En TV

¡Observen el “Otrodimensionator”! Bueno, en realidad, este es el otro “Otrodimensionator”. El otro dimensionador se ha quedado en la otra dimensión.” (Dr. Heinz Doofenshmirtz).

Cuando anuncié que se estrenaba en cines ‘Phineas y Ferb, la película: A través de la 2ª dimensión’ (‘Phineas and Ferb the Movie: Across the 2nd Dimension’, 2011) no había visto la serie y por ese motivo, la sinopsis me resultaba ridícula. Sin embargo, se me despertó la curiosidad y, desde entonces, he echado un ojo a varios capítulos. Tras entender el humor absurdo y metalingüístico, así como el uso y abuso del despropósito de los que hace gala la serie, he visto la película y he comprendido que lo que resultaba risible era parte de ese humor surrealista.

A pesar de que no hay duda de que los guionistas de la serie son geniales y tienen una desbordante imaginación, confiaba escasamente en que esas historias, que se resuelven en pocos minutos, pudiesen extenderse a un largometraje. Pero la sorpresa que me dio la película fue descubrir que lo consiguen, sin que se haga más lenta o parezca que tiene partes incluidas para rellenar. Los creadores hacen una demostración de que tienen una inventiva sin límites para incluir en la película giros y sorpresas a cada momento. Cierto es que se saltan –por decirlo así– algunas de las normas no escritas de la serie y permiten que ocurran cosas que en la versión para televisión no suelen darse, salvo en excepciones, como que los chicos descubran que Perry es un el Agente P y colaboren con él o que Candace no tenga que dar cuentas ante su madre.

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Se ha reabierto la investigación sobre la muerte de Natalie Wood en un supuesto accidente náutico en 1981, por lo que resulta pertinente hablar de ‘Propiedad condenada’ (‘This Property Is Condemned’, 1966), en la que la actriz compartía cartel con Robert Redford, Charles Bronson, Mary Badham, Dabney Coleman y Kate Reid. Se trata de un film de Sydney Pollack, inspirado en la obra teatral homónima de Tennessee Williams, de quien ya se habían llevado al cine, entre muchas otras, ‘El zoo de cristal’, ‘Un tranvía llamado Deseo’, ‘De repente, el último verano’, ‘La gata sobre el tejado de zinc’, ‘Dulce pájaro de juventud’ o ‘La noche de la iguana’.

El film comienza con el personaje de Mary Badham, quien encarna a Willie, la hermana pequeña de Alva, la protagonista, a quien da vida Wood. A modo de flashback se conoce la historia de cómo estas dos jóvenes habitan un pequeño pueblo sureño alimentado por los trabajos del ferrocarril. La madre de ambas, que regenta una pensión de dudosa reputación y que fue abandonada años atrás por el padre de las chicas, no tiene reparo en utilizar a sus hijas para animar el negocio o conseguir favores de los hombres importantes del lugar. Alva parece resignada a este tipo de vida, hasta que llega un forastero, guapo y cultivado, que le hace ver que existen alternativas.

La obra teatral, escrita por Williams en 1946, que únicamente constaba de un acto, no mostraba a Alva, sino que transcurría por entero entre el personaje de Willie, la hermana pequeña, y su interlocutor. El flashback fue introducido por Francis Ford Coppola y el resto de los guionistas, Edith R. Sommer y Fred Coe, en su adaptación libre.

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The Doors tienen su lugar en la historia del cine, tanto por la película homónima de 1991 de Oliver Stone, como por la atmósfera que ‘The End’ aporta a la escalofriante secuencia de los helicópteros del arranque de ‘Apocalypse Now’ (1979), de Francis Ford Coppola. Muchas otras películas han contado con su música en sus bandas sonoras. Por eso y por otros motivos – el mito del rock and roll que fue Jim Morrison tuvo una vida de película y quedaron algunas incógnitas por resolver–, no nos sorprende que el director Tom DiCillo (‘Johnny Suede’, ‘Vivir rodando’, ‘Una rubia auténtica’, ‘Delirious‘…) los haya escogido para elaborar un documental que lleva por título un verso de una de las canciones de la banda: ‘When You’re Strange’ (“cuando eres extraño”).

Más que sobre la banda The Doors, el rockumentary está centrado en la figura de Morrison y lo que esta supuso para el mundo –la película también contiene un interesante estudio de la juventud en la sociedad de la época– y para sí mismo. Analiza cómo subió como la espuma, cómo sabía gestionarse para dotarse del halo que consiguió, ya fuese con los atuendos que él mismo elegía o con sus posturas y movimientos sobre el escenario. Pero también hace una crónica de su autodestrucción, empujada por las drogas y alcohol, que no eran para él más que un vehículo con el que encontrar las puertas de la percepción –el nombre del grupo viene del libro de Aldous Huxley de 1954 ‘The Doors Of Perception‘–, por lo que, fuese con esas sustancias o con otras, su final podría haber sido siempre el mismo. Una estrella que brilló con mucha intensidad, pero que no podía mantenerse con ese esplendor durante demasiado tiempo.

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Steve Carell o Ashton Kutcher (Aunque con matices, pues empezó en televisión) han probado que regresar a la pequeña pantalla es un asunto digno, aquí viene un post llevando la contraria: el talento (cómico) de cinco actores que no han tenido la suerte deseada, este post se propone descubrir cinco perlas de la comedia (televisiva) que deberían estar creando iconos (fílmicos)

5. Jim Parsons.

Razones Catódicas.: Su Sheldon Cooper, ganador de dos flamantes emmys, en ‘The Big Bang Theory’ (2007-) es, seguramente, el gran icono cómico de nuestro tiempo: adorable genio de la física caracterizado por un (fuerte) Desorden obsesivo-compulsivo y una biografía cargada de (adorables) paradojas, incluyendo una educación asexual y ultra-cristiana que le permiten brillar en la ciencia.

Tiempo en Cine: Pequeños papeles en ‘Algo en común’ (Garden State, 2004) o ‘Escuela de Pringaos’ (School for Schoundrels, 2006) como sus trabajos más relevantes permiten ver como de insignificante ha sido el trabajo de Parsons en la gran pantalla.

Posible redención: ¿Podéis imaginaros a Parsons en una comedia de Woody Allen? La neurosis nunca ha encontrado mejor declinación y además serviría para que el actor probara su eficacia cómica más allá del geek tierno y adorable, puntilloso, viendo como su asombrosa capacidad para recitar diálogos a una velocidad endiablada encuentra nuevos territorios.

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No había visto ‘Eragon’ cuando se estrenó en cines ni cuando apareció en DVD, así que, este fin de semana, me quedé a verla al comprobar que la emitían por televisión. El motivo de haber pasado de ella en su estreno cinematográfico y su lanzamiento doméstico, era, lógicamente, que había leído y escuchado que no tenía demasiada calidad. Aun así, esperaba que funcionase algo mejor en varios aspectos: que fuese algo más entretenida y que se decantase más hacia un tono oscuro de fantasía, reservada únicamente a lo seguidores acérrimos del género, en lugar de ser accesible para cualquiera, especialmente para la gente menuda.

Estoy segura de que, tras este titular, no hace falta decir más para que se sepa con qué película estoy comparando ‘Eragon’. Por mucho que desee escribir una crítica que hable exclusivamente del título que nos ocupa, me resulta imposible evitar equipararla a ‘El señor de los anillos’ para comentar cada uno de los aspectos de su desarrollo narrativo y de su realización. Y es que la mejor forma de demostrar lo que no está bien hecho aquí es señalar el lugar donde sí se ha conseguido, especialmente cuando se parte de materiales tan similares.

Siempre me ha gustado decir que el guion es lo importante en una película y que la forma en la que se dirige es secundaria. Se demuestra que erraba con esta comparación –así como en tantas otras ocasiones–, cuando la forma en la que Peter Jackson rueda las arengas, las huidas, las peleas, los encuentros… hace que cobre una dimensión épica que, en manos de otros cineastas, está completamente ausente. Podría parecer que lo necesario está incluido en el guion de ‘Eragon‘, pues se plantean incluso los preliminares de la batalla y se menciona su importancia con insistencia, para aumentar el impacto del clímax de esa lucha. A pesar de eso, lo que Jackson inundaba de emoción sobrecogedora aquí se queda en nada. No hay mejor prueba del excelente trabajo del neozelandés detrás de las tres entregas de la adaptación de Tolkien que ver otros films de fantasía teóricamente semejantes, en los que no se produce ni el 1% de la palpitación e implicación que suscitan las tres partes de ‘ESDLA’.

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- ¿Por qué pensamos siempre en los viejos tiempos?

- Porque es cuando había esperanza

En esa obra maestra que es ‘Un mundo perfecto’ (‘A Perfect World’, Clint Eastwood, 1993) se produce una de las mejores metáforas que se han podido ver en una película. Y lejos de cualquier filigrana pseudointelectualoide, Eastwood apuesta por la sencillez, la mejor de las herramientas en el arte, arriesgada de utilizar pues o la confunden con la simpleza, o cae de lleno en ella. La escena en concreto es una de transición en la que Butch (Kevin Costner) va en coche con Phillip (T.J. Lowher) y el primero le explica al segundo que el vehículo en el que van es en realidad una máquina del tiempo de fácil manejo. Lo que hay delante es el futuro, lo que se deja atrás el pasado. Si uno quiere llegar antes a su destino sólo tiene que pisar el acelerador. El freno te permite detenerte y disfrutar del presente, y de saborearlo lo máximo posible antes de seguir hacia delante.

Con esa maravilla de explicación, Eastwood habla rápidamente de multitud de cosas. La fugacidad de la vida, el recuerdo de lo pasado, el siempre inesperado futuro, las decisiones que tomamos. Temas de vital importancia y que rodean nuestro día a día —soy de los que piensan que la vida es una continúa decisión, y la cobardía se paga muy cara— explicados a través de una muy inspirada metáfora, cuya mayor virtud es que la entiende hasta un niño, nunca mejor dicho. En la imprescindible serie de televisión ‘A dos metros bajo tierra’ (‘Six Feet Under’) se utiliza dicha metáfora en el impresionante final de una serie que, dicho sea de paso, echa mano en todo momento de técnica y conceptos cinematográficos, lejos de la tiranía que supone la puesta en escena televisiva la mayoría de las ocasiones.

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Una cosa parece clara: el nuevo spot del ‘Capitán América: Primer Vengador’ no promete ya un blockbuster aparatoso, espectacular y decididamente inusual, aunque si lo pensáis bien es muy adecuado para la América post-asesinato de Bin Laden, por su tono nostálgico mezclado con aventura bélica a gran escala sino, snif, otro avance aparatoso de la película de los Vengadores, algo en lo que llevamos ya desde la primera entrega del hombre de hierro. Lamentos y llantos aparte, tengo que admitir que la película debería ser el punto álgido de las aventuras en solitario, de momento dominadas por la segunda entrega de ‘Iron Man’, la más irónica peripecia superheroica, en clave oficial, y la única capaz de mirar, alejada de disparates alegóricos, al capitalismo con ironía y un mensaje nada desdeñable.

En todo caso, en el nuevo tráiler del primer defensor de América se salta, se suda, se esquivan explosiones y se promete un antológico prólogo a cierta historia que junta a los héroes más grandes jamás conocidos. O eso decía el tebeo de Stan Lee y Jack Kirby….

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Días tristes por culpa de la muerte de Peter Falk ¿eh? Ha escrito ya Alberto Abuín su sentido adiós y no puedo completar yo esto con más que un chiste tímido y leve o recomendar las revisiones de las obras cumbre de John Cassavettes y Wim Wenders que protagonizó. Pero lo que puedo hacer es recordar esta desternillante parodia que protagonizó, un vídeo hilarante en el que el detective televisivo Colombo termina en las instalaciones de la CIA. En cierto sentido, va más allá del gag y se convierte en una suerte de comentario acelerado y divertido sobre qué ritmo y qué estructuras usa J.J. Abrams para sus series. En ese sentido, la velocidad narrativa sustituye a la naturalidad, los gadgets a la deducción y la comedia está servida a un ritmo, por supuesto, frenético.

Nada mejor que recordar al personaje con su condición sobradamente ganada de mito y su conciencia de ser una actitud imborrable.

Ayer mismo hablaba de Dany Boon, un actor muy querido y popular en Francia, pero sobre el que todavía no terminamos de formarnos una imagen en España, por lo que se nos puede hacer extraño verlo en papeles tan claramente protagónicos como el de ‘Micmacs’ o el de la ‘Cena de amigos’ (‘Le code a changé’, 2009), que se estrenará en nuestro país dentro de un par de semanas. ‘Bienvenidos al Norte’, ‘Bienvenidos al Sur’, ‘Nada que declarar’...

Hace unos años todavía aparecía como comparsa, por ejemplo en ‘El juego de los idiotas’ (‘La doublure’, 2066), donde el protagonista era Gad Elmaleh, o en ‘Mi mejor amigo’ (‘Mon Meilleur Ami’, 2006), donde acompaña a un poco aprovechado Daniel Auteuil, que también tiene un papel en la anterior. Sobre este film de Patrice Leconte es sobre lo que voy a centrarme en esta crítica.

‘Mi mejor amigo’ sin duda trata de incluirse en la corriente de comedias francesas a la que representan films tan desternillantes y maravillosos como ‘La cena de los idiotas’ (‘Le dîner de cons’, 1998) o ‘Salir del armario’ (‘Le Placard’, 2001), ambas de Francis Veber, además de muchas otros que, si bien no son tan geniales, siguen su fórmula con resultados más que encomiables.

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