En TV

Como estamos pendientes del resultado de las nominaciones a un actor que interpreta a un rey que desarrolla una férrea amistad con un civil, puede ser buen momento de comentar la película ‘El último rey de Escocia’ (‘Last King of Scotland’, 2007) que le sirvió para ganar el Oscar y numerosos galardones más a uno de sus intérpretes: Forest Whitaker, y que también cuenta la historia de una amistad peculiar entre un gobernante y un ciudadano. Bueno, ¿para qué ocultarlo?, surge el momento porque tuve la oportunidad de verla cuando la pusieron anoche en TVE2.

La película está dirigida por Kevin Macdonald. El guion, de Peter Morgan y Jeremy Brock, se parte de la novela homónima de Giles Foden, quien se inventa al personaje ficticio del doctor escocés, Nicholas Garrigan (James McAvoy), para introducir unos ojos en el palacio presidencial, con los que observar de cerca al dictador. Para ello se basa en Bob Astles, un soldado que llegó a consejero de Amin. Éste, además de otorgarse otros títulos rocambolescos, se autoproclamó Rey de Escocia, ya que pensaba que estaba en posición de liberar a esta nación del dominio inglés.

Por supuesto, la interpretación de Forest Whitaker es brutal, como lo ha sido en todas sus encarnaciones. No solo hay un parecido físico que le ayuda, sino que los brotes psicóticos y los arranques de histeria están clavados de forma que producen terror, así como las bromas y la simpatía al principio nos lo acercan tanto que posteriormente cuestionamos lo que hemos sentido. Pero no creo que sea lo único valioso del film.

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Ya en los años sesenta, Tarkovski tenía en mente la realización de un filme parcialmente autobiográfico, y trabajó durante un tiempo en un borrador que llevaba por título, entre otros muchos, ‘Un día blanco, blanquísimo’, sacado de un poema del padre de Andrei, Arseni Tarkovski. Pero los sucesivos borradores del guión fueron todos rechazados por el comité de cineastas (el infame Goskino), ya que, según ellos, se trataba de una historia ilícitamente elitista, o que era demasiado compleja y de naturaleza poco convencional. Terminado ‘Andrei Rublev’ (‘Andrey Rublyov’, 1966), en lugar de dirigir ese guión, se vio forzado a realizar ‘Solaris’ (‘Solyaris’, 1972). Sólo cuando el Goskino cambió de presidencia, Tarkovski vio aprobado el guión que había coescrito junto a Aleksandr Misharin (impagables la entrevista a Misharin sobre la redacción de ese guión, disponible en el DVD), y la producción, una producción bastante modesta todo hay que decirlo, pudo comenzar.

Es común leer en las apreciaciones o textos acerca de esta obra maestra, que ‘El espejo’ (‘Zerkalo’, 1975) es la película más personal de tarkovski, la más arriesgada, la más sincera y la más sentida. Y razón no les falta a todos los analistas que así la describieron. Los que menos la entendieron, fueron, paradójicamente, sus colegas cineastas rusos, que le atacaron sin piedad desde el Goskino, y para los que lo peor de todo era que, según propia confesión de Misharin y Tarkovski, no tenían idea de la forma final del proyecto, pues querían descubrirlo en el proceso de filmación. Es este un concepto esencial en un relato de la singularidad de ‘El espejo’, ya que gran parte de su poder hipnótico, por no decir de sus logros estéticos, son fruto de una confianza extrema en el cine como medio para que la propia vida, tal cual, surja en la pantalla en toda su pureza, sin complejos y sin prejuicios, y se convierta en el tejido primordial del que se nutren las imágenes del Tarkovski más inmediato, un experto prestidigitador del medio audiovisual como confesión definitiva.

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Hace casi dos meses os hablaba de una película poco conocida, ‘The City of the Dead’ (id, John Moxey, 1960), film que puede encontrarse editado en DVD en nuestro país bajo el horrendo título de ‘El hotel del terror’. Esa curiosa película contenía una de las atmósferas irreales más conseguidas dentro del género fantástico y de terror, influyendo en muchas cintas posteriores. El director de dicha película es el mismo que de la cinta que hoy nos ocupa en el especial dedicado a esa criatura tan fascinante que es el vampiro. Moxey se hizo conocido sobre todo por sus trabajos en la televisión, los cuales firmó con su nombre completo, John Llewllyn Moxey. El más conocido de todos ellos fue ‘The Night Stalker’ (1972), emitido en nuestro país por tve en diciembre de 1982, precedido de un enorme éxito y excelentes críticas.

Este telefilm logró traspasar las fronteras del propio medio televisivo demostrando, ya por aquel entonces, que en la televisión podían hacerse cosas de calidad que llegaban a superar a muchas de las películas realizadas para el cine, mejor considerado. Algo parecido a lo que le ocurrió a un film coetáneo, ‘El diablo sobre ruedas’ (‘Duel’, Steven Spielberg, 1972), uno de los mejores trabajos de su director, que incluso logró en el mercado internacional una distribución en salas cinematográficas. Curiosamente, estos dos trabajos tiene algo en común, la presencia en sus guiones del gran Richard Matheson, escritor de ciencia ficción y fantástico que consiguió un enorme prestigio, merecido sólo por una novela, ‘Soy leyenda’, que conoció tres adaptaciones cinematográficas.

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Comentábamos ayer que la odisea de los 33 mineros atrapados y rescatados en Chile estaba pidiendo a gritos ser adaptada al cine. El guión de esta posible película se ha escrito solo, pues, además de la gran historia comunitaria, en los aspectos personales existen ya tramas secundarias perfectamente vendibles: el minero al cual esperaban a la salida, no sólo su esposa, sino también su amante… la bebé que nació, hija de uno de los atrapados, durante los tres meses de incertidumbre… el adicto al alcohol y a las drogas que decide cambiar sus hábitos gracias a la mina… Seguro que todos los demás podrían contar historias igualmente ricas en dramatismo.

Sin embargo, que todo encaje de forma tan perfecta no significa que el material de partida sea más explotable —como si hablásemos de las vetas de la propia mina—: si la tremenda ‘El gran carnaval’ (‘The big Carnival’ o ‘Ace in the Hole’, 1951), de Billy Wilder, dirigía una crítica a la sociedad y, más concretamente a la prensa, por la morbosa explotación de una vida humana a punto de extinguirse; el caso que ha llenado los informativos estos días de atrás sería un ejemplo de lo contrario: la enorme cobertura mediática ha servido para que no se escatimasen esfuerzos a la hora de extraer con vida a la treintena de trabajadores víctimas del aciago accidente. El aspecto crítico habría que buscarlo en los responsables del derrumbamiento, que probablemente fue causado por la desidia, la negligencia y la tacañería empresarial de los gestores de la mina.

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El mes pasado incluí una crítica sobre ‘Bajarse al moro’ (1989) y prometí que seguiría con el cine de Fernando Colomo de la época y con lo que se denominó la Nueva Comedia Madrileña. En esta ocasión, me centraré en ‘La vida alegre’ (1987), protagonizada por Verónica Forqué, Antonio Resines, Miguel Rellán, Ana García Obregón, Guillermo Montesinos y Massiel.

Se trata de una comedia de enredos en la que una doctora, esposa del asesor del ministro de Sanidad del PSOE, obtiene un puesto en una clínica de enfermedades de transmisión sexual. Ella y su ayudante comienzan por llegar en taxi a la calle Montera para reclutar pacientes, pero finalmente deciden que tiene que ser el ministro el que se preste a hacerse los análisis para darle publicidad al centro, lo cual destapará un escándalo encadenado que no tiene fin.

Como ya comenté en la reseña anterior, Colomo se caracteriza principalmente por el desenfado con el que afronta las cuestiones, muy bien reflejado en el título del film que nos ocupa. Viendo estas dos películas seguidas, una se pregunta, además, cómo el realizador podría llevar a cabo ningún film sin Verónica Forqué, pues ella encarna canónicamente ese espíritu siempre optimista, soñador y positivo que valora, por encima de todo, la felicidad y la tranquilidad y que es capaz de ningunear los problemas. De esta forma, estas películas, además de hacernos reír durante hora y media, tendrán el valor de insuflarnos una mirada más relajada sobre la vida y unas perdurables ganas de ser felices que nunca están de más.

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Chris O’Dowd, el irlandés de ‘Los informáticos’ (‘The IT Crowd’), retoma su papel de nerd en ‘Frequently Asked Questions About Time Travel’ (2009), un telefilm de la BBC y la HBO, de 75 minutos, en el que se homenajean las películas y novelas sobre viajes en el tiempo.

Con un presupuesto muy escaso, Gareth Carrivick dirige el guión de Jamie Mathieson que, cual obra teatral, se desarrolla en un par de escenarios: el parque de atracciones donde Ray —sí, en ‘Los informáticos’ era Roy— consigue que lo despidan por mostrar demasiado entusiasmo al explicar los desplazamientos temporales a los niños y el pub cuyos servicios son un portal a otra época. Anna Faris interpreta a una visitante que trata de arreglar las fisuras del tejido espacio temporal.

‘Frequently Asked Questions About Time Travel’ funciona, más que como producto independiente, como complemento simpático a todos los relatos y films que desarrollan el tema de los viajes en el tiempo. En ella, dos de sus protagonistas son expertos en la materia y, en sus charlas de pub, discuten las diferentes teorías al respecto y los puntos de vista de las películas que los abordan. Presenciar estas conversaciones es como ver una tertulia cómica o escuchar un podcast sobre el tema, lo cual puede resultar gracioso a aficionados de los viajes en el tiempo que también hayan extraído sus propias conclusiones sobre esas teorías y esas películas. Semeja un guiño escrito por un fan y pensado para sus amiguetes.

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1985 fue un año de lo más fructífero para Clint Eastwood. Filmaba y estrenaba ‘El jinete pálido’ (‘Pale Rider’), la película que probablemente marcó el primer punto de inflexión en su carrera, pues a partir de entonces muchos críticos empezaron a tomárselo en serio —otros seguirían ciegos hasta el estreno de ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’, 1992)—, siendo precisamente los europeos los primeros en caer de la burra. Por otro lado cineastas de la talla de Steven Spielberg o Jean-Luc Godard expresaron siempre su admiración hacia el cine de Eastwood. El Rey Midas intentó contar con él como actor en ‘Tiburón’ (‘Jaws’, 1975), pero al final no pudo ser y su sueño de verle como actor en alguna de sus películas parece haber desaparecido con el paso de los años, lo mismo que le ocurrió a cineastas como Sam Peckinpah —lo quería para ‘Pat Garrett y Billy The Kid’ (1973) y ‘Convoy’ (1978)—, Richard Brooks, que lo quiso para ‘Muerde la bala’ (‘Bite the Bullet’, 1975) o Francis Ford Coppola, que lo quiso para ‘Apocalypse Now’ (id, 1979).

Sea como fuere lo cierto es que en estos momentos la relación de Spielberg con Eastwood es bastante buena, siendo el primero productor de algunas de las películas del segundo, tal es el caso de las dos producciones bélicas dedicadas a la batalla de Iwo Jima, ‘Los puentes de Madison’ (‘The Bridges of Madison County’, 1995) o la recién terminada ‘Hereafter’, un drama de terror con Matt Damon a la cabeza. El inicio de esta relación hay que buscarlo allá por el 85, cuando Spielberg llamó a Eastwood para que dirigiese uno de los episodios de la serie ‘Cuentos asombrosos’ (‘Amazing Stories’), la cual duró dos temporadas y que en nuestro país conoció incluso un estreno en salas de cine de un compendio de tres episodios. A principios de los 90 fue emitida por tve y pudimos comprobar cómo se desenvolvía Eastwood en terreno televisivo con una historia no actual y muy distinta al resto de los episodios.

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El mes pasado hablé de otra adaptación de una novela de Kurt Vonnegut Jr., ‘Matadero 5’, la que puede ser su obra más celebre. En esta ocasión, me quedo con una pieza corta del escritor, publicada en el tomo ‘Welcome to the Monkey House’, que fue llevada a la pequeña pantalla en una tv-movie de apenas una hora de duración: ‘Cambio de identidad’ (‘American Playhouse: Who Am I This Time?’, 1982). Los protagonistas de esta película son Susan Sarandon y Christopher Walken, y está dirigida por Jonathan Demme.

La historia que se nos cuenta nos sitúa en un pequeño teatro de barrio, donde actores y directores de escena aficionados representan obras con un espíritu amateur. Harry Nash (Christopher Walken) es un empleado de una ferretería, taciturno y tímido hasta lo patológico, que se transforma cuando sube al escenario y encarna uno de los papeles. Helene Shaw (Susan Sarandon) es una recién llegada: empleada en la oficina de correos, el encargado de la compañía teatral la descubre y le ofrece una prueba. Sin embargo, ella no es capaz de soltarse en el papel de Stella, de ‘Un tranvía llamado deseo’. Cuando Harry se mete en la piel de Stanley Kowalski y ensaya con ella, se desata la pasión y la interpretación resulta arrebatadora. La directora de la obra ya tiene a sus protagonistas. Sin embargo, Helene, que desconoce el problema de personalidad de Harry, se está empezando a enamorar de un hombre que no existe.

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Evangeline Lilly

Seguimos con el repaso a la labor en el cine de los actores principales de ‘Perdidos’ (‘Lost’). En esta ocasión vamos a prestar atención a cuatro tres de las chicas. ¿Y cómo no empezar por Kate? Evangeline Lilly ha sido, durante casi toda la serie, “la chica” de ‘Perdidos’, interpretando un personaje que a mí me parece que ha ido de más a menos, aunque se agradece que no sea la típica jovencilla guapa que sólo sigue al macho más fuerte.

Nicole Evangeline Lilly nació el 3 de agosto de 1979 en Fort Saskatchewan, Alberta (Canadá). Fue descubierta por la agencia de modelos Ford Models, con la que firmó para pagarse los estudios en la Universidad. Gracias a su papel de Kate Austen se ha convertido en una de las actrices más populares de Estados Unidos, y en 2005 fue elegida la segunda mujer más sexy del mundo. Curiosamente, aunque en la serie su personaje parece no poder decidirse entre Jack y Sawyer, en la vida real ha sido pareja de Charlie, o sea, Dominic Monaghan.

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