El director Abel Ferrara, conocido, entre otros títulos, por ‘Teniente corrupto’ (1992), ha confirmado al diario Le Monde que Gérard Depardieu tendrá el papel protagonista en su película inspirada en el escándalo sexual que acabó con la carrera política de Dominique Strauss-Kahn. El cineasta neoyorquino añadió que Isabelle Adjani interpretará a Anne Sinclair, la esposa de Strauss-Kahn, antigua presentadora de televisión y heredera de una fortuna, que lo apoyó durante todo el proceso.

Adjani y Depardieu ya han compartido cartel en ocasiones anteriores y se declaran amigos e incluso cómplices. Se conocieron en 1976 durante el rodaje de ‘Barroco’ (‘Barocco’). Han participado juntos en ‘La pasión de Camille Claudel’ (1988), ‘Les cent et une nuits: las cien y una noches’ (1995), ‘Bon voyage’ (2003) y su última colaboración se pudo ver en ‘Mammuth’ (2010), peculiar propuesta, donde la actriz interpretaba al fantasma de la desaparecida esposa del protagonista.

El productor Vincent Maraval, director de la productora Wild Bunch, no había confirmado hasta ahora los rumores acerca de la película sobre Strauss-Kahn. Pero Ferrara, que en estos momentos se encuentra en París por la promoción de su próximo film ‘Go-Go Tales’, ha declarado que él puede hablar libremente del proyecto porque es el director. En sus declaraciones ha detallado que el rodaje tendrá lugar, a partir de junio, en Nueva York, Washington y, obviamente, en Francia y que tratará sobre gente poderosa y adinerada.

El director gerente del Fondo Monetario Internacional desde el 1 de noviembre del 2007 hasta el 19 de mayo del 2011 y candidato socialdemócrata a la presidencia francesa, Dominique Strauss-Kahn, fue acusado de violar y golpear a una camarera del hotel donde se hospedaba, lo que le obligó a renunciar a su cargo. La manera espectacular en la que se produjo la detención, así como las teorías que circularon sobre los verdaderos motivos de quitarlo de en medio podrían, efectivamente, dar pie a un interesante film político. Veremos qué enfoque le aporta Ferrara.

Vía | The Hollywood Reporter.

Cormac McCarthy, el novelista que está detrás de adaptaciones como ‘La carretera (The Road)’, ‘No es país para viejos’ (‘No Country For Old Men’) o ‘Todos los caballos bellos’ (‘All the Pretty Horses’), se ha pasado al guion y ha sacado ‘The Counselor’, ahorrando a las productoras el dinero y el proceso de convertir sus obras en libretos cinematográficos. Este autor tiene un estilo y un ritmo muy particulares y admirables, que se han trasladado con acierto a la gran pantalla, tanto en el film de los Coen como en el de John Hillcoat. Antes de ver este último film, había leído la obra de partida y la inteligente traslación me permitió experimentar esa secuencia sin sufrir la decepción que se suele experimentar al ver en cine lo que ya nos habíamos imaginado en nuestras cabecitas. Estoy segura de que su primera incursión como guionista, el ganador del premio Pulitzer habrá dado un resultado igual de interesante.

Con ese currículum, no es de extrañar que los directores se hayan dado prisa en ofrecerse a realizar el guion. El más rápido ha sido Ridley Scott, quien ya se ha puesto en contacto para negociar su posible participación en el proyecto y ha hablado directamente con McCarthy, supongo que para ponerse de acuerdo en la ortografía del título, ya que en Reino Unido escriben ‘The Counsellor’, mientras que en EE. UU. lleva una sola “ele”.

‘The Counselor’ se centra en un respetado abogado que inocentemente cree que puede intervenir en el negocio de la droga sin ser arrastrado por la vorágine criminal. Antes de que pueda darse cuenta de su error, se encontrará sumido en una situación desesperada, en la que tendrá que echar mano de todo su ingenio y habilidades legalistas si quiere sobrevivir. En este mundo copado por hombres dos mujeres desempeñarán papeles de importancia. Se trata de una historia contemporánea, ubicada en el Suroeste, de la que se comenta que es una de las obras más poderosas de McCarthy y que mantiene la fuerza de su prosa, la obsesión sexual y el humor de sus diálogos, lo que aumenta la sensación de pesadilla del duro mundo en el que se ambienta.

Si Ridley, que en estos momentos se encuentra dando los toques finales a ‘Prometheus’, finalmente dirigiese este guion, dejaría de lado otros de sus proyectos, como la biografía de ‘Gertrude Bell’ y ‘Child 44’. El mayor de los Scott ya había demostrado sus inclinaciones por el escritor, pues en 2007 se interesó por la adaptación de una novela de McCarthy: ‘Meridiano de sangre’ (‘Blood Meridian’), proyecto que en estos momentos tiene asociado al actor James Franco como director y que se ha retrasado hasta 2015.

Vía | Dead Line.

Para compensar el fracaso en taquilla de la maja ‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’ (‘Midnight in the Garden of Good and Evil’, Clint Eastwood, 1997), director y Warner decidieron hacer un film de género, esta vez protagonizado por la estrella, con vistas a atraer a un mayor número de público a las salas. El proyecto elegido fue la adaptación de una novela de Andrew Klavan que versaba sobre la condena a muerte de un inocente. Así pues Eastwood se sumaba a la moda de películas que denunciaban, cada uno a su modo, esa lacra tan grande en el sistema judicial estadounidense, que inundaban las carteleras de medio mundo en aquellos años. Desde las visiones personales de Tim Robbins, hasta James Foley o Bruce Beresford, con irregulares resultados los segundos, hasta llegar al mismo año del film que nos ocupa con la muy celebrada ‘La milla verde’ (‘The Green Mile’, Frank Darabont, 1999), el cine se hacía eco de algo que Eastwood trató con extrema sutileza pero con resultados contundentes.

Pero el referente cinematográfico más directo de ‘Ejecución inminente’ (‘True Crime’, 1999) está en un film de Henry Hathaway, ‘Yo creo en ti’ (‘Call Northside 777’, 1948), en la que un excelente James Stewart daba vida a un periodista que reabre un caso de asesinato convencido de la inocencia del reo. En la presente, Clint Eastwood da vida a Steve Everett, personaje hecho a su medida por cuanto estamos ante un outsider, siempre a contracorriente, mujeriego, solitario —con un matrimonio al borde del fracaso y una hija pequeña a la que descuida— y que sólo se fía de su olfato, el cual le ha metido anteriormente en problemas. Tras las cámaras demostró cuan inteligente puede ser, logrando que en un producto destinado a un público mayoritario éste se sintiese cuanto menos desconcertado, y todo por una secuencia final, duramente criticada, pero que ni mucho menos es lo que aparenta ser. Una vez más, Eastwood no deja que millones de consumidores de palomitas le digan lo que tiene que hacer, tal y como rezaba su inolvidable personaje en ‘Cazador blanco, corazón negro’ (‘White Hunter, Black Heart’, 1990).

El film da comienzo con la descripción del personaje central, Steve Everett, mujeriego empedernido que en un bar está ligando con una jovencita. Llama poderosamente la atención por el hecho de que Eastwood contaba ya 69 años, y quizá era demasiado mayor para dar vida a un don juan. Sin embargo resulta bastante creíble, ya que el actor juega con su propia imagen, todo un icono durante décadas. Actores como Cary Grant o Gary Cooper —éste por ejemplo en ‘Ariane’ (‘Love in the Afternoon’, Billy Wilder, 1957), film que caerá en el especial “El amor en 32 películas“— interpretaron a galanes cuando ya tenían una edad y nadie se quejó por ello. En cualquier caso es un detalle que no resta importancia al film, y no se repite, y además justifica el hecho de que Everett termine heredando una entrevista de la joven compañera de trabajo, la de un reo a muerte por cargo de asesinato, debido a que aquella muere en un accidente de coche.

La pena capital se llevará a cabo en 24 horas, y Everett tiene una intuición debido a que en la investigación que realiza encuentra ciertos aspectos no demasiado claros. Es precisamente ese tramo el que permite a Eastwood sacar el máximo provecho de un guión escrito a varias manos y comandado por Larry Gross, durante tiempo uno de los escritores de Walter Hill —próximo especial en estas páginas—; y en el que se describe sin miramientos el circo mediático que se forma alrededor de la ejecución. Todo ello con un cambio sustancial con respecto al libro y que fue idea del propio Eastwood, el condenado a muerte es negro, con lo que las connotaciones raciales son inevitables —algo que también quiso hacer en ‘Un mundo perfecto’ (‘A Perfect World’, 1993)—. Un cura empeñado en que éste, espléndido Isaiah Washington, se arrepienta de algo que no hizo —típico derechazo de Eastwood a la religión— y un testigo de dudosa credibilidad y ansioso por la fama, son enfrentados argumentalmente a los guardianes de la prisión, en cuyos rostros, sobre todo el del alcaide, se ven las dudas sobre la posible inocencia de Beechum (Washington). Con cuatro elementos Eastwood crea una tensión que recuerda a las de las películas clásicas de género, y una vez más pone sobre la mesa prejuicios morales de todo tipo. ¿Tendría el mismo final el sospechoso en caso de ser blanco, cometiéndose los mismos errores judiciales?

El ritmo del film es absolutamente endiablado, y cada dos por tres se nos dan detalles del tiempo que falta. Eastwood lleva hasta el límite el tempo y en un alarde de inteligencia juguetea con el mismo hasta sus últimas consecuencias. No sólo en el instante en el que le notifica a su jefe —maravilloso James Woods, en un personaje caramelo que posee los mejores diálogos del film, añadiendo una comicidad a la historia que recuerda a Howard Hawks y que en ningún momento resulta forzada a pesar de la seriedad de la trama— sus creencias sobre la inocencia de Beechum, y que en cierto modo representa una posible última cruzada para redimirse de sus errores del pasado. También en el angustioso tramo final, y que concluye con un impactante plano a ralenti de la mujer del acusado golpeando el cristal tras el cual su marido, inocente, muere a manos de la justicia. El verdadero final de la historia, al que prosigue un epílogo de corte fantasioso, irreal y cargado de ironía.

La ambigüedad más sutil baña todo ese epílogo. El tiempo ha pasado —es la primera elipsis larga del film—, es Navidad, y todo posee una iluminación brillante, totalmente opuesta al resto del film. Everett parece recuperado de sus fantasmas, tiene éxito como escritor, y a la salida de una tienda además de encontrarse con un vagabundo que representa a Santa Claus —anteriormente había sido negado—, Everett distingue a lo lejos a Beechum con su familia de compras, ambos se miran y parecen despedirse. Nadie más participa de dicho saludo, ni siquiera la mujer de Beechum, que debería estar eternamente agradecida al periodista de haber salvado al hombre que ama. La composición del plano, el más extraño de todo el film, con los personajes en los extremos más la extrema limpieza de la imagen hacen pensar en que ésta no es real, y revela a un Eastwood con muy mala leche, evocando de forma perversa al mismísimo Frank Capra. Sin duda uno de los finales más atrevidos de la filmografía de su director, quien siguiendo la tónica de su anterior film, con el que guarda más que numerosos parecidos, la verdad está en el ojo de quien la mira.

Anécdotas

‘Ejecución inminente’ está en cierto modo emparejada con el anterior trabajo como director de Eastwood, no sólo por ese jugueteo final con la irrealidad, sino por las coincidencias en el esqueleto de su trama. Un periodista que termina escribiendo un libro sobre un asesinato, y que de alguna manera sirve para destapar las miserias humanas. Tal y como comenta Carlos Aguilar en su libro sobre el cineasta —Clint Eastwood, Cátedra, 2009— también se puede relacionar con Samuel Fuller y su maravillosa ‘Corredor sin retorno’ (‘Shock Corridor’, 1963), estableciéndose un vínculo nada descabellado con el clásico director en cuanto a cierta sobriedad estético-narrativa.

Por otro lado, antes del rodaje del film, Eastwood fue tentado, como en otras ocasiones, por el maestro John Carpenter para que protagonizase su magnífica ‘Vampiros’ (‘Vampires’, 1998), que como todos sabemos terminó protagonizando James Woods, quien realiza una excelente interpretación en el presente film. Años después, en la laureada ‘Mystic River’ (id, 2003) podemos comprobar en cierta escena como el personaje al que da vida Tim Robbins visiona en la televisión precisamente ‘Vampiros’. ¿Casualidad? No.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’
• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’
• ‘Dos mulas y una mujer’
• ‘Los violentos de Kelly’
• ‘El seductor’
• El debut en la dirección
• ‘Harry el sucio’
• ‘Joe Kidd’
• La influencia de ‘Incidente en Ox-Bow’
• El primer western como director
• ‘Primavera en otoño’
• ‘Harry el fuerte’
• ‘Un botín de 500.000 dólares’
• ‘Licencia para matar’
• ‘El fuera de la ley’
• ‘Harry el ejecutor’
• ‘Ruta suicida’
• ‘Duro de pelar’
• ‘Fuga de Alcatraz’
• ‘Bronco Billy’
• ‘La gran pelea’
• ‘Firefox’
• Red Stovall, el hombre de los garitos
• ‘Impacto súbito’
• ‘En la cuerda floja’ (‘Tightrope’)
• ‘Ciudad muy caliente’
• ‘El jinete pálido’
• La llamada de Spielberg y la dedicatoria de Godard
• ‘El sargento de hierro’
• ‘Bird’
• ‘La lista negra’

• ‘El cadillac rosa’

• ‘Cazador blanco, corazón negro’

• ‘El principiante’

• ‘Sin perdón’

• ‘En la línea de fuego’

• ‘Un mundo perfecto’

• ‘Los puentes de Madison’

• ‘Poder absoluto’

• ‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’

Su mejor película es esa ‘La mirada de Ulises’ (To vlemma tou Odyssea, 1995) en la que muchos espectadores aprendieron a no confundir el cine contemplativo con el de coñazos irrelevantes y destinados a complacer a espectadores sobrados de infinita paciencia. Su mejor película hablaba, justamente, de afrontar un conflicto reciente y de las dificultades que tiene cualquier hombre al relacionarse con la Historia, que así visto no resulta tan fácil de ver.

Ganador de la Palma de Oro por ‘La eternidad y un día’ (Mia aioniotita kai mia mera, 1998), curiosamente una película mucho menor a la anterior, pese a que tenga logros estimables y que confirmó su buen entendimiento con Tonino Guerra, ese guionista maravilloso que está detrás de los libretos de algunas obras cumbre de Fellini, Tarkvoski, Antonioni o Monicelli. Quede su fallecimiento triste como una excusa para revisar su filmografía.

El viernes se anunció que Nanni Moretti será el presidente del jurado de la sexagésimo quinta edición del Festival de Cine de Cannes, que se celebrará del 16 al 27 de mayo de 2012. El festival de la Côte d’Azur no le es desconocido a este director, quien ya ha presentado seis de sus películas en este certamen. La última fue ‘Habemus Papam’, la suave sátira sobre el Papa que el octubre pasado abrió la 56ª edición de la Seminci o Semana Internacional de Cine de Valladolid y sobre la que podéis leer aquí una crítica.

Moretti rodó su primer largo, ‘Io sono un autarchico’, en 1976, a los 23 años, tras dar vida a varios cortometrajes. Sus obras han sido premiadas a menudo en los festivales de todo el mundo: ganó el premio especial del jurado en Venecia por ‘Sogni d’Oro’ (1981) y el Oso de Plata en Berlín por ‘La misa ha terminado’ (‘La messa e finita’, 1986). Se hizo con fama mundial gracias a ‘Querido diario’ (‘Caro diario, 1994), que se presentó a competición en el Festival de Cine de Cannes, donde recibió el premio al mejor director. ‘La habitación del hijo’ (‘La stanzia del figlio’, 2001) fue premiada con la Palma de Oro. Luego llegó ‘Il Caimano’ (2006), una fuerte crítica hacia Silvio Berlusconi.

En su facteda de actor, además de en la mayoría de sus películas, Moretti también ha interpetado papeles en ‘Padre Padrone’, de los hermanos Taviani (1977), y luego en obras de Luchetti, Mazzacurati o incluso Calopresti. Además es productor y fundador de la productora Sacher Gilm, de una sala dedicada al estreno de obras del cine mundial, así como director del Festival de cortos Sacher.

Las declaraciones del cineasta y actor italiano apuntan que para él supone “una alegría, un honor y una enorme responsabilidad presidir el jurado del festival cinematográfico más prestigioso del mundo, que se celebra en un país que siempre ha considerado al cine con atención y respeto. Como director, siempre he vivido con emoción la participación de mis películas en el Festival de Cannes. También recuerdo con cariño mi experiencia como miembro del jurado durante la edición del cincuentenario, la dedicación y la pasión con las cuales nuestro jurado vio y comentó todas las películas. Como espectador, por fortuna conservo la misma curiosidad que en mi juventud y, por tanto, supone para mí un gran privilegio emprender este viaje por el cine mundial contemporáneo”.

Gilles Jacob, presidente del Festival de Cannes, ha recordado que “cuando decidimos incluir ‘Ecce Bombo’, una película en super 8, en competición el año que llegué, en 1978, ya presentí que Nanni Moretti iba a convertirse muy pronto en NANNI MORETTI (con mayúsculas). Es lo que sucedió y me enorgullezco de esta larga y afectuosa colaboración”. Thierry Frémaux, delegado del certamen, ha explicado que “el festival deseaba celebrar su 65ª edición con un presidente del jurado europeo. Marcadas por su pasión, su modernidad y su inteligencia, las películas de Nanni Moretti encarnan lo mejor que ha aportado el cine en estos últimos treinta años. Su obra, constantemente en construcción, continúa manteniendo la promesa de un cine que guarda una estrecha relación con el mundo y con su tiempo”.

Vía | El País.

‘Libertad para Morir’ es ver al guionista David S. Goyer entregando su más fiel, su mejor obra, mientras los que ahora loan su trabajo, de cartón y piedra y sin la mitad de honestidad, porque la cosa va de controlar los arquetipos y no ser pretencioso, escribiendo esas nolanadas padre, entregar un libreto sencillo, en el que al final al villano le parten la cara por abusar de vileza y por meter en la cárcel al tipo equivocado, pero es que además, con estas películas, descubre uno que equivocado se refiere también no ya al error evidente de encarcelar a un inocente sino de encarcelar al héroe, listo para hacer de su inocencia un bastión de manotazos y pasos de ballet frustrados por el cuerpo de otro secuaz, porque Goyer escribiría esta misma película, en la que también hay un científico loco y un villano-estólido y un viaje del protagonista hacia su lado oscuro, con pretensiones y caricaturescos diálogos y aquí era capaz de tomar esquemas naturales y darles una variación, un juego mucho más divertido.

‘Libertad para morir’ es ver a Deran Sarafian entregar lo más parecido que ha dado el mundo de Hollywood, ese lugar con frecuencia inhóspito y con una tendencia atroz a sobreponerse a los cambios con mayor aparatosidad y con una tendencia todavía más abusiva y enfermiza a autorizar fusiones, convencer a cualquier hombre con furia visual para neutralizar sus propuestas y hacer de las escenas de acción una fiesta vulgar de montaje y composición y aquí todo lo que se usa se hace con lo que de verdad importa, la convicción.

‘Libertad para morir’ es también una historia de dos legados, porque Deran Sarafian es el hijo de Richard C. Sarafian y uno piensa que en un momento de inspiración fueron posibles esta película y ‘Velocidad Terminal’ (Terminal Velocity, 1994), otra locura todavía inexplicable, una película-de-aventuras tradicional pero no forzando el anacronismo o el desfase y siendo tremendamente divertida y porque Richard C. Sarafian había dirigido películas tales como ‘Vanishing Point’ (id, 1971) en la que la contracultura invade la serie B y todo lo que queda es lo fresco, lo inesperado y lo violentado.

‘Libertad para morir’ carece, claro, de carreras contra sentido, porque su serenidad convoca al padre que dirigió ‘El Ojo del Tigre’ (Eye of the Tiger, 1986) unos pocos años antes que esta, porque de lo que se trata, claro, es de ver al macho, desbocado, y de explicar unos conceptos límite en los que la amistad entre pares, aunque uno sea un policía y los otros reos, es importante porque implica el reconocimiento: son historias de honor ideales, donde siempre hay sorpresas, aunque se trata de la prisión, ese nido de bandidos y grandes chistes sobre los andares tras una duchita.

‘Libertad para Morir’ es su clímax final, ese enfrentamiento inolvidable entre Sandman y Van Damme, donde descubrimos que lo que importa al final de la película es comprobar como cualquier dificultad puede ser solventada no ya con voluntad sino con decisión y bravura loca, con infinita paciencia porque uno diría que esas hostias han nacido para bendecir, no para contradecir nada y por eso mismo es tan divertido ver a este Van-Damme, ya tanteando unos registros de arquetipo distintos al del luchador habilidoso con el que se daría justo homenaje en sus ochenta reveladores, terminar con ¡tres! supervillanos, uno a uno casi, y por orden, que los clímax fueron un invento que cargó el Diablo.

Tras la magistral ‘Poder absoluto’ (‘Absolute Power’, Clint Eastwood, 1996) la sigiente película del realizador californiano sorprendió por varios motivos. Primero, él no aparecía como actor, algo que no ocurría desde su laureada ‘Bird’ (id, 1988), y segundo, se adentraba en un tipo de cine que hasta ese momento no había formado parte del universo de Eastwood. En realidad, al director/actor no le interesaba demasiado la historia, le habían ofrecido un guión y no le llamó demasiado la atención. Sin embargo, el destino a veces juega sus cartas de forma muy curiosa, y un campeonato de golf llevó al director de ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’, 1992) hasta Georgia, y enseguida le convencieron para visitar Savanah, la ciudad en la que se habían desarrollado los hechos recogidos en un libro, convertido en best selller, escrito por John Brendt y adaptado al cine por John Lee Hancock con quien Eastwood ya había colaborado en ‘Un mundo perfecto’ (‘A Perfect World’, 1993).

Una vez en Savanah, ciudad que logró no ser arrasada por los norteños en la Guerra Civil, gracias a que sus habitantes convencieron a sus invasores con licores y fiestas, Eastwood oyó de la propia boca de los protagonistas la historia que se convierte en el eje central del film: el asesinato de un chapero a manos de su amante, un millonario conocido en la ciudad por su lujosa mansión en la que daba unas fiestas monumentales conocidas en todo el país. El director se sorprendió de la diferencia de opiniones y de cómo la historia cambiaba según quien la narraba. Ni corto ni perezoso comenzó su propia investigación sobre los hechos. El camino hacia la película ya empezaba a ser recorrido. El resultado, aunque estimable, no está, a mi parecer, a la altura de las grandes obras del cineasta.

‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’ (‘Midnight in the Garden of Good and Evil’, 1997) narra la historia de John Kelso —John Cusack en un personaje ofrecido primero a Edward Norton—, periodista que viaja a Savanah para cubrir la noticia sobre una de las famosas fiestas de Jim Williams (Kevin Spacey). Una vez allí ocurriá lo inesperado, un asesinato, y lo que en principio iba a ser una columna de opinión en un periódico irá tomando forma para un libro. Kelso conocerá poco a poco a los distintos y desconcertantes habitantes del lugar, dejándose impresionar por la magia del ambiente. Desde el propio Williams, que entre otras cosas guarda la daga con la que se mató a Rasputín, pasando por Lady Chablis, travesti que se interpreta a sí mismo, y que porporciona los no pocos momentos de comedia del film, o Luther Driggins —Geoffrey Lewis, antiguo colaborador de Eastwood y uno de los secundarios más conocidos de los 70—, ese hombre que lleva moscas pegadas a su cuerpo con hilos mientras amenaza con envenenar la ciudad. Un universo de lo más variopinto que podría terminar con el propio Kelso, quien para dormir se pone una grabación de bocinas de coches.

La película se divide en dos partes bien diferenciadas, algo que también ocurría por primera vez en la obra de Eastwood. La primera es simple y llanamente descriptiva, para que no familiaricemos con los extravagantes personajes que pululan por el relato, mientras que la segunda es un juicio en el sentido más clásico del término. En la primera Eastwood además de realizar un ajustado retrato de personajes sorprende por su abierto sentido del humor al dejar que Lady Chablis se desmelene protagonizando algunas secuencias verdaderamente divertidas como la de la visita al hospital. Sin embargo, creo que patina al introducir un amago de historia de amor entre Kelso y Mandy Nicholls —Alison Eastwood, que ya había colaborado con su padre en ‘En la cuerda floja’ (‘Tightrope’, Richard Tuggle, 1984)—, por innecesaria totalmente pues rompe el ritmo de forma increíble. También por juguetear con el fantastico a lo David Lynch y de forma poco afortunada: ese hombre que pasea a un perro invisible, ya que si deja de hacerlo no cobrará.

La segunda parte recuerda a las películas clásicas de juicios, y en ese aspecto nada que objetar. Además de arrojar algo de misterio sobre el relato de forma que nuestro interés nunca decae. El actor Jack Thompson pone toda la carne en el asador dando vida al abogado de Williams, y Eastwood aprovecha para lanzar unos cuantos derechazos, sobre todo en lo que respecta a los prejuicios humanos y nuestra mala manía de juzgar a las personas por sus tendencias sexuales o rarezas, más que por las posibles atrocidades que han podido cometer. Sin embargo esos derechazos, que suelen formar parte de las películas de su autor, no llegan en ningún momento a causar polémica, ni siquiera contribuyen a crear debate. El principal problema radica en un Eastwood poco arriesgado, aunque no lo parezca, moviéndose siempre dentro de los límites de la corrección más académica. No quiero ser malinterpretado, ‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’ es una película bien dirigida y sobre todo bien interpretada, aunque estoy convencido de que John Cusack podría haberlo hecho muchísimo mejor. Pero sus limitaciones son evidentes. Eastwood no se adentra del todo en Savanah, por muy bien que la fotografíe Jack N. Green, quien es menos tenebroso que de costumbre, por lo que su retrato se queda a medias.

Aún así, sería injusto hundir esta película por el simple hecho de que Eastwood no juegue de verdad todas sus cartas. Hay momentos muy inspirados como la conversación final entre Williams y Kelso en la cárcel y que lleva a la mejor frase de la película: “La verdad, como el arte, está en los ojos de quien la mira. Tú cree lo que quieras, yo creeré lo que sé”. La forma de mostrar el asesinato dos veces es ejemplar, aunque a mi juicio luego se comete el error de enseñar la muerte de Williams como si de un acto sobrenatural se tratase. La ambigüedad y la duda hubieran quedado muchísimo mejor, pero Eastwood por alguna extraña razón prefiere condenar a Williams sometiéndolo a los caprichos de una ciudad no regida por las misma leyes naturales que las demás. En cualquier caso Spacey está soberbio, Jude Law empezaba y ya se hacía notar, y la banda sonora es absolutamente impresionante con canciones de Johnny Mercier, interpretadas por los propios actores o ese genio de nombre Brad Mehldau que reiventa el piano.

Dos años pasarían hasta el regreso de Eastwood con un film que guarda no pocos parecidos con el que hoy nos ocupa, y que es mucho más inteligente de lo que parece a simple vista. Pero de eso hablaremos en el siguiente capítulo de este eterno especial.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

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• El debut en la dirección
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• ‘Joe Kidd’
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• El primer western como director
• ‘Primavera en otoño’
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• ‘En la cuerda floja’ (‘Tightrope’)
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• ‘El jinete pálido’
• La llamada de Spielberg y la dedicatoria de Godard
• ‘El sargento de hierro’
• ‘Bird’
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• ‘Cazador blanco, corazón negro’

• ‘El principiante’

• ‘Sin perdón’

• ‘En la línea de fuego’

• ‘Un mundo perfecto’

• ‘Los puentes de Madison’

• ‘Poder absoluto’

Tras haberos anunciado quiénes han sido los ganadores en las categorías de mejor actriz, mejor actor, mejor película española y mejor cinta de animación, llega el momento de comunicaros a quién han elegido vuestros conlectores como el mejor director de 2011.

Se ha alzado como vencedor Darren Aronofsky, con 572 de los 2362 votos. La cinta por la que se le preseleccionaba era ‘Cisne negro’, protagonizada por Natalie Portman, que también ha sido elegida como mejor actriz por los visitantes de Blogdecine. Aunque no todas las películas de Aronofsky son de mi devoción, en este caso sí estoy bastante de acuerdo con los lectores, ya que este film me ha parecido uno de los mejores del año, como ya indiqué. ‘Cisne negro’ (‘Black Swan’, 2010), que también protagonizan Vincent Cassel, Barbara Hershey y Mila Kunis, nos habla de una bailarina que desea obtener el papel principal en ‘El lago de los cisnes’. Su coreógrafo, mientras está de acuerdo en que es perfecta para interpretar al cisne blanco, no la ve para el papel negativo del cisne transformado, y le pide que busque en su interior esa maldad. De lo que no se da cuenta el maestro es de que sus indicaciones están desatando un monstruo. A partir de ahí, se desencadena una locura que Aronofsky muestra con una percepción enajenada, que siempre se ubica en el punto de vista de la atormentada bailarina.

El siguiente director que ha recibido más votos de los lectores es Terrence Malick por su película ‘El árbol de la vida’, quien ha obtenido 413, es decir, un 17%. Tras él, con un 13%, está Steven Spielberg y su ‘Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio’, que sí ha sido ganadora en otra categoría: la de mejor película animada. Más abajo podéis contrastar los porcentajes y números de votos obtenidos por cada director y comprobar si opináis que ha hecho justicia o si, por el contrario, estáis en desacuerdo con las elecciones porque vuestro director favorito ha quedado sin representación.

Sigue pendiente de los resultados de las votaciones y, si aún no has participado, recuerda que la balanza se puede inclinar por un solo voto, que esto no son las Elecciones Generales. Todavía quedan por desvelar cuáles elegís como peor película de 2011 y como mejor film del año. ¿Coincidirá este último con el que habéis votado como mejor director?

Pido disculpas por no haber incluido estos gráficos y porcentajes en el post de la mejor película de animación, pero es que, en aquella ocasión, el Google Doc me presentó un problema y el recuento se tuvo que hacer de forma casi manual.

Tony Scott ha firmado un contrato para dirigir el guion de David Guggenheim ‘Narco Sub’ para 20th Century Fox, un thriller que se basa en el empleo de los submarinos por parte de los cárteles para pasar la cocaína a Estados Unidos. El hermano de Ridley producirá con la empresa que pertenece a los dos, Scott Free, junto con Simon Kinberg, quien trabajará desde Genre Films. Se dice que el estilo de esta película estará entre ‘Marea roja’ y ‘El fuego de la venganza’. Además de este proyecto, Scott se dice que podría involucrarse en varios más, como ‘Hell’s Angels’.

Por su parte, Simon West, que en estos momentos finaliza ‘Los mercenarios 2’ (‘The Expendables 2’) y que recientemente estrenó ‘The Mechanic’, ya le ha echado el ojo a un posible proyecto futuro. Se tratará de una película sobre carreras de coches que llevará por título ‘Dust And Glory’ (“polvo y gloria”) y que se ha descrito como una mezcla entre ‘Mad Max’ y ‘La joya del Nilo’. El guion de Robert Lewis Galinsky adapta la novela de Evan Green, que está ambientada en los años ’50, en Asutralia. ‘Dust And Glory’ mostrará la rivalidad entre un piloto recién llegado estadounidense y la leyenda australiana en los entrenamientos de Redex.

Casualmente, West ha dirigido también un guion del autor mencionado para el proyecto de Scott: ‘Stolen‘, que se estrenará en Estados Unidos en 2012. Protagonizada por Nicolas Cage en el papel de un antiguo ladrón, que busca frenéticamente a su hija, que ha sido secuestrada y encerrada en el maletero de un coche. West también prepara ‘Thunder Run’, con Gerard Butler, Matthew McConaughey y Sam Worthington. Se trata de una película bélica que mezclará la imagen real con la generada por ordenador.

David Guggenheim se ha consolidado en poco tiempo como uno de los guionistas de referencia en cine de acción. Hasta ahora se han podido ver las películas ‘Exit Strategy y ‘Safe House’, que partían de sus creaciones. Pero pronto saldrán a la luz ‘Stolen’ y ‘Puzzle Palace’. Además, acaba de vender su guion ‘364’ y ha escrito por encargo, también de Kinberg, ‘Santiago’.

Vía | Variety.

Steven Soderbergh no ha dejado por el momento el cine –aunque no descarta que lo hará, tarde o temprano–, pero lo que sí ha abandonado es el proyecto ‘The Man From U.N.C.L.E’, adaptación de la Warner Bros. de la serie ‘El agente de C.I.P.O.L.’, debido a que la búsqueda de protagonista estaba resultando frustrante. Se llegó a hablar de Michael Fassbender, Johnny Depp, Joel Kinnaman e incluso de George Clooney para el papel del espía principal, pero ninguno de esos rumores se solidificó en una realidad, probablemente por escaseces de presupuesto.

En lugar de este proyecto, Soderbergh dirigirá ‘The Bitter Pill’ (“la píldora amarga”), un thriller farmacéutico, que el guionista Scott Z. Burns había estado desarrollando con el título ‘The Side Effects’ (“los efectos secundarios”), para dirigirlo personalmente. El guion, que tratará sobre los cambios de humor y sobre cómo nuestra sociedad no admite la tristeza, surge de las investigaciones que hizo Burns para crear el drama televisivo que sufrió una rápida cancelación, ‘Wonderland’, de Peter Berg. Burns –en la parte izquierda de la fotografía– ya había colaborado con Soderbergh en ‘Contagio‘ (‘Contagion’), ‘El soplón’ (‘The Informant!’) y la propia ‘The Man From U.N.C.L.E.’.

Aunque aún no hay productora asociada al proyecto, esperan que el rodaje de ‘The Bitter Pill’ pueda comenzar la próxima primavera. Soderbergh rodará antes de arranzar la biografía de Liberace para HBO, ‘Behind The Candelabra’, y tras finalizar la postproducción de ‘Magic Mike’, con la que ahora se encuentra ocupado.

El punto de partida no suena mal y, aunque Soderbergh sea un director un tanto irregular, lo creo capaz de sacar adelante films de calidad, sobre todo si parte de un guion y una idea fuertes y fundamentados. En comparación con ‘The Man From U.N.C.L.E.’, creo que podemos salir ganando.

Vía | IndieWire