El mes pasado hablé de otra adaptación de una novela de Kurt Vonnegut Jr., ‘Matadero 5’, la que puede ser su obra más celebre. En esta ocasión, me quedo con una pieza corta del escritor, publicada en el tomo ‘Welcome to the Monkey House’, que fue llevada a la pequeña pantalla en una tv-movie de apenas una hora de duración: ‘Cambio de identidad’ (‘American Playhouse: Who Am I This Time?’, 1982). Los protagonistas de esta película son Susan Sarandon y Christopher Walken, y está dirigida por Jonathan Demme.

La historia que se nos cuenta nos sitúa en un pequeño teatro de barrio, donde actores y directores de escena aficionados representan obras con un espíritu amateur. Harry Nash (Christopher Walken) es un empleado de una ferretería, taciturno y tímido hasta lo patológico, que se transforma cuando sube al escenario y encarna uno de los papeles. Helene Shaw (Susan Sarandon) es una recién llegada: empleada en la oficina de correos, el encargado de la compañía teatral la descubre y le ofrece una prueba. Sin embargo, ella no es capaz de soltarse en el papel de Stella, de ‘Un tranvía llamado deseo’. Cuando Harry se mete en la piel de Stanley Kowalski y ensaya con ella, se desata la pasión y la interpretación resulta arrebatadora. La directora de la obra ya tiene a sus protagonistas. Sin embargo, Helene, que desconoce el problema de personalidad de Harry, se está empezando a enamorar de un hombre que no existe.

La premisa es interesantísima desde el punto de vista psicológico, como se puede adivinar por el mero hecho de leer la sinopsis. En pocos minutos y sin que parezca que ocurre nada, a ese punto de partida se le saca todo el partido y se desarrolla con profundidad y de manera muy satisfactoria. Es tan habitual encontrar buenas ideas que no se han explotado todo lo que se podría, que resulta muy agradable ver un buen análisis de las personalidades de los personajes donde de verdad encontremos conflictos y sintamos que nos creemos lo que presenciamos.

Los actores, además de ser grandes intérpretes, están muy bien elegidos para sus papeles. Walken tiene ese punto perfecto para encarnar a un psicópata, pero para darnos, al mismo tiempo, la mejor intepretación de Kowalski desde Brando. Sarandon, con una apariencia muy juvenil, interpreta a una mujer que se deja sorprender por todo, pero que no por ello muestra una débil personalidad ni una falta de recursos. Entre ellos hay una gran química, tanto cuando están metidos en los papeles de Tennessee Williams, como cuando son ellos mismos u otros personajes.

El título original del relato, “¿Quién soy esta vez?” –que es una frase que pronuncia el protagonista— habla de los cambios de papeles en las obras, pero, obviamente, se refiere también a la transformación completa que sufre Harry cuando se introduce en la cáscara de alguno de los más famosos personajes teatrales de la historia. De esta forma, al mismo tiempo que nos ofrece ese análisis de la psique, Vonnegut Jr. realiza un homenaje al teatro y a determinadas obras llenas de fuerza y de intensidad dramática.

(SPOILER) En un final delirante, optimista y sencillo, en apariencia, llega una solución que, lejos de confiar en curaciones que se eternizarían sin dar resultado, nos enseña a vivir con la locura, dando así un mensaje de aceptación de lo diferente, que cierra a la perfección el resto del discurso. Con la solución que encuentra Helene al problema, no sólo parece que puedan soportar el probelma de Harry, sino que incluso pueden tener una relación más intensa e interesante que la de otras parejas, ya que sentirán constantemente el fuego del comienzo de un romance y ya que nunca podrán aburrirse de la rutina (FIN DEL SPOILER). De alguna forma, ‘Cambio de identidad’, podría ser considerada como una comedia romántica.

‘Who Am I This Time?’ es una delicia que se disfruta en un momento, pero que no se olvida. Un film cargado de material para reflexionar sobre lo que somos y lo que hacemos en la vida, sobre las convenciones y lo que se espera de nosotros. Y también, por qué no, sobre si vale la pena luchar por el amor y romper barreras impuestas por una teórica cordura.

Más información en Blogdecine sobre Kurt Vonnegut Jr.

‘Cambio de identidad’ fue editada en DVD en España el 28 de febrero de 2005.

Mi puntuación:

Evangeline Lilly

Seguimos con el repaso a la labor en el cine de los actores principales de ‘Perdidos’ (‘Lost’). En esta ocasión vamos a prestar atención a cuatro tres de las chicas. ¿Y cómo no empezar por Kate? Evangeline Lilly ha sido, durante casi toda la serie, “la chica” de ‘Perdidos’, interpretando un personaje que a mí me parece que ha ido de más a menos, aunque se agradece que no sea la típica jovencilla guapa que sólo sigue al macho más fuerte.

Nicole Evangeline Lilly nació el 3 de agosto de 1979 en Fort Saskatchewan, Alberta (Canadá). Fue descubierta por la agencia de modelos Ford Models, con la que firmó para pagarse los estudios en la Universidad. Gracias a su papel de Kate Austen se ha convertido en una de las actrices más populares de Estados Unidos, y en 2005 fue elegida la segunda mujer más sexy del mundo. Curiosamente, aunque en la serie su personaje parece no poder decidirse entre Jack y Sawyer, en la vida real ha sido pareja de Charlie, o sea, Dominic Monaghan.

Dice Evangeline Lilly que siempre ha considerado participar en películas, pero lo cierto es que apenas lo ha hecho, y la excusa de la actriz es que no le llegan buenos guiones, y que está muy concentrada en la serie, que apenas le deja tiempo libre. Exceptuando su trabajo como simple “extra” (por ejemplo, es una estudiante en ‘Freddy Vs. Jason’), lo cierto es que hasta el año pasado su carrera en el cine era prácticamente nula. De este modo, para ver a Lilly en un papel de cierta entidad, hay que esperar a que se estrene, de una vez por todas, ‘The Hurt Locker’, acción en Irak de la mano de la directora Kathryn Bigelow (que parece que tiene muchos fans en Blogdecine), o ‘Afterwards’, un drama con toque sobrenatural donde interpreta a la ex-mujer del protagonista, y que debería estrenarse aquí algún día. Por el momento, no hay nada más, pero cuando se acabe la serie, no me cabe la menor duda de que la pecosa tendrá más oportunidades en el cine.

Maggie Grace

No puede decirse que la participación de la pija Shannon Rutherford, interpretada por Maggie Grace, fuese crucial para la serie, pero durante el tiempo que estuvo en la isla protagonizó algunos buenos momentos, mostrando su verdadera personalidad conforme avanzaban los episodios.

Margaret Grace Denig nació el 21 de septiembre de 1983 en Columbus, Ohio. Su carrera como actriz comenzó pronto, pero ha sido intensa, especialmente en televisión, donde destacó pronto gracias al telefilme ‘Asesinato en Greenwich’ (2002). También ha trabajado en el cine, apareciendo en producciones de escasa entidad, comerciales, de consumo rápido, aunque ha tenido la suerte de participar en uno de las películas de acción más exitosas de los últimos años, ‘Taken’ (‘Venganza’), donde interpretaba a la hija secuestrada de Liam Neeson.

Otras películas donde podréis ver a Grace son ‘Terror en la niebla’, junto a Tom Welling (Superman en ‘Smallville’), un innecesario remake del film de John Carpenter ‘La niebla’; la inédita ‘Creature Unknown’ (o ‘The Forest’, 2004), una monster-movie que devora jovencitos en un bosque; la comedia dramática ‘Conociendo a Jane Austen’ (2007), donde interpretaba a una de las protagonistas, amantes de los libros de la citada escritora; o ‘¿Cómo atrapar a un millonario?’ (también de 2007), otra comedia romántica, estrenada aquí directamente en DVD, en la que Grace tiene el papel de la mejor amiga de la protagonista, que es Sarah Michelle Gellar (Buffy cazavampiros). Actualmente se encuentra en post-producción su último trabajo, ‘Malice in Wonderland’, una nueva versión de ‘Alicia en el país de las maravillas’, su primera película como protagonista.

Rebecca Mader

Los que sólo hayan visto las primeras temporadas de ‘Perdidos’ no tendrán ni idea de quién es Charlotte, y lo cierto es que tampoco se pierden gran cosa, pues su personaje es de esos que meten de relleno, para luego sacarlo en dramáticas circunstancias, animando la acción. Dicho esto, no hay nada que objetar a la labor de Rebecca Mader, y es que en esta serie todos los actores cumplen a la perfección con sus roles, aunque éstos a veces sean totalmente prescindibles.

La actriz, curiosamente la primera de este repaso que parece haber mantenido su nombre real (lo dudo, pero no he encontrado otro), nació en Coldham´s Lane, Cambridge, Inglaterra, el 24 de abril de 1979. Como otras compañeras de reparto en ‘Lost’, Rebecca Mader trabajó en un primer momento como modelo, antes de dedicarse a la televisión, y desde ahí, intentar el salto al cine, aun con pequeños papeles que nadie, a excepción de sus fans, va a recordar.

Sus primeras oportunidades le llegaron con ‘Replay’ (2003), un thriller policiaco de mínima relevancia, y ‘Mimic 3’, que se rodó directamente para el mercado doméstico. Al año siguiente tiene un pequeño papel en la taquillera ‘Hitch: Especialista en ligues’, uno de esos productos para el lucimiento de Will Smith. En 2006 trabaja en ‘El Diablo viste de Prada’, otro éxito de público, aunque su papel vuelve a ser de muy poca importancia; tres cuartos de lo mismo pasa también cuando actúa en ‘Great World of Sound’ (2007), una pequeña comedia sobre el mundo de la música. El año pasado, Mader participó en ‘The Rainbow Tribe’, una comedia dramática basada en hechos reales sobre lo que es importante en la vida, pero la pelirroja tampoco tiene un personaje relevante. Aun estando muy vinculada a la televisión, ha tenido tiempo para interpretar un pequeño rol en la comedia ‘The Men Who Stare at Goats’ (2009), con George Clooney, Ewan McGregor y Kevin Spacey, ahora mismo en fase de post-producción y uno de los estrenos más interesantes que están aún por llegar.

Continuará...

‘No estoy hecho para ser amado’ (‘Je ne suis pas là pour être aimé’, 2005), de Stéphane Brizé, nos cuenta cómo vive Jean-Claude (Patrick Chesnais), un soltero de avanzada edad que lleva el negocio de cobro de impagos que le dejó su padre y cuyo único entretenimiento en la vida es acudir a clases de tango en una academia que se ve desde la ventana de su oficina. Françoise (Anne Consigny) también toma clases porque pronto se va a casar y quiere bailar bien en la ceremonia de su boda.

El desarrollo argumental es reducido y en la película se ven muchas escenas largas en las que apenas está ocurriendo nada. Sin embargo, ese tiempo no está vacío de sensaciones, pues la interpretación de Chesnais nos transmite mucho y la contemplación de su vida monótona y triste nos hace ir desarrollando un cariño hacia el personaje que ha renunciado a lo que la vida puede ofrecer. Jean-Claude piensa que para él ya no existirá la oportunidad de encontrar a nadie o de cambiar su existencia. Y está resignado a ello.

La expresión que describe muchos de los momentos de esta película es la vergüenza ajena. Efectivamente, él no está hecho para ser amado, por lo que, en muchas situaciones, duda con respecto a la manera de proceder y los instantes se hacen incómodos. La diferencia con respecto a cualquier comedia romántica interpretada por atractivos actores, cuyos personajes saben cómo comportarse en cada momento, está aquí. Las situaciones son mucho más auténticas porque en la vida real se producen esos silencios embarazosos y esas coyunturas en las que reaccionamos torpemente y sin compaginarnos a la perfección con el otro.

Como decía, Patrick Chesnais está muy bien elegido para el papel. Todo nos lo da con una interpretación minimalista en la que, más que actuar, se limita a estar ahí y transmitírnoslo todo con su aspecto. Anne Consigny también es un acierto, pues tiene un punto encantador con su sonrisa, pero nos creemos que pueda interesarse por él, a pesar de la diferencia de edad y de que ella sea más atractiva. Lo que queda exagerado del reparto es la elección de Lionel Abelanski para el papel del prometido de Françoise, pues no era necesario que fuese tan feo y desagradable para que entendiésemos la postura de ella, solo con su pasotismo hacia la relación la comprenderíamos. Hablando del reparto, destacaría esa escena prolongada en la academia de tango, en la que vamos viendo pasar por delante de la cámara parejas imposibles compuestas por curiosas figuras humanas.

La trama secundaria del padre de Jean-Claude, que podría parecer típica, está muy bien integrada con el argumento principal y logra darnos los puntos de inflexión y producirnos una emoción. Están igual de bien encajadas las tramas de su ocupación, su relación con su hermano en el negocio, y de los desahucios que se ve obligado a llevar a cabo. Hasta este momento, el protagonista había aguantado con estoicismo todos estos aspectos de su vida, pero por fin ahora comenzará a cuestionarlos.

La estructura del guión no se despega del canon clásico de las comedias románticas. SPOILER Tanto es así que incluso tenemos, cerca del final, ese momento de enfado en el que parece que todo va a ir mal, para luego acabar felizmente. FIN DEL SPOILER. Sin embargo, el tratamiento y los personajes son tan diferentes que no parece que estemos viendo la misma película de siempre.

La música, como se puede suponer por lo narrado en la sinopsis, desempeña un importante papel en la película y en la evolución de los personajes. Como en ‘The Visitor’, film con el que éste guarda muchas similitudes, pues también trataba sobre un hombre que vuelve a vivir cuando se suponía que no le quedaba nada; es el ritmo exótico de un país lejano, pero mucho más animado, lo que le lleva a sufrir esa transformación y lo que hace que entre el calor en sus venas. Al igual que esta música contrasta con la vida de Jean-Claude, también los colores de la academia de baile chocan con la ausencia de ellos en los lugares que él frecuenta.

‘No estoy hecho para ser amado’ es un ejemplo de cómo con casi nada se puede conseguir mucho. Un dechado de sobriedad y de sencillez que no por ello acusa la carencia de acciones, sino que te mantiene pendiente todo el tiempo para ver el desenlace.

Mi puntuación:

La crisis de calidad que domina el cine actual, y que amenaza con ir a peor, ha llevado a muchos aficionados a prestar más atención a las series de televisión, encontrando en muchas de ellas todo lo que el séptimo arte parece haber olvidado. Una de las series de mayor éxito es, sin duda, ‘Lost’ o ‘Perdidos’, como se titula en nuestro país, creada por J.J. Abrams.

Personalmente, me enganché tarde a la serie, pero pronto me puse al día y me convertí en un fiel seguidor. A pesar del considerable bajón de las dos últimas temporadas, no he podido dejarla, esperando impacientemente la salida de cada nuevo episodio, incluso cuando, al acabar, me quedara la sensación de que me habían vuelto a tomar el pelo. Se suponía que la huelga de guionistas había sido la culpable de que la cuarta temporada, en general, fuese bastante mediocre, pero la quinta no ha sido mucho mejor (dejo fuera la impresionante “sesion finale”) y ya no hay excusas.

Lo cierto es que se acerca el final de la serie y cada vez parece más claro que no saben qué hacer para atarlo todo. En cualquier caso, como digo, a uno le cuesta desvincularse de ‘Perdidos’, y una de las razones fundamentales es su estupendo reparto, en el que nos vamos a centrar.

Matthew Fox

Si hay que hablar de los actores de ‘Lost’, creo que no hay más remedio que empezar con el doctor Jack Shephard, es decir, con Matthew Fox, cuyo ojo derecho ha dado ya los primeros quebraderos de cabeza a todos los fans que vieron el primer tráiler de la última temporada. Matthew Chandler Fox nació en Abington, Pennsylvania, Estados Unidos, un 14 de julio de 1966. Estudió Económicas, destacó como jugador de fútbol americano en la universidad de Columbia y antes de dedicarse a la actuación fue modelo, participando en anuncios publicitarios.

Aunque el salto al cine le llegó en 1993, cuando participó en ‘¡Qué muerto de novio!’, una comedia de Bob Balaban (el crítico de ‘La joven del agua’), no ha sido hasta el éxito de ‘Perdidos’ cuando Fox ha encontrado un pequeño sitio en el cine, si bien no puede decirse que haya en su filmografía algo realmente destacable. En 2006 acompañó a Matthew McConaughey al frente del reparto del drama deportivo ‘Equipo Marshall’, del director McG (el de ‘Terminator Salvation’). Un año después apareció brevemente en ‘Ases calientes’, de Joe Carnahan, realizando un cameo como vigilante de seguridad.

En 2008 tuvo la suerte de participar en dos películas que vio mucha gente, aunque no fueron precisamente títulos muy aplaudidos. Por un lado, trabajó en el thriller coral titulado aquí como ‘En el punto de mira (Vantage Point)’, donde interpretaba a un agente que debía asegurar que el Presidente de Estados Unidos estuviese a salvo durante un discurso. Por otro, se encargó de un papel secundario (Racer X) en ‘Speed Racer’, por el momento, la última de los hermanos Wachowski. Actualmente, el actor se prepara para el rodaje de ‘Billy Smoke’, una adaptación del cómic de B. Clay Moore y Eric Kim. Será su primer papel como absoluto protagonista. Veremos cómo le va y si cumple su promesa de que no hará más televisión después de que se acaben las aventuras de Jack Shephard.

Henry Ian Cusick

Desmond Hume es otro de los personajes más importantes de la serie, aunque en la quinta temporada ya parece que se lo han quitado de en medio, estando centrada en los que aún tienen algo que hacer en la isla. El personaje, cuya única prioridad es estar con su amada Penny, está interpretado por Henry Ian Cusick, que ha hecho aún menos cine que Fox.

Henry Ian Cusick Chávez nació en Trujillo, Perú, el 17 de abril de 1967; es hijo de madre peruana y padre escocés, y habla perfectamente tanto castellano como inglés. Su primer papel en el cine fue en ‘Posesión’, del director Neil LaBute, en un papel tan pequeño que su nombre no aparece ni en los créditos. Posteriormente, se atrevió a encarnar al mismísimo Jesucristo en ‘The Visual Bible: The Gospel of John’, una película que no ha llegado a España. En 2006 tenía un papel secundario en ‘En la tiniebla’, un thriller con Demi Moore de escasa relevancia. El mismo año protagoniza ‘9/Tenths’, un drama dirigido por Bob Degus, también inédita en nuestro país. Por último, en 2007 tuvo la mala idea de participar en ‘Hitman’, donde interpretaba al loco hermano del Presidente de Rusia. No parece que el cine le interese mucho a Cusick, aunque quizá todo cambie cuando acabe ‘Lost’, el año que viene.

Continuará...

PD: ¿Cuál es vuestro “perdido” favorito?

Todos sabemos quién era Albert Einstein, y, más o menos, lo que hizo para ser considerado como uno de los mayores genios de la Humanidad. No puede decirse lo mismo sobre Arthur Eddington, un hombre que, sin embargo, tuvo un papel fundamental en el curso de la Historia. Sobre esto trata ‘Einstein and Eddington’ (2008), un telefilme de la BBC dirigido por Philip Martin y protagonizado por los dos señores que tenéis en la imagen promocional que he puesto arriba, David Tennant y Andy Serkis; Eddington y Einstein, respectivamente.

De los dos, aquí en España, el más conocido es probablemente el inglés Andy Serkis, gracias a su trabajo a las órdenes de su amigo Peter Jackson, tanto en la trilogía de ‘El señor de los anillos’ (Gollum no estaría “vivo” sin él) como en el remake de ‘King Kong’ (donde encarnó al cocinero del barco y dio movimiento al gran gorila). Para variar, aquí el actor tiene un papel protagonista, digamos, corriente, con el que intentar lucirse, lo cual supone un atractivo gancho para quien quiera descubrir las habilidades interpretativas de Serkis en un trabajo, como señalo, diferente. Sin embargo, sí me decidí a ver ‘Einstein and Eddington’ fue por el otro protagonista, David Tennant.

Tennant es una toda celebridad en el Reino Unido gracias especialmente a haber interpretado a The Doctor, en la famosa y longeva serie “Doctor Who”, durante cinco tres temporadas. El actor, de origen escocés, también ha protagonizado otras tantas series británicas de cierto éxito y es un apasionado del teatro, así que apenas ha actuado en el cine, si bien los fans de Harry Potter le reconocerán inmediatamente por su breve, pero fantástico, trabajo en ‘Harry Potter y el cáliz de fuego’, interpretando a Barty Crouch Jr. Recientemente participó en el rodaje de ‘1939’, y por mi parte sólo espero que siga enlazando papeles en el cine, porque es un actor tremendamente carismático y sobrado de talento.

No hay que ver ninguna temporada de ‘Doctor Who’ (antes la emitían en Canal Sur 2, pero doblada, por lo que no resulta nada recomendable) para descubrir a este actor, sino tan solo un episodio. O si las series no son lo tuyo, este telefilme del que os hablo, ‘Einstein and Eddington’, donde David Tennant realiza una interpretación impecable, dejando en evidencia a su compañero, Andy Serkis, que patina bastante en su intento de dar vida de forma creíble al brillante científico alemán, el padre de la relatividad.

‘Einstein and Eddington’ nos traslada a la primavera de 1914, un momento en el que el continente europeo se prepara para la primera gran guerra. La ciencia juega un papel fundamental en el conflicto, y así surge el nombre de Albert Einstein, un físico alemán al que su país saca del anonimato, para que trabaje junto a otros intelectuales, al servicio del ejército. Los británicos oyen su nombre y encargan al astrónomo Arthur Eddington que investigue sus teorías, ya que éstas parecen poner en entredicho a Isaac Newton, el padre de la gravedad y el mayor orgullo científico de la nación.

De este modo, los despreciables tentáculos de la guerra conectan a dos hombres que nada tienen que ver con lo que está sucediendo en el campo de batalla. Por un lado, Einstein sólo está interesado en su investigación, y rechaza todo lo que sea trabajar para su gobierno, especialmente cuando descubre los horribles métodos que se están desarrollando para asesinar masivamente al enemigo. Por otro lado, Arthur Eddington, alejado del conflicto bélico por sus creencias religiosas (es cuáquero) y, por consiguiente, de su mejor amigo, William Marston (que se alista en el ejército), es un intelectual que sólo busca la verdad, y cuando le encargan confirmar que Einstein no contradice a Newton, se tomará la tarea con absoluta neutralidad, aunque eso lleve a demostrar que sus superiores se equivocan, que Newton se equivocaba.

Es una pena que una historia tan interesante esté resuelta con tan poca intensidad e inteligencia, y es que el director, Philip Martin, realiza su labor sin ninguna pasión, de forma rutinaria, filmando sin rigor y apostando por un tembleque que no casa nada con la narración. De no ser por un estupendo David Tennant, que anima la parte dedicada a Eddington, la película resultaría de lo más aburrida. La trama de Einstein está perjudicada por la sobreactuación de Andy Serkis, que se cree que está encarnando a un dibujo animado. Aun así, la verdad es que hay escenas donde está correcto, se olvida de sus tics y se serena, transmitiendo naturalidad. Cabe destacar también la presencia de Rebecca Hall y Jim Broadbent, aunque sólo el segundo tiene un papel de entidad.

En definitiva, una floja película que no logra todo lo que se podría esperar de ella, tanto por la fallida interpretación de Serkis como por la escasa fortuna de Martin para narrar en imágenes una historia que merece un mejor tratamiento. Recomendable sólo para los que quieran conocer este determinado capítulo de la Historia y para los fans de Tennant. También puede ser un título útil como herramienta didáctica, para explicar la visión de Einstein, pues hay varias explicaciones sencillas y comprensibles para cualquiera.

Se dice que el cine español no es bueno y hay que admitir que en los últimos meses no se han visto demasiadas producciones de calidad. Por ello puede ser interesante rescatar algunos títulos relativamente recientes para elevar la imagen de nuestra cinematografía. ‘Vete de mí’ (2006), segunda película de Víctor García León, hijo de José Luis García Sánchez y de Rosa León, nos presenta a Juan Diego y a Juan Diego Botto haciendo de padre e hijo, en un film de actores en todos los sentidos.

Santiago (Juan Diego) es un actor que interpreta una obra casposa con chistes verdes para un público anciano. Vive con Ana (Cristina Plazas), una actriz mucho más joven que él, pero que, debido a lo poco que ha triunfado sobre los escenarios, no siente que valga mucho. Guillermo (Juan Diego Botto) aparece un día por la puerta del apartamento: se ha ido de casa de su madre (Rosa María Sardá) y necesita quedarse con su padre unos días. Guillermo tiene treinta años y dice estar en tercero de Derecho, pero la realidad es que ha empezado infinidad de carreras y ha dado numerosas vueltas a su posible futuro laboral sin encontrar nunca algo que le motive.

Lo más apreciable de la película es la mala baba que destila. Es increíble cómo dos guionistas jóvenes: el director y Jonás Trueba, hijo de Fernando Trueba, han sabido retratar con tanta madurez a los personajes. Si bien el de Santiago parece más fácil de conseguir porque se han visto en otras ocasiones seres así en películas, la visión que se da del de Guillermo es sorprendentemente lúcida. Nunca se le presenta como un desastre ni como un Peter Pan, sino como una persona encantadora que habla de sí misma y de la vida con aparente discernimiento. Pero profundamente podemos ver un dibujo tan acertado que es casi cruel. La película no se pone en ningún momento de parte del padre ni del hijo, sino que oscila entre darle la razón al uno y al otro para, en el fondo, arrebatársela a ambos. Los personajes secundarios son los únicos que podrían estar en lo cierto, pero los dos protagonistas son tan destructivos que no permitirán que esa razón entre en sus vidas.

Se puede apreciar en el visionado de ‘Vete de mí’ que hay una gran dosis de improvisación. Probablemente el director dejó libertad a los intérpretes y éstos introdujeron muchas morcillas propias. Casi todos los personajes son actores, por lo que aún vemos con mayor autenticidad sus representaciones, tanto que podríamos preguntarnos si están haciendo de sí mismos o si sus papeles tienen algo de autobiográfico. Esto resulta así especialmente en el caso de Juan Diego, quien, dentro de su línea de actuación grandilocuente, hace un gran trabajo. Botto comienza con algo menos de credibilidad, pero va centrándose y pronto vemos que su personaje es así y que toda la falsedad que pudiésemos estar percibiendo en su interpretación viene de las mentiras y de la falta de definición del propio Guillermo.

Rosa María Sardá tiene una intervención breve, pero muy acertada. Tanto el personaje de ella como el de Cristina Plazas nos hacen percibir que las mujeres son las únicas que lo tienen algo claro en la vida, aunque no por eso son carentes de debilidades. En la troupe de la obra donde trabaja Santiago se encuentran grandes nombres del cine español que nos retrotraen a otros tiempos. Da gusto recuperar a grandes como José Sazatornil, Saza. Y se hace curioso volver a ver, por ejemplo, a Esperanza Roy.

La estructura de ‘Vete de mí’ funciona por acumulación. Se suceden anécdotas que podrían parecer inconexas, pero que son gotas que van colmando ese vaso que es la paciencia de los personajes. Cada uno de los momentos mostrados en esos días sirve para añadir impresiones y aumentar los sentimientos que un protagonista tiene con respecto al otro. Se comienza con un tono más o menos suave, ligeramente cómico y muy realista, que va aumentando de intensidad hasta desquiciarse. SPOILER: Los últimos minutos del film suponen un descenso a los infiernos imparable que puede hacerse más duro de ver que el resto de la película. Tras la tempestad viene la calma y el film concluye con una escena oscura, baja de tono y casi vacía, que cierra muy bien todo lo que se ha estado contando y que supone prácticamente el único final posible para esta historia. FIN DEL SPOILER.

‘Vete de mí’ es una gran película donde destacan las interpretaciones. El film muestra un ácido retrato de personajes y hace una reflexión sobre la vida de los actores bastante devastadora. No perdona, no da concesiones… No presenta malos y buenos, pero especialmente no presenta buenos. Interesante película que merece la pena recuperar si no se vio en su momento.

Mi puntuación:

La televisión de este país nos dio ayer una pequeña gran sorpresa. El cine cada vez tiene menos importancia en este medio, pero “La 2” de Televisión Española se marcó anoche un tanto estrenando ‘W.’ (2008), una película que no había pasado por la cartelera de nuestras salas a pesar de haber sido anunciada y contar con una más que interesante propuesta. Con la excusa de la toma de posesión de Barack Obama como nuevo Presidente de los Estados Unidos, se emitió este polémico biopic de Oliver Stone sobre el hombre que había estado en el cargo hasta entonces, George W. Bush.

Antes de entrar a valorar el producto, quiero dejar constancia de algo que me parece imperdonable, aunque suene desagradecido, y es la cantidad y la forma de las interrupciones que se produjeron durante la emisión del film. Por supuesto, los anuncios no duraron precisamente dos minutos (eso sí, los créditos finales los quitaron a los pocos segundos) por lo que el ritmo de la narración se fracturó varias veces, imposibilitando una concentración adecuada para el disfrute completo de la obra en cuestión. Desde aquí, con humildad pero también con firmeza, un toque de atención o un tirón de orejas a los encargados de semejante chapuza. Para hacerlo mal, no se hace, más aún cuando hacerlo bien no cuesta tanto. Que es “La 2”, por favor, ¿ahora va a importar el índice de audiencia? Nada, la televisión y el cine, relación de una noche, fugaz e insatisfactoria.

Pero vayamos ya a la película.

‘W.’ trata George W. Bush, nos relata su juventud, su madurez y cómo realiza su labor como Presidente de los Estados Unidos de América. Un biopic que lleva la firma de Oliver Stone, un director sobresaliente al que suele acompañar la polémica, por la visión que ha dado de su joven país y las formas que emplea para contar sus historias. Con los años se ha mostrado como un autor preocupado por plasmar la realidad (su punto de vista de la realidad, quiero decir), pero también por lo que las raíces ocultas de esa realidad. ¿Qué pasó y por qué? ¿Quiénes estaban ahí?

El Presidente de los Estados Unidos es un personaje público que ha aparecido en el cine en numerosas ocasiones, tanto para representar a alguien real como a alguien irreal, inventado (aunque a menudo imitando a uno de verdad). Al margen de su impresionante película sobre el asesinato de JFK, Stone ya nos había dado su versión de Richard Nixon, Presidente polémico donde los haya, aún objeto de retratos cinematográficos (es probable que Frank Langella gane un Oscar por interpretar a Nixon, que también tiene su hueco de protagonismo en ‘Watchmen’), y trece años después pone su mirada en W., letra por la cual se conoce al hombre al que todos odian, el jefe de gobierno más insultado de los últimos tiempos. ¿Cuántos se sintieron decepcionados cuando aquel zapato no le alcanzó en pleno rostro?

Así que una película como ésta, aún llegando quizá un poco tarde, resultaba de gran interés, tanto para los aficionados al cine como para los no aficionados con un mínimo de interés por la política. La promoción fue bastante inteligente y la polémica, inevitable, colaboró a que el público supiese de este film. Todos se frotan las manos. George W. Bush según Oliver Stone. Esto promete, va a ser la bomba, menuda lluvia de palos se va a llevar el Bush… Pues no. Si eso es lo que esperáis, os podéis llevar una decepción importante.

Porque ‘W.’ no es un ataque a Bush, ni siquiera se centra en los errores del ahora ex-Presidente. Es una película sobre una persona, sobre la vida de un tipo sencillo que no sabía que hacer con su vida, pero que aprovechó su oportunidad y llegó a ser el considerado como el hombre con más poder del planeta. Quién es George W. Bush y cómo pasó de ser un borracho holgazán a presidir Estados Unidos. Eso es lo que nos quiere contar Stone. Y en ese sentido, su producto es muy destacable. Personalmente, me llevé una grata sorpresa porque me temía algo maniqueísta, un reflejo más cómico que otra cosa sobre un personaje que ha afectado la vida del planeta de forma relevante.

Stone nos retrata a un hombre sencillo (o simple si se quiere) que triunfó cuando nadie confiaba en él, y que lo hizo, entre otras cosas, porque era ése con el que el americano medio tomaría una cerveza (como se señala en la película). No hay duda que la película huye de lo fácil y, sorprendentemente, se pone de parte de Bush. Y lo hace con absoluta corrección, aportando hechos y razones para componer un personaje que, a diferencia de la imagen pública, tiene iniciativa, toma decisiones, reflexiona y trata de hacerlo lo mejor posible. Ahí está la clave y es lo que intenta explicar en una escena emocionante del final. Puede que no sea una persona brillante (eufemismo como una catedral), pero su honestidad y su esfuerzo no pueden ser tachados como si nada. En mi opinión, el retrato que se hace de George W. Bush en esta película no debería juzgarse tanto por la comparación con lo que sabemos o creemos saber del personaje real, sino valorarse más desde un criterio puramente ficticio, cinematográfico. En ese aspecto, aplaudir con fuerza el enfoque de Oliver Stone y la interpretación de Josh Brolin, que está absolutamente genial, haciendo suyo a un personaje con el que nos podemos llegar a identificar.

Cabe decir que, si bien en toda la parte de la juventud de Bush creo que hay una mala decisión de mantener y rejuvenecer a los actores, por lo demás la caracterización de los personajes es estupenda, y resulta curioso, por no decir gracioso, reconocer en la película a esas personas que hemos visto tantas veces en las noticias. El caso que más me llamó la atención fue el de Thandie Newton (‘RocknRolla’), clavada a Condoleezza Rice. Otra cuestión es cómo Stone trata mejor a unos y peor a otros en su repaso a la administración Bush. Y el resultado es que salvo W, a quien prácticamente se le disculpa, y Colin Powell (Jeffrey Wright), los demás resultan retratados más o menos como (perdonadme la expresión) hienas inútiles; de forma injusta seguramente. Destacar también la participación de Bush padre (inmenso James Cromwell) y Laura Bush (Elizabeth Banks), dos personas que influyen muchísimo en la vida del protagonista, especialmente el primero (genial el momento de la carta, me recordó a Eastwood).

Dicho eso, conste que tampoco me parece que la película sea redonda, ni mucho menos. No me parece que esté realizada con maestría (más bien diría que se nota cierta ligereza), tampoco impresiona lo que se nos cuenta (sorprende, pero el efecto no es poderoso), y desde luego no aporta toda la luz que podía esperarse (estando tras las cámaras el señor Stone). ‘W.’ sigue dejando en la oscuridad mucho de la política norteamericana dirigida por Bush y pasa de largo sobre los hechos más recientes de su administración. También se echa en falta mayor representación de otros líderes mundiales, cuyas decisiones no resultaron poco relevantes; claro, no ver a Jose María Aznar (apenas se menciona a España en un repaso demencial de apoyos donde se habla de un puñado de soldados mongoles o unos monos que aportará Marruecos) o que Tony Blair (Ioan Gruffud) apenas aparezca en un par de escenas resulta un tanto decepcionante. Da la sensación de que se ha perdido la oportunidad de hacer una película mucho mayor, más profunda, crítica y valiosa.

De todas formas, que no se pierda la visión de conjunto ni la perspectiva, ‘W.’ es una película muy entretenida que cuenta una historia interesante y nos habla, sin superficialidad, de alguien a quien no conocíamos. No es lo mejor que ha hecho pero tampoco puede decirse que aburra en ningún momento y el trabajo de todos los actores es impecable, destacando Brolin por supuesto, debería ser uno de los cinco nominados al Oscar.

Soy de los que piensan que hoy se hace peor cine que antaño (salvando muchas y honrosas excepciones, por supuesto). Sin embargo, si miramos el medio televisivo, la cosa creo que va al revés. Las series de televisión están viviendo una auténtica edad de oro, superándose año tras año las unas a las otras. Y si sólo nos concentráramos en la HBO (hoy por hoy, los que más arriesgan), hasta podríamos decir que no son series, son películas largas. Pero no es el caso. ‘24’ es una de esas series cuyo comienzo coincidió con esta especie de renacimiento televisivo.

Seis temporadas (en Enero comenzará a emitirse en la televisión norteamericana la séptima) que siguen las aventuras de Jack Bauer, el agente de la CTU metido en numerosos líos y con métodos poco ortodoxos. En cierto modo, puede ser visto como una especie de remedo de John McLane, personaje que le dio fama mundial a Bruce Willis, pero con el paso del tiempo ha adquirido identidad propia, llegando a convertirse en todo un referente, cuya influencia ha llegado incluso hasta el cine.

Gracias a Bauer, un actor como Kiefer Sutherland, que empezaba a ser olvidado (tener que aguantar sus problemas con el alcohol y ser hijo de quién es, debe acarrear mucha presión), ha vuelto a primera plana de actualidad. De hecho, Sutherland es uno de los productores de la serie, la cual basa su éxito en introducir un elemento tan novedoso, televisivamente hablando, como tramposo: todos los hechos narrados en la serie están mostrados en tiempo real. Esto no es más que una excusa, vamos a decir barata, para llenar las temporadas de los denominados cliffhangers, o sea, terminar cada episodio en un momento cumbre (representado éste con una frase, una acción o una imagen) de forma que el espectador quede enganchado y desee conocer el desenlace en el siguiente episodio. Además, ‘24’, tiene un ritmo taquicárdico, a veces imposible de seguir, que hace que muchos de los hechos se atropellen uno tras otro. Pero no me malinterpretéis (exprésate mejor, diréis vosotros), ‘24’ me parece una buena serie (a excepción de la lamentable cuarta temporada), soy fan de Bauer, y no me pienso perder ni una sola de sus futuras aventuras.

Desde hace ya un tiempo se viene especulando con la posibilidad de trasladar ‘24’ al cine, algo que es muy probable no ocurra nunca. ‘24: Redemption’ es una especie de previa a la séptima temporada, y que al mismo tiempo, funciona como un telefilm aislado. En realidad, podría verse como un compendio de dos episodios que narran hechos previos a lo que está por llegar el próximo Enero. Haciendo el chiste fácil, la serie ahora podría llamarse ‘26’, si no fuera porque entres los hechos narrados en uno y otro transcurren cuatro horas.

Nada de lo mostrado en ‘24: Redemption’ tiene interés alguno, o introduce alguna novedad al universo Bauer. Nos encontramos con nuestro agente favorito escondido de la justicia por haber torturado a alguien (¿por qué otra cosa podría haber sido?), y metiéndose de nuevo en líos, esta vez en África. En medio de una guerra civil, cuyas armas han sido suministradas por el gobierno norteamericano, Bauer se ve forzado a impedir a que un grupo de niños sean reclutados a la fuerza como soldados por las guerrilas. Pizcas de denuncia social, inicio de toda una trama alrededor de la Casablanca, donde una mujer está a punto de convertirse en el nuevo presidente de los Estados Unidos, y poca acción, algo que sin duda es decepcionante para los seguidores de este personaje.

Los hechos narrados están mostrados con el típico montaje acelerado para intentar disimular los enormes errores que se cometen. Por un lado, es absolutamente imposible que todo suceda en únicamente dos horas, pero vamos a intentar pasar esto por alto ya que en la serie esto también está algo forzado y cogido por los pelos. La mayor evidencia de todas es que una película de ‘24’ es totalmente imposible, o dicho de otro modo, una completa equivocación. El formato elegido para narrar las aventuras de Jack Bauer es el que hasta ahora hemos conocido: 24 episodios narrados en tiempo real. Condensar eso en una película de dos horas, aún narrando sólo hechos que acontezcan en 120 minutos, pone en evidencia las carencias de un guión que no está a la altura, ni muchísimo menos, pasando a ser un telefilm más del montón. Si por la contra, decidiesen saltarse lo del tiempo real, entonces estarían traicionando totalmente el espíritu de la serie.

Lo mejor de ‘24: Redemption’ es sin duda su protagonista principal. Un Kiefer Sutherland totalmente entregado al único personaje que en este momento parece saber interpretar. Para que la cosa parezca que tenga algo de qualité, se muestran algunos rostros conocidos a modo de estrellas invitadas. Por un lado Robert Carlyle, haciendo de buen samaritano, sin poner ni la más mínima pasión en el asunto; y por otro, Jon Voight, volviendo a hacer, como en otros tiempos, un papel de villano, éste con más profesionalidad si cabe, pero su participación sabe a poco.

Jack Bauer tiene su reino en la televisión y ahí debe quedarse. Somos muchos sus fieles seguidores (y eso que en países como el nuestro la serie ha sido más bien un fracaso), y por muchas temporadas que nos emitan, ahí estaremos pegados al televisor. Pero su salto al cine, en caso de que se produzca, sería erróneo. ‘24: Redemption’ es la prueba tajante de ello. Quién sabe si sus responsables no la rodaron precisamente para tantear al personal.

¿Cómo se hacen películas? ¿Cómo se convierte uno en director? Esas son las cosas que Tarantino cuenta en una clase magistral que realizó en alguno de los festivales a los que le invitaron durante la promoción de ‘Death Proof’. Así que aprovechando que ahora Canal + vuelve a emitir en abierto en Internet, y que podemos tener acceso a varios de los programas en abierto del canal, me paso por la parte de Canal Plus cine y encuentro sendos documentales que se emitieron sobre la figura de Quentin Tarantino.

Como ya he comentado no es que esté a favor de su figura, tiene cosas buenas, pero no tanto como la gente estima. Lo que no puedo negar es tener la oportunidad de escuchar sus pensamientos, que se puede o no estar de acuerdo con ellos, pero que no dejan indiferente, y se puede aprender algo. Lo que Tarantino nos comenta es que su pasión por el cine es fruto de la influencia de la televisión, y de esas películas que se grababa en vídeo para luego poder ver. Que su cine tiene muchas influencias de directores como Brian De Palma, Sergio Leone, Howard Hawks y Martin Scorsese, en especial de los tres primeros, y en menor medida de Sam Fuller, Robert Aldrich, Sam Peckinpah, Douglas Sirk, Mario Bava y Dario Argento, me cuadran todos menos Sirk, de los que bebe bastante como inspiración para sus secuencias (en el documento hay buena prueba de ello entre Kill Bill y una de Sergio Leone), más el cine de Hong Kong.

Argumenta un poco sobre lo que consideran es su estilo, con secuencias largas con tensión que en sí son pequeñas películas dentro de la obra completa. Que no sabe para qué sirve un curso de escritura de guión, y que escribe el guión desde la actuación, desde lo que piensa o se imagina como hablará el personaje (por eso sus películas tienen altibajos). Y con respecto a la música de sus películas tiene el problema de no fiarse de ningún compositor, que él ya tiene su banda sonora metida en la cabeza cuando escribe el guión de la película, y eso se debe a que odia que alguien le pueda fastidiar su obra o la música que le puedan poner. También tiene que ver con su forma de dirigir y a que cuando no tenía un vídeo para ver las películas que le habían entusiasmo, tiraba de la banda sonora y se imaginaba como era la secuencia que le había entusiasmado (pone el ejemplo de ‘En busca del arca perdida’), y que a partir de ahí fue cuando empezó a dirigir mentalmente sus propias secuencias, inventándose las mismas mientras escuchaba la música de las bandas sonoras de otras películas.

Cuando menos, no se puede negar que Tarantino tiene el cine metido por todos sus poros, eso sí, para bien y para mal, que alguno querría verle con material completamente original. Aunque ahora que lo pienso, lo mismo eso supondría no alimentar a sus fieles, a los que en realidad se debe.

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Una de las cosas que más me impresionó (tal vez me equivoque el utilizar esta palabra) al ver ‘Max Payne’, fue comprobar lo acabado que está el olvidado Chris O´Donnell. Es curioso, repasando su filmografía sólo destaca una película, en verdad maravillosa, ‘Tomates verdes fritos’ (‘Fried Green Tomatoes’, Jon Avnet, 1991), pero en la que apenas salía unos minutos. Venía del cine pensando precisamente en estas cosas, en lo de moda que estuvo O´Donnell, y en como su carrera fue en picado justo después de protagonizar un éxito, ‘Límite vertical’ (‘Vertical Limit’, Martin Campbell, 2000), film idiota donde los haya. Sumido en estas cosas, que a nadie interesan, encendí el televisor, y en uno de esos canales de pago estaba a punto de comenzar ‘Cámara sellada’ (‘The Chamber’, James Foley, 1996), una de esas películas que dejé escapar en su momento. Qué casualidad, Chris O´Donnell es el protagonista, pero esa no es la razón por la que decidí sentarme a ver el film (sí puede ser una muy buena para rechazarlo). La razón es que el coprotagonista es el inmenso Gene Hackman.

¿A qué maliciosa mente se le ocurrió la terrible idea de enfrentar, artísticamente hablando, a Chris O´Donnell con Gene Hackman? Es un completo suicidio, sin más. Hay que tener en cuenta también que ‘Cámara sellada’ es un vehículo para el exclusivo lucimiento de don Hackman, es lo único que merece la pena en una película blanda y aburrida.

‘Cámara sellada’ se filmó en plena efervescencia de las adaptaciones de los best sellers de John Grisham, escritor tan previsible como poco interesante. De aquella moda de la década de los 90, que empezó con la trivial ‘La tapadera’ (‘The firm’, Sidney Pollack, 1992), yo destacaría por encima de todas ‘Legítima defensa’ (‘The Rainmaker’, Francis Ford Coppola, 1997), que si bien se queda algo lejos de los mejores trabajos del director de ‘El padrino’, es precisamente gracias a la labor del mítico realizador por lo que destaca. El film dirigido por James Foley versa sobre un joven idealista (¿qué joven no lo es?) que acepta hacerse cargo de la petición de clemencia de la pena de muerte de un antiguo miembro del Ku Kux Klan. Además, resulta que es su abuelo, con el que nunca tuvo relación. Para el joven abogado será una oportunidad de oro para demostrar su valía, faltando nada más 28 días para la ejecución, aparte de indagar en su origen, haciendo descubrimientos sobre su propia familia.

Resulta sorprendente que uno de los artífices del guión sea William Goldman, entre cuyos trabajos podemos encontrarnos con los libretos de films como ‘Harper, investigador privado’ (‘Harper’, Jack Smight, 1966), ‘Todos los hombres del presidente’ (‘All the President´s Men’, Alan J. Pakula, 1976) o ‘Poder absoluto’ (‘Absolute Power’, Clint astwood, 1996). Películas con historias llenas de matices, y también con un trabajo de dirección que acierta en su interpretación del trabajo de Goldman. En ‘Cámara sellada’, Goldman se hace acompañar por un tal Chris Reese, cuyo currículum contiene sólo otro trabajo más: ‘Ghost Dad’ (Sidney Potier, 1990), y el trabajo de dirección recae en el correcto (y tal vez decir eso sea decir mucho) James Foley. El director de ‘Glengarry Glen Ross’, y también de algunas mediocreces, opta por una puesta en escena totalmente impersonal, con tics televisivos, que no mejora una historia pobre en intenciones.

Pobre porque el film no profundiza en todos los hilos que abre. El tema de la pena de muerte está tratado con pinzas. Un tema tan serio, tratado con inteligencia con anterioridad por directores como Richard Brooks o Tim Robbins, queda, en manos de Foley como algo banal y pueril, con poca sustancia. El problema surge cuando la trama deriva en las relaciones familiares de un triángulo formado por O´Donnel, Hackman y el personaje interpretado por una muy madura Faye Dunaway, quien conoció tiempos mejores. Todo lo perteneciente a ese aspecto daña enormemente al film, que parece convertirse por momentos en un folletín telenovelesco de muy poco interés.

‘Cámara sellada’ es una mala película, que se soporta únicamente por la presencia y el buen hacer de Gene Hackman. Aunque parezca que el film esté construido únicamente para que éste nos regale una de sus portentosas interpretaciones, no podemos evitar rendirnos ante el enorme potencial del actor, uno de los mejores de todo el celuloide. Su trabajo pone los colores que le faltan en el guión a su personaje. Con sólo sentarse delante del personaje de O´Donnell y mirarle como lo hace, expresa mucho más que todas las conversaciones que tienen, anodinas hasta la saciedad. Hackman refleja sin ningún tipo de histrionismo ni falsedad, su dolor, su rabia, su odio, y sobre todo su miedo. Una interpretación impecable. La pena es que esté en medio de una película prescindible y olvidable.