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Ciencia-ficción: 'Demolition Man', de Marco Brambilla

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Ciencia-ficción: 'Demolition Man', de Marco Brambilla

De acuerdo, fue un período muy breve, pero aproximadamente durante los dos o tres años que siguieron al estreno de 'Demolition Man' (id, Marco Brambilla, 1993), y desde que la adquiriera convenientemente en VHS pocos meses después de haberla visto en cines, la cinta protagonizada por Sylvester Stallone y Wesley Snipes fue una de las que más llegue a revisar hasta el punto de saberme diálogos enteros de memoria.

Podéis achacar tamaño arranque de lo que después comprobaría que era locura transitoria a lo que queráis, a una mala época, a que a mi novia de por aquél entonces le encantaba la película de marras —por algo sería que lo terminamos dejando...— o a que, siendo honestos, la cinta me seguía entreteniendo como el primer día; pero lo cierto es que si en ese tiempo no le "cayeron" a la película una veintena de visionados, no le cayó ninguno.

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Animación | 'La tumba de las luciérnagas', de Isao Takahata

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Animación | 'La tumba de las luciérnagas', de Isao Takahata

Si bien con el paso de los años ha ido a menos, hubo una época en que me veía envuelto una y otra vez en una conversación recurrente alrededor del cine de animación en la que tenía que defender a tan espléndida forma de contar historias como "algo más que dibujitos para los críos", confrontando las actitudes poco dadas a asumir tal afirmación con recomendaciones de las muchas latitudes del tipo de películas que ocupan este ciclo que, como ya hemos visto, nada tienen que ver con los más pequeños de la casa.

Entre ellas, y casi siempre para dejar zanjada un diálogo que no llevaba a ninguna parte mientras mi interlocutor no pudiera sentarse a ver algunos de los títulos que le iba citando, este redactor recurrió —y recurrió mucho— a invitar a quien fuera a una sesión de cine en mi salón con 'La tumba de las luciérnagas' ('Hotaru no haka', Isao Takahata, 1988), una producción que funcionaba con precisión quirúrgica a la hora de desmontar esa falsa y muy extendida creencia que cine animado y adultos son términos contrapuestos.

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Jerry Goldsmith | 'Siete días de mayo', de John Frankenheimer

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Jerry Goldsmith | 'Siete días de mayo', de John Frankenheimer

Si bien no son de los títulos en los que normalmente se pensaría al hablar de John Frankenheimer —servidor diría, así a vuelapluma, 'El hombre de Alcatraz' ('Man from Alcatraz', 1962), 'El mensajero del miedo' ('The Manchurian Candidate', 1962) o 'Ronin' (id, 1998)— la terna de producciones en las que el cineasta contó con la colaboración de Jerry Goldsmith sirven, ante todo, para poner de manifiesto el preciso ajuste con el que el compositor se aproximaba siempre a la lectura de las necesidades de la música que le tocaba componer.

Unas necesidades que, en manos del maestro, nunca pasaron por abotargar el metraje que fuera de innecesarios cortes que nada aportaran al devenir de la acción y que incurrieran en subrayar en exceso las imágenes a las que debían servir. Y, como veremos más abajo, pocos ejemplos de ello hay más elocuentes que la cinta que hoy nos ocupa, un intenso thriller de corte político que, con guión de Rod Serling, contó para su puesta en pie con el respaldo de ni más ni menos que John Fitzgerald Kennedy.

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Ciencia-ficción: 'Soldado universal', de Roland Emmerich

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Ciencia-ficción: 'Soldado universal', de Roland Emmerich

Si bien la ciencia-ficción en el título que hoy nos ocupa está traída por los pelos y no es ni mucho menos el género bajo el que cabría calificar a un filme de acción construido a la medida exacta de sus dos estrellas protagonistas, el que hoy haya decidido hacer aquí estación en nuestro discurrir por la sci-fi de los noventa tiene mucho que ver con lo muy representativo que es 'Soldado universal' ('Universal Soldier', Roland Emmerich, 1992) del tipo de cine que se hacía hace dos décadas al otro lado del charco.

Un tipo de cine que comenzaba a mirar más hacia epatar al espectador con secuencias espectaculares que a cuidar aspectos tan relevantes de una producción como el guión o el desarrollo de personajes y que, poco a poco, iría empobreciendo un género, el de acción, que había conocido —y afortunadamente conocería— tiempos mejores y que, como decía antes, se volcaba aquí en servir de vehículo para el lucimiento de los músculos de Dolph Lundgren y Jean-Claude Van Damme.

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'Otro día para matar (John Wick)', construir una leyenda

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'Otro día para matar (John Wick)', construir una leyenda

Nunca me ha gustado Keanu Reeves. Es más, en su época de esplendor, no podía entender como a un intérprete con unas capacidades expresivas tan limitadas —si por limitadas entendemos nulas— le ofrecíeron a lo largo de los noventa tantos y tantos papeles protagonistas en producciones tan dispares como 'Speed' (id, Jan de Bont, 1994) o 'Un paseo entre las nubes' ('A Walk in the Clouds', Alfonso Arau, 1995), por citar dos de las más opuestas de cuantas se vio envuelto durante la citada década. Y es por ese motivo que, llegado el momento, y perdido completamente el interés hacia lo que por él viniera encabezado, dejé de ver el cine que contara con su presencia.

Pero entonces comenzaron a llegarme rumores de un filme de esos que había que ver sí o sí, una cinta de acción seca, al límite, con un ritmo brutal y unas secuencias alucinantes que te dejaban pegado a la silla desde el primer minuto de metraje. Y atraído por lo que estaba seguro eran cantos de sirena, me dejé llevar y hace cosa de un año, me asomé por primera vez a 'Otro día para matar (John Wick)' ('John Wick', Chad Stahelski, David Leitch, 2014). Afirmar que lo pude encontrar obliteró mis paupérrimas expectativas sólo comenzaría a cubrir la gigantesca impresión que el filme dejó, situándose de golpe entre lo mejor que vi durante 2015, sin lugar a dudas.

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Ciencia-ficción: 'Memorias de un hombre invisible', de John Carpenter

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Ciencia-ficción: 'Memorias de un hombre invisible', de John Carpenter

Si es muy cierto, porque lo es, que la cantidad de tiempo que los amantes del séptimo arte solemos invertir en sentarnos delante de la pantalla de cine o de nuestro televisor supera con mucho lo que la media de nuestra especie dedica a tales menesteres —bueno, al segundo quizá no, pero me atrevería a afirmar que lo que más se suele ver en la "caja tonta" no son precisamente películas—; no es menor verdad que de ese tiempo que destinamos al inagotable mundo del celuloide, un muy alto porcentaje recae sobre las constantes revisiones que hacemos de aquellos títulos que tras incontables aproximaciones nos siguen cautivando incluso más que el primer día.

Es por ello, que resulta un muy buen indicador de la calidad de un filme el que, después de haberlo visto por primera vez en la gran pantalla, no volvamos a acercarnos a él ni una sola vez por más que, como es el caso que hoy nos ocupa, la cinta en cuestión venga firmada por un director que es favorito del que esto suscribe. Poco ha importado tal circunstancia en los veintitres largos años que han transcurrido desde que aguantara aquél viernes de agosto —año y medio después de su estreno en Estados Unidos, ahí es nada— el que probablemente sea el peor trabajo que ha firmado John Carpenter junto a la horrenda 'Fantasmas de Marte' ('Ghosts of Mars', 2001).

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Cine en el salón: 'Jungla de cristal', yippee-ki-yay

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Cine en el salón: 'Jungla de cristal', yippee-ki-yay

Es uno de esos recuerdos que permanecen imborrables en la memoria cinematográfica: era viernes de estreno y acudía al cine con algunos de mis amigos del colegio a ver 'Jungla de cristal' ('Die Hard', John McTiernan, 1988). Sentados en la segunda fila de la sala más grande de las dos con las que contaba uno de los dos cines de mi ciudad, y pegados a la pared, poco importo el pronunciado escorzo con el que me vi obligado a asistir por primera vez al espectacular despliegue de acción que protagonizaba Bruce Willis en una de esas películas que, a los pocos minutos de empezar, ya estaba destinada a formar parte imprescindible de nuestra formación de cinéfilos.

Con la sala abarrotada, y el público completamente entregado al personaje de McClane, no fueron pocos los momentos en que prorrumpimos en fervorosos aplausos ante las hazañas de ese sufridor policía de Nueva York que, en visita a su esposa a Los Ángeles, será el único estorbo con el que se topen unos terroristas profesionales que asaltan el edificio donde él y su mujer se encuentran. Aplausos que se convertían en vítores cuando, llegado el clímax, el héroe lograba vencer al villano. Vítores que no eran compartidos por este redactor por una sencilla razón...¡¡se habían cargado a uno de los mejores "malos" que había visto hasta entonces en una película!!

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Animación | 'Robot Carnival'

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Animación | 'Robot Carnival'

Con el manga convirtiéndose a cada nueva entrega en un éxito en escalada constante, y la producción de la adaptación a la gran pantalla viento en popa con miras a su estreno en 1988, Katsuhiro Otomo tuvo aun tiempo de atender otros menesteres mientras la presión de acometer la gargantuesca empresa que derivaría en uno de los animes más fascinantes y complejos de todos los tiempos comenzaba a desbordarle. No contento pues con llevar las riendas de 'Akira' ('アキラ', 1988), el artista se fogueó brevemente en las labores de dirección de sendos cortos que formaron parte de dos antologías estrenadas durante 1987 en Japón.

De entre ellas dos nos ocuparemos hoy de la primera y dejaremos sólo constancia de la segunda, titulada 'Neo Tokyo' ('Meikyū Monogatari', VVDD, 1987) —que llegaría a los cines nipones en septiembre de 1987— por si a alguien le pica la curiosidad y quiere indagar para acercarse a los tres segmentos que conforman 50 minutos algo desiguales de entre los que destaca, igual que ocurre en 'Robot Carnival' ('Robotto Kānibaru', VVDD, 1987), el trabajo de Otomo tanto en calidad de animación como en lo que a historia se refiere, por más que en el filme que hoy nos ocupa, ésta sea poco más que una anécdota.

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Cine en el salón: 'Dentro del laberinto', al otro lado del espejo

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Cine en el salón: 'Dentro del laberinto', al otro lado del espejo

Más allá de las absurdas polémicas que rodearon a las nominaciones a los Oscars —unos premios que tiempo ha dejaron de interesarme...más o menos como todos los demás premios que se otorgan en los diversos festivales anuales— si hubo dos hechos que marcaron en lo cinematográfico y cultural la semana pasada, esos fueron los decesos de David Bowie el día 10 y de Alan Rickman el 14. Ambos contaban con 69 años y ambos fallecían debido a un cáncer. Y por seguir con las concomitancias entre uno y otro, ambas muertes nos privaban sobre todo de sus voces, ya fuera una de las más particulares de la música británica como una de las más reconocibles del cine de los últimos treinta años.

Y si bien debería haber reaccionado más rápido y haberles rendido homenaje con menos días de diferencia, creo que a ninguno os importará que sea durante hoy y pasado mañana cuando recordemos sus nombres a través de sendas cintas en las que intervinieron durante esa fértil y añorada década que fue la de los ochenta. Durante aquellos años de los que tanto hemos hablado en Cine en el salón —y tanto seguiremos hablando todavía— David Bowie se vió mezclado en una de las producciones más extrañas y fascinantes de la época, un filme en el que se conjugaron algunas de las mentes creativas más fértiles de aquellos maravillosos diez años para parir una película sin igual.

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Cine en el salón: 'Ojos de fuego', 'Carrie' en diminutivo

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Cine en el salón: 'Ojos de fuego', 'Carrie' en diminutivo

Sin tener en cuenta a nombres como William Shakespeare, Alejandro Dumas o algún otro literato clásico más, de cuyas novelas existen cientos de versiones cinematográficas, creo que resulta indiscutible que de todos los escritores vivos, Stephen King es el que más veces ha sido llevado a la gran pantalla: hasta 184 son las entradas que la IMDb devuelve cuando se revisan las producciones que han adaptado alguna de las novelas o relatos cortos que trufan su prolífica y extensa bibliografía. Un número más que considerable que sube a las 205 si se consideran aquellos títulos que actualmente se encuentran en desarrollo para la gran o la pequeña pantalla.

Con un amplio sector de las mismas yéndose de cabeza a la calificación de morralla y otro bastante considerable clasificado bajo la etiqueta de pasable, en lo que a este redactor respecta sólo seis, acaso siete, de las cintas que han trasladado a King a imágenes en movimiento merecen la indefectible atención del cinéfilo: con las tres firmadas por Frank Darabont a la cabeza, y la adición de lo que Stanley Kubrick, David Cronenberg y Rob Reiner hicieron, respectivamente, con 'El resplandor', 'La zona muerta' y 'El cuerpo', es la versión de 'Carrie' firmada por Brian De Palma la séptima en discordia. ¿Que dónde deja eso a 'Ojos de fuego' ('Firestarter', Mark L.Lester, 1984)? Rozando la entrada en el primer grupo.

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