En la abrumadora mayoría de cosas que hay en la vida si algo es malo es malo, no hay peros, ni excusas que valgan. Sin embargo, en determinadas artes sí que podemos encontrar una excepción varias excepciones a esa regla. ¿Acaso hay alguien que no se haya reído alguna vez viendo versiones lamentables de canciones como la de In the ghetto de El príncipe gitano? Por no hablar de los momentos de diversión en karaokes donde llegamos a creer que cantamos mejor que el intérprete original cuando en realidad estamos cometiendo un crimen contra el buen gusto. Eso sí, nosotros lo disfrutamos con un entusiasmo similar al que tenemos cuando escuchamos nuestras canciones favoritas. ¿El motivo? En lo desconocido de ello reside gran parte de su encanto.

Hace unos días ya comenté que voy a dedicar un especial a películas objetivamente horribles pero con cierta magia que les hace trascender y ser unas auténticas obras maestras de la comedia, pero antes he preferido hablaros de un documental que pretende descifrar las razones del éxito de ‘Troll 2’, una de las varias películas que cuentan con el dudoso honor de ser considerada la peor de la historia. ‘Best worst movie’ supone el debut en la dirección de Michael Paul Stephenson, nombre que por sí solo no os dirá gran cosa, pero si os digo que es el niño protagonista de ‘Troll 2’ igual la cosa ya cambia. Sí, el chaval que, en un alarde de inteligencia, decía que Nilbog, nombre del pueblo al que van de vacaciones en ‘Troll 2’, es Goblin deletreado al revés en uno de los momentos más recordados de la película.

‘Best worst movie’, el culto hacia ‘Troll 2’

A muchos les costará entender que haya surgido un culto alrededor de ‘Troll 2’, la cual cuenta con un 0% de críticas positivas en rottentomatoes y aparece en el ránking de 100 peores películas en imdb, pero eso es algo que ‘Best worst movie’ nos aclara de forma indirecta. Y es que no nos dice directamente las claves para que una mala película sea adorada con el paso del tiempo, pero esa es una idea que un espectador algo avispado puede concluir en el caso que nos ocupa. Obviamente, ‘Troll 2’ es una película cuyos fans se han tomado como una comedia involuntaria y reaccionan con carcajadas ante todos los fallos que se van sucediendo en pantalla. ¿El motivo? Seguramente la incapacidad para creer que algo así pueda existir.

Los seguidores de ‘Troll 2’ viven la película como una experiencia a recordar por el resto de sus vidas y llegan a formar competiciones, fiestas temáticas y todo clase de actividades para celebrar la grandeza de la película y darla a conocer a más personas. Y eso es algo que no se consigue haciendo una falsa mala película como podría ser ‘Machete’, sino el resultado de una cantidad histórica de errores por parte de alguien que está haciendo una película en serio. Eso es lo que ha conseguido que la obra de Ed Wood aún perdure pese a su discutible calidad, porque la suma sucesiva de cosas negativas ya desde la propia idea de la película es algo que, en ocasiones, trasciende los límites de lo bueno y de lo malo y se convierte en algo disfrutable. Y es que ‘Troll 2’ es prácticamente una obra maestra dentro del tipo de película en el que se ha convertido con el paso de los años.

Los personajes de ‘Best worst movie’

En documentales del estilo a ‘Best worst movie’ también resulta vital que haya unos personajes que te enganchen a la historia. En el caso que nos ocupa los tenemos de dos tipos. El primero es George Hardy, que daba vida al padre de la familia en ‘Troll 2’ y que actualmente trabaja como dentista. Hardy funciona a modo de hilo conductor de todo el documental, ya que vemos las reacciones en el pueblo en el que vive ante el descubrimiento de su aparición en una película tan lamentable, pero la cosa no se queda ahí. Hardy va evolucionando a lo largo del documental y mostrándonos las etapas por las que puede pasar una película horrible que acaba siendo adorada por el público: De su ocultamiento pasamos a ver cómo empieza a disfrutarlo, luego empieza a sentirse alguien importante y su éxito acaba devorándole. Y es que tomarse en serio una película como ‘Troll 2’ es un arma de doble filo, ya que suele ser lo que permite que una película horrible se convierta en una joya, pero también lo que acabe quitándole la gracia al asunto.

No hay problemas en mostrar los aspectos negativos de esas convenciones a las que van actores a los que apenas se conoce por haber participado en una película de culto. Sin embargo, el carisma de Hardy ayuda a que su labor como narrador indirecto eleve el interés de la película. Y sí, he dicho carisma, porque Hardy no tiene la culpa de que el responsable de casting decidiera que alguien que no es un actor, y que sólo se había presentado para conseguir un papel como extra, consiguiera un rol tan importante.

Eso sí, los auténticos personajes de la función son aquelos que te dejan con la boca abierto y te ayudan a comprender parte de la magia que desprende ‘Troll 2’ al mismo tiempo que te cuesta creer que exista gente así. El primero en aparecer en ‘Best worst movie’ es Claudio Fragasso, director de ‘Troll 2’ y de otros muchos subproductos italianos. Fragasso cree que ‘Troll 2’ es poco menos que una obra maestra que trata temas trascendentales como comer, vivir y morir. Y lo dice completamente en serio, del mismo modo que su esposa, y coguionista de ‘Troll 2’, no tiene problemas en admitir que convirtió a los goblins en vegetarianos porque varios amigos suyos se habían vuelto vegetarianos recientemente, eso hizo que se cabreara y quiso así equiparar a los vegetarianos con los vampiros. Fragasso tampoco tiene problemas en despreciar a todos los actores llamándolos perros o en despreciar cualquier crítica hacia su obra. Todo un personaje que ya por sí solo justifica el visionado de ‘Best worst movie’.

La otra implicada en ‘Troll 2’ que deja atónitos a los espectadores es Margo Prey, la actriz que daba vida a la madre de la familia protagonista. Imagino que muchos estaréis familiarizados con el personaje de la loca de los gatos de ‘Los Simpson’, pues bien, esta señora te deja con toda la sensación de que vaya a transformarse en algo así dentro de unos años. Prey llega a hacer afirmaciones como que ‘Troll 2’ es como ‘Casablanca’, ya que son películas que realmente merecen la pena y no como la gran mayoría del cine actual.

‘Best worst movie’ no se olvida de hablar con el resto de implicados en la película, donde encontramos casos como alguien que está particularmene orgulloso de haber participado en una película mala famosa, alguien con un pasado reciente inquietante cuando consiguió un papel en ‘Troll 2’ (y un presente que hace dudar de su salud mental) o no pocas mencionas a carreras y sueños sesgados tras ver lo que finalmente fue ‘Troll 2’. Sin embargo, Hardy, Fragasso y Prey son las auténticas estrellas en este apartado. Y además Stephenson no abusa de ninguno de los tres, lo cual evita desequilibrios en el documental que hubiesen afectado al balance final, siendo ese equilibrio una de las mayores virtudes de ‘Best worst movie’, pues se consigue en todos los frentes.

En definitiva, ‘Best worst movie’ es un documental muy recomendable para todos los amantes del cine basura, pero también para todo aquel cinéfilo que simplemente quiera pasar un buen rato. Y es que no sólo nos ofrece varios detalles que explican el éxito de una muy mala película, sino que también nos deja ver a varios personajes míticos como el director de ‘Troll 2’ o la actriz que interpretaba a la madre en dicha película. Todo ello sin perder la sensación de buen rollo general que transmite todo el documental y que permite emparentarlo con otros documentales positivistas más o menos recientes como los estupendos ‘The King of Kong: A fistful of quarters’ y ‘Anvil – El sueño de una banda de rock’. Por ahora, ya puede presumir de haber ganado un premio en el Festival de Sitges de 2009, pero aún queda conseguir la difusión suficiente para que todos podáis disfrutar de esta pequeña joya que es ‘Best worst movie’.

Los documentales son el medio ideal para denunciar situaciones lamentables que suceden en el día a día. Normalmente, los autores se decantan por criticar actividad empresariales ilícitas que se aprovechan de vacíos legales para salirse con la suya, pero también hay casos en los que hay que volcarse en otros horrores que nuestros propios gobiernos quieren evitar que sean del conocimiento del público. En España es obvio que existen tal cantidad de casos de corrupción que me cuesta imaginar que haya más políticos honrados que auténticas lacras para nuestra sociedad, pero en esta ocasión nos toca hablar de un grave problema para el gobierno de los USA: Las violaciones a mujeres en el ejército norteamericano.

Kirby Dick, director de otros documentales como ‘This film is not yet rated’, aborda en ‘The invisible war” un problema que lleva años ocurriendo de forma sistemática en el ejército de USA y que no sólo no está camino de resolverse, sino que existen mecanismos para ocultar su existencia. Y es que si el problema no existe es que no existe tal problema, aunque en realidad una mujer del ejército de USA tiene más probabilidades de ser violada por uno de sus compañeros que de morir en combate. El documental, que será presentado en la próxima edición del Festival de Sundance, tiene toda la pinta de que va a ser extremadamente duro de ver y sólo espero que no caiga en un sensacionalismo barato, ya que es un problema suficientemente grave como para que el autor lo exponga sin intervenir en ningún momento. Miedo me da lo que podría salir de algo así si el director fuese Michael Moore.

Lo que parece seguro es que este documental dará mucho de qué hablar en los próximos meses y seguramente se convierta en uno de los más destacados del 2012. Yo estoy convencido de que acabaré viéndolo, ¿y vosotros?

Vía | Bleeding Cool

El libro es un relato lleno de drama y huidas. Lanzmann luchó en la resistencia francesa y también tuvo que huir del comunismo. Lanzmann, además, estuvo en Los tiempos modernos, esa revista francesa e insolente que fundaron Jean-Paul Sartre y Simone de Beauvoir. La misma Beauvoir le dedicaría una de sus novelas tardías y Lanzmann pasaría con prontitud a dirigir la revista. Pero también se nos cuenta el nacimiento de un cineasta, de una mirada demasiado importante e insobornable como para ser ignorada todavía.

Su primer documental fue ‘Pourqoi Israel’ (id, 1974) una cinta en la que adelantaba mucho de sus temas y que fue polémica por su tratamiento, aparentemente sionista, del país recién fundado. Pero las acusaciones me parecen forzadas o al menos un poco descontextualizadas: la historia de Lanzmann es la de los residentes de un país apenas reciente, es la historia de los emigrados, no es tanto la glorificación de la tierra, como la prueba de que sus habitanes son fruto de una diáspora más bien trágica.

Su siguiente proyecto le tomaría más de una década. Es el que mejor aparece retratado en este libro de memorias, aquí titulado La liebre de la patagonia. Es un proyecto arriesgado, uno que necesitó no ya financiación sino un gran recuento de testigos que no querían aparecer. Pero sobre todo es fruto de su visión del mundo, de su experiencia, es fruto de una educación en la que supo sacar lo mejor de un panorama intelectual dominado por el existencialismo en el que el lenguaje y las cosas tenían una importancia crucial, en el que la política era algo más que una mera opción política.

La lección que nos deja Lanzmann es profundamente moral, la misma que aparece en el libro Explaining Evil: The Search of Origins of His Evil. El periodista Rosenbaum se pregunta por qué Hitler era malo. Y Lanzmann responde que las razones no importan. Pues claro que no importan, porque las razones, la misma conversión de Hitler en algo que se parezca a un melodrama o a una versión, no es que nos incomoda, como sostienen algunos relativistas, es que no quita la única verdad fundamental del ser humano. A parecida conclusión llega Slavoj Zizek en Violencia, cuando asegura que todas las memorias de descendientes de los más sádicos torturadores del Gulag hacían un dibujo humano de la persona y atribuían, por supuesto, las grandes responsabilidades a otro. Las razones carecen de importancia porque somos nuestros actos y los hechos no necesitan otra cosa más para Hitler: es responsable del genocidio judío y sus datos biográficos, por curiosos que nos parezcan, no explican realmente nada.

Eso hace en Shoah (id, 1984), Lanzmann por cierto. No aparece ni una sola imagen del horror, nada de las imágenes de archivo documental disponibles. Lanzmann escoge los testimonios. Escoge la voz. Decide así rodar en localización, en el riguroso directo, con los paisajes ya en ruinas. Identifica a sus testigos. Los neutrales, las víctimas y los perpetradores. Todos hablan. Cuentan la historia de un mundo y de un horror. Esta obra maestra absoluta demuestra las posibilidades del cine para acumular memoria, para hacer justicia con ella, una vez que sale a la luz. Es un proyecto titánico que sugiere una idea artística demasiado elevada, pero es una experiencia sobrecogedoras, más de nueve horas, que todo el mundo debe ver para conocer las voces que sobrevivieron a Treblinka y Auschwitz sin que medie la espectacularización del cine. Porque ver la obra magna de Lanzmann es también aprender a ver con una exigencia estética e intelectual el mundo y una manera legítima de representar el Horror. Acaso la única.

La ironía de la religión es que por su poder para desviar al hombre hacia rutas destructivas, el mundo puede llegar realmente a su final. El hecho evidente es que la religión debe morir para que la raza humana viva.

(Bill Maher)

Con motivo de la famosa, costosa y polémica visita del Papa Benedicto XVI a España este pasado fin de semana, para un evento, la Jornada Mundial de la Juventud, que reunió a miles de peregrinos de numerosas nacionalidades (todos comprometidos con la causa de la Iglesia, por supuesto, todo muy serio, no hay más que ver las imágenes), volví a ver la película documental ‘Religulous’ (2008), como antídoto para contrarrestar toda la tontería, la hipocresía y la falsedad que ha recorrido nuestro país desde hace días, representada por ese anciano señor alemán cuyo rostro recuerda curiosamente al del mayor villano de la saga ‘Star Wars’. Nada mejor que una dosis de verdad, humor y cinismo para superar la indignación que provocan las declaraciones del Santo Padre y de sus fieles seguidores (tan obsesionados y emocionados como los que arrastran las estrellas de cine o la música), muy felices en su propio mundo, ajenos a los verdaderos problemas de la gente y de nuestro planeta.

Aunque obtuvo cierto éxito en Estados Unidos (demostrando una vez más que el género documental puede ser muy rentable), y es evidente que el tema da mucho juego, ‘Religulous’ (una contracción de las palabras inglesas “religión” y “ridículo”) no llegó a estrenarse en nuestro país y, misteriosamente, tampoco puede conseguirse en videoclubs ni tiendas; la única alternativa, como viene siendo habitual, es acceder a Internet, y la buena noticia es que se encuentra fácilmente, por ejemplo podéis verlo gratuitamente en Youtube con subtítulos en castellano. Y deberíais verlo, aunque algunos todavía os dejéis llevar por esos prejuicios que os engañan diciendo que todos los documentales son aburridos; ‘Religulous’ no lo es, es sumamente divertido, y también ácido, inteligente, lúcido y aterrador, es un combate de apenas cien minutos donde se encara la religión y se la enfrenta con el conocimiento y el sentido común. No lo resiste.

Dirigido por Larry Charles (conocido por su colaboración con Sacha Baron Cohen en ‘Borat’ y ‘Brüno’), ‘Religulous’ es un documental ideado, presentado y protagonizado por el norteamericano Bill Maher, popular cómico (además de actor, presentador, escritor y comentarista político) que suele criticar la religión organizada y las decisiones políticas en sus actuaciones. Básicamente, la película consiste en una serie de entrevistas que Maher realiza a lo largo de un viaje alrededor del mundo que lo lleva a lugares relacionados con la creencia en Dios, y entidades similares. Para animar el relato se suelen insertar segmentos de películas, noticiarios, fotografías o animaciones de temática religiosa, así como subtítulos aclaratorios para poner en evidencia a los entrevistados; y buscando la complicidad con el espectador, a veces la cámara enfoca a Maher durante los trayectos para que exponga su punto su vista o dé su opinión sobre algunas entrevistas.

A pesar de ello, Bill Maher no se calla en presencia de los entrevistados (incautos, pues al parecer las reuniones se organizaban alegando que eran para un documental titulado ‘Un viaje espiritual’, omitiendo la participación del cómico), no se guarda los comentarios para contárselos luego al público “en privado”. Maher actúa con seguridad y espontaneidad, y si bien intenta siempre comportarse con educación y respeto, más de la que se merecen algunos de los implicados en este documental (cualquiera que haya estado en situaciones similares sabrá lo que cuesta mantener la compostura), no tiene ningún reparo en contestar, discutir, argumentar e incluso burlarse de la gente que habla con él, y es que hay disparates y necedades que solo pueden ser respondidas con asombro y carcajadas. Particularmente, creo que la charla con el senador (que llega a decir que no hace falta pasar un test de inteligencia para ocupar su puesto) y el tipo que asegura ser descendiente de Jesús (no tiene muy claro el concepto de la reencarnación) se llevan la palma.

Aunque el humor es fundamental en esta cruzada de Maher por desenmascarar a los mentirosos y exponer los absurdos de las creencias religiosas (de todas, tampoco se corta un pelo con los temidos musulmanes), se hace especial hincapié en los males que se han causado en nombre de Dios y los peligros que nos acechan si dejamos que nos controlen individuos que confían en la fe, que atacan la ciencia y creen encontrar todas las respuestas en los libros sagrados. Desde luego no es un documental perfecto, ni mucho menos. Charles y Maher buscan ante todo el humor, a toda costa, y eso a veces significa ridiculizar a sus entrevistados sacando de contexto sus declaraciones o montar las intervenciones de manera que se queden sin palabras, como si tomasen conciencia de que están diciendo alguna tontería. Asimismo, se echa en falta que Maher se reuniese con personas más relevantes o que tuviesen cosas más interesantes que decir sobre sus convicciones o su modo de vida, y no tanto farsante o chalado (lástima que no conociese al que hay en Murcia). En definitiva, no es imparcial ni riguroso, pero las risas y el debate están asegurados.

PD: A continuación os dejo dos vídeos; una de las secuencias eliminadas del montaje final del documental (incluida en los extras del DVD), donde se discute si estamos siendo controlados por reptiles, y un extracto de un monólogo de Maher en el que vuelve a hablar de la religión:

O sencillamente brutal. Por recomendación de un amigo vía Twitter veo este documental, que no es que sea reciente, ni mucho menos, y me quedo anonadado por el avasallador talento de su director, por la historia colmada de carga crítica que cuenta, y por el descarnado cinismo con el que nos la cuenta. El cortometraje documental ‘La isla de las flores’ (‘Ilha das Flores’, Jorge Furtado, 1989) es una de esas joyas de no ficción que de cuando en cuando hay que ver, no obligados pero sí convencidos, para ser un poco más lúcidos de cómo funciona este mundo capitalista. Se llevó el Oso de Plata al Mejor Cortometraje en el Festival de Berlín de 1990, y con aclamación en festivales de cortometrajes de medio mundo, en los que crítica y público se rindió a la evidencia: este es un corto que hay que ver y que, entre lo que busca y lo que encuentra, no hay apenas diferencia.

No se trata de un título agradable, ni mucho menos, aunque a menudo salpica con trallazos de mala uva que van a hacer reir a más de uno. Empieza como un documental educativo sobre la plantación de tomate y termina siendo un escupitajo feroz a las mismas raíces del capitalismo salvaje, ese que cada día hace del mundo un lugar mejor en el que vivir. Algunas imágenes perturbarán al lector de Blogdecine (aunque supongo que bastantes ya lo habrán visto), por su extrema incomodidad visual, otras harán reflexionar, otras harán reir. Al final de los once minutos que dura este corto, creo que muchos sentirán un aplastamiento anímico, propio de quien es más consciente de cómo va la sociedad en la que vive. He de reconocer que no conozco la trayectoria de Jorge Furtado, pero no me cabe duda de que es un cineasta de gran talento. Impresionante la forma en que lo va hilando todo, en un montaje soberbio, con una coña intrínseca no incompatible con una mirada amarga.

Dadle al play gracias a vuestro pulgar oponible y disfrutadlo a través de vuestro telencéfalo altamente desarrollado, no os arrepentiréis.

Al grano, el director de ‘Cowboys & Aliens’, Jon Favreau, entrevista a uno de sus actores, Harrison Ford, y todo tiene un aire de familiaridad, humor y auto-conciencia que hasta el más cínico sabrá apreciar lo inteligente de movimiento. Por otra parte, la película fue profundamente reescrita por un equipo de guionistas que tiene en Damon Lindelof, productor ejecutivo de ‘Lost’, una posible garantía de que no debería seguir los manuales narrativos más convencionales. En fin, disfruten. Se habla de sombreros (al fin y al cabo, es Harrison Ford CON sombrero, ya sabéis que ESO significa muchas cosas, no le llaméis Junior) y de hacer un western, hacerlo bien, quiero decir. Podéis consultar el resto del diálogo en el canal de YouTube.

Aprovechando que estamos en pleno especial sobre el genio sueco Ingmar Bergman, para muchos el director más importante de la historia del cine, he encontrado un antiguo documental de veinte minutos en el que el célebre director neoyorquino Woody Allen es entrevistado por Mark Kermode acerca de su pasión, muchas veces comentada por él, hacia todo el cine de sueco en general, y hacia la fascinante personalidad (creativa e íntima) del maestro en particular. Allen, gran cinéfilo, hace un repaso rápido pero no por ello menos lúcido a las constantes y a las películas que más le han marcado de Bergman, muchas de las cuales han dejado huella en su propio cine.

Particularmente, y no creo descubrir ningún Mediterráneo con esto, encuentro esa huella sobre todo en ‘Recuerdos’ (‘Stardust Memories’, 1980), ‘Septiembre’ (‘September’, 1987), ‘Otra mujer’ (‘Another Woman’, 1988) y ‘Sombras y niebla’ (‘Shadows and Fog’, 1991). Allen nació en el seno de una aburrida familia judía y se distraía, como adolescente curioso, con el cine europeo y asiático que llegaba a su ciudad, sobre todo el de Bergman, Fellini y algunos maestros japoneses. Cuando por fin se hizo director, pudo ofrecer su particular homenaje a ese cine, si bien creo que Allen, en su irregular carrera y pese a su incuestionable magisterio en la dirección de actores, está unos cuantos cuerpos por detrás, como artista, de Bergman. Pero merece la pena echarle un vistazo a este video. Abajo, la segunda parte:

Con el titular espero haber dejado claro lo que os vais a encontrar en este post. Empezó a circular por la red la semana pasada, pero salen tantos avances de películas (ahora se ha puesto de moda sacar decenas de clips de cada blockbuster) que uno acaba saturado, y se corre el riesgo de dejar pasar producciones realmente interesantes y singulares. Hoy vi el tráiler de ‘General Orders, No. 9’ y quedé cautivado. Por supuesto, es mucho más fácil montar un llamativo vídeo de un par de minutos que una película (por cierto, ésta apenas dura 70 minutos), pero creo que la propuesta merece una oportunidad. Yo al menos soy la voy a dar… si puedo. Pero como no parece que haya robots alienígenas gigantes, famosos diciéndose cursiladas o modelos en bikini paseando su trasero a cámara lenta, me temo que la distribución será un maldito problema.

Presentado, entre otros, en el festival de Slamdance (paralelo a Sundance, como plataforma de apoyo a cineastas que filman su debut con menos de un millón de dólares), ‘General Orders, No. 9’ es un trabajo de once años realizado por Robert Persons y narrado por William Davidson que se centra en los cambios producidos por la acción de hombre en el sur de Estados Unidos, concretamente en el estado de Georgia, si bien está bastante claro que el mensaje puede extenderse a todo el planeta. Os dejo que lo veáis, son dos minutos de potentes imágenes que no os dejarán indiferentes. Se estrena el 24 de este mes en un cine de Nueva York. Y más adelante quizá la proyecten en algunas salas más.

PD: El título del film hace referencia a esto, un mensaje de agradecimiento y despedida del general Robert E. Lee tras la rendición del ejército confederado en la guerra civil norteamericana.

Con dos años de retraso y probablemente gracias al éxito de ‘Inside Job’, llegó el viernes pasado a las carteleras españolas, ‘La doctrina del shock’ (‘The Shock Doctrine’, 2009), un documental de Michael Winterbottom y Mat Whitecross, cuya idea central es demostrar, como ya lo hace el libro de Naomi Klein —la intérprete principal y guionista de esta película—, que los gobiernos han utilizado la doctrina del shock, un tratamiento psicológico de tortura, para hacer con sus pueblos lo que les convenía, más concretamente imponer un capitalismo desatado. En esos shocks que hemos estado viviendo en las últimas décadas entrarían tanto las guerras, ya fuesen frías o bélicas, como las crisis económicas y los atentados terroristas.

Una estructura muy sencilla y lineal, que expresa las ideas una total claridad, va uniendo imágenes de archivo bajo la voz de Kieran O’Brien, quien nos explica los hechos históricos que los mandatarios han aprovechado o bien provocado para someter a sus pueblos a los regímenes políticos y económicos que les eran propicios. Entre estas imágenes, rescatadas de documentos televisivos o cinematográficos, se articula una conferencia de Klein que sirve como pinceladas a lo que se nos va indicando en off.

El grado de manipulación de ‘La doctrina del shock’ es muy bajo o casi ausente. Es posible no estar de acuerdo en la interpretación de la señora Klein acerca de la explotación de los desastres para imponer el capitalismo, pero ninguno de los puntos concretos citados, ninguno de los datos, ninguna de las informaciones se puede rebatir o, siquiera, discutir. Con ello, por mucho que no se coincida en los métodos, parece no quedar duda sobre las malas artes puestas en marcha por los políticos que se reflejan en el documental y cuyas malas prácticas, todo hay que decirlo, no eran un secreto para nadie.

Recordar hechos como los ocurridos en los años ’70 en Chile y en Argentina llenan de lágrimas los ojos, aunque no se trate de nada que desconozcamos. Curiosamente, sucesos acaecidos más recientemente, habían quedado menos claros en nuestro entendimiento —al menos, en el mío—, como las maniobras de Yeltsin.

No parece que Naomi Klein haya descubierto nada que no supiésemos ya, pues ese refrán que utilizo en el titular, «a río revuelto, ganancia de pescadores», podría servir para simplificar y dejar en la esencia esta teoría: el caos y el desastre pueden servir a los poderosos para imponer sus condiciones y sacar tajada.

Lo que sí supone una ruptura es hacer ver que ese capitalismo que siempre se ha vendido como autorregulador, libre y utópico, casi nunca ha llegado de manera natural y espontánea, sino que ha sido impuesto de forma muy controladora por los gobiernos. Esa falta de injerencia que predicaban Milton Friedman y su escuela de Chicago no era real. Ni siquiera estamos hablando de que fuese necesaria una imposición forzosa al inicio para luego dejarlo volar solo con resultados positivos.

Diferente y complementaria a ‘Inside Job’

Comparada con ‘Inside Job’, ‘La doctrina del shock’ es una película más amplia históricamente, pues se remonta varias décadas para hablar de cómo se empezó a utilizar esta doctrina. Al mismo tiempo, es más limitada en cuanto la explicación de la crisis, pues se refiere únicamente a un aspecto y no a la globalidad de lo que nos ha llevado hasta aquí. No aspira a cubrirlo todo, sino a dar una vertiente, una faceta de esta situación.

Si en ‘Inside Job’ se entrevistaba a parte de los responsables del desplome financiero y se les dejaba en ridículo con claras intenciones, aquí no aparecen entrevistas de ningún tipo. Se incluyen declaraciones, pero hechas antes del documental, es decir, material de archivo. Y si Naomi Klein aparece hablando con personas es más que nada con víctimas.

Otra diferencia con ‘Inside Job’ es que sí da un mensaje final con el que poder ponerse en marcha. Klein invita a salir a la calle. En los dos años que han pasado desde que se hizo el documental, esto ya se ha puesto en práctica —en España tenemos movimientos como el 15M—, aunque no sé si de la forma que ella proclamaba, por lo que se podría decir que está más vigente que nunca o más obsoleta que nunca. Lo que parece quedar claro es que su conclusión de que el shock ya no hace efecto está obsoleta, pues se ha demostrado que el efecto se sigue produciendo tal cual y que reaccionamos a las crisis con resultados de pánico y desesperación, no similares, pero sí equivalentes a los de las décadas pasadas.

Conclusión

No sé si tiene sentido decir que es un documental necesario, comentario habitual ante este tipo de productos, ya que, como también comento siempre, estas cintas o libros predican al converso y su necesidad se pierde un poco cuando quienes lo ven son quienes ya están convencidos. Lo calificaría de necesario, como todos los otros documentales similares, si estuviésemos hablando de que lo fuese a ver alguien que forme parte del problema y no de la solución. Para quienes ya están de parte de Klein, puede ser un buen apunte que encienda un debate a la hora del café o un impulso más para salir a manifestarse. Cinematográficamente, me quedo con que es un film sencillo y lineal y gracias a ello muy claro, y que tiene la capacidad de emocionar en algún momento y de encender en casi todos.

Mi puntuación:

Mientras nos preparamos para el Gran Premio de Turquía, podemos ir abriendo boca con el trailer del documental de Asif Kapadia, ‘Senna’, sobre el piloto brasileño de Fórmula 1, fallecido en 1994 a causa de una salida de pista del circuito de Imola, durante el Gran Premio de San Marino, en cuyos entrenamientos murió asimismo Roland Ratzenberger y Rubens Barrichello sufrió un grave accidente.

Al parecer, por lo que se comenta, se trata de un documental muy favorable, que gustará solo a los seguidores del corredor y que dejará a sus detractores con ganas de que se hubiese incluido otro tipo de material y se hubiese tratado con un punto de vista más neutral.

Además de grabaciones de Ayrton Senna, la película incluye imágenes y declaraciones de su mayor rival, Alain Prost, así como de Frank Williams, propietario de la escudería para la que corría Senna en la fecha de su muerte; Ron Dennis, jefe de McLaren, para la que pilotó entre 1988 y 1993 y para la que ganó tres campeonatos del mundo; familiares y amigos del fallecido, y los pilotos Jackie Stewart, Nigel Mansell, Nelson Piquet y Gerhard Berger, entre otros.

‘Senna’ , premio del público en la sección de Ficción Internacional de Sundance, se estrenará en nuestras pantallas el 27 de mayo.

Vía | IMDb.