Estrenos

Ya decían mis compañeros Beatriz Maldivia y Juan Luis Caviaro en sus respectivas críticas sobre ‘Si la cosa funciona’, que todos los años es un verdadero placer asistir a la cita que nos propone desde hace mucho tiempo ese excelente director que es Woody Allen. Un ritual al que no puede faltar ningún cinéfilo, y que para muchos de nosotros se ha convertido en cita obligada. El director neoyorkino es como ese viejo amigo que regresa cada cierto tiempo para ponernos al día de todo, comprobando que a pesar del transcurso de los años, algunas cosas, las más importantes, siguen estando vigentes.

‘Si la cosa funciona’ —confusa traducción de ‘Whatever works‘— es la vuelta de nuestro querido Allen a territorios de sobra conocidos por los habituales de su cine, caminos ya recorridos por el cineasta en ocasiones anteriores, y no por ello menos geniales. Una gran sorpresa si tenemos en cuenta la enorme decepción sufrida con ese espanto titulado ‘Vicky Cristina Barcelona’, en la que Allen jugaba sin demasiado sentido a ser Eric Rhomer, mientras el sufrido espectador deseaba despertar de la pesadilla de ver como Allen era capaz de hacer no ya un film menor, sino uno deplorable.

Richard Kelly, autor de la controvertida ‘Donnie Darko’, toma el relato corto del también Richard Matheson, ‘Botón, botón’ (‘Button, Button’), que ya fue adaptado a un capítulo de ‘Más allá de los límites de la realidad’ (‘The Twilight Zone’); para rodearlo de nuevas connotaciones y continuar la historia más allá de donde finalizaba. Con ello crea ‘The Box’ (la caja), film que se estrena el 6 de noviembre y que está protagonizado por Cameron Diaz, James Marsden y Frank Langella.

‘The Box’ parte de una de esas premisas muy poderosas que se llaman en terminología del guión “high concept“, tan interesantes en teoría, pero tan peligrosas en verdad, porque pueden fácilmente quedarse en nada, ser puro aire, probar que no hay opciones de desarrollarlas más allá de su simple planteamiento. La cosa es que a un matrimonio se le plantea la posibilidad de recibir un millón de dólares a cambio de que una persona, desconocida para ellos, muera. Efectivamente, pasado el impacto de este concepto, poco más aporta la trama. Por lo tanto, el avance del film es lento y contiene muchos momentos de bajo interés.

Primero había uno pequeño…luego otro más grande…¡Y luego uno enooooorme que estaba durmiendo!

-Mei

No es difícil recordar el panorama de la animación japonesa de mediados de los años ochenta. Lo que nos llegaba a España, que conocía un fabuloso éxito, eran series de muy pobre calidad, tanto en su escritura como en su formalización, y la mayoría de los analistas, que no tenían mucho interés en estudiar a fondo éste fenómeno más allá de nuestras fronteras, despreciaban estos productos y, por extensión, cualquier producto japonés. En aquel tiempo no sabíamos, pobres ignorantes, lo que podía dar de sí, estéticamente hablando, esa prodigiosa industria.

Sin embargo, algunos privilegiados (yo contaba unos diez años), pudimos ver dos películas creadas en aquel lejano país que nos dejaron asombrados. La primera fue ‘Akira’, que aún hoy resulta asombrosa en sus imágenes, y la segunda fue ‘Mi vecino Totoro’, que nos descubrió un talento ahora premiado en festivales internacionales y venerado como un gran maestro del cine, que aquí firmó una de sus más hermosas, libérrimas, inclasificables y conmovedoras películas.

La enorme fuerza narrativa y el sobresaliente trabajo visual de ‘Sin nombre’ fue lo que más llamó la atención en el pasado Festival de Sundance. Por ello ganó los premios a la mejor fotografía y a la mejor dirección, para el norteamericando (de ascendencia nipona) Cary Joji Fukunaga. Y en verdad, el filme resulta un drama prodigioso que convierte a su realizador en una de las jóvenes promesas con mayor proyección de futuro. Por suerte, al conseguir estos galardones la cinta ha tenido una distribución más digna con su resultado y nos podemos congratular de que llegue a nuestras carteleras.

Una historia vibrante, con momentos durísimos pero que consiguen atrapar al espectador y transportarlo a una realidad tan palpable y cruda como es el drama de la inmigración en centroamérica. Dos ejes temáticos, dos caminos paralelos que se cruzan y confluyen en un profundo y espléndido reflejo del sentimiento de desesperación humana.

Alberto Rodríguez no es un director que goce de mis simpatías, precisamente. Sus primeros trabajos, ‘El factor Pilgrim’ y ‘El traje’, no llamaron nada mi interés, y su ‘Siete vírgenes’ me pareció una película muy facilona, sin el menor interés estético o emocional, a pesar de que esa película gozó de gran popularidad durante meses, y fue reconocida con algunos premios, pero me pareció la obra de un director indolente, autocomplaciente sin motivo, mal director de actores, incapaz de sorprender o emocionar con su puesta en escena.

Y de pronto nos llega este ‘After’, cuatro años después, una de las películas españolas más sorprendentes y rotundas de los últimos tiempos, que a pesar de sus defectos, que los tiene y no son pocos ni triviales, posee bastantes virtudes y una incontestable fuerza dramática que la erigen en una rara y poderosa muestra de desesperanza y nihilismo, una historia capaz de atrapar al espectador más desmotivado y de proporcionarle dos horas de imágenes descarnadas pero elegantes.

La directora suiza Ursula Meier, experimentada en documentales y televisión, estrena su primera cinta dirigida a la gran pantalla, ‘Home, ¿dulce hogar?’ (‘Home’, 2008), este viernes, 30 de octubre. La película está protagonizada por Isabelle Huppert, Olivier Gourmet, Adélaïde Leroux, Madeleine Budd y Kacey Mottet Klein, y nos presenta a una estrafalaria familia que habita en un extraño lugar donde se comienza a construir una autovía.

Se trata de un film pequeño, entrañable, con aires algo antiguos y muy europeo o también: muy de autora. Meier introduce, dentro de una realización realista y funcional, algunos interludios poéticos, donde la música cobra más fuerza y el estilo de los encuadres se hace más fijo y pausado, que son poderosos y bellos —hasta la fotografía parece mejorar en esos planos—. Una vez la narración se vuelve a poner en marcha, nos metemos en una espiral de situaciones alocadas y claustrofóbicas nada fáciles de sobrellevar.

El 30 de octubre se estrena el film catalán ‘Trash’, dirigido por Carles Torras e interpretado por Oscar Jaenada, Judit Uriach, Carla Nieto, Marta Solaz, Nuria Prims y Assumpta Serna. Dos hermanas y una madre sufren sus particulares dramas: las dos chicas serán víctimas de la infidelidad de sus parejas, una de ellas, durante su embarazo. La madre pasará por una grave enfermedad.

A medio camino entre las estructuras basadas en historias cortas y la preeminencia de una trama rodeada de subtramas vinculadas, ‘Trash’ nos cuenta diferentes vidas, sin colocar a una por encima de las demás en cuanto a protagonismo, pero con una relación entre ellas tan cercana como la que suele unir a los conflictos en los planteamientos aristotélicos.

Se trata de una película de personajes y éstos están bien definidos, con personalidades y sentires individuales, con sus anhelos y sus defectos. Por este motivo, no es difícil comenzar a ver ‘Trash’ con empatía hacia lo que sucede y con la cercanía que nos brinda su realismo. Los actores, construyendo a partir de este retrato certero, desempeñan una gran labor y son, sin duda, lo más apreciable del film.

Ayer se estrenaba en nuestro país ‘El Imaginario del doctor Parnassus’ (‘The Imaginarium of Doctor Parnassus’), un film muy sorprendente y original, que cuenta con algunos hallazgos maravillosos. Como ya adelantaba en la entrada sobre los estrenos, lo mejor de la película es lo que las circunstancias le han brindado a Terry Gilliam sin que él lo haya buscado ni lo haya escrito en el guión en su momento: Heath Ledger, que había rodado cantidad de escenas antes de su fallecimiento, sería sustituido por tres actores: Jude Law, Johnny Depp y Colin Farrell.

Sabiendo este dato, cuando comienzas a ver la película, toda tu curiosidad está en ver en qué escena se cambia de actor, cuál de ellos lo sustituye y si realmente se nota. Y los momentos elegidos para pasar a otros no podrían ser más acertados. El juego de ‘Ese obscuro objeto del deseo’ es tan adecuado a lo que cuenta la película, que parece pensado desde antes del rodaje o de que ningún desgraciado acontecimiento hubiese sucedido.

Uno de los estrenos más apetecibles de hoy viernes es la comedia independiente ‘(500) días juntos’. La película promete ser original, fresca y, sobre todo, anti-romántica. La intención es clara, captar a más público del que suele ir a ver esos empalagosos productos etiquetados como “comedia romántica”, centrados en una típica y aburrida relación entre dos protagonistas, que habitualmente consiste en los siguientes pasos: se conocen, no se soportan, luego se aman, se vuelven a odiar un poco y al final se aman ya con seguridad. La que se estrena hoy, en teoría, rompe con todo esto.

Además del atractivo papel con el que viene envuelta, ‘(500) días juntos’, traducción española de ‘(500) Days of Summer’, cuenta con el eficaz gancho de estar protagonizada por los jóvenes y prometedores Joseph Gordon-Levitt y Zooey Deschanel, que ya en el tráiler se ve que forman una estupenda pareja en la pantalla. Son actores populares que están ganando prestigio; Gordon-Levitt es uno de los grandes talentos de la cantera norteamericana, y Deschanel va acumulando fans poco a poco, aunque todavía está lejos de ser una buena actriz. En cualquier caso, la química entre ambos de es lo poco que se puede salvar de una comedia que, en el fondo, es lo de siempre.