Tener a Colin Firth tan cerca, para alguien que normalmente no suele estar rodeado de estrellas del cine, pero que las admira y las respeta, es algo realmente extraño. No parece una situación real, ya sabéis, uno está acostumbrado a ver a este tipo en la pantalla del cine o de la televisión. Pero entras en una habitación, iluminada de forma tan potente que contribuye a la sensación de irrealidad, y te invitan a sentarte delante de él, a un palmo. El hombre, perfectamente maquillado y experto en este tipo de actos promocionales, te sonríe, te da la mano y te dice que está encantado de conocerte. Oh. Bien, esto… yo tenía que preguntarle algo… a ver que mire la chuleta…

Ya os conté que la Disney invitó a Blogdecine, entre otros medios nacionales, para cubrir la premiere mundial de ‘Cuento de navidad’ (‘Disney´s A Christmas Carol’) en Londres, siendo un servidor el elegido para llevar a cabo la tarea. Además de ver la película y asistir a los actos organizados con motivo del estreno, tuve la oportunidad de entrevistar a Firth y al director Robert Zemeckis.

De alguna forma, todo fue bien, aunque casi exploto de vergüenza cuando puse la grabación y pude oír mi propia voz. No sé cómo el actor pude entenderme, la verdad. Como veréis, es una entrevista corta, especialmente en comparación con la última que publiqué, a Christian Alvart, pero es que esta vez apenas sólo tuve tres miserables minutos para hacer mis preguntas. Es lo único que me dieron. Y tuve suerte, a otros los cortaron antes (después con Zemeckis me pasó eso). Demasiada prensa y muy poco tiempo para hablar con el invitado. Que, por otro lado, no es el protagonista principal de la película, apenas interviene en tres secuencias, pero bueno, es Colin Firth, un gran actor (Copa Volpi en Venecia este año por ‘A Single Man’) y, por lo poquísimo que he podido tratar con él, un estupendo profesional.

• Jim Carrey interpreta siete u ocho personajes, Gary Oldman tiene dos, Bob Hoskins otros dos… Usted es la única estrella del reparto que sólo interpreta un papel, ¿por qué es eso?

Lo sé, es triste [risas]. No, bueno, cuando llegué ya no había ninguno disponible. Sólo estaba Fred. Trágico.

• ¿Cómo se sintió al verse en la pantalla transformado en Fred, ese personaje animado de forma tan realista?

Es un gran cambio. Porque, ya sabes, el personaje está generado por ordenador y se parece a mí, pero al mismo tiempo tiene su propio rostro, que no se parece al mío. Es algo extraño, sí, verse convertido en un personaje así. Diferente.

• ¿Piensa que, de algún modo, este tipo de películas pueden llegar a suponer un peligro para los actores?

No, porque esta animación depende por completo de los actores. Sin la actuación, es imposible hacer estas películas. Tenemos personajes animados desde hace muchas décadas, y nadie ha dejado de contratar actores. Ahora se nos involucra en el proceso de animación, así que no, no veo ningún peligro para la profesión.

• ¿Y cómo es actuar en una película como ‘Cuento de navidad’? No debe parecerse en nada a un rodaje normal.

Bueno, es un proceso muy diferente. Para empezar, no se necesitan cámaras, no hay cámaras en el set [en realidad sí se usó una, pero no es imprescindible]. Tampoco hay un público sentado delante de ti. Así que puedes usar el escenario como quieras, moverte con libertad. Y tienes a tus compañeros de reparto allí contigo, actuando en el mismo momento. De algún modo, es liberador y refrescante. Lo más incómodo es el traje, y el casco que te ponen, para capturar la interpretación, pero nada más.

• ¿Qué es más importante para usted, el guión, el director, tu personaje en la película…?

Todo es importante. Supongo que quizá guión es lo más importante, porque de ahí surge todo, pero no puedes dejar de preocuparte por los otros aspectos, porque todo tiene que funcionar. ¿Qué parte del cuerpo es más importante? ¿El cerebro, es la más importante? Puede ser, pero sin estómago no puedes vivir, así que… todo es importante.

• Entiendo, pero debo insistir, para usted, ¿cuál es el factor más relevante, para actuar en una película?

Pero es que todo está conectado. Si no tienes un buen guión, no tienes nada. Pero necesitas también un buen director. Un mal director puede estropear un buen guión, pero un buen director no puede hacer gran cosa con un mal guión. Lo mismo con los actores. Importa todo, todo está conectado.

• ¿Puede contarme algo sobre su labor humanitaria? He leído en la nota de prensa que nos ha pasado Disney que incluso ha sido usted premiado por ello.

Bueno, no es algo que planeara. Surgen cosas fuera del mundo de la actuación que me afectan, y a veces me involucro. No lo planifico. No me lo planteo como, ya sabes, una especie de carrera o un proyecto de larga duración. Depende de las circunstancias, si surgen asuntos que me apasionan, me implico. Vienen a mí, y si me interesa, tomo partido.

PD: En la rueda de prensa, el actor dijo que en cada navidad suele salir el Scrooge que todos llevamos dentro. Posteriormente, leí una entrevista donde le preguntaron si realmente odiaba la navidad (evidentemente dijo que no), cuando era un día tan especial; a eso respondió: “¡Es que ahora son tres meses especiales!”.

Recupero hoy las entrevistas que pude realizar durante el Festival de Sitges 09. En esta ocasión os traigo la serie de preguntas y respuestas que mantuve con Christian Alvart, el director de ‘Pandorum’, actualmente en nuestras carteleras. Recuerdo que fue justo después de ver la película, en el pase de las ocho y media de la mañana. Corriendo, como siempre, apenas me dio tiempo a engullir un café ardiendo antes de sentarme frente al realizador, que acababa de hablar con alguien de la radio. Alvart, envuelto en una chaqueta de cuero, se mostró muy cercano y encantado de poder explicar su trabajo, especialmente en un lugar como Sitges, hogar del cine fantástico.

Para esta entrevista tuve más tiempo de lo habitual, en torno a veinte minutos, que creo que se aprovecharon bastante bien. Espero que las preguntas y las respuestas os resulten interesantes, tanto para entender un poco mejor al director y la película, como para animaros a ir a verla, si es que todavía tenéis dudas (el tráiler no es muy bueno, la verdad). Por mi parte, os recomiendo ‘Pandorum’ si lo que buscáis es un cóctel de acción, ciencia ficción y terror. Entretenimiento puro y duro, sin más pretensiones.

A continuación, la entrevista, que NO debes leer si no has visto aún la película, a menos que quieras saber el final, entre otras cosas.

• ‘Pandorum’ recuerda mucho a ‘Alien’, que casualmente es la imagen del Festival, a ‘Aliens: El regreso’, a ‘Horizonte final’, e incluso a ‘Star Wars’ al principio, con la presentación de la nave. ¿Qué películas le han influido a la hora de crear su película?

Claro, con este tipo de películas pasa eso, no hay muchas y las hemos visto todas. Sería diferente si fuera una comedia romántica, que hay miles, pero cuando piensas en una película cuya acción sucede en una nave espacial, apenas hay veinticinco o treinta. Así que has visto las que hay, las tienes en la cabeza y tratas de hacer algo diferente. Pero claro, hay detalles que recuerdan a esos títulos. Me interesan mucho las naves espaciales, cómo hacer una de modo realista, cómo serán en el futuro. Así que en ese sentido, ‘Pandorum’ se acerca más a ‘2001’ que a ‘Star Wars’ o ‘Alien’.

• Los diseños y los efectos especiales lucen mucho, la película parece muy cara cuando no lo es tanto [40 millones de dólares].

Sí, es una producción independiente, es más barata de lo que parece. Pero forma parte de mi aprendizaje ajustarme al presupuesto y aprovecharlo al máximo, hice películas con muy poco dinero antes de ‘Pandorum’, mi primera película costó 25.000 dólares en total, que es el sueldo de Dennis Quaid [risas].

• No hay una explicación clara de por qué surgen las criaturas de la película, no vemos cómo llegan a crearse, o a mutar. ¿Cuál fue su intención original?

Bueno, en la película hay diferentes teorías sobre cómo nacieron las criaturas y qué son. Me gusta estar con mis personajes, así que sólo sabemos lo que ellos saben. No pueden saber si vinieron del exterior o mutaron dentro de la nave, sólo pueden suponer. Y pueden ser buenas ideas, porque uno de ellos es un científico, pero sigue siendo suposiciones. Tampoco quiero revelar los grandes secretos de la película en una entrevista [risas]. Pero esto es una película entre secuelas. Cuando le vendí la idea a los productores, la intención era hacer una trilogía, así que en la precuela hay mucha más información sobre la nave y sus pasajeros.

• En la película hay personas y monstruos, pero a menudo algunas de esas personas llegan a comportarse como monstruos, si bien físicamente siguen siendo aparentemente humanos.

Sí. Bueno, a mí me gustan los personajes violentos, la acción, la sangre y todo eso. Pero he trabajado en la película durante dos años. Y nunca es suficiente. He intentado poner algo de mí en la película, de cómo veo el mundo, la humanidad… Para mí, era interesante reflexionar sobre el comportamiento y la evolución humana. Así que en la película tenemos extremos. Está el personaje que se comporta de forma más humana, el tipo que quiere que todos permanezcan unidos, ayudar todo el tiempo. Por otro lado están esos otros personajes que para sobrevivir han tenido que ir abandonando su moralidad, y se han convertido en monstruos. También, como pasan mucho tiempo en la nave, las mismas criaturas han evolucionado, y hay algunas que pelean y saltan, y otras que sólo pueden arrastrarse.

Los sonidos son muy importantes en su película. Y la música tiene mucha presencia, pero destaca más el silencio, hay muchos momentos de silencio en ‘Pandorum’.

Sí, y me habría gustado que hubiera aún más silencio [risas]. Pero es una película norteamericana, así que… A menudo usan una música muy poderosa [imita el sonido], que está muy bien para el compositor porque puede lucirse y conseguir otro encargo, pero cuando trabajo con mi compositor le pido que se contenga, que haga la música idónea para cada momento de la película, que me ayude a mí. He tenido suerte en ese sentido. En cuanto al sonido, no quiero revelar el truco, pero cuando ves la película por segunda vez, sabiendo el giro del final, hay detalles sonoros que empiezas a notar, que la primera vez pasan desapercibidos. Fue algo divertido de hacer.

• En el tráiler parece que Ben Foster se va a transformar en uno de los monstruos, y en general es un avance que da una idea un tanto equivocada de la película.

Sí, esa escena está en la película, pero tiene otro sentido. En realidad, fue un trabajo duro. Les puse muy difícil el trabajo a los responsables del tráiler, porque no quería que se revelara ningún secreto. Así que les prohibí mostrar un montón de cosas.

• ¿Cómo fue trabajar con Ben Foster?

Es un actor muy intenso. Ya sabes, hace tiempo se diría que es un actor de método. Está todo el tiempo en tensión, metido en el personaje. Lo cual es estupendo para la película, pero también es difícil. Mi forma de contar la historia es muy técnica, yo hablo de encuadres y de dónde colocar la cámara, y él es todo lo contrario, muy emocional. Así que los dos luchamos y nos compenetramos muy bien para dar vida al personaje.

• Hay una escena en la que Foster se come un insecto, una especie de saltamontes. ¿Fue así de verdad o hay truco?

No, no, se la comió, es de verdad [risas]. Siempre intenté buscar el realismo, y cuando preparé la película tenía mucha información, muchos bocetos, muchas ideas, pero no se ven en la pantalla, los detalles sólo los conozco yo. Estos personajes deben sobrevivir en la nave durante mucho tiempo, y no hay alimento para todos. Incluso los monstruos no tienen suficientes personas para comer [risas]. Entonces los personajes comen de todo, comen musgo de las paredes… Había más escenas de ellos comiendo en la película, pero las corté. Así que Ben Foster se tuvo que comer un insecto, sí. Pero sólo uno [risas].

• Foster es un actor que suele hacer interpretar a desequilibrados o villanos, mientras que Quaid suele ser el bueno de la película. ¿Tuvo esto en cuenta a la hora de darles sus respectivos papeles?

Claro, fue a propósito. Me encanta hacer el casting. Y con esta película, al principio quise mandar un mensaje al público, para luego sorprenderles. El personaje de Quaid oculta terribles secretos, y no te esperas eso cuando ves al actor, porque ha sido demasiadas veces el clásico héroe americano. El único papel de malo que ha hecho ha sido en ‘Traffic’, interpretando a un abogado [risas]. Foster siempre es el loco, pero aquí es nuestro protagonista. Pienso que esto beneficia a la película, le aporta mucha tensión, porque el público, que ha visto a Foster en otras películas, mientras ve ‘Pandorum’ está pensando: “Seguro que se vuelve loco en cualquier momento”. Y Foster era el indicado porque su personaje debe estar al límite, pero no es el malo esta vez.

• Antes de ‘Pandorum’, hemos podido ver ‘Expediente 39’. Son películas muy diferentes.

Sí, pero he hecho cuatro películas, y creo que todas son diferentes. Pero también, en todas hay tensión y oscuridad, tienen eso en común. Como artista, me interesa que el público lo pase bien con la historia, pero necesito contar algo más. De ‘Experimento 39’ me atraía la retorcida historia de la niña. Convertirte en padre te cambia, no ves a los niños de la misma forma. Así que por un lado tienes el entretenimiento normal, Renée Zellweger y todo eso, pero también tienes una historia oscura. Por supuesto, es una película de un gran estudio, tenía límites, cosas que no puedes mostrar, pero intenté forzar esos límites. Ya sabes, tienes a Bridget Jones [risas], y minutos después hay una terrorífica huérfana.

• Espero que no le moleste, pero de hecho, la primera parte de ‘Expediente 39’ no me gusta nada, y no es hasta que la niña se descubre como una amenaza cuando la película empieza a resultar interesante.

Bueno, es que no es una película para el aficionado al terror, es “mainstream”, una película para todos los públicos, para gente que quiere ver a Renée Zellweger. Hicimos pases privados, y al público le encantaba esa primera parte. En el cine tienes que jugar con la suspensión de la incredulidad. Si empiezas la película con terror y sangre, este público se va. Pero si presentas a los personajes y luego los llevas a otra parte, la gente se queda. Sé que para la gente que busca cine de terror, o algo más violento, el principio es aburrido. A mí me encanta el terror, pero tengo que pensar en el otro público. Cuando leí el guión, el principio me recordaba a las películas de Sidney Lumet, ya sabes, hay algo que va mal en la sociedad y esta mujer intenta arreglarlo. Intenté darle ese enfoque.

• Entiendo lo que dice, pero yo no soy un fan del cine de terror, y aun así la primera mitad no me gusta. Creo que es culpa de Renée Zellweger, que es muy floja. Quizá habría sido mejor otra actriz, que no marcara tanto el personaje en esa dirección, como ha dicho, al estilo Bridget Jones.

Hay a quien le gusta y a quien no, lo importante es que al final te haya gustado la película cuando acaba, en ese momento todo lo del principio está ya muy lejos [risas]. Creo que el personaje está bien. Es una persona bondadosa, que quiere ayudar a los demás, que cree que no hay maldad. He conocido a esta gente. Son ingenuos. Tienen sus propias ideas sobre la educación y la política. A esta gente le gusta el personaje de Renée.

• No sé si ha visto ‘Orphan’ [‘La huérfana’, de Jaume Collet-Serra], que también se proyecta en el Festival, tiene un argumento muy similar.

No lo ha visto aún, pero se hizo después de que yo acabara ‘Expediente 39’. Y la niña fue a mi casting. La protagonista estuvo entre las candidatas para interpretar a Lillith. Fue una de las diez finalistas. Pero nos quedamos con la mejor [risas].

• Jodelle Ferland está espléndida, hay una secuencia en la que el personaje de Bradley Cooper le está haciendo preguntas, en una sala aparte, y la niña empieza a dar miedo, simplemente respondiendo, hablando, sin hacer gran cosa. No hemos visto aún de lo que es capaz de hacer, pero da miedo.

Es mi secuencia favorita. Son cuatro páginas de guión, en la que sólo hay dos personajes hablando. Cuando las leí me recorrió una creciente sensación de terror. Mi principal reto como director de esta película fue encontrar a la niña adecuada, que con diez años fuera capaz de interpretar esa secuencia de la forma correcta. Y afortunadamente dimos con ella. Vimos a otras, pero Jodelle fue la que mejor hizo la prueba.

• Se ha referido a la precuela y la secuela de ‘Pandorum’, ¿es lo próximo que va a hacer?

No. Si la película hubiese sido un éxito en su estreno en los Estados Unidos, podría haber sido mi próximo proyecto. Pero el primer fin de semana fue muy flojo [menos de 5 millones de recaudación], así que ahora tengo que esperar unos ocho meses, hasta que llegue a más países, y también ver las cifras del DVD... y quizá, sólo quizá, pueda hacer esas dos partes más. Así que ahora mismo estoy buscando financiación para otros proyectos. En Hollywood, cuando por fin tienes una parte del dinero, luego tienes que esperar a tener la otra mitad. Son proyectos muy diferentes. Uno transcurre en Berlín, es sobre un personaje que está implicado en el rodaje de la película ‘M, el vampiro de Dusseldorf’, de Fritz Lang. Y el otro es del estilo de la trilogía de Jason Bourne, pero sin ficción, basada en un caso real, no puedo decir más. Pero a lo mejor mañana me envían un buen guión y hago otra cosa.

• ¿Tiene a alguna estrella para estos proyectos?

No. Me reuní con un gran actor para el segundo de ellos, pero por el momento no hay nada firmado. Es un problema, porque cada vez hay menos estrellas, y así es más difícil levantar una película en Hollywood. Para ‘Pandorum’ fue fundamental tener a Dennis Quaid. Pero ahora, si alguien quisiera hacer algo de la entidad de ‘Pandorum’, Quaid no sería suficiente. Cada vez es más complicado.

Se aproxima el estreno de ‘Spanish Movie’ y hemos querido conocer, de primera mano, más detalles sobre la película y hablar con Javier Ruiz Caldera, su director, que debuta en el largometraje. En poco tiempo la maquinaria de marketing y publicidad invadirá todos los medios con la promoción y, parece que se plantea como una interesante propuesta de cara a la taquilla. Al menos, seguro que nos arranca alguna que otra sonora carcajada. Esa parece la principal premisa.

Javier Ruiz Caldera se aventurado con esta spoof movie que parodia algunos de los títulos más destacados del cine español de la última década. Una producción importante que ha contado con la participación estelar de Leslie Nielsen, además de un completo reparto con caras muy conocidas en el mundo de la televisión (y de la parodia). Ruiz Caldera cuenta en su haber con un premiado y estupendo cortometraje: ‘Tretium’.

Blogdecine: ¿Cómo surgió la idea de ‘Spanish Movie’?

Javier Ruiz Caldera: Los responsables de ‘Spanish Movie’ hemos crecido viendo comedias como ‘El jovencito Frankestein’, ‘Aterriza como puedas’, ‘Agárralo como puedas’ o ‘Top Secret’..., así que es normal que surgiese la idea de adaptarlo a nuestro cine, a nuestro humor. Además, el cine español se merecía una ‘Spanish Movie’, las películas que se han hecho estos últimos años eran carne de parodia, lo estaban pidiendo a gritos.

BdC: Se trata de una producción con un presupuesto importante ¿es que ha entusiasmado a los productores por no existir hasta ahora una película de estas características?

JRC: Nuestra premisa siempre fue que ‘Spanish Movie’ luciese en términos de producción como las películas que estamos parodiando, eso significa que tuvimos que reconstruir los decorados de ‘El Orfanato’, ‘Los Otros’, ‘Volver’ o ‘Mar Adentro’, con efectos especiales como los de ‘[REC]’ o ‘El Laberinto de Fauno’, de hecho el Fauno de ‘Spanish Movie’ fue hecho por las mismas personas que hicieron el de Guillermo del Toro… pues todo esto necesita un mínimo de presupuesto. Queríamos competir con las mejores comedias de este estilo a nivel formal y, si te fijas, en ‘Top Secret’ por ejemplo, hay secuencias espectaculares como la divertidísima pelea bajo el agua, pues nosotros hemos tomado ese nivel como referencia para ‘Spanish Movie’.

BdC: ‘Spanish Movie’ es tu debut en el largometraje, ¿cómo tuviste esta oportunidad?

JRC: Pues se lo debo a unos productores que están un poco locos y que vieron un corto que hice hace años: ‘Treitum’. Se pusieron en contacto conmigo y decidieron, para bien o para mal, que yo debía ser el director de ‘Spanish Movie’... ahora que lo pienso… nunca les pregunté porqué...

BdC: ¿Cómo ha resultado el proceso de rodaje?

JRC: Pues imagínate… tener a Joaquín Reyes, Silvia Abril, Carlos Areces, Alexandra Jiménez, Eduardo Gómez, Joselito… todos en el mismo set… parecía un circo. Yo, como es la primera peli que hago no puedo comparar, pero gente del equipo me ha dicho que nunca se habían reído tanto rodando. Recuerdo el día que se juntaron Leslie Nielsen y Chiquito de la Calzada, había técnicos que mordían las cortinas del decorado para no reír y estropear la toma.

BdC: ¿Qué ha sido lo más complicado hasta el momento?

JRC: Pues supongo que toda la parte de postproducción digital, efectos especiales y demás, en la que estamos enfrascados en el momento en que me estás haciendo esta entrevista, la verdad es que está siendo muy laboriosa y complicada . En ‘Spanish Movie’ hay explosiones, gente que vuela, una hada diminuta que se quema… muchos efectos visuales que están siendo muy complejos.

BdC: Cuentanos alguna anécdota (que se pueda contar).

JRC: Pues que se pueda contar… así públicamente… recuerdo que el primer día de rodaje de Leslie Nielsen estábamos todos muy excitados y nerviosos, pero había una persona que estaba especialmente fuera de sí: Carlos Areces. Carlos es muy mitómano y me hizo prometerle, con lágrimas en los ojos, que compartiría plano con Leslie. Yo, que soy un sentimental, accedí. Pues llegó el día y empezamos a rodar un plano con Leslie a solas… y entonces llegó Carlos, y al ver que estábamos rodando con Leslie y sin él pensó que me había olvidado del trato, y empezó a correr nervioso, apartando a todo el mundo que se encontraba en su camino, sorteó la valla de seguridad, pegó un salto de varios metros, asomó la cabeza por el plano y dijo: “¡Me lo prometiste!”. Entre risas le expliqué que su plano conjunto era por la tarde… se tranquilizó... pero no se despegó de Leslie en todo el día, por si acaso.

BdC: Particularmente, creo que el casting es todo un acierto ¿se plantearon otras opciones para los papeles o han trabajado los que se deseaban?

JRC: Queríamos a los actores más graciosos y divertidos posibles, aunque no fuesen demasiado conocidos. Y sabíamos que tanto en “Muchachada Nui” como en “El Terrat” había una cantera de grandes cómicos, actores que tienen el don de la comedia innato. Y hemos tenido la suerte de que todos, al escuchar lo loco que era el proyecto de ‘Spanish Movie’, se lanzaron de cabeza.

BdC: Para llevar a cabo una parodia ¿era fundamental contar con Joaquín Reyes y Carlos Areces (“Muchachada Nui”)?

JRC: Tenerlos a ellos es una garantía de risas. Sabíamos que contar Joaquín o con Carlos implicaría que cambiarían sus diálogos y los acercarían a su terreno, y así fue. Esta libertad creativa fue esencial para conseguir el tono cómico de ‘Spanish Movie’, y cuando tienes a estos genios del humor es algo que como director sería absurdo no aprovechar. En los ensayos ya veíamos por donde iría el tono de sus personajes, y nos moríamos de la risa… y eso que Joaquín aún no estaba caracterizado de Fauno y a Carlos aún no le habíamos afeitado la cabeza y puesto el jersey de cuello alto para hacer de Mar Adentro.

También queríamos que el resto de Muchachada Nui apareciese en la película y ahí tenemos a Julián Lopez, Raúl Cimas y Ernesto Sevilla en una maravillosa aparición que se escribieron ellos mismos para ‘Spanish Movie’, haciendo una absurda parodia de ‘Los lunes al sol’ llamada ‘Los lunes al…cohol’.

BdC: ¿Cómo se ocurrió contar con una figura como Leslie Nielsen?

JRC: Leslie Nielsen es el icono por excelencia de las “spoof movies”, así que teníamos que conseguir contar con él para ‘Spanish Movie’. Para los que hemos crecido con sus películas tenerle a él en el rodaje fue como una señal divina de que íbamos por el buen camino.

BdC: ¿Fue fácil contar con su participación?

JRC: Pues se emocionó mucho al saber que más allá de los USA, donde siempre ha trabajado, también era considerado como el grandísimo actor que es. Fue increíble ver como una persona de 84 años sigue manteniendo la ilusión por la comedia como un joven adolescente, fue realmente estimulante.

BdC: ¿Qué tal se integró en el rodaje? ¿habla algo de español?

JRC: Él no habla absolutamente nada de español y mi inglés es realmente lamentable así que te puedes imaginar lo divertido de nuestras conversaciones. A pesar de eso, nos entendíamos, yo gesticulaba como un mono y él lo reproducía en versión “crack de la comedia” , improvisaba mucho, y una mirada suya, con esos ojazos azules y vivos que aún conserva, era toda una lección de expresión cómica. A cada toma el equipo al completo no podía evitar estallar en aplausos.

BdC: ¿Qué se espera de ‘Spanish Movie’?

JRC: Yo no sé lo que se espera, pero lo que nosotros hemos pretendido es hacer reír… y no me refiero a una agradable sonrisa sino a la sonora y saludable carcajada.

BdC: Es una producción arriesgada, puesto que las “spoof movies” no suelen cosechar buena acogida de la crítica ¿te preocupa esto? ¿leeras las críticas?

JRC: A este tipo de películas se las suele condenar de antemano y es cierto que las últimas que se han hecho no tienen apenas ninguna gracia. Nosotros hemos querido recuperar el humor y la calidad de las primeras “spoof movies”, las que no te cansabas de ver con los amigos y te morías de la risa. En cuanto a la crítica, pues no sé, lo obvio es que se nos ponga a parir, pero también sabremos reírnos con ello.

BdC: Con el exitazo de producciones españolas recientes como ‘Ágora’ y ‘[REC] 2’, ¿en qué situación ves el cine español?

JRC: A mi me parece estimulante que dos películas españolas tan diferentes entre sí como ‘Ágora’ y ‘[REC] 2’ compitan en la misma semana por el primer puesto en la taquilla española. Es la prueba de que si ofreces al público algo que le apetezca ver, se deja de prejuicios sobre si es cine español o no. Nuestro cine es como el del resto del mundo, hay películas malísimas, la mayoría son regulares y de vez en cuando aparece una buena que te reconcilia con todo. Meter a todo el cine español en el mismo saco es un problema de estrechez de miras. Y este año parece ser que va a acabar de manera interesante ya que todavía están por venir (al menos cuando escribo estas líneas) propuestas tan diferentes ‘Celda 211’ o ‘Planet 51’... y ‘Spanish Movie’, por supuesto.

BdC: ¿Será ‘Spanish Movie’ el taquillazo del próximo mes de diciembre?

JRC: Si eso se supiera de antemano, el juego no sería tan divertido. En cualquier caso yo seguro que sí me escaparé algún día a verla con mis amigos en la sala más grande que encuentre para poder disfrutarla con gente, y sentir como la risa se contagia por toda la sala. Será emocionante.

BdC: ¿Es el comienzo de una saga o todo dependerá del resultado de taquilla?

JRC: Que haya una ‘Spanish Movie 2’ no depende ni de nosotros ni de la taquilla, sino de que se hagan las suficientes películas españolas parodiables en los próximos años, piensa que ‘Spanish Movie’ bebe de las películas españolas de estos últimos 10 años así que… haz las cuentas.

Bueno, lo cierto es que una de las películas que espero con más ganas, así que pronto comprobaremos (el 4 de diciembre) si consigue hacernos reir. Al menos tiene buena pinta. Aquí dejamos el último vídeo de la película, con Fauno/Joaquín Reyes.

Agradecimientos a Paco Cabezas, guionista de la película, por su mediación para la realización de esta entrevista.

Continúo con las entrevistas que pude hacer durante mi provechosa estancia en Sitges. En esta ocasión, y para completar lo dicho en la crítica de ‘La huérfana’ (‘Orphan’) que publiqué ayer, os dejo con la transcripción de la entrevista a su director, el español Jaume Collet-Serra (‘La casa de cera’, ‘Goool 2: Viviendo el sueño’).

Pero antes, os cuento un poco cómo se produjo la reunión. Para empezar, debo aclarar que no tuve la oportunidad de hablar con el director a solas, otros medios estuvieron presentes y la entrevista, que duró unos veinte minutos, se llevó a cabo con la participación de todos. Como todas las charlas con invitados, ésta también se produjo en el Hotel Meliá, centro de operaciones del Festival, pero lo particular es que nos invitaron a la habitación donde se alojaba Collet-Serra.

De nuevo, tuvimos que esperar un rato, hasta que terminó la anterior entrevista, que debió ser en inglés, porque el realizador se alegró bastante cuando empezamos a hablar catalán y castellano. Como veréis, es un tipo bastante peculiar, que bromea mucho pero no se ríe nunca, aparentemente muy seguro de sí mismo y sin pelos en la lengua (he suprimido bastantes tacos). A mí me dejó sorprendido en varias ocasiones, pero al volver a escuchar la grabación entiendo que sólo intentaba crear un ambiente relajado. Sin más, espero que os resulte interesante la lectura:

• Durante gran parte de la película parece que no pasa nada, pero se mantiene la tensión y sabes que en cualquier momento, todo puede explotar.

Para mí era muy importante desarrollar los personajes. Porque si no los desarrollas bien, y la audiencia no conecta con ellos, luego no puedes sentir lo mismo que sienten ellos. Yo tengo la reputación de que mis películas son lentas al empezar y tal. Pero me da igual, a tomar por saco, yo creo mucho en el desarrollo de los personajes. Y lo hice también en ésta, en el guión no pasaba absolutamente nada, además las tres o cuatro cosas que pasaban al principio las quité, y en vez de eso creé la atmósfera, que puede ocurrir algo en cualquier momento. Los truquitos del susto fácil y todo esto te los sacas de encima, y dices: “mira, esta película es tonta, no pasa nada”. Es lo que hice, pero luego os la voy a cambiar totalmente, y os voy a llevar por otro camino. Para decir “yo también sé hacer esto”. Podría hacerlo en el tercer acto, pero sería una putada, os lo voy a poner al principio. Porque si tu clímax es un susto porque pones la música alta… Así que lo pongo al principio. Y los productores contentos, porque te has portado bien.

• No sé si has visto ‘Expediente 39’...

No, pero sé cuál es, sí, he visto el cartel en Estados Unidos.

• Bueno, ésa también va sobre una niña que se vuelve una pesadilla, y también se toma mucho tiempo al principio para presentar a los personajes, pero creo que ‘Orphan’ está bastante mejor porque los actores también lo están.

Eso es lo que tiene de especial la película. No tiene nada más de especial, creo yo, que el nivel de actuación.

• ¿Cómo conseguiste a estos actores, Vera Farmiga, Peter Saarsgard…?

Pues… de rodillas [risas]. No, bueno… Lo que pido, lo consigo siempre.

• ¿Y la niña, Isabelle Fuhrman?

Suerte. No puedes elegir a una niña que te ha gustado en una película que acabas de ver, porque entonces ya tiene catorce años. Estábamos buscando a una niña de nueve años, que hace nueve años se engendrara esta super-actriz que es perfecta para tu película. Isabelle tiene ahora doce, pero tenía diez cuando hicimos la película. Pero es que a esa edad, hay mucha diferencia entre nueve, diez y once, cambia mucho, la altura, la madurez… cambia todo. Y también a lo largo de la película, cambian. Tuvimos la suerte de que nueve años antes de buscar, había nacido esta chica, que era perfecta para el personaje.

• Esther desde el principio marca sus diferencias, sola, con ese vestuario. Y si desde el cartel estás avisando que oculta algo… ¿No habría sido mejor que intentara pasar desapercibida, que se integrara en un grupo?

No creas. Tú vas a ligar con alguien. Quieres que la persona ligue contigo. No quieres ser la persona que va a atacar. Quieres hacerte la interesante y que vengan a ti. Es lo que ella está haciendo. Como una araña, está atrapando a los padres. Tú vas ahí y te vendes, y… vas muy fuerte. Pero si vas y te haces la extraña, la víctima, ellos ya dan el primer paso. Yo pensé que era más interesante hacer eso.

• ¿Querías mandar un aviso al público sobre los peligros de la adopción?

No. No aviso a nadie. No tengo ningún mensaje de adopción. Es una película, es simplemente un recurso. Es como ‘Pero… ¿Quién mató a Harry?’, de Hitchcock, pero con una huérfana.

• Esther tiene algo siniestro, pero a la vez cautiva, no llegas a querer que sea alguien malvado…

Claro, porque te estoy justificando sus acciones.

• Está muy bien, pero, no sé si porque estaba en el guión o porque lo querías así, la niña acaba por mostrarse como un monstruo. Se desata y empieza a comportarse de forma diferente a lo que nos habías enseñado al principio.

Bueno, tienes que pensar que esto no es un documental. Entonces, la película tiene que evolucionar, a dónde tiene que ir. Hay momentos donde dices: “Bah, esto es una película”. Hay momentos de mayor realidad, y otros de película. Bueno, creo que tenía que mostrar a ese monstruo. Ha estado escondido y debía sacarlo.

• Es importante la fragilidad que hay en la familia, ¿no?

Es un reflejo de la típica familia americana que en apariencia todo es perfecto, pero todo el mundo tiene secretos. Y hay una falta de comunicación entre ellos. Si se comunicaran, esto no pasaría. Es un tema de siempre de las películas de terror, que todo el mundo tiene problemas, pero si los confrontaran cuando hay que hacerlo… no morirían. Cuanto se escapan y se esconden de los problemas, viene Freddy y se los carga [risas].

• ¿Hubo problemas por rodar con niños? Porque a menudo, sobre todo en películas de terror, ponen muchas condiciones a los estudios, controlando si el niño participa en alguna escena de violencia. Incluso al niño de ‘La profecía’ le pusieron un psicólogo durante el rodaje…

Sí, están muy controlados. El gobierno americano se lo toma muy en serio, rodamos en Canadá y se trajeron profesores que estaban todo el tiempo con ellos. Tengo cuatro horas para rodar con ellos, ni un minuto más. Y cada media hora, que si tienen que ir a la escuela… Fue una pesadilla. Se les cuida bastante bien. Desde mi punto de vista, se les protege, y yo tampoco quiero que me llamen y me digan, oye, que de niño me jodiste. Cualquier cosa de violencia se hacía de forma muy específica. No había sangre. Toda la sangre que veis se añadió en post-producción. No había cuchillo. Hay una escena en la que ella agarra uno, pero es eso, lo que tiene en la mano, no hay nada más. Todo está muy cuidado. Pero ellos durante el rodaje encantados. La única que a mí me daba un poco de susto, que pensaba que iba a ser muy dura, es cuando le pone la pistola en la cabeza. Porque se tenía que ver la pistola. Había balas, que no son de verdad, pero… a mí me dio mal rollo. Pero en la primera toma, cuando le pone la pistola en la cabeza, la niña se descojonó de risa. Y yo “noooo…”, tenía poco tiempo para rodar con ellos.

• Que la hermana sea sordomuda da mucho juego.

Estaba en el guión. Sí, da mucho juego. Y yo lo exalté, creé un mundo donde no se oye. Es un poco la frustración de no poder comunicarse, no poder hablar con su hermano. Es un toque bonito. Pero cuando lo leí... Dije, “¿cómo vamos a hacer esto?”. Es una niña de cinco años… Si es sordomuda no puedo hablar con ella, no la puedo dirigir. Si no lo es, va a quedar fatal, porque una niña de cinco años nunca va a aprender todo eso, y la asociación de los dos mundos me la manda a tomar por saco. ¿Cómo iba a hacer una película con una niña que no es sordomuda? Y otra vez, tuvimos mucha suerte y encontramos a la niña perfecta. Es sorda pero no muda. Su madre es sordomuda. Entonces, podía hablar, podía comunicarse, tenía esos aparatos para los oídos, que son suyos, oía un poco, y hablaba… mal, como hablan los sordos, porque no oyen bien, pero todo fue perfecto. Es raro, porque nadie pregunta por ella, pero para mí es lo que aguanta la película. O sea, Vera aguanta por un lado, Isabelle por otro, pero la inocencia de esta niña es lo que aguanta la película emocionalmente. Y esa inocencia es verdadera. O sea, ella no sabía que estábamos rodando una película. Ella preguntaba, “¿Me tengo que poner esto otra vez?”, “Y esto, ¿no lo hicimos ayer?”. No sabía nada. Entonces reaccionaba. No actuaba, reaccionaba de verdad a lo que veía.

• Ya me fijé en ‘La casa de cera’ que planificas muy bien cada plano, no se te escapa ningún actor. ¿Cómo preparas cada escena, usas dibujos, storyboards?

No, bueno, soy nazi [risas]. Con los operadores soy muy específico. Me colocan el cuadro, voy ahí, miro y lo muevo, ¿sabes? Un milímetro. Y entonces me dicen: “Ah, tienes razón”. Soy muy nazi con los cuadros, con los enfoques. Pero me hago muchas reglas. Sé de qué va la escena, lo que hay que transmitir con la escena, visualmente qué regla puedo hacer para llevar el mensaje. Por ejemplo, la escena del principio de la psiquiatra. No hay ningún plano con las dos mujeres juntas. Es una regla muy sencilla, porque no hay conexión. Están hablando pero están distantes. La escena cuando aparece la niña. Hasta que ella no se gira y dice su nombre, nunca ves su cara. Haces muchas reglas. Las preparo meses antes de rodar. Entonces cuando toca rodar, todos saben esas reglas. No hay discusión. Lo peor que puede pasar en el cine es improvisar. Si llegas y te dicen “Esto está bien”, y luego “Ah, pero esto también”, o “¿Has probado desde aquí arriba?”. Eso es lo peor que te puede pasar. Te acaban saliendo planos de mierda y nada funciona. Porque todo el mundo intenta poner su sitio, y me quieren tomar por tonto.

• ¿Tienes libertad cuando ruedas una película como ésta, de mucho presupuesto?

El presupuesto no es tan alto, ¿eh? [risas]. Tengo una libertad razonable. Yo cuando ruedo una película, no hay nadie mirando por encima de mi hombro. Mientras yo termine el día a la hora que tengo que terminar, y he rodado la escena que tenía que hacer, no hay ningún problema. Si me paso media hora con el rodaje, me cae bronca, como a todo el mundo. Me sugieren cosas, pero siempre antes, en pre-producción. Durante el rodaje siempre hay problemas, pero ahí yo tengo la última palabra, siempre. A mí no se me impone nada. Porque es mi set. En la claqueta está mi nombre. Lo puedo hacer de buen rollo si eres un productor que te has portado bien conmigo, mirar esa opción… pero no me lo puedes imponer. Luego, una vez que yo entrego mi corte del director, pueden hacer lo que les dé la gana. Ahí está el peligro. Si has sido un capullo cuando estás rodando, ellos lo van a ser contigo en el montaje. Con ‘Orphan’ estuve hasta el último día del montaje. Porque tengo una buena relación con Joel, muy de colaboración. Pero Joel es de los que despiden directores después del primer corte, y traer a su propia gente y acabar la película como él quiere.

• El género de terror no tiene mucho prestigio, ¿quieres seguir ahí?

No, quiero moverme al thriller, llegar a más público. Hay gente que no va a ver mi película por el género. El terror me parece maravilloso, pero yo quiero hacer algo más. Ya he hecho dos de terror, quiero algo más difícil. Es muy fácil rodar terror.

• ¿Y seguirás rodando en Estados Unidos?

Sí. No pienso venirme aquí. Tendría que ser una película especial.

• Destaca ver a DiCaprio entre los productores. ¿Qué tal con él?

Bien, somos muy amigos [risas]. No, bueno, es un chaval de mi edad, normal y corriente. Una super-estrella, pero nada más. Es muy creativo. Sabe lo que quiere, sabe cómo hacerlo. Y se está abriendo paso como productor. Tiene su compañía y tiene muchos proyectos. Lo vais a ver en los próximos años.

PD: Según Imdb, lo nuevo de Collet-Serra se titula ‘Unknown White Male’ y cuenta con Liam Neeson como protagonista.

Como ya sabéis, vi ‘Infectados (Carriers)’ el pasado día 9, en el Auditori del Hotel Meliá, en Sitges. Entré esperando lo mínimo, una de acción con gente tonta siendo perseguida por infectados rabiosos; pero salí de lo más satisfecho, habiendo encontrado algo muy diferente, un drama muy entretenido sobre cuatro personas que quieren sobrevivir a toda costa.

En su momento (antes de que se iniciara el Festival), pedí una entrevista con los directores, los españoles Álex y David Pastor, pero tras la proyección del sábado, aún no me habían llamado de la distribuidora. Así que, deseando hablar con los responsables de una película que me había sorprendido, llamé y pedí un encuentro con ellos, a la hora y durante el tiempo que fuera. Hubo suerte. Me colocaron a la misma hora que otro “medio”, ese mismo día por la tarde.

Compartir una entrevista es algo habitual, por lo que he visto. No me parece demasiado correcto, ya que tu trabajo se ve mezclado con el de otros, que pueden no tener tanto interés como tú en sacar algo provechoso del encuentro, realizando preguntas que a veces suenan a cachondeo; por otro lado, este tipo de soluciones pueden ser la única opción de que hables con los invitados del Festival, así que es lo que hay, o esto o nada. En esta ocasión, lo bueno fue que sólo estábamos dos personas, por lo que tuvimos bastante tiempo e intimidad con los entrevistados.

Álex y David son dos tipos que aún tienen los pies en la tierra. Cercanos, simpáticos, agradables, colaboradores. Quizá demasiado. Llevaban tanto tiempo hablando con la prensa que necesitaban ir al baño, y salieron corriendo para no hacernos esperar. Fue una imagen extraña. Seguro que con el tiempo, si siguen haciendo películas, se volverán más “especiales”, cautos y reservados, así que poder hablar con ellos ahora era algo que me hacía ilusión. Ya veremos qué pasa dentro de unos años.

• La película habla de la vulnerabilidad, ¿no? Hoy la vida nos puede ir bien, pero… está la amenaza.

Álex Pastor: Creo que ahora mismo vivimos en una época de especial incerteza, debido a las amenazas de pandemia, la crisis económica, el terrorismo, el Katrina, el calentamiento global… Desde hacía mucho tiempo no nos planteábamos la posibilidad de que realmente todo esto que nos rodea, que parece tan estable, y que lo damos todo tan por sentado, pueda desaparecer cualquier día, en cualquier momento. Y era lo que nos interesaba más. Plantear una película en la que gente normal y corriente que nunca ha vivido una crisis, una guerra o una catástrofe, se encuentre en esa situación. Gente como David o yo, o como vosotros, que vive en una situación acomodada y protegida.

David Pastor: Es un poco lo que pasó con el Katrina. Que demostró que incluso en una ciudad como New Orleans, que pertenece al primer mundo, y que es parte de Estados Unidos, que uno piensa que es invulnerable a este tipo de desastres, de pronto se encuentra sumida en el caos más absoluto, con saqueos en las calles.

• Pero, en Estados Unidos, ¿no están un poco obsesionados, un poco paranoicos en este sentido?

DP: Bueno, la paranoia que hay con la Gripe A en algunos países no es menos fuerte…

AP: Con algunos temas, como por ejemplo el terrorismo, sí. Pero con la Gripe A, no. En Nueva York no ves nada, no ves anuncios de “Lávate las manos”, sin embargo aquí... A nuestro primo, que vive en Bruselas, volvió un poco resfriado de España y lo pusieron en cuarentena en su casa. Sobre el tema de las pandemias, aquí estamos un poco más paranoicos en Europa que en Estados Unidos.

• La película está protagonizada por dos hermanos, lo cual funciona muy bien, ¿tiene algo que ver con el hecho de que vosotros también lo seáis?

AP: Bueno, en parte sí y en parte no. Sí porque, siendo hermanos, nos interesaban estas relaciones que tienen que ver con la familia, estas relaciones de amor-odio… Y desde el punto de vista propiamente de guionistas, este recurso narrativo de la familia permite poner personajes de personalidades muy polarizadas, que en otro contexto nunca serían amigos. Pero la familia une, y a veces tienes que relacionarte con gente con la que no te entiendes.

• Además, por el peligro que corren durante toda la película, si no fueran hermanos, podrían separarse fácilmente, ¿no?

DP: Claro, cuanto más fuertes los lazos, después es más duro cuando los rompes.

AP: Es la progresión que buscábamos con la película. Los personajes empiezan renunciando a ayudar a desconocidos, luego a amigos, y después los conflictos comienzan a ser familiares. Son más íntimos y más difíciles. Una vez que has cruzado la primera línea, es más fácil cruzar la segunda, y luego la tercera. Que a primera vista, uno diría: “No, no, nunca sería capaz de hacer eso”.

DP: La línea que nunca cruzarías, la vas moviendo poco a poco, y cuando te quieres dar cuenta, ya estás al otro lado.

• ¿Cómo se plantea una dirección entre dos? ¿Cómo os dividís el trabajo?

DP: Bueno, ayudando, cuando uno tiene una idea, antes de llevarla a cabo, el otro la revisa. Una mirada externa…

AP: Es un proceso. La otra persona siempre está desafiando la idea del otro, y poniéndola a prueba. De alguna forma, las ideas que se han llevado a la pantalla, son las ideas que han sobrevivido a las críticas del otro.

DP: Y de esta manera, se ayuda, porque como guionistas, se tiende a ser vagos, y a decir “esto va a colar”. Necesitas a alguien que te diga “oye, no, esto no cuela”.

AP: Necesitas un juez externo. Que rechaza las malas ideas, que te obliga a buscar más, hasta que sean coherentes, que no haya agujeros en el guión…

DP: Y es todo eso lo que hace que cuando llegues al rodaje, ya los dos tenemos muy clara la idea de la película que queremos hacer. Cómo va a ser la escena, cómo vemos a los personajes. Entonces ya podemos hablar con el equipo con un mensaje coherente. Lo peor es cuando un director contradice al otro. Es la receta para el desastre absoluto. Pero cuando el mensaje es coherente, la gente se acostumbra a que si le preguntan algo a él o me lo preguntan a mí, ya saben que la respuesta va a ser más o menos la misma.

• ¿Qué tal fue trabajar con la actriz Piper Perabo?

AP: Bueno, habíamos visto algunas de sus películas, entró por casting. Buscábamos a alguien que fuese capaz de combinar el papel de, aparentemente, chica dura, que puede estar al mismo nivel de su novio, un poco masculina, pero que al mismo tiempo pudiese tener un lado maternal, y un lado más sensible, que quiere ocultar a los demás.

• ¿Y con Chris Pine? Ahora es una estrella gracias a ‘Star Trek’...

AP: También entró por casting. Trabajó con nosotros antes de estar en ‘Star Trek’, así que en ese momento no era nadie conocido, había hecho películas en las que en el fondo la estrella era la chica, y él era el galán. Pero lo que pasó es que lo descubrió nuestra directora de casting, que es una mujer con mucha vista, con mucho olfato, que ya había descubierto a Jack Black, y nos lo recomendó. Confiaba mucho en él. El tipo hizo el casting y nos encantó. Además, fue el personaje para el que más tardamos en encontrar al actor. Vimos a mucha gente y no lo encontrábamos, la mezcla perfecta de lo que buscamos, hasta que dimos con él.

• La película también es un retrato de la sociedad, ¿no? De lo que puede pasar en situaciones como ésta.

DP: Bueno, en este caso, de la desintegración de la sociedad… Sobrevives a todo esto, y te encuentras en un mundo sin reglas. Por un lado todo se ha ido a la mierda, pero por otro, puedes hacer lo que quieras. Te da cierta libertad, equipara a todos, los que tenían un futuro y los que no. De pronto somos todos iguales. Y algunos lo pueden ver como “ahora soy el rey del mundo”, como diría James Cameron.

AP: Hay un detalle en la película, cuando vemos un linchamiento, está ahí para reflejar el racismo latente en la sociedad. De hecho, se dijo que a lo mejor la Gripe A venía de Asia… Este racismo puede hacer que la gente se vuelva contra otra que a lo mejor lleva viviendo con ellos muchos años, que no tiene nada que ver con el problema, que está totalmente integrada, pero de pronto se convierte en el chivo espiatorio…

DP: Eso es algo que el ser humano, lamentablemente, lleva haciendo desde hace siglos.

• Hay una cosa curiosa, volviendo de nuevo a los actores, y es que no aparece Lou Taylor en el cartel. No queríais dar una sorpresa al público, ¿no? Porque el actor lo hace muy bien…

AP: Bueno, eso es… [risas] Nosotros somos los directores, no nos encargamos de eso, es marketing…

DP: No, además a cada persona le gusta un personaje, nadie se pone de acuerdo en quién lo hace mejor y quién peor. Pero es curioso, porque, por contrato, su nombre está el primero en el cartel [risas]. Una cosa compensa la otra, me imagino.

• ¿Estamos en un momento en el que, hoy en día, quizá en Cataluña, podemos ir a Estados Unidos con una buena idea y hacer una película?

AP: Yo creo que la oportunidad siempre ha estado ahí, pero tiene que ver con el carácter de los españoles. Amenábar, Almodóvar, todos esos directores que tienen una carrera de éxito, podrían haberse ido a Estados Unidos si hubieran querido. Si no han ido es porque quieren hacer su cine aquí, que es totalmente respetable, pero no creo que haya sido por falta de oportunidad.

DP: Las puertas siempre han estado abiertas a todos los extranjeros, desde el principio. Hollywood siempre se ha aprovechado de los talentos de fuera. Desde el 27, que se trajeron a Murnau para hacer ‘Amanecer’... “Hemos traído al genio alemán, que va a revolucionar el lenguaje del cinematógrafo”.

AP: Pero en todos los campos. La fuga de cerebros en el terreno de la ciencia, con los nazis… Yo creo que se debe más al carácter español. Que a la gente no le gusta ir fuera, estar lejos de su familia, que echa de menos la tortilla de patatas… [risas]

• Si hubierais tenido cuarenta millones de dólares más, ¿cómo habría sido la película?

DP: Quizá los personajes hubieran ido a Times Square y se hubiera montado allí una gran secuencia… [risas]

AP: No lo sé. Quizá lo que habríamos tenido habría sido más tiempo de rodaje, o más grúas, más helicópteros… Cuarenta millones te da la posibilidad de poner más cosas, pero no creo que la película hubiera sido mejor o peor. No recortamos, no quitamos cosas del guión por falta de dinero, porque teníamos la idea de hacer una película pequeña.

• ¿Cuánto costó la película?

AP: Nueve millones de dólares. Que aquí puede parecer mucho, pero allí... Los alquileres de material, los sueldos de la gente son mucho más altos. Acabamos rodando seis semanas, que aquí es un tiempo muy ajustado.

DP: Con nueve millones, aquí ruedas doce semanas [risas]. Uno piensa que rodando allí tienes todos los medios del mundo, pero a veces es al contrario. Eso sí, los equipos no están tan explotados como los de aquí.

• Entonces, con el guión no hubo problemas, no os impusieron nada para rodarlo.

DP: No, además lo escribimos sin pensar [risas].

AP: El guión ya estaba escrito. Hubo un proceso de reescritura, para mejorarlo, para potenciar ciertas cosas, pero la estructura no se cambió.

DP: La idea inicial era rodarlo en inglés, pero después nos planteamos rodarlo en España, con poco dinero. Y si no había, rodarlo con amigos, éramos un poco inocentes. Y como lo escribimos sin pensar en contentar a nadie, no tuvimos que pensar en quién es el bueno, quién es el malo, lo escribimos con total libertad, y al final, no sé cómo… la pagaron.

• No por mostrar más, se provoca más miedo, ¿no?

AP: Sí... Pero a nosotros lo que nos interesaba era mostrar la paranoia, la desconfianza que tienen los protagonistas. Incluso cuando no está pasando absolutamente nada, viven en tensión constante. Puedes encontrarte con un desconocido, cruzarte con alguien que no sabes de dónde viene, y que podría estar incubando algo… Es lo que crea esta paranoia y esta desconfianza. Es una cosa en la que los personajes piensan durante las veinticuatro horas del día, y queríamos que el espectador estuviera todo el rato en tensión viendo la película, no sólo para que pase miedo, y la película sea más entretenida, sino para que después cuando los personajes toman esas decisiones, uno nos las juzgue desde el punto de vista de lo que se vive ahora, “uy, qué egoísta, esto nunca lo haría”... Que se entienda que en una situación así, uno podría estar dispuesto a traicionar esos valores morales, para sobrevivir, que es la lucha constante de todo ser vivo.

• ¿A qué le tenéis miedo vosotros?

DP: Desde luego, a la Gripe A no [risas]. No sé si por haber hecho la película, pero todo esto me parece ridículo.

AP: Yo le tengo un poco de miedo a los coches. La gente bebe mucho, y coger el coche por la noche, los fines de semana, siento pánico por la gente de mi alrededor…

• Y la secuela, o la precuela, ¿os la han planteado?

DP: Antes nos lo han preguntado y… La verdad es que no lo hemos pensado…

• Entonces la respuesta es no [risas].

AP: No, bueno, es algo que la gente se plantea. Pero nosotros llevamos mucho tiempo con la película, y ya lo que quieres es desconectar. Lo hablas, y a lo mejor quieres volver a retomar los personajes, pero yo creo que tienes que volver a enamorarte de la historia.

Transcurridos unos veinte minutos, nos dieron la señal de “cortar” y se acabó el agradable encuentro. Nos dimos las gracias mutuamente y les deseé suerte para el futuro, aunque no la necesiten. La película está en los cines desde hoy, ya sabéis mi opinión sobre ella.

PD: Según me revelaron los chicos de APlaneta, la película no funcionó en Estados Unidos, así que lo de la secuela o la precuela va a ser que no.

Si vine al Festival de Sitges fue, entre otras importantes razones, para ver cuanto antes la nueva película de Park Chan-wook, y tener la oportunidad de entrevistarle. El gran problema fue que el director sólo habló en coreano, y como podéis suponer, ese idioma no es precisamente uno de mis puntos fuertes. Así que resultaba imprescindible la participación de una intérprete, que aunque hizo estupendamente su trabajo, alteró bastante el encuentro; yo pregunto, luego ella debe traducir lo que he dicho, de forma que el director lo entienda, y luego toca explicarme a mí su respuesta, lo más fielmente posible. Pasaron volando los quince minutos.

‘Thirst’ fue la primera película que vi aquí, y por ahora sigue siendo una de las mejores, con diferencia, siendo muy improbable que la supere alguna otra de las que me quedan (mañana domingo se acaba el Festival). Me citaron para la entrevista por la tarde, a las cinco y cuarto, pero tuve que esperar hasta las seis, hasta que por fin pude saludar al director de la impresionante ‘Old Boy’. Cuando preguntaba, en español, él me miraba fijamente, como si tratara de entenderme; luego, cuando le tocaba responder, se giraba un poco, sin mirar a ningún sitio en concreto. Habla lentamente, en voz baja, y da la impresión de que reflexiona cada frase, cada palabra, aun cuando no me van a llegar directamente. En la rueda de prensa de por la mañana hacía lo mismo, y aunque me consta que entiende el inglés, sólo respondía en su idioma.

• La historia de ‘Thirst’ es muy retorcida, el protagonista es un sacerdote que se transforma en un vampiro, y entonces todo en lo que cree se derrumba. ¿Por qué pensó en un sacerdote?

-En primer lugar, debo decir que mi familia es católica. Crecí en un entorno católico, así que siempre me ha interesado el pecado, el sentimiento y el sufrimiento que podría vivir un sacerdote. Pero hay una cosa con la que tenéis que tener mucho cuidado, la gente de la prensa. El sentimiento que llevamos dentro los católicos surcoreanos no tiene nada que ver con el que se tiene aquí. En Corea, el catolicismo es muy distinto, desde la dictadura los católicos han estado siempre en primera línea, para luchar. Entonces, yo diría que el catolicismo de Corea es progresista. El sentimiento allí es muy diferente al de otros lugares.

• Es un progresismo ambiguo, en todo caso, ya que en su película muestra cómo el protagonista se golpea a sí mismo, cuando ve que tiene pensamientos impuros, porque desea a una mujer.

-Sí, puede interpretarse como usted ha dicho. Pero yo creo que la tentación que él siente es muy grande, y muy creíble, muy posible. En realidad, la cuestión del autocastigo viene de otra idea. Yo quería mostrar que el instrumento que usa, una flauta, también podía ser empleada como un arma de castigo. Y también hay una escena al principio, en la que se derrama y se salpica sangre a través de los agujeros de esa flauta, que quise incluir para mostrar que el instrumento se podía utilizar de varias maneras.

-La música tiene mucha importancia en sus películas, creando una atmósfera concreta que ayuda a sentir lo que viven los personajes. ‘Thirst’ comienza con la música de la flauta del protagonista, y parece evocar algo antiguo, sonidos del pasado. ¿Incluyó esta música para relacionarla con las raíces de la religión, o fue más bien para caracterizar al personaje?

-La flauta que aparece aquí se utiliza, en primer lugar en la película, para tranquilizar a los enfermos del hospital, y también para meditar, le sirve al sacerdote para rezar. Pero además también suenan cantatas de Bach, así que podría ser interpretado como ha dicho. Puede verse desde diferentes puntos de vista. Por otra parte, la flauta también simboliza el pene del protagonista, tiene la forma [risas]. Incluso, de la flauta se expulsa sangre, por lo que también puede simbolizar el órgano sexual femenino. También, la sangre está infectada por un virus, entonces cuando la cara del protagonista llega al extremo de la enfermedad, se ve llena de sangre, por lo que también se puede relacionar la flauta con esto que aparece en el rostro del protagonista.

• Los vampiros de su película son muy particulares, tienen sus propias reglas. ¿Se inspiró en alguna película para crearlos?

-Mi idea era no repetir los clichés. Hay muchos tópicos alrededor de los vampiros, y yo quise buscar algo nuevo. El crucifijo, por ejemplo, no podía usarlo como arma, porque el protagonista es católico. Leí mucho, hice mucha investigación, pero finalmente me puse a cuestionar cada uno de esos tópicos, hasta llegar a un tipo de vampiro que me resultara creíble y apropiado para lo que quería contar. Por otro lado, debo decir que mi película favorita de vampiros es ‘Martin’, de George A. Romero, pero no sé hasta qué punto ha podido influir en mi historia. Intenté hacer algo nuevo, nunca visto.

• ‘Thirst’ está llena de giros. Cuando parece que todo se va a acabar, aparece un nuevo conflicto y se toma una nueva dirección, y luego vuelve a pasar lo mismo. Me pregunto si todo estaba cerrado desde el principio, o si quiso extender la historia durante el rodaje.

-No, todos esos giros estaban en el guión, desde el principio. Cuando ruedo, todo está previsto por escirto. No se improvisa y no se añade nada.

• Ha contado con el actor Song Kang-ho en tres de sus películas [en cuatro, si tenemos en cuenta su cameo en ‘Sympathy for Lady Vengeance’], ¿qué busca en él?

-Yo lo considero el mejor actor de Asia. Creo que es el mejor de toda la Historia de Corea. Y además es mi mejor amigo. Lo interesante de él es que no es guapo, su cara es muy normal, corriente, por lo que puede interpretar a cualquier persona. Puede ser cualquier cara. Aparte de eso, a mí me gusta mucho su estilo de interpretación. Es muy seco y frío. A mí me gusta.

• Kim Ok-vin es una actriz muy diferente a Song, ¿la eligió por eso?

-Sí. Pero también porque Kim no es una cara conocida en Corea. Al menos, no lo era antes de esta película. Quería esto porque no es un personaje familiar, parece que salió de repente de algún sitio, e incluso que su interpretación es un poco improvisada, cuando no es así. También tiene un toque extranjero, al menos en Corea lo pueden ver así. Busqué a alguien que no se conociera, para que no se supiera en absoluto cómo se iba a comportar su personaje, y también que su interpretación no fuera muy racional.

Y se acabó. Me quedé con varias preguntas por hacer, por lo que comenté más arriba y también por no ser más concreto. Pero bueno, no todos los días se tiene la oportunidad de hacer preguntas a uno de los mejores directores del planeta. Me quedo con la experiencia, que me ayudó para las siguientes entrevistas, y con la foto que os he dejado arriba.

Fotos | Kitty´s y La web oficial de Sitges 09

He aquí la primera de las entrevistas que he podido realizar en el Festival de Sitges 2009. Fue durante la mañana siguiente a mi llegada aquí, el viernes día 2 de octubre, y tuvo lugar en el jardín del Hotel Meliá, donde suelen prepararse este tipo de reuniones entre los invitados y la prensa. Me invitaron a sentarme en una pequeña mesa, junto a la cristalera, y Jame Balagueró y Paco Plaza se levantaron para darme un buen apretón de manos.

Un poco nervioso, porque era mi primera entrevista del Festival, les doy las gracias por adelantado, dejo la mochila a un lado de la silla y coloco el móvil, con el que voy a grabar el encuentro, en el centro de la mesa. Balagueró se inclina hacia delante y me pregunta si el móvil me va bien. Al parecer, su novia tiene uno igual. Le digo que me va estupendamente. Curiosamente, hoy me ha empezado a fallar.

• ¿Cuál fue el reto al hacer ‘[REC] 2’?

Jaume Balagueró: Hicimos ‘[REC] 2’ porque daba la sensación de que la gente quería más. Fue lo que nos inspiró realmente. Y yo creo que la película llama: “¿Te atreves a volver?”. Yo creo que había gente que quería volver al infierno, pero prometiéndoles mucho más y renovado, la película acaba siendo muy parecida y a la vez muy distinta a la primera. Yo creo que es el mayor reclamo de la peli.

• ¿Cuándo decidisteis hacer la secuela?

Paco Plaza: Poco después del estreno, creo. También piensa que nosotros vimos la película, luego se estrenó y vivimos unos meses… De un lado para otro con la peli, con mucha gente, y fue un poco esa reacción que percibimos tan positiva, y que nos pilló que en ese momento, al estar promocionándola, al estar pasando mucho tiempo juntos, compartiendo experiencias positivas, empiezas a hablar y te entusiasmas, y había como el caldo de cultivo perfecto. Que la película estaba gustando, que estábamos de buen humor, que nos apetecía seguir ideando cosas… Es un poco hija de las circunstancias. Y por supuesto añadiendo que al productor le interesaba porque había dado mucho dinero.

• ¿Zombies, o infectados, más cámara subjetiva igual a éxito? No puede ser tan sencillo, el mismísimo George A. Romero intentó hacerlo con ‘El diario de los muertos’ y no le salió bien…

JB: Yo creo que no hay fórmulas de éxito. Si las hubiera, todo el mundo tendría éxito y todas las películas serían un éxito.

PP: George Lucas ya demostró con ‘Howard el pato’ que no hay una fórmula de éxito. Si él no sabe tener éxito, no lo sabe nadie. Tienen que darse muchos elementos, y no sólo que haya zombies o la cámara subjetiva, claro.

• He leído que decís que a ‘[REC]’ le dio vida el público.

JB: Sí, el público le insufla la vida. Pero pasa con todas las películas. La ven y queda en el recuerdo de la gente. Vive cuando es vista, asimilada… entonces sí es una película.

• ‘[REC]’ fue la sorpresa, fue algo diferente, ¿qué habéis intentado hacer en ‘[REC] 2’ para que el público se quede con ella, qué pensáis que aportáis con la segunda parte?

JB: Realmente nosotros no hemos intentado hacer nada que fuera emulable a lo que había sido ‘[REC]’. No buscábamos una nueva innovación que fuera recordada ni nada de eso, es decir, con pretenciosidad. Nosotros lo que hemos pretendido es ofrecer una gran diversión a los espectadores, como hicimos con la primera, y para nosotros es por eso por lo que la película debe ser recordada. No por ofrecer una innovación tecnológica, o narrativa, todo lo que hemos intentado ha sido entretener al espectador.

• ¿Qué películas de zombies habéis visto que os hayan influenciado?

JB: Todas.

• Bueno, alguna en especial que os haya influenciado especialmente para estas películas…

JB: Yo he visto todas.

PP: No sé, yo soy admirador de la velocidad de los zombies de ’28 días después’. Que de hecho la vimos juntos en el Festival de Oporto, que la presentó Danny Boyle allí. Y recuerdo que dijimos: “¡Cómo acojona esta peli, los zombies corren!”.

JB: Bueno, aunque esos no eran zombies, ¿no?, eran infectados…

PP: También me gusta muchísimo ‘El amanecer de los muertos’, el remake, la de Zack Snyder. No diría si ha influenciado o no, pero me encanta.

• ¿Habéis visto el remake de ‘[REC]’, ‘Cuarentena’?

JB: No. Nos llama la atención, nos pica la curiosidad, pero… Ver la película otra vez, porque ya la hemos hecho nosotros… No.

• En ‘[REC] 2’ parece haber muchas referencias a películas del género…

PP: Hay ‘La cosa’, hay ‘Demons 2’, nos han dicho ahora… que no teníamos ni idea.

JB: Nos han dicho una que no sé ni cuál es. Y otra de Carpenter, ‘El príncipe de las tinieblas’. Yo creo que cada cual encontrará sus referencias.

PP: Yo lo que sí creo es que hay mucho Berlanga. Hay un toque muy español, muy de esperpento, que creo que está muy claro.

• Hay quien dice que vuestra mejor película de terror es ‘OT: La película’...

JB: Se equivoca.

• ¿Qué os aportó esa película?

PP: Mucha diversión, sobre todo. Lo pasamos muy bien haciéndola, lo pasamos muy bien viéndola… Sobre todo lo que nos aportó es que durante un año, éramos los reyes de las tertulias del café. Nos preguntaban de todo, sobre Chenoa… Nos aportó eso, que vivimos de primera mano un acontecimiento histórico en España. Y a nivel humano nos aportó mucho. A nivel profesional nos gustó hacerla, y estamos muy orgullosos de cómo quedó, nos divertimos muchísimo.

• ¿Vais a seguir trabajando juntos?

JB: Codirigiendo no. No, porque codirigir es una mierda. ‘REC’ sí, por cómo es. Ahora, trabajar juntos… si Paco me pide ayuda, yo encantado, nos lo pasamos muy bien. Cuando Paco haga su película, si puedo aportar algo, lo haré.

• A partir de una entrevista que os hizo un medio norteamericano, se filtró la noticia de que ibais a hacer ‘[REC] 3’, pero resultó que fue un error, ¿no?

PP: ‘Lost in Translation’ [risas]. Yo dije “we won´t make it”, igual no se pronuncia exactamente así, pero ellos entendieron “we want make to it”.

• Entonces, ¿no vais a hacer la tercera?

PP: En principio no.

• ¿Y sin vosotros?

PP: Eso ya depende de la productora, no de nosotros. Depende de los de arriba. Podrían.

• ¿Y os interesaría participar, sin que tengáis que dirigir? No sé, escribir el guión…

JB: No me he parado a pensar en eso. No sé cómo me sentaría si ocurriera.

PP: No nos importaría… Es mucho tiempo trabajando en estas dos pelis, y yo creo que ya está. Hay otras pelis que hacer, otras historias que contar. Y otro sistema de trabajo… A mí me apetece mucho rodar una película convencional. No la locura de planos de veinte minutos. No porque no lo haya pasado bien, porque es que hacerlo otra vez, creo que sería muy agotador.

Con esa respuesta termina la entrevista, otro apretón de manos y muchas gracias.

Fotos | Web oficial del Festival de Sitges

Recibo una llamada de Disney. Hay una presentación —técnicamente se le llama junket— de la próxima película de Disney, ‘Tiana y el sapo’ (‘The Princess and the Frog’, John Musker, Ron Clemes, 2009) en Los Angeles en los Walt Disney Studios. Evidentemente Blogdecine no puede faltar, y allá se va un servidor, a la costa oeste de los Estados Unidos, en un vuelo más largo de lo debido, pero que uno aguanta sobre todo por oír perlas como ‘The Blossom of Parting’ del último disco de Branford Marsalis, que crea la perfecta ambientación para un viaje de estas características, el justo toque de nostalgia en el que un melancólico saxofón y un piano juguetón se entremezclan en una de esas perfectas comuniones que rara vez se oyen, produciéndose el milagro. Os podría hablar también de cierta segunda parte sobre cierto guerrillero, pero como me dieron ganas de tirarme desde el avión, no creo que lo haga jamás.

Aeropuerto de Los Angeles. Me toman por un delincuente, y me retienen durante dos horas, durante las cuales me las veo y me las deseo para hacerles entender que estoy invitado por la Disney a los estudios para una presentación. No lo entienden —o no quieren—, y llego a la conclusión de que para trabajar en aduanas no hace falta ni el más mínimo conocimiento cultural, cuanto más ignorante se es, más cualificado se está para el puesto, al menos en los Estados Unidos. Pasado el mal trago, un muy amable taxista me lleva al Sheraton, cerca de los Estudios Universal, y sufriendo ya el jet lag, me preparo mentalmente para los dos días que nos esperan en los estudios donde ahora manda John Lassetter.

El próximo lunes, cuando mi compañero Adrián Massanet haya terminado con su excelente cobertura del Festival de San Sebastián, os informaremos más profundamente de lo que supusieron esos dos días en los estudios de animación más famosos del mundo.

El viernes pasado se estrenó la última película de Elio Quiroga, ‘No-Do’, una apuesta patria por el cine de género de la que ya os hablaré en un futuro post. Con tal motivo, su principal protagonista, Ana Torrent, nos concedió una entrevista. Como bien sabéis Torrent es una de las actrices más prestigiosas de nuestro cine, que empezó siendo aquella niña que miraba fascinada ‘Frankestein’ en ‘El espíritu de la colmena’ de Víctor Erice.

Años después llegó ‘Tesis’, otro punto importante en su carrera, que nos descubría a un director que se convertiría en uno de los mejores del cine español. Luego ‘Yoyes’, probablemente su papel más polémico y por el que ha recibido excelentes críticas. Ana Torrent reparte su tiempo entre Nueva York y nuestro país. Nos hubiera gustado que se extendiera un poco más en las respuestas (prácticamente son telegráficas) pero desde aquí le agradecemos la molestia y le deseamos lo mejor.

• En ‘Tesis’ destacaste por tu gran trabajo en una cinta de género, ahora con ‘No-Do’ volveremos a verte en una cinta de terror, ¿te sientes cómoda en él?

Tesis es más bien un thriller y No-Do es una película de terror. En ambas películas me he sentido cómoda, sobre todo gracias a los dos directores.

• ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con Elio Quiroga? Y viajando un poco en el tiempo, ¿y con Carlos Saura y Víctor Erice?

Trabajar con Elio ha sido un descubrimiento. Es una persona estupenda, que transmite mucha tranquilidad y con muchísimo talento que no se le ha reconocido hasta ahora.

Con Saura y Erice tengo sobre todo recuerdos personales.

• ¿Crees que el cine de género y en concreto el de terror está siendo uno de los mejores escaparates del cine español reciente?

Creo que sí, se está haciendo mucho cine de esté género y de mucha calidad.

• Has trabajado en ‘Las hermanas Bolena’ una producción made in Hollywood, y resides habitualmente en Nueva York, ¿te gustaría trabajar más en el cine americano o seguir haciendo cine en España?

Me gusta trabajar donde se me ofrezca una buena película y un buen personaje.

• ¿Qué opinas de la actual situación del cine español?

Este año, como todo, la situación no está muy bien. No hay mucho movimiento

• ¿Crees que la televisión española es una buena cantera para el cine de este país, o que por el contrario sólo ofrece actores muy televisivos?

Creo que hay actores con bastante talento en el mundo del cine y en el mundo de la televisión. Además del talento, sobre todo se aprende trabajando y ahora mismo donde hay más trabajo es en la televisión.

• ¿Cuáles son las actrices de nuestro cine a las que más admiras?

Hay muchas actrices a las que admiro, pero si me pides que te diga un nombre, te podría decir Verónica Echegui, que es de las actrices jóvenes que más me gustan.

• ¿Y el director?

Me gustan muchos directores y me gustaría trabajar con Alex de la Iglesia.

• ¿Qué esperas de ‘Ágora’?

Otra buena película de Alejandro.

• ¿Cuál ha sido tu papel más difícil, y el que te ha salido más natural?

El más difícil seguramente Yoyes y natural, no sé, todos los papeles los tengo que preparar bastante.

• ¿Qué es lo más complicado de ser actriz en España?

Que a veces, nuestro trabajo no se respeta demasiado

• ¿Las últimas películas internacionales que más te han gustado?

La última película que he visto ha sido “The visitor” y me encantó.

• ¿Cuáles crees que son tus principales virtudes como actriz? ¿Y defectos?

Nunca los confesaría en alto, jajaja

• ¿Qué supuso para una niña de 6 años trabajar en El Espíritu de la Colmena?

Supuso mi descubrimiento del mundo del cine y como niña entrar en un mundo de magia.

• ¿Marcó mucho tu carrera como actriz?

Muchísimo, ya que fue una gran película.

• ¿Qué proyectos futuros tienes?

Ahora mismo me encuentro rodando la serie de TVE “U.C.O”

• ¿Qué le falta al cine español? ¿Es marketing?

Le falta marketing y buenas historias.

• ¿Por qué se apuesta tan poco por los jóvenes directores españoles, habiendo una cantera tan buena? ¿Y por qué muchos fracasan cuando dan el salto al largo?

Con la situación que hay ahora mismo realmente no se apuesta por nadie.

• ¿Cómo ves que los jóvenes directores españoles hayan decidido dar el salto y rodar películas americanas?

Me parece muy bien.

• ¿Qué piensas sobre que muchas películas se lleguen a conocer gracias a la mal llamada piratería, películas que de otra manera seguramente ni se conocerían?

Ahora mismo es muy difícil controlar el mundo de la piratería, habría que regularlo de alguna forma, de todas formas, si alguien tiene interés en ver una película irá al cine. También, los precios de las entradas son bastante altos.

• Volviendo a ‘No-Do’, ¿crees que cierto sector religioso puede molestarse por la película al verla como algo más que una película de terror?

Creo que no, ya que parte de la película está basada en hechos reales y parte es ficción.

• En el tráiler, por cierto excelente, te vemos gritar varias veces, ¿prefieres personajes más calmados o te gusta desmelenarte?

No entiendo mucho la pregunta, no es lo mismo gritar que desmelenarse, jeje.

• Y por último, tras casi cuatro décadas dentro del cine español, y con la perspectiva del tiempo y la experiencia adquirida a lo largo de todo ese tiempo, ¿Cómo percibes la evolución de nuestro cine? ¿Hay algo que te moleste especialmente, o que te guste, o casi nada ha cambiado desde entonces?

Esta es una pregunta demasiada amplia para resumirla en un par de líneas.

Muchas gracias por tu tiempo, y un abrazo muy fuerte.

La voz de Josemanuel Escribano entró en mi vida una hace un par de años, una noche que escuchaba la radio junto a la chica que primero me arrebató el corazón para luego entregarme el suyo. Ella me aficionó a un conocido programa llamado ‘La rosa de los vientos’, que se emite la madrugada de los sábados y los domingos en Onda Cero. La sección de cine de dicho espacio se titula “El callejón del escribano” y, evidentemente, está a cargo de Josemanuel (que no José Manuel).

Al margen de que coincidiera o no con algunas de sus valoraciones, desde muy pronto me pareció un crítico modelo, un referente a tener muy en cuenta, tanto por su discurso como por la honestidad y proximidad que desprenden sus palabras. Siempre hemos tenido la imagen del crítico elitista y pedante, amargado y arrogante; este señor es lo opuesto a eso. En resumen, es un profesional al que gusta escuchar, y eso, hablando de un crítico de cine, en mi opinión, es un gran logro. Por otra parte, agradecerle, también desde aquí, la amabilidad y el trato tan atento, desde que me puse en contacto para la realización de esta entrevista.

Licenciado en Ciencias de la Información, Josemanuel Escribano ejerce como crítico de cine desde 1973, tanto en revistas (“Interviú” e “Historia de Iberia Vieja”) como en radio (entre otras, Radio Nacional, Onda Madrid y Onda Cero). Su trayectoria profesional es amplia y variada, destacando su labor como editor de la revista “Contraluz”, realizador de publicidad, director de cortometrajes y “performances” (entre 1971 y 1989), director de la revista “Ágora”, realizador en TVE, guionista y editor de la web El Super Diez; es miembro de la Asociación de la Prensa de Madrid y Secretario General del Círculo de Escritores Cinematográficos.

• ¿Cómo llega a ser crítico de cine? ¿Entraba en sus planes?

Siempre me ha atraído el cine, como espectador desde chaval y con cierta vocación desde muy pronto, quizá influido por los jóvenes directores y críticos de la “Nueva Ola” del cine francés. En los años 60 viví en Sevilla y, aunque allí no había escuelas de cine, intenté dar mis primeros pasos como director de cortometrajes; pasos que se fueron concretando a finales de la década, cuando nos juntamos un grupo de amigos, fanáticos del cine todos, y empezamos a trabajar en guiones y proyectos más interesantes. En los años 71 y 72 dirigí mis dos primeros cortos y me trasladé a Madrid, donde seguí dirigiendo cortos y publicidad. Pero en 1973 edité y dirigí la revista “Contraluz”, que se vendía casi clandestinamente y por suscripción (la situación política era bastante convulsa, había una fuerte censura y no encontramos otra manera de hacerlo) y allí descubrí la faceta crítica, que me apasionó inmediatamente y que fui simultaneando al principio con la práctica; pero poco a poco pasó a primer plano (nunca mejor dicho) hasta llevarme a la dedicación exclusiva. En el universo del cine, hay que explicar, porque todo el tiempo (hasta el año 2000) he simultaneado estas actividades con la docencia como profesor de Literatura y Lengua españolas y Comunicación Audiovisual.

• ¿Comunicación audiovisual? ¿Hay aspirantes a cineastas entre sus alumnos?

He impartido la asignatura de Comunicación Audiovisual en un instituto; era una optativa de secundaria, por lo que, en principio, se debería suponer que los alumnos que la escogían tenían ya de entrada cierto interés. Pero eran muy jóvenes como para que tuvieran definida una clara vocación por el cine; ojalá haya sido así y en un futuro próximo surjan cineastas de aquellos alumnos, pero no se manifestaban en ese sentido.

• Se ha referido a la “Nueva Ola” del cine francés, ¿ahí está el origen de su pasión por el cine?

Sin duda. Ahora hace 50 años de las primeras películas de Truffaut, Godard, Rivette, y también Alain Resnais. ‘A bout de soufflé’, ‘Los 400 golpes’ y, muy marcadamente ‘Hiroshima, mon amour’ y ‘El año pasado en Marienbad’ me descubrieron un cine diferente, una forma muy distinta a la de las películas que había visto de chaval, cine americano sobre todo. Aquellas películas, de repente, me mostraban un cine cercanísimo, unas ideas nuevas, unas historias contadas de manera diferente y que me resultaron muchísimo más interesantes. El cine de Godard, tan rompedor; el Antoine Doinel de Truffaut, que lo acompañó toda su vida; las imágenes deslumbrantes, inteligentísimas de Resnais, y las películas de Agnés Varda, Louis Malle, después los “cuentos morales” de Rohmer… Ese momento, que es, sin duda, parte fundamental del cine moderno, me fascinó. Esas películas y el cine europeo en general: Visconti, Losey (que trabajaba en Inglaterra), Ingmar Bergman, Bertolucci, Michelangelo Antonioni con La aventura, El eclipse, Desierto rojo… Este cine y, desde luego, la “Nueva Ola”, me marcaron definitivamente.

• De los cineastas actuales, ¿cuáles son, a su juicio, los más interesantes?

Me interesa especialmente el cine español; porque es mi cultura y son las historias y los personajes más cercanos, y porque, desde luego, no puedo consentir que se diga que es “malo”. Es, por el contrario, bastante interesante, y hay en el panorama actual un grupo numeroso de cineastas de demostrada calidad; sobre todo, existen directores jóvenes que tienen un espléndido futuro. Baste ver, por ejemplo, la cantidad de cortometrajes que se ruedan cada año en España, con una dosis de talento muy llamativa. Y claro que se hacen también malas películas, ¿cómo no? Como en cualquier otra cinematografía, incluida la americana, que llena pantallas y consigue taquillazos frecuentemente; a veces con películas detestables.

Por otra parte, me interesan mucho las cinematografías menos explotadas o comerciales: me gusta mucho el cine de Aki Kaurismäki, de Wong Kar Wai, de Kim Ki-duk, de Nanni Moretti y los nuevos directores italianos, el cine europeo en general, los americanos independientes y, claro, los grandes maestros: Eastwood, Lumet, Allen, Scorsese, Coppola… Es imposible resumir; lo que hago es estar muy atento a la cartelera y no perderme lo que llega, de Fatih Akin a Tarantino, de Lynch a Nuri Bilge Ceylan, por ejemplo.

• ¿Cómo surge “El Super Diez”?

Surgió dentro del “Turno de noche”, en 1991, como una de las secciones del programa que a Juan Antonio Cebrián le pareció más interesante y divertida. De hecho, se ha mantenido siempre (junto con la crítica) a través de los años y los distintos programas de Onda Cero. Y en 2003 pasó a internet, donde publica (simultáneamente con la radio) la tradicional “lista de éxitos” acompañada de noticias y colaboraciones de otros colegas del análisis, el estudio cinematográfico y la creación literaria. “El SuperDiez” se elabora con una fórmula que combina la crítica profesional con la opinión popular (a través de las recaudaciones de las películas), es absolutamente objetiva y, a mi modo de ver, sigue teniendo el mismo espíritu de libertad, independencia y “artesanía” que aquella “Contraluz” de los años 70.

• ¿Tiene algún método (confesable) a la hora de redactar sus críticas?

Pues, sí; uno muy sencillo: lo primero, procuro que no pase mucho tiempo desde que veo la película porque con el aluvión que nos echan encima algunas cosas se me pueden olvidar… Si veo que, efectivamente, voy a tardar en escribir la crítica, suelo recoger algunas notas. A la hora de redactarla, comienzo siempre por un comentario acerca del director, que permita situar la obra dentro de su creación general, y también, cuando el autor no es muy conocido, para dar algunas claves significativas. Después trato de resumir el argumento o el tema de la película y paso a comentar los aspectos concretos de la misma desde mi personal punto de vista. Siempre tratando de no caer en el análisis simplista de separar los aspectos artísticos y técnicos (fotografía, música, ambientación…) del conjunto, y también tratando de aportar algún elemento de reflexión al posible oyente o lector. La crítica, creo, no es sólo un instrumento de confrontación de pareceres, sino también, y sobre todo, un género propio dentro de la literatura periodística.

• ¿Se fijó en alguien cuando empezaba? ¿Algún referente especial?

Me gustaba mucho el estilo personal y desenfadado de Alfonso Sánchez (TVE) y la calidad literaria y el conocimiento de César Santos Fontenla (diario Informaciones); después he seguido mucho, aun con alguna divergencia de criterio, al maestro Ángel Fernández Santos (El País). Y algunos otros, que no voy a mencionar, me han servido sobre todo para saber qué tipo de crítica no querría hacer, e incluso qué tipo de persona no querría ser. Modelos… y todo lo contrario: como en cualquier profesión, supongo.

• ¿Cómo es la relación entre los críticos? ¿Hay conciencia de grupo?

La relación entre los profesionales (de Madrid) es francamente buena, aunque también bastante superficial. Más que conciencia de grupo, que es de tono menor, existen ciertas “camarillas”, que se basan en afinidades ideológicas y, sobre todo, en supuestas “categorías” de los respectivos medios para los que se trabaja. En general, hay un buen número de colegas que nos vemos casi a diario en los pases de prensa, y que mantenemos una relación cordial: intercambiamos noticias de convocatorias, tenemos una correspondencia fluida y nos hacemos algún favor en un momento determinado, si hace falta.

• El público y la crítica, ¿enemigos irreconciliables? ¿No cree que a menudo esa división es poco natural, motivada por la pertenencia a uno de los dos grupos?

En efecto, es una división artificial, porque todos los críticos somos y deberíamos sentirnos, en primer lugar, público. Pero artificial o no, la separación existe: el público se empeña en que los críticos ven las películas “de otra forma” y que lo que contamos es poco interesante, cuando no incomprensible para la mayoría. Y seguramente tiene razón, porque todavía muchos colegas entienden su profesión como un púlpito o una forma de proyección personal, que parece más importante cuanto más oscura; como comentaba más arriba, creo que el ejercicio de la crítica debe estar al servicio del espectador, como un elemento más para su reflexión y análisis, aportando, desde luego, los elementos formativos que se pueda. Y creo que los críticos que se acercan más a esta postura son también los más aceptados por el público en general.

• Hace nada dejamos atrás el cine de 2008; en general, ¿ha sido tan malo como se pinta?

Creo que sí; este 2008 no nos ha traído la habitual media docena de grandes obras, esas que conmueven a la crítica pero también reconoce el público, y, lo que es peor, el tono medio ha sido muy bajo. Y en cuanto al cine español, de manera significativa. Habría mucho que hablar del tema (calidad general, cine español, crisis a distintos niveles…), pero como diagnóstico general, sí parece que el año no ha sido bueno, ni en calidad ni en recaudaciones. No creo que el primer aspecto sea especialmente preocupante: el año próximo veremos, con seguridad, estupendas películas españolas, europeas y, a lo mejor, también americanas y de otras latitudes más exóticas. Más complicada es la cuestión económica: las taquillas descienden sin cesar, y aquí sí que hay una evidente crisis, que obedece a múltiples causas; diversas, pero no desconocidas.

• ¿Cuáles cree que son las causas más importantes de ese descenso? ¿Es una batalla perdida, tienen las salas de cine los días contados?

No diría tanto; los cines han sabido siempre capear todos los temporales y ahora también se van a defender. Van incluyendo proyecciones digitales, el confort y la calidad de las salas aumenta sin cesar (y las que no, cierran), complementan la programación con la exhibición de óperas, conciertos y eventos deportivos… Se buscan la vida, en definitiva. Desde luego, hay dos realidades que empujan en contra: el precio de las entradas (importantísimo: a la gente le gusta el cine, lo que no quiere es pagar 7 euros por entrada; la prueba está en los millones de descargas ilegales de internet que se realizan) y la multiplicación de las “ventanas” que dan acceso a la imagen: internet, dvd, ya mismo los móviles… En cualquier caso, los grandes estudios, que dominan todos los sectores: producción, distribución y exhibición, procurarán crear grandes espectáculos que el público preferirá ver en pantalla grande, con calidad extra de imagen y sonido.

• Volviendo al cine de 2008, ¿qué películas destacaría por encima del resto?

Me han gustado mucho algunas de las estrenadas muy recientemente: ‘El intercambio’, ‘Gomorra’, ‘Il divo’, ‘My blueberry nights’... y otras anteriores como ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’, ’4 meses, 3 semanas, 2 días’, ‘No es país para viejos’, ‘Al otro lado, ‘Elegy’, incluso ‘Deseo, peligro’, que se estrenó a finales de 2007.

• ¿Alguna decepción importante, algún título o director del que esperaba mucho más?

Más que títulos o directores, señalaría que no ha sido un año bueno para el cine español (esperaba más de José Luis Cuerda, y sobre todo de Agustín Díaz Yanes) ni para un género que desde siempre me ha interesado mucho: el fantástico y el terror. Malísimas películas en este apartado, “remakes” totalmente innecesarios, y argumentos rozando la idiotez: una decepción, verdaderamente.

• Ya que lo menciona, ¿de dónde viene su afición por el género fantástico y de terror? ¿Cuáles son sus títulos o directores intocables?

El fantástico en general y el terror en particular, han sido siempre uno (o dos) de mis géneros favoritos, desde siempre. Pero, además, en unas cuantas temporadas del programa de radio tuvimos una sección “Zona Cero” con una crítica o comentario semanal de algún estreno; la verdad es que prácticamente cada fin de semana había uno y terminé por aficionarme del todo y desde entonces he seguido el género con bastante aplicación. Y es verdad que este año último ha sido malo. Claro que no puede haber a cada rato un “M el vampiro de Dusseldorf”, un “Drácula” o un (por acercarnos más en el tiempo) “2001” o un “Resplandor” de Stanley Kubrick, un “Alien” de Ridley Scott, otra “Noche de los muertos vivientes” u otra “Semilla del diablo”. Los grandes directores, cuando tocan el género, lo convierten en una maravilla.

Pero ahora hay otros títulos y otros directores de interés, de Sam Raimi y Cronenberg a los maestros orientales Hideo Nakata (“The ring”), Bong Joon-Ho (“The host”), Takashi Shimizu (“The grudge”)... y tantos otros, hasta los hermanos Pang cuando están en forma. Nada importante, como digo, en este año pasado; es más, lo que ha llegado, de oriente, y no digamos de América, ha sido francamente malo: previsible, infantil, desaliñado y algunas veces hasta ridículo.

• ¿Lo último que más le ha gustado del género?

Si tuviera que elegir una película de entre todas las últimas me quedaría seguramente con la de Joon-Ho, “The host”, del 2007: una joyita del género, original, divertida, con mucho ritmo… y, desde luego, terrorífica.

• Ah, pensé que diría ‘La niebla’, creo que fue de lo mejor de 2008…

Sí, por cierto, “La niebla” me pareció de lo poquito salvable del año, coincido contigo; no es que sea el colmo de lo original, pero la “versión” de Darabont del tema es de lo más sugerente. Y esa secuencia final, ¿eh? Es una pena no haberla visto (cosas de los distribuidores, que son… como son) en blanco y negro, tiene que ser estupenda.