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En TV: Jesucristo, la película que no lo es del todo.'3 metros sobre el cielo', el galán maltratador.Los informativos de Aaron...

Jesucristo, la película que no lo es del todo

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Jesucristo, la película que no lo es del todo

¿Cuántas veces hemos pensado al ver una película que lo que acaba de suceder en pantalla ya lo habíamos visto en otro sitio —otra cuestión es que nos acordemos exactamente en dónde o no—? Ya os digo yo que muchas veces, y eso sin tener en cuenta otras películas que también lo estén haciendo sin que nosotros conozcamos su fuente original. Pues bien, en Hollywood quieren llevar eso un paso más allá, pues ya están trabajando a marchas forzadas en 'Son of God', una película centrada en la figura de Jesús —Diogo Morgado— para la que ni tan siquiera tendrán que rodar una sola escena.

Algunos de vosotros ya estaréis al tanto del gran éxito de 'La Biblia' en Estados Unidos hace unos meses —en España se emitió en Antena 3—. Se trata de una miniserie que abarca varios relatos del mayor best seller de todos los tiempos y, obviamente, Jesús tiene una marcada presencia en la misma —aparece en 5 de sus 10 episodios—. Tal fue su éxito que NBC ya está trabajando en una secuela centrada en el Nuevo Testamento, pero lo que ahora nos interesa es que sus responsables quieren exprimir hasta el último céntimo que puedan conseguir gracias a 'La Biblia', por lo que han dado luz verde a una película que remontará todas las apariciones de Jesucristo en la miniserie y como gran novedad se incluirán un buen puñado de escenas eliminadas que no llegaron al montaje final de la adaptación televisiva.

No sé qué opinaréis vosotros, pero a mí me parece una idea demencial únicamente justificable desde el punto de vista económico, y sé que éste es esencial en Hollywood, pero todo debería tener unos límites y éste es un buen ejemplo de lo que no debería hacerse. Por desgracia, si tiene éxito —que no es para nada descartable, ya que el baremo para determinar que lo sea sería muy distinto a lo habitual—, podéis dar por seguro que será el inicio de una nueva y peligrosa moda con más miniseries siendo remontadas para poder estrenarlas en salas cinematográficas.

Vía | Joblo En Blogdecine | Paul Verhoeven filmará su propia versión de la historia de Jesucristo

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'3 metros sobre el cielo', el galán maltratador

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'3 metros sobre el cielo', el galán maltratador

Hace algo más de una semana llegó a los cines españoles ‘Tengo ganas de ti‘, segunda entrega de ‘Tres metros sobre el cielo‘ (o ’3 metros sobre el cielo’, yo he optado por lo segundo para el título porque es lo que se usa para lo de 3MSC que tanto se ha llegado a leer) basada también en una novela de Federico Moccia. Ya os hablé en su momento de la secuela, pero por cuestiones de tiempo no pude escribir nada sobre la primera entrega como tenía pensado, pero he decidido solucionar esa cosa pendiente antes de ponerme con otros asuntos. Eso sí, no os creáis que es porque sea mucho mejor que ‘Tengo ganas de ti’.

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Los informativos de Aaron Sorkin

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¿Habéis visto The Newsroom, el cacareado retorno de Aaron Sorkin a la televisión? Menudo episodio más brillante era el piloto, dirigido por el también conocido Greg Mottola, que ha firmado ‘Supersalidos’ (Superbad, 2007) y ‘Adventureland’ (id, 2009), dos películas muy apreciadas por acá, especialmente la segunda.

Yo, debo decir, que me declaro muy a favor. Sorkin está recogiendo, con bastante justicia, dos espíritus que no son necesariamente el mismo, pese a que en su día compartieran género, el de la screwball comedy. Para quien no lo sepa, y merece la pena conocer sus títulos dorados, la screwball es un tipo de películas populares en la Gran Depresión estadounidense, comedias de diálogos absolutamente endiablados cuyos enredos siempre implicaban matrimonios o algún tipo de asunto jurídico y, de paso, abordaban asuntos de relevancia social.

Pero si somos justos, precisamente por eso, nada tenían que ver dos de los hacedores de screwball más brillantes.: Howard Hawks y Frank Capra cuyo testigo recoge este Sorkin maravilloso. Hawks era un cínico desolador, de sus películas salíamos con una sonrisa descabellada incluso y Capra, en cambio, era un gran activista, alguien convencido en el valor de la comunidad, del cambio político, de los pequeños triunfos. Ambos firmaron las más altas comedias del Hollywood de los treinta e hicieron del cine de estudios un campo de creatividad espléndida.

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'Encuentros en Nueva York', lo viejo y lo nuevo

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'Encuentros en Nueva York', lo viejo y lo nuevo

Rebecca Hall, Amanda Peet, Oliver Platt y Catherine Keener son los protagonistas de ‘Encuentros en Nueva York’ (‘Please Give’, 2010), el cuarto largometraje de la directora televisiva Nicole Holofcener, en la que conoceremos a Kate y Alex, un matrimonio neoyorquino acomodado que tiene una hija adolescente y cuya relación no está pasando por el mejor momento. Esta pareja se dedica a la compra de antigüedades a los descendientes de personas fallecidas para revenderlas a precios astronómicos en su tienda retro. Además, han adquirido el apartamento contiguo al suyo con idea de ampliar sus estancias y para ello han de esperar a que muera la propietaria actual, una anciana que tiene dos nietas: Rebecca, una enfermera muy entregada que vive con la abuela, y Mary, una esteticienne a la que solo le importa ella misma.

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'Arthur, el soltero de oro', cuando el amor no triunfa

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'Arthur, el soltero de oro', cuando el amor no triunfa

‘Arthur, el soltero de oro’ (‘Arthur’, 2011), dirigida por Jason Winer, es un remake de la película del mismo título de 1981, cuyo tráiler os trajimos el año pasado, cuando aún se consideraba la posibilidad de estrenarla en cines. Sin embargo, su distribuidora, Warner Bros., decidió no llevarla a las salas de nuestro país, dado el fracaso crítico y económico que sufrió en Estados Unidos, y en su lugar la lanzó directamente en DVD y Blu-ray, para pasar de inmediato a la emisión televisiva, que se puede disfrutar en estos momentos.

Russell Brand retoma el papel de Arthur Bach, que en el original encarnaba Dudley Moore, un joven multimillonario, seductor e irresponsable, más ocupado en las fiestas de Nueva York que en honrar el apellido de su familia. Su niñera y confidente, Hobson –papel que interpreta Helen Mirren en el lugar de John Gielgud– rige sus movimientos como los de un niño pequeño y su único auténtico amigo es su chófer, Bitterman (Luis Guzmán). Pero el joven consentido, que hasta ahora se apoyaba en su inagotable fortuna, se verá obligado a asumir sus responsabilidades cuando su madre (Geraldine James) le imponga un matrimonio por conveniencia con la heredera Susan (Jennifer Garner), hija de un nuevo rico (Nick Nolte), justo cuando había descubierto el verdadero amor en los brazos de Naomi (Greta Gerwig), una carismática plebeya.

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'Soy el número cuatro', superhéroes en el instituto

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'Soy el número cuatro', superhéroes en el instituto

He comentado en otras ocasiones que existe una nueva manera de vender las premisas de los guiones durante el “pitching“ –presentación de un guion a una productora–, que pasa por encontrar un cruce curioso que deje al que escucha forzando la máquina de su imaginación. “Sería como una mezcla entre ‘Cantando bajo la lluvia’ y ‘El resplandor’” seguro que suscitará la curiosidad en los presentes, aunque no sabemos si para bien o para mal. Lo malo de esta fórmula es que, además de servir para llamar la atención sobre una idea ya concebida, parece que se estuviese utilizando para la invención misma de los argumentos fílmicos o novelescos. Con este procedimiento da la impresión de que se hubiese concebido ‘Soy el número cuatro’ (‘I am Number Four’, 2011), “como un cruce entre ‘Supermán’ y ‘Napoleon Dynamite’”. Enhorabuena, porque el engendro está servido. Que cada una de esas cosas sea atractiva por su lado no implica que la suma de ambas haya de resultar el doble de buena.

D.J. Caruso dirige un guion de Alfred Gough, Miles Millar y Marti Noxon, basado en la novela de Pittacus Lore, firma que engloba al dúo compuesto por Jobie Hughes y James Frey. ‘Soy el número cuatro’ entraría dentro de esos títulos que dejé pasar cuando vivieron su estreno cinematográfico y que recupero ahora en televisión. El arranque se me antojó tan irrisorio que mi primer impulso fue el de detener la reproducción. Los efectos especiales están bien resueltos y la puesta en imágenes demuestra que el director sabe, al menos, lo que hace. La firma de Guillermo Navarro (‘Hellboy’, ‘El laberinto del fauno’, ‘Crepúsculo‘…) se deja notar. Se percibe que la producción –donde está implicado Michael Bay– ha contado con un presupuesto suficiente para las necesidades de la historia. Lo que malogra la primera impresión es el ridículo diseño de las némesis alienígenas –los “almodovarianos” o “midiclorianos” o como se llamen–, con esos tatuajes craneales, esos dientes afilados y esas hondas voces distorsionadas. No ayudan las imágenes playeras, la actitud macarra de Timothy Olyphant –que encarna un papel paternal, pero quiere competir en macicez con su hijo ficticio, Alex Pettyfer– y la voz en off pretendidamente profunda del protagonista, que nos expone lo que la cinta debería mostrar, declarando así no solo su origen literario, sino asimismo la vagancia o incapacidad a la hora de trasladar esas explicaciones a escenas, completa un inicio desalentador. No obstante, continué.

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'Happy thank you more please', amores de baja intensidad

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'Happy thank you more please', amores de baja intensidad

Esta crítica se podría incluir entre las que versan sobre lo que dejé pasar durante su estreno cinematográfico y que he rescatado en su pase por televisión. Como la anterior, constata no solo que prescindir de ella entonces fue lo acertado, sino que tampoco habría sido insensato convertir esta omisión en un estado permanente. En cualquier caso, acercarme ahora a ‘Happy thank you more please’ (‘Happythankyoumoreplease’, 2010) ha resultado más óptimo que en el momento de su proyección en salas, pues en aquella época, el personaje a quien da vida Josh Radnor en ‘Cómo conocí a vuestra madre’ (‘How I Met Your Mother’), Ted Mosby, se me antojaba repelente y moñas, mientras que en los capítulos de emisión actual, gracias a una profunda transformación a la que lo han sometido, no me produce ese rechazo.

Para gravar constancia de que su debut cinematográfico no es una extensión de la serie que le ha dado la fama, el Radnor director y guionista escoge un estilo de realización muy alejado del televisivo, con algunas decisiones estéticas de loable intención diferenciadora, pero en ocasiones tan marcadas que nos recuerdan a los cortometrajes. El comienzo se ve atrayente y podría pasar por original, gracias a ese aire “indie“ o quizá neoyorquino con el que busca distanciarse de los productos comerciales. La selección musical, capitaneada por melodías de baja intensidad, redondea la ligereza de tono con la que el autor se aproxima a los acontecimientos narrados. La ausencia de ímpetu responde a esas intenciones independientes y tiene como contrapartida que los instantes que podrían sentirse como memorables o llamativos queden aplastados y mezclados con lo demás.

Por fortuna, el conjunto no se las da de sesudo ni de espeso. Los diálogos no caen en la pretensión de escoger un vocabulario más elevado que el cotidiano, no versan sobre asuntos culturales para los que sea necesaria una preparación intelectual. Donde sí se acusa la fatuidad es en el contenido de esas conversaciones, que analizan la vida, filosofan sobre el amor y la amistad y de demuestran lo que es cierto acerca de las relaciones.

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'La llave de Sarah', lavando la mala conciencia

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'La llave de Sarah', lavando la mala conciencia

Había dejado pasar ‘La llave de Sarah’ (‘Elle s’appelait Sarah’, 2010), de Gilles Paquet-Brenner, cuando se estrenó en cines, ya que temía un tratamiento algo pastoso de un tema ya expuesto otras veces, algunas con enorme vigor. Eso no significó me la descartase por completo. Ahora he aprovechado una emisión televisiva para ponerme al día con este título y comprobar que mis sospechas estaban más que fundamentadas. Si alguien me preguntase, como la vez anterior, a qué sección pertenece esta crítica, podría inventarme una llamada “películas que dejé pasar“.

Mientras la protagonista es Sarah, una niña que ocultó a su hermano para evitar que se lo llevasen junto a ella y sus padres a un campo de concentración, para más adelante ser deportado; el film posee fuerza y se presenta duro, al retrotraernos a esa mezcla de tristeza e indignación que producen los relatos sobre el holocausto, incomprensible y sorprendente todavía, por muchas veces que el cine nos lo haya acercado. Esta faceta es la más lograda de la cinta, pero ni mucho menos la sitúa a la altura de otros films sobre la misma tragedia. Para convertir una reivindicación en ficción lo lícito y lógico es tomar a una única persona, como se hace aquí con Sarah, quien se aferró a la llave que encerraba a su hermanito, con la intención de rescatarlo a la mínima oportunidad. No obstante, su historia individual es tan excepcional, que se pierde, por lo tanto, la finalidad anterior, ya que ella no representa a todos los afectados por los sucesos.

El recurso de hacer convivir dos épocas en paralelo, del que tan a menudo se echa mano para evitar en el espectador perezoso el rechazo a las ambientaciones pretéritas, en este caso posee una justificación profunda, ya que alude a la mala conciencia del país vecino. Si los alemanes, tras haber sido tan machacados al respecto ya parecen haber purgado, los franceses cuentan con el agravante de haber pasado por encima durante mucho tiempo de los episodios más oscuros y cuestionables de su Historia. Así, los saltos al presente del inicio de la cinta no estorban, ya que en ellos la periodista saca a colación el hecho de que Francia oculte con tanta habilidad sus afiliaciones durante la II Guerra Mundial y cuestiona, con sus preguntas a los vecinos del velódromo y su conversación con sus jóvenes compañeros, lo que cualquiera habría hecho de haberse encontrado en aquel lugar y en aquel momento.

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'Al límite de la verdad', enganchados al desastre

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'Al límite de la verdad', enganchados al desastre

He vuelto a ver ‘Al límite de la verdad’ (‘Changing Lanes’, 2002), de Roger Michell, que cuenta con un importante reparto encabezado por Samuel L. Jackson y Ben Affleck, a quienes acompañan Toni Collette, Sydney Pollack, Richard Jenkins, William Hurt o Amanda Peet, entre otros. Un abogado que acude al juzgado para entregar un documento que indica que un millonario cedió la gestión de una fundación a su bufete choca con el vehículo de un hombre que acude al mismo tribunal para pelear por la custodia de sus dos hijos de corta edad. El segundo, como llegará tarde, perderá la oportunidad de vivir cerca de sus pequeños y el primero, habiendo extraviado el documento, no solo estará a punto de dejar a su empresa sin un gran cliente, sino que además correrá el riesgo de ir a prisión.

La película se inicia con un montaje en paralelo muy bien ejecutado, que confluye en el accidente, donde ambos protagonistas se encuentran. La tensión está servida incluso desde antes de que surja el enfrentamiento, consiguiendo así que las imágenes de sus momentos cotidianos enganchen. La banda sonora de David Arnold contribuye a esta sensación de suspense, con la que el interés se sostiene muchos minutos, a pesar de que el punto de partida sea un incidente tan insignificante en apariencia. La fotografía de Salvatore Totino y los encuadres, con un ligero movimiento de cámara, diez años después siguen de completa actualidad. El conflicto, que se plantea con inmediatez, es férreo y atenazador, pues no parece permitir salida alguna que no suponga cumplir con lo exigido. Ese cumplimiento, sin embargo, se presenta imposible en apariencia. Con ello, antes de que hayan pasado veinte minutos de cinta, ya se ha introducido una intriga notable. Las escenas que se intercalan en este primer acto contagian la indignación y están cargadas de contenido social.

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La guionista Meriwether

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Ve el video en el sitio original.


Elizabeth Meriwether ha sido dramaturga antes que escritora. Esto no explica su talento para la comedia, pero sí su inteligencia para observar las costumbres con una mirada un poco más inusual de lo habitual. La primera película que Meriwether ha firmado ha sido una comedia romántica llamada ‘Sin Compromiso’ (No Strings Attached, 2011) protagonizada por Natalie Portman y Ashton Kutcher y dirigida por Ivan Reitman. Me ocurre que, como la mayor parte de heterosexuales blancos comprendidos entre los 17 y los 25 años, salgo a veces con chicas y estas chicas, por muy delicadas e inteligentes y sensibles, pueden, en un momento generalmente cansado y escapista de la semana, querer ver una película del comprensiblemente atractivo y encantador y carismático Ashton Kutcher. Hasta tal punto que terminé viendo esta película. Al fin y al cabo la premisa es fascinante: Natalie Portman encarna a una doctora que quiere tener sexo sin compromiso y el personaje de Kutcher asiste a la fiesta patidifuso primero, sentimental después.

Lógicamente, los problemas de la película están en el tercer acto. Es decir: resolver de una manera convencional las razones por las cuales un personaje femenino, inteligente y fuerte no quiere mantener una relación monógama con el personaje de Ashton Kutcher y llegar al punto, consabido y tópico, en el que el chico ha conocido a la chica, la ha perdido y, claro, la ha recuperado. El esquema es sencillo y las protestas en este caso se deben a la escasa lógica del personaje de Portman. Pero hubo ya allí gags que llamaron mi atención, grandes bromas y un interés poco habitual en deslocalizar el centro de la inmadurez de él a ella. Por otra parte, la película me sorprendió en su primer acto.

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