Con motivo del encuentro entre expertos que tendrá lugar mañana, hemos hablado un rato con Manuel Cristóbal a cerca de la relación entre el cine e Internet, ese ser que muchos ven como el coco. Para los que no lo sepáis, Cristóbal es productor de cine. Entre sus mayores logros se encuentra el haber producido esa joya de la animación que es ‘Arrugas’ (Ignacio Ferreras, 2011), ganadora del Goya a la mejor película de animación hace dos galas. En su currículum también encontramos dos películas a las que la palabra joya les queda muy grande, ‘El bosque animado’ (2001) y ‘El sueño de una noche de San Juán’ (2005), ambas dirigidas por Ángel de la Cruz y Manolo Gómez, suponiendo el punto más alto jamás alcanzado por la productora Dygra.

Cristóbal también ha metido la mano en el film ‘El lince perdido’, largometraje producido al lado de Antonio Banderas, y que supuso la realización del sueño de Raúl García, a quien tuve la suerte de conocer en New York cuando andaba con la película debajo del brazo buscando distribución. El último trabajo de Cristóbal ha sido el documental ‘Encierros 3D’, estrenado el pasado diciembre. Su cuenta de twitter está continuamente en activo, y en ella os podréis dar cuenta de que Manuel Cristóbal es uno de esos productores que SABEN de cine —entendiendo por cine algo que se inventó a finales del siglo XIX y no en 1994—, algo muy raro de ver en nuestro país.

Ha tenido la amabilidad de contestar a unas cuantas preguntas al respecto de la relación entre la red y el séptimo arte, que además de arte es negocio.

• ¿Crees que llegará el día en el que las salas de cine perderán su hegemonía y se normalice el estreno online de las películas al mismo tiempo o incluso por adelantado?

Depende de la película, hay películas donde la sala de cine y su estreno en las mismas es totalmente razonable y muy rentable. El cine sigue funcionando muy bien en muchos países, España no es uno de ellos, y decir que es un modelo de negocio obsoleto es falso. Es verdad que los ingresos del DVD han decrecido de manera importante y las ventas internacionales se han resentido pero es un negocio que se reinventa constantemente, lo que pasa es que el VOD no acaba de arrancar y menos en España, es un poco frustrante a veces. El sistema de ventanas funciona en algunas películas y en otras puede funcionar el estreno simultaneo, lo importante es en ningún momento dejar de tener la película disponible en alguna de las ventanas y satisfacer la demanda.

• ¿Hasta qué punto es rentable estrenar una película en Internet, si es posible descargarla gratis?

En España no es que haya piratería es que hay impunidad y además por unas empresas que ofrecen películas y series que no son suyas de manera gratuita mientras facturan publicidad. Los anunciantes se sorprenderían de saber donde las centrales de medios los anuncian. Obviamente contra el gratis total no se puede competir cuando además ese gratis ni paga impuestos, ni contrata, ni nada. Cuando se pueda competir habrá sorpresas porque hay un público que quiere contenido en internet y está dispuesto a pagar si hay contenido, el servicio es bueno y el precio el adecuado. Lo que es muy frustrante es la lentitud de la oferta legal en adaptarse y lo complicado que puede ser a veces intentar consumir contenidos de manera legal en internet pero también es verdad que hay empresas que han avanzado mucho al respecto, FILMIN a la cabeza. Otro punto a resaltar es YouTube y su política tan laxa a la hora de subir películas con copyright a su servicio, actúan con soberbia y de una manera torticera, se defienden con eso de que si les avisas bla bla pero creo que hay mala fe. Con cuatro variables se puede detectar que es una película comercial pero se hacen los locos. Be evil puro y duro.

• ¿Qué producto considera que encaja mejor en el mercado on-line y qué frena a los producotres a la hora de abrzarel on-line, escasez de cultura de pago, precios bajos..?

El cine art house tiene en el VOD su desarrollo natural pero con los retornos que hay es una ventana residual. Nada frena a los productores es que sencillamente todavía no es una realidad económica, es más en la Academia de Cine se usa visionado online desde hace años cuando en USA es muy reciente, y el sistema de VOD que usa la Academia Europea es español, Filmotech, que funciona perfectamente para eso . Hay que trabajar en la cultura de pago de manera que sea razonable para todos y creérselo por ambas partes.

• Netflix es el gran referente mundial en cuanto a oferta online de series y películas. Sin embargo, acabó descartando su entrada en el mercado español, ¿qué cree que debería cambiar para que Netflix cambie de opinión?

Admiro lo que ha hecho Netflix y su CEO Reed Hastings pero en España existe una visión un tanto idealizada del servicio, Netflix es sobre todo un sistema de SVOD (Suscription Video On Demand) y su oferta es de catálogo. Eso quiere decir que los estrenos pueden tardar mucho en llegar a Netflix, entre 12 y 18 meses, por lo que no es lo que muchos creen. Otra cosa es lo que están haciendo con series como House of Cards para competir con HBO que es fantástico. A España no llegó porque tuvo que reescalar su expansión y porque no hay seguridad jurídica que permita un desarrollo sano de video en internet. No nos damos cuenta pero España es sencillamente un mercado que no interesa.

• Mucha gente perteneciente al mundo del cine, sobre todo productores, siguen viendo a Internet como a un enemigo, cuando la realidad es que cine español en la red, el justito, puesto que la mayor parte de la gente se baja cine norteamericano. ¿Qué opina Manuel Cristóbal de Internet?

Se piratea el cine que funciona sin importar la nacionalidad y la primera película en salas en España el año pasado fue Lo Imposible que es española y fue pirateada a los bestia. Internet es una gran realidad, en 2007 ya hice un estreno simultaneo con Gritos en el pasillo y creo que es muy importante pero a veces lo idealizamos.

• Actores como Mel Gibson han estrenado on-line alguna de sus últimas películas (‘Vacaciones en el infierno’ es un claro ejemplo) y más realizadores se están subiendo al carro, caso de Kevin Smith o Steven Soderbergh. ¿por qué ese modelo de negocio no parece que convezca por estos lares, tanto miedo hay?

No es miedo, depende de las películas y de la realidad de mercado. Soderbergh lo ha hecho con alguna de sus películas y en USA el VOD ya está dando ingresos importantes. Es España las cifras aun no salen.

• Respecto a ‘Arrugas’ ¿cuál fue la plataforma on-line en la que mejor ha encajado?, y ¿cuál va a ser tu próximo proyecto y cómo encaja Internet en la estrategia de distribución y comercialización?

Sin duda Filmin, funcionó muy bien, son muy profesionales y lo que es muy importante como productor me informaron y me pagaron religiosamente. También funcionó muy bien en Yomvi pero ya como parte de la suscripción a Canal Plus. Es una fase apasionante porque aprendes cada día.

Próximos proyectos hay muchos, ya iremos contando.

Antonio de la Torre, malagueño, periodista, actor, señor, me llama por teléfono y aunque es la primera vez que hablamos, parece como si nos conociéramos de toda la vida. “¿Tú dónde vives, tío, te viene bien quedar en la plaza Mariana?”, como si yo pudiera decirle a él que mejor se pasara por mi piso. Nos vemos en un restaurante de esa zona, y nada más sentarnos pide algo para comer. Me confiesa que está hambriento, que no ha desayunado. Han pasado las tres de la tarde. Y apenas ha podido dormir unas horas.

El rodaje de ‘Caníbal’, en la que De la Torre interpreta al protagonista, le ha traído a Granada. Llegó a principios de año para los ensayos y a finales de marzo encara las últimas jornadas de la filmación. Ruedan de noche y se va a dormir a las tantas de la mañana. Pero se entera que he solicitado una entrevista con él y busca un hueco, aunque le cueste parte de un preciado descanso. Me lo encuentro visiblemente cansado, algo resfriado (hace frío y llueve) y deseando hincar el diente a lo que sea que le ponga el camarero por delante. Pero desde el primer instante hace gala de una gran profesionalidad, una encantadora cercanía y un genuino sentido del humor. Mira directamente a los ojos y es una de las personas más humildes que he conocido. Tras estrecharnos la mano le doy las gracias por dejarme compartir un rato con uno de los mejores intérpretes europeos actuales, y así comienza la conversación que tenéis a continuación…

• Imagino que no debe ser fácil conceder entrevistas durante un rodaje, sobre todo cuando acabas tan tarde de trabajar… ¿cuántas horas diarias te ocupa un rodaje?

Once horas. Lo normal son once horas. Diez más una para comer.

• Vaya, es bastante. No es lo que se imagina uno cuando piensa en la jornada de trabajo de un actor con el caché que tienes…

¿No? No es tanto, ten en cuenta que un rodaje suele durar ocho semanas. Quitando ensayos y parones por diferentes razones, solo son unas ocho semanas.

• Y filmar de noche, tan tarde, ¿no es un problema?

No.

• ¿No estás más cansado? ¿No te perjudica como actor este horario?

No. Hombre, a veces estás cansado, sobre todo si eres el protagonista, pero bueno… haberte dedicado a otra cosa.

• De todos modos te agradezco mucho que me concedas un pedazo de tu tiempo libre, supongo que no soy el único que te lo pide…

No, y desgraciadamente no puedo atender a todo. Antes sí, pero ahora con Facebook, Twitter… no puedo. Solo tengo una vida. A veces me piden ayuda para promocionar festivales de cortos y no puedo ni contestar. Otras me vienen con concursos absurdos que… en fin. Pero decir que no cuesta, ¿eh?

• Me lo imagino. Pero es que con las redes sociales creo que la gente ha perdido la perspectiva, tienen agregados a famosos como si fueran amigos suyos. Y no entienden que cada uno tiene su vida y no pueden exigir nada simplemente porque pagan una entrada o compran una película…

Exacto. Hay muchas anécdotas sobre eso. Un amigo director me decía el otro día que una mujer se molestó porque no se pudo parar a atenderla, y le dijo que le parecía una falta de respeto que no pudiera dedicarle ni cinco minutos… Pero claro, hay mil más como ella. Y cinco minutos por mil ya son cinco mil minutos…

• El precio que hay que pagar por ser famoso, ¿no?

Sí. Preferiría no serlo. Me acuerdo del refrán, ten cuidado con lo que deseas, no vaya a ser que lo consigas… Cuando era mas joven deseaba la fama con toda mi alma. Yo creo que por una cuestión de inseguridad. Teniendo el cariño de los demás era una manera de reafirmarme. Pensaba en que si era famoso es porque todo el mundo me quería y eso es porque yo era bueno… No te voy a decir que me haya librado del todo de ese mal… Pero al ir madurando, vas entendiendo que el único reconocimiento posible y válido es el que te concedes a ti mismo. Tratar de saber quién eres. Mirarte al espejo y hablar contigo de vez en cuando. Algo que hacemos poco…

• Ya que tocamos el tema de Internet, se ha hablado mucho del peligro que supone para el cine, del daño que puede hacer para la profesión… ¿cómo lo ves?

Yo no me lo planteo como un peligro. Es una realidad. Internet es una herramienta maravillosa, de intercambio de información… El formato físico del cine va a desaparecer. Yo cada vez veo más películas en mi tablet. Hay páginas de alquiler online, como Filmin, y los académicos tenemos una plataforma para ver películas… Es muy fácil, si tienes en casa un ADSL medianamente potente, pese a que en este país tenemos uno de los peores ADSL de toda Europa… Así es como va a ser. Así es ya.

• ¿Y las descargas, el “pirateo”?

Hay que definir una política de precios distinta. Yo soy partidario de facilitar el consumo de cultura, de fijar precios en función de la renta. Tú ganas menos, pues para ti el cine más barato… Lo que la gente tiene que entender, es que no te puedes bajar las películas gratis. Detrás de eso hay un trabajo. Y si nadie paga un duro…

• Hay quien dice que ya paga por el servicio de Internet, los discos duros, las grabadoras…

Sí, he escuchado todo tipo de argumentos. Y también he compartido archivos, he prestado películas, eso se ha hecho siempre. Pero lo que no puede ser es compartir miles de copias de una película… Un amigo dice que la solución es subir los impuestos. Vale. Busquemos la forma. Pero hay que entender que no se puede generar cultura de la nada.

• Hablando de Internet y de vender cultura, tengo que decir que me sorprende lo poco que se promocionan las películas españolas. En Estados Unidos no esperan ni al rodaje para dar detalles de todo, lanzar carteles o incluso teaser tráilers, mantienen a la prensa y a los aficionados pendientes desde el principio…

¿Crees que aquí el cine se vende mal?

• Sí, desde luego. ¿No lo ves así?

No tengo ni idea. Debería preocuparme, pero no me he parado a pensarlo… Es decir, me preocupo de mi curro…

• Entiendo. Por cierto, ¿puedes contar algo de ‘Caníbal’? ¿Qué te interesó del proyecto?
  
  El director, Manuel Martín Cuenca. Es uno de los mejores director de actores que hay en España. Y es amigo mío, así que… No podía decir que no.

• Vamos, que te podría haber ofrecido cualquier cosa que la aceptas…

Hombre… El guion es maravilloso, muy emocionante. El protagonista es un sastre que lleva una doble vida. Por un lado es un tío respetado, organizado… y por otro pues come la carne que come. A partir de ahí hemos intentado crear algo psicológico. Él tiene dificultad para expresar sus sentimientos. Aparte de que su sentido de la empatía no está bien, si no le sería imposible cometer esas atrocidades…

• ¿Vais a contar por qué lo hace?

No. Manolo y yo hemos hablado sobre eso, pero no, nunca se aclara de dónde viene este hombre. Hace lo que hace y no se explica más. La película es un cuento sobre la capacidad redentora del amor. Si el amor puede redimir al mal. Si el mal puede enamorarse. Ésa sería la clave, creo yo.

• ¿La tendréis lista para este año?

No. Supongo que se estrenará en 2014, pero no sé.

• Y cuando acabes esto, ¿tienes otro rodaje en camino?

No. Ahora mismo, mi idea es parar. Estoy un poco agotado.

• Vaya, ¿tú también? Leonardo DiCaprio, Ryan Gosling y ahora tú…

Yo he currado mucho, ¿eh? He tenido mucha suerte, gracias a Dios. Desde que nació mi niña, hace dos años, no he parado. Ya sabes, hay que llevar el potaje a la casa… Pero cuando lo das todo en escena, como estoy intentando hacer yo, te quedas vacío. Es la consecuencia, quedarte sin nada.

• ¿Cuándo decidiste dedicarte a actuar? ¿Cómo empezaste?

Yo primero estudié periodismo, y fue por un colega mio en la facultad, Alberto San Juan. Cuando se acabó la Expo, él se quedó sin trabajo, y se iba a Madrid a una escuela de interpretación, y me dijo que me fuera con él. A mí Canal Sur me ofreció un puesto en Málaga, tenía un futuro ahí, pero tenía 24 años, y pensé que era muy joven para plantar ya el huevo, tenía que intentar otra cosa. Luego volví, fue mi época de periodista deportivo, y ahora estoy en excedencia… Lo había pensando antes, pero yo situaría mi comienzo en la interpretación en el 92, cuando me presento en la escuela de Cristina Rota. Y en el verano de 93 hice mi primer papel, en la serie ‘Lleno, por favor’.

• ¿De qué forma sueles trabajar, cómo preparas los personajes?

Me leo el guion. Hablo con el director. Si hay un elemento profesional muy claro pues intento currármelo. Si es un policía o como ahora un sastre… Pero intento llegar a la persona.

• No eres como esos actores que se van por ahí a investigar, o eso dicen, trabajas siempre con el director…

Hombre, lo del sastre lo consiguió Manolo. Luego soy yo el que va al sastre, él no está allí conmigo todos los días mirando lo que hago… A veces tenemos un coach. En ‘Gordos’ me la preparé con uno, con el consentimiento del director. Depende, no lo he vuelto a hacer. Me centro en el guion. Investigo en la vida. Trato de aportar todo lo necesario para crear a la persona. Mira, uno de los mejores piropos que me he llevado en mi vida, me lo contó una actriz que fue a ver ‘Azuloscurocasinegro’ con un juez de vigilancia penitenciaria, y al verme el tío dijo: “¡Joder, parece uno de los que estoy tomando declaración todos los días!”.

• Cierto. El que no sepa quién eres, cree que han filmado a un preso auténtico… Entonces, ¿te gusta ceñirte al guion, no te gusta improvisar?

Es que depende del director. Me gusta improvisar. Sentir que las palabras salen nuevas. A veces eso es posible, a veces no, meto la pata y el director me dice que pare.

• A veces pienso que se limita demasiado a los actores. Hace poco comentaba que interpretar también puede ser crear… ¿has visto ‘The Master’?

Sí.

• ¿No crees que ahí son fundamentales las interpretaciones? Es decir, el guion y la puesta en escena es de otro pero… ¿no piensas que los actores también creáis?

Estás creando desde un punto de vista emocional. Me gusta usar mis palabras, en general me sale… Pero entiendo que el director tiene una autoría. Y que tiene una idea de cómo debe ir la secuencia… es un proceso complejo. Y lo que parecen improvisaciones a veces no lo son. Recuerdo que hablé con Lola Dueñas por una frase en ‘Mar adentro’ que me parecía que era improvisada. Y me dijo: “Hicimos 21 tomas”. A veces es así, hay que saber cómo hacerlo. No sé. Solo sé que no sé nada…

• ¿Cómo preparaste el papel de ‘Gordos’? Debió ser un reto…

Me ayudó un endocrino. Estuve cuatro meses para engordar y cuatro para adelgazar. Llegué a pesar 102 kilos. Lo más difícil fue bajarlo…

• ¿Lo volverías a hacer?

No. Es decir, ya lo he hecho, no creo que lo vuelva a repetir… Me cuido, hago deporte, podría adelgazar un poco o coger unos kilos…

• Otro hace lo que tú hiciste en ‘Gordos’ y lo endiosan. Lo hace Christian Bale y le dan un Oscar…

Bueno, por ‘El maquinista’ no le dieron nada…

• Cierto, pero esa película no tuvo repercusión, con ‘The Fighter’, donde está más delgado de lo normal, ganó un Oscar. Se habló mucho del esfuerzo que hizo para interpretar a Batman, ahora está rodando otra con David O. Russell y también se está diciendo que ha engordado mucho…

No le doy mucha importancia a eso. Si crees que es necesario para el papel, lo haces. Si el director dice que no hay otra manera, que no se puede usar una prótesis, hay que engordar… Yo miro la interpretación. Me nominaron al Goya. Pero no me lo van a dar por engordar. Ese año estaba Luis Tosar con Malamadre, un trabajo muy celebrado. Lo ganó justamente y ya está. Al final esto es una carrera de fondo. Al final de tu carrera verás todo lo que has hecho, muchas cosas diferentes…

• Hablando de los Goya. Este año fuiste nominado por dos trabajos diferentes, ¿pensabas que tenías opciones de llevarte una estatuilla?

Pensaba que tenía opciones de conseguir la nominación por ‘Grupo 7’. ‘Invasor’ ni de lejos. Ya cuando salió la doble nominación ya sabía que no iba a ganar.

• Entonces no tenías pensado nada por si ganabas…

Algo había pensado… Igual luego me pongo nervioso, me hago un lío y digo dos o tres tonterías… Pero pensé: si me lo daban por ‘Grupo 7’ es un policía, si es por ‘Invasor’ es un médico militar. Así que si gano se lo dedicaré a los funcionarios…

• Igual alguno se molesta, como lo que pasó con Candela Peña, que enfadó a cierta gente por hablar del paro y los recortes en los hospitales…

A mucha gente le encantó lo que dijo. Entre ellos, yo. Cuando hablo no pienso en la gente a la que puedo molestar, pienso en la gente que lo necesita.

• Hablando de asuntos controvertidos, ¿cómo has vivido lo que ha ocurrido en torno a ‘Los amantes pasajeros’? El éxito en taquilla, la división de la crítica…

Como estoy metido en el rodaje de ‘Caníbal’, no me he enterado mucho. Meterse a rodar una película es como estar en un ‘Gran Hermano’. Te quedas fuera de todo. Pero he seguido la información, sobre todo el primer fin de semana, he leído críticas, lo reconozco…

• Pero a ti te pone bien todo el mundo…

No, no, algún palillo me ha caído. Pero he leído mucho. Que si estoy un poco acartonado… Pero en general, los actores no salimos mal parados. Las críticas siempre apuntan en la misma dirección: Pedro Almodóvar.

• ¿Cómo es trabajar con él?

Pedro tiene la película en la cabeza, muy clara. Creo que intenta que tú llegues a lo que él ha pensado. Y si una secuencia no la tiene muy clara, notas que entonces te deja más hacer, que está más abierto. No sé, así lo veo yo… Tiene su universo muy claro. No ensayamos mucho. Hablamos, pero no quiere quemar la historia, le gusta que haya algo fresco en el rodaje.

• ¿Y Alberto Rodrigez?

Es muy diferente. Alberto tiene un estilo más realista, es un tío de la calle, personalmente es muy contenido, muy tímido, creo que mi personaje tiene cosas de él… Con Alberto ensayé mucho más. Rafael era un personaje más de tripas.

• Como actor, egoístamente, ¿cuál de los dos métodos te resulta más atractivo?

Como actor, me gusta que me dejen hacer lo que me dé la gana. Me gusta que me digan lo que Valdano a Raúl: el que quiera comerse el mundo tiene todo el permiso para hacerlo. Pero entiendo que esto no puede ser, puedes lanzarte y hacer una tontería. Es un pulso. Muchas veces tengo mucha confianza en mí mismo, pero otras veces… es hablar con el director, a ver si encontráis un camino. Al final, todo tiene un punto de negociación.

• Has estado cambiando de género con aparente facilidad, ¿te atrae más alguno en particular?

No. Me da igual. Comedia, drama… Lo ideal sería hacer de todo. Y lo que salga. Esto es España.

• ¿Has pensando en trabajar en el extranjero? ¿Hollywood? Seguro que has recibido ofertas…

He hecho alguna prueba, pero ofertas cero. Para que te voy a contar milongas. Si hubiera recibido una oferta… mira, te doy un titular, casi seguro diría que sí. Tendría que ser un papel absurdo, que yo dijera “¡esto es ridículo!”, para rechazarlo… Tengo muchas ganas de trabajar en inglés, quiero esa experiencia. Si saliera algo, lo haría.

• Seguro que ocurre. Hay varios actores españoles trabajando allí, cuestión de tiempo… Por cierto, ¿quiénes son tus actores favoritos? De cualquier nacionalidad.

Admiro mucho a Javier Bardem. Philip Seymour Hoffman, Robert de Niro, Al Pacino, Dustin Hoffman…

• Pero no los tienes en un pedestal…

¡Claro que sí! Los tengo en un pedestal y bien grande… A ver, no me planteo hacer un ejercicio de coger todas sus películas y verlas, pero me interesan, los veo con ganas, con envidia.

• Bueno, aquí has triunfado…

Podría decirse que, entre comillas, he conseguido mi sueño. Pero el ser humano es así. Es inevitable aspirar a más.

• ¿Eso deja fuera los cortometrajes? Sé que has participado en algunos…

Estoy abierto a hacer cortos pero… la realidad es que llevo tiempo sin aparecer en alguno. No tengo tiempo. Lo último que hice fue un papelito en ‘El barco pirata’.

• ¿Y secuelas? En el cine español no se hacen muchas pero… ¿estarías dispuesto a repetir algún personaje en alguna secuela? ¿Quisiste explorar más de alguno?

Quizá el Antonio de ‘Azuloscurocasinegro’, o el Sergio de ‘Balada triste de trompeta’… son personajes a los que le tengo mucho cariño. Pero como con ninguno se ha planteado secuela, no me lo planteo, la verdad.

Tras esta respuesta, y tenerle sentado más tiempo de la cuenta, nos despedimos como nos saludamos, como dos colegas que se ven a menudo. Ya me gustaría. Aunque con los actores tenemos esa suerte de poder verlos cuando queramos… Espero que ‘Caníbal’ llegue pronto y alguien en Hollywood se dé cuenta del actorazo que tenemos aquí. Como espectadores, no nos conviene que prolongue ese (merecido) descanso.

Coke Riobóo es un animador, compositor y director español que logró ganar el Goya por ‘El viaje de Said‘ (2007), su último cortometraje estrenado hasta la fecha. El éxito del mismo le permitió una mayor libertad para elegir su próximo trabajo sin grandes ataduras, pero el panorama del cine español se ha deteriorado sobremanera en los últimos tiempos, lo que ha provocado que se haya visto obligado a recurrir al crowdfunding para conseguir la financiación necesaria para completar ‘El ruido del mundo‘, un cortometraje a partir de una poco usual técnica de animación en el que lleva varios años trabajando.

- Hablemos primero un poco de tus comienzos, ¿qué fue lo que te hizo querer dedicarte al mundo del cine?

Hasta el año 2001, me dedicaba a la música, soy batería y percusionista, y mi relación con el cine se limitaba a componer bandas sonoras para cortometrajes. Desde pequeño siempre me había apasionado el mundo de los cómics y la animación, aprendí a leer con los tebeos de Tintín y Asterix. En el verano del año 2000, me quedé en paro como músico, y decidí ponerme a hacer pruebas con una cámara de video hig 8 y un pegote de plastilina que tenía por casa. el flechazo fue instantáneo, a ver que aquello se movía como por arte de magia.

Empecé a construir muñecos cada vez mas completos y decorados de cartulina para ambientar mejor mis historias, estuve todo el verano sin salir de casa, poseído por aquella técnica maravillosa, editando con un video VHS y grabando la música en directo mientras se volcaba la edición. Eran historias muy bizarras y bastante básicas, ademas mi conocimiento del lenguaje cinematográfico era bastante escaso.

Le enseñe todas esas pruebas a mi primo Sergio Cata, con el que colaboraba componiendo la música de sus películas, y decidimos rodar un cortometraje un poco más elaborado pidiendo ayuda a gente con más experiencia en el mundo del cine, con guión, dirección de fotografía, y unos decorados más elaborados. así nació ‘La tele espectadora’, un corto bastante gore y pseudo pornográfico. Decidimos enviarlo a diversos festivales sin mucha esperanza y para nuestro asombro ganó bastantes premios.

A partir de ahí pensé que la animación me llamaba, que me permitía contar historias de una manera distinta, y cubría todas mis necesidades creativas. Después vinieron ‘Que las noches sean son‘ (un videoclip para el grupo El Combolinga), ‘Se abre el telón‘ (una serie de 26 capítulos para Plus.es, la página de internet de Canal Plus), ‘Teatruras‘ (una colaboración animada para una obra de teatro infantil), y por último ‘El viaje de Said’, corto ganador de un Goya y 40 premios nacionales e internacionales, con el que definitivamente, pude dedicarme de lleno a la animación.

- Imagino que después de ganar un Goya te llegarían ofertas de todo tipo, ¿fue el caso o recibir el premio más importante del cine español no tuvo especial trascendencia?

Recibir el Goya supuso que ‘El viaje de Said’ tuviese mucha más repercusión, sobre todo a la hora de participar en otros festivales y recibir premios que nos ayudaron a poder pagar la producción.  A nivel personal, me permitió poder dedicarme a la animación a tiempo completo, pues hasta ese momento compaginaba mi trabajo de maquinista y regidor teatral con la animación. También me ayudo a poder realizar algunos anuncios para campañas publicitarias y continuar con mi labor de docente, realizando cursos y talleres por muchos países.

- ¿Qué es lo que te llevar a querer rodar ‘El ruido del mundo’?

Dos años después de ‘El viaje de Said’, y cuando acabaron los festivales y promociones, empece a buscar una historia que me llamase lo suficiente como para poder dedicarle otros 2 o 3 años de trabajo. Lo que me dio fuerzas para poder terminar el corto anterior, fue conocer la historia de la inmigración marroquí de cerca, tengo bastantes amigos de Marruecos que han estado en situaciones extremas cruzando el estrecho, y sentir que podía acercarme de una manera sincera a ese drama y tratarlo con cariño y un toque de humor.

Empecé trabajando con una historia muy bonita que tocaba el tema de la cooperación internacional pero situada en el Pais Dogón, en Mali. A pesar de que estuve de viaje por allí 15 días, para recabar información y hacer muchísimas fotos, cuando me puse a trabajar sobre la historia, no me sentía con derecho de hablar sobre una cultura que conocía tan poco, y no quería hacer el típico corto europeo con toque Africano, pues solemos pecar de paternalismo y obviando que África es enorme, no tiene nada que ver la cultura Dogón, con la cultura Swahili, por poner un ejemplo simplón, aunque a nuestro ojos , todo se parezca, así que aparque esta idea, que espero poder retomar más adelante cuando conozca a fondo esta cultura.

Después de muchas vueltas decidí buscar en lo que a mi me afectaba, y como mal guionista que soy, encontré una historia cercana, con un toque autobiográfico. Rescribí la historia con ayuda de un buen guionista como Sergio Catá, que es colaborador habitual e indispensable en mis películas. También me apetecía experimentar con otras técnicas de animación, y sobre todo poder trabajar solo en casa, ya no disponía de presupuesto y equipo humano para volver a realizar algo con muñecos, lo que requiere mucho espacio y mucha gente en el equipo, ademas quería expresarme con otro lenguaje. Así encontré esta técnica, la plastilina sobre cristal iluminado y después de un año de pruebas, decidí lanzarme, sin saber el esfuerzo que me iba a llevar contar esta historia. 

- ¿Cuándo empiezan a torcerse las cosas y qué es lo que te lleva a recurrir al crowdfunding?

En ningún momento se torcieron las cosas, simplemente nos lanzamos a rodar sabiendo que no íbamos a tener dinero para acabar el corto, pero con mucha confianza en poder pagarlo una vez estrenado, como hicimos con ‘El viaje de Said’. El tema del crowfunding fue cogiendo cuerpo a medida que íbamos viendo el resultado del corto y el apoyo que estábamos recibiendo a través de las redes sociales, y también viendo como empezaba a funcionar con otros proyectos.  Creo que esta es una nueva manera de producir maravillosa, que nos permite poder decidir que nos apetece ver, oír o leer y apoyarlo directamente para que salga adelante.

- Has participado también como compositor para películas de varias nacionalidades, ¿has notado alguna diferencia o no hay cambios reseñables entre la forma de hacer cine de esos países?

Por supuesto, cada cultura y cada país tiene su forma de hacer cine, y eso es lo más interesante, poder trabajar con distintos directores, para tener que variar en la forma de componer, empaparse de la música de cada país, beber de su cultura, para poder componer algo acorde con cada película.

- ¿En algún momento te has planteado o incluso intentado trabajar como animador en alguna película española?

Las películas españolas de animación que se producen, son sobre todo en 3D, y esta es una técnica que desconozco en absoluto. Las pocas cosas que se hacen en stop motion, suelen tener su equipo ya formado, además, me gusta trabajar de manera independiente, creando y dirigiendo mis propias películas. También es importante decir que al ser autodidacta, me faltan algunos conceptos básicos a la hora de trabajar como animador “standard”, no tengo una forma de animar muy al uso, y eso imagino que puede ser un problema a la hora de trabajar con producciones más o menos comerciales.

- Has comentado que el éxito de ‘El viaje de Said’ te permitió dejar tus trabajos como maquinista y regidor teatral  ¿Qué fue lo que te llevó a dejar de ejercer como profesor?

En ningún momento he dejado de ejercer como profesor de animación, es una de mis grandes pasiones, me encanta enseñar y transmitir todo lo que he ido aprendiendo con mi experiencia, si ahora no doy clases no es por gusto, si no por varias razones, por un lado la falta de alumnos en la ECAM, nos ha obligado a suspender primero de animación, por otro los recortes salvajes en cultura y educación que está haciendo este gobierno, ha hecho que no haya presupuesto en colegios y embajadas para proyectos culturales, lo que ha reducido casi a cero la posibilidad de desarrollar cursos y talleres.

La política del gobierno actual ha reducido un 70% el presupuesto de AECID (Agencia española de cooperación internacional y desarrollo), cortando de raíz casi todos los proyectos culturales que se estaban desarrollando en el extranjero, y convirtiendo a la Agencia de Cooperación Española en un mero agente comercial, que sirva de avanzadilla para saber en que países conviene invertir a las empresas españolas.

De las mejores experiencias en mi vida, han sido los talleres que hice en sitios como Senegal, Irán, Guinea Ecuatorial, México, India, Egipto, Marruecos o Venezuela.

- Ya habéis llegado a la cantidad mínima que pedíais para conseguir sacar adelante el corto, pero también comentas lo que harías en caso de llegar a los 8.000 o los 10.000 euros, ¿esperabas tan buena aceptación o esos objetivos adicionales eran poco menos que un sueño inalcanzable?

Hemos llegado al objetivo y estamos felices de ver tanto apoyo de la gente, conseguir más dinero del fijado en un principio, supondría poder llevar a cabo los proyectos paralelos que queremos hacer con la película, una exposición con todas las planchas de plastilina que he ido guardando a lo largo de estos tres años, y poder editar un cómic-dvd con todas las cosas que se quedaron en el tintero sobre la historia de ‘El Ruido del Mundo’. Además nos ayudaría a pagar a todos nuestros colaboradores mucho antes de lo que habíamos pensado. El sistema de Verkami de “todo o nada“ nos hizo ser prudentes a la hora de fijar el dinero a conseguir

- Una de las cosas más llamativas del sistema del crowdfunding es el sistema de recompensas en función de la cantidad que dones, ¿en base a qué criterios elegiste los que ofrecéis vosotros? 

En base a lo que podíamos ofrecer y gestionar, solo somos dos personas en el equipo de producción, y ahora, una vez conseguido el objetivo, nos hemos juntado con 126 mecenas, a los que tenemos que enviar sus recompensas, tarea nada fácil, pero que haremos gustosamente, pensando en todo el apoyo recibido.

- ¿Volverías a embarcarte en una proyecto así sin tener garantizada la financiación para poder acabarlo?

No conozco otra forma de hacer cortometrajes que no sea “tirarse al barro” sin saber si lo vas a poder financiar y acabar. De lo que si estoy seguro, que el siguiente será con otra técnica de animación que no suponga tanto esfuerzo.

- Llevas varios años entregado por completo a ‘El Ruido del Mundo’, ¿se te ha ocurrido alguna otra historia que contar en ese tiempo que hayas tenido que aplazar o directamente descartar o no ha habido tiempo para pensar en nada más?

En  mi cabeza surgen ideas constantemente, en estos casi 4 años de trabajo, me han surgido buenas ideas que he apuntado, pero no he desarrollado en absoluto, pues si que es verdad que ‘El Ruido del Mundo’ ha copado casi toda mi energía y mi capacidad mental, pero me ha sido imposible no pensar en nuevos proyectos, que espero vean la luz una vez haya descansado y recobrado las ganas de embarcarme en otra odisea animada. Es muy difícil sacar adelante proyectos de animación independiente, y lo va a ser más a partir de ahora, viendo la política cultural de este gobierno, todo lo que no sea fútbol, toros o ir a misa se va a convertir en misión muy arriesgada.

En Filmax nos avisan de que Adrian Grunberg, director de la excelente ‘Vacaciones en el infierno’ (‘How I Spent My Summer Vacation’, 2012) estará disponible para una entrevista, así que en nombre de Blogdecine, y en el mío propio, me recorro más de 500 km. para entrevistar al responsable de una de las mejores cintas del año, al menos dentro del cine de evasión, un retorno a cierto tipo de películas cada vez más necesarias. El lugar es Matadero, en Madrid, un sitio que está quedando muy bonito, y la cafetería del teatro es un lugar idóneo para realizar una entrevista de estas características, que más que una entrevista fue una charla informal entre dos cineastas cinéfilos y un servidor.

Llegamos a Matadero a la hora concertada con los de la distribuidora. Grunberg ya se encuentra allí inmerso en una entrevista con un enviado del diario El país, que a tenor de los gestos y las voces está siendo bastante animada. Nos toca esperar, mi queridísimo fotógrafo (Chano) se pide un fuerte desayuno para ambos y recuperarnos de la noche pasada, aventura nocturna en cervecerías madrileñas. Cuando precisamente, nuestro cuerpo y mente empiezan a reaccionar, Katia de Filmax se acerca con inspirada perspicacia para avisarnos de que Grunberg debe atender aún dos entrevistas más por teléfono. No importa, cubrimos bien el horario, y la espera merece la pena.

Mientras Grunberg despacha a alguien vía móvil, empiezo la charla con Stacy Perskie, productor y co-guionista de ‘Vacaciones en el infierno‘, y la conversación enseguida se aparta de la típica entrevista, gracias a Dios. De forma muy distendida y como si se tratase de una conversación de bar —prácticamente lo es debido al marco— hablamos sobre todo de la frescura del film y de lo bien que está el niño que da vida al partenaire de Mel Gibson en la película. Perskie habla muy bien de él y comenta las bromas que el chaval hacía en el rodaje, como si fuera el más experimentado de todos. Justo en ese momento Grunberg hace acto de presencia y mientras ataca con pasión la tortilla que tiene delante, le pregunto sobre el título original del film y las influencias que ha tenido en su ópera prima.

Grunberg asegura una y otra vez que “el título original de la película es ‘How I Spent My Summer Vacation’ y que el título de ‘Get the Gringo’ es el que le pusieron en los Estados Unidos, pero el original es el otro”. Sobre las influencias, el director es muy claro: John McTiernan y Richard Donner, paladines de un cine de acción que ya no se hace y a los que ‘Vacaciones en el infierno’ alude sin rubor; también a los realizadores con los que Grunberg ha trabajado ya sea como asistente de dirección o en la segunda unidad, y la lista es impresionante: Tony Scott, Steven Soderbergh, Martin Campbell, Gibson, Peter Weir, Oliver Stone, Sam Mendes y hasta Jim Jarmusch, y según palabras del propio Grunberg: “espero haber cogido algo de todos”.

Respecto a las influencias no conscientes, como el propio realizador afirma, hace hincapié en una de las más extendidas entre la crítica: Sam Peckinpah. Grunberg se reconoce ferviente admirador del cine de Peckinpah, pero no pensaba en él durante el rodaje —agradece, eso sí, tamaña comparación— aunque cierta escena rememora el género del western. También hablamos sobre el lenguaje televisivo y Grunberg vuelve a ser muy claro: “la televisión en sí ya es una referencia”, asegura que desde hace cinco años este medio ya no tiene nada que envidiar al cine, que no es mejor ni peor, simplemente distinto y una de sus mayores ventajas es la de disponer de diez horas para desarrollar una historia —se refiere a las miniseries, en ningún momento habla de series con varias temporadas, cuyo mecanismo es totalmente distinto— en comparación con las dos que te puede ofrecer el cine.

Respecto a Mel Gibson, Grunberg se considera un tipo con mucha suerte al haber contado con una estrella para su debut en la dirección —haciendo hincapié también en el resto del reparto, al que considera maravilloso—, y afirma que Gibson y él se conocen desde hace tiempo por lo que tampoco fue muy difícil contar con él. Además, hablamos de una película en la que el famoso actor también es el productor y uno de los guionistas. Trabajaban con él todos los días en los distintos aspectos del film, lo cual lo hacía todo mucho mejor. Sobre el sentido chiste hacia Clint Eastwood que se produce en un momento dado en el film, Grunberg confiesa que Eastwood era uno de los nombres que barajaban —otro fue Sean Connery, al que al parecer Gibvson borda cuando lo imita— y como el actor de ‘Arma letal’ es muy amigo de Eastwood, se decidió finalmente de este.

Cuando hablamos de esa sensación que desprende ‘Vacaciones en el infierno’ de lo bien que se lo debieron pasar todos filmándola —es un film muy cachondo, que emana cierta alegría— Grunberg lo achaca al haber tenido libertad absoluta para poder contar con la gente que ellos querían, actores y técnicos a los que admiran desde hace tiempo y cuya presencia en el film se traduce en buen humor y contento general en el rodaje. Suena a camino de rosas, y el director se muestra especialmente poético cuando se refiere al trabajo en una película como un pequeño mundo, una pequeña vida a la que te dedicas durante un tiempo determinado.

En el tramo final de la entrevista hablamos sobre el poder de Internet en las promociones de una película, tanto productor como realizador lo tienen muy claro: vital, y también se aventura en asegurar que el futuro pasará por consumir cine en nuestras casa a través del cine on-line —‘Vacaciones en el infierno’ se estrenó en los USA de esa forma, en un soporte con más de cien millones de suscriptores—, algo que se está convirtiendo ya en una realidad. Antes de que la madre de Grunberg le sorprenda con una visita, y mientras Katia y Chano se las arreglan para construir un armatoste de cartel, surge la última pregunta a cerca del desarrollo del guión. Los tres autores no se ciñeron a lo escrito en un principio, sino que todo fue tomando forma durante el rodaje, e incluso en el montaje. El guión pasó por tres fases y estaba en constante movimiento —los actores tenían total libertad para aportar detalles—, mostrando vida, la que precisamente desprende ‘Vacaciones en el infierno’.

Fue un verdadero placer estar allí. Gracias a todos, y sobre todo al espectacular humor de los camareros, que cuando se fue la luz les preguntamos si podían hacer algo. La respuesta de uno de ellos aún hace que me desternille de la risa. Haciendo una especie de danza y dando un salto mientras señala el cielo y grita “¡¡¡¡luz!!!” termina por responder: “nada, lo siento”.

En Blogdecine:

• ‘Vacaciones en el infierno’ (‘Get the Gringo’), Mel Gibson en su salsa

Hace poco un servidor os hablaba de ‘La culpa’, cortometraje dirigido por David Victori, quien ahora aspira a quedar finalista para ir a la próxima edición del festival de Venecia en el que diez cortometrajes competiran por el premio: 500.000 dólares de presupuesto para un corto producido por Ridley Scott y protagonizado por Michael Fassbender.

En Blogdecine hemos querido aprovechar la ocasión para entrevistar a Victori, quien tras años al lado de Bigas Luna, ha decidido dedicarse en solitario a la ardua tarea de dirigir. Consciente de lo problemas que hay en nuestro país de producir un largo, Victori me ha parecido alguien con las ideas bastante claras. Aquí os dejamos la entrevista que le hice ayer mismo, esperando que disfrutéis de la misma. Desde estas páginas le deseamos a Victori lo mejor, o sea, que quede finalista.

• Empezamos con una pregunta muy lógica ¿Consideras la posibilidad de hacer ‘La culpa’ en largometraje, como así ha ocurrido con otros trabajos de cineastas españoles o piensas dejarlo así?

‘La Culpa’ nació con la idea de ser breve y no creo que tenga ningún sentido extenderla más. Creo que los proyectos deben construirse con mucho cuidado y desde mi punto de vista, las razones por las que una historia se cuenta en doces minutos o en dos horas son razones muy concretas que no deben confundirse. Entiendo que si a una productora le gusta un corto le resulte más fácil imaginar un largo alrededor de esa misma idea que ya ha visto que funciona, pero es muy importante no confundir cuando hay material para un largo y cuando no. En este caso, ‘La Culpa’ es como una fábula, una metáfora, una historia que intenta arrastrarte emocionalmente sin que tengas tiempo de plantearte demasiadas cosas. Convertirla en un largo necesitaría de tantos cambios que no tendría sentido. Mejor partir de cero. Además, si trato de imaginar esta opción que planteas, adelanto situaciones muy desesperantes: me veo en reuniones eternas discutiendo con productores desconcertados preguntándome constantemente si todo lo que ha pasado es real, fruto de su imaginación o algún salto a una realidad paralela. :) No, gracias.

• Ridley Scott y Michael Fassbender, nada menos. Eso es un premio para cualquier cineasta y lo demás son tonterías. ¿Qué te hace más ilusión, que ese corto lo produzca Scott o tener la posibilidad de dirigir a alguien como Fassbender?

Si tuviera que elegir, sin duda, escogería tener a Ridley Scott como productor. Trabajar con Fassbender debe ser un lujo, pero comprar de segunda mano parte de la experiencia que Ridley Scott ha acumulado durante tantos años y tantas buenas películas; no tiene precio. El arte de explicar historias es un arte terriblemente complejo, todo el mundo opina, todo el mundo cree ver problemas en un guión, pero nadie sabe cómo resolverlos. Hay muy poca gente que sepa como contar historias de forma efectiva. Ridley es un maestro, alguien indiscutible que ya ha demostrado sobradamente su oficio, talento y capacidad de trabajo. Estar a su lado sería un auténtico lujo.

• ¿Qué largomentraje te gustaría ver producido en España? ¿Y en Hollywood?

En España me gustaría ver más películas que tratasen de conectar con el público desde el convencimiento, la seguridad, y no desde el miedo. Parece que algunos productores y directores traten a la gente como si fueran extraterrestres, un ente que no sabes como reaccionará. Se olvidan de que ellos también son, o deberían ser, el primer espectador de su propia película. En realidad, ellos son, sin lugar a dudas, quien más veces verán su propia película, deberían amarla. Yo creo que el público sólo quiere (queremos) historias bien contadas, que consigan lo que se proponen. Si quieren hacerme reír, que me hagan reír, si quieren hacerme llorar, que me hagan llorar. Al final, la materia prima, las historias se repiten, se parecen unas a las otras; la diferencia está en la forma en la que se explican. La mirada del director y el diálogo con el espectador. Me gustaría por ejemplo que en España alguien se atreviese a rodar una película como ‘Chronicle’ (Josh Trank) o en Hollywood los estudios no tuvieran ningún miedo en darle carta blanca a un director como Alberto Rodríguez, que ha demostrado sobradamente su garra como narrador.

• ¿Cuáles han sido tus influencias a la hora de realizar el corto ‘La culpa’?

Si es que eso es posible, cuando empiezo a pensar en una historia trato de acercarme a ella de forma muy sincera y sin intermediarios. Quiero descubrir por mi mismo el tema del que necesito hablar en ese momento exacto de mi vida. Para eso intento localizar la emoción o el momento que me despierta la necesidad de contar esa historia y a partir de allí empiezo a construir. En ese momento del proceso, lo que tengo más presente es como el entramado de eventos que estoy hilvanando van a afectar la mente y a la emoción de un futuro espectador imaginado. Esa es mi primera obsesión. Posteriormente, cuando empiezo a preparar el rodaje aparecen referencias que muy probablemente ya estaban en mi subconsciente durante el proceso de escritura, pero que no tenía previamente localizadas. En este caso, con ‘La Culpa’, una vez escrito el guión apareció un corto que había visto hacía mucho tiempo y con el que vi varias similitudes con mi material: ‘Epilog’ de Tom Tykwer. Un trabajo muy interesante. Por otro lado, está el trabajo visual de la película con el que es muy cómodo trabajar sobre referentes. Durante este proceso de búsqueda que hicimos con Sergi Vilanova (el director de fotografía) para todo el aspecto visual del corto, y partiendo siempre de la película que surgía del propio guión, empezamos a visionar juntos varias películas. Repasamos algunas de David Fincher, de James Gray y escenas sueltas de películas de Michael Mann. También estuvo muy presente ‘Munich’ de Steven Spielberg y varias pelis recientes de Clint Eastwood (al que Sergi le tiene una especial devoción).

• Y ya que estamos, gustos, prejuicios, fobias, pasiones, amores desmesurados y demás en esto del cine.

Partiendo de que no soy muy mitómano, y no me caso con nadie, sí que es verdad que tengo una especial admiración por la carrera de varios cineastas. Me gusta mucho, por ejemplo, como Christopher Nolan está llevando su carrera. Creo que está consiguiendo hacer un tipo de cine con un cierto riesgo, sin dejar de ser rentable y haciendo películas que generan mucha expectación. Imagino a Nolan tratando de vender el guión de Memento o Inception a un productor y me entra la risa. Necesitas generar mucha confianza y tener muy buen ojo con tus socios para levantar este tipo de historias, es un lujo para todos los guionistas y directores que alguien de su nivel lo esté consiguiendo. Otro director al que respeto mucho es Darren Aronofsky, que aunque quizás sea más irregular, es también un narrador valiente y emocionalmente muy contundente. Me encanta lo que trató de hacer con ‘The Fountain’ aunque no le saliera del todo bien. Por suerte ‘Black Swan’ le ha vuelto a colocar donde yo creo que debe estar, es un director que merece cierta libertad, es ambicioso y no tiene ningún pudor a la hora de elegir las historias a las que decide enfrentarse. Luego están otros muchos directores como Sidney Lumet, Roman Polanski, Danny Boyle, Fincher, J.J. Abrams, Spielberg, Hitchcock y Mann, que son todos ellos, directores que se mueven en terrenos en los que yo disfruto mucho como espectador y en los que también me identifico como director y guionista. Obras concretas, por decir algunas, tengo especial cariño a ‘Eternal Sunshine and the Spotless Mind’, ‘Children of Man’, ‘Animal Kingdom’, ‘Abre los ojos’, ‘Dancer in the Dark’, ‘21 gramos’ o ‘Oldboy’. Y ya que de momento lo único que soy es un director de cortos hay tres que no me cansaría de ver nunca: ‘Spider’ (Nash Edgerton), ‘Soft’ (Simon Ellis) y ‘La Guerra’ (Luiso Berdejo y Jorge Dorado) y añado otro que descubrí hace muy poco ‘She’s lost Control’ de Haritz Zubillaga, brillante.

• Vamos un poco con lo nuestro. Hay mucho talento entre realizadores de tu generación y dedicados a los cortos, pero pocos terminan por dar el salto al largo ¿Crees que nadie quiere arriesgar en una ópera prima en nuestro país o que sólo quieren ayudar a los de siempre por aquello del éxito seguro?

Los de siempre, si lo hacen bien, que sigan haciéndolo. Por otro lado, es verdad que hay una buena cantera. Yo creo que el gran problema es que muchos de estos directores hablan un idioma diferente al de los agentes que, de momento, tienen la capacidad de producir en este país. Para que estos directores se desarrollen necesitan confianza, una cierta libertad y un compañero de viaje que entienda el cine de la misma forma que ellos. Si lo comparamos por ejemplo con el fútbol, muchos de los jugadores jóvenes que están surgiendo en los últimos años deben su éxito, sobretodo, a como el entrenador ha gestionado su paso al primer equipo.

• Una vez Rodrigo Cortés me dijo que nos faltaba autocrítica y que teníamos que dejar de mirarnos el ombligo ¿estás de acuerdo?

Totalmente. Llevamos muchos años haciendo películas en este país que estaban financiadas de tal forma que no importaba como funcionaran en taquilla. Esto que en la teoría podría favorecer que los productores tomasen riesgos y fueran más valientes, a la hora de la verdad y por muchos años, se ha convertido en descuido, desinterés por el resultado y finalmente falta de respeto hacia el público. Tantos productores y directores han ignorado al público que ahora es él quien nos está ignorando a nosotros. Pero es que en muchos aspectos, este oficio es democrático. Al público nadie le obliga a ver una película, van (vamos) porque quieren. Que alguien decida dedicar su tiempo a tu película, por encima de la brutal oferta de entretenimiento que existe hoy en día, sólo lo consigues como quien seduce a alguien, debes despertarle el interés, gustarle, y que el tiempo contigo sea diferente e inolvidable. Y lo debes hacer de buenas maneras y no a base de una especie de chantaje emocional.

• ¿Cómo ves Internet en los nuevos modelos de negocio del séptimo arte?

Yo me paso la mayoría del día delante de un ordenador. He cambiado mucho de piso últimamente y en varias casas en las que he estado no tenía ni siquiera televisor, o sea que la mayoría de las películas que veo (cuando no voy al cine) son en mi ordenador y aunque me gustaría tener un proyector para verlas en grande, aún así las estaría reproduciendo desde mi portátil. Esta es mi realidad. Para mí el debate que hay con esto del negocio del cine e internet es el mismo debate que hace unos años había entre el celuloide y el digital. Es de lógica entender que el cine se reproducirá desde Internet, (como era lógico pensar que el cine acabaría siendo todo digital) sólo que los que deben cerrar acuerdos y aceptar esta situación de cambio son las grandes empresas implicadas que se resisten por razones obvias. Los cambios siempre son traumáticos y el ser humano se resiste por naturaleza a cambiar. Los cambios generan miedos, dudas y gente que antes ganaba mucho dinero, dejará de ganarlo y empezaran a beneficiarse otros. Lo que está consiguiendo Netflix es, a mi entender, el futuro y presente (aunque no en España) del Cine. También entiendo que lo natural será que un día la nueva peli de Nolan la estrenen en Netflix, Filmin o donde sea y los que quieran paguen un poco más y la vean en unas condiciones más confortables y espectaculares que en su propia casa: lo que deberían ser las salas de cine.

• ¿Sueles hacer caso de los críticos o te interesa más la aceptación popular?

Desde mi poca experiencia, aún no he sufrido (o disfrutado) lo que es estrenar un largo, o sea que no puedo darte una respuesta clara a esta pregunta. Entiendo que hagas lo que hagas, siempre habrá gente a la que le guste y gente a la que no le guste tu trabajo, pero entiendo que si tu eres sincero contigo mismo y consigues hacer películas que a ti como espectador te gustaría ver, siempre habrá un público (y un crítico) que disfrute con ellas. No puedes pretender gustar a todo el mundo, por lo tanto, el reto debería ser que las razones por las que eliges las historias que explicas sean sinceras y honestas contigo mismo.

• Volviendo a la primera pregunta. Imagina ‘La culpa’ largometraje hollywoodiense, antes de que te lo copien. ¿Quiénes serían tus actores? Una recomendación: a Mar Ulldemolins no deberías cambiarla :)

Pues la verdad por cambiar, no cambiaría a ninguno. Creo que están todos muy bien, pero si nos ponemos a imaginar, hay muchos que podrían encajar. A ver, una propuesta, aunque se aceptan ideas: ¿Qué os parecería a Michael Fassbender de prota (como no), Philip Seymour Hoffman en el papel del padre y Mélanie Laurent en el papel de la chica?

• Muchas gracias por tu tiempo, David, y crucemos los dedos ;)

Muchas gracias a vosotros por vuestro apoyo, y el estar en esta semifinal ya ha sido un premio.

Más inoformación sobre ‘La culpa’ | ‘La culpa’ en Your Film Festival

El pasado 2 de marzo se estrenó por fin la esperada ‘Luces rojas’ (o ‘Red Lights’), el thriller de Rodrigo Cortés protagonizado por Cillian Murphy, Sigourney Weaver y Robert de Niro. Gracias a mi obstinado compañero Alberto, he tenido la oportunidad de hablar con el director de la película, un hombre amable y encantador, de ideas claras, uno de los narradores más estimulantes del panorama cinematográfico actual (solo hay que echar un vistazo al reparto de su último trabajo para comprobar que no exagero en absoluto). Aquí os dejo una entrevista que, como en otras ocasiones, he buscado que no se pareciera a ninguna otra, resistiendo la tentación de hacer las preguntas habituales, ésas que podéis encontrar fácilmente en otros sitios; no obstante, comprobaréis que alguna se me ha colado. Asimismo os adelanto que hay una cuestión centrada en el polémico final de ‘Luces rojas’, pero volveré a avisar antes de que llegue pensando en los lectores que aún no han visto la película.

Rodrigo Cortés, orensano de nacimiento y salmantino de adopción, comenzó a ser conocido tras el éxito en numerosos festivales de sus cortometrajes ‘Yul’ (1998) y ’15 días’ (2001). Su debut en el largometraje fue ‘Concursante’ (2007), título galardonado con el premio de la crítica en el Festival de Málaga. Tres años más tarde se estrenó su segundo y más famoso trabajo, ‘Buried (Enterrado)’, con la que Cortés ganó el Goya al mejor montaje. ‘Luces rojas’ es su último film, el segundo (después de su ópera prima) que parte de un guion original de su puño y letra; con una recaudación en torno a 3 millones de euros, es de momento el título más taquillero del realizador en nuestro país. La entrevista que tenéis a continuación gira en torno a su nueva película aunque no está limitada a ella, por lo que confío en que os resultará de interés, hayáis visto o no ‘Luces rojas’ (¿a qué esperáis?).

Origen, narración y secretismo:

• Tengo entendido que escribiste ‘Luces rojas’ después del estreno de ‘Concursante’, antes de que te llegara el guión de ‘Buried (Enterrado)’. ¿Cómo surgió la historia de los investigadores de fraudes paranormales?

La idea me permitía llevar adelante una película con elementos externos genéricos, pero un enfoque interno riguroso y científico, desmitificador y muy físico. El concepto “fraude paranormal” implica una colisión de conceptos potencialmente apasionante, perfecta para elaborar personajes contradictorios y complejos, poner en cuestión nuestras percepciones como espectadores, y rescatar el código genético de ciertos thrillers políticos de los 70, con un sentido de la investigación que acaba consumiendo a los personajes que la emprenden.

• Es uno de los grandes aciertos de la película, cómo plasmas esa obsesión. ¿Por qué ‘Luces rojas’ no fue tu segundo largometraje?

Aunque conseguimos interés inmediato de agentes de actores y grupos financieros en cuanto pusimos el guión en circulación, éste es un negocio muy reactivo: muchos están dispuestos a subirse a un tren en marcha, pero es más complicado conseguir que alguien se decida a arrancarlo. La ambición narrativa y presupuestaria de la película hacía aconsejable un trabajo previo, a modo de “aval”, si pretendíamos llevarla a cabo con libertad creativa.

• Con el proyecto ya en marcha, y lo complicado que es financiar una película (más en tiempo de crisis), ¿tuviste que aligerar o desechar ideas del guión?

En realidad, todo está en la pantalla, aunque con grandes sacrificios en términos de energía y esfuerzo, como es lógico, ya que nuestro presupuesto, aunque nada desdeñable para el cine español, era muy inferior a las necesidades objetivas de la película. Habría sido imposible llevar adelante este proyecto sin actores de este calibre apoyándolo y garantizando su financiación; si quisieron participar en ‘Luces rojas’ fue por su poderosa reacción ante el guión, las resonancias de su historia —el modo en que se comunicaba con sus inquietudes personales más profundas—, sus personajes y diálogos… En mi corta carrera, los actores siempre han acabado blindando, de algún modo, los guiones que he filmado.

• Te lo preguntaba también por ‘Emergo’, un guión tuyo que vuelve a girar en torno a fenómenos paranormales, y que ha dirigido por Carles Torrens. Suena a que allí metiste situaciones que no cabían en ‘Luces rojas’.

No es exactamente así, las películas no son simples contenedores; ‘Emergo’ surge, eso sí, del trabajo de documentación efectuado para ‘Luces rojas’, a lo largo de más de un año enfrentado a toneladas de material de lo más diverso: era imposible verter todo aquello en una sola película, y aún tendríamos material suficiente para otra media docena.

• Has escrito, dirigido y montado ‘Luces rojas’. Si has leído críticas o reseñas habrás descubierto que hay una tendencia a diferenciar estas tres facetas, casi siempre para defender al Cortés realizador y atacar al Cortés guionista y/o al Cortés montador. Imagino que esto te resultará extraño o difícil de asumir, porque cuando escribes seguramente estás pensando ya en la puesta en escena y cómo quedará todo montado. Quiero decir, en cierta manera es un proceso único y continuo que empieza en una página en blanco y termina en el monitor de la sala de montaje, ¿o me equivoco?

Es tal como lo describes. Confieso que no he leído demasiado, más allá de las revistas de referencia, varios periódicos, y algún enlace concreto u opiniones que me hayan hecho llegar por Twitter, aunque es verdad que a veces escuchas cosas sobre la dirección que en realidad corresponden a decisiones de guión, o sobre el montaje que en la práctica están determinadas desde la concepción de rodaje. Tiendo a no prestar mucha atención a comentarios sobre aspectos tan precisos, porque en realidad habría que saber mucho sobre ellos —con un conocimiento práctico muy preciso y operativo sobre sus particularidades— para hacer un diagnóstico útil al respecto. Y no es lo habitual. Mi trabajo como narrador, aquí y ahora, es hacer, y responsabilizarme de mis decisiones. Sólo puedo y debo ocuparme de eso. Las opiniones, además, cambian constantemente, y dependen mucho del momento en que son formuladas y la ansiedad que envuelve períodos muy concretos, como los estrenos o presentaciones, que parecen demandar una conclusión cerrada e inmediata. Resulta interesante, por ejemplo, leer las opiniones actuales sobre ‘Concursante’ y compararlas con las de su estreno. Las películas sólo son valoradas —bien o mal— con cierta limpieza pasados unos años; ésa es mi propia percepción como espectador, así que en realidad hablo desde el autoanálisis.

• ¿Te planteas ceder a otro la escritura o el montaje de tu próximo film?

¿“Ceder”? No entiendo muy bien el concepto. Si te refieres a rodar un guión ajeno, ya lo he hecho: como director, sólo deseo tener acceso al mejor material disponible, propio o ajeno. En cuanto al montaje, en lo personal me resulta imposible separarlo de la dirección. Como montador, puedo afirmar que es en la sala de montaje donde sucede el hecho cinematográfico.

• Me refería a si vas a escribir el guion de tu próximo proyecto o no, si ya tienes algo entre manos.

Poco importan los proyectos, sólo las películas.

• Te he oído comparar una película con un truco de magia. Pero los magos (o ilusionistas) se sirven de la oscuridad, el secretismo. Con tantísima publicidad, directores y actores más accesibles a través de las redes sociales, amplios contenidos disponibles que muestran cómo se hizo cada escena…, ¿no es posible que, en el fondo, todo esto sea perjudicial para la experiencia de ver una película? Tengo la sensación de que se está perdiendo el respeto al cine, y que una de las razones es este deseo por involucrar tanto al espectador en el proceso.

Personalmente, no lo hago. Uso mi cuenta de Twitter como puro desahogo bretoniano y, en lo profesional, de la forma más conscientemente inútil posible: es imposible saber a través de ella cómo va el rodaje, si estoy preparando algo, tengo un guión entre manos, me he reunido con alguien o si la jornada de montaje ha sido dura o no. En realidad, considero tu reflexión muy pertinente.

Sobre el final de ‘Luces rojas’ (¡spoilers!)

• Cuando una película va a llegar a los cines o se ha estrenado recientemente, las entrevistas se suelen enfocar a quien no la ha visto aún, algo que puede ser frustrante para el que desea resolver dudas tras el visionado. ‘Luces rojas’ lleva más de un mes en cartelera y hemos avisado de que hay spoilers en este texto, así que podemos hablar tranquilamente del controvertido final, si estás de acuerdo.

En realidad, la película la ha visto un porcentaje muy escaso de la gente que accederá a ella a lo largo de los próximos tres años, sin ir más lejos, y son muchos los países hispanoparlantes en que ni se ha estrenado, sin contar con que las traducciones entre blogs están al orden del día. Por otro lado, no es mi inclinación explicar nada que no exprese la propia película, así que, si os parece bien, seguiré siendo muy cauto con lo que digo y cómo lo digo. Pero haré lo que pueda…

• Particularmente, me parece un desacierto todo el último tramo explicativo, pero por lo visto el aspecto más polémico es la revelación de Tom Buckley (Murphy). Hay quien dice que esto contradice el mensaje escéptico de la película, otros creen ver en Tom al causante de la muerte de su colega, la doctora Matheson (Weaver), y también he leído que en realidad él no tiene ninguna habilidad especial, que el final es otro truco para el espectador (discusiones similares provocó ‘El truco final: El prestigio’ de Christopher Nolan). ¿Qué opinas de todo lo que se ha dicho sobre el desenlace, cómo lo afrontas desde tu punto de vista?

Me satisface mucho saber que hay una “guerra de teorías”, pero intentaré ir por partes… Hay a quien le parece un error el tramo “explicativo” y quien ni con él entiende qué ha sucedido: una película encierra tantas películas dentro como espectadores hay en la sala; todos querríamos que se hiciera a la medida de nuestras percepciones, habilidad y necesidades, pero tal cosa no es posible. En lo personal, pienso que si hubiera verbalizado sin más la revelación, acabando la película ahí mismo, por la calle del medio (cuando el personaje principal abandona el teatro), esa revelación se habría sentido como sacada de la manga y totalmente arbitraria. Imagínalo por un momento pensando en Bruce Willis: “Oye, que el muerto soy yo, que es que llevo toda la peli muerto“, FIN. Tendemos a recordar que en ‘El sexto sentido’ había una revelación sorprendente que nos descolocó e hizo abandonar la sala con ese subidón revelador, pero lo cierto es que la revelación se toma su tiempo, cuatro o cinco minutos con el personaje repasando la película, paso a paso, desde otro punto de vista, con una una música muy discursiva y calmada, una manta muy poco enfática que permite que la información vaya procesándose y reubicando al espectador, cuyo cerebro trabaja en ese momento —a su pesar— en varios frentes, asistiendo a la película y rebobinándola en paralelo, intentando ir por delante de las explicaciones.

En ‘El truco final’ sucede lo mismo, algo que, en mi opinión, es necesario. Nolan no se puede permitir “opinar” sobre cómo deberían ser las cosas en un pretendido mundo perfecto: como narrador, tiene que responsabilizarse del efecto concreto de sus decisiones. Su trabajo es gestionar la información que recibe el espectador y las emociones a que es sometido, y su reflexión sobre los mecanismos de percepción del espectador y el modo en que la información es procesada es, probablemente, muy superior a la del comentarista casual que no tiene por qué hacerse responsable, en la práctica, de sus comentarios, e inmediatamente se pone a pensar en sus cosas al cerrar el ordenador. El personaje de Christian Bale explica a Hugh Jackman qué ha sucedido mientras vemos imágenes que muestran de forma global lo que sólo vimos fragmentariamente. Son varios minutos, una larga secuencia de flashbacks, nuevamente con una manta de cuerdas que permite el procesamiento sosegado de una información que obliga a reevaluar el sentido de la película mientras el cerebro del espectador, nuevamente, trabaja en paralelo reaccionando a estímulos muy diversos, algunos muy personales. No basta con “entender”, hay que procesar y asentar, y crear un cierre emocional que envuelva la historia y dé un sentido conclusivo al viaje. Es algo musical. Si Christian Bale hubiera dicho: “Por cierto, una cosa más: tengo un hermano gemelo, así es como lo hice todo, piensa en ello“, y eso diera paso directo al desfilar de los créditos de fin, la sensación del espectador, más allá de la compresión elemental —un aspecto secundario, en términos emocionales y narrativos—, habría sido de legítimo enojo ante la aparente arbitrariedad de la revelación. Y lo que es peor: un error en términos “musicales” y emocionales.

Una vez dicho esto, en ‘Luces rojas’ ni siquiera pasa eso: vemos menos de 40 segundos de flashbacks, muy elementales, un único bloque, a menudo en forma de preguntas que uno por fin puede responder o frases que adquieren al fin su sentido: no repasamos la película completa, y ni siquiera se da respuesta a cómo sucedieron las cosas: no vemos cada secuencia desde un nuevo punto de vista que nos explica qué pasó exactamente en cada situación, no sacamos a Jessica Fletcher a atar cada cabo: salimos más bien del cine preguntándonos cómo pudo pasar esto o aquello, quién hizo qué, cómo lo hizo, cuándo, si este personaje sabía esto o lo otro, si aquéllo tuvo esta o aquella causa, si el protagonista lo ignoraba todo o simplemente no quería aceptarlo, si este o aquel personaje sospechaban o no lo que estaba sucediendo (al menos de algún modo), hasta dónde unos u otros son mentirosos o simples víctimas de sus miedos y debilidades… ¿Tal vez cierto personaje es un farsante a determinado nivel pero sí es capaz de hacer una o dos cosas extraordinarias? ¿Quizá el protagonista lo está entendiendo todo de forma consciente a la vez que nosotros? En realidad, parte de la insatisfacción de ciertos espectadores no surge del exceso de explicación, sino de su ausencia, que le obliga a seguir “trabajando” para buscar su posición personal ante los hechos. Por otro lado, y esto quizá arroje alguna luz sobre una parte de tu pregunta, la función del epílogo de ‘Luces rojas’ no es explicar quién es el asesino (por eso no son necesarios cinco minutos de flashbacks, sino apenas unos segundos), sino por qué. Cuál es el sentido de una búsqueda obsesiva que da una luz y un sentido muy precisos a lo sucedido. La revelación en sí, en ese sentido, tiene una importancia muy menor, la película no tiene una estructuración —que por otro lado sería legítima— alla Agatha Christie. Lo importante para el espectador que comunica con sus elementos y tiene un diálogo activo con la cinta es la película que comienza en ese momento, dentro de cada uno. Y que no sólo opera en términos racionales.

En cuanto a si el final traiciona su pretendido espíritu escéptico, los escépticos son los personajes, la película sólo muestra ciertos hechos desde determinados puntos de vista, que cambian en virtud de nuevas revelaciones; en lo personal, considero un error valorar las películas por su ideología, en función de si son armas útiles para una u otra facción, o si reafirman o no nuestras propias posiciones. Como cuando, al final de ‘Sed de mal’, descubrimos que, después de todo, Quinlan siempre tuvo razón, destrozando en un segundo toda la autoridad moral que hemos sentido a lo largo de la película. ‘Luces rojas’ es interpretable desde muy diferentes puntos de vista y puede comunicarse con los espectadores a diferentes niveles, según la configuración psicológica de cada cual. En ese sentido, cualquiera de las teorías que me planteas es válida, y la existencia de tal multiplicidad debería invalidar por sí misma cualquier pretensión de exceso aclaratorio.

Influencias, lo más difícil, la taquilla y un consejo para aspirantes a cineastas

• Has hablado de ‘El truco final’ y ‘El sexto sentido’, ¿qué otros títulos te han influido, de algún modo, a la hora de crear ‘Luces rojas’?

He mencionado ‘El sexto sentido’ sólo para ilustrar una argumentación, en realidad nunca manejé ese título como referencia, a ningún nivel. Si tuviera que elaborar una lista de películas que, de un modo u otro, han influido algún aspecto de ‘Luces rojas’, mencionaría los siguientes: ‘Todos los hombres del presidente’ (Alan J. Pakula), ‘Network’ (Sidney Lumet), ‘El príncipe de la ciudad’ (Lumet), ‘Plan siniestro’ (Bryan Forbes), ‘El ente’ (Sidney J. Furie), ‘La leyenda de la mansión del infierno’ (John Hough), ‘El corazón del ángel’ (Alan Parker), ‘Zodiac’ (David Fincher), ‘Carretera perdida’ (David Lynch), ‘Terciopelo azul’ (Lynch), ‘El protegido’ (M. Night Shyamalan), ‘El mensajero del miedo’ (John Frankenheimer), ‘Ordet’ (Carl Theodor Dreyer), ‘Dogville’ (Lars von Trier), ‘La conversación’ (Francis Ford Coppola), ‘Watchmen’ (Zack Snyder), ‘La momia’ (Karl Freund), ‘El rey de la comedia’ (Martin Scorsese), ‘Taxi Driver’ (Scorsese), ‘Buffalo Bill’ (Robert Altman), ‘Scanners’ (David Cronenberg), ‘El exorcista’ (William Friedkin), ‘Psicosis’ (Alfred Hitchcock), ‘Vertigo’ (Hitchcock), ‘Marathon Man’ (John Schlesinger), ‘El luchador’ (Darren Aronofsky), ‘Poltergeist’ (Tobe Hooper), ‘Enrique V’ (Kenneth Branagh), ‘La furia’ (Brian de Palma)…

• Viendo cualquier película, siempre intento imaginarme cómo se rodarían determinadas escenas que parecen complicadas. ¿Cuál fue la escena o la secuencia más difícil de ‘Luces rojas’, el mayor reto como director de tu propio guión?

Yo diría que el desenmascaramiento de Leonardo Palladino (el joven e impetuoso sanador interpretado por Leo Sbaraglia) en el primer teatro: una secuencia en forma de circo de cuatro pistas que hubo que preparar y rodar por separado, procurando que todas las piezas se engarzaran de forma fluida y lubricada en su resultado final. Intento explicarme… Una de las cuatro pistas sería la propia actuación de Palladino, alternando los puntos de vista desde la cabina con planos objetivos que recogieran cada inflexión y movimiento del personaje —como si éste estuviera cubierto por una decena de cámaras— y seguimientos más angulares, muy pegados al sanador, para conseguir una percepción más subjetiva de momentos muy concretos por parte del espectador. La pista número 2 sería la conversación de Matheson y Sally (Elizabeth Olsen) en la cabina, que se rodó en un plató ante un foro de croma unos días más tarde, sin que las actrices tuvieran acceso a la interpretación de Sbaraglia en tiempo real; ambos elementos debían ser integrados en montaje sin parar “la máquina”, ya que la voz de Palladino sigue oyéndose —su actuación no se detiene— y ambos sectores evolucionan en tiempo real, alternándose de forma coreográfica, mientras usamos la conversación superior para recibir información muy concreta sobre la actuación, sobre Silver (De Niro), sobre la personalidad de Matheson y sobre su relación con Tom. Por supuesto, debe parecer que todo pasa a la vez y que los actores de la cabina siguen a la perfección lo que sucede abajo, sin romper la narrativa ni el ritmo emocional, con una retroalimentación creíble y fluida entre ambas localizaciones.

La tercera pista la constituiría el propio Tom, que no sólo aclara aspectos de esa conversación, sino que, mientras, instala un complejo aparato de rastreo cuyo funcionamiento el espectador debe seguir y entender. Sin que se detenga la trama y sin crear espacios vacíos (mientras Palladino —a quien nunca dejamos de oír— prosigue con su actuación), tenemos que entender cómo Tom conecta una serie de conmutadores, instala un rastreador de frecuencias, se topa con los obstáculos que le procura un inesperado inhibidor externo, y reacciona instalando un implemento más potente que, conectado al primero, logra contrarrestrar la inhibición. La pista número 4 sería la voz de la mujer que va dando instrucciones por la emisora de radio (que se grabó en un día diferente, de modo que, aunque Palladino en el teatro y Matheson, Tom y Sally en la cabina reaccionan, en teoría, a su voz, en realidad nadie estaba oyendo nada, del mismo modo que la mujer no tenía acceso a lo que sucedió los días anteriores). En fin: tener ese puzle en la cabeza para manejar en rodaje cada pieza por separado —buscando un ritmo muy determinado—, gestionarlo con fragmentos registrados en localizaciones y tiempos diferentes, y tratar de engrasar desde el montaje el ritmo y el uso del punto de vista para convertirlo en un baile natural que pareciera simplemente lógico, implicó, de forma inevitable, cierta complejidad, que sólo pudo manejarse de forma efectiva contemplando todos estos aspectos ya desde la escritura.

• Supongo que estás al tanto de la fría respuesta en taquilla de ‘Extraterrestre’, algo que sorprende cuando no se deja de pedir un cine español “diferente”. También se suele decir que las películas españolas no se promocionan lo suficiente, pero Nacho Vigalondo ha realizado un gran esfuerzo por aparecer en todos los medios. ‘Luces rojas’ funcionó bastante bien, mejor que tu anterior largometraje, ‘Buried’, del que, tras lo de Sundance, quizá se esperaba una mayor respuesta del público. ¿Cómo ves todo este asunto de la taquilla del cine español, como principal afectado?

Dentro de dos años, te costará encontrar una persona que no haya visto ‘Extraterrestre’, te lo aseguro, y en cuanto esté disponible en la Red, sus descargas se contarán por cientos de miles. Aunque será difícil que alguien esté dispuesto a pagar, resultando tan sencillo no hacerlo. Los modos de distribución están cambiando, pero las transiciones son inevitablemente revueltas, períodos de excepción en que abundan —hasta que se establece un nuevo equilibrio— los vacíos legales y las zonas grises. En cuanto a la respuesta de público a ‘Buried’, lo cierto es que calcó las estimaciones de Warner, y, por descontado, excedió las nuestras, teniendo en cuenta que hablamos de una película de menos de 2 millones que recaudó más de 20 sólo en cines. Ni de lejos habríamos soñado con algo así en el set de rodaje: si hubiéramos buscado un éxito masivo a toda costa, nos habríamos mantenido lo más lejos posible de una historia con un único actor y una caja.

• Aparte de dedicarse a la crítica, que no requiere tanto esfuerzo, ¿qué consejo le darías a alguien que quiere hacer cine en este país y no puede pasar por una escuela profesional ni tiene contactos en el negocio?

Qué sé yo; personalmente, no he estudiado cinematografía en ningún lugar, salvo en las salas, y jamás he tenido contactos de ningún tipo (te aseguro que Salamanca no es exactamente donde se cuece el negocio), pero eso no significa demasiado: lamentablemente no existen fórmulas concretas que revelar, ni recetas o consejos mágicos que proporcionar. No contemples la posibilidad del no, ten un espíritu muy analítico, mantente despierto para interpretar de forma correcta la realidad, asegúrate de que crees en lo que estás haciendo, observa lo que hacen los demás, contén la tentación de juzgar antes de tiempo, responsabilízate de ti mismo, y, sobre todo, haz: siempre HAZ. Y prepárate para escuchar de todo…

Nacho Vigalondo es uno de los directores españoles con mayor proyección internacional. Gran parte de ello se debe a la nominación al Oscar que recibió por su cortometraje ’7.35 de la mañana’, pero en USA llevan ya unos años con la idea de rodar el remake de ‘Los Cronocrímenes’, su estupenda ópera prima. Sin embargo, su debut en el largometraje, sobre el cual mi compañero Alberto ya tuvo la ocasión de hablar con él en su momento, no consiguió el éxito en la taquilla española. Quizá una mejorable distribución y que la campaña de promoción no fuese suficientemente masiva tuvo algo que ver en ello, pero eso no le ha impedido conseguir sacar adelante su segunda película, ‘Extraterrestre’ en un tiempo no demasiado amplio. Por aquí ya habéis podido leer mi opinión sobre la película, y también las de mis compañeros Pablo y Beatriz, pero pasemos sin más dilación a la entrevista.

• ¿De dónde surge la idea de rodar una película como ‘Extraterrestre’?

En realidad, son varias ideas que se acaban ensamblando.Siempre quise contar un desencuentro resacoso, en la misma cama, después de que haya pasado todo eso que en las comedias románticas no pasa hasta el final, además quitándole el glamour que le suele dar el cine a las borracheras. También me apetecía contar un evento fantástico global como es una invasión extraterrestre, pero desde un punto de vista torcido, el de unos personajes que, en una película normal serían los secundarios, o los extras al fondo.

• Personalmente, creo que ‘Los Cronocrímenes’ es una de las mejores óperas primas de nuestro cine, pero no tuvo una gran recepción en términos de recaudación, algo que suele condenar al ostracismo a muchos directores españoles. ¿Te ha costado mucho conseguir la financiación para sacar adelante ‘Extraterrestre’?

Ha sido cuestión de esperar. La película es barata en comparación con cualquier otra que ves en la cartelera, pero, hablando de cine, “barato” puede seguir siendo una cantidad de dinero bastante seria. Empezamos a rodar sin saber si podríamos terminar la película, pero poco a poco encontramos socios que confiaron en la propuesta.

• Dentro de tu línea por hacer algo diferente a lo habitual en el cine español has dado un papel al humorista Miguel Noguera, ¿qué te llevó a hacerlo?

El principal motivo es que es un actor excelente, con una vis cómica naturalista, y que haría bien el papel. También quería hacerle un homenaje. Para mí es un honor que la última frase sea la suya. Toda esa secuencia se reescribió una vez que supe que Noguera haría su personaje.

• ¿Qué puede esperar el público de ‘Extraterrestre’?

Es una comedia, así que puede esperar risas, en el mejor de los casos. Hay más, pero eso ya es decisión de cada uno.

• En tu carrera has ejercido como director, guionista, actor y hasta cantante. ¿Con cuál de las cuatro disfrutas más y por qué?

Cada vez disfruto más con el lenguaje cinematográfico. Con lo que más disfruto en las revisiones de “Extraterrestre”, además de las interpretaciones, es con algunas soluciones de montaje y movimientos de cámara. Trucos que no tienen por qué ser evidentes para el espectador, pero que le dan cuerpo a lo que se cuenta. Cuanto más dominas este lenguaje, descubres que es más lo que te queda por aprender.

• Eres uno de los directores españoles más activos (y longevos) en foros, twitter, etc. ¿Crees que el cine español está aprovechando esta vía para acercarse al público?

Sí, pero quizás porque es lo que tenemos a mano, más que como parte de una estrategia.

• Eres uno de los cuatro integrantes de Trash entre amigos, ¿Cómo se ocurrió la idea de que algo así podría tener tan buena acogida en España? ¿Fue difícil sacarlo adelante?

La idea es de Raúl Minchinela. Si veis su webserie “Reflexiones de Repronto” veréis que lo de retorcer las formas de tratar con el espectador es lo suyo. Es él el que resolvió la ecuación, a él tenéis que preguntarle.

• No son pocos los directores españoles que llaman la atención en el extranjero y les ofrecen encargarse de proyectos de lo más estrambótico, ¿Cuáles son los más desconcertantes que te han ofrecido a ti?

Es de mala educación hablar públicamente de los proyectos que has rechazado. Prefiero hablar de los guiones que leí en su momento y que no tuve talento para defenderlos desde mi terreno, como “Código Fuente” o “Battle for L.A.”. Si oyeseis las objeciones que hice y las variantes que propuse os partiríais el culo a costa mía.

• ¿Tienes algún proyecto soñado por el que estarías dispuesto a dejar de lado cualquier otra cosa si te surge la posibilidad de llevarlo a cabo?

Tanto Windows como Supercrooks son dos sueños por los que ya me he entregado mucho. Por favor, que no haya retrasos…

España tiene el honor de ser el país de origen (aunque está realizada en régimen de coproducción con Rusia) de una de las películas que más ha dado de hablar en Internet en los últimos tiempos. Su título es ‘El Cosmonauta’, y nos cuenta la historia de la desaparición en el espacio del primer astronauta ruso en la luna. Él, sin embargo, a través de fantasmales mensajes de radio, clama haber vuelto a la Tierra y haberla encontrado vacía. Su irreal presencia y su voz irán destruyendo poco a poco el mundo de sus seres queridos. Por si alguno de vosotros no conoce cuál es la particularidad detrás de esta película, os comento que ‘El Cosmonauta’ basa gran parte de su financiación en el crowfunding, es decir, que cualquiera podía convertirse en productor a través de una pequeña aportación económica, recibiendo a cambio una cantidad de los beneficios que se obtengan. Además, se utilizan licencias Creative Commons y será distribuida a través de internet, DVD, televisión y cine al mismo tiempo.

Nos encontramos ante un proyecto pionero en nuestro país y detrás de él encontramos a un montón de amantes del cine en la productora Riot Cinema Collective, pero entre todos ellos sobresale el nombre de Nicolás Alcalá, director y guionista de ‘El Cosmonauta’, siendo esta obra su debut en el cine. Nicolás ha tenido la gentileza de darnos una entrevista en la que comentar más aspectos sobre todo el trabajo que ha habido detrás de la dificultosa realización de ‘El Cosmonauta’.

• ¿Cuándo y de dónde surge la idea de hacer ‘El Cosmonauta‘?

Bruno (Teixidor, uno de los fundadores de Riot Cinema Collective) me envió un Mail contandome la historia de Ivan Stochniokov, el cosmonauta fantasma. Comencé a obsesionarme por las leyendas de cosmonautas desaparecidos y mas tarde por toda la carrera espacial soviética, casi desconocida pero fascinante. Poco a poco se configuró la historia del cortometraje que mas tarde seria El Cosmonauta (ya como largo). Hacerlo con crowdfunding (en aquel entonces había solo dos o tres proyectos en el mundo), creative commons, etc son cosas que estuvieron ahí desde el principio, poco a poco les hemos ido dando forma hasta llegar a The Plan 2, nuestra estrategia de distribución actual.

• ¿En qué momento decidisteis intentar conseguir también financiación, aunque sólo fuese parte de ella, por los métodos habituales?

Desde el inicio. Pero como un complemento. Nunca pretendimos financiar todo con crowdfunding (las estimaciones siempre fueron del 5%, aunque han acabado siendo del 60%, es decir, un exitazo). Siempre planteamos un modelo mixto de financiación tradicional (no subvención a proyecto, pero sí preventas, inversión privada y marcas) y crowdfunding.

• ¿Y cuántas personas individuales han aportado su granito de arena por pequeño que haya sido? ¿Hay algún inversor que se viniera atrás en su promesa?

Más de 3500 productores y más de 650 inversores. Más los más de 50 personas del equipo que han ayudado en mayor o menor medida a hacer esto realidad. El único inversor que no ha cumplido su promesa hasta ahora ha sido Alisa Green, nuestra ex co-productora, que falló en ingresar 120.000€ a una semana del rodaje, poniendo en riesgo más de 3 años de trabajo. Por suerte, el problema económico se resolvió.

• ¿Y cómo conseguisteis solucionarlo teniendo tan poco tiempo para ello y siendo una suma tan elevada?

Hicimos un video contando qué había pasado y diciendo que no íbamos a parar hasta conseguirlo (con dinero o sin él). Y abrimos una campaña para conseguir el dinero en un mes, mediante inversiones de 100€ o más. En 72 horas habíamos conseguido 120.000€, batiendo todos los records mundiales de crowdfunding en una cantidad de tiempo tan pequeña. Al final hemos conseguido casi 300.000€ para la película mediante crowdfunding, convirtiéndonos en uno de los 2 o 3 proyectos más exitosos del mundo. Fue absolutamente increíble. Es el poder que da tener una comunidad comprometida detrás. Están ahí para lo bueno y para lo malo. 

• ¿Cuál fue el punto en el que viste que ‘El Cosmonauta’ ya iba a ser seguro una realidad pese a los posibles dificultades que pudieran ir apareciendo?

Hace tres años, cuando decidimos hacer el proyecto. Jamás he dudado de que esto fuera a ser una realidad a pesar de las dificultades.

• ¿Habéis tenido que hacer algún cambio en el guión para no saliros del presupuesto?

Antes del rodaje tuve que reducir el guión en unas 30 secuencias, no tanto por una cuestión de presupuesto si no de tiempo (aunque al final son casi sinónimos). Nos salían 12 semanas de rodaje y tuvimos que reducirlo a 8, que aun así es un montón para una película independiente. Luego, como en todo rodaje, surgen imprevistos. Cuando, por ejemplo, nos denegaron desde roscosmos el permiso para rodar en Star City, donde entrenan los cosmonautas desde 1961 y que ya habíamos visitado varias veces, hubo que readaptar todas esas localizaciones a Letonia, donde estábamos rodando el resto de la peli.

• ¿Hay alguna de esas 30 secuencias que lamentes especialmente haber tenido que eliminar?

Las dos que transcurrían en la centrifugadora y la piscina de entrenamiento de Star City y que no pudimos rodar porque no nos dejaron rodar allí. ¡La burocracia rusa es imposible!

• ¿Ofrecisteis la posibilidad de aparecer en la película a alguna de las muchas personas que aportaron lo que pudieron para que la película saliera adelante?

No, no ofrecimos la oportunidad por dos motivos: 1- Teníamos unas fechas de rodaje casi imposibles y un equipo de producción reducido al mínimo. Habría sido una locura ponernos a coordinar algo así. 2- Principalmente, rodábamos en Letonia. Un poco complicado ya que la mayoría de nuestra comunidad es española.

• ¿Tenéis algún posible plan para una secuela si ese éxito se amplia cuando llegue su estreno o es una película completamente cerrada a posibles continuaciones?

Jajaja, yo he tenido suficientes cosmonautas por un tiempo. Empezaremos con otro proyecto que, confiamos, será tan bueno como este. Y creemos que si es un éxito la gente querrá seguirnos a nosotros por la manera en que hacemos las cosas.

• ¿Os está costando encontrar la distribución adecuada para cuando llegue su estreno dado lo novedoso de vuestra apuesta?

Mucho. Y no porque no estén interesados o porque no vean que va a ser un éxito y a llenar las salas, sino por la presión que ejercen unos y otros, ya que ven peligrar su modelo de negocio actual. Si El Cosmonauta se estrena sin ventanas de exhibición, el mismo día en todas las plataformas, gratis en internet, etc, y resulta ser un éxito… muchas cosas pueden cambiar. Evidentemente, no a todo el mundo le interesa. Pero nuestro propósito firme no es enfrentarnos a la industria tradicional sino tender lazos e intentar buscar consensos para demostrar que hay otra manera de hacer las cosas, pero hacerlo con la participación de esa industria. Abrirles puertas, opciones, darles ideas y construir juntos. Siempre ha sido uno de nuestros objetivos principales: encontrar un camino para los dos, no paralelo. Poco a poco creemos que irán entrando en razón y al final, si la película es buena como creemos que va a ser, encontrará su lugar en las televisiones y los cines, pero a nuestra manera.

• ¿Intentaréis hacer alguna presentación inicial en algún festival de cine o también hay muchas trabas por ahí?

Es la idea. Estrenar en un festival grande. Ahora mismo estamos con 3 en mente. Nos escribieron de Sundance super interesados (esto le pasa a una de cada mil pelis!) pero lo que les enviamos era un montaje muy muy en bruto y sin terminar. Esta misma semana vienen a verla desde la Berlinale, donde también se han mostrado súper interesados y también nos han ampliado el deadline en Sxsw, el que ahora mismo es el festival de cine independiente más importante, consolidándose incluso por delante de Sundance. Si nada de esto funciona, lo intentaremos con Cannes. Y una vez estrenada en un festival, haremos el estreno oficial un poquito después. De momento los festivales no nos han puesto trabas porque con ellos haremos el estreno en exclusiva, pero a la hora de presentarlo después a otros, una vez estrenada en internet, probablemente sí que nos pongan pegas.

• ¿Y los acuerdos para su estreno por otros canales están siendo complicados o ahí estáis encontrando mayores facilidades?

Televisiones son difíciles, pero nos han escuchado más. Estamos en charlas con un par, a ver qué sale. No pinta mal. Más tarde iremos a las internacionales, pero eso será cuando cerremos con un distribuidor internacional que sea capaz de moverlo (ya estamos en conversaciones con algunos de los mejores). Con VOD está siendo fácil. Casi todas las plataformas quieren tenerla. Ya veremos si le damos la exclusividad a alguna, pero lo dudo. Probablemente estará en todas, con diferentes contenidos y valor añadido en cada una de ellas. En dvd no hubo ningún problema. Hace más de año y medio que Cameo se comprometió a editar el dvd, incluso sin haber visto la película en un gesto de confianza por su parte, y ahora están encantados con la idea. Vamos a editar la peli no sólo en dvd y bluray si no también en USB. Va a ser la primera vez en España.

• ¿Vais a cuidar la edición en dvd y otros dispositivos físicos con el agregado de extras elaborados y extensos para fomentar su venta? ¿Y dedicaréis alguno de los extras a explicar el asunto del crowfunding y/o a las muchísimas personas que han aprotado su pequeño granito de arena económico?

Por supuesto. Toneladas. Además, pensamos editar un libro sobre El Cosmonauta que tendrá contenidos del transmedia relacionados con la película y una parte que será una crónica de cómo empezó esta aventura y las mil cosas que han pasado en estos tres años. Algo así como: “101 cosas que aprendimos con El Cosmonauta”.

• ¿Qué puede esperar la gente de ‘El Cosmonauta’?

Una historia de encuentros y desencuentros entre tres personajes que se ven rodeados por algunos de los acontecimientos más relevantes de la historia de la humanidad durante la carrera espacial. Poesía, algo de acción y ciencia ficción en una película que además tiene el plus de ser parte de la historia viva del cine.

Gustará a los cinéfilos y a tu madre.

Fotos de Miki Ávila

Dos cineastas tan importantes como Christopher Nolan y David Fincher reivindican el papel canónico de uno de los mejores cineastas modernos, Terrence Malick. El comentario es breve pero interesante pues no suele ser fácil encontrar a cineastas hablando con tal admiración de un compañero, a excepción de los especiales que organiza el American Film Institute.

Sobre los comentarios en sí, creo que los más inteligentes son los de Fincher. Nolan traza una tentativa de definir el estilo cinematográfico, pero habría que tener toda su declaración completa pues es un clip corto. En todo caso, confesarse influenciado por Malick, como hace Nolan, desvela honestidad pero también cierta arrogancia, pues no parece haber aprendido demasiado el director de su maestro ya que nada tienen sus películas de reposadas, hermosas y arriesgadas meditaciones en clave trascendental. En fin, disfruten.

Mi conocimiento sobre Carlos Aguilar se remonta en el tiempo casi tres décadas, cuando se publicaba la primera edición del libro por el que muy probablemente le conoció casi todo el mundo, la famosa ‘Guía del Vídeo Cine’, llamada actualmente ‘Guía del Cine’. Actualizada cada cierto tiempo, es el diccionario de películas más amplio que mis ojos han llegado a ver, un excepcional libro de consulta que estoy seguro ha servido de gran ayuda a muchos cinéfilos. En dicho libro ya puede apreciarse el estilo de Aguilar, que tira hacia la síntesis bien entendida, y sobre todo su contundencia a la hora de expresar sus opiniones, lo cual le ha conllevado cierta fama de polémico en el sector. Entre sus obras dedicadas al séptimo arte podemos encontrar, entre otros, libros sobre Sergio Leone —la edición del 2009, muy diferente a la del 99, y cuya lectura la considero obligada para todo amante del cine—, Clint Eastwood, y el muy reciente dedicado a la figura de Jesús Franco. También ha escrito libros de ficción, en los que el cine tiene una importante presencia, como por ejemplo ‘Nueve colores sangra la luna’.

Español de nacimiento, italiano de corazón, Carlos Aguilar sigue fiel a sí mismo desde que empezó, algo que no pueden decir muchos. Ha sido un verdadero placer realizar la entrevista que Carlos ha concedido a Blogdecine, ya no sólo por lo que su libro más famoso ha significado para mí, sino por mantener con él una de esas conversaciones en las que se disfruta y de las que siempre se quiere más. Una extensión de nuestras charlas por medio de ese invento tan cuestionado hoy día: Internet. En su facebook y su página web podréis encontrar más información sobre Carlos Aguilar y su obra. Aquí os dejo esta suculenta entrevista que no dejará indiferente a nadie.

• Te gusta más que te llamen escritor que crítico, pero lo eres. ¿Se hace o se nace?

Bueno, prefiero que me llamen “escritor” porque es un término que engloba el de “crítico” y también el de las otras facetas de la escritura que he cultivado (novelista, ensayista); entonces, es más completo y está más justificado. En cuanto a la segunda parte de la pregunta, el crítico primero Nace y después se Hace. Como el músico, o el pintor. Es decir, requiere unas condicionas innatas, sin las cuales no hay nada que hacer, y después aprender el oficio, en el sentido profesional del concepto.

• ¿Consideras que la escritura sobre cine o crítica cinematográfica en España posee un buen nivel?

Nuestro nivel al respecto no es mejor ni peor del que puedan tener en Francia o Italia, por elegir países europeos cercanos. Tanto ellos como nosotros tenemos de todo, de lo mejor a lo peor. Así que de complejo de inferioridad, nada.

En la presentación del libro sobre Jesús Franco, con Jack Taylor y Raúl García

• ¿Cómo ves la nueva ola de escritores que han surgido gracias a ese invento tan odiado y amado por muchos llamado Internet?

Predomina lo malo, en el sentido de que abunda la falta de rigor e incluso la chulería, el “esto es así porque lo digo yo en mi blog”. Pero también ha surgido gente válida, que está aportando textos interesantes, e incluso rellenando huecos.

• Compaginas tus libros de ficción con ensayos cinematográficos sobre todo de directores (Leone, Eastwood), ¿con qué te encuentras más cómodo y por qué?

Ambas facetas tienen sus satisfacciones, pero me resulta más excitante la de novelista. Crear una historia, desarrollarla guardando un ritmo y plasmando una atmósfera, inventar personajes y relacionarlos, atinar con los diálogos… me aporta una actividad intelectual creativa más estimulante que cualquier análisis cinematográfico.

• La famosa Guía del Cine ha ayudado a generaciones enteras de cinéfilos siendo un imprescindible libro de consulta. ¿Cómo surgió la brillante idea de hacer un libro que recopilase el mayor número de películas posibles?

Bueno, era el momento. Había aparecido ya algún diccionario de películas en inglés (TV Movies, Halliwell’s Film Guide) y aún nada en Alemania, Francia, Italia… Sí en España, un recopilatorio editado por la Guía del Ocio, pero era espantoso. Por añadidura, el caos del sector videográfico español reclamaba una obra de este tipo, clarificadora y con sentido crítico, y así se planteó, dando prioridad a las películas editadas en tal formato. Superado el boom del video, desapareció la palabra del libro y mejoré el planteamiento. Pero ya en la primera edición, me empeñé, para personalizarlo más allá de mi criterio, en incluir todo el cine español, pues tal recopilación entonces no existía en obra alguna, ni oficial ni comercial. Y me lancé a la tarea, cuando apenas había fuentes de documentación a las que recurrir, no digamos ya Internet. Las primeras ediciones están escritas con una máquina de escribir que ni siquiera era eléctrica, una olivetti roja que nunca olvidaré. Así que ya puedes imaginar la odisea que representó escribir este libro, no sólo intelectual sino material! Al comienzo de cada jornada, me levantaba con unas agujetas tremendas por culpa de la anterior.

• Cada cierto tiempo lo vas actualizando, ¿qué sueles tener primero en cuenta, nuevos títulos o repasar aquellas películas que casi no recuerdas?

De todo. Repasar películas que ya están, incluir producciones nuevas… pero también antiguas, de todas las épocas, países y modalidades, con ánimo de ampliar la obra adelante y atrás, cronológicamente hablando.

• Siempre faltarán títulos en el libro, pero ¿aspiras a la utópica realidad de que el libro esté completo?

Nunca he aspirado a realidades utópicas. Simplemente, procuro que el libro sea lo mejor posible en la medida de mis posibilidades. Pero perfecto, o impecable, jamás podrá serlo, porque la naturaleza de la obra lo impide.

Carlos Aguilar, Anita Haas y John Phillip Law

• ¿A quiénes consideras tus maestros en la crítica de cine?

A nadie en particular. Pero de jovencito me gustaban mucho críticos como César Santos Fontenla, José Luis Guarner, Juan Tébar, Juan Cobos, Jaime Picas y Miguel Marías.

• Te caracterizas por poseer una capacidad de síntesis realmente envidiable. ¿Rehuyes del análisis sesudo de una película o crees que no es necesario profundizar tanto en algo que a la mayoría de la gente no le interesa?

Ni lo uno ni lo otro. Simplemente suscribo lo de “lo bueno, si breve, dos veces bueno”, por un lado, y, por otro, con los años me he ido volviendo progresivamente sintético, respecto a evolución estilística. Por añadidura, pienso que un texto no es necesariamente más profundo por ser más largo.

• ¿Es la crítica de cine necesaria?

Siempre lo ha sido, y siempre lo será. Contribuye a apreciar, o despreciar, más y mejor la película, enriqueciendo o relativizando el criterio del lector.

• ¿Qué crees que un crítico debe aportar, y en tu caso particular, cuáles son los puntos que más te interesan a la hora de escribir sobre una película?

Pienso que lo ideal es compaginar la información objetiva con la valoración subjetiva. Lo primero, para que el lector sepa cómo, cuándo y por qué se ha hecho la película, conozca el contexto en que surge y sepa quienes son los profesionales que la han hecho posible. Lo segundo, para suscitar un cierto debate con el lector, debate que si se hace bien puede ser apasionante para éste, si ha visto la película, o emplazarle de cierta manera, si no la ha visto.

• ¿Lees blogs de cine, y en general qué opinión te merecen?

Sí que los leo, a menudo. En cuanto a opinión, reitero mi respuesta a la pregunta tercera.

• Tienes fama de polémico y el público a veces reacciona en contra, ¿te has acostumbrado ya a ello o simplemente no tienen razón?

Me he acostumbrado a ello. Figúrate, ya tengo a la espalda casi treinta años de ser polémico, si no me hubiera habituado me habría vuelto esquizofrénico o paranoico.

• La pregunta que siempre le hacemos a todos, tus pasiones cinéfilas y también tus fobias. Mójate.

Bueno, pasiones cinéfilas guardo muchas y de toda clase. De los clásicos mudos al cine italiano de los años 60, fíjate si podría decirte… Pero siento una devoción especial por Orson Welles, John Ford, Max Ophuls, el Buñuel mexicano y el Bergman en blanco y negro. Estas pasiones decaen con el cine que se hace desde mediados de los años 80, considero que a partir de entonces el Séptimo Arte comienza a desnaturalizarse y degradarse, progresiva e irreversiblemente. Respecto a fobias, también hay tantas… si quieres nombres, entre los fallecidos digamos Stanley Kubrick, Tony Richardson y Arthur Penn. Entre los que están en activo, Lars von Trier, Wong Kar Wai y González Iñarritu. Pero son los primeros que me han venido a la cabeza.

* Muchas veces has expresado tu descontento con el cine actual, pero tu rechazo llega hasta límites insospechados. ¿A qué se debe ese descontento? ¿Hay algún director o directores al que le eches la culpa en concreto? ¿Qué crees que se ha perdido realmente? y ¿de verdad no hay esperanza?

Sucede que considero que el Cine comenzó a decaer y degenerar desde mediados de los años 80, al perder sus propiedades, su especificidad, en todos los órdenes. Echar la culpa en concreto, no es fácil… pero a buen seguro en el cine comercial todo comenzó cuando “las películas comenzaron a parecer su propio trailer”, como genialmente resumió Wenders. En cuanto al de autor, por mantener la dicotomía tradicional, capto que comenzó a amanerarse, por un lado, y quedarse sin ideas, argumentales y formales, por otro.

• Entre los realizadores en activo, ¿quién consideras que es un genio o se acerca a dicha concepción?

Aki Kaurismaki. Es el único que jamás me ha decepcionado. Si me hubieras formulado la pregunta hace unos años, habría añadido a Jim Jarmusch. Pero el cine de éste ha caído en picado desde que trabaja con Bill Murray, que es una de mis fobias. Curioso, es un poco como Scorsese desde que se juntó con DiCaprio.

• Cine español, ¿opinas como Tomás Fernández Valentí, que dice es una pérdida de tiempo?

En absoluto. Disiento, con todos mis respetos para Tomás, gran amigo y gran crítico. El cine español ahora está muy mal, ciertamente, pero ahora están muy mal todas las cinematografías. Pero si te fijas en el grueso de su producción, adviertes que se compone de genialidades, medianías, mimetismos, experimentos, estupideces, subproductos, películas mejores, películas peores… resumiendo, nada que no se aprecie fácilmente en el resto de las cinematografías europeas, cuya historia y evolución, o involución, ha sido, históricamente hablando, bastante menos traumática.

• Vamos con tu admirado Kubrick, ¿no hay una sola que salves de la quema? y ¿qué consideras que hacía mal en sus películas?

Considero que Kubrick es la pomposidad y la vanidad artísticas hechas cine. Por sistema se sitúa por encima de lo que cuenta, cree que cada película suya es LA PELÍCULA, más allá de las modas, los géneros y las épocas. No soporto esa actitud, esa petulancia.

• ¿Qué consideras esencial para que una película sea buena? Pon algún ejemplo.

Pues algo tan somero como la identificación entre propósito y resultado. Cuanto más se aproximen ambos, mejor me parece la película.

• ¿Dónde crees que reside la grandeza de los directores de serie B como Mario Bava, John Carpenter, Terence Fisher o Tourneur?

Resumiendo mucho, en el enorme talento con el cual creaban un mundo artístico propio y reconocible dentro de una serie de convenciones, industriales y artísticas, dentro de las cuales debían amoldarse.

• ¿Hacía Sergio Leone cine de autor, o dicha etiqueta sólo está reservada a aquellos que no hacen cine de género?

Está reservada la etiqueta, efectivamente, dentro de los parámetros convencionales de la Crítica. Mas Leone demostró que dentro del cine de género puede existir una purísima perspectiva de autor, sin que ambas se entorpezcan.

• ¿Crees que Quentin Tarantino aporta algo al cine o sólo es un refrito de videoclub?

Tarantino es inteligente y astuto, sabe rodar y tiene mano para trabajar con los actores. Le pierden la autocomplacencia y el hecho de sentirse obligado a ser reconocible y reconocido, o sea a realizar películas expresamente para la satisfacción de sus fans.

• ¿Crees que Billy Wilder no le llegaba a la suela de los zapatos a Ernst Lubitsch? ¿Y Mitchell Leisen, eran tan malo como Wilder decía?

No, discrepo. El caso de Wilder y Lubitsch me parece el típico ejemplo del alumno que supera al maestro, como Chandler y Hammett en la literatura negra. Y a Leisen no le considero un director malo; no es genial y tiene mucho bodrio, pero también películas tan memorables como ‘Medianoche’ (‘Midnight’, 1939).

• Diez películas que considerarías deben pasar de generación en generación.

Sin repetir directores: ‘Nosferatu, el vampiro’ (‘Nosferatu, eine Symphonie des Grauens’, F.W. Murnau, 1922), ‘Metrópolis’ (‘Metropolis’, Fritz Lang, 1927), ‘Ciudadano Kane’ (‘Citizen Kane’, Orson Welles, 1941) , ‘Pasión de los fuertes’ (‘My Darling Clementine’, John Ford, 1946), ‘Viridiana’ (Luis Buñuel, 1961), ‘El manantial de la doncella’ (‘Jungfrukällan’, Ingmar Bergman, 1960), ‘Toby Dammit’ (el episodio de Federico Fellini de ‘Historias extraordinarias’, 1968), ‘Psicosis’ (‘Psycho’, Alfred Hitchcock, 1960), ‘La cabeza contra la pared’ (‘La tête contre les murs’, Georges Franju, 1959) y ‘El bueno, el feo y el malo’ (‘Il Buono, il brutto, il cattivo’, Sergio Leone, 1966).

• Muchísimas gracias por tu tiempo, Carlos.

De nada, hombre, ha sido un placer.