres medios) hasta decir basta, y no sólo eso, si no malas de solemnidad, como por ejemplo, ‘La Mujer Avispa’.

Corman tocó prácticamente todos los géneros, aunque se especializó en el género de terror y sci-fi. ‘Machine-Gun Kelly’ pertenece a ese grupo de films de gangsters, en el que tal vez el mayor exponente por parte de este director fue su maja ‘Mamá Sangrienta’, en la que Shelley Winters nos ofreció una interpretación realmente perturbadora. Para el presente film contó con el imperturbable Charles Bronson, en una primera época en la que participó en films de calidad, sobre todo westerns, y a las órdenes de grandes directores como John Sturges, Samuel Fuller, Delmer Daves o Robert Aldrich, y mucho antes de que nos martirizara con su imagen de justiciero callejero.

‘Machine-Gun Kelly’ narra las andanzas del personaje que lleva el nombre del título de la película. Jefe de una banda de ladrones que suelen cometer robos importantes de dinero, con espectaculares planes de huida. Robo tras robo, las cosas se van complicando en la banda, en la que hay espacio para las traiciones y nadie confía en nadie. Unos se enfrentan a otros, mientras la policía les pisa los talones.

No hay absolutamente nada más en esta película, a no ser claro está, cómo terminan todos y cada uno de ellos. Corman economizaba hasta en el argumento, y en esta película se nota bastante, dejando de lado los sutiles elementos que dibujan psicológicamente un personaje marcado por el miedo, y por una aparente mala suerte, detalle éste que se nos da cuando nuestro protagonista se topa con señales al respecto, ya sea un ataúd o una calavera. Pero la cosa se queda ahí, sabemos que tiene miedo a morir, que las cosas le pueden salir mal por culpa de ser un supersticioso. Pero es algo que simplemente nos muestran, sin profundizar ni lo más mínimo en ello, a pesar de estar continuamente recordándolo. Ni siquiera, llegamos a saber porqué es así, cuál sería el motivo de creer en la mala suerte. La película tampoco realiza un estudio, extenso o breve, sobre la fatalidad, algo parecido a lo que Wise o Huston hicieron en films como ‘Odds Against Tomorrow’ o ‘La Jungla de Asfalto’. Ni siquiera nos presenta a unos personajes marcados por la mala suerte, perdedores sin rumbo, pero destinados a un fatídico final, al contrario, son villanos malvados y sin escrúpulos, con las cosas muy bien planeadas, por mucho que las cosas se tuerzan al final.

El argumento no se sostiene demasiado, e incuso algunas de sus situaciones llegan a parecer un poco ridículas, pero Corman es lo suficientemente inteligente como para obviarlo y ofrecernos una película lo bastante entretenida, salvándola de la quema. Así lo demuestra su espectacular inicio, una demoledora secuencia, casi muda, en la que vemos cómo los personajes principales cometen un atraco y huyen del lugar de los hechos, esparciendo tanto el botín como las armas en determinados lugares a lo largo y ancho de su trayectoria de escape. Toda una lección de ritmo y planificación, en la que Corman filma algunas secuencias importantes sin cortar el plano, demostrando que sabe narrar impecablemente, contándonos sin palabras el modus operandi de la banda de ladrones y lo minuciosos que son.

Es una pena que el resto del film no llegue a la altura de su arrebatador comienzo, pero por lo menos no resulta aburrido en ningún momento. Y todo amenizado con una movida banda sonora, muy jazzística, obra de Gerald Fried, quien realizó muchos trabajos para televisión. Mejor no pararse en las hieráticas performances de Charles Bronson (que ya apuntaba “maneras”, y aquí no hace más que reírse forzosamente), y Susan Cabot (una de las actrices fetiche de Corman), porque sin duda también pertenecen a lo peor de la película, aunque hay que observar que ambos se compenetran a la perfección. Una película pasable, que nunca se estrenó en nuestro país, aunque se puede encontrar una copia en dvd usada, al otro lado del charco, y a un precio que no lo merece. Ya sabéis el otro método a utilizar.

Debe ser porque es muy cómodo. O porque fue el mejor manejándolo. Hablar de suspense es pensar en Alfred Hitchcock. En ‘Pacto Tenebroso’, el alemán Douglas Sirk (‘Ángeles sin Brillo’, ‘Imitación a la Vida’) parece querer jugar con las mismas herramientas que dominaba el director de ‘Vértigo’ e incluso (o eso parece) le llega a homenajear con cierto plano de un inocente vaso de luminosa leche, que el sospechoso marido prepara a su sufrida esposa, para que pueda dormir mejor (las buenas intenciones y maneras, ante todo). Señalar que la película está editada en DVD en España; pertenece a esa colección “Film Noir”, de precio tan apetitoso, que más de uno ya conoceréis.

Una cosa que nunca recomiendo es leerse la contraportada de un DVD. Rara vez lo hago y nunca paso de las dos o tres primeras líneas; me da igual, normalmente, de qué va una película, elemento que, me doy cuenta, para muchos es esencial a la hora de decidirse entre varias opciones. En la mayoría de los casos no falla, leer la sinopsis del DVD es enterarse de puntos importantes de la trama que es mejor recibir de sorpresa viendo el film. Pero bueno, allá cada uno con sus costumbres. Es como con los títulos de crédito, que se hablaba el otro día. Independientemente de las razones, lo cierto es que las personas que más respeto sienten por el cine se quedan a verlos; los que menos consideración le tienen, se largan en cuanto pueden. Pero bueno, yo no soy de matemáticas.

‘Pacto Tenebroso’ (‘Sleep, My Love’, 1948) comienza con una mujer terriblemente asustada en un tren. Pronto descubrimos que ella creía estar durmiendo en su casa (lógica su reacción) y que no tiene ni idea de cómo ha podido llegar a entrar en el transporte y alojarse en su compartimento. Cuando llega a casa, descubre que, en mitad de la noche, inconscientemente, disparó contra su marido, al que, menos mal, sólo hirió en un brazo. Juntos deciden que lo mejor es que la mujer vea a un especialista, con la esperanza de que su salud mental mejore…

Lo que son los clásicos. En hora y media puede pasar de todo, sin que tengas la sensación de rapidez atropellada; aquí fluye todo perfectamente. Te presentan a un buen número de personajes, te cuentan de todo (una y otra vez), la acción no deja de desarrollarse constantemente y al final te cierran la historia con un fulminante “the end”, que te deja unos segundos pensando en todo lo visto. Por eso resulta tan refrescante verlos y volver a verlos, son grandes películas hechas para el público, al que exigen tanto como cuidan.

Quizá, bien mirado, no es reflexionar lo que más le conviene al espectador de ‘Pacto Tenebroso’. Quiero decir, la trama, simple y por momentos algo absurda, está muy bien oculta entre la gran realización de Douglas Sirk y las convincentes interpretaciones de todo el reparto. Desde luego, si se rasca, uno encuentra que el “super-plan-maligno” que está detrás de todo flaquea por varios sitios y que algunas reacciones de los personajes no son muy creíbles. Por no hablar de esa imposible boda japonesa donde todos hablan inglés (eso sí, acaba por resultar desternillante que la pareja de recién casados esté deseando ir a la cama y no dejen de retrasarles el momento).

Pero ya digo, no hay verdadero problema. Esto es cine, es magia, es olvidarse de todo por un rato, es entrar en un mundo diferente y que te cuenten una historia que te atrape. Y vaya si atrapa. Sirk se ocupa de que no pienses ni un momento, atándote al asiento de principio a fin, basándose sobre todo en una historia tan tenebrosa como el pacto del título y en una puesta en escena magistral. Destacar también la preciosa fotografía en blanco y negro, llena de contrastes, aprovechada a la perfección para crear ese ambiente de pesadilla, locura y misterio.

El reparto de ‘Pacto Tenebroso’ está encabezado por Claudette Colbert, Don Ameche y Robert Cummings. Colbert, estrella de sobra conocida por todos, interpreta a la protagonista, una mujer con una gran fortuna cuyo juicio es puesto en duda durante casi todo el metraje, por casi todos los personajes de su entorno. Casi, porque ahí está Cummings, el enamorado, para ponerse de su parte; el actor cumple, pero quizá otro en su lugar podría haber aportado un poco más de chispa y ambigüedad. Ameche encarna al marido, un hombre del que sospechamos desde el primer momento. A través de él y del personaje de Cummings vamos pasando de un film de suspense a uno de cine negro, con mujer fatal, traición y tiroteos incluídos. Como curiosidad, y ya que mencioné a Hitchcock, añadir que Cummings protagonizaría, años más tarde, ‘Crimen Perfecto’, con una trama algo similar a la que nos ocupa.

En definitiva, un entretenido y elegante film de suspense. Nada del otro mundo, en realidad, pero sí una ración de refrescante cine bien hecho, especialmente si lo ponemos en relación con el actual, cada vez más dividido entre el producto prefabricado para hacer taquilla y el aburrido cine de autor pretencioso. Ya, quizá me he levantado pesimista; no he dormido mis doce horas.

Parte con un trío de actores que pueden ofrecer garantías para llevar a cabo este thriller con trasfondo familiar y cuya intención de sorpresa queda descafeinada por el abuso de tópicos, y especialmente, con un giro en el final que intenta ser la perla del filme y que viene a demostrar lo que se va intuyendo a lo largo del metraje. Gerard Butler y Maria Bello junto a Pierce Brosnan forman el trío de protagonistas, que se esfuerzan por dar lo mejor de sí mismos y otorgarle a los diálogos y a la trama una cierta credibilidad. Y, francamente, son de lo más destacable positivamente. Sus interpretaciones están correctas, sin llegar a brillar, pero dejando buena muestra de un buen hacer.

Por un lado, Brosnan, que se nos presenta como el malo de la función y que otorga a su papel de la frialdad y astucia necesarias para llevar el peso de las escenas en las que interviene (y sabe sacudirse su encasillamiento como agente 007). Por su parte, Bello demuestra que es una actriz a tener en cuenta (aunque sigue sin despuntar) y resuelve bien su papel de esposa guapa y feliz, mientras que Butler (que filmó esta cinta antes de catapultarse como estrella con ‘300’) demuestra buena aptitud para la acción y eso que su personaje es el menos agraciado y creíble (se nos presenta como am