Estrenos

‘La chispa de la vida’, de Álex de la Iglesia, se podría considerar como un remake de ‘El gran carnaval’, de Billy Wilder, con la salvedad de que en este caso es el protagonista, interpretado por José Mota, el que quiere sacar provecho de su propia desgracia, como indicaba Míkel Zorrilla o como aclara el propio director y co-guionista, que asegura que su film se parece más a ‘La cabina’, aquella opresiva tv-movie que dirigió Antonio Mercero sobre el guion de Garci. Acompañado en el reparto por Salma Hayek, Blanca Portillo, Juan Luis Galiardo, Fernando Tejero, Manuel Tallafé, Santiago Segura, Antonio Garrido, Carolina Bang y Joaquín Climent, entre muchos otros, el cómico encarna a un publicitario en paro que acude a Cartagena para reservar una habitación en el hotel donde pasó la luna de miel y darle así una sorpresa a su mujer, que tanto lo ha apoyado. Al llegar, descubre que en lugar del alojamiento se ha erigido un museo arqueológico y, por torpeza, sufre una mala caída que lo deja retenido de tal modo que ni los médicos pueden moverlo de allí.

Sin olvidar cuestiones de tono de la narración o de nivel de las interpretaciones, así como otros aspectos en los que se puede aplicar aquello de que las comparaciones son odiosas, aventuraría que existe un argumento extra-cinematográfico que supone la diferencia entre una película y otra. Decía un amigo que es imposible parodiar a la televisión del morbo. Y tenía razón, pues creo que, si ahora nos formásemos una tormenta de ideas para buscar lo más exagerado y desquiciado que pudiese elegirse como tema para un espectáculo, con la idea de parodiarlo y así demostrar su crueldad y absurdo; al día siguiente, haciendo zapping, nos encontraríamos la “promo” de algo todavía más descabellado y dañino. Por lo tanto, lo que en 1951 podía ser una crítica muy efectiva sobre la prensa y los medios, ahora mismo no pasa de suponer una obviedad y de quedarse corto sin remedio. De esta forma, es difícil sentir la indignación que tendría que producirnos la situación.

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Soy muy fan del cine de David Fincher. Soy perfectamente consciente de que eso es algo que le pasa actualmente a mucha gente, pero no por ello voy a empezar a echar pestes de un director cuyas películas suelen encantarme, y es que no es muy raro que haya gente que acabe atacando a un director que una vez amó por, entre otras cosas, haber alcanzado una notable popularidad (aunque este punto es algo que negarán). De hecho, soy tan fan de Fincher que me han llegado a catalogar como, y perdón por la expresión, una puta de su cine, y que hiciese lo que hiciese iba salir del cine diciendo que vaya peliculón acababa de ver. El problema es que tampoco es algo que pueda rebatir diciendo que tal película me había decepcionado, porque todos sus trabajos desde ‘Seven’ (‘Alien 3’ me sigo resistiendo a considerarla suya dados los múltiples problemas que tuvo para completarla a su gusto) me parecen como mínimo notables, y siempre habían estado a la altura o por encima de las expectativas que pudiera tener.

Sin embargo, al enterarme de que había aceptado dirigir la versión americana de la novela ‘Los hombres que no amaban a las mujeres’ me invadió por primera vez una gran duda sobre si estaría ante mi primera gran decepción con una película de David Fincher. Reconozco que ni había leído el libro, ni tampoco me había molestado en ver la adaptación sueca, y es que no tenía especial en volver a encontrar otro ‘El código Da Vinci’, que es a lo que apestaba la novela de Stieg Larsson por mucho que algunas personas quisieran vendérmelo de otra forma. Además, estuve muy lejos de compartir el entusiasmo inicial de la mayoría cuando aparecieron las primeras imágenes y, sobre todo, el primer tráiler, el cual a mí me echó muy para atrás y empecé a pensar que igual no iba a ser sólo una decepción, sino ante algo malo. Y una vez vista me atrevo a decir que ‘Millennium: Los hombres que no amaban las mujeres’ es lo peor que ha hecho su director, pero ¿quiere eso decir que sea una mala película?

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Ubicada durante la Guerra Fría, ‘El topo’ (‘Tinker Tailor Soldier Spy’, 2011), de Tomas Alfredson, adapta una de las novelas de John Le Carré para hablar de un espía británico jubilado de forma sospechosa, al que le llega la noción de que puede haber un infiltrado en su organización. Sin levantar mucho polvo y guardando la compostura, comienza a mover algunos hilos para desenmascarar al agente doble y, en el proceso, se topará con otras traiciones con las que no contaba.

La estética de ‘El topo’ está henchida de intencionalidad, aunque no se presenta llamativa en cuanto a lo que muchos llaman puesta en escena. La ambientación es feísta porque así se quiere fotografiar la época, como comentará uno de los personajes: “El Occidente se ha vuelto muy feo”. Así, aunque aparezcan envidiables vehículos y edificios singulares, no hay brillos, sino un sentir rancio o desgastado. Suponen una opción visual muy impactante esas cápsulas insonorizadas con poliespán naranja donde tienen lugar las reuniones de la cúpula. Los planos frontales de perspectiva caballera se emplean muchas veces para componer espacios muy marcados. Se hace tanto aquí, como en la biblioteca que, vista desde fuera, a través de las ventanas, también compone un bello encuadre. Al tratarse de un film de espionaje, se utilizan mucho estas visiones a través de los vidrios y destaca, en este sentido, en particular, la escena que transcurre en un único plano y que se nos muestra dividida por cuatro ventanas iguales por las que va desfilando una mujer que acaba de descubrir otro tipo de deslealtad.

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La suerte no suele visitar mi barrio” (Arletty).

Esta semana se ha estrenado ‘El Havre’ (‘Le Havre’, 2011), el último trabajo del finlandés Aki Kaurismäki, en el que vuelve a contar con su actriz habitual, Kati Outinen, y en esta ocasión añade al reparto nombres franceses: André Wilms, Blondin Miguel, Jean-Pierre Darroussin y Jean-Pierre Léaud, habitual de François Truffaut.

La sencilla historia que mueve esta película se centra en un antiguo escritor bohemio que ha sentado la cabeza y se gana la vida a duras penas con un trabajo de limpiabotas para el que ya casi solo puede contar entre sus clientes a algún mafioso con intenciones de despistar a sus perseguidores. La esposa de este hombre está fatalmente enferma y él, que desconoce la gravedad de la dolencia, está centrando sus atenciones en ayudar a un chaval que acaba de llegar al puerto en una patera y al que busca la policía. Tras tal crónica de los acontecimientos que acontecen al inicio del film, cualquiera esperaría no ya un drama, sino una durísima película sin concesiones, cargada con una presencia exagerada del componente crítico.

Sin embargo, Kaurismäki puede contar hechos como estos con sentido de humor y de una forma positiva, pero, sobre todo, muy particular y única. El director elige como sus seres preferidos a personas con poca suerte. A pesar de o precisamente por ello, opta por el optimismo y la alegría y busca la parte buena de la vida incluso en momentos o lugares en los que parece imposible hallarla. Al haberse trasladado a Francia, aunque sea a una zona deprimida, parece necesario marcar más claramente este componente de crítica social. En sus anteriores films, situados en Finlandia, la protesta estaba más velada, presente solo por la mera ubicación en deprimentes y míseros escenarios, y era la historia personal lo predominante.

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La semana que viene, concretamente el día 5 de enero, se estrena por fin en España ‘La dama de hierro’ (‘The Iron Lady’), un biopic sobre la ex primera ministra británica Margaret Thatcher, a la que encarna en la gran pantalla Meryl Streep. La veterana actriz, una de las más premiadas y queridas del planeta, ha sido nominada al Globo de Oro por su interpretación en este film y se da por segura la candidatura al Oscar, premio que se ha llevado en dos ocasiones de las 16 en las que ha optado (lo ganó por ‘Kramer contra Kramer’ y ‘La decisión de Sophie’).

En esta entrada os traigo el último material promocional de la película. Arriba tenéis el tráiler para los cines españoles (atención al doblaje), más abajo os he dejado un avance para el mercado internacional (en inglés), el cartel en castellano y una entrevista a la intérprete protagonista, en inglés y con subtítulos en castellano. Todo lo que os puede hacer falta para tener una idea muy aproximada de qué cabe esperar de ‘La dama de hierro’. Personalmente, estoy deseando verla, no me quiero perder el nuevo trabajo de Streep, pero me gustó más el teaser que el tráiler de dos minutos (del que solo me ha gustado la música del tramo final), donde ya veo que han realizado un retrato amable, convencional y heroico de Thatcher. Por cierto, a causa de algunas escenas (la soledad del líder, un evento histórico crucial, el entrenamiento…), me ha parecido estar viendo un remix de ‘The Queen’ y ‘El discurso del rey’, ¿lo veis así o es cosa mía?

‘La dama de hierro’ ha sido dirigida por Phyllida Lloyd (‘Mamma Mia!’) a partir de un guion de Abi Morgan, cuya historia está centrada en cómo Thatcher llega a ser la primera mujer que ocupa el cargo de primer ministro en Reino Unido (entre 1979 y 1990), así como en el precio que tiene que pagar para mantener el cargo en un mundo dominado por los hombres. Jim Broadbent (qué grande es este actor), Harry Lloyd, Richard E. Grant, Anthony Head, Roger Allam, Alexandra Roach y Olivia Colman completan el reparto.

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Esta tarde El 28 de diciembre se estrena ‘Drive’, de Nicolas Winding Refn, una película sobre la que se ha corrido tanto la voz laudatoria, que en los dos meses largos que ha tardado en estrenarse en nuestro país, muchas han sido las personas que han preferido adelantarse a la premier oficial y tirar de métodos alternativos para verla y, por lo que se ha leído en comentarios y votaciones, con una recepción muy favorable en todos los casos. Basada en la novela homónima de James Sallis, la película no sitúa ante un mecánico que también se gana la vida como especialista de coches y hace algunos trabajitos al otro lado de la ley para obtener un dinero extra. Cuando su jefe consigue introducirlo como piloto de carreras, él decide abandonar el mundo delictivo.

‘Drive’ tiene un arranque ejemplar, ya que nos permite descubrir una persecución diferente a las que estamos acostumbrados a ver en cine: emocionante y cargada de tensión, pero basada más en los parones y en la ocultación que en la velocidad y el destrozo. Es decir, la forma de huir de alguien que piensa y no aplica únicamente una habilidad mecánica ante la que, de todas maneras, no tiene rival. Los títulos de crédito, rotulados en rosa y con una tipografía de las películas de los años ochenta, se acompañan de ‘Nightcall’, de Kavinsky, que imita las canciones populares de esa época, que abusaban de los teclados y de los efectos especiales tecnológicos.

La estética de la película es impecable, en ese afán de emular el cine de género de los años 60 y 70, pero al mismo tiempo con una fotografía sumamente actual que firma Newton Thomas Sigel. Cada uno de los planos está iluminado con tanta exquisitez que podemos pasarnos el rato contemplándolos sin necesitar más. Gran parte de la banda sonora se basa en las composiciones ambientales de Cliff Martínez, que crean un acompañamiento muy potente ya que, al tener poco diálogo, la película confía mucho en la música.

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Tengo el placer de deberle mi vida.

Es una lástima, y una señal de cómo funciona aquí el negocio del cine, que una de las mejores películas del año vaya a pasar prácticamente desapercibida para mucha gente. ‘Jane Eyre’ (2011), la última película basada en el clásico escrito por Charlotte Brontë (cuya más célebre adaptación se remonta a 1943, con Orson Welles y Joan Fontaine de protagonistas), se estrenó en España el pasado 2 de diciembre tras presentarse en varios festivales, y lo hizo en apenas 115 cines, a pesar de lo bien que suelen funcionar en taquilla los dramas románticos (logró buenas cifras en Reino Unido) y de contar con un reparto encabezado por Mia Wasikowska (‘Alicia en el País de las Maravillas’), Michael Fassbender (uno de los rostros del año, mejor actor en Venecia por ‘Shame’) y Jamie Bell (el actor que dio movimiento y voz a Tintín). Algo falla cuando una producción de calidad con opciones comerciales pasa por la cartelera sin hacer ruido.

Recientemente, hablando sobre la convencional ‘Criadas y señoras (The Help)’, me refería al difícil proceso de trasladar un libro (y más si ha tenido éxito) a la gran pantalla, entre otros factores por la tendencia a considerar el guion poco menos que como una especie de resumen de la obra original, tratando de incorporar de manera mecánica todo lo posible en la película (no me entusiasma que Peter Jackson vaya a hacer dos películas de ‘El hobbit’), en lugar de desmontar la historia y volver a construirla desde un enfoque personal y cinematográfico, convirtiendo las palabras en imágenes. La nueva ‘Jane Eyre’ es una adaptación ejemplar, y demuestra que se puede ser fiel a una novela sin tener que esclavizarse artísticamente a ella. El joven cineasta Cary Joji Fukunaga (debutó en 2009 con ‘Sin nombre’) supera las ataduras de la obra escrita con una propuesta en la que destaca la experiencia audiovisual, una auténtica representación íntima y emocionante de la realidad de la protagonista, de cómo ve y siente ella el mundo. Y el resultado es una película hermosa e intensa, de lo mejor que hay ahora mismo en el cine.

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‘The Artist’, de Michel Hazanavicius, que se estrena esta tarde en cines españoles, nos habla del nacimiento del sonoro –“the talkies“– en el año 1928, etapa clave para la historia del cine, que ya han tocado películas como la maravillosa ‘Cantando bajo la lluvia’, en la que, al igual que aquí, se exploraban las dificultades de algunos intérpretes para incorporar una novedad que hoy damos tan por sentada: utilizar su propia voz. Asimismo, nos muestra la llegada de los musicales, clara consecuencia de la invención del sistema que incorporase el sonido al celuloide de proyección. Con ese marco de fondo, lo que nos cuenta esta delicia es una historia personal y amorosa sencilla, pero muy sentida.

Los años veinte no suponen el escenario temporal en el que ambientar el film sin más: éste, a su vez, se disfraza de una propuesta de ese momento. No existe un solo detalle que no esté imitado a la perfección. Proyectada en 4/3, la película comienza con los créditos en un tipo de letra de entonces, fotografía en blanco y negro y una música muy de la época. La banda sonora se remonta esos años no solo por el estilo de las canciones –algunas de films preexistentes–, sino por la forma en la que se emplean las composiciones, dejándolas sonar hasta el final y arrancando con la siguiente, décimas de segundo después. Las emociones de la película se marcan por subidas de intensidad en los acordes mucho más evidentes que los acompañamientos musicales que se suman hoy en día a las narraciones.

Hazanavicius no se queda en la clonación del un film de los años ’20, sino que se dedica a jugar y crear humor con la idea de esa vuelta atrás. El empleo del sonido o de los intertítulos consigue espléndidos guiños metalingüísticos y se extraen divertidos gags de esta consciencia del espectador de que está viendo un film de entonces, pero realizado ahora. El creador toma las metáforas evidentes, como las arenas movedizas y la foto pisoteada y empapada por la lluvia, no para que funcionen hoy en día, sino como otra referencia. ‘The Artist’ está plagada de hallazgos visuales y sonoros que se disfrutan con una blanca sonrisa. Uno de ellos sería la escena en la que los dos protagonistas, tras haberse conocido fortuitamente, tienen un primer encuentro: una pantalla en medio de los dos permite que se vean solo sus piernas y se embarcan en una competición juguetona de claqué.

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En la selección de hombres clásicos aventureros que hice para la gente de L´Oréal incluí al actor Robert Redford por su naturalidad frente a una cámara, principal característica de sus interpretaciones. Curiosamente su carrera como director ha ido más o menos en la misma dirección, y hemos comprobado que lo que es válido para la actuación tal vez no lo sea para la dirección. Con esto no estoy intentado decir que Redfrod sea un mal director, ni muchísimo menos; sus películas poseen un aspecto formal bastante logrado, y su pulso narrativo parece beber de las fuentes que bebían realizadores como Sydney Pollack, algo lógico y muy coherente dada la relación de Redford con dicho director, que dicho sea de paso, no arriesgaba demasiado en sus películas. Lo mismo que Redford, que con el paso de los años, se revela como un realizador perfectamente conocedor del medio, pero sin apenas fuerza, alma o el término que más se ajuste a la sensibilidad de cada uno.

En el caso de su penúltimo trabajo tras las cámaras —recordemos que ya se encuentra filmando una nueva película, ‘The Company You Keep’, con un reparto espectacular—, ‘La conspiración’ (‘The Conspirator’, 2011) termina resultando un film que no es mejor ni peor que las demás películas del director, con la excepción de su ópera prima, ‘Gente corriente’ (‘Ordinary people’, 1980), todavía su mejor trabajo. En él establece una relación entre un drástico hecho del pasado de la historia de los Estados Unidos —el asesinato de Lincoln— y hechos más recientes de igual importancia, concentrándose en el posterior juicio a los principales sospechosos, hecho no demasiado aireado. Redford, lejos de resultar polémico, es sutil, quizá demasiado. Y es que muchas veces, el no mojarse a fondo tiene sus consecuencias.

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