Lógicamente, los problemas de la película están en el tercer acto. Es decir: resolver de una manera convencional las razones por las cuales un personaje femenino, inteligente y fuerte no quiere mantener una relación monógama con el personaje de Ashton Kutcher y llegar al punto, consabido y tópico, en el que el chico ha conocido a la chica, la ha perdido y, claro, la ha recuperado. El esquema es sencillo y las protestas en este caso se deben a la escasa lógica del personaje de Portman. Pero hubo ya allí gags que llamaron mi atención, grandes bromas y un interés poco habitual en deslocalizar el centro de la inmadurez de él a ella. Por otra parte, la película me sorprendió en su primer acto.

Lejos de ser dos chicos de satisfactoria clase media que prosperan, la película dibujaba a dos personajes realmente disfuncionales. Kutcher encajaba muy bien en el rol de Adam Franklin, el hijo anulado de una estrella de cine (Kevin Kline) reticente a su edad y con una relación muy confusa con su jefa (Jennifer Irwin, gloriosa). Y Portman encarna a una doctora llamada Emma cuyo primer contacto con Adam es pedir que vayan al funeral de su padre y cuyo encuentro breve, con ambos con otras parejas, me resulta interesantísimo porque retrata la extrañeza con la que dos personas, entre las que pudo haber algo y no hubo nada, pueden reencontarse y verse cambiados y crecidos e incluso finalmente interesantes. Es un momento pequeño de una película que no se satura de clichés, pero tampoco prescinde ellos, y, sin embargo, es un momento agradecido. Como también el encuentro que detonará su relación sexual: Adam es abandonado por su novia y, borracho, se dedica a llamar a todos sus contactos de móvil. Finalmente, despierta desnudo, tras un espectáculo ebrio y lamentable, en el sofá.

Pero ha sido ‘New Girl’ (2010-) la serie en la que los talentos de Meriwether han brillado. Para empezar, ha dado al secundario de su vehículo romántico para Kutcher y Portman un papel de enjundia: Jake Johnson encarna a Nick, lo opuesto a un galán romántico e incluso a un tipo apriorísticamente aceptable. Mientras que el peso de la serie recae sobre una encantadora Zooey Deschanel, el gran descubrimiento de sus episodios, además de un endiablado ritmo narrativo capaz de contar tres actos en veinte minutos y tener tiempo para un encadenado de bromas brillantes, es como Meriwether se confirma como cronista costumbrista de una masculinidad ya sin miedo o sin remedios o sin remilgos para ser abiertamente patética.

Contrasta esta serie con, por ejemplo, la estupenda ‘Mad Men’ (2008-), que digamos que revive un período, los años sesenta, en el que el Macho y su expresión quintaesencial, el traje y la potencia sexual, permanecían indiscutibles. La serie de Weiner es tan brillante que incluso su héroe, Don Draper, termina cuestionado en su cuarta temporada, pero eso es otra historia. El secreto de la serie son sus tres personajes masculinos, además de Nick, tenemos a Schmidt (Adam Greenfield) y Winston (Lamorne Morris), ambos perfectos ejemplos de como las actitudes presuntamente viriles traen más de un problema (social, psicológico) notable.

Hay un episodio desternillante en el que Winston es incapaz de descifrar las referencias a la cultura pop de su jefa, porque ha pasado todo su tiempo jugando a baloncesto en Europa del Este, y se dedica a estudiar detenidamente todo lo que ha ocurrido en el mundo reciente. En otro, Schmidt tiene problemas con su jefa porque le obliga a vestirse de Santa Claus sexy y en otro compite con una comapñera con el ascenso para ver quien es más divertido y fiestero. Lo sorprendente de Meriwether y de su equipo de guionistas es el escaso interés en dibujar personajes respetables y que resulten simpáticos más allá del personaje de Deschanel, tal vez alter ego de la propia Meriwether y si no fuera por el registro interpretativo de la actriz, es muy posible que resultara una neurótica insoportable. Es admirable, pues, que se empiece a escribir una comedia llena de flato, llena de miseria y llena fracasos y cambios, también desde una perspectiva femenina, más allá del registro importante fundado por Judd Appatow. La historia sentimental del siglo XXI no es otra cosa que la revelación de estos elementos, antes convenientemente disfrazados.

¡Observen el “Otrodimensionator”! Bueno, en realidad, este es el otro “Otrodimensionator”. El otro dimensionador se ha quedado en la otra dimensión.” (Dr. Heinz Doofenshmirtz).

Cuando anuncié que se estrenaba en cines ‘Phineas y Ferb, la película: A través de la 2ª dimensión’ (‘Phineas and Ferb the Movie: Across the 2nd Dimension’, 2011) no había visto la serie y por ese motivo, la sinopsis me resultaba ridícula. Sin embargo, se me despertó la curiosidad y, desde entonces, he echado un ojo a varios capítulos. Tras entender el humor absurdo y metalingüístico, así como el uso y abuso del despropósito de los que hace gala la serie, he visto la película y he comprendido que lo que resultaba risible era parte de ese humor surrealista.

A pesar de que no hay duda de que los guionistas de la serie son geniales y tienen una desbordante imaginación, confiaba escasamente en que esas historias, que se resuelven en pocos minutos, pudiesen extenderse a un largometraje. Pero la sorpresa que me dio la película fue descubrir que lo consiguen, sin que se haga más lenta o parezca que tiene partes incluidas para rellenar. Los creadores hacen una demostración de que tienen una inventiva sin límites para incluir en la película giros y sorpresas a cada momento. Cierto es que se saltan –por decirlo así– algunas de las normas no escritas de la serie y permiten que ocurran cosas que en la versión para televisión no suelen darse, salvo en excepciones, como que los chicos descubran que Perry es un el Agente P y colaboren con él o que Candace no tenga que dar cuentas ante su madre.

Como en ‘Regreso al futuro. Parte II’, los protagonistas viajan a un universo paralelo o segunda dimensión, en el que el Dr. Doofenshmirtz, como el poderoso Beef, ha montado un imperio del mal y domina el área de los Tres Estados, además de tener a su servicio a todos los ciudadanos, incluido Perry el ornitorrinco –lo siento, pero pierde mucho en inglés: “Perry, the platypus”, tiene menos gracia–. Cada uno de ellos encontrará allí a una réplica de sí mismo, pero con una vida diferente. Algunos de ellos ganan con el cambio, especialmente el personaje de Candace de la segunda dimensión, que es una tía muy molona a la que deberían rescatar en alguna ocasión.

Este viaje entre dimensiones permite incluir guiños a películas que, obviamente, no están incluidos para los niños y niñas, sino para los muchos adultos que ven la serie y podrían disfrutar con el film. El Perry malo es igual que Van Damme y Lundgren en ‘Soldado Universal’, Doofenshmirtz saca la máscara de Hannibal Lecter al final y también hay, entre muchas otras, una referencia a la imagen más famosa de ‘El rey León’. Otra de las bromas al respecto es anunciar las dos dimensiones como una forma novedosa de ver el cine, ahora que todo se publicita gracias al 3D. El título de la TV movie, que toma este elemento para convertirlo en su base argumental, es otra muestra de genialidad.

Las constantes de la serie como preguntarse dónde está Perry, decidir lo que se hace ese día, el nombre del invento del Profesor, otrodimensionator… son uno de los motivos de humor de la película, como lo son en cada capítulo, por lo que supongo que es importante conocer el producto antes de ver el telefilm. Tomando estos chistes recurrentes, se consigue el mejor golpe de la película, que es metalingüístico, por supuesto. Me refiero a aquel por el que la niña consigue, según ella, resolver el conflicto al final. También se utiliza la serie como referente cuando son empleados todos los cachivaches pergeñados por los dos niños.

‘Phineas y Ferb, la película: A través de la 2ª dimensión’ incluye algunos números musicales, uno de ellos basado en la melodía de la cabecera –la serie me ganó el día que, haciendo zapping, escuché: “Mamá, Phineas y Ferb están haciendo los títulos iniciales“–. Pero no se abusa de la música, con la que les habría sido fácil rellenar minutos sin pensar demasiado, sino que queda en su justa medida. En la canción de los créditos finales, aparece Slash.

La tercera película animada de Disney Channel Original Movies, tras ‘Kim Possible Movie: So The Drama’ y ‘The Proud Family Movie’, que Disney Chanel ya está emitiendo, pocos meses después de su estreno en salas, también ha aparecido en DVD, con muchas escenas y material extra. Como hacía el otro día, más que recomendar ‘Phineas y Ferb, la película: A través de la 2ª dimensión’, me gustaría animaros primero a que veáis la serie a quienes aún no la conozcáis, independientemente de vuestras edades, ya que puede disfrutarse de adulto gracias al humor absurdo y metalingüístico. Y, una vez se conozca, la película puede ser un buen complemento, ya que no adolece de ese defecto común en muchas adaptaciones, que es la evidencia de que se trata de una suma de tramas cortas o una corta estirada. Cuando veo que esta es la serie baluarte del canal, me alegro de pensar que las nuevas generaciones están creciendo con productos audiovisuales así de estimulantes e imaginativos. Lo que me cuesta creer es que sean los mismos que, solo unos años después estén como locos por acercase a cada entrega nueva de ‘Crepúsculo’ y similares. Pero saber que ‘Phineas y Ferb’ es un éxito me llena de esperanzas por el cine y la televisión del futuro.

Mi puntuación:

Se ha reabierto la investigación sobre la muerte de Natalie Wood en un supuesto accidente náutico en 1981, por lo que resulta pertinente hablar de ‘Propiedad condenada’ (‘This Property Is Condemned’, 1966), en la que la actriz compartía cartel con Robert Redford, Charles Bronson, Mary Badham, Dabney Coleman y Kate Reid. Se trata de un film de Sydney Pollack, inspirado en la obra teatral homónima de Tennessee Williams, de quien ya se habían llevado al cine, entre muchas otras, ‘El zoo de cristal’, ‘Un tranvía llamado Deseo’, ‘De repente, el último verano’, ‘La gata sobre el tejado de zinc’, ‘Dulce pájaro de juventud’ o ‘La noche de la iguana’.

El film comienza con el personaje de Mary Badham, quien encarna a Willie, la hermana pequeña de Alva, la protagonista, a quien da vida Wood. A modo de flashback se conoce la historia de cómo estas dos jóvenes habitan un pequeño pueblo sureño alimentado por los trabajos del ferrocarril. La madre de ambas, que regenta una pensión de dudosa reputación y que fue abandonada años atrás por el padre de las chicas, no tiene reparo en utilizar a sus hijas para animar el negocio o conseguir favores de los hombres importantes del lugar. Alva parece resignada a este tipo de vida, hasta que llega un forastero, guapo y cultivado, que le hace ver que existen alternativas.

La obra teatral, escrita por Williams en 1946, que únicamente constaba de un acto, no mostraba a Alva, sino que transcurría por entero entre el personaje de Willie, la hermana pequeña, y su interlocutor. El flashback fue introducido por Francis Ford Coppola y el resto de los guionistas, Edith R. Sommer y Fred Coe, en su adaptación libre.

La riqueza del texto

Aun estando solo inspirada en el texto teatral, la película no escapa esta herencia, ya que transcurre en un escenario casi único, cuenta con secuencias muy extensas y da gran preponderancia a la palabra. Los diálogos son muy intensos, están escritos con enorme sabiduría y cuelan entre las aparentes confesiones cotidianas, grandes verdades dichas con inocencia. Son ese tipo de diálogo que da gusto escuchar, pero sin que su estilo literario les haga parecer irreales o ajenos al personaje que los pronuncia.

La película está construida sobre varias metáforas que convierten el drama, ya por sí solo apasionado y conmovedor, en una narración de más profundo calad. Los personajes ya funcionan con esta doble lectura, sobre todo el de él, que personifica el cambio y las opciones de emancipación. La casa inhabitable, es decir, la “propiedad condenada” o mercancía dañada del título, representa a la protagonista, que ha quedado mancillada y no podrá cambiar de dueño. Los trenes funcionan como metáfora de la libertad, como oposición a ese encierro en el que viven las jóvenes –en los diálogos siempre se habla o se miente sobre viajar, sobre escapar de allí–. La luciérnaga también funciona como símbolo de ese rayo de esperanza que Willie aún mantiene y que el personaje de él le aviva.

Actores y personajes

Los actores están inmensos, en especial Wood, que cuenta con un papel harto difícil. De algún modo, me recuerda a la Holly Golightly de ‘Desayuno con diamantes’ (1961) porque es una soñadora que se mantiene risueña y positiva, a pesar de las condiciones deplorables en las que vive y ve crecer a su hermana.

Robert Redford incorpora a un hombre con una actitud contraria, ya que es sumamente realista. Su personaje, Owen Legate, como ya he indicado, representa al mundo urbano y moderno y no tiene nada que ver con los habitantes del pueblucho. Sin embargo, él no es la encarnación de todo lo bueno, ya que llega allí con una misión destructora de la que él solo es el emisario. Por culpa de la crisis, debe comunicar a la mayoría de los trabajadores del ferrocarril, es decir, la mayoría de los habitantes de esa aldea, que están despedidos. Este papel empresarial lo hemos vuelto a ver en películas como ‘Up in the Air’ o ‘Margin Call’, que también hablan de una crisis. Este hombre, que no es lo bastante frío como para ejercer su profesión sin escrúpulos y sin dejarse afectar por sus consecuencias, se contagia de la capacidad de soñar de la protagonista.

El mejor retrato de personaje puede ser el de la madre, interpretada por Kate Reid, una mujer amargada y abandonada, que paga sus envidias y frustraciones con sus hijas. Ejerce sobre ellas, más en concreto sobre la mayor, un fuerte chantaje emocional, que casi la obliga a prostituirse, sin ser consciente de lo que hace a su hija, pero sin mostrar tampoco ningún atisbo de conmiseración. En su descargo queda que habría sabido o podido darles otra vida, aunque hubiese querido.

El final (spoilers)

En el último tercio, ‘Propiedad condenada’ sufre un brusco cambio, se abandona esa localización que parecía que iba a ser la única y la acción se traslada a Nueva Orleáns, ciudad que representaba para Alva la materialización de todos sus sueños. Dado el estatismo que venía habiendo hasta ahí, este cambio de lugar se percibe con extrañeza y hace pensar en que la película va a acabar. Sin embargo, todavía tiene mucho que contar.

Lo que llega más tarde, redondeado con la vuelta a las vías del tren de la obra teatral, en las que Willie le cuenta a su nuevo amigo la vida de su hermana, se me antoja tremendo. De nuevo se encuentra otra metáfora, pues los personajes de Redford y Wood, en una escena previa, salían del cine comentando ella que ojalá hubiese acabado bien: ojalá a la joven la quisiera su familia y no hubiese caído enferma. La niña, Willie, sobre las vías del tren, con el vestido que tantas veces le vimos a su hermana, te hace estremecer, por pensar que todo es cíclico y que nada se ha resuelto. Esa canción de los labios de ella, que demuestra que aún tiene esperanzas, pone la piel de gallina.

Leyendo ahora cómo se supone que transcurrió la muerte real de Wood, se encuentran más similitudes entre los dos trágicos finales de las que cabría desear. La actriz discutía con su marido, el también actor Robert Wagner, porque él estaba celoso de la relación entre ella y Christopher Walken, también presente, con el que Wood acababa de rodar ‘Proyecto Brainstorm’ (‘Brainstorm’, 1983). Se encontraban en un yate y ella apareció ahogada. Aunque se cuenta que salió voluntariamente al agua porque quería dar una vuelta en una lancha, muchas voces, como el capitán del barco y la hermana de Wood niegan esa posibilidad, pero sí admiten que ella estaba muy borracha en el fatídico momento de los hechos (fin de los spoilers).

Conclusión

‘Propiedad condenada’ es una película bella, profunda e inteligente, pero devastadora, más aún si se extrapolan sus sucesos a la realidad, que no siempre es menos cruel que la ficción. En sus excelentes diálogos y su gran retrato de personajes se aprecia el origen en la pluma de Tennessee Williams, una de las fuentes en las que más ha bebido el cine para crear dramas de gran intensidad.

Mi puntuación:

The Doors tienen su lugar en la historia del cine, tanto por la película homónima de 1991 de Oliver Stone, como por la atmósfera que ‘The End’ aporta a la escalofriante secuencia de los helicópteros del arranque de ‘Apocalypse Now’ (1979), de Francis Ford Coppola. Muchas otras películas han contado con su música en sus bandas sonoras. Por eso y por otros motivos – el mito del rock and roll que fue Jim Morrison tuvo una vida de película y quedaron algunas incógnitas por resolver–, no nos sorprende que el director Tom DiCillo (‘Johnny Suede’, ‘Vivir rodando’, ‘Una rubia auténtica’, ‘Delirious‘…) los haya escogido para elaborar un documental que lleva por título un verso de una de las canciones de la banda: ‘When You’re Strange’ (“cuando eres extraño”).

Más que sobre la banda The Doors, el rockumentary está centrado en la figura de Morrison y lo que esta supuso para el mundo –la película también contiene un interesante estudio de la juventud en la sociedad de la época– y para sí mismo. Analiza cómo subió como la espuma, cómo sabía gestionarse para dotarse del halo que consiguió, ya fuese con los atuendos que él mismo elegía o con sus posturas y movimientos sobre el escenario. Pero también hace una crónica de su autodestrucción, empujada por las drogas y alcohol, que no eran para él más que un vehículo con el que encontrar las puertas de la percepción –el nombre del grupo viene del libro de Aldous Huxley de 1954 ‘The Doors Of Perception‘–, por lo que, fuese con esas sustancias o con otras, su final podría haber sido siempre el mismo. Una estrella que brilló con mucha intensidad, pero que no podía mantenerse con ese esplendor durante demasiado tiempo.

DiCillo ha tenido la suerte de encontrarse con una gran caja de material, tanto inédito como conocido, que ha motivado el montaje del documental, que fue encargado por los productores al director. Ante tantas fotografías y horas de imágenes de inmensa calidad y elocuencia, el cineasta toma la férrea decisión de limitarse a utilizar el archivo. Es esta una decisión valiente, pero que lo compromete hasta el punto de impedirle incluir entrevistas con los componentes vivos del grupo, declaraciones de entonces o de ahora o recreaciones. Esta pureza de aporta un valor a la cinta, pero no evita que echemos de menos escuchar las reacciones de los miembros ante la actitud de Jim, las discusiones que sus problemas seguro que acarreaban –como puede verse en el ‘Some Kind of Monster’, de Metallica– o algún otro documento que nos aclare las incógnitas que aún tras esta película quedan abiertas. Lo único que DiCillo añade a las imágenes es la voz en off.

El texto, escrito por el propio DiCillo, me parece que tiene mayor valor que el montaje de imágenes, muchas de las cuales ya se habían visto en numerosas ocasiones. Esta narración es sumamente poética y embriagadora y no juzga ni mitifica, pero se sitúa, como el narrador de una novela, muy cerca de su protagonista. De forma aparentemente fría, sin entrar a valorar los datos que lanza, consigue profundizar en la psique de Morrison. Por mucho que la película de Stone lo tuviese a él como protagonista, es decir, que viésemos esos días desde su punto de vista, parece que este documental se adentrase mejor en su mente para entender su final. Johnny Depp supone una elección perfecta para leerla, ya que, al ser un mito en cierto modo similar a Morrison, aunque superviviente; puede comentar lo sucedido con cercanía y sin posicionarse por encima para aleccionar y recriminar las decisiones del cantante.

DiCillo, que siempre ha tenido la música muy presente en su filmografía, ejerce de crítico musical para aportar un ilustrativo análisis del sonido de la banda: los orígenes jazzísticos de John Densmore, el aprendizaje en la guitarra española de Robby Krieger y el bajo interpretado por las teclas de Ray Manzarek daban a su música ese tono extraño al que alude el título del film.

‘When You’re Strange’ está ordenado de forma cronológica y, a pesar de ello y de que todo el material es auténtico, se hace complicado percibir la cronología. Tras elipsis en las que parece que ha transcurrido largo tiempo, la voz nos indica que seguimos en el mismo año. Momentos después de haber pasado para adelante, da la sensación de que retrocediésemos en el tiempo. Además, algunas cuestiones se abandonan durante fragmentos, como si ya se hubiesen pasado –el alcoholismo de Jim más concretamente–, pero luego se vuelve a hablar de ellas como si siempre hubiesen estado ahí.

A pesar de que poco tienen que ver con el resto del material montado, las imágenes de Jim haciendo auto-stop, en el coche y en la gasolinera sirven para redondear el documental y darle más aire de película –de ficción, digamos–, con sensación de inicio, progresión y cierre. Descolocan al principio porque se hace que en la radio Morrison escuche la noticia de su propia muerte. Por ello, porque son inéditas y están tan bien restauradas que parecen de ahora y porque el seguidor concienciado creía que conocía todo lo habido y por haber de los Doors. Así que algunos espectadores pensaron que eran una recreación de DiCillo con un actor. Se trata, no obstante, de auténtico material, que forma parte de ‘Wild in the Streets or Dionysus’, un pequeño trabajo de universidad rodado por Paul Ferrara, un amigo de Morrison. Ese juego al desconcierto me parece valioso para alejar a ‘When You’re Strange’ de uno de esos reportajes del tipo ‘Then and Now’, del VH1 o cualquier otra crónica televisiva de un grupo de rock, que tirase de material de archivo y añade únicamente una voz en off.

En definitiva, se trata de un valiosísimo documento que cuenta con material de excepción, gracias al cual el director tiene la suerte de poder armar todo un documental sin recurrir a otras fórmulas documentales siempre menos auténticas que las imágenes de archivo. Se podrían echar de menos algunos aspectos, como entrevistas o declaraciones directas y la cronología podría haber quedado más clara. Pero son estos los únicos aspectos reprochables a ‘When You’re Strange’, acercamiento a The Doors idóneo para quienes ya conocen al grupo y desean reencontrarse con sus actuaciones y directos y para quienes aún se están informando a su respecto.

Mi puntuación:

5. Jim Parsons.

Razones Catódicas.: Su Sheldon Cooper, ganador de dos flamantes emmys, en ‘The Big Bang Theory’ (2007-) es, seguramente, el gran icono cómico de nuestro tiempo: adorable genio de la física caracterizado por un (fuerte) Desorden obsesivo-compulsivo y una biografía cargada de (adorables) paradojas, incluyendo una educación asexual y ultra-cristiana que le permiten brillar en la ciencia.

Tiempo en Cine: Pequeños papeles en ‘Algo en común’ (Garden State, 2004) o ‘Escuela de Pringaos’ (School for Schoundrels, 2006) como sus trabajos más relevantes permiten ver como de insignificante ha sido el trabajo de Parsons en la gran pantalla.

Posible redención: ¿Podéis imaginaros a Parsons en una comedia de Woody Allen? La neurosis nunca ha encontrado mejor declinación y además serviría para que el actor probara su eficacia cómica más allá del geek tierno y adorable, puntilloso, viendo como su asombrosa capacidad para recitar diálogos a una velocidad endiablada encuentra nuevos territorios.

4. Kat Dennings.

Razones Catódicas.: Brillando como esa chica urbana de Brooklyn de la reciente Two Broke Girls (2011-), Dennings es un prodigio cómico, un torrente con una sensualidad que parece llevar esa escuela de picardía que fundara Rita Hayworth a un nuevo nivel. La comicidad nunca había sido tan voluptuosa, ni tan (francamente) divertida.

Tiempo en cine: ‘Nick y Nora. Una noche de música y amor’ (Nick and Norah’s infinite playlist, 2008) o la reciente ‘Thor’ (id, 2011) son muy poca cosa para una actriz de tanto carisma, capaz de llevar perfectamente un papel protagonista y además la anclan a papeles de poca relevancia (ya sea la chica adorable y alternativa o el inevitable alivio cómico de una superproducción).

Posible redención: ¿Recordáis ‘Los caballeros las prefieren rubias’ (Gentlemen prefer them blondes, 1952) de Hawks? El talento cómico de Dennings precisa obras maestras como las de Hawks: comedias gravísimas revestidas de ligerezas, papeles que exploten su variedad de registros y no pierdan un segundo en usar su capacidad para la ironía.

3. Zooey Deschanel.

Razones Catódicas: La reciente ‘New Girl’ (2011-) demuestra que Deschanel puede ser no solamente una divinidad para todo adicto a la música indiepop (no en vano tiene un grupo, She & Him, y su pareja sentimental es Ben Gibbard, el líder de Death Cab For Cutie) sino un (adorable) motor para el caos y una forma (inteligente) de combinar ese sentido encantador con excentricidades desternillantes.

Tiempo en cine: Deschanel ha tenido dos papeles relevantes en cine y multitud de secundarios en películas independientes, pero tanto ‘El Incidente’ (The Happening, 2008) como ‘500 días de verano’ (500 days of summer, 2009) exploraban su lado como musa romántica, fascinante y en la última decididamente indie. Como secundaria robaescenas, tanto en ‘Los feos también mojan’ (The new guy, 2002) como en ‘Di que sí’ (The Yes Man, 2007) quedaba reducida a mero interés romántico. Si en la cinta de Carrey su excentricidad tenía más peso, la servidumbre del papel a los clichés de una comedia romántica (anacrónica) anulaba por completo el talento de la actriz.

Posible Redención: ¿Hay alguien decidido a rescatar el espíritu de aquella screwball comedy que produjo obrasmaestras como ‘La fiera de mi niña’ (Bringing Up Baby, 1938)? ¿A dibujar actrices cómicas tan maravillosas como Lucille Ball (cuyo talento fue también más aprovechado en la pequeña que en la gran pantalla)?

2. Seth McFarlane.

Razones Catódicas: Ha creado ‘Padre de família’ (Family Guy, 1999-2002; 2005-) y ‘American Dad’ (2005-) además del spinoff dedicado al personaje de Cleveland y es, seguramente, uno de los tipos mejor pagados por Fox, pero allí donde todas sus series demuestran un desprecio al arte de la animación, se desvelan como auténticos prodigios de la comedia gracias a unos guiones decididamente sofisticados y rompedores y a su talento vocal para dotar de un carisma único a todos sus personajes, desde un republicano superespía (Stan), un alienígena tierno y obsesionado con la fama (Roger) pasando por un perro meditabundo (Brian), un genio del mal (Stewie), un irlandés orondo e idiota (Peter) o un peligrosísimo pervertido (Glenn Quagmire).

Apariciones fílmicas: Como el inolvidable Johan Kraus en ‘Hellboy 2: El ejército dorado’ (Hellboy 2: the golden army, 2008) y debutando como director, guionista y, de nuevo, voz en la venidera ‘Ted’ (id, 2012). Y, con todo, el talento de McFarlane se antoja desaprovechado, cuando fue capaz de provocar inmensas carcajadas con un papel tan pequeño como el que tuvo en la película de Del Toro.

Posible redención: ¿Existe en la tierra alguien más divertido que McFarlane? Capaz de dar voz a un pedante, con aires a medio camino entre Rex Harrison y Orson Welles, o de imitar a la perfección a Frank Sinatra, estamos, quizás, ante el gran secundario de oro y, también, una personalidad vocal de tal calibre que las chequeras de Pixar, Walt Disney o cualquier persona que quiera rodar una comedia (digital o no) debería contar con él.

1. Ricky Gervais.

Razones Catódicas: Cambió la historia de la comedia con ‘The Office’ (2001-2003), seguramente la comedia más incómoda, depurada y moralmente arrolladora de la década pasada. Prosiguió su discurso sobre la humilllación con un brillantísimo comentario sobre la cultura de la fama llamado ‘Extras’ (2005-2007). Y presentó los globos de Oro con un verbo inflamado e inolvidable, una de las pocas veces en las que una gala de premios de Hollywood se ha convertido en un lugar de sudores fríos y muecas forzadas, casi deformes.

Tiempo en Cine: Decepcionante. Su comedia ‘Increíble pero falso’ (The invention of lying, 2009) empezaba con una idea digna de su talento (que las mentiras son un gran invento para el progreso humano) pero le redimía . Todas sus actuaciones anteriores parecían destinadas a convertirle en simpático secundario, con papeles en películas familiares como ‘Noche en el Museo 2’ (Night on the Museum: Battle of the Smitshonian, 2009), antes que en el auténtico huracán cómico que es.

Posible redención: ¿Sacha Baron Cohen adaptó su formato mockumentary a dos películas que no perdieron su aliento (subversivo) y Gervais nos está haciendo esperar para firmar lo que sería un posible ‘Teléfono Rojo, volamos hacia Moscú’ (Dr. Strangelove or How I stop to worry about the bomb, 1964) o, sencillamente, una cinta que aprovechara todo su potencial para encarnar a cualquier personaje digno de Charles Dickens? ¿Hay algún actor cómico con todo el potencial lenguaraz, de registros que éste? ¿A qué diantres estamos esperando para que Gervais haga una obra tan amoral y ácida como ‘Luna Nueva’ (His Girl Friday, 1940)?

No había visto ‘Eragon’ cuando se estrenó en cines ni cuando apareció en DVD, así que, este fin de semana, me quedé a verla al comprobar que la emitían por televisión. El motivo de haber pasado de ella en su estreno cinematográfico y su lanzamiento doméstico, era, lógicamente, que había leído y escuchado que no tenía demasiada calidad. Aun así, esperaba que funcionase algo mejor en varios aspectos: que fuese algo más entretenida y que se decantase más hacia un tono oscuro de fantasía, reservada únicamente a lo seguidores acérrimos del género, en lugar de ser accesible para cualquiera, especialmente para la gente menuda.

Estoy segura de que, tras este titular, no hace falta decir más para que se sepa con qué película estoy comparando ‘Eragon’. Por mucho que desee escribir una crítica que hable exclusivamente del título que nos ocupa, me resulta imposible evitar equipararla a ‘El señor de los anillos’ para comentar cada uno de los aspectos de su desarrollo narrativo y de su realización. Y es que la mejor forma de demostrar lo que no está bien hecho aquí es señalar el lugar donde sí se ha conseguido, especialmente cuando se parte de materiales tan similares.

Siempre me ha gustado decir que el guion es lo importante en una película y que la forma en la que se dirige es secundaria. Se demuestra que erraba con esta comparación –así como en tantas otras ocasiones–, cuando la forma en la que Peter Jackson rueda las arengas, las huidas, las peleas, los encuentros… hace que cobre una dimensión épica que, en manos de otros cineastas, está completamente ausente. Podría parecer que lo necesario está incluido en el guion de ‘Eragon‘, pues se plantean incluso los preliminares de la batalla y se menciona su importancia con insistencia, para aumentar el impacto del clímax de esa lucha. A pesar de eso, lo que Jackson inundaba de emoción sobrecogedora aquí se queda en nada. No hay mejor prueba del excelente trabajo del neozelandés detrás de las tres entregas de la adaptación de Tolkien que ver otros films de fantasía teóricamente semejantes, en los que no se produce ni el 1% de la palpitación e implicación que suscitan las tres partes de ‘ESDLA’.

La facilidad con la que se derrota a los enemigos, la simplicidad con la que son abatidos los héroes, la comodidad con la que se rescata a las damas, la rapidez con la que se ganan las batallas, la inmediatez con la que se alcanza el lugar buscado, la tranquilidad con la que se afrontan las dicotomías… todo es tan fácil en ‘Eragon’, que no hay enganche para saber si se resolverán estos obstáculos. Que la dragona hable tiene como menor problema su posible efecto de ridículo, pues lo peor de esta opción es que lo hace todo todavía más sencillo: no quedan incógnitas ni preguntas que nos impulsen a ver más allá, todo está dicho y resuelto desde muy temprano.

No existe, por otra parte, dilema moral o lucha interna que convierta esta aventura en algo mucho más complicado que un simple viaje tortuoso. En este aspecto no se trata de una diferencia en la forma de rodar y montar la película, sino del contenido. El libro de Christopher Paolini no es que esté dirigido a niños, lo cual es muy respetable, es que es infantil en un sentido nada positivo del término. Los conflictos de Tolkien no sólo eran más difíciles de acometer, sino también más profundos y cósmicos.

Le ocurre a ‘Eragon’, asimismo, lo que ya he comentado muchas veces sobre las películas pensadas para inaugurar franquicias. La presentación de personajes, elementos y reglas particulares de ese mundo de ficción se hace muy extensa, con la intención de que eso tenga un valor a largo plazo, es decir, en sucesivas entregas. Sin embargo, la cinta por sí misma queda descompensada, cargada en exceso de diálogos, de explicaciones, de consejos y otros momentos aburridos para los que no hay recompensa suficiente con la escasa acción del final. Si, además, le añadimos la desgraciada circunstancia de que el éxito de taquilla no fue suficiente como para motivar las continuaciones, el film resulta todavía más amorfo.

La labor de Stefen Fangmeier nos haría pensar en una factura barata y de un acercamiento cutre con bajas pretensiones. Sin embargo, encontramos efectos especiales más que solventes –al menos, vistos en televisión– en la eclosión del huevo de la dragona y todo su movimiento y vuelo posteriores y nombres de categoría en el reparto: Jeremy Irons, Robert Carlyle o John Malkovich –este último con un personaje que no hace nada, pues puede que rodase su papel en una jornada, y que se deja claramente para la segunda parte–. Así que habrá que concluir que la falta de dinero no fue la culpable (se hablaba de un presupuesto de 100 millones de dólares).

Edward Sleepers, en el papel que da título al film, no aporta a la película la épica que le falta, en todo caso, restaría emoción y credibilidad, si las hubiese de partida. El papel que se asigna a Sienna Guillory, quien sí podría haber servido de refuerzo a la película, consiste en permanecer tumbada y enferma casi toda la duración, con lo que decir que es un cero a la izquierda es quedase corta. Pero es que ni esos actores tan buenos y reputados que se mencionan antes –entre los que hay que incluir a Djimon Hounsou– elevan la temperatura en ninguna ocasión. Como han demostrado las películas de Uwe Boll, cualquier actor se puede dirigir mal o puede estar en el rodaje absolutamente ignorante de su personaje o de la trama, figurando para llevarse posteriormente el cheque. Y, claro, ya que mento al diablo y hago la comparación con Boll, diré que sus prefiero sus películas a cosas como esta, pues, aunque sean todavía peores y, en el caso de ‘En el nombre del rey’, igual de plagiarias; al menos permiten una diversión basada en la risa y el despropósito. ‘Eragon’ es sosa hasta para disfrutarla como cine malo.

En definitiva, ‘Eragon’ es una película demasiado simple y que parece que solo pueda contentar a un público infantil. Sabiendo incluso que se trataba de un pastiche de plagios, esperaba algo más de ella. El material literario del que parte probablemente no sea excelente, pero la puesta en imágenes que se ha hecho del libro no ha favorecido nada la narración que se sitúa detrás. Carece de la emoción, de la épica y de la implicación que serían necesarias para entrar en este tipo de fantasía. Y estos mundos, contemplados de forma ajena y distante, solo pueden resultar risibles.

Mi puntuación:

- ¿Por qué pensamos siempre en los viejos tiempos?

- Porque es cuando había esperanza

En esa obra maestra que es ‘Un mundo perfecto’ (‘A Perfect World’, Clint Eastwood, 1993) se produce una de las mejores metáforas que se han podido ver en una película. Y lejos de cualquier filigrana pseudointelectualoide, Eastwood apuesta por la sencillez, la mejor de las herramientas en el arte, arriesgada de utilizar pues o la confunden con la simpleza, o cae de lleno en ella. La escena en concreto es una de transición en la que Butch (Kevin Costner) va en coche con Phillip (T.J. Lowher) y el primero le explica al segundo que el vehículo en el que van es en realidad una máquina del tiempo de fácil manejo. Lo que hay delante es el futuro, lo que se deja atrás el pasado. Si uno quiere llegar antes a su destino sólo tiene que pisar el acelerador. El freno te permite detenerte y disfrutar del presente, y de saborearlo lo máximo posible antes de seguir hacia delante.

Con esa maravilla de explicación, Eastwood habla rápidamente de multitud de cosas. La fugacidad de la vida, el recuerdo de lo pasado, el siempre inesperado futuro, las decisiones que tomamos. Temas de vital importancia y que rodean nuestro día a día —soy de los que piensan que la vida es una continúa decisión, y la cobardía se paga muy cara— explicados a través de una muy inspirada metáfora, cuya mayor virtud es que la entiende hasta un niño, nunca mejor dicho. En la imprescindible serie de televisión ‘A dos metros bajo tierra’ (‘Six Feet Under’) se utiliza dicha metáfora en el impresionante final de una serie que, dicho sea de paso, echa mano en todo momento de técnica y conceptos cinematográficos, lejos de la tiranía que supone la puesta en escena televisiva la mayoría de las ocasiones.

La muerte de Nate (Peter Krause) es el mayor punto de inflexión de la serie que concluye con un final apoteósico. Un final en el que se permite tirar por tierra una de las afirmaciones de don Billy Wilder, aquella en la que sostenía, no sin razón, que el final de la película no era el fin de la historia, que ésta continuaba pues la vida de los personajes no terminaba ahí. El final de ‘Six Feet Under’ no deja lugar a dudas y cierra absolutamente todo lo relacionado con los personajes fijos de la serie, esto es, Nate, Brenda, Ruth, Keith, David y Claire. La muerte de un ser muy querido (Nate) hace que aquellos a los que deja tomen conciencia de quiénes son y se enfrentan al futuro con envidiable entereza, conscientes de que todo puede acabar en cualquier instante, algo que saben muy bien en una familia que trata con la muerte todos los días.

El inicio de la casi totalidad de los episodios narra la muerte de una persona cualquiera en una circunstancia cualquiera. Jugando con el muy manido fundido en negro, el momento de la muerte es mostrado con todo lo contrario, un fundido a blanco, decisión a mi parecer, de lo más acertada, pues creo que el blanco refleja mucho mejor la nada más absoluta (la muerte) que el negro. Creo que el impacto está mejor conseguido. Y ese elemento funciona además como elemento narrativo, alcanzando su máximo esplendor en el citado final, en el que los tonos claros, cercanos al blanco, representan un posible futuro, tan esperable como la segura muerte que a todos aguarda. Pero antes del doloroso desfile de fallecimientos de unos personajes que a esas alturas son como nuestra propia familia, presenciamos la despedida de Claire, en una escena llena de simbolismos y apuntes que hablan de cosas cercanas y con las que es fácil identificarse, uno de los aciertos de la serie.

En una escena tan sencilla como la de una despedida, Ball, que se reserva siempre el último episodio de cada temporada para dirigirlo, acierta en una puesta en escena que va más allá del simple lenguaje televisivo. Dicha secuencia destila verdad por todos los poros, algo a lo que debe aspirar toda obra de arte para ser imperecedera. La grandeza de la serie es que no realiza concesión alguna, y esos últimos minutos son como varios puñetazos directos al corazón del espectador. Un hermano aconsejando decir “adiós” y “te quiero”, una hija dando las gracias a su madre por darle la vida —¿no deberíamos agradecerlo todos algún día?—, y un fantasma insistiendo que lo que ella quiere es apartarse de su familia en pos de una buena vida profesional, por mucho que duela. La escena culmina con una revelación dolorosa, cuando Claire saca una foto de ese momento, el fantasma de Nate le dice al oído que no puede hacerlo, pues dicho momento ya ha pasado. Ninguna foto saca realmente el momento que queremos, a no ser que se haya preparado.

Claire se monta en su coche y pone el CD que le ha grabado su último novio. Suenan los primeros acordes de ‘Breath Me’ de Sia, una canción que por sí sola no es gran cosa, pero que acompañada de las imágenes de la serie alcanza una mayor dimensión. Dos bellas metáforas se suceden una tras otra: la familia desenfocada la despide desde el porsche de casa, y acto seguido Claire mira su espejo retrovisor, el cual parece una fotografía con marco y todo —recordemos cuál es la pasión de Claire— dentro de la cual Nate va desapareciendo, quedando atrás. A partir de ese instante, en el que Claire deja lo más importante de su vida para seguir hacia delante, ocurre algo tan lógico como inesperado, algo que nos sume en un profundo dolor y al mismo tiempo nos libera de toda la dureza de la que la serie ha hecho gala a lo largo y ancho de sus densas cinco temporadas.

Mientras el coche avanza y la cámara se acerca y aleja de él, vemos cómo la vida continúa para los personajes. David enseña el negocio a su hijo adoptivo, Ruth puede seguir con su vida teniendo la certeza de que Nate era feliz justo antes de morir, el cumpleaños del hijo de Brenda. El coche empieza a ir más rápido, en realidad, la imagen está acelerada. La boda de David y Keith donde ya percibimos para nuestra congoja que nuestros personajes preferidos de la televisión están envejeciendo. La cámara sube, el coche empieza a adquirir una mayor velocidad, y tal como Butch le decía a Phillip, vemos el futuro. Un doloroso futuro que en realidad es el mismo que nos espera a todos. La liberación se produce a través de las lágrimas.

Ruth Fisher muere en el 2025 acompañada de sus seres queridos, incluidos Nathaniel (Richard Jenkins) y Nate, que la esperan desde hace tiempo. George (James Cromwell) la llora sinceramente.

Keith Charles muere en el 2029, haciendo lo que mejor sabe hacer. Abatido por cuatro disparos, que sentimos casi en nuestro propio cuerpo. A continuación, la boda de Claire, con un hombre casi opuesto a ella, y que le ha estado esperando durante años. Quizá las mejores parejas son aquellas con pocas cosas en común, aquellas que construyen un lugar de aprendizaje mutuo como inquebrantable muro de su relación.

David Fisher muere en el 2044 en una apacible tarde mientras ve a un Keith joven jugando al rugby. El dolor ya es insoportable, y en ese instante la música parece calmarse un poco, tal vez para dar un respiro. La batería de ‘Breath Me’ entra con fuerza cuando Federico cae fulminado por un infarto mientras realiza un crucero con Vanessa. Muere en el 2049 mientras nos alegramos por su larga vida al lado de la mujer que le quiere, de aquella que le perdonó una infidelidad. La confianza reforzada.

Brenda Chenowith muere en el 2051, acompañada de la persona que más le quiere y a la que más quiere, su hermano Billy —nos equivocamos al pensar que es Nate—. La relación más atrevida de la serie. No nos atrevemos a juzgarlos pues su felicidad no nos pertenece.

En el interior de una casa hay un montón de fotografía colgadas en la pared, y mientras la cámara va abriéndose paso hacia una habitación que envidiaría el mismísimo Kubrick, vemos que dichas fotografías son el legado de toda una vida, los recuerdos impresos en una imagen capturada por el ojo de Claire. Muere en el 2085, acompañada de todos esos recuerdos, de todas esas vivencias. Vive la friolera de 102 años.

La cámara vuelve a los ojos de la Claire del presente, cuyo gesto ha cambiado. Se ve en su rostro una entereza que hasta ese momento no vimos. Tomando conciencia de su pasado y su presente, Claire viaja con decisión hacia su futuro. La cámara se endereza, una carretera desértica que parece terminar en un cielo blanco. Antes de que suban los títulos de crédito la pantalla permanece con esa nada tan familiar. Ningún nombre. Ahí debemos poner el nuestro.

Una cosa parece clara: el nuevo spot del ‘Capitán América: Primer Vengador’ no promete ya un blockbuster aparatoso, espectacular y decididamente inusual, aunque si lo pensáis bien es muy adecuado para la América post-asesinato de Bin Laden, por su tono nostálgico mezclado con aventura bélica a gran escala sino, snif, otro avance aparatoso de la película de los Vengadores, algo en lo que llevamos ya desde la primera entrega del hombre de hierro. Lamentos y llantos aparte, tengo que admitir que la película debería ser el punto álgido de las aventuras en solitario, de momento dominadas por la segunda entrega de ‘Iron Man’, la más irónica peripecia superheroica, en clave oficial, y la única capaz de mirar, alejada de disparates alegóricos, al capitalismo con ironía y un mensaje nada desdeñable.

En todo caso, en el nuevo tráiler del primer defensor de América se salta, se suda, se esquivan explosiones y se promete un antológico prólogo a cierta historia que junta a los héroes más grandes jamás conocidos. O eso decía el tebeo de Stan Lee y Jack Kirby….

Ha aparecido también el póster internacional, uno en el que Chris Evans entra la dimensión Zoolander de la vida, chiste cortesía de mi compañero Caviaro, y que yo creo que acerca un registro dramático a sus míticos tiempos de ‘No es otra estúpida película americana’. En todo caso, todo lo que huela y sea Derek Zoolander mola. Por otra parte, Hugo Weaving luce rojo y con ganas de conquistar el mundo, dando un paso más allá en lo que podría llamarse miradas-que-traman-algo-de-la-escuela-Monty-Burns-de-lo-maquiavélico (si no lo ha dicho antes el imparable Noel Burgundy, entonces es mío).

Nada mejor que recordar al personaje con su condición sobradamente ganada de mito y su conciencia de ser una actitud imborrable.

Ayer mismo hablaba de Dany Boon, un actor muy querido y popular en Francia, pero sobre el que todavía no terminamos de formarnos una imagen en España, por lo que se nos puede hacer extraño verlo en papeles tan claramente protagónicos como el de ‘Micmacs’ o el de la ‘Cena de amigos’ (‘Le code a changé’, 2009), que se estrenará en nuestro país dentro de un par de semanas. ‘Bienvenidos al Norte’, ‘Bienvenidos al Sur’, ‘Nada que declarar’...

Hace unos años todavía aparecía como comparsa, por ejemplo en ‘El juego de los idiotas’ (‘La doublure’, 2066), donde el protagonista era Gad Elmaleh, o en ‘Mi mejor amigo’ (‘Mon Meilleur Ami’, 2006), donde acompaña a un poco aprovechado Daniel Auteuil, que también tiene un papel en la anterior. Sobre este film de Patrice Leconte es sobre lo que voy a centrarme en esta crítica.

‘Mi mejor amigo’ sin duda trata de incluirse en la corriente de comedias francesas a la que representan films tan desternillantes y maravillosos como ‘La cena de los idiotas’ (‘Le dîner de cons’, 1998) o ‘Salir del armario’ (‘Le Placard’, 2001), ambas de Francis Veber, además de muchas otros que, si bien no son tan geniales, siguen su fórmula con resultados más que encomiables.

Eso también lo hace ‘Mi mejor amigo’, es decir, no podemos negar que siga la fórmula y que pretenda alcanzar todo lo que consiguen estos ejemplos. Precisamente por ahí le llega su principal defecto: se trata de una cinta demasiado formularia y clásica, en la que todo lo que va a ocurrir se puede prever sin tener demasiada imaginación y en la que ni siquiera la forma en la que ocurre puede sorprender. Todos los ingredientes se han empleado en esta receta y e incluso se han exprimido más que en otras, no obstante, el cóctel no ha quedado igual.

Contiene, por ejemplo, la evolución de la relación entre los protagonistas, que comienza tirante, con un rechazo fuerte por parte del que más necesita cambiar hacia el otro, para acabar en un amor incondicional. También tiene esa especie de lección vital que suele darse en estas comedias y que viene siempre a través de algo que parece incomodar en un principio al protagonista, pero luego resulta ser lo que más falta le hacía. La humanización de un ser reprimido o trabado es algo que casi siempre funciona. ¿Por qué falla aquí?

Para empezar, la situación general resulta demasiado forzada. Que una persona apueste con otra si tiene o no amigos en realidad ya prueba que sí los tiene, pues, de otro modo, quien apuesta —en este caso el personaje interpretado por Julie Gayet— no tendría ningún interés en demostrarle nada a su contrincante. Esa apuesta se introduce para provocar todo lo que viene a continuación, es decir, es necesaria en el guion como justificación del resto de la trama y por ese motivo se incluye, por mucho que entre a la fuerza. Para continuar, la película en general se hace ligeramente plomiza, ya que apenas goza de ritmo y las situaciones no se muestran todo lo humorísticas que deberían ser.

Actores

Lo más sorprendente es que ‘Mi mejor amigo’ falle por el lado actoral. No creo que el mencionado Dany Boon merezca ningún reproche, pues lo poco simpático del film viene de sus aportaciones y la película sube puntos cuando él está en pantalla.

Sin embargo, cuesta creer que un monstruo de la interpretación y de la comedia como Daniel Auteuil no resulte aquí tan desternillante como en las películas citadas al inicio. Su papel le fuerza a ser soso e incluso borde o desagradable, pero eso no tendría por qué impedir que tuviese gracia en un registro apagado y negativo, como el que mostraba en los primeros compases de ‘Salir del amario’. Aquí está desganado o quizá dirigido con desgana o es posible que nunca se haya creído su papel. Lo que podría demostrar que un guion flojo no lo levantan ni los más magistrales.

Tiene momentos

Sí destacaría como fragmento con humor, con mucha emoción y, en general, conseguido en todos sus aspectos, el tramo final en el que el personaje de Boon concursa en ‘¿Quiere ser millonario?’ Lo cierto es que siempre he pensado que los concursantes de algunos programas, como ‘Saber y ganar’, son puros personajes, tanto que a veces he llegado a percibir este concurso como una serie, especialmente cuando participaba el entrañable Roberto. Por ese motivo, la exposición de este hombre tímido y casi incapaz a todos los espectadores y la forma en la que los ejecutivos de la cadena explotan sus rarezas para aumentar la audiencia me pareció muy acertada.

Concluiría diciendo que, si hablábamos de extrañeza al pensar que grandes como Auteuil tuviesen tan poca gracia, también habría que demostrarla al tratar de un director como Leconte —‘El marido de la peluquera’ (1990), ‘La maté porque era mía’ (1993), ‘El perfume de Yvonne’ (1994), ‘La viuda de Saint Pierre’ (2000) o ‘Confidencias muy íntimas’ (2004), entre otras— para reseñar una película tan convencional, ya que esto no es ni mucho menos lo suyo. No sé si se trataría de un encargo o de ganas de sumarse a una corriente que probablemente le gustaría, pero el caso es que ‘Mi mejor amigo’ resulta muy poco personal como propuesta del autor y muy poco efectiva como film comercial.

Mi puntuación: