La parodia es uno de los subgéneros de la comedia que más maltrato ha sufrido en los últimos años, ya que desde el tremendo éxito de ‘Scary movie’ se han realizado una notable cantidad de títulos con el ‘...movie’ como principal punto en común. El problema era que el otro gran punto de encuentro ha sido la alarmante falta de gracia debido a un humor tan básico y proclive al caca-culo-pedo-pis que daba vergüenza ajena la mera idea de sentarse a ver una de esas producciones. Es obvio que antes la parte del título que solían compartir esas producciones era el ‘como puedas’ aplicable a cualquier cosa contando en muchas ocasiones con la presencia de Leslie Nielsen, el gran representante del cine de parodias moderno americano, pero ese filón se agotó a finales de los noventa. Sin embargo, si nos remontamos un poco más en el tiempo es cuando encontramos las auténticas joyas del humor paródico como ‘El jovencito Frankenstein’, ‘La vida de Brian’ o ‘Un cadáver a los postres’ (la mejor de todas, pese a que algún lector no esté muy de acuerdo).

Es evidente que Rowan Atkinson es uno de los cómicos ingleses más importantes de las últimas décadas, siendo Mr. Bean su principal aportación al mundo de la comedia, aunque no la mejor, ya que para ello tenemos que remontarnos a la estupenda teleserie ‘La víbora negra’, que comenzó a protagonizar a principios de los 80. Sin embargo, si hay un personaje inglés de ficción de los últimos años que estuviese pidiendo a gritos una parodia como dios manda en su país de origen ése es James Bond (Leslie Nielsen ya lo hizo en la simpática ‘Espía como puedas’), y eso es algo que Atkinson aprovechó para la aparición de ‘Johnny English’, producción con la que quería aunar el éxito crítico y comercial, pero los primeros recibieron tan mal la película que el actor llegó a deprimirse por ello. ¿Cuál era entonces el motivo de hacer una segunda entrega, aprovechar que el personaje sí funcionó en el aspecto económico o intentar también una reconciliación con los críticos?

‘Johnny English Returns’ (en USA Reborn en lugar de Returns) comienza planteandonos un nuevo escenario, en el cual el protagonista tuvo que dejar el servicio como agente gubernamental tras una enorme metedura de pata varios años atrás en Mozambique, la cual se tradujo en el asesinato de su mandatario. Los flashbacks se convierte así en algo reiterado en el relato, los cuales comienzan estando bien dosificados, pero llega un punto en el que resulta vitales para la evolución de la historia y ahí es donde el delicado equilibrio que había conseguido el guión de Hamish McColl y Neal Purvis muestra síntomas de debilidad. No os creáis que estamos ante un ejemplo de cómo hacer una buena parodia, pero sí que el libreto había sabido desarrollar la historia con cierta convicción, quizá abusando de alguna broma recurrente (la anciana asiática que quiere asesinar a English), pero evitando que la estupidez se apodere de la historia, ya que eso es algo que confían al protagonista. No faltan las bromas de corte grosero/zafio, pero afortunadamente no son la tónica que sigue la función.

¿Hay giros de guión que cuesta creer que sucedan? Por lo general, eso es consecuencia de lo que decía, y es que hay veces que cuesta creer que alguien haga ciertas cosas, pero cuando está definido como alguien que coquetea peligrosamente con la idiocia no nos queda otra que aceptarlo. Además, la prácticamente invisible labor tras las cámaras de Oliver Parker, al que prácticamente nadie imaginaría haciendo algo así hace apenas unos años, ayuda a recalcar que el eje de la película es ver las reacciones que provoca el protagonista en todo lo que sucede a su alrededor. Atkinson es el amo todopoderoso de la función y el resto tienen que intentar potenciar su trabajo sin mancharlo con errores infantiles.

Atkinson demuestra que sigue teniendo una gran vis cómica, pero le pasa lo que a otros muchos humoristas, y es que tiene que encontrar a guionistas con talento que sepan canalizar lo que puede ofrecer, y en esta ocasión la cosa se queda en un punto intermedio. Es evidente que Atkinson tiene un rostro con mucha expresividad sin el imperativo de recurrir a un festival inagotable de muecas (sólo con sus ojos ya le bastaría), y eso es algo que está bien dosificado, con la salvedad de un momento en el que los excesos están justificados a través de lo que sucede en la película. Por lo demás, la línea maestra de su actuación es explotar la estupidez eficiente de su personaje, el cual es capaz de atrapar a un villano escurridizo para luego cometer una pifia tremenda cuando no podía ser más sencillo el prevenirlo. No es una actuación que vaya a ser recordada en los anales de la comedia, pero sí que merece cierto reconocimiento.

En el resto de personajes encontramos uno de los grandes aciertos de ‘Johnny English Returns’, y es que se ha sabido elegir un reparto que no sólo cause extraños desequilibrios (aún no entiendo a qué vino la elección de Natalie Imbruglia en la primera entrega), sino que, por lo general, aporte algo. El caso más destacado es el de Daniel Kaluuya, que interpreta al compañero de English, el cual refuerza la idea de que el protagonista es una especie de cruce entre James Bond y el Inspector Gadget, ya que intentando parodiar al segundo lo que encontramos es a alguien a quien nos cuesta creer que puedan acabar saliéndole bien las cosas, y es aquí donde aparece Kaluuya (al que algunos conoceréis por ser el protagonista del segundo episodio de la miniserie ‘Black Mirror’) para servir de paracaídas intelectual del protagonista. Además, se da la gozosa coincidencia de que ambos tienen bastante química, algo que siempre es de agradecer.

En general, ‘Johnny English Returns’ prefiere optar por la eficacia de un reparto con orígenes eminentemente televisivos, en el que no haya ningún gran nombre que pueda oscurecer al resto como sucedía con John Malkovich en la primera parte. La mayor salvedad a esta regla es la contratación de Rosamund Pike como el improbable interés romántico del protagonista, la cual no deja de transmitir la idea de haber sido contratada para reforzar los lazos con la saga del agente 007, ya que fue chica Bond en ‘Muere otro día’. También aparecen por allí Gillian Anderson (‘Expediente X’), Dominic West (‘The Wire (Bajo escucha)’) y Richard Schiff (‘El ala oeste de la Casablanca’) en una breve aparición, todos aportando su pequeño granito de arena. Eso sí, es una pena que los mejores apuntes relacionados con la aparición de Anderson (la modernización del servicio secreto inglés) estén en elementos exógenos a su personaje.

En definitiva, ‘Johnny English Returns’ es una muestra bastante digna del cine de parodias, pero sin caer en la celebración de la estupidez por la estupidez, sino que aprovecha la limitada inteligencia del protagonista para así justificar la progresión de la historia. No faltan las bromas que no terminan de funcionar, pero también las hay que justifican sobradamente el visionado de la película. Eso sí, no esperéis fino humor inglés, sino un tipo de comedia más física y elemental, la cual bien utilizada aún tiene reservado un lugar entre nuestras risas, en especial si está protagonizada por alguien con un gran timing cómico como el que tiene Rowan Atkinson. Una buena opción para pasar el rato sin complicarse mucho, es decir, un producto similar a la primera entrega, pero mejor.

Me ha sorprendido, incluso agradado, que en esta magna sección se haya votado una cinta de cine clásico, aunque realmente habría que encuadrarla en la etapa en la que el cine empezaba a cambiar considerablemente debido entre otras cosas a la poderosa competencia de la televisión. De hecho si pensamos en muchas sitcoms posteriores —una de ellas, relativamente reciente, cuyos personajes eran seis amigos, tontos de remate, que compartían piso y experiencias, sobrevalorada donde las haya— la influencia de una película como ‘Descalzos por el parque’ (‘Barefoot in the Park’, Gene Saks, 1967) es innegable. Se trata de una de las películas más emitidas por la pequeña pantalla a lo largo de los años, y supuso el primer guión cinematográfico del prestigioso Neil Simon, quien a partir de entonces convertiría en oro casi todo lo que tocase.

Basada en la obra teatral de idéntico título, esta ya había sido protagonizada por Robert Redford en Broadway, quien tuvo una oportunidad de oro en su traslado al cine. El actor venía de coprotagonizar un par de películas con Natalie Wood, a quien se le ofreció en principio el papel femenino, y sobre todo por participar en el gran éxito ‘La jauría humana’ (‘The Chase’, Arthur Penn, 1966), estupendo film en el que también se notan los orígenes televisivos de su realizador. Redford se consolidaba con este film como uno de los actores del momento, cuya trayectoria posterior conocemos todos —ejem—, uno de esos actores que demostraron con el paso del tiempo que la naturalidad podía ser la mejor herramienta para un actor que en pantalla transmite la extraña sensación de que el noble oficio de la interpretación es algo muy fácil. Sin embargo, ‘Descalzos por el parque’ destaca sobre todo por la labor de sus secundarios.

La historia del film nos narra los inicios del matrimonio entre Paul, un joven abogado algo conservador y Corie, una mujer guapa y loca como la vida misma. Tras pasar una muy íntima luna de miel en un hotel, en la que ya quedan claras las diferencias de caracteres entre ambos, se disponen a compartir piso en pleno New York. Allí, en muy pocos días tendrán tiempo para darse de narices con lo que supone estar casado, algo que no sólo deducirán de sus propias experiencias en la convivencia diaria, sino de la relación con uno de sus estrafalarios vecinos, y con la madre de Corie, Ethel. Digamos que ‘Descalzos por el parque’ ofrece tres cosas, la relación entre el matrimonio protagonista, su interacción con vecino y madre/suegra, y la relación de los dos últimos, momentos en los que el film sube muchos enteros. El resto, dejando a un lado el excelente trabajo de Simon, no está a la altura de lo que yo recordaba de este film, cuya revisión le ha hecho bajar unos pocos puntos. Así son los ejercicios de revisión, a veces agradan, otras decepcionan, otras no varían, pero siempre necesarios.

La película posee un ritmo endiablado gracias sobre todo a la velocidad de los espléndidos diálogos, obra y gracia de Neil Simon, sin duda el verdadero artífice. No hay más que comparar los diálogos de esta película con los actuales, y veremos hacia dónde ha caminado el siempre difícil mundo de la comedia, al menos en lo que a guiones se refiere. Aún así hay partes de la trama que se han quedado algo viejas, por mucho que el tema sea el atemporal sentimiento amoroso. Encuentro más de una situación forzada entre el joven matrimonio, sobre todo en su parte final, cuando a ella le entra la neurosis de querer divorciarse. Los motivos son una estupidez sin fundamento, y aunque las intenciones de Simon sean precisamente reflejar las tonterías por las que a veces discuten las parejas, sobre todo cuando se enfrentan al matrimonio, en el film parece metido a calzador. La comedia ahí no funciona del todo.

Robert Redford y Jane Fonda, que por aquel entonces era un sex-symbol y muy merecidamente, se compenetran bastante bien, aunque debo reconocer que ella logra sacarme de quicio alguna que otra vez, y es que no puedo con ese tipo de personajes; mujeres supuestamente libres, locas y originales, que en el fondo esconden un conservadurismo de lo más atroz, fingiendo en todo momento su forma de ser, por no hablar de las contradicciones en las que suelen caer. Por la contra los trabajos de Charles Boyer y Mildred Natwick —justamente nominada al Oscar— están simple y llanamente sensacionales, dos actores en estado de gracia que roban todos y cada uno de los planos en los que aparecen, él como el vecino del ático, estrafalario, encantador y seductor empedernido, ella como madre de Corie, preocupada por su hija y sin amor en su vida. ¿Necesito decir que ambos personajes están hechos el uno para el otro y encajan a la perfección funcionando con la precisión de un reloj suizo?

Es ahí donde ‘Descalzos por el parque’ me cautiva, en el dibujo, a través de la comedia loca y desenfadada, de esos dos personajes en su otoñal vida, como metáfora al famoso dicho de que el amor no tiene edad —sé de alguna que de sólo oír esta frase empieza a temblar de miedo—; y es una verdadera pena que en su segunda mitad dichos personajes desaparezcan de la función para pasar a ser meros espectadores de una reconciliación tan previsible como falsa. Y es que la verdad en esta comedia se palpa en los roles de Boyer y Natwick, que a través de la experiencia convierten en nuevo algo tan viejo como el propio ser humano. Gene Saks, que aquí pecaría de una puesta en escena algo anquilosada, volvería otra vez de la mano de Neil Simon, a tratar las relaciones en su siguiente film, la desternillante ‘La extraña pareja’ (‘The Odd Couple’, 1968), aunque esta vez se trataría de una muy especial, pero eso es otra historia.

Seguimos encontrando jugosas novedades en formato doméstico, para deleite de coleccionistas, aprovechando aniversarios de películas míticas. Es el turno de dos de ellas que coinciden al cumplir cinco décadas desde su estreno: ‘Cleopatra’ y ‘Matar a un ruiseñor’.

‘Cleopatra’, el mastodóntico clásico de 1963 con Elizabeth Taylor en todo su esplendor. Fox mima su llegada a la alta definición con una edición especial 50 aniversario, pero también con una versión más exclusiva, para coleccionistas, en formato libro (digibook) y con abundante material extra.

Ver los enormes escenarios, esas escenas grandiosas llenas de extras y bajo la batuta del realizador Joseph L. Mankiewicz, es una buena excusa para disfrutar del Blu-ray. Se trata de un estreno internacional que llega en dos discos con más de tres horas de contenido adicional, además, con una copia remasterizada para la ocasión.

Como siempre nos gusta incidir, la calidad de ese material extra justifica que, en los tiempos que corren, un sufrido comprador vaya a la tienda y gaste sus euros en una copia en disco. En este caso han hecho un buen trabajo y echando un vistazo encontramos escenas perdidas, y varios documentales para completar el disfrute de una de las producciones más caras de la historia Hollywood. Su precio es de 17,95 euros en ambas ediciones.

Por su parte, ‘Matar a un ruiseñor’, obra maestra de Robert Mulligan y con uno de los mejores trabajos de Gregory Peck (sino el mejor), también cumple su 50 aniversario y de la mano de Universal llega su edición conmemorativa. El Blu-ray, que incluye digibook y se trata de una edición limitada, solo trae un disco pero repleto de extras, varios documentales, tráiler, comentarios,… lo habitual. Además, como curiosidad, incluye el discurso de aceptación del Gregory Peck al recibir su Oscar por este trabajo.

Esta edición también ha sido remasterizada para la ocasión, ya disponible desde el día 1 de febrero a un precio de 21,95 euros.

Más info | Mubis.es

Dario Argento fue durante los 70 el máximo representante del giallo, subgénero de misterio y terror, basado en novelas policiacas publicadas en los años 30 en Italia y cuyas portadas eran amarillas, que es lo que significa la palabra giallo. Los orígenes cinemtográficos podemos encontrarlos en el gran Mario Bava y su ‘La muchacha quesabía demasiado’ (‘La ragazza che sapeva troppo’, 1963). Luego directores como Lucio Fulci o Aldo Lado contribuyeron a fomentar el género. Incluso en los USA se hicieron eco de ello con la nada desdeñable ‘Black Christmas’ (id, Bob Clark, 1974), pero fue sobre todo Dario Argento quien le dio el espaldarazo definitivo al subgénero con films como ‘El pájaro de las plumas de cristal’ (‘L’uccello dalle piume di cristallo’, 1970), ‘El gato de las nueve colas’ (‘Il gatto a nove code’, 1971) o la que un servidor considera su mejor película, ‘Rojo oscuro’ (‘Profondo rosso’, 1975).

A finales de este año la editorial Cátedra publicará un libro como resultado de un ambicioso proyecto, un diccionario de directores, en el cual a un servidor le ha tocado hablar entre otros, de Dario Argento. Revisando su filmografía, me he encontrado con el típico dicho de que el tiempo no perdona, y es verdad en algunos casos. Ha supuesto para mí una grandísima decepción el comprobar como películas como la famosa ‘Suspiria’ (id, 1977) se revelan como insensateces mal narradas, con argumentos de lo más forzado y únicamente salvables en su uso del color. Por supuesto también me he visto algunas de sus películas más recientes, como es el caso de esta ‘Giallo’ (id, 2008), que hace referencia en su título al subgénero que le dio la fama y el reconocimiento. El resultado no está, desgraciadamente, ni a la altura de sus peores películas, que ya es decir.

‘Giallo’ está producida por nada más y nada menos que Adrien Brody, que a saber qué interés tenía en poner dinero en un producto de semejantes características. Tal vez se considera un fan de Argento y ha hecho realidad uno de sus sueños. El caso es que Brody susituye al inicialmente previsto Ray Liotta, y también a Vincent Gallo, quien se salió del proyecto tras enterarse de que su ex-prometida, Asia Argento, hija del realizador y probablemente lo mejor que ha hecho el director nunca, iba a protagonizarla. Al final no pudo ser porque la actriz estaba embarazada y fue sustituida por Emmanuelle Seigner, esposa de Roman Polanski, para quien trabajó en las imprescindibles ‘Frenético’ (‘Frantic, 1988) o ‘Lunas de hiel’ (‘Bitter Moon’, 1992). Brody se permitió además el capricho de dar vida a los dos personajes antagonistas, haciendo un anagrama con su nombre haciéndose llamar Byron Diedra.

Un asesino en serie está poniendo en jaque a la policía italiana con una serie de horrendos crímenes en los que mata a chicas guapas —qué original el tío—, obsesionando hasta límites insospechados al Inspector de policía Enzo Avolfi (Brody), quien recibirá la ayuda de la hermana de una modelo desaparecida —personaje a cargo de la española Elsa Pataky— para resolver el caso de una vez por todas. Lo dicho, una estupidez de guión, que demuestra una vez más que Argento jamás ha sido un buen guionista —tal vez al respecto cabe citar que su mejor trabajo es su historia para la impresionante ‘Hasta que llegó su hora’ (‘C’era una volta il Wes’, Sergio Leone, 1968), en la que no escribió ni una sola línea para el guión—; aunque su gusto por el color rojo sigue bien patente en ‘Giallo’, pero esta vez totalmente desaprovechado, renunciando así a la creación de una adecuada atmósfera de terror o suspense.

Dejando a un lado que las motivaciones del asesino, quien para colmo tiene una enfermedad en los riñoñes por lo que su piel es de color amarillo, homenaje a la palabra giallo ya de por sí ridícula, son de lo más absurdas, lo que más sorprende es ver a Adrien Brody metido en la piel de dos personajes. Por un lado el inspector encargado y obsesionado con el caso, y que no tiene ni la más mínima profundidad, ni siquiera el actor es capaz de dotar al mismo de un mínimo de personalidad. Por otro, y con un poco de maquillaje que lo convierte prácticamente en un muñeco feo de feria, al asesino, el cual es más bien torpe a la hora de secuestrar a sus víctimas, incluso cuando acaba con ellas. Lo cierto es que uno se pregunta cómo la policía tarda tanto en atraparle. Podemos encontrar incongruencias, por así llamarlas, de este tipo en muchas cintas del giallo, pero que el villano de la función se presente tan poca cosa como en el caso que nos ocupa es algo que llama poderosamente la atención, arruinando buena parte de la función, pues no causa ni el más mínimo temor.

Emmanuelle Seigner también demuestra que cualquier tiempo pasado fue mejor, haciéndose cargo de un personaje totalmente imprescindible. A su lado Elsa Pataky lo hace mucho mejor como la víctima sufridora con la que hay alguna escena sangrienta, de obligada presencia en toda cinta de estas características. Al respecto cabe citar también que el film se queda corto en sus escenas sangrientas, y también bastante cutre, algo inesperado en un realizador que nunca ha escatimado a la hora de mostrar sangre. En cualquier caso, sus mayores defectos provienen de un ritmo inexistente por culpa de una penosa narración, y la sensación de que ninguno de sus artífices se ha creído absolutamente nada de la historia. Próximamente Argento estrenará su particular versión sobre el vampiro más famoso de todos los tiempos, y en 3D. Qué miedo.

En 1999 dos tipos de los que ahora nadie se acuerda, llamados Daniel Myrick y Eduardo Sánchez escribieron y dirigieron una película titulada ‘El proyecto de la bruja de Balir’ (‘The Blair Witch Project’) con la que se rieron de medio planeta —supongo que el otro medio vive con la felicidad que supone el no haberla visto—, logrando gracias a una excelente campaña de marketing que el público acudiese en masa a las salas a ver lo que yo considero una de las más grandes tomaduras de pelo de toda la historia del cine. Dejando a un lado que cualquiera de los films que dirigieron por separado a posteriori son mucho más interesante que el mencionado —sobre todo ‘Alterado’ (‘Altered’, Eduardo Sánchez, 2006)— poco se imaginaban estos dos que su invento iba a revolucionar a las audiencias diez años después.

El subgénero llamado found footage, por aquello de la cámara subjetiva, o bien mockumentary, por aquello de hacer pasar por cierto algo ficticio, ha tenido con la correcta ‘Paranormal Activity’ (id, Oren Peli, 2007) uno de sus máximos exponentes, iniciando esta una saga que ha seguido cosechando montones de dinero a pesar de lo bochornoso de sus secuelas. Films patrios como ‘[Rec]’ (id, Paco Plaza y Jaume Balagueró, 2007) o ‘Monstruoso’ (‘Cloverfield’, Matt Reeves, 2008), por citar más ejemplos, se sumaron a la moda desarrollando con más eficacia las posibilidades de la cámara subjetiva, convirtiéndola en un personaje más de la función. Ahora nos llega al mercado casero español la noruega ‘Troll Hunter’ (‘Trolljegeren’, André Øvredal, 2010), que juega en la misma liga, añadiendo algo de mitología al asunto.

Resulta curioso como algunas de estas películas jamás llegan a nuestras pantallas, y otras, como el caso que nos ocupa se estrenan directamente en DVD. Quiero decir con esto que muchas de esas películas, caso de cierto bodrio protagonizado por Milla Jovovich y cuyo título me niego a decir, no merecerían ni distribución, y en cambio otras que sí merecerían que las conociese más gente, terminan en el mercado casero, siempre más menospreciado por el espectador. ‘Troll Hunter’ no es ninguna maravilla, al fin y al cabo su premisa es mínima, el desarrollo justo y su sensación de déjà vu, constante. Pero hay en ella elementos suficientes para defenderla y destacarla entre tanta mediocridad del mencionado subgénero. La gracia, nunca mejor dicho, está en haber renunciado a la moda imperante, esto es, infectados y fantasmas varios que no descansan y quieren hacer su agosto entre los vivos.

En este caso se ha echado mano de la mitología escandinava y se ha vuelto sobre una serie de criaturas cuyo término se usa más en lugares como la red en la que abundan los blogs personales o comerciales como éste. Evidentemente me refiero a los trolls, cuya imagen parece deformarse con el paso del tiempo y ahora nos referimos a ellos cuando hablamos de esos insensatos que no tienen nada que hacer con sus vidas más que meterse con los demás sólo por pura diversión. A los trolls a los que me refiero son evidentemente esas figuras mitológicas tan poco exploradas en el cine, y que en ‘Troll Hunter’ están bañados con cierto encanto a pesar de su peligrosidad. El film de Øvredal añade además ciertas gotas de humor a la historia, sin renunciar en ningún momento al relato de terror puro y duro, pero como en este campo cada vez es más difícil sorprender al poco exigente espectador —menuda contradicción— la comedia le da cierta frescura al producto.

Con la sempiterna coletilla de “esta grabación se encontró sin saberse nada del destino de sus autores”, y que ya cansa porque hay que ser muy, pero muy burro para creerse que algunas de las películas pertenecientes a este subgénero son grabaciones reales, el film nos narra cómo unos jóvenes estudiantes se adentran en la Noruega profunda, maravillosamente fotografiada, para investigar las misteriosas muertes de osos salvajes. Una vez allí se encontrarán con la figura de un enigmático cazador —excelente Otto Jespersen— que caza precisamente trolls. Resulta admirable la capacidad del realizador para lograr que nos creamos lo dicho y que no resulte ni forzado ni ridículo, sobre todo dado el aspecto de algunos de los trolls que aparecen en pantalla, eso sí, muy fugazmente. Cabe señalar los excelentes efectos visuales, a pesar del muy limitado presupuesto, y lo bien que Øvredal films a los trolls, nunca demasiado y sí lo suficiente, sobre todo en su extraño tramo final.

En su contra cabe decir que durante su desarrollo el film se vuelve demasiado monótono y parece no ir hacia ningún lado concreto, como también el finalizarlo porque sí apoyándose en la excusa de que son grabaciones y no se encontraron más. La monotonía conduce un poco hacia el aburrimiento y esa sensación de ya visto antes comentada. Afortunadamente el tono de comedia en ciertos instantes animan la función sobremanera, las referencias al trabajo social que hace el cazador, y la rueda de prensa final son detalles cómicos que valen su peso en oro, inteligemente introducidos en la historia. Y también la simpatía que desprenden algunos de los monstruos. En cualquier caso un producto más digno de lo que parece a pesar de las limitaciones del propio subgénero.

Para compensar el fracaso en taquilla de la maja ‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’ (‘Midnight in the Garden of Good and Evil’, Clint Eastwood, 1997), director y Warner decidieron hacer un film de género, esta vez protagonizado por la estrella, con vistas a atraer a un mayor número de público a las salas. El proyecto elegido fue la adaptación de una novela de Andrew Klavan que versaba sobre la condena a muerte de un inocente. Así pues Eastwood se sumaba a la moda de películas que denunciaban, cada uno a su modo, esa lacra tan grande en el sistema judicial estadounidense, que inundaban las carteleras de medio mundo en aquellos años. Desde las visiones personales de Tim Robbins, hasta James Foley o Bruce Beresford, con irregulares resultados los segundos, hasta llegar al mismo año del film que nos ocupa con la muy celebrada ‘La milla verde’ (‘The Green Mile’, Frank Darabont, 1999), el cine se hacía eco de algo que Eastwood trató con extrema sutileza pero con resultados contundentes.

Pero el referente cinematográfico más directo de ‘Ejecución inminente’ (‘True Crime’, 1999) está en un film de Henry Hathaway, ‘Yo creo en ti’ (‘Call Northside 777’, 1948), en la que un excelente James Stewart daba vida a un periodista que reabre un caso de asesinato convencido de la inocencia del reo. En la presente, Clint Eastwood da vida a Steve Everett, personaje hecho a su medida por cuanto estamos ante un outsider, siempre a contracorriente, mujeriego, solitario —con un matrimonio al borde del fracaso y una hija pequeña a la que descuida— y que sólo se fía de su olfato, el cual le ha metido anteriormente en problemas. Tras las cámaras demostró cuan inteligente puede ser, logrando que en un producto destinado a un público mayoritario éste se sintiese cuanto menos desconcertado, y todo por una secuencia final, duramente criticada, pero que ni mucho menos es lo que aparenta ser. Una vez más, Eastwood no deja que millones de consumidores de palomitas le digan lo que tiene que hacer, tal y como rezaba su inolvidable personaje en ‘Cazador blanco, corazón negro’ (‘White Hunter, Black Heart’, 1990).

El film da comienzo con la descripción del personaje central, Steve Everett, mujeriego empedernido que en un bar está ligando con una jovencita. Llama poderosamente la atención por el hecho de que Eastwood contaba ya 69 años, y quizá era demasiado mayor para dar vida a un don juan. Sin embargo resulta bastante creíble, ya que el actor juega con su propia imagen, todo un icono durante décadas. Actores como Cary Grant o Gary Cooper —éste por ejemplo en ‘Ariane’ (‘Love in the Afternoon’, Billy Wilder, 1957), film que caerá en el especial “El amor en 32 películas“— interpretaron a galanes cuando ya tenían una edad y nadie se quejó por ello. En cualquier caso es un detalle que no resta importancia al film, y no se repite, y además justifica el hecho de que Everett termine heredando una entrevista de la joven compañera de trabajo, la de un reo a muerte por cargo de asesinato, debido a que aquella muere en un accidente de coche.

La pena capital se llevará a cabo en 24 horas, y Everett tiene una intuición debido a que en la investigación que realiza encuentra ciertos aspectos no demasiado claros. Es precisamente ese tramo el que permite a Eastwood sacar el máximo provecho de un guión escrito a varias manos y comandado por Larry Gross, durante tiempo uno de los escritores de Walter Hill —próximo especial en estas páginas—; y en el que se describe sin miramientos el circo mediático que se forma alrededor de la ejecución. Todo ello con un cambio sustancial con respecto al libro y que fue idea del propio Eastwood, el condenado a muerte es negro, con lo que las connotaciones raciales son inevitables —algo que también quiso hacer en ‘Un mundo perfecto’ (‘A Perfect World’, 1993)—. Un cura empeñado en que éste, espléndido Isaiah Washington, se arrepienta de algo que no hizo —típico derechazo de Eastwood a la religión— y un testigo de dudosa credibilidad y ansioso por la fama, son enfrentados argumentalmente a los guardianes de la prisión, en cuyos rostros, sobre todo el del alcaide, se ven las dudas sobre la posible inocencia de Beechum (Washington). Con cuatro elementos Eastwood crea una tensión que recuerda a las de las películas clásicas de género, y una vez más pone sobre la mesa prejuicios morales de todo tipo. ¿Tendría el mismo final el sospechoso en caso de ser blanco, cometiéndose los mismos errores judiciales?

El ritmo del film es absolutamente endiablado, y cada dos por tres se nos dan detalles del tiempo que falta. Eastwood lleva hasta el límite el tempo y en un alarde de inteligencia juguetea con el mismo hasta sus últimas consecuencias. No sólo en el instante en el que le notifica a su jefe —maravilloso James Woods, en un personaje caramelo que posee los mejores diálogos del film, añadiendo una comicidad a la historia que recuerda a Howard Hawks y que en ningún momento resulta forzada a pesar de la seriedad de la trama— sus creencias sobre la inocencia de Beechum, y que en cierto modo representa una posible última cruzada para redimirse de sus errores del pasado. También en el angustioso tramo final, y que concluye con un impactante plano a ralenti de la mujer del acusado golpeando el cristal tras el cual su marido, inocente, muere a manos de la justicia. El verdadero final de la historia, al que prosigue un epílogo de corte fantasioso, irreal y cargado de ironía.

La ambigüedad más sutil baña todo ese epílogo. El tiempo ha pasado —es la primera elipsis larga del film—, es Navidad, y todo posee una iluminación brillante, totalmente opuesta al resto del film. Everett parece recuperado de sus fantasmas, tiene éxito como escritor, y a la salida de una tienda además de encontrarse con un vagabundo que representa a Santa Claus —anteriormente había sido negado—, Everett distingue a lo lejos a Beechum con su familia de compras, ambos se miran y parecen despedirse. Nadie más participa de dicho saludo, ni siquiera la mujer de Beechum, que debería estar eternamente agradecida al periodista de haber salvado al hombre que ama. La composición del plano, el más extraño de todo el film, con los personajes en los extremos más la extrema limpieza de la imagen hacen pensar en que ésta no es real, y revela a un Eastwood con muy mala leche, evocando de forma perversa al mismísimo Frank Capra. Sin duda uno de los finales más atrevidos de la filmografía de su director, quien siguiendo la tónica de su anterior film, con el que guarda más que numerosos parecidos, la verdad está en el ojo de quien la mira.

Anécdotas

‘Ejecución inminente’ está en cierto modo emparejada con el anterior trabajo como director de Eastwood, no sólo por ese jugueteo final con la irrealidad, sino por las coincidencias en el esqueleto de su trama. Un periodista que termina escribiendo un libro sobre un asesinato, y que de alguna manera sirve para destapar las miserias humanas. Tal y como comenta Carlos Aguilar en su libro sobre el cineasta —Clint Eastwood, Cátedra, 2009— también se puede relacionar con Samuel Fuller y su maravillosa ‘Corredor sin retorno’ (‘Shock Corridor’, 1963), estableciéndose un vínculo nada descabellado con el clásico director en cuanto a cierta sobriedad estético-narrativa.

Por otro lado, antes del rodaje del film, Eastwood fue tentado, como en otras ocasiones, por el maestro John Carpenter para que protagonizase su magnífica ‘Vampiros’ (‘Vampires’, 1998), que como todos sabemos terminó protagonizando James Woods, quien realiza una excelente interpretación en el presente film. Años después, en la laureada ‘Mystic River’ (id, 2003) podemos comprobar en cierta escena como el personaje al que da vida Tim Robbins visiona en la televisión precisamente ‘Vampiros’. ¿Casualidad? No.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’
• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’
• ‘Dos mulas y una mujer’
• ‘Los violentos de Kelly’
• ‘El seductor’
• El debut en la dirección
• ‘Harry el sucio’
• ‘Joe Kidd’
• La influencia de ‘Incidente en Ox-Bow’
• El primer western como director
• ‘Primavera en otoño’
• ‘Harry el fuerte’
• ‘Un botín de 500.000 dólares’
• ‘Licencia para matar’
• ‘El fuera de la ley’
• ‘Harry el ejecutor’
• ‘Ruta suicida’
• ‘Duro de pelar’
• ‘Fuga de Alcatraz’
• ‘Bronco Billy’
• ‘La gran pelea’
• ‘Firefox’
• Red Stovall, el hombre de los garitos
• ‘Impacto súbito’
• ‘En la cuerda floja’ (‘Tightrope’)
• ‘Ciudad muy caliente’
• ‘El jinete pálido’
• La llamada de Spielberg y la dedicatoria de Godard
• ‘El sargento de hierro’
• ‘Bird’
• ‘La lista negra’

• ‘El cadillac rosa’

• ‘Cazador blanco, corazón negro’

• ‘El principiante’

• ‘Sin perdón’

• ‘En la línea de fuego’

• ‘Un mundo perfecto’

• ‘Los puentes de Madison’

• ‘Poder absoluto’

• ‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’

El próximo mes de marzo (el día 27 para ser exactos) Warner Home Entertainmet lanza una edición especial de un clásico de todos los tiempos como es la inmortal ‘Casablanca’. El motivo está justificado, ya que el film de Michael Curtiz cumple su 70º aniversario, así que la mejor manera de que han decidido de conmemorarlo es con esta edición especial, limitada por cierto.. En Blu-ray. Alta definición. Que no sabremos como le sentará al tradicional blanco y negro del film, pero ha sido restaurada para esta ocasión, aunque lucirá aún mejor.

Aunque es lo de menos, ya que lo importante es que podremos disfrutar de esta venerada historia que viene acompañada de contenido extra del que merece la pena el desembolso. Serán tres discos con material que no ha estado disponible en anteriores ediciones de coleccionistas de ‘Casablanca’.

Cuenta con comentarios de audio, ocho documentales, escenas eliminadas, tomas falsas… y además, en la caja encontraremos una reproducción completa del cartel original de 1942, un libreto de 60 páginas con fotos nunca vistas, notas personales y documentos sobre el archivo de la producción y cuatro posavasos coleccionables.

Su precio será de 64,99 dólares (actualmente unos 49 euros), aunque ya veremos al precio que nos llega. Eso sí, para los que guste de adelantarse, tienen la posibilidad de una considerable rebaja con la reserva en el paraíso de Amazon.

Vía | The Blu-ray Blog
En Blogdecine | ‘Bond 50’: cinco décadas de películas de James Bond en Blu-ray

Tras la magistral ‘Poder absoluto’ (‘Absolute Power’, Clint Eastwood, 1996) la sigiente película del realizador californiano sorprendió por varios motivos. Primero, él no aparecía como actor, algo que no ocurría desde su laureada ‘Bird’ (id, 1988), y segundo, se adentraba en un tipo de cine que hasta ese momento no había formado parte del universo de Eastwood. En realidad, al director/actor no le interesaba demasiado la historia, le habían ofrecido un guión y no le llamó demasiado la atención. Sin embargo, el destino a veces juega sus cartas de forma muy curiosa, y un campeonato de golf llevó al director de ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’, 1992) hasta Georgia, y enseguida le convencieron para visitar Savanah, la ciudad en la que se habían desarrollado los hechos recogidos en un libro, convertido en best selller, escrito por John Brendt y adaptado al cine por John Lee Hancock con quien Eastwood ya había colaborado en ‘Un mundo perfecto’ (‘A Perfect World’, 1993).

Una vez en Savanah, ciudad que logró no ser arrasada por los norteños en la Guerra Civil, gracias a que sus habitantes convencieron a sus invasores con licores y fiestas, Eastwood oyó de la propia boca de los protagonistas la historia que se convierte en el eje central del film: el asesinato de un chapero a manos de su amante, un millonario conocido en la ciudad por su lujosa mansión en la que daba unas fiestas monumentales conocidas en todo el país. El director se sorprendió de la diferencia de opiniones y de cómo la historia cambiaba según quien la narraba. Ni corto ni perezoso comenzó su propia investigación sobre los hechos. El camino hacia la película ya empezaba a ser recorrido. El resultado, aunque estimable, no está, a mi parecer, a la altura de las grandes obras del cineasta.

‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’ (‘Midnight in the Garden of Good and Evil’, 1997) narra la historia de John Kelso —John Cusack en un personaje ofrecido primero a Edward Norton—, periodista que viaja a Savanah para cubrir la noticia sobre una de las famosas fiestas de Jim Williams (Kevin Spacey). Una vez allí ocurriá lo inesperado, un asesinato, y lo que en principio iba a ser una columna de opinión en un periódico irá tomando forma para un libro. Kelso conocerá poco a poco a los distintos y desconcertantes habitantes del lugar, dejándose impresionar por la magia del ambiente. Desde el propio Williams, que entre otras cosas guarda la daga con la que se mató a Rasputín, pasando por Lady Chablis, travesti que se interpreta a sí mismo, y que porporciona los no pocos momentos de comedia del film, o Luther Driggins —Geoffrey Lewis, antiguo colaborador de Eastwood y uno de los secundarios más conocidos de los 70—, ese hombre que lleva moscas pegadas a su cuerpo con hilos mientras amenaza con envenenar la ciudad. Un universo de lo más variopinto que podría terminar con el propio Kelso, quien para dormir se pone una grabación de bocinas de coches.

La película se divide en dos partes bien diferenciadas, algo que también ocurría por primera vez en la obra de Eastwood. La primera es simple y llanamente descriptiva, para que no familiaricemos con los extravagantes personajes que pululan por el relato, mientras que la segunda es un juicio en el sentido más clásico del término. En la primera Eastwood además de realizar un ajustado retrato de personajes sorprende por su abierto sentido del humor al dejar que Lady Chablis se desmelene protagonizando algunas secuencias verdaderamente divertidas como la de la visita al hospital. Sin embargo, creo que patina al introducir un amago de historia de amor entre Kelso y Mandy Nicholls —Alison Eastwood, que ya había colaborado con su padre en ‘En la cuerda floja’ (‘Tightrope’, Richard Tuggle, 1984)—, por innecesaria totalmente pues rompe el ritmo de forma increíble. También por juguetear con el fantastico a lo David Lynch y de forma poco afortunada: ese hombre que pasea a un perro invisible, ya que si deja de hacerlo no cobrará.

La segunda parte recuerda a las películas clásicas de juicios, y en ese aspecto nada que objetar. Además de arrojar algo de misterio sobre el relato de forma que nuestro interés nunca decae. El actor Jack Thompson pone toda la carne en el asador dando vida al abogado de Williams, y Eastwood aprovecha para lanzar unos cuantos derechazos, sobre todo en lo que respecta a los prejuicios humanos y nuestra mala manía de juzgar a las personas por sus tendencias sexuales o rarezas, más que por las posibles atrocidades que han podido cometer. Sin embargo esos derechazos, que suelen formar parte de las películas de su autor, no llegan en ningún momento a causar polémica, ni siquiera contribuyen a crear debate. El principal problema radica en un Eastwood poco arriesgado, aunque no lo parezca, moviéndose siempre dentro de los límites de la corrección más académica. No quiero ser malinterpretado, ‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’ es una película bien dirigida y sobre todo bien interpretada, aunque estoy convencido de que John Cusack podría haberlo hecho muchísimo mejor. Pero sus limitaciones son evidentes. Eastwood no se adentra del todo en Savanah, por muy bien que la fotografíe Jack N. Green, quien es menos tenebroso que de costumbre, por lo que su retrato se queda a medias.

Aún así, sería injusto hundir esta película por el simple hecho de que Eastwood no juegue de verdad todas sus cartas. Hay momentos muy inspirados como la conversación final entre Williams y Kelso en la cárcel y que lleva a la mejor frase de la película: “La verdad, como el arte, está en los ojos de quien la mira. Tú cree lo que quieras, yo creeré lo que sé”. La forma de mostrar el asesinato dos veces es ejemplar, aunque a mi juicio luego se comete el error de enseñar la muerte de Williams como si de un acto sobrenatural se tratase. La ambigüedad y la duda hubieran quedado muchísimo mejor, pero Eastwood por alguna extraña razón prefiere condenar a Williams sometiéndolo a los caprichos de una ciudad no regida por las misma leyes naturales que las demás. En cualquier caso Spacey está soberbio, Jude Law empezaba y ya se hacía notar, y la banda sonora es absolutamente impresionante con canciones de Johnny Mercier, interpretadas por los propios actores o ese genio de nombre Brad Mehldau que reiventa el piano.

Dos años pasarían hasta el regreso de Eastwood con un film que guarda no pocos parecidos con el que hoy nos ocupa, y que es mucho más inteligente de lo que parece a simple vista. Pero de eso hablaremos en el siguiente capítulo de este eterno especial.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’
• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’
• ‘Dos mulas y una mujer’
• ‘Los violentos de Kelly’
• ‘El seductor’
• El debut en la dirección
• ‘Harry el sucio’
• ‘Joe Kidd’
• La influencia de ‘Incidente en Ox-Bow’
• El primer western como director
• ‘Primavera en otoño’
• ‘Harry el fuerte’
• ‘Un botín de 500.000 dólares’
• ‘Licencia para matar’
• ‘El fuera de la ley’
• ‘Harry el ejecutor’
• ‘Ruta suicida’
• ‘Duro de pelar’
• ‘Fuga de Alcatraz’
• ‘Bronco Billy’
• ‘La gran pelea’
• ‘Firefox’
• Red Stovall, el hombre de los garitos
• ‘Impacto súbito’
• ‘En la cuerda floja’ (‘Tightrope’)
• ‘Ciudad muy caliente’
• ‘El jinete pálido’
• La llamada de Spielberg y la dedicatoria de Godard
• ‘El sargento de hierro’
• ‘Bird’
• ‘La lista negra’

• ‘El cadillac rosa’

• ‘Cazador blanco, corazón negro’

• ‘El principiante’

• ‘Sin perdón’

• ‘En la línea de fuego’

• ‘Un mundo perfecto’

• ‘Los puentes de Madison’

• ‘Poder absoluto’

Los amantes del agente 007 ya se están frotando las manos. Aunque también tendrán que rascarse un poco el bolsillo si quieren disfrutar del nuevo lanzamiento de todas las películas de James Bond en un pack en Blu-ray. Aprovechando que en 2012 se cumple el 50º aniversario de los films del agente secreto más famoso del cine, MGM y Fox se han unido para reunir 22 títulos de la saga en un Box Set en Blu-ray conmemorativo: ‘Bond 50’.

El lanzamiento se va ha realizar por todo lo alto (basta ver este espectacular tráiler que acompañamos), la ocasión lo merece. Desde ’007 contra el Dr. No’ hasta ‘Quantum of Solace’ con la excepción de ‘Casino Royale (1967)’ y ‘Nunca digas nunca jamás’. De ellas hasta ahora nueve no tenían edición en alta definición por lo que supone una novedad para disfrutar en casa. Eso sí, antes veremos ‘Skyfall’ en salas, que será la última entrega, puesto que el lanzamiento de esta lujosa edición doméstica de la saga Bond no se realizará hasta finales de año.

Además, ‘Bond 50’ dispondrá de 130 horas de material adicional, lleno de extras y de nuevos contenidos aún no especificados. Se espera un precio aproximado de 299 dólares (aunque ya se puede reservar en el paraíso Amazon por solo 199 dólares), pero desde luego que parece un cuidado lanzamiento que seguro sabrán apreciar los mayores aficionados a Bond, James Bond.

Vía | Slashfilm y MovieWeb
Vídeo | TCFoxConnect
En Blogdecine | James Bond, todos los posters de sus películas

Creo que casi todo el mundo tiene alguna tradición para dar la llegada al año nuevo. Puede ser salir de fiesta por ahí y emborracharse como si no hubiera un mañana, también decir cada año que te vas a dormir antes de las campanadas pero luego quedarte siempre (ésta es la de mi madre), levantarte temprano el día uno para ver el concierto de año nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena o vete a saber qué, seguro que también hay gente cuya tradición es hacer como si fuese un día cualquiera. Sin embargo, como gran amante del séptimo arte, mi tradición es elegir de antemano un par de películas (en ocasiones el sueño me vence y cabo viendo sólo una) que me sirvan para dar la bienvenida al año nuevo. Es algo que llevo haciendo ya más de diez años (sólo falté un año a la cita por probar eso de salir por ahí de fiesta y escarmenté de por vida) y la selección de películas no ha podido ser más vaiopinta: ‘Best worst movie’, ‘All the real girls’, ‘Damas del teatro’, ‘La plaga’ o ‘Arlington road: Temerás a tu vecino’ son algunos de los títulos que han quedado grabados en mi memoria por este hecho.

Por otro lado, sé que soy un tópico andante diciendo esto, pero Billy Wilder es mi director favorito. También sé que hay no pocos directores que le superan a nivel de puesta en escena, pero a la hora de elegir a tu favorito en cualquier ámbito es cuando más aparece el componente subjetivo, y no hay director alguno que me haya ofrecido más peliculones que el responsable de ‘El gran carnaval’, mi película favorita suya (soy consciente de que estoy bastante solo en esta apreciación). Sin embargo, hay algo en lo que prefiero llevar la contraria a muchos cinéfiles y es en ver todas ls obras de los directores que más te apasionen lo antes posible. Eso es algo que hacía muchos años atrás cuando era toda una victoria conseguirlas, pero llegó un punto en el que preferí ir dosificando las películas de mis directores más apreciados para verlos cuando realmente me apeteciera y así disfrutarlos más. Y eso era lo que me apetecía para el comienzo de este 2012, por lo que decidí que ‘Bésame, tonto’ sería la película para ver un rato después de casi atragantarme al tomar las doce uvas de rigor.

Una de las primeras cosas que quedan claras al ver ‘Bésame, tonto’ es su cointinuidad con respecto a los trabajos previos de su director, en especial desde que I.A.L. Diamond pasó a ser su coguionista: El patetismo bien entendido, que puede centrarse en alguno de los personajes principales o en la propia premisa de la película, es el eje de la película, pero eso, como era habitual en Wilder, no quiere decir que se vaya a optar por un enfoque dramático que nos fuerce a empatizar por lo doloroso de la situación. No, en ‘Bésame, tonto’ se utiliza como el hecho de que un músico ya veterano que no ha conseguido triunfar profesional esté obesionado con la certeza de que su esposa le va a ser infiel antes o después como catalizador para elaborar uno de esos maravillosos cóteles de géneros de los que era capaz Wilder, en los que la clave era conseguir el delicado equilibrio entre comedia, romanticismo y drama (o quizá sea más conveniente llamarlo amargura) que tan pocos han sabido llevar a cabo con tanta efectividad como él. Y encima jugando con elementos tan peligrosos como la infidelidad y la prostitución, pero esos aspectos creo que sólo deberían ser problemas para mentes muy puritanas. Eso sí, Wilder prefiere evitar virtuosismos en la puesta en escena (raros en él, pero que sí aparecen de forma esporádica en alguno de sus films) y opta por intentar ser invisible a lo que vemos, consciente de contar con un gran guión (otra cosa habitual en él, ya que como guionista sí que no tengo dudas de que es el mejor de la historia) y de que él se tenía que limitar a que éste funcionase como un mecanismo de relojería a través del trabajo de los actores.

Ya he apuntado que ‘Bésame, tonto’ está en sintonía con trabajos previos de Wilder, y me refería más específicamente a esa obra maestra que es ‘El apartamento’ y a la parcialmente fallida ‘Irma, la dulce’. Ambas tomaban como base una complicada historia de amor que traía de cabeza al protagonista, algo que en ‘Bésame, tonto’ se traslada a la neurosis por la idea de no ser capaz de retener a la mujer de tus sueños. No sería complicado imaginar a Jack Lemmon en el papel como una forma evolucionada de su C. C. Baxter de ‘El apartamento’, y el hecho es que era él el inicialmente previsto para interpretarlo, pero problemas de agenda lo impidieron. Sin embargo, el personaje mantiene intacta la idea de tomar como base al protagonista de ‘El apartamento’ añadiéndole algo de la (excesiva) exageración del e ‘Irma, la dulce’.

Aunque ya sabía de antemano que Peter Sellers fue el actor contratrado y que sólo un gravísimo problema de salud a mitad de rodaje hizo que fuese sustituido, no puedo evitar pensar que el tono de la película hubiese sido diferente con él de protagonista, sobre todo porque hubiese tenido más dificultades para creerme sus obsesivos celos. La elección final de Ray Walston, un intérprete eminentemente televisivo, me parece un tremendo acierto, ya que sí transmite más credilidad en ese punto, y lo hace sin descuidar lo cómico de la situación (brillante el momento en el que busca forzar una discusión con su esposa, por no hablar del gran acierto con los jerséis que utiliza) y manteniendo la cercanía con el espectador. Volvemos a la idea del equilibrio de géneros y, de nuevo, se consigue.

Se ve que los problemas fueron una constante a la hora de encontrar al reparto ideal para la película, ya que el rol de Polly estaba pensado para Marilyn Monroe, pero lo de morirse hace muy difícil el poder seguir trabajando, así que se acabó optando por Kim Novak. Y, la verdad, la película, aunque quede mal decirlo dadas las circunstancias, sale ganando con la presencia de Novak, ya que sabe ganarse el cariño del público pese a que su rol coquetea de forma evidente con la prostitución, pues consigue equilibrar el atrevimiento inherente de su personaje (nos es presentado como la chica que va a sustituir a la esposa del protagonista para que él pueda permitir que su esposa se acueste con otro) con la ternura que ha de transmitir para que no sea un simple pendón. Añadir también que la voz de Novak (hablo, obviamente, de su voz original, no del doblaje) es decisiva para que esto se pueda conseguir, ya que es a través de ella donde consigue transmitir mayor proximidad y hasta cierta debilidad para limitar lo exuberante de su físico.

El resto del reparto son un gran contrapunto a los dos protagonistas. Soy consciente de que quizá sea un error limitar el peso del mujeriego cantante al que da vida Dean Martin, pero su función es secundaria: Es el que da sentido a la profesión del protagonista y aviva los temores hacia una posible infidelidad de su esposa, pero en realidad es más unidimensional que los personajes de Walston y Novak. Y ojo, está perfecto en su papel (aunque no faltarán las pegas diciendo que quizá el personaje se parezca demasiado al Dean Martin real), que conste, pero creo que lo tenía más sencillo. En el caso de Felicia Farr, la esposa, y Cliff Osmond, el amigo que ayuda al protagonista en la composición de canciones, tenemos dos personajes accesorios, pero bien definidos y que nunca llegan a ser molestos. Es fácil decirlo, pero la candidez de la primera y la excesiva locuacidad de la primera eran muy propensos a acabar saturando al espectador, pero, de nuevo, surge ese gran equilibrio para evitar que la película flojee por aquí.

En definitiva, ‘Bésame, tonto’ ha sido una gran forma para mí de empezar este año 2012. Es cierto que no es uno de los mejores trabajos de Wilder, ya que sí consigue equilibrar muy bien todos los aspectos con los que juega, pero falta el puntito extra de brillantez que convierte en obras amestras a títulos como ‘El gran carnaval’, ‘El apartamento’, ‘El crepúsculo de los dioses’ o ‘Perdición’. Lo que nos queda es una muy buena película a la que quizá le sobren unos minutos para llegar a ser una gran película, pero en la que no hay nada que sea una molestia y sí muchas cosas que disfrutar. Ojalá fuesen así de buenos todos los nuevos estrenos que están por llegar este año, pero tengo mis dudas.

PD: El segundo título de la noche, por si alguien se ha quedado con la duda, fue ‘Juegos de guerra’