“Yo era como un ratón en las garras de un gato cruel”

-Roman Polanski

Esta madrugada, una de esas noches de viernes en las que, por alguna extraña razón, ver un documental es lo mejor, lo más interesante y provechoso, que uno puede hacer, volví a ver, bastantes meses después de la primera vez, este magnífico documental, que me ha parecido ahora, ya que la situación ha cambiado, mucho más perturbador e importante que la primera vez. Es lo que tienen los documentales contemporáneos: pueden quedarse obsoletos muy pronto con este mundo de locos en que vivimos.

Pero, obsoleto o no, ‘Roman Polanski: Wanted and Desire’ (Marina Zenovich, 2008) es bastante más que un documento audiovisual sobre el proceso a un eminente artista, es el retrato de una época, de varios hombres, de una sociedad hipócrita, de un sistema legal vergonzoso, es la tragedia de una vida, es una acusación a la vileza del periodismo moderno. Es un documento imprescindible.

El cineasta polaco demonizado

La pieza conmienza y concluye con una conversación que primero es un almuerzo y por la tumultuosa conversación se convierte en cena, y entre medias asistimos, estupefactos, a una radiografía certera y deprimente de las tripas de los juzgados norteamericanos, que cuando acogen a famosos supuran mezquindad hasta límites indescriptibles. Pero la película no defiende a Polanski, al menos de un modo obvio, sino que explica con bastante objetividad los hechos, dejando que juzguemos nosotros.

Hay talento y coraje mostrando el preludio a un juicio que fue una farsa, y que finalmente se convirtió en un circo. La directora y sus colaboradores se detienen con precisión en las barrabasadas de un caso delirante, contando en paralelo las vicisitudes de Roman en Londres primero y en Nueva York y LA después. Pero no hay nada tendencioso en contarte su vida, ni de manipulador, pues es un caso contra Polanski, y tienen que hablarte de Polanski, de sus luces y sus sombras, perfilando sus rasgos de carácter, así como los de los secundarios de esta trama, para que el espectador se sitúe debidamente.

Sin duda, conocemos un poco más a este artista irrepetible, que ha dejado una huella imborrable en el cine europeo y norteamericano de la segunda mitad del siglo XX, y cuya vida es un verdadero rosario de desgracias. También ofrece algo de luz al caso de su relación sexual ilícita con una menor, en el crimen sexual más sonado, quizá, de la historia de California. Y luz es lo que se necesita, porque este caso es de todo menos simple, y la colección de opiniones del respetable debería estudiar a fondo el caso antes de demonizar a Polanski, o de santificarle.

Lo cierto es que uno pasa de la incredulidad a la estupefacción, y de ahí a la indignación. Pero también hay perlas para los del colmillo envenenado, los bienpensantes y los hipócritas, cuando Polanski pregunta “¿a quién no le gustan las jovencitas?”. Pero si a uno le presentan los hechos del caso, tal como están aquí, si uno ve de qué manera el juez cometió abuso de poder, o de cómo se plegó a las exigencia de los medios de comunicación, si uno atiende cuando explican de qué modo se cortaron en dos las braguitas de la víctima por orden del juez (la mitad para la defensa, la otra mitad para la fiscalía…), si uno percibe el ambiente de prejuicios de prensa y miembros del juzgado, no puede sino sentir vergüenza ajena.

Y más que vergüenza ajena cuando se explica que Polanski ya cumplió la condena pactada con el juez: 90 días en Chino, reducidos a 42 (la reducción en estos casos es algo habitual), en los que un supervisor psiquiátrico debía tratarle, y en los que recomendó encarecidamente la libertad condicional. Pero claro, el juez Rittenband, anhelante de publicidad, se dejó presionar por los medios de comunicación y no estaba dispuesto a dejar las cosas así, amenazando con meter entre rejas como fuera a aquel “enano pervertido”.

Pero también resulta inolvidable la emocionante rueda de prensa en la que Polanski pedía dignidad a los medios de comunicación (como pedir a un político que haga su trabajo) tras el asesinato de su esposa. Pocos documentales dejan en su sitio con tanta contundencia a la prensa como lo hace este documental de visionado más que recomendable.

Post Data Inevitable

Polanski huyó por sentirse tal como describe la cita que he reproducido arriba del todo, y sospecho que muchos habríamos hecho lo mismo. Hace unos años, según explica el documental, la fiscalía y la abogacía llegaron a un acuerdo para que se entregase y le fueran perdonados todos los cargos, eso sí...con la condición de que fuera televisado, dijo el nuevo juez (Rittenband, ya muerto, había sido retirado del caso por mala praxis…). Polanski, como es lógico, se negó.

Sobran comentarios.

Tras su tráiler, aquí os traemos el cartel de la nueva hazaña de Michael Moore, titulada ‘Capitalism: A Love Story’, que traducido a nuestro idioma es algo así como ‘Capitalismo: una historia de amor’, estrenada en los USA la semana pasada. Precisamente tuve ocasión de asistir allí a un pase de prensa, y comprobar cómo el señor Moore sigue en sus trece de querer dejar en evidencia al país que le está dando de comer. Esta vez se centra en las razones de la posible razón por la actual crisis financiera mundial, centrándose evidentemente en la nación de las barras y estrellas. Con su típica mala leche, su sentido del humor, y mucha, mucha demagogia, Moore arremete de nuevo contra Bush, se remonta hasta Reagan, le da lo suyo y se burla de todo bicho viviente.

Lo que naturalmente no cuenta Moore en su entretenido —si de algo puede presumir Moore es de ser muy entretenido con sus juegos con el montaje— documental, es que arremetiendo contra el capitalismo, su representante pide aproximadamente unos 3.000 dólares para poder entrevistar al famoso director. Es la hipocresía de alguien que utiliza las mismas artimañas de lo que suele denunciar. Eso sí, la secuencia en la que rodea uno de los bancos de Wall Street con una cinta del FBI de escena del crimen, no tiene desperdicio.

‘Capitalism: A Love Story’ aún no tiene fecha de estreno en España, y teniendo en cuenta que su anterior trabajo, ‘Sicko’, tardó casi dos años en llegar aquí, podéis esperar sentados.

Vía | Impawards

Este malagradecido, que le dice al Rey de España «Majestad» porque nos restauró un edificio en Cartagena (¿y para qué hicimos la independencia si no era para no tener que decirle «Majestad» a un zángano cobarde cazador de osos indefensos, pero muy bueno para fornicar con las mujeres del prójimo?), en sus discursos ni nos menciona (...) E invoca en sus discursos el nombre de Dios. «¡Que Dios los bendiga!» termina diciéndonos como si fuera cura o Pastranita (...) ¡Ay, Majestad! Hablá como un hombre, marica

-Fernando Vallejo (sobre Alvaro Uribe, presidente de Colombia)

Fernando Vallejo es un provocador irredento, pero no lo es por el mero deseo de divertirse (aunque también se divierte, y mucho), o por el de adquirir notoriedad. Lo es porque cree profundamente en lo que dice, porque le importa mucho lo que piensa, y porque es un hombre de gran bagaje intelectual, cultural y emocional que sabe perfectamente, mejor que otros muchos, la cloaca infecta en que el ser humano ha convertido este desgraciado planeta Tierra. Y, tal como un entrevistado señala en este divertidísimo documental, dice esas terribles con maneras suaves, con voz calma y cordial, lo que le permite llegar más lejos que muchos otros.

Cuando Luis Ospina conoció a Vallejo, inmediatamente deseó hacer un documental sobre una figura literaria tan apasionante y polémica, y cuando por fin se lo encontró en una fiesta, se lo propuso sin más, a lo que el escritor accedió de inmediato. Entre ambos surgió una amistad profunda y un trabajo documental que explora, con excelente material gráfico, la personalidad de Vallejo y su relación con el arte, con Colombia, con los animales, con todo.

El dolor de la lucidez

Se puede hablar con dureza de lo que se ama, precisamente porque se ama. En una primera lectura al pensamiento y la obra de Vallejo, podemos quizá sentir rechazo por la bestial dureza conque Vallejo habla, sobre todo, de su Colombia. Es tanta, que parece que nos encontramos ante un tipo que sólo puede sentir bilis, desprecio, odio. Pero si nos fijamos con la mente bien abierta, observamos que es un hombre al que han destrozado el corazón, y que es un hombre de una mente y un alma inmensos.

Cuando Barbet Schroeder supo que existía un escritor que quizá podría proporcionarle material para un proyecto en Colombia, que era uno de sus sueños profesionales, leyó todo lo que había escrito y (tal como dice en este documental), fue un descubrimiento de similar calibre al que tuvo cuando conoció a Bukowski. Decidió adaptar ‘La virgen de los sicarios’, la feroz novela de Vallejo, y que fuera el mismo autor el que se encargara del guión. El resultado es uno de los filmes más descarnados e imprescindibles sobre la trágica actualidad de Colombia.

Sólo una vez pude ver ‘La virgen de los sicarios’, y nunca he leído la novela. No pienso volver a verla en mucho tiempo, ni tengo intención de leer la novela. Fue una experiencia demasiado real, demasiado intensa y dolorosa. Y si algún día me decido a leer la novela, me armaré de mucho coraje antes de empezar, pues si es la mitad de oscura y bestial que la película, tendré problemas para levantarme por las mañanas. No exagero si digo que es uno de los relatos más sórdidos y sinceros que jamás he conocido.

Algo de la elaboración de aquella película puede verse en este documental. Al lado de muchas otras escenas de la vida cotidiana y pública de un hombre que dice lo que piensa en lugar de pensar lo que dice, cuyos principios pueden ser chocantes a veces y siempre políticamente incorrectos, que ama con pasión a los animales (impresionante cómo cuida de su perra) y que desprecia con igual pasión a los políticos. Ospina le sigue, inasequible al desaliento, dispersando a menudo el objeto de su estudio, pero por ello haciéndole más humano, más real. El título está bien puesto, es un retrato incesante.

Adjunto todas las partes (9) de este documental, y además en alta definición. Lleva un tiempo colgado en internet sin problemas, por lo que podremos disfrutar de él sin temor a que lo retiren. Si el lector está en su puesto de trabajo, y no tiene la posibilidad de verlo, siempre puede dejar el audio, porque se disfruta casi de la misma manera.

De nada.

Como os adelantamos, el polémico Michael Moore tiene nuevo documental. Su nuevo trabajo se titula ‘Capitalism: A Love Story’ y aquí tenéis el tráiler, contundente y de apenas dos minutos, donde nos presenta el tema que trata y la forma en que lo ha abordado, la misma que ya ofreció en sus documentales anteriores: ‘Roger & Me’, ‘Bowling for Columbine’, ‘Fahrenheit 9/11’ y ‘Sicko’.

‘Capitalism: A Love Story’ gira en torno, como podéis adivinar por el título, a la famosa crisis financiera, esa que dicen que afecta a todo el mundo (eso sí es un chiste malo). En este nuevo documental, Moore explora las causas de la caída de la economía global y echa un vistazo cómico a las corporaciones y los acuerdos políticos que culminaron en lo que el realizador ha descrito como el mayor robo en la Historia de su país, la transferencia masiva de dinero público a instituciones financieras privadas.

La fecha del estreno es el próximo 23 de septiembre, en Estados Unidos.

PD: A continuación os dejo el teaser, en el que Moore nos pide un pequeño esfuerzo para ayudar a los más necesitados:

Vía | TheMovieBox

Vamos a ver cómo lo digo para que me crean. No…me parece que nadie me va a creer. Somos así de tercos, de necios. De hecho a mí mismo tampoco me creo a veces. Lo voy a decir igual: no es que el mundo se vaya a acabar, es que el mundo ya se ha acabado. Dicen que podemos dar marcha atrás y deshacer la cloaca de mundo en que vivimos. Pero tengo la sensación, cada vez mayor, de que es una falacia. Es demasiado tarde. Al menos esa es la sensación que me queda después de ver esta joya de película documental.

Mientras espectáculos de dudoso nivel estético como ‘Watchmen’, ‘Terminator Salvation’, ‘Harry Potter y el misterio del príncipe’ y otros de similar catadura, inundan las pantallas para destrozarle el gusto al espectador, empleando cientos de millones de dólares para ello, y queriendo contarnos grandes dramas de altura planetaria, otro cine se abre camino y nos habla de verdaderos dramas planetarios, de hechos que nos atañen a todos, que nos afectan y de los que somos responsables. ¿Qué necesidad más grande puede cubrir el cine?

Un documental excepcional

Si ‘Tierra’, un monumental esfuerzo (que aunque desequilibrado e irregular, resultaba de una innegable fuerza visual) para unir y dar capítulo final a todas las partes de la serie original, se erigía en un alegato sobre la fragilidad de la vida y en un homenaje a la belleza de este planeta, ‘Home’, auténtico sueño personal de su realizador Yann Arthus-Bertrand (que tuvo que pedir dinero y apoyo a muchisimas personalidades del mundo de la moda, el arte y los deportes para poder sacar adelante este proyecto) es la constatación de que la actividad humana en el planeta es una catástrofe.

Este hombre es un afamado fotógrafo, especializado en tomas aéreas, cuyos trabajos seguro que muchos lectores habrán podido admirar en los grandes almacenes, pues suya es la famosa imagen del corazón de Nueva Caledonia que hemos podido ver impresa en tantas portadas, y suyos los libros ‘La tierra desde el aire’ y ‘La tierra desde arriba’, extraordinarios tomos de fotografía, auténticos superventas, y piezas de gran prestigio que le han valido el reconocimiento mundial como fotógrafo y defensor de la naturaleza.

En ‘Home’, Arthus-Bertrand realiza un ejercicio que en ficción (¿por qué será que el documental me parece, cada vez más, un reducto de libertad en el audiovisual?) sería un verdadero suicidio audiovisual: todos los planos son de la misma distancia focal. Aún así, y pese a que en un principio tal elección parece un obstáculo para el disfrute total de sus imágenes, poco a poco vamos entrando en su propuesta estética, y al final no podemos despegar los ojos, y la conciencia, de su narración.

Él mismo narra la historia, una historia que, tal como dice, nos concierne a todos y es la de todos, y su voz es la de un hombre cultivado, comprometido, apasionado y dolido. Pero también la de un hombre que aún conserva un rayo de esperanza. En la versión española, el gran actor Juan Echanove es el encargado de la narración, y he de decir que sorprende mucho su trabajo por su sobriedad, su sensibilidad y su escasa teatralidad, tres características de las que adolecen tantos narradores en lengua castellana.

El documental ofrece un crescendo admirable, desde la explicación, tremendamente bien escrita, de la disposición de los minerales y de los elementos básicos de nuestro planeta, para a continuación desarrollar un lúcido y espeluznante retrato de nuestra llegada a la Tierra como ser civilizado (esa palabra me parece una falacia grotesca) con cientos de imágenes grandiosas que nos dan una idea exacta de las barbaridades que estamos cometiendo contra nuestro hogar. No exagero si digo que ver esta película le quita a uno las ganas de todo.

Y aunque al final sí que podemos rozar un rayo de esperanza; sobre todo porque gracias a filmes como este uno se percata de que hay por ahí gente que vale la pena, no sólo banqueros, empresarios, cantamañanas, lelos; también cineastas y fotógrafos a los que les importa algo el mundo en que viven. Ahora que el mundo se acaba, es un consuelo… Por cierto, aquí la tenéis completamente gratis, pues se estrenó en todo el mundo (el estreno más grande la historia en términos de países simultáneos) mientras salía gratis en la red:

‘Home’ a film by Yann Arthus-Bertrand

Es desolador ver el documental ‘Capturing the Friedmans’ (2003), de Andrew Jarecki, porque durante ni un solo minuto se tiene la certeza de que lo que se cuenta sea cierto, pero tampoco se puede estar del todo convencido de que sea mentira. Sobre esa duda, sobre lo escurridiza que es y será la verdad, trata este film, donde la pedofilia y la pederastia, así como los hechos reales mostrados, son una mera excusa.

Arnold Friedman compraba por correo revistas pornográficas infantiles. La policía entró con una orden de registro y, tras encontrar material en su casa, pensó que un hombre con esas aficiones no sería un buen profesor de informática. Sin ninguna prueba física, se interrogó a los alumnos del cursillo y varios de ellos declararon haber sufrido abusos por parte del profesor y de su hijo menor, Jesse, de dieciocho años, que ejercía de ayudante en clase.

Los testimonios, algunos indicios y hasta cartas escritas por el propio Arnold podrían indicar que las acusaciones eran ciertas. Sin embargo, la mayoría de los acontecimientos no encajaban, como la cantidad de denuncias, la forma en la que se hicieron los interrogatorios o el hecho de que las supuestas víctimas no hubiesen dicho nada hasta que fueron entrevistados. Jarecki (en la siguiente fotografía) presenta, por lo tanto, las dos caras de la moneda, pero más que por un afán de permanecer neutral y de no condicionar, como estudio de lo difícil que resulta adquirir una certidumbre.

‘Capturing the Friedmans’ (capturando a los Friedman) es un juego de palabras entre capturar en vídeo y atrapar policialmente. Se hace mucho más patente la afirmación de que la verdad es escurridiza cuando se está tratando un caso del que existen miles de horas de grabaciones caseras con celebraciones, charlas, discusiones, declaraciones a cámara… Casi sería como decir que ni siquiera habiendo estado allí habríamos sabido la verdad. Si extrapolamos esto a la historia y a todos los hechos que han ocurrido antes de que existiese la documentación cinematográfica o siquiera fotográfica, nos damos cuenta de lo trastocados que pueden estar los datos que conocemos sobre el mundo anterior a nosotros.

Aterra pensar cómo una acusación sin base puede destrozar la vida –o acabar con ella— de los individuos. El juicio paralelo que montan los medios de comunicación, influyendo en los jueces y jurados, provoca unos veredictos tan inamovibles que da igual lo que se presente en el verdadero proceso. Para quienes vemos el documental sin saber sobre el caso, todo son dudas. Sin embargo, para las personas que ya conocían los hechos a través de la televisión, era casi imposible dejar de pensar como pensaban. Se habla de un lavado de cerebro a las supuestas víctimas, pero es un lavado de cerebro al país entero lo que se encuentra en estos acontecimientos. Sin poseer en ningún momento la certeza de que Arnold y Jesse Friedman fuesen inocentes, la irritación que crea observar estas injusticias en el documental es tremenda. Por muy terribles que sean los hechos de los que se les acusaba, parece aún peor esa falta de amparo judicial. Recientemente se emitió en España una miniserie sobre un juicio similar, ‘El caso Vaninkof’ –donde se había condenado a una mujer por sus tendencias sexuales y su falta de simpatía— que causaba la misma indignación.

Lo más cuestionado fue la forma de efectuar los interrogatorios. Esto ocurría en 1988, cuando los psicólogos acostumbraban a inocular recuerdos en los pacientes a base de insistencia o de hipnosis. Más tarde se comprobó que muchas de las personas que creían que habían sufrido abusos durante su infancia y que suponían que los mantenían perdidos en el olvido debido al trauma, en realidad no habían pasado por ninguna experiencia semejante. En el libro ‘Imágenes de la Locura. La Psicopatología en el Cine’, de Beatriz Vera Poseck –que ya había recomendado en otras ocasiones— se describe este fenómeno, que fue casi como una moda. No sólo las personas acusadas de esos abusos sufrían las consecuencias, sino también las propias supuestas víctimas que, a partir de entonces, tenían que vivir con la consciencia de haber pasado la niñez en el infierno.

Los Friedman eran unos señores extraños –“friquis” sería la palabra— y no le caían bien ni a Elaine, esposa y madre, respectivamente. Entre el padre y los tres hijos habían formado una piña que mantenía fuera incluso a esta mujer, que es la que más minutos de declaraciones tiene en el documental. Las intervenciones del hijo mayor, David, y del propio Jesse son fascinantes por sí mismas. El film, por lo tanto, cobra otra dimensión de interés por el tipo de personajes tan peculiares que presenta y por el tipo de interacciones familiares que retrata. Hace unos días ensalzaba ‘El desencanto’ por motivos similares.

‘Capturing the Friedmans’ es uno de esos documentales que son diferentes porque van más allá del tema que tratan y porque sirven para reflexionar sobre la sociedad, sobre el ser humano y también sobre el propio cine y el propio formato documental.

Más información en Blogdecine sobre Andrew Jarecki.

Mi puntuación:

Hoy toca hablar sobre música, para variar un poco. Más concretamente sobre un documental acerca de uno de los más brillantes músicos del siglo XX. Queda pendiente, por supuesto, hablar sobre música de cine más en profundidad en éste Blogdecine, cosa que prometí y todavía no he cumplido, aunque me apasiona profundamente diseccionar la música de las películas. Pero exige un tiempo que de momento voy a dedicarle al que posiblemente sea el mejor pianista del siglo XX, y al documental que mejor, con más sensibilidad y talento ha sabido acercarse a su personalidad.

Después de muchísimo tiempo buscándolo, finalmente he encontrado el valiosísimo documental ‘Glenn Gould: Hereafter’, dirigido por el melómano y especialista Bruno Monsaingeon. Yo ya pensaba que nunca podría dar con él, aunque fue editado hace pocos años. Pero ya se sabe el lugar que ocupan en los grandes almacenes, y a veces también en los pequeños, los documentales sobre músicos. Si a ello sumamos la habitual desidia de las distribuidoras de este desgraciado país, pues mal vamos. De ahí mi sorpresa cuando descubro, en el estante de Dvd’s de música clásica, esta pequeña joya.

El canadiense Glenn Gould (1932-1982) fue una especie de estrella del rock para la música clásica. Un Elvis pianista. Ha pasado a la historia de la música sobre todo por sus interpretaciones de Johann Sebastian Bach, tan personales como virtuosas, tan apasionadas como elegantes. Pero no sólo era un pianista sublime (en mi opinión, el más grande desde Busoni), también tenía una personalidad extravagante, misteriosa, críptica, que fascinaba a sus interlocutores y obsesionaba a los numerosos fans que le seguían por todo el mundo.

Su repertorio era muy original y excéntrico (Hindemith, Byrd, siempre Bach) y su apariencia extraña, tanto en la vida cotidiana como al teclado. Su vida personal fue hermética, y delante del piano adquiría esa postura de la que tantos se burlaban o, simplemente, se quedaban estupefactos. Sufría de una dolencia en la espalda desde niño que le obligaba a encorvarse a la hora de tocar el piano. Su célebre silla, que le acompañaba a todos sus conciertos, era algo así como una prolongación de sus rasgos de carácter.

Harto de la farándula y el negocio de los conciertos, abandonó a los treinta y muy pocos años esa actividad para dedicarse por entero a la grabación en estudio. De todas ellas la más célebre es la de una de las más grandes composiciones de la historia de la música, para muchísimos aficionados: las ‘Variaciones Goldberg’, de Bach. Gould ya las grabó en los años 50, pero de nuevo se ofreció para cerrar así la larga serie de grabaciones que completaban todo el repertorio de Bach. Hoy día estas grabaciones, continuamente reeditadas, siguen siendo todo un best seller.

En cuanto a la labor de Monsaingeon, es aquí de una precisión tan alta como en el documental a toda la vida del pianista. No me cabe duda de que este hombre posee un gran talento, que quizá pase desapercibido para los consumidores de palomitas y superhéroes. La forma en que se acerca al músico para observarle tocar, se asemeja a la de un privilegiado fantasma que no osa perturbar la concentración del genio. Rodado a varias cámaras, es sabido de qué forma Gould odiaba que le interrumpiesen o le sacasen de la nube que le proporcionaba la música.

Eso sí, con una energía apabullante, el realizador sabe colocar la cámara de modo que los gestos más sugerentes, y los movimientos de la mano del artista queden recogidos de la mejor manera posible. Nosotros, espectadores a menudo malcriados, asistimos así a la creación de una obra de arte.

Estos son algunos de los vídeos de música clásica más vistos en Youtube. Aquí el lector puede disfrutar de las treinta variaciones, mientras continúa en su puesto de trabajo, o mientras realiza sus pesquisas en internet. Aunque lo mejor sería con un buen whisky on the rocks, tirado en el sofá, mirando el paisaje. Porque esto es exquisito. Más aún.

De nada.

Esta tarde se estrena el documental ‘Sicko’, de Michael Moore, tras la decisión de que no se lanzaría a los cines de nuestro país, posteriormente revocada. En 2007 ya estaba en Youtube, así que se puede decir sin problema que se ha hecho esperar.

‘Sicko’ comienza criticando los subterfugios que utilizan las aseguradoras médicas privadas en EE. UU. para no pagar a sus clientes la asistencia que necesitan, lo que, en numerosas ocasiones, ha significado la muerte de los pacientes. Moore se centra en algunos casos concretos para contarnos el funcionamiento de estas empresas. A partir ahí, el discurso continúa para explicar que ese país capitalista podría tener asistencia médica del estado.

Las películas de Moore están claramente dirigidas a sus compatriotas norteamericanos, por lo que muchos de los momentos pueden resultarnos cansinos a los europeos, que ya conocemos lo que cuenta. Pero de la misma forma, nos sorprenderemos mucho con algunos otros de los aspectos, que quizá para ellos ya estaban claros, y aprenderemos cosas sobre el archiencumbrado estilo de vida americano (American Way of Life) que nos dejarán de piedra.

Por lo tanto, creo que la lectura que puede hacer de un documental de Moore una persona de EE. UU. y una de cualquier otra parte del mundo es muy diferente, casi complementaria. Personalmente, la sensación con la que salía del cine era la de odio a ese país. Salía pensando que no querría ir ni de vacaciones.

De entre esas cosas que chocan se puede mencionar que los ciudadanos prefieren no tener cobertura médica estatal, es decir, que esto no es un defecto que lamenten, sino algo con lo que están de acuerdo. Por eso, para ellos es necesario que este documental les ponga el ejemplo de otros países, cosa que ya hacía Moore en ‘Bowling For Columbine’. Mientras para nosotros lo interesante sería ver bajo qué mandato presidencial se iniciaron estas coberturas privadas, cuáles han sido los intentos políticos por reestablecer la seguridad social y de qué forma se han aplastado éstos.

Realmente, que una compañía privada, cuyo único objetivo es obtener beneficios económicos llegue hasta cualquier consecuencia con tal de no perder dinero, no tendría por qué parecernos extraño. Lo que no cabe en ninguna cabeza es que el propio Estado deje morir a sus ciudadanos. Sólo si consiguiesen que Dios escuchase la plegaria “Líbranos del mal…” tendrían alguna opción, ya que cualquiera que se ponga enfermo de gravedad, incluso con cobertura privada, va a verse en un calvario y quizá no reciba las curas que necesita.

Todo lo que se le ha criticado siempre a Michael Moore se repite en este nuevo documental: la demagogia, la utilización de figuras individuales para causar sensaciones en el público, su posicionamiento como estrella del show, el exagerado didacticismo… Y se puede añadir que ‘Sicko’, como película, es fea, con unos grafismos que parecen hechos mal a propósito. Sin embargo, considero que encontrar estas trampas o defectos en su discurso no deslegitima el mensaje en sí. Es decir, que Moore sea exagerado y sibilino no resta importancia a su denuncia de temas que claman al cielo.

El efecto que Moore busca, lo consigue porque este documental apena y cabrea. Lo que sí es cierto es que dudo de la capacidad para cambiar las situaciones que puedan tener sus films, ya que lo de predicar al converso se aplica aquí más que en ningún otro sitio. Cualquiera que piense de forma contraria a él le tendrá tanto odio que no verá jamás ninguno de sus documentales, ni querrá siquiera escuchar el contenido contado por una tercera persona. El esfuerzo del creador por conciliarse con estas mentes que se le oponen es el mínimo, ya que la parte de ‘Sicko’ en la que viajan a Cuba sólo puede molestarles. Quizá se equivoque porque, si consiguiese que esa gente viese sus películas, seguro que algo les moverían y, por mucho que tratasen de desmontar sus tesis con los argumentos que he citado antes, algún poso se les quedaría.

‘Sicko’ es un film que estremece y que parece muy necesario, incluso en nuestro país, donde, por mucho que cueste creerlo, también existen figuras de importancia que consideran que la ausencia de seguridad social sería un sistema preferible, pero espero que, como dice un canadiense en la cinta, eso ya sea impensable.

Más información en Blogdecine sobre ‘Sicko’.

Mi puntuación:

Al amanecer del 7 agosto de 1974 un loco cruzó las torres gemelas de Nueva York a través e un cable durante 45 minutos. Pasos hacia adelante, hacia atrás, de rodillas, tumbándose y recreándose del dominio del equilibrio y del riesgo. Un ejercicio de funambulismo extremo que cautivó a los viandantes y escandalizó a las fuerzas de seguridad. Aquel loco se llamaba Philippe Petit y el acontecimiento fue calificado como el delito artístico del siglo.

Semejante proeza que tenía las mismas dosis de belleza que de suicidio grandilocuente no fue fácil de llevar a cabo. Y en el documental ‘Man on Wire’ dirigido por el británico James Marsh, se rescata esta fascinante historia y de la ardua y compleja preparación que tuvo que llevar a cabo el alambrista francés Petit. La historia es suficientemente interesante como para llevar a cabo este documental, pero lo que lo convierte en un impresionante ejercicio cinematográfico es la forma de narrarlo.

James Marsh ha sabido mezclar con especial brillantez imágenes de archivo, entrevistas al protagonista y sus colaboradores y vestirlo con las suficientes dosis de tensión que lo convierten en un verdadero documental en clave de thriller. El protagonista es un tipo apasionado, un loco cuerdo que ha vivido obsesionado con cruzar en un alambre las torres gemelas desde que tuvo conocimiento que las estaban construyendo. Su único afán era prepararse para alcanzar un reto personal, lleno de pasión, de riesgo y de asombrosa emoción que transmite a lo largo de sus fascinantes manifestaciones en las entrevistas.

‘Man on Wire’ narra con detalle la meticulosa preparación de semejante golpe, tan similar como si fuera uno de esos atracos con rasgos de cine negro. Los detalles, los ayudantes y cómplices involucrados, la novia sufrida y un protagonista loco que se erige en propio y apasionado intérprete de los hechos que rodearon a su hazaña.

El gran acierto del realizador es haber dotado al documental de una poderosa fuerza narrativa, con un montaje alterno que sabiamente nos va conduciendo con la misma pasión que Petit hacia la superación de la prueba sobre el abismo. Pura emoción y suficiente intriga, a pesar de que se conoce el desenlace, como para que aunque a uno no le llame la atención las vicisitudes de un artista del alambre, consiga quedarse fascinado con la narración.

A pesar de no disponer de imágenes en movimiento del acontecimiento, la falta se suple con notable talento a la hora de recrearlo y se apoya en suficiente material gráfico, junto con las visiones en primera persona de todos los implicados.

Nada tenía de sencillo colarse dentro del recién construido World Trade Center, subir hasta la última planta con abundante y pesado material y montar allí el dispositivo para unir ambas torres con un cable suficientemente tenso como para que Petit caminase con cierta seguridad. Aunque, precisamente la seguridad la ponía únicamente su fijación y preparación, porque el riesgo era tan alto que era algo que se suponía superado. La mayor dificultad para Petit y sus cómplices era establecer un plan que los condujera a lo alto de ambas torres, con suficiente sincronización y discreción como para montar el cable que sería el poético camino que recorrería Petit.

Como aperitivo, podemos ver en imágenes de archivo la enorme destreza, casi innata del alambrista, desafiando al vértigo y la lógica, caminando por encima de la catedral de Notre Dame primero, y sobre las torres del puente del puerto de Sidney después. Así como la ardua y larga preparación que supuso el golpe de las torres gemelas, verdadero y único objetivo. Momentos complicados, de mucha planificación, de simulacros y de dificultades inesperadas que van conformando la intrigante y emocionante historia de Petit. Un tipo singular, al que sin embargo no se intenta endiosar y encumbrar, sino servir como fiel reflejo del soñador obstinado, que busca satisfacer su principal objetivo en la vida.

Marsh sabe manejar con sutileza y maestría elementos dramáticos insertados a lo largo del metraje que van dotando de fuerza, brío y emoción esta extraordinaria historia, todo ello apoyado en una brillante banda sonora de Philip Nyman. Junto con la acertada decisión de no entrar en discernir las verdaderas motivaciones del alambrista, sino más bien en contar con mimo e intriga el entramado perpetrado hasta llegar al objetivo impuesto.

Quizás, a pesar de que no se cita, el desastre del 11-S infilnge en el sentir del espectador un tono más emotivo si cabe, cuando se aborda su construcción y el posterior acontecimiento, sin duda uno de las anécdotas más curiosas que los dos gigantes de cemento vivieron.

‘Man on Wire’ resulta un sublime ejemplo de narración a la par que está dotado de algo tan difícil conseguir como es que destile magia, la misma que el entusiasta Petit, de personalidad magnética, parece haberle empujado al delito artístico del siglo XX. Así fue calificado en su momento. En realidad, ‘Man on Wire’ llega más allá y resulta un relato sobre la búsqueda de los sueños.

Mi puntuación:

El mítico grupo cómico Monty Python celebra este año el 40 aniversario desde su primera aparición en la BBC en 1969. Con tal motivo todos sus integrantes se han vuelto a reunir para grabar un documental, de título ‘Los Monty Phyton: Casi la verdad’ que repasará la trayectoria del grupo, uno de los que más carcajadas ha generado a lo largo de muchos años y cuya influencia fue capital durante su apogeo.

Así, tendremos la oportunidad de ver de nuevo a John Cleese, Terry Gilliam (el único norteamericano y que continuó su carrera como realizador, del que veremos próximamente ‘The imaginarium of Doctor Parnassus’), Eric Idle, Terry Jones, Graham Chapman (ya fallecido y del que se usarán imágenes de archivo) y Michael Palin, verdaderos veteranos de esto del humor. En televisión alcanzaron la fama, pero para la historia del cine han dejado algunas perlas de una comicidad fabulosa.

¿Quién no recuerda ‘La vida de Brian’? Irreverentes, originales, innovadores… gozaron de gran éxito de público y crítica. Un humor surrealista y universal que, en su polifacética trayectoria artística, llevaron a varias películas tan conocidas como la citada o también ‘Se armó la gorda’ (1971).

Pero, sin duda, si tuviera que elegir, incluiría ‘Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores’ (1975) como una de las que más me impactó, y que tendría en mi top ten de películas de humor. Una descacharrante visión al mito artúrico con momentos memorables y con los que más me he podido reír. Una película que los consagró como grandes artistas del cine y con la que consiguieron, no sólo éxito de público, sino también un enorme reconocimiento de la crítica. Aquí uno de esas escenas míticas, el enfrentamiento con el caballero negro:

En YouTube | Canal de Monty Phyton
Vía | El País
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