Tres años después de la muy correcta ‘Buenas noches y buena suerte’, George Clooney vuelve a dirigir y protagonizar una película en este caso menos comprometida y más comercial. Se trata de ‘Leatherheads’, absurdamente traducida como ‘Ella es el partido’, para hacer creer al futuro espectador que el film tiene un eje central que no es tal. Seguramente son los mismos que tradujeron ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’ como ‘¡Olvídate de Mí!’ porque el protagonista es Jim Carrey. Así que, para qué seguir lamentándose… ‘Ella es el partido’ se estrenará el 6 de junio tras varios retrasos.

En fin, que es 1925, y con unos créditos iniciales estupendos a cargo de la música del especialista Randy Newman, nos damos cuenta de que estamos ante una película puramente deportiva. Dodge Connelly (George Clooney) es el maduro capitán del modesto equipo de fútbol americano de Duluth, un pueblo de Minnesotta. Patrocinados por una productora de almidón, se ven obligados a disolver el club por dificultades económicas. No obstante, Connelly ve en un universitario llamado Carter Rutherford (John Krasinski) la oportunidad para poner a Duluth en la categoría de club de élite y convertirlo en un fenómeno mediático.

Con una dirección que se debate entre el clasicismo más conservador (cinematográficamente hablando) y una extraña modernidad, Clooney realiza sin rastro de parsimonia un intento de comedia con grandes tintes nostálgicos. La primera media hora está francamente bien, cuando arranca la premisa argumental y se dejan claras todas las intenciones. El hecho de que Clooney sea director y protagonista se nota quizás en demasía, ya que se lleva más planos de lo que posiblemente requeriría su personaje dentro de la trama. Pero no molesta, puesto que su carisma es tan demoledor que sólo podemos verlo como un acierto del film. De hecho, la situación inversa me pareció un defecto en ‘Confesiones de una mente peligrosa’, el debut de Clooney en la dirección, ya que sólo se reservó un papel secundario, y se echó en falta una mayor química entre Sam Rockwell y él.

En la segunda hora, hay un declive importante, sobretodo porque ‘Ella es el partido’ baja notablemente sus dosis de comedia, y tiende más a explicar el drama en torno al personaje de Carter Rutherford y su abstracta, pero evidente, rivalidad con Connelly. Por supuesto, esto provoca esa sensación en el espectador de que “no pasa nada” y sólo en el final se remonta hasta volver a subir el nivel impuesto por la primera mitad.

Está demasiado centrada a veces en retratar fielmente la ambientación de la época, por encima de confeccionar una buena historia. Una fotografía condicionada por continuos tonos sepia, y la atmósfera sucia, impregnan la película de forma que algunas escenas parecen colocadas sólo para justificar el buen trabajo de vestuario y recreación de los felices años 20. En este sentido, se desvela un buen reflejo de lo excesivo y banal de la sociedad estadounidense, justo antes del crac del 29. Para ayudar a esto, da la impresión de que no estamos ante una película de Clooney dirigido por él mismo, sino ante Cary Grant dirigido por Howard Hawks, o Jack Lemmon dirigido por Billy Wilder… Las influencias son innegables, y de hecho, la pelea central entre los dos protagonistas parece extraída de alguna secuencia de ‘El Hombre Tranquilo’ de John Ford. La omnipresencia de la música de Randy Newman es un punto a favor, ya que permite grandes licencias en cuanto a la tendencia puramente cómica del film.

Y es que eso es probablemente lo mejor de ‘Ella es el partido’: su aura desternillante, su visión humorística de la trama, que en un guión retocado por el propio Clooney y su colega Steven Soderbergh sobresale por su frescura y buen hacer. La cantidad de miradas, gags, desproporciones y tremendismos de la película sirven de homenaje no sólo al cine mudo, sino a la comercialidad de aquella época del cine en el que los mamporros eran casi exclusivamente un motivo para reírse, y la consciencia de que hay que divertir al espectador, absoluta.

Lo que impide a ‘Ella es el partido’ considerarse una gran película es que su mezcla de géneros no termina de cuajar en ningún momento. Si Clooney se hubiera dispuesto a hacer una película deportiva, o una comedia romántica, habría cosechado mejor resultado. Pero la irregularidad que supone combinar ambas, es un vaivén que la película ha de soportar. Además, SPOILER en los minutos finales, tiene que satisfacer las dos características con un final previsible y chapado a la antigua FIN SPOILER.

George Clooney construye con Dodge Connelly (curioso que los nombres se parezcan tanto, al menos fonéticamente) un personaje logrado, entrañable, el típico simpaticón del cine de antaño. Renée Zellweger tiene en sus manos el contrapunto femenino, una periodista que ha de entrevistar a Carter mientras coquetea con Dodge, ese “ella” al que se refiere el título, evocando un triángulo amoroso que funciona con graves intermitencias. Zellweger pone muecas, miradas que evocan inaccesibilidad, y su papel es calcadito, en todos los aspectos, al de ‘Abajo el Amor’. John Krasinski regular, ya que un ídolo de las masas debería, por lo menos, tener una personalidad más fuerte y trabajada. Clooney se lo come cada vez que salen juntos. Por último, Jonathan Pryce, como el mánager de Carter, aporta solvencia con su elegancia, su seguridad en sí mismo y su acento británico.

Podría considerarse, por tanto, que ‘Ella es el partido’ es un proyecto arriesgado, pero no en vano es la tercera película ambientada en otra época que dirige, escribe y protagoniza George Clooney. Aunque algunos le achacarán un paso atrás respecto a ‘Buenas noches, buena suerte’, con la conclusión que cabe quedarse en con que es un título muy entretenido, gracioso y simpático, sin mayores virtudes que las de evitar a toda costa que pensemos que perdemos el tiempo durante las casi dos horas que dura. No se le pueden pedir peras al olmo.

Más información en Blogdecine sobre ‘Ella es el Partido’, George Clooney y Renée Zellweger.

‘Sultanes’ llega a nuestras pantallas este próximo viernes. Se trata de una coproducción entre España y México, auspiciada por la temible Filmax, cuyo máximo dirigente es el más temible aún Julio Fernández, que mete la nariz en todo lo que puede, y mal. De su cartera han salido algunos de los más insoportables bodrios que ha parido nuestro reciente cine, aunque por supuesto hay que reconocerle mérito al hecho de producir mayoritariamente cine de género, y no andarse con chorradas de otro tipo. El problema es que con la intención no llega, y si pensamos en el resultado de algunas de sus producciones, la cosa termina siendo peor de lo esperado.

‘Sultanes’ cuyo título original es ‘Sultanes del Sur’ (y aquí ya me quedo completamente alucinado al desconocer completamente las razones del cambio), versa sobre un atraco a un banco realizado por tres hombres y una mujer, llevado a cabo en México. Todo sale de órdago, y cuando se marchan a Buenos Aires para hacer negocios con un capo de la ciudad, las cosas empiezan a torcerse. El dinero se perderá, y empezará una carrera contrarreloj para recuperarlo, y poder salvar sus vidas.

‘Sultanes’ se trata de la nueva colaboración entre Alejandro Lozano y Tony Dalton después de su aclamada ‘Matando Cabos’. Lozano dirige y Dalton escribe el guión, y de paso, aprovecha para protagonizar la película. Ésta tiene un arranque ciertamente espectacular con un minucioso atraco a un banco, que logra atrapar al espectador sin ningún tipo de efectismo ni trampa. Nos presentan a unos personajes que realizan un peligroso acto delictivo, sin que nos muestren los motivos. El montaje es perfecto, el plan también. Incluso cuando la acción se desplaza, tenemos interés por saber qué seguirá a continuación, pues aún no nos han sido presentadas todas las cartas. Pocos diálogos, justos y certeros, más un ritmo que va in crescendo en su primer cuarto de hora, hacen que pensemos estar ante una cinta de género con fuerte personalidad.

Pero todo se acaba ahí. De hecho, a partir de un cambio brutal de situación, en uno de esos giros de guión que molestan más que sorprenden, y creando lo que se supone es un conflicto entre varios personajes cuando una cantidad de dinero desaparece como por arte de magia, todo lo que sigue está alargado en exceso con momentos bastante inverosímiles, como la visita a un capo y a un jefe de policía, aunque esto último desemboque en un nuevo descubrimiento. Ambas escenas sonrojan por destilar torpeza, sobre todo en los diálogos, que hasta ese momento eran de lo más efectivos, pero de repente les da a todos por abrir la boca y se comienza a hablar de cosas sin sentido alguno. En vez de aportar más tensión a la trama, lo que hacen es entorpecer considerablemente la misma, y dejando al descubierto que esta película parece pensada nada más para un espectacular inicio, y una sorpresa final que se supone nos dejará a todos con la boca abierta.

Y es que ahora parece que haya que ir a por el más difícil todavía en esto de los thrillers, con esos giros finales, sacados mayoritariamente de la manga, y en algunos casos, hasta contradiciendo todo lo narrado hasta ese punto. En este caso ocurre algo parecido, y para no desvelar nada, sólo diré que el detalle de cierto resguardo de equipaje no está claro del todo por lo que se ve en pantalla. Una pirueta argumental poco coherente que desvela el verdadero final de la historia, pero que resulta, a todas luces, forzada, por mucho que venga del personaje más simpático de todos.

En su reparto, tenemos una de cal y otra de arena. Jordi Mollà cae bien dando vida al cabecilla de toda la operación, y la forma en la que lleva a cabo la misma. Su aire de superioridad y chulería, le imprimen al personaje algo de temible por no saber cómo va a reaccionar ante las cosas. A su lado, Silverio Palacios parece encontrarse muy a gusto con su personaje, el cual contiene, por decirlo de alguna manera, los puntos cómicos de la historia. El resto navega por la mediocridad más absoluta, incluso Celso Bugallo que parece no saber qué hacer con lo que tiene entre manos. Por no hablar de Tony Dalton, que orgulloso de su historia, se olvida de darle algo de consistencia a su personaje. Respecto al personaje femenino pocas veces he visto desperdiciar tanto uno como el de esta película.

‘Sultanes ‘es un film fallido, y hasta en ciertos momentos da la sensación de que han improvisado sobre la marcha. No dura mucho, y se hace demasiado larga, tanto en la conversaciones antes citadas, en las que dictan frases ridículas, hasta en un par de escenas de acción, que parecen realizadas simple y llanamente (Moleskine, esto es para ti) para que veamos que disponían de medios. Lo que ocurre es que se les olvidó darle ritmo y emoción a la cosa. Dicha persecución tiene menos interés que la vida sexual de las moscas en América del Sur. Como el resto de la película después de su prometedor inicio.

De la misma forma que tenemos categorías en el blog que corresponden a los estrenos (o sea cine actual) y también a los clásicos (donde dentro de 30 años acabarán todas las películas del cine actual), creo que habría que ir poniendo una denominada algo así como “cine del futuro”. ‘Speed Racer’ entraría de lleno en esa categoría, simple y llanamente por adelantarse a su tiempo de una forma totalmente desvergonzada y libre de prejuicios. El espectador por supuesto tiene que hacer una esfuerzo algo más que sobrehumano para entrar en el juego, en el cual se juegan con las reglas del mundo de los hermanos Wachowski.

Unos hermanos que cuando se dieron a conocer con ‘Lazos Ardientes’, un estimulante thriller cargado de sensualidad (¿quién es capaz de ver las escenitas de Jennifer Tilly y Gina Gershon sin “alterarse”?), ya auguraban que las cosas cambiarían en el séptimo arte. Con ‘Matrix’ fue la confirmación más absoluta. Esa magnífica cinta fue una de las más influyentes en mucho del cine que se hizo posteriormente, y aunque el cierre de la saga fue realmente penoso, quedó abierto un camino por el que experimentar, algo que sólo parecen haber hecho ellos. Con ‘Speed Racer’ han dado un paso más.

‘Speed Racer’ cuenta una historia sencilla, que no simple. Una de esas conocidas historias más viejas que Matusalén, sobre la superación personal, el perseguir los sueños, y el poder de la familia unida para vencer a empresarios corruptos envenenados por el dinero. Todo ello se cuenta en las aventuras de Speed Racer, un joven piloto de carreras, cuyo máximo sueño es participar en la carrera más importante del mundo, para así poder demostrar lo bueno que es. Con él, su familia, compuesta por un padre experto en coches, una madre muy comprensiva, un hermano gilipollas y un chimpancé insoportable, más un fiel mecánico y el recuerdo de un hermano fallecido hace años, y que había sido una leyenda de las carreras. Contra él, simple y llanamente el sistema.

Los Wachowski no son tontos, más bien todo lo contrario. Consiguen mezclar clasicismo y modernidad (o más bien futurismo) en una película apta para todas las edades y todo tipo de públicos, aunque lo más lógico es que sea rechazada. Se le pueden achacar algunas cosas. Por ejemplo, esa parafernalia visual, que aun formando parte del personal mundo de los dos hermanos, termina por marear un poco, aunque es brillante el hecho de que sea algo totalmente opuesto a su famosa trilogía. En aquélla todo era oscuridad con colores apagados, aquí todo es luz con colores vivos, chillones, quizá como grito de rebeldía de sus propios creadores al resto de productos salidos de Holywood. Porque aunque, ésta sea la adaptación de la famosa serie que aquí conocimos como ‘Meteoro’, no hay duda alguna de que los Wachowski han hecho suyo un mundo que ahora les pertenece por derecho propio. También habría que darles una colleja por insertar a dos personajes bastante molestos, cuya participación en el film es la de simplemente resultar graciosos, sin conseguirlo. Me refiero, claro está, al hermano del protagonista y el chimpancé que le acompaña, que viéndole no me queda ni la más mínima duda de que el hombre proviene del mono. Por cierto, ¿cuánto tiempo hacía que no veíamos en una película a un chimpancé como contrapunto cómico? Pensad, pensad, que a lo mejor tenéis que retroceder tres décadas. Dichos personajes protagonizan escenas que no viene a cuento (la de las golosinas) y aunque no terminan resultando del todo cargantes, sí son totalmente excluyentes de la historia.

Las carreras mostrada son todas espectaculares, aunque demasiado parecidas entre sí, y también algo confusas. De hecho posiblemente la mejor de todas sea con la que empieza la película, donde además los Wachowski se permiten el lujo de saltarse a la torera los esquemas clásicos de narración, saliendo airosos de tamaña osadía. El inicio del film con el montaje en paralelo de dos acciones similares y separadas en el tiempo, es una de las virguerías narrativas más deslumbrantes que he visto en mucho tiempo. A partir de ahí, tal vez el film caiga un poco en la repetición, éste se olvida del plano-contraplano en las conversaciones, sustituyéndolo por primeros planos de los personajes desfilando como si de una barrido de cámara se tratase. Puede que los directores abusen de esto bastante, y entre tanta pirueta algunas cosas terminen por pasar desapercibidas. Además, la historia es tan sencillamente sencilla, valga la redundancia, que el film parece ahogarse en su propia forma, aunque sólo en determinados momentos.

Los actores, a pesar de estar embutidos en todo este mundo, está mejor de lo que cabría esperar. Emile Hirsch hace muy creíble su personaje, al igual que Susan Sarandon y John Goodman, que aportan la nota veterana al conjunto, Christina Ricci parece salida literalmente de un anime, y cada día impresiona más como mujer. Mattew Fox hace un personaje algo previsible, pero cumple. Y Roger Allam hace uno de esos villanos a la antigua usanza, odiosos hasta decir basta, tal vez un poco histriónico, pero eso también forma parte del juego. Al niño y al mono ni los cito.

Irregular, excesiva, a ratos simplona, pero lo que no se le puede negar es que es un entretenimiento de primera, capaz de hurgar en nuestras emocionas más primitivas para hacernos gritar de pura rabia en cada nueva carrera a la que nuestro joven protagonista se somete. Los Wachowski han ido a contracorriente, desde el mismísimo germen del cine-espectáculo para ofrecernos lo que el séptimo arte nos ofrece desde el inicio de los tiempos. No es una gran película, pero su valentía la coloca por encima de lo esperado. Un delirio de más de dos horas que se pasan en un suspiro.

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• ‘Speed Racer’, frenético espectáculo palomitero

Ha llovido mucho desde que ‘Meteoro’ amenizaba las mañanas televisivas, junto a una interminable sucesión de series de dibujos animados, y hacíamos crujir los cereales en nuestra boca mientras nuestras madres nos metían prisa para ir al colegio. Con Fernando Alonso en una situación un tanto apurada, los espectadores seguramente irán a puñados a ver a un héroe ganador en la pista, más próximo a Rayo McQueen de ‘Cars’ que una persona con defectos relevantes. Y tengo que decir una cosa para adelantarme a los acontecimientos: en conjunto, ‘Cars’ es bastante mejor que ‘Speed Racer’. Y todo, porque ‘Cars’ tiene un público definido, un target que dirían los publicistas, y esta película carece de él.

El productor Joel Silver ha estado detrás de la trayectoria de los Wachowski, y parece que este vínculo ha llegado a su fin. Así puestos, los hermanos responsables de ‘Matrix’ han bordado una película única en cuanto a su aspecto visual, y han pensado que la mejor forma de ofrecer un producto familiar es combinar una mezcla entre la ingenuidad más pastelosa y el enrevesamiento más gratuito. De esta forma, los niños pueden disfrutar mucho con ‘Speed Racer’, pero no por la historia (demasiado complicada para los que cursan Primaria), sino por las carreras y el frenetismo perpetuo en el metraje. Los adultos, sólo quizás, aunque los habrá que se muestren abiertamente abrumados por la original, creativa e imaginativa dirección de la que se hace gala en la película.

Desde el primer segundo, se presenta al protagonista absoluto, sin andarse con tonterías. Es decir, a Speed Racer (Emile Hirsch), poniendo al espectador en situación, y expresando sin tapujos el trauma de un talentoso piloto que perdió a su hermano mayor, y ahora sigue un camino tremendamente similar. Todo barnizado con convencionalismos, de forma que los diálogos, por ejemplo, resultan tan escuetos y triviales que incluso puede pensarse en la autoparodia. Pero enseguida nos damos cuenta de que los Wachowski, lo que realmente han hecho es divertirse, exprimiendo como buenamente pueden la paupérrima base argumental de los dibujos animados, y experimentando hasta la saciedad con su irrepetible forma de tratar el cine.

Por supuesto, todo esto implica que todo espectador con dos dedos de frente se ilusionará más por la estética del film que por su propuesta argumental, que a pesar de todo no carece de cierta simpatía. Y es que la fotografía es alucinante, el estilo colorista y ultracargado beneficia a las escenas, hay planos nunca vistos con anterioridad, y una gama de secuencias que hace las delicias de los amantes de los aspectos técnicos de una película, como es mi caso. El homenaje a los dibujos animados y hasta a los videojuegos es muy obvio y logrado, y constituye una atmósfera muy estimulante.

Hasta tres grandes carreras se suceden en la película, y ninguna de ellas ve mermada su principal función: entretener y evitar que miremos el reloj, como sí ocurre con las escenas “familiares”. La familia Racer en ningún momento despierta empatía, a pesar del buen hacer de John Goodman y Susan Sarandon como los padres del protagonista. También aparece Christina Ricci, novia del héroe, en una relación tan insípida que hasta resulta repulsiva. Matthew Fox aparece en un papel misterioso, pero pasándoselo pipa. Pero Emile Hirsch, que con sólo una mirada se comía la pantalla en ‘Hacia Rutas Salvajes’, no despierta el menor afecto que cabe esperarse de un personaje de este tipo.

Por lo demás, ya sabeis: buenos muy buenos, malos muy malos, un mono que pretendidamente hace gracia, un niño repletísimo de clichés, y SPOILER un final orgásmico de esos que tanto gustan a los productores de Hollywood, para que el espectador poco exigente se vaya de la sala con una felicidad artificial FIN SPOILER. La música, del habitualmente inspirado Michael Giacchino, a veces está bien, el resto fatal. No así el sonido, con una producción aceptable. Y, como era previsible, a la película le sobra media hora, como mínimo, ya que ‘Speed Racer’ dura dos horas y a esa altura a un servidor ya se le ha terminado el tarro de palomitas. La segunda mitad, en este sentido, es especialmente redundante. El uso de flashbacks, acertado y dinámico al principio, termina siendo deplorable, con una recopilación de frases que nos trata descaradamente como a tontos.

Una película entrañable, atípica y excesiva, que no sabe encontrar un público en quien apoyarse económicamente hablando, que tiene todos los defectos y limitaciones que cabía esperarse, y que para muchos no tendrá más repercusión ni interés que el de comprobar que los Wachowski llevan años de adelanto a la mayoría de cineastas, al menos en el ámbito visual.

Más información en Blogdecine sobre ‘Speed Racer’ y los Wachowski.

Creo que nadie se ha dado cuenta, pero el pasado 30 de abril se estrenó en España cierta peliculilla sobre un ricachón muy chulo que se construye una armadura ultramoderna en su tiempo libre para justificar su gusto por las armas, sin que le vuelvan a secuestrar terroristas confusos y/o molestar con preguntas las más seductoras reporteras. Se titula ‘Iron Man’ y está basada en el personaje de cómic de la Marvel.

Ahora en serio, que una película como ésta haya recaudado, en pocos días, más de 200 millones de dólares en todo el mundo, y que ya haya una fecha para la rápida secuela, da que pensar. Al menos a mí, claro, que veo, una vez más, que me encuentro en el bando de los “bichos raros”. O quizá ahora soy el único que no siente ningún tipo de entusiasmo por ‘Iron Man’, un flojo film que incluso me provocó bostezos, donde sólo destacan unos extraordinarios efectos visuales y algunas escenas divertidas de Robert Downey Jr. Absolutamente nada más. ¿Esto es lo que se entiende ahora por buen cine? Buf…

He leído en más de un sitio que había miedo sobre lo que iba a aportar Jon Favreau tras las cámaras. No sé yo qué esperaban y porqué se alegran. La forma en que empieza la película es lamentable, adelantando una secuencia floja, nada espectacular, y que veremos poco después, ampliada; por no hablar de lo pesada y aburrida que se hace toda la parte del encierro y posterior liberación (mágica idea, por cierto, la de fabricarse una armadura letal, y lo fácil que parece llevarla a cabo) de Tony Stark. La película mejora luego, resultando más llevadera, pero no veo mejor su trabajo al de Tim Story, responsable de las mucho peor consideradas dos películas de ‘Los 4 Fantásticos’. Vale que la primera es muy floja, pero la segunda me parece mucho más entretenida (de consumo más ligero si se quiere) que ‘Iron Man’, a la que considero que le sobra metraje, así como el repetitivo énfasis en el carácter de Tony Stark, personaje simplón donde los haya; por el contrario, a la película le falta garra, profundidad, así como un villano de entidad.

Por no hablar de algunos aspectos del guión ciertamente ridículos, que pueden defenderse alegando que todo se basa en un cómic, pero que realmente quedan fuera de lugar dentro del aire realista que se ha intentado dar al film. Me refiero a dos, fundamentalmente, relacionados con el personaje de Obadiah Stone, al que interpreta un desganado Jeff Bridges; el actor debería ser una de las razones para ver la película, pero acaba siendo lo contrario.

Si no has visto el film no deberías leer lo que viene a continuación. Avisado quedas. En primer lugar, pensemos en su plan. El de Obadiah, digo. Que unos terroristas maten a Tony Stark. Vale. A cambio de armas. Vale. Los malos secuestran a Tony. Piden más. Supuestamente lo reciben, al menos eso se nos muestra en la película. Entonces, ¿para qué le piden a Stark que fabrique un cohete? ¿¿No tienen ya un montón?? En este sentido, ¿por qué les paga con misiles Obadiah? O mejor, ¿¿en algún momento creen, gracias a las cámaras de seguridad, que Stark está haciendo un misil?? Pero volvamos a Obadiah… A ver, la película nos muestra lo complicado que es ponerse en el “traje” de Iron Man, manejarlo y tal. Sin embargo, Bridges, que no es precisamente un tipo atlético, se sube a bordo de esa gigantesca armadura (Iron Monger) y consigue controlarlo automáticamente, sin entrenamiento previo ni narices. Recordad que hasta que no le pone el “corazón” de Stark, no echa a andar el bicharraco, por lo que es así, lo enciende, se sube y ala, a jugar contra Stark…

Todo aquel que ha hablado bien de la película (la tónica general, por lo que veo/leo), se centra en elogiar el trabajo de Robert Downey Jr., actor que tras problemas de sobra conocida por todos, parece vivir una segunda juventud. Así, recientemente, le hemos podido ver en películas como ‘Kiss Kiss Bang Bang’ o ‘Zodiac’, donde su trabajo era más que notable. Sin embargo, tiene que protagonizar un lujoso blockbuster para que, ahora sí, se le reconozca abiertamente lo buen actor que es. Se dijo desde que lo ficharon y se confirmó luego, Downey Jr. era la elección perfecta para encarnar a Tony Stark (a pesar de que en ‘The Ultimates’ apuntaban a Johnny Depp). ¿Por qué? Por su pasado problemático y por ese aire chulesco y excéntrico que le rodea. De hecho, viendo la película y su composición de Stark, ¿de verdad creéis que ha realizado un gran trabajo de interpretación? ¿Se ha metido en la piel de Stark? ¿O más bien todo estaba preparado para que Downey Jr. encajara perfectamente?

Tony Stark, o Robert Downey Jr., se nos presenta como un chulo multimillonario al que le da igual todo y al que le gusta el juego, el alcohol, las mujeres, la velocidad… quiero decir, ¿tan difícil resulta interpretar a alguien así? Vale, un poco de gimnasio para que luego pueda lucir un poco sin camiseta y hacer creíble que pueda controlar la pesada armadura. Poco más. Si eres un actor con carisma, como Downey Jr., absolutamente nada más. Este personaje lo podría haber interpretado Clive Owen, Ewan McGregor, George Clooney (hace unos años), etc. A diferencia de otras películas, como las que cité en el post de los superhéroes que puse hace poco, en ‘Iron Man’ no hay un protagonista complejo que requiera una gran interpretación. Se necesitaba a alguien carismático que dijera las frases con chulería y fuera al gimnasio. Como con 007…

En relación a todo esto, resulta interesante comparar este personaje con Bruce Wayne/Batman, así como ‘Iron Man’ y ‘Batman Begins’ (de Christopher Nolan), que le da mil y una vueltas, en todos los aspectos menos en el de los efectos especiales; ya digo, éste es el único aspecto realmente destacable de la blandita película de Favreau. En este sentido, Stark es lo que Wayne aparenta ser; un multimillonario despreocupado, derrochador y mujeriego. Pero mientras que uno se queda ahí, y luego cambia forzadamente, mínimamente, tras su secuestro, el otro va más allá, le vemos nacer y desarrollarse. Mientras que Stark es un personaje simple, de una capa, Wayne goza de una personalidad compleja, fascinante, de muchas capas. Por eso, creo, ‘Iron Man’ es para todos los públicos (y no me refiero sólo a la edad), y ‘Batman Begins’ sólo para adultos que buscan algo más que entretenimiento; no hay más que ver cómo se nos presenta el origen, las motivaciones y los conflictos de los dos protagonistas. Una va a la taquilla, la otra a quedarse en nuestra memoria.

Dicen que un superhéroe no es nadie sin su supervillano. Aquí, como dije, está otro de los defectos de ‘Iron Man’. ¿Qué le ponemos delante? ¡Un Iron Man más grande y loco! Lo mismo que van a hacer con Hulk y Abominación, vamos. A falta de imaginación, pongamos un malo igual que el bueno versión exagerada. No digo que sea una mala opción, ahí está Venom, que a pesar del bochornoso regalo que le hizo Sam Raimi, es un personaje que da mucho juego; pero no sé, parece un recurso algo facilón, ¿no os parece? Vuelvo a acordarme de Batman…

Y luego está el tema de que Obadiah/Jeff Bridges esté escrito/interpretado de tan mala manera, resultando un personaje simplón, sin chispa, con planes dudosamente brillantes para conseguir algo que tampoco parece que ansíe tanto. Pero lo cierto es que ninguno de los personajes, salvo la acertada unión de Stark/Robert Downey Jr., resulta interesante. Gwyneth Paltrow, insípida como ella sola, podría ser tan sustituible como el mayordomo Jarvis (por cierto, voz de Paul Bettany, en el original) y haber puesto a una especie de C3PO rosa y con falda. En cuanto a Terrence Howard, tres cuartos de lo mismo, tiene un par de momentos simpáticos pero su labor es intrascendente, parece que está puesto ahí sólo para adelantar al personaje de War Machine, que seguro que tendrá más terreno en la secuela (ya en preparación y de estreno en 2010, esta gente no pierde el tiempo con tanto dinero en juego).

Destacar, por último, la fugaz aparición de Samuel L. Jackson como Nick Fury (Nick Furia), director del S.H.I.E.L.D. (Escudo). Increíble que el público (al que, además, le gustó la película) se marchara antes de que acabaran los créditos, sabiendo que Jackson actuaba en la película y hasta el momento no había aparecido. Un tirón de orejas para todos. Por cierto, no entiendo por qué la gente se levanta tan rápido de su butaca, al margen de que necesite ir al baño o fumarse un cigarrillo. De verdad, ¿y esas prisas?

Peliculilla intrascente y simplona, a ratos aburrida e infantil, a ratos divertida, de impresionantes efectos especiales, ‘Iron Man’ ha cumplido con su objetivo: rentabilizar al máximo un personaje de cómic.

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Son grandes cinéfilos. Adoran a Capra. Creen que la mayoría de películas para adultos son muy cínicas, y por eso han querido hacer una película familiar como las de antes, que sea humana y, sí, sentimental.

Lo dijo el productor Joel Silver, sobre ‘Speed Racer’ (estreno mañana) y los hermanos Wachowski, a los que considera poco menos que los Jesucristos del cine.

Vía | Fotogramas

A David Ayer le interesa la corrupción policial, tal vez le obsesione. Lo cierto es que a todos nos interesa, y además, es una tema muy cinematográfico. Hace poco veía una vieja película de John Cromwell, ‘The Racket’, que trataba el tema a través de la figura de un gangster que se aprovechaba de lo fácil que era comprar a las fuerzas del orden, jueces incluidos. Ésa es la que tengo más reciente, pero en el caso de Ayer, su reciente pasado parece pertenecer sólo a este tema. En la pasable ‘Training Day’, Denzel Washington ganaba un Oscar de consolación (no se le puede llamar de otra forma) por dar vida a un corrupto policía con el que era mejor que no te cruzases. En su fallida ópera prima, ‘Harsh Times’, un sensacional, como casi siempre, Christian Bale, tenía en sus manos un rol similar al de Washington en el film mencionado.

Con su última película, ‘Dueños de la Calle’, ha repetido la operación de los dos films citados (con ecos de su guión para la similar ‘Dark Blue’), aunque para dar vida al personaje central ha bajado un “poco” la calidad. Y es que pasar de Washington y Bale a alguien como Keanu Reeves, y encima acompañarle en buena parte de su metraje de alguien como Chris Evans, es algo que invita al suicidio (al artístico por supuesto). Mirando un vistazo a los secundarios nos encontramos nombre como Forest Whitaker y Hugh Laurie, lo que hace pensar que al menos la cosa puede estar equilibrada. Pues no. Sólo Laurie sale vencedor en el apartado interpretativo.

SPOILERS

‘Dueños de la Calle’ versa sobre Tom Ludlow, un policía de Los Ángeles, y con métodos no demasiado legales, que un día se ve implicado en la muerte de su ex-compañero. Pronto estará en el punto de mira, tanto de sus actuales compañeros que le sacarán del embrollo en el que se ha metido, como en el de Asuntos Internos, deseosos de dar caza a policías corruptos.

‘Dueños de la Calle’ camina por terreno espinoso con irregular eficacia. Por un lado se nota la pluma en el guión de alguien como James Ellroy, aunque no sé que pinta aquí Kurt Wimmer. Los Ángles aparece retratada como una ciudad sucia y peligrosa, en consonancia con los personajes del relato que Ayer nos ofrece. No hay nada nuevo bajo el sol, policías corruptos cuya voz de conciencia empieza a sonar más alto que las demás, jefes de policía todavía más corruptos, falsa amistad y por lo tanto traicionada, tiroteos a mansalva, media sorpresa final, y nada de querer dogmatizar, lo cual hace su mensaje más temible. Es precisamente la reflexión final en boca de uno de los personajes lo que termina de redondear un film bien planteado, y disfrutable hasta cierto punto. “Todos somos malos”. En ‘Dueños de la Calle’ no hay lugar para la bondad, e incluso para hacer justicia hay que hacerlo desde fuera de la ley. Todos y cada uno de los personajes de la película (salvando algún secundario efímero) no representan ni de lejos a lo que debería ser un buen representante de la ley. Algunos sacan provecho de ello, otros ni siquiera lo saben, y otros intentan apartarse de esa corrupción, sin saber ni comprender que no se puede.

Es por eso que esa falsa esperanza que se adivina a ver en las últimas escenas de ‘Dueños de la Calle’, hace de ésta una película muy interesante, aunque no por ello estamos ante una ejemplar muestra del género. De hecho, el film navega entre la sobriedad y el exceso de forma un tanto molesta. Por un lado, escenas contenidas, e incluso alguna de acción bien filmada. Y por otro, respecto a éstas últimas, se les va la mano. Llegados a cierto punto, tenemos la sensación de que en la película hay que matar a todo aquel que se ponga por delante, sólo porque sí. No hay que llenar de muertes violentas un film para que éste funcione dentro del género de acción o thriller. Aún así, David Ayer, logar imprimirle ritmo a la película, y que ésta se siga con interés, algo de lo que no pueden presumir muchas películas actuales.

Eso sí, para eso tenemos que aguantar a Keanu Reeves, que tiene en su haber un personaje que le queda grande, y a Chris Evans. Y lo que es peor: una lamentable interpretación de Forest Whitaker, que convierte a los anteriormente citados en los mejores actores de la historia. Whitaker está pasadísimo de rosca, logrando molestar en cada escena en la que sale. Su personaje no resulta creíble por culpa de un histrionismo de lo más exagerado, incluidos gestos y palabras malsonantes. Hugh Lauire aparece en un momento en el que casi pensamos que el Dr. House es otro de los personajes de la película, y ciertamente no parece alejarse demasiado del rol que le hizo famoso. Con todo, es el mejor de todo el reparto.

‘Dueños de la Calle’ es un film correcto, bastante entretenido, que tal vez camine por senderos demasiado previsibles. La originalidad hace tiempo que se acabó (cuando se inventó el sonoro, si no me equivoco). Todas las historias han sido contadas, y esto ya nada tiene que ver con si una película es buena o mala (preguntadle a Tarantino). Si una historia, por muy previsible que sea, está servida con el oficio de Ayer en esta película (y que le augura un futuro más que digno tras las cámaras), sin dejarse atrapar por todos los males del cine moderno (efectismos y demás) en la medida de lo posible, bienvenida sea.

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• ‘Dueños de la Calle’, GTA + lo de siempre

Parte con un trío de actores que pueden ofrecer garantías para llevar a cabo este thriller con trasfondo familiar y cuya intención de sorpresa queda descafeinada por el abuso de tópicos, y especialmente, con un giro en el final que intenta ser la perla del filme y que viene a demostrar lo que se va intuyendo a lo largo del metraje. Gerard Butler y Maria Bello junto a Pierce Brosnan forman el trío de protagonistas, que se esfuerzan por dar lo mejor de sí mismos y otorgarle a los diálogos y a la trama una cierta credibilidad. Y, francamente, son de lo más destacable positivamente. Sus interpretaciones están correctas, sin llegar a brillar, pero dejando buena muestra de un buen hacer.

Por un lado, Brosnan, que se nos presenta como el malo de la función y que otorga a su papel de la frialdad y astucia necesarias para llevar el peso de las escenas en las que interviene (y sabe sacudirse su encasillamiento como agente 007). Por su parte, Bello demuestra que es una actriz a tener en cuenta (aunque sigue sin despuntar) y resuelve bien su papel de esposa guapa y feliz, mientras que Butler (que filmó esta cinta antes de catapultarse como estrella con ‘300’) demuestra buena aptitud para la acción y eso que su personaje es el menos agraciado y creíble (se nos presenta como ambicioso y resolutivo, para acabar siendo un tipo blando y cobarde).

La historia que nos plantea la película se basa en la aparición de Tom Ryan, un sociópata que tiene como finalidad fastidiarle la vida al matrimonio feliz y bien situado, formado por Neil y Abby. A través de la extorsión, a modo de cruel juego, y con la garantía de mantener a la hija de la pareja secuestrada, les obliga a seguir sus instrucciones en distintas situaciones, poniéndolos a prueba y llevándolos al límite. Los hace sufrir con pruebas marcadas por el tiempo y la presión constante de saber que si no cumplen con lo cometido, la vida de su hijita corre grave peligro.

Se suceden escenas vibrantes (algunas muy bien resueltas por parte de Mike Barker, como la de la habitación del hotel), que aumentan el ritmo y la tensión de la narración, pero en la que los protagonistas, dos personas bien consideradas e inteligentes, no parecen actuar con la perspicacia necesaria para soportar la maliciosa intención de su extorsionador, que maneja psicológicamente la situación a su entero antojo. Todo nos es mostrado con un cierto suspense, vagamente sostendido en una historia con pequeñas lagunas, que son sorteadas con tal de sorprender en el desenlace.

El relato, sin llegar a aburrir, nos lleva a un forzado final rocambolesco, una pirueta con triple mortal que intenta, a la vez justificar todo lo sucedido y ofrecer una explicación de forma infantil (obra del guionista William Morrisey). Sin dejar que extraigamos nuestras propias conclusiones, la película saca a relucir su mayor mediocridad con una serie de flashbacks explicativos, que destrozan el interés de la historia. Donde debía haber un cénit en el suspense de la trama, hay una resolución absurda e inverosímil que menosprecia la inteligencia del espectador y que se deja intuir fragrantemente, siguiendo los tópicos de los thrillers al uso.

Resulta una auténtica pena como se desinfla la cinta. Aunque es meritorio reseñar como Barker logra en un arranque veloz, con una presentación breve y bien resuelta, plantearnos muy pronto la tensa situación. El resto de escenas están correctamente rodadas, con el punto de intriga y tensión necesarios, pero a pesar de mantener un cierto tono vibrante, cae en un final burdo, simplista, obvio y que defrauda a todas luces lo que podía haber sido un interesante thriller.

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Primero de nada, creo conveniente avisar a todos aquellos que aún no hayáis visto ‘Iron Man’, que la película termina después de los títulos de crédito finales, en una escena crucial para entender por donde puede continuar la saga, e ir preparando cosas muy importantes (y de sobra conocidas por los lectores del cómic) para el futuro. Además, no os perderéis el cameo de un actor muy famoso dando vida a un personaje también muy conocido. Muchos espectadores no han visto el mencionado final, porque en cuanto empiezan a poner letreritos, huyen incomprensiblemente de la sala como alma que lleva el diablo. Desde que en 1985, Barry Levinson decidió incluir un final después de los títulos de crédito en la estupenda ‘El Secreto de la Pirámide’, es muy fácil encontrar películas que hacen lo mismo. En cualquier caso, por muy malo que sea un film, el séptimo arte no se merece esa falta de respeto.

Y ahora vamos con la película sobre Tony Stark, la verdadera estrella de la función, y no la lata esa, que no es más que su alter ego domesticado. Stark interesa mucho más en esta película, y todo gracias a un Robert Downey Jr. en estado de gracia, quien roba absolutamente todos los planos en la película, incluidos los extraordinarios efectos visuales.

SPOILERS

‘Iron Man’ cuenta una historia que ya todos os sabéis de memoria, ¿a qué sí?: Tony Stark es un millonario empresario dedicado a fabricar armas con las que el poderoso ejército de los Estados Unidos hace de las suyas. Después de una de sus demostraciones en Afganistán, Stark es secuestrado por unos rebeldes, que teniéndolo en cautiverio, le obligan a fabricar un arma todopoderosa para ellos. Stark aprovechará para construir una armadura con la que escapar de allí. Cuando vuelve a América, algo en su interior ha cambiado. Iron Man está a punto de nacer.

‘Iron Man’ parecía destinada a formar parte de ese grupo de películas, basadas en personajes de cómic, que tratan al espectador como si éste fuera idiota, al estilo de las bochornosas ‘Ghost Rider’ o ‘Los 4 Fantásticos’, films impersonales hasta decir basta, y con un venenoso aire infantiloide, que ni siquiera ofrecían espectáculo decente. Pero no, Jon Favreau, lo más temido del film, ha sabido hacer las cosas con un mínimo de dignidad, y aunque a la película le falte un toque personal, algo de garra, Favreau logra apartarse de los films mencionados, al menos en forma, y con un guión plano, pero bien escrito y una puesta en escena cuidada, nos ofrece un film altamente disfrutable, con el que pasar dos horas muy entretenidas. Podemos decir que se trata de una presentación de un superhéroe, y que en entregas venideras (la segunda ya está confirmada para Abril del 2010) veremos más en acción al Hombre de Hierro, ya que aquí son apenas un par de secuencias.

Pero es que ‘Iron Man’ versa más sobre la figura de Tony Stark, ese rebelde mujeriego, borracho y maleducado (cosas que se puede permitir porque es millonario, que si no, seguro que otro gallo cantaría), al que da vida un perfecto Robert Downey Jr. que tal vez por parecidos con su vida real, ha sabido como perfilar un personaje a todas luces extraordinario. No vamos a hablar de profundidad psicológica al estilo de ‘Batman Begins’, film con el que la película de Favreau podría guardar algún parecido, porque precisamente Favreau no tiene la mano de Nolan, y el guión no se para demasiado en analizar esa faceta, que bien podría haber dado para un film más oscuro. Pero es precisamente el actor, quien se encarga de transmitirnos todo lo que su personaje puede ofrecer, que no es poco. Stark no es un buen tipo, al menos en principio, y aunque su experiencia en una cueva en la que está a punto de morir, le hace ver las cosas de otro tipo, su arrogancia le lleva a vestirse con una armadura para tratar de combatir contra lo que él mismo construye (curiosa ironía), y es precisamente su chulería la que le hace cerrar la película (antes de los títulos) con uno de los mejores finales jamás vistos en una película de estas características. Tony Stark, ya sea por la pasta que tiene, o porque hace y dice lo que le viene en gana (Iron Man ya está para ser responsable), cae muy bien a la platea, y es a él a quien queremos ver en pantalla.

El resto no son más que unas cuantas escenas para vestir lo mencionado. Escenas espectaculares con unos efectos visuales que no ahogan la película, si no que la complementan como Dios manda, algo de agradecer en los tiempos que corren. El resto del reparto no está a la altura de Don Downey Jr., ni siquiera un desaprovechado Jeff Bridges, con un personaje demasiado previsible, y que cambia de lugar en menos que canta un gallo. No es un villano con demasiada presencia, y da la sensación de que nuestro héroe lo tendrá muy fácil para deshacerse de él. Eso es algo que estropea la película un poco, no hay un conflicto demasiado serio, en ningún momento sentimos que todo pueda acabar para Stark, los problemas a los que éste es expuesto, los soluciona con sospechosa facilidad. Terrence Howard simplemente aparece para abultar, aunque su presencia sirve para el chiste privado hacia los cómics en la época en la que Iron Man no era Tony Stark (algunos ya sabéis a qué me refiero), por cierto, muy bien insertado en la trama. Y Gwyneth Paltrow es una mujer florero, que hace una buena entrada en escena, pero a partir de ahí, prácticamente no pinta nada, y termina realizando un personaje femenino totalmente estúpido, como todas las mujeres que salen en film (¿machista?).

‘Iron Man’ no es, ni mucho menos el pestiño que me esperaba, y tampoco es esa maravilla que algunos parecen proclamar a los cuatro vientos. Pero yo he salido muy contento del cine, porque ‘Iron Man’ ofrece las dosis de cine espectáculo justas y necesarias en un film que sabe muy bien donde están sus limitaciones, y consciente de ello, entretiene como pocas. Un film correcto, con un ajustado sentido del humor (impagable el momento en el que una chica le pregunta a Stark si se acuerda de ella), con unos efectos especiales que sin duda estarán nominados a los Oscars (cada vez que se pone la armadura es sencillamente impresionante), con un guión que tal vez no esté a la altura de las circunstancias, y a veces los diálogos son un poco tontos, pero que augura una saga con un futuro muy prometedor.

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• ‘Iron Man’, el inicio de una prometedora franquicia
• ‘Iron Man’, un entretenido superhéroe
• ‘Iron Man’, Robert Downey Jr. y todo lo demás

‘88 Minutos’ es una película realizada en el 2006, y su primer estreno se realizó en Brasil, nada más y nada menos que en Febrero del 2007, donde salió directamente editada en dvd. Un simple dato que resulta de lo más curioso. ¿Por qué en muchos países, incluyendo los USA, un film perteneciente al género del thriller y protagonizado por una estrella del calibre de Al Pacino, tarda tanto en estrenarse? ¿Habrá tenido algo que ver que ahora su director, el otrora interesante Jon Avnet, ha terminado el rodaje de ‘Righteous Kill’ reuniendo a Pacino y Robert De Niro en lo que promete ser una reunión explosiva?

A veces este tipo de preguntas no tienen respuesta posible, aunque para la primera de ambas, después de haber visto la película, se me antoja que puede ser porque ‘88 Minutos’ es indescriptiblemente mala. Uno de esos films que producen una sensación de alucinación en el espectador, quien se pregunta a lo largo de la proyección si lo que está viendo es real, si no le habrán tomado descaradamente el pelo. En verdad inaudito, y en cierto aspecto incomprensible.

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‘88 Minutos’ narra la historia de Jack Gramm, un profesor de Universidad que al mismo tiempo trabaja como psiquiatra forense para el FBI, que un día recibe una llamada en su móvil advirtiéndole que le quedan 88 minutos de vida. Gramm intentará averiguar quien está detrás de todo esto, y empezará a sospechar de todo el mundo, mientras él también se convierte en el objetivo no sólo de un despiadado asesino, sino de la policía.

La película bebe bastante de las ultramodernas series de televisión, estilo ‘24’, en las que se juega en mayor o menos medida con el tiempo real, pero en vez de aprovecharlo a su favor, esto juega en su contra. Para empezar, la película dura casi dos horas, componiendo su metraje una presentación inicial y larga, de personajes, y después, los presumibles 88 minutos que se supone le quedan de vida al protagonista. La sensación de amenaza o de peligro, no existe en ningún momento, el uso del suspense en ese aspecto es poco menos que ridículo, y el jugar con el espectador de cara a saber quien es el asesino, no provoca ni la más mínima duda, ya que bastan haber visto unos cuantos thrillers, y telefilms de sobremesa, para darse cuenta de quien mueve los hilos en la nada complicada trama. Obsérvese que muchos de los secundarios están de adorno, no tienen peso, y sólo aquél que realiza una incongruencia en cierto momento, puede ser el asesino. Para colmo de los colmos, es éste quien le da todas las pistas a nuestro protagonista, ya que éste por sí solo es incapaz de averiguar nada, así que termina llamándole por teléfono para citarlo y verse las caras. De juzgado de Guardia, vamos.

Por el camino asistimos a un montón de vanos intentos por captar nuestro interés. Ya sea, desfilando esos citados personajes secundarios que simplemente abultan, o dando falso protagonismo a un sospechoso motorista con una cara de mosqueo increíble, y cuya presencia es de vergüenza ajena, o con ridículas escenas de acción que se limitan a ser un par de caídas de Pacino al suelo para evitar que lo atropellen un par de veces, secuencias éstas filmadas sin el más mínimo sentido de la coherencia, y completamente risibles en su resolución. También nos insertan un par de momentos en los que Gramm habla con un condenado a muerte, que podría ser inocente, con las que se aprovecha para hablar, muy de pasada, de la efectividad de la pena capital para horribles asesinos (¿qué asesino no lo es?), e incluso se sugiere que si en un juicio uno miente en pos de la verdad (sí, sí, léanlo otra vez) es algo también bueno. Algo así como el personaje de Orson Welles en ‘Sed de Mal’, que nunca se equivocaba de sospechoso, pero lo pillaba con pruebas falsas. Dicha premisa está totalmente desaprovechada.

Sólo la presencia de Al Pacino puede salvarse de este despropósito, y digo sólo presencia, porque es evidente que el actor no realiza aquí una de sus memorables interpretaciones, ni muchísimo menos, pero Pacino es un actor que ha llegado ya a un nivel en el que el aparecer en un film es más que suficiente. Su personaje está tan mal dibujado como todos los demás, y resulta divertido, cuando no sonrojante, el comprobar la cantidad de fallos de raccord que se producen con su peinado. A su lado Alicia Witt, muy mona, pero totalmente prescindible, a no ser que sea para que Pacino la sobe a la mínima de canto. El resto del reparto sigue más o menos por la misma onda, la de molestar más que contribuir con algo sustancial.

En fin, que si queréis aburriros como ostras, o dejar la mente en blanco mientras veis imágenes en una pantalla pasar sin el más mínimo respeto por el cine, y de paso por el espectador, ‘88 Minutos’ es vuestra película. Si en algún momento decidís concentraros en lo que estáis viendo, os dará la sensación de que muchas de sus escenas parecen las pruebas de rodaje. Inaudito, viniendo de alguien como Jon Avnet, quien antaño nos ofreció la excelente ‘Tomates Verdes Fritos’ y la reivindicable ‘The War’. ¿Os he dicho ya que ‘88 Minutos’ me parece mala de dolor?

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• ‘88 minutos’, típico psicothriller

Que el cine español está en crisis es algo que ya sabemos todos, y el decirlo una vez más resulta cansino, repetitivo y demasiado obvio. Que éste triunfa cuando apuesta por el cine de género, tirando de fórmulas totalmente americanas, cuando no se plagian descaradamente (algo que hace mucho la televisión), es algo que salta a la vista. Muy pocas veces se consigue, otras muchas no, y luego se quedan a medio camino, o antes o después. En todos los casos, por lo menos queda la intención de cambiar las cosas, y que el público recupere poco a poco la esperanza en nuestro cine.

Algo así le pasa a ‘3 Días’, un intento loable por ofrecer algo diferente, con unas muy buenas intenciones y pasión puesta en el proyecto. Indudablemente eso se destila de sus imágenes, pero no nos emocionemos innecesariamente. Eso no significa que el resultado sea genial, y es que una vez más ha sucedido algo que últimamente se repite más que nunca, por motivos más que lógicos: en estos tiempos de mediocridad absoluta en el panorama cinematográfico actual (y que no sólo atañe al cine español), cuando aparece algo con un tufillo distinto, con otro envoltorio, y un mínimo de calidad, se eleva erróneamente (con lo peligroso que resulta eso) ese producto a la categoría de genialidad o algo parecido.

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La historia de ‘3 Días’ nos lleva a los últimos tres días (¿o son cuatro? ¿habéis contado las noches que transcurren desde el momento en el que se da la noticia de que la Tierra se va a ir al garete?) de nuestra existencia, ya que un enorme meteorito se dirige hacia nosotros con una invariable trayectoria. En un pequeño pueblo español una familia vive las últimas horas de su vida lo mejor que puede. Y eso no va a ser precisamente fácil, no por la enorme desgracia que se les viene encima, si no porque de la cárcel se ha escapado un peligroso criminal que ha jurado venganza contra esa familia por algo ocurrido en el pasado. Así pues, la familia, comandados por una madre muy decidida y su hijo pasota y enfadado con medio mundo, se prepararán para la visita de su meteorito personal.

Lo mejor de ‘3 Días’ sea probablemente el trabajo de su director, F. Javier Gutiérrez, quien logra una puesta en escena realmente interesante, sobre todo en lo que respecta al uso de una fotografía con la que logra transmitir una latente sensación de calor y agobio. Tal vez abuse en demasía del primer plano, y cierre bastante el encuadre para que no se vea que la película en el fondo es cutre (ese pueblo abandonado, del que se ven dos míseros planos). Pero aún así, logra ofrecer un trabajo digno, y huir en cierta medida de todo lo que nuestro cine tiene de malo en este tipo de películas. Aunque esto no llega para lograr tapar los visibles defectos que posee el film, menos arriesgado de lo que parece.

Menos arriesgado, porque en el fondo, lo del meteorito no es más que una excusa, tan válida como cualquier otra, ojo, para contarnos un thriller típico y tópico, en el que salen a la luz varias inconsistencias que lastran el film. Con ecos de ‘La Noche del Cazador’, por la presencia de una especie de lobo feroz que nunca sabes por donde va a salir, y eliminando personajes de la narración de forma facilona, y en otros casos, casi incomprensible, la película se centra en el acoso de un psicópata al protagonista central de la película y sus cuatro sobrinos. Dicha parte se apoya en una muy acertada composición de Víctor Clavijo, quien por momentos emula a Bruce Willis en ‘Jungla de Cristal, con camiseta incluida, dando vida a un personaje atormentado y con trauma infantil. Clavijo lleva muy bien el peso psicológico de todo su personaje, aunque la historia de amor con una habitante del pueblo, resulte de lo más forzado y molesto, llegando incluso a interrumpir un acertado ritmo en cierto momento. Queda muy bonito para cerrar la película, pero sin una progresión lógica, incluso resulta incoherente.

La parte, digamos no thriller, no resulta apenas interesante, por no ser siquiera un dibujo de personajes sometidos a una gran presión. Los niños, necesarios para la parte del thriller, no lo son tanto en ésta, e incluso diría que sobra alguno. La abuela de los mismos, interpretada por una teatral Mariana Cordero, es una mujer de armas tomar, decidida a no estropear los últimos días de sus nietos no diciéndoles que no celebrarán más cumpleaños. La forma de quitarla de la narración es algo que se me escapa, y la escena del entierro me produce arcadas. Al final queda el enfrentamiento entre Clavijo y un Eduard Fernández entregado a su rol, un despiadado asesino, demostrando que es uno de nuestros mejores actores, aunque su personaje no esté del todo bien definido, y le dé por hacer tonterías inexplicables, como lavarse metódicamente las manos cada dos por tres, tal vez para que sepamos que es un tipo obsesivo y que no está demasiado bien de la cabeza. Pero es que eso ya lo sabíamos mirándole simplemente a los ojos.

Gutiérrez logra un film que no aburre, y aunque pretende ser original, hay concesiones a la galería. Lo del meteorito no es más que un atractivo envoltorio, que todo hay que decirlo, viste bastante bien a un film, que sin esa situación crítica, apenas tendría sentido, como no lo tienen alguna de las situaciones planteadas en el mismo. Pasable película en la que incluso hay espacio para homenajear de forma muy directa a ‘Vertigo’ de Hitchcock. No es la maravilla que podría haber sido, ni de lejos, pero al menos nos queda el intento de aportar algo más de lo de siempre. Y es éste precisamente el camino que deberían tomar muchos.

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• ‘Tres días’, un drama que se convierte en mítico por la llegada del fin del mundo

Es odiada y venerada. Es denostada y a la vez considerada hito del cine mundial. Sus efectos especiales han envejecido fatal e igualmente aún asombran. Estamos hablando de ‘Tron’, una película que, al igual que ‘Blade Runner’ fue estrenada en 1982 con un fracaso estrepitoso, y los años le han dado el status de obra de culto que personalmente creo que se merece.

Dirigida y escrita por Steven Lisberger, ‘Tron’ cuenta la historia de un genio de los videojuegos, Flynn (Jeff Bridges), cuyas fantásticas ideas son apropiadas por un compañero suyo, y por ello es expulsado de la compañía, y monta una cadena de máquinas recreativas. En un incidente no muy bien explicado, Flynn accede al mundo interior de su propio videojuego, de forma literal. Sus moléculas son transportadas desde el mundo real al ordenador en forma de programa.

A ‘Tron’ le pesa mucho el hecho de haber sido producida por Disney. Su carácter infantiloide y superficial, unido a su maníqueo guión, lastran considerablemente el enorme potencial de la historia. De esta forma, la película es infinitamente más interesante por su aspecto visual que por su argumento intrínseco. Y en este aspecto, no puedo sino decir que ‘Tron’ es una película enormemente adelantada a su época. Las secuencias enteramente generadas por ordenador se combinan con la estética del mundo real de una forma increíble. De esto sólo podemos concluir que Lisberger es un auténtico genio, y es una pena que después de ‘Tron’, su carrera se volatilizara, aunque por lo visto tiene algo preparado para el próximo año que tiene muy buena pinta.

Las referencias al mundo de la informática y la tecnología en general son de lo mejorcito. Resulta especialmente simpático el encuentro de Flynn con un ente que sólo puede responder “sí” y “no”, a lo que el protagonista deduce que se trata de un bit. El universo virtual creado por Syd Mead y Jean Giraud es arrollador. Para la época, realmente podía creer el espectador que los personajes se encontraban dentro de un videojuego.

Lo más entretenido de ‘Tron’ es sin duda la carrera de motos virtuales, en la que varias motos van recorriendo un escenario cuadriculado, y la primera moto que choque contra la pared, o la estela dejada por alguna de las motos, pierde. Evidentemente, y como estamos en la Disney, Flynn va sobreviviendo a una y otra pruebas como medio para ganar el videojuego y volver al mundo real. Asimismo, resulta incomprensible cómo los programas que ayudan a Flynn (que son homólogos de los programadores amigos del protagonista en el mundo real), parecen tener motivaciones, sentimientos, sexualidad, e incluso miedo.

De todas formas, es un deleite ver ‘Tron’ no sólo como un título fascinante en su apartado visual, sino como un estudio analítico de la influencia posterior en películas e incluso en videojuegos. Su propuesta de realidad virtual, aunque está desarrollado de una forma cándida, es notorio en cuanto a su fuerza conceptual. La omnipresente música de Wendy Carlos, a veces está acertada y otras resulta redundante y poco adecuada, pero no se puede negar que contribuye al hipnótico mundo virtual, así como el excelente manejo de sonidos y la perpetua sensación de que hay “algo encendido” para que todo siga su curso.

Para los que hemos crecido con un Amstrad, NES o MegaDrive (cada uno en su etapa), no podemos sino sentirnos identificados con la asombrosa extemporaneidad entre la película y la realidad, y cómo la evolución, que en ‘Tron’ es una pura fantasía cinematográfica, poco a poco se nos hace más verosímil.

En Blogdecine | La carrera de ‘Tron’ en stop motion y con cajas de cartón

Hace unas tres semanas se estrenó en nuestras pantallas, haciendo muy poco ruido, una película coproducida por Israel y Francia ‘La Banda nos Visita’, acaparadora de un buen número de premios en festivales como el de Cannes o el de Copenhage, y vencedora absoluta de los premios de la Academia Israelí, que son algo así como el equivalente a los Oscars. Un éxito atronador en cuanto a crítica y festivales; y sin embargo, aquí son pocos los que la conocen o han visto, ya que, una vez más, las distribuidoras de este santo país deciden dar a conocer otro tipo de productos.

Una verdadera pena, considerando que la película dirigida por el debutante Erin Kolirin, es una de las cintas más sensibles, amenas y divertidas estrenadas en lo que va de año, que déjenme recordar que aún sigue siendo poco más que lamentable. Pero ‘La Banda nos Visita’ supone un pequeño oasis entre tanta mediocridad, una cinta exquisita, que sin ser perfecta, nos reconcilia con el cine de verdad, gracias, sobre todo a unos personajes enormemente carismáticos y cercanos, un guión casi milimétrico y una cuidada dirección.

SPOILERS

‘La Banda nos Visita’ cuenta la sencilla historia de una banda de músicos egipicios, que viajan a Israel a dar un concierto. Por un error con el nombre del pueblo, terminan en un destino distinto al que tenían previsto, en un pequeño pueblo en el que apenas pasa nada. Mientras esperan que el error se subsane y alguien los vaya a buscar, se relacionan con las gentes del pueblo, que los reciben con los brazos abiertos y les hacen partícipes de su rutina diaria.

La película tiene un tono de comedia ligera y amable, que la acerca al universo de Jacques Tati, sobre todo en su parte inicial, la cual transcurre casi sin diálogos, apoyándose únicamente en lo extravagante de la situación, y unos personajes callados que miran asombrados a su alrededor, a un pueblo todavía más callado, que sin embargo los recibe con los brazos abiertos, ofreciéndoles incluso alojamiento para todos ellos, mientras tienen que esperar al autobús que los llevará al lugar correcto. Es precisamente en esa mezcla, por llamarla así, en ese intercambio cultural, donde la película consigue sus mejores momentos y alcanza cotas de gran altura, gracias a detalles pequeños, sutiles, pero enormemente significativos. Y nada de lo que nos podíamos temer por lo que respecta de su premisa, ocurre. Eran Kolirin no recurre a tópicos sobre las diferencias políticas entre ambos países, aunque en cierto momento se cite de pasada lo mucho que le gustaban a cierta israelí las películas egipcias cuando las emitían por la televisión de su país.

En cambio nos ofrece un acercamiento entre personas de culturas separadas por motivos que no vienen al caso, para hablarnos sobre el entendimiento humano, y sobre la comprensión, a través de la música (casi todas las situaciones están motivadas o porque suena una canción, o porque se habla de instrumentos musicales, y nunca se cargan las tintas en este aspecto) y del amor. Un amor que aflora y late en esos personajes solitarios, cuyas vidas cambian un día porque nuevos amigos irrumpen en sus tranquilas existencias. Es ejemplar, la forma en la que Kolirin acerca a unos y a otros personajes, y cómo éstos intercambian vivencias y experiencias, eso sí, todo enmarcado con un incómodo silencio, siempre roto por la música, nexo de unión entre seres humanos. Cualquiera de las conversaciones entre los distintos miembros de la banda y los lugareños, no tienen desperdicio, pero yo destacaría dos momentos: la opinión de uno de los habitantes sobre la obra incompleta de uno de los músicos (pocas veces se ha expresado de una forma tan maravillosamente sencilla lo que una pieza musical puede hacer sentir), y la ayuda que ofrece el ligón de la banda a uno de los lugareños para cortejar a una chica (momento éste que transcurre sin palabras en una sala de patinaje musical, y que es absolutamente desternillante y emotivo).

Y es que Kolirin demuestra una inusitada capacidad para provocar tanto emociones a flor de piel, como la más sincera carcajada, y jamás sin caer en el chiste burdo o fácil. Y a ello contribuye no sólo el encomiable trabajo de su director y guionista, si no también un elenco de actores, para todos nosotros totalmente desconocidos, pero que están en verdadero estado de gracia. Entre todos ellos sobresalen Sasson Gabai y Khalifa Natour, que dan vida respectivamente al director de la banda egipcia y a una mujer, dueña de un pequeño restaurante, con la que el primero establece una curiosa relación, totalmente alejada de tópicos. La química es palpable, dos seres solitarios a su manera, uno por la pérdida de seres queridos, y otra por amar a hombres que nunca se quedan a su lado, una mujer madura y sin hijos, endurecida por los golpes de la vida, pero que aún tiene mucho que ofrecer a todo aquel que llama a su puerta. No duda un solo instante en ofrecer hospitalidad a ese grupo de hombres perdidos lejos de su hogar y de su destino.

‘La Banda nos Visita’ es un film sencillo, pequeño y humilde. Probablemente la simpleza de su argumento le impide ser grande, y éste, de menos de hora y media, termina en el momento justo, antes de que empiece a desinflarse rápidamente. Pero es altamente disfrutable, una pequeña joya, dispuesta a brillar en medio del actual panorama cinematográfico, más pobre que nunca. Una de esas películas, que además transmiten un buen rollo increíble, sin querer dogmatizar ni sentar cátedra de ninguna manera. Cuando uno termina de verla, siente unas enormes ganas de llevarse bien con todo el mundo.

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Han pasado muchos años desde que leía, en tardes veraniegas, los cómics de ‘Daredevil’ y de ‘Iron Man’. A ‘Daredevil’, entre Ben Affleck, Jennifer Garner y el resto, lo masacraron. Había perdido muchas de las esperanzas de que alguno de mis héroes preferidos de la Marvel fuera adaptado decentemente a la gran pantalla. Y es ahora cuando ha venido ‘Iron Man’.

Con Jon Favreau tras las cámaras, más conocido por su faceta de actor, y con un guión de Hawk Ostby y Mark Fergus (autores de la esplendorosa ‘Hijos de los Hombres’), ‘Iron Man’ es una experiencia prácticamente nueva en las películas de superhéroes. Y digo prácticamente porque con “el hombre de hierro” se ha conseguido el mismo resultado satisfactorio que está logrando Christopher Nolan con su Batman.

Y es que lo primero que podemos notar de esta película es la fidelidad respecto del cómic original, con todas las virtudes que esto supone. Tony Stark (Robert Downey Jr.) es un genio de la tecnología, un flamante fabricante de armas que, durante un viaje a Afganistán por sus convenios con el ejército de EEUU, es apresado y forzado a construir un misil para un grupo terrorista. Durante su periodo de cautividad, se percata de que su verdadera misión es radicalmente diferente a lo que ha estado haciendo hasta ahora.

En definitiva, el argumento, y los detalles técnicos, sólo cambian por el hecho de que ‘Iron Man’ se ha adaptado al siglo XXI. Cambiemos Vietnam por Afganistán, y los aspectos del progreso tecnológico, que suponen un deleite para los espectadores más geeks. En este sentido, quizás puede que sea esa la mayor cualidad de la película: la definición y concretitud del público al que va dirigido. Y es que ‘Iron Man’ va más encaminado a un público adulto, exigente, que sabe que poco se puede esperar de la historia de un superhéroe. Un público que disfruta poco, aunque se entretiene con ‘Transformers’ o ‘Spiderman 3’, pero que sin embargo se regocija con los cambios evidentes en la perspectiva de ‘Batman Begins’.

Por tanto, todo implica que la película se centra más en la dirección de actores y la solvencia del guión, por encima de los efectos especiales, que los hay, muchos y muy buenos. Robert Downey Jr. está impresionante como Tony Stark, dotando al personaje de un sinfín de matices, riqueza de personalidad, cinismo, socarronería y hasta simpatía, a pesar de la limitación empática de su condición social. De hecho, ya no me imagino a otro Stark que no sea Robert Downey Jr., y eso refleja muchas conclusiones. El inmenso carisma del protagonista es, en definitiva, uno de los mejores logros de la película.

El punto más débil se encuentra en los villanos, que en ningún momento dan la sensación de hacer frente al héroe. Tanto el líder de los terroristas como Obadiah Stane (socio de la firma Stark, convertido en un ambicioso maníaco) parecen demasiado empecinados en una causa perdida, como es derrotar al hombre de hierro. Y eso que Stane está interpretado con cierto esfuerzo por Jeff Bridges, actorazo por lo general. En cuanto a los demás personajes, tenemos a Terrence Howard y Gwyneth Paltrow interpretando al coronel Rhodes y a Pepper Potts, secretaria de Stark, respectivamente. Bien porque sus personajes son mayormente innecesarios en la película (que no en el cómic), su presencia no basta para complementar al héroe. Howard cumple sin más, y Paltrow, a pesar de su arrolladora presencia física (para todo hombre con sangre en las venas), pasan inmediatamente a un segundo plano en pro de Robert Downey Jr.

Hay algunas escenas dignas de mención, como la irrupción de Iron Man en el pueblo de Afganistán, liberando a los refugiados de la amenaza terrorista. El arranque de la película es demoledor, con un cinismo (como antes he mencionado), que recuerda más a películas más serias como ‘El Señor de la Guerra’, antes que a alguna otra película del género antes vista. En este sentido, es de alabar que se moje tanto en el dilema moral de los beneficiados de las guerras, lo poco que conviene económicamente la paz mundial, sobretodo en la primera hora de película. Asimismo, la extensa preparación de Stark para convertirse en el héroe, a base de mil artificios tecnológicos y ningún don natural, es portentosa en la medida en que se da una gran profundidad psicológica al personaje.

No obstante, se hacen un tanto inverosímiles algunos detalles argumentales, como la inmensa capacidad creativa de Stark durante su cautiverio, o la inevitable lucha final entre Stark y Stane. Pero teniendo en cuenta que este género obliga al espectador a comparar con otros títulos, ‘Iron Man’ sale ganando se mire por donde se mire.

Es un blockbuster inteligente, audaz, muy arriesgado, con dosis de humor (que ya se iban echando de menos en las películas de superhéroes, la verdad), un buen guión, y personajes a la altura. Combinar todo esto con el entretenimiento puro y duro, y la ausencia absoluta de irregularidad o sombra de aburrimiento, hace de ‘Iron Man’ un gozoso espectáculo que, aun con sus defectos, recuerda a los espectadores más desesperanzados con este horrible año cinematográfico, que todavía es posible disfrutar con el séptimo arte. Si las más que probables secuelas de ‘Iron Man’ mantienen este nivel de calidad, estamos ante una saga memorable.

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• ‘Iron Man’, un entretenido superhéroe

Tenía ganas de una película como ésta. La huelga de guionistas sigue haciendo mella en la cantidad de truños nuevos que tenemos que soportar cada viernes (salvo honrosas excepciones), y este 2008 está plagado de remakes, o películas que también son remakes aunque no lo reconozcan formalmente. Cuando viene algo mínimamente decente, y no en cuanto a guión, es porque hay millones y millones de euros detrás.

Por todo esto, ‘Lars y una chica de verdad’ viene con discreción (como viene siempre este tipo de películas) pero con firmeza. Con un presupuesto de apenas 12 millones de euros, la película se apoya en los actores y el excelente guión, justamente nominado al Oscar, de Nancy Oliver, responsable de la historia de algunos de los mejores capítulos de la serie ‘Dos Metros bajo Tierra’. En cuanto al cine indie, se ha hablado mucho de ‘Juno’, una película a mi gusto bastante inflada, y no mucho de ésta.

En un pueblo cualquiera de Estados Unidos, vive Lars (Ryan Gosling), un chico tan extremadamente tímido que el simple contacto físico le produce dolor. Como vecinos, puerta con puerta, tiene a su hermano Gus (Paul Schneider) y a su cuñada Karin (Emily Mortimer). Un día, un compañero de trabajo le avisa de la existencia de muñecas personalizables que se pueden comprar por Internet, con la aparente indiferencia de Lars, que sin embargo avisa a Lars y Karin de que se ha echado una novia, llamada Bianca. Cuando se dan cuenta de que Bianca no es una persona real, se preocupan muchísimo y deciden seguirle la corriente.

De lo primero que hay que hablar, para ser justos, es de Ryan Gosling, uno de los tres o cuatro actores más prometedores de Hollywood, y Dios sabe que no exagero. Su fama comenzó en la interesante ‘El Creyente’, y no ha parado desde entonces, eligiendo muy bien los títulos en los que ha participado, aunque con más o menos acierto. Ryan Gosling consigue que Lars sea un personaje curiosísimo, fascinante. No llega a la sobreactuación, y sin embargo construye un protagonismo potente, con gran cantidad de matices, tics, y un logrado trabajo por detrás. En otras palabras, Ryan Gosling está fabuloso, en uno de los mejores papeles que he visto en el cine del pasado año.

Una de las mejores virtudes de ‘Lars y una chica de verdad’ es que, pese a la sencillez y brutal honestidad de la propuesta, es que entretiene y hasta divierte. Es de alabar que la película empieza siendo una amena comedia con momentos sensacionales (cuando Lars está en la iglesia y hace ruido por accidente), y se torna en drama con una fluidez asombrosa. Hay muchos silencios, que disfrazan falsamente la trama con lentitud que no le pertenece, y una comicidad insinuada pero omnipresente.

La primera media hora es sencillamente fenomenal, aunque luego, a partir de la primera hora, es comprensible que uno empiece a mirar el reloj. Por suerte, ahí está Gosling para levantar el pulso de la película cuando más le hace falta, subrayando la calidad del conjunto y eclipsando la intermitente falta de ritmo de algunas escenas.

Detalles como la realista, colorista y cuidada fotografía, con estética y vestuario retro, y la considerable cantidad de planos subjetivos, sobretodo en los espacios cerrados, es muy de agradecer teniendo en cuenta que estamos ante una agradable historia típicamente rural, con momentos de marcada intimidad. La música de David Torn, aunque suele pasar desapercibida, tiene sus momentos. Y la dirección del debutante australiano Craig Gillespie es arriesgada y solvente, así que podemos pensar que nos quedan por ver algunos buenos títulos de este director.

La película, en definitiva, es un profundo, original e impactante análisis de la soledad y de los mecanismos cerebrales para subsanarla. Lo que le pasa a Lars no es más que una reacción ante tanto tiempo sin comunicación con los demás. Es impresionante la evolución que muestra al protagonista, que pasa de una timidez enfermiza a una jovialidad y locuacidad que sólo despiertan afecto y dulzura a su alrededor. Es por tanto, una historia muy sabia sobre la perfección de la media naranja, la condición del ser humano, imperfecto y permanentemente traumatizado, en una alegoría sobre el amor que, consiguiéndolo, nunca pretende la lágrima con artificios sentimentaloides. Como precedente sólo se me ocurre el simpático libro de Christine Nöstlinger, ‘Konrad, o el niño que salió de una lata de conservas’, sobre una solterona maniática que compra por catálogo a un niño perfecto.

A Ryan Gosling le acompaña un portentoso elenco: Patricia Clarkson, que hace de psicóloga, y está muy bien como siempre; Paul Schneider, como Gus, el preocupado hermano de Lars, con un carácter aspero y una actuación francamente natural; y sobretodo, Emily Mortimer. Su papel de cuñada embarazada merece todo reconocimiento y halago, y aprovecha muy bien las pocas escenas que se le otorgan.

No obstante, tengo algo que decir sobre ‘Lars y una chica de verdad’ para no tenerla en más alta estima. Resulta un poco inverosímil la aceptación de todo el pueblo de la situación de Lars. Da la impresión de que viven en el país de las gominolas, aunque por suerte esta sensación no dura mucho y no da tiempo al espectador a que forje una actitud de escepticismo. SPOILER Asimismo, el final cerrado tiene algo de forzado e inconcluso, sin que satisfaga mucho el hecho de que Lars, al terminar todo, siga creyendo que Bianca existió de verdad. FIN SPOILER.

Total, que tenemos una película muy estimable, la verdadera película indie de estos últimos meses. Un verdadero ejemplo de cómo una premisa original, con poco dinero, puede dar lugar a un resultado sorprendentemente redondo. Una película para ver con la pareja, o ver con la familia (a pesar de sus puntuales referencias sexuales), con una atmósfera de buen feeling sobresaliente. Y Ryan Gosling, repito, estupendísimo.

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Unas de las grandes virtudes (aunque también adolece de los habituales defectos de este tipo de películas) es la huída del protagonista estereotipado, ya que Iron Man no se nos muestra superficialmente, sino que se llega más allá, dotado de mayor humanidad y profundidad, aproximándolo más a la audiencia. Quizás tenga que ver, que la película se ha planteado con un profundo respeto al espectador, ya que no todos los que acuden a verla son adolescentes ávidos de espectaculares efectos y explosiones.

La película se distancia lo suficiente del personaje original, pero sin llegar a molestar en exceso a los más seguidores del superhéroe. La dirección de Jon Favreau aprovecha al máximo la historia de la creación y génesis de la forja del superhéroe, en cierto modo para sacudir cualquier ápice prejuicioso con respecto al auténtico y nos presenta el relato desde cierto distanciamiento. Que parece idóneo para los menos conocedores del cómic. Y sin por ello, abusar de la acción y los efectos en cada escena, sino ahondando en la esencia del personaje.

Por cierto, algo muy similar a lo realizado por Nolan con ‘Batman Begins’. Y es que este ‘Iron Man’ guarda mucha relación con el hombre murciélago. Hombre rico y poderoso, con muchos medios tecnológicos a su disposición y que busca en la lucha contra los malvados una forma de redimir su sentimiento herido y encontrar cierto equilibrio que justifique su actuación.

El guión resulta un buen trabajo por parte de Mark Fergus y Hawk Ostby (autores de ‘Hijos de los Hombres’), que trasladan el comienzo de la acción al Afganistán actual (y no al Vietnam del cómic de Marvel), dotando al relato y a su protagonista de una acertada contemporaneidad, aunque del todo aséptica, manteniendo al margen cualquier mención políticoreligiosa.

Y nos sitúa al protagonista, un joven playboy, engreído, arrogante e irresponsable como máximo exponente de Industrias Stark, la principal y más poderosa empresa armamentística de Estados Unidos, heredada de su padre. Tony Stark resulta entrañable, y es que un inspirado Robert Downey Jr. le confiere un carisma especial, muy por encima muy por encima de otros actores en papeles similares, y que le otorga un estilo y sentido del humor muy apropiados a Tony Stark/Iron Man, lo que lo hace en algo más creíble. Downey acierta en el proceso de transformación de su personaje, con ingenio y comicidad en su justa medida, rozando la sobreactuación, pero ciertamente comedido. Dibuja un hombre maduro, reflexivo pero no exento de pinceladas infantiles (se lo pasa como un niño cuando prueba su nueva superarmadura).

En el resto de personajes es donde la película adolece del mismo defecto del resto de cintas de superhéroes, como mencionaba al principio. El flirteo con su fiel ayudante, Pepper Potts (correcta Gwyneth Paltrow) añade las gotas de romance necesarias para incluir a la chica guapa en la película, aunque esa cierta tensión amorosa/pasional/sexual queda muy descafeinada. Es por ello, que se echa en falta algo más de intensidad, pero hay que recordar que estamos ante una película de acción con superhéroe y esto queda muy en segundo plano.

Los villanos son realmente grises, personajes totalmente planos, que no están a la altura del protagonista. Ni el calvo afgano ni el transformado Jeff Bridges, en el papel de Obadiah Stane consiguen aportar la tiranía ni la complejidad necesarias para que el héroe brille meritoriamente. Y, por último, el fiel amigo del bueno, Rhodey (Terence Howard) sigue la misma línea. Un secundario que aporta bien poco.

Dos últimos aspectos destacables son, por un lado la inusual pero brillante inclusión de temas de rock duro en algunas escenas de acción, y por otro, el trabajo de efectos especiales, muy elegantes y espectaculares, pero que no abruman por exceso, lo que no es poco para los tiempos que corren.

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‘Tapas’ era una buena película (bueno, y lo sigue siendo), una sorpresa muy agradable dentro del consabido panorama de nuestro cine. Una cinta entrañable, y de buen gusto que hacía pensar que José Corbacho tenía vida más allá de su excepcional programa de televisión ‘Homozapping’, y que junto con Juan Cruz, formaban un dúo a tener en cuenta en nuestro futuro cultural (sí, porque el cine es cultura, señores). Es por eso que su siguiente película, la presente ‘Cobardes’, tuviera un interés mayor que la media. El comprobar si estos dos directores seguían teniendo buena mano para contar historias es algo que no había que perderse.

‘Cobardes’ habla sobre ese tema tan de moda como es el acoso escolar. Algo que actualmente preocupa a todo el mundo, dadas las barbaridades que a veces salen a la luz, con grabaciones en los móviles de palizas a compañeros de clase o brutalidades por el estilo. Así pues, un tema más espinoso que el de su anterior película. Pero mucho peor mostrado y tratado.

SPOILERS

‘Cobardes’ narra la historia de Gaby, un chaval de catorce años que tiene miedo de ir al colegio, ya que allí se encontrará con Guille, un niño bien que lo acosa sin compasión y sin ningún tipo de motivo o razón. Lo hace simplemente por gusto. Sus respectivos padres, mientras tanto se enfrentan a sus propios miedos, otro tipo de miedos, totalmente alejados de los que tienen sus hijos. Miedo a perder el trabajo, a no conocer a sus propios hijos, al poder, etc. Una historia de niños en un mundo de adultos, y viceversa.

El guión de Corbacho y Cruz es uno de los más simples, facilones y maniqueos que se han visto en años. Y por lo que respecta a su puesta en escena poco hay que decir. Han tenido más dinero, eso se nota bastante, sobre todo para situar las acciones en más sitios y rodar interminables persecuciones de críos, con un montaje que da pena, y un uso de la banda sonora que parece que estuviéramos viendo un thriller. Y es que el tratamiento que estos dos señores han dado a su película, es algo que desconcierta bastante. Por momentos da la sensación de que estamos viendo un film español, tratado a la americana, y en otros el típico drama social que tanto nos disgusta. En los primeros, montaje acelerado, planos cortos y mucho efectismo. En los segundos, parsimonia. Y el equilibrio, simplemente no existe.

Los dibujos de los personajes son de lo peor que tiene el film. Todos son arquetipos que resultan unos topicazos impresionantes, y con sus papeles marcados en la historia como si de señales de tráfico se tratase. Tenemos a los dos chavales, el puteado y el vacilón. Evidentemente los dos tienen problemas en casa, uno por incomprendido y el otro, por tener un padre demasiado exigente. Luego, las figuras de sus padres, otro tanto de lo mismo. Ellos, preocupados por las responsabilidades de sus respectivos trabajos, y ellas preocupadas por conocer a sus criaturas. Planos, sin pasión, con la profundidad psicológica de un caracol. Y ya no hablemos de las relaciones entre ellos, o de los críos con el profesorado. A leguas se ve quien es el maltratado y quien el maltratador, pues sus comportamientos les delatan, y sin embargo, en la película nos quieren hacer creer que los mayores piensan lo contrario (salvo el personaje de Paz Padilla, y porque le mira a su hijo el móvil, en el que tiene una terrible revelación). Y si me tengo que parar en el detalle de que el vacilado es un tonto de mil narices, y de repente, como por arte de magia, se vuelve inteligente y les prepara una trampa a los que siempre le molestan, pues me pongo a vomitar. Y que nadie me venga con el detalle del amigo de la pizzería, porque ese personaje secundario no sólo está metido a calzador, sino que lo aprovechan mal.

En el reparto encontramos las únicas cosas salvables de esta lamentable película, aunque tampoco es como para ponerse a dar saltos de alegría. Los dos chavales, Eduardo Garé (que todo el rato me recordó a mi compañero Juan Luis) y Eduardo Espinilla, molestan menos de lo esperado. Elvira Mínguez está demasiado seria. Paz Padilla realiza un interesante cambio de registro donde sorprende verla en un papel nada humorístico. Lluís Homar da la sensación de que en cualquier momento la va a montar. Y Antonio de la Torre me decepcionó, porque está increíblemente desaprovechado, tal vez porque pararse en su personaje requería más tiempo, y esto es algo que el film no puede permitirse. Sin embargo, por culpa de eso, éste nunca termina de presentar bien sus cartas. A medio camino entre las historias de los hijos y los padres, la película termina perdiéndose.

José Corbacho, que ahora se dedica a payasear en la ultraaburrida ceremonia de los Goya, y Juan Cruz no han tenido el valor suficiente para tratar con dignidad el tema expuesto en su film, quedándose simplemente en la superficie. Y respecto a la historia, ésta se queda en agua de borrajas, al estar llena de trampas absurdas y ser más simple que un botijo. Ahora los padres llevarán a sus hijos a que el cine conciencie a esas pequeñas mentes mal pensantes y pervertidas (producto siempre de una mala educación, algo sólo sugerido en el film muy de pasada) sobre un tema de triste actualidad. Flaco favor les van a hacer. Mala de solemnidad.

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• ‘Cobardes’, un tema de actualidad tratado con demasiada distancia

Ciertamente, corroboras la buena acogida, puesto que resulta una de las mejores películas, verdaderamente independiente, de la última hornada y que esa nominación al Oscar al mejor guión original tuvo que recaer en la debutante Nancy Oliver en detrimento de la popular Diablo Cody, por su ‘Juno’. Además, también se certifica que su actor protagonista Ryan Gosling, es uno de los más impresionantes talentos del nuevo cine americano. Donde cambia radicalmente la percepción es en la apreciación superficial de una historia excéntrica con personaje raro o “pirado”.

La película nos cuenta una historia, a todas luces, atípica, con una base irreal, pero que acaba rezumando un enorme realismo. Conocemos a Lars, que vive en el garaje de la casa habitada por su hermano y su cuñada, y resulta un joven asocial, introspectivo, tímido, a la par que dulce, amable y entrañable. De pronto, ante la preocupación de los suyos por su excesivo aislamiento autoinflingido, aparece con Bianca, la que dice es la chica de sus sueños. Pero en realidad, se trata de una muñeca de plástico que ha comprado por internet. Lars la trata como si de una persona real se tratase y obliga a todo su entorno, tanto su familia cercana, como al resto de vecinos del pequeño y nevado pueblo, a seguirle la corriente. Este delirio es diagnosticado por la doctora con cierta normalidad, alentando a su hermano y cuñada embarazada (una espléndida Emily Mortimer) a esforzarse por comprenderle, siguiendo la fantasía de Lars, como único tratamiento posible para su sanación mental.

El espléndido planteamiento del argumento nos introduce de lleno en el delirio del protagonista, y depara situaciones hilarantes y llenas de excelentes diálogos. Brillando sobremanera tanto el propio Gosling como el resto del elenco. Pero esos toques cómicos quedan en segundo plano para evidenciar una historia mucho más profunda, con pinceladas dramáticas y que nos transmite un cúmulo de sensaciones. Resultando una alegoría sobre la soledad, las relaciones, la relatividad de lo verdadero, el egoísmo y el amor. Toda una fábula con moraleja, llena de esperanza y optimismo y que nos habla de personas buenas, comprensivas y generosas (que por momentos recuerdan a los personajes de Frank Capra).

Y es que la película, a pesar de girar alrededor de Lars, se puede considerar casi una cinta coral, en la que todos los personajes secundarios, tanto el hermano, su cuñada embarazada y la doctora, como el resto de miembros de la comunidad son personajes entrañables y a la par disfuncionales, pero están espléndidamente interpretados y aportan la necesaria ración de realismo al relato.

Otro de los grandes aciertos del guión de la debutante Nancy Oliver (prestigiosa guionista de la serie ‘A dos metros bajo tierra’) es no incluir a ningún antagonista. No hay malo de la historia, aunque al principio parece apuntar el hermano de Lars (un correctísimo Paul Schneider), pero acaba redimido y resignado, ante el verdadero sentimiento de su hermano “pirado”. Esta rica galería de personajes, con sus imperfecciones, pero llenos de buen corazón es del todo acertado y brillante. Todos y cada uno aportan su especial forma de integración de Bianca, esa muñeca que acaba convirtiéndose en un miembro más de la comunidad, con su “vida propia”.

La dirección de Craig Gillespie brilla por su limpieza y elegancia, sin incorporar giros o piruetas, mostrándonos de la forma menos obvia a esa muñeca hinchable, y dejando todo el peso sobre sus personajes. Buena dirección actoral, con brillantes diálogos que deparan algunos momentos de excelente cine (las visitas a la doctora y la presentación de Bianca), y con un brillante Ryan Gosling, que viene a demostrar que sus anteriores trabajos no eran fruto de la casualidad (excepcional en ‘Fracture’ y en ‘Half Nelson’) y que se trata de uno de los grandes actores jóvenes de la actualidad. Capaz de transmitir profundos sentimientos con sus miradas, sus tics y sus gestos, resulta memorable en algunas escenas con Bianca, a la que otorga vida gracias a su intensa interpretación.

Otra crítica en Blog de Cine | ‘Lars y una chica de verdad’, qué pedazo de freak

El 30 de abril se estrena ‘Iron Man’, la adaptación del cómic que tanto tiempo se lleva esperando. Jon Favreau dirige, mientras Robert Downey Jr., Jeff Bridges, Terrence Howard y Gwyneth Paltrow protagonizan.

Cuando Iron Man fue creado por Stan Lee en los años ‘60, se trataba de un héroe anticomunista de una pieza –bueno, de muchas piezas, en realidad—. Pero el propio Lee se arrepentía del enfoque inicial de la serie y éste se fue corrigiendo con el paso de los años hasta crear la figura de un antiheroíco Tony Stark aquejado de graves problemas con el alcoholismo. ‘Iron Man’, la película, es un nuevo e interesante capítulo en esa particular rehabilitación ideológica de Tony Stark.

Robert Downey Jr. es una perfecta opción para interpretar a Tony Stark. Tal vez porque él mismo, en su vida plagada de excesos, es Tony Stark. El caso es que, mientras ejerce de playboy sin conciencia que se dedica a acostarse con izquierdistas militantes para enseñarles lo buena que es la defensa “que no se tiene que usar más que una vez” la película es una apoteosis del cinismo que no tiene desperdicio, con mansión de Malibú y coches deportivos – tuneados, por supuesto – incluidos. El arranque es toda una fiesta, pues en él, tanto el tono como la realización son brillantes y ágiles, con diálogos realmente conseguidos.

Pero en seguida nos damos cuenta de que el films se está eternizando para comenzar. Se quejaba mucha gente de ‘Superman Returns’ porque sólo tenía tres escenas de acción. Pues ésta no tiene ni eso. Cuando, pasada una hora, Tony Stark regresa a América tras la experiencia que ha cambiado su vida en Afganistán, la película aún no empieza: lo que arranca entonces es la fabricación del verdadero traje, que no está listo hasta más allá de la hora y cuarto de película.

Por ello, es demasiado evidente que esto no es una película, sino la preparación de una posible franquicia. Y podría ser más o menos lógico cuando el material del que parte son los cómic-books que conforman una serie de muchos números. Cada uno de ellos normalmente tiene su arco argumental propio y su aportación – o, a veces, ni eso – a un arco argumental mayor. Si la adaptación se hace tan fiel a esta estructura y se intenta contar lo mismo que los cómics originales, nos encontramos ante un primer acto eterno en el que hay que explicarlo absolutamente todo del personaje y en el que se presentan muchos elementos que no van a jugar todavía. Uno de ellos es el personaje de Terrence Howard: un pringao que se nota mucho que, como otras cosas, está esperando a alguna de las secuelas para tener su momento. Quizá esta eterna presentación sirva a los fans del cómic original, pero para un público más general puede hacerse un tanto cuesta arriba.

El film tiene numerosos guiños para fans: el cameo de Stan Lee, que es confundido con Hugh Hefner, se puede definir con una palabra: “Excelsior!” Y ese colofón musical tan adecuado con el ‘Iron Man’ de Black Sabbath. El traje conserva los colores tan españoles aunque haya habido una época en la que se trataba de desaturar a los superhéroes. Pero hoy en día, con la cultura del tuning, se vuelven a llevar las brillanteces. De hecho, el propio Stark se basa en un coche que él ha tuneado para dar el visto bueno a su armadura.

Lo que peor resulta de ‘Iron Man’ es el personaje de la talavereña de adopción, Gwyneth Paltrow: Pepper Potts, que sólo es bueno en su presentación. El resto del tiempo es tan ñoña que Stark tiene conversaciones más interesantes con su ordenador que con ella. Más aún: esta máquina tiene mucha mayor iniciativa que la mujer, que sólo es capaz de hacer algo si Stark se lo explica de cabo a rabo. Por si fuera poco, ella encarna la posibilidad de reconversión del Don Juan, pero sin que la parte romántica funcione en absoluto.

No es que me apetezca hablar de política, pero los propios responsables de la película llaman la atención sobre que hoy en día, en la época de ‘Bowling for Columbine’ o ‘Fahrenheit 911’, resulta prácticamente imposible contar la historia de un fabricante de armas sin tener en cuenta todas las implicaciones morales y políticas que ello supone. Ni siquiera los propios norteamericanos están dispuestos a ser tan poco críticos a golpe de patriotismo. Cámbiese Vietnam por el actual caos y desastre en el que vive el Afganistán post-invasión y tendremos, sin duda, la película de superhéroes más “concienciada” jamás rodada. Como muestra, el vídeo (en inglés) de Terrence Howard del final de esta crítica.

Pero darle la vuelta al mensaje no era tan fácil y todo queda un tanto contradictorio. Hasta en los diálogos se incluye un comentario sobre la ironía –no sé si además buscan el juego de palabras— que supone que la armadura de Iron Man sea “el arma definitiva”. Tanto que al final la conclusión es un poco peliaguda: sí que está bien construir armas siempre que quien las use sea una persona ilustrada al servicio de los intereses del bondadoso ejército americano (o SHIELD, pero esa ya es otra historia para la segunda parte).

En definitiva, hay historias a las que el tiempo maltrata e historias que, con los años, cobran un valor superior al que tenían al nacer. O, simplemente, un valor distinto. ‘Iron Man’ pertenece a este último grupo. La película es un tanto un delirante discurso político pretendidamente antibélico, como toda una exhibición de un Robert Downey Jr. en estado de gracia, como una historia que nunca llega a empezar, como un documental de dos horas sobre tuning como… En realidad, como la preparación para una saga que promete ser muy interesante.

Más información en Blogdecine sobre ‘Iron Man’, Robert Downey Jr.

Mañana se estrena ‘Mi novio es un ladrón’ (‘My Mom´s New Boyfriend’), dirigida por George Gallo e interpretada por Antonio Banderas, Meg Ryan, Selma Blair y Colin Hanks.

El trabajo de Henry en el FBI le obliga a pasar tres años fuera de casa sin dar señales de vida a su madre, Martha, una mujer que se ha abandonado a la desidia y cuyo único consuelo es atiborrarse de comida. Cuando Henry vuelve, se encuentra a su madre irreconocible: se ha operado cada centímetro de su cuerpo y ha perdido más kilos de los que le quedan. Además, es otra mujer interiormente: ahora se hace llamar Marty, disfruta de la vida y sale con hombres… ¿o habría que decir chicos? Esto, en lugar de satisfacer a Henry por ver a su madre más contenta, le saca una vena represora que le hace censurar cada decisión de Marty. El sentimiento de Henry se agravará cuando le encarguen la misión de espiar a Tommy, el nuevo novio de la madre (de ahí el título original), de quien se sospecha que sea un importante ladrón de arte. Para su disgusto, tendrá que escuchar, junto a sus compañeros, cómo Marty y Tommy hacen el amor.

Está claro que ‘Mi novio es un ladrón’ no es una película profunda, ni posee una gran calidad, pero es bueno mantener la capacidad de ir al cine a pasar un buen rato y divertirse sin más. Y en ese sentido, este film consigue su propósito sin el más mínimo problema. Por algo su director, George Gallo, es guionista de ‘Huida a medianoche’, de Martin Brest, una divertidísima comedia policíaca en la que Robert De Niro tenía que escoltar a Charles Grodin hasta el otro extremo de EE. UU.

Lo mejor de la película es la transformación de Marty y todo lo que se refiere a este personaje que, como ya habréis adivinado, interpreta Meg Ryan. Su forma de ser transmite una gran alegría de vivir y mucho optimismo. Ella toma la decisión de disfrutar de la vida y todo lo que dice al respecto se contagia. Este personaje funciona muy bien en contraposición al de su hijo, Colin Hanks. Su visión tan conservadora sobre la actitud de su madre en seguida nos posiciona en su contra y todo lo que ocurre que a él le molesta, desde la butaca lo disfrutamos el doble por causarle a él ese rechazo.

Ryan está muy bien en su papel y Hanks, el hijo de Tom, hace una gran interpretación, pues es el personaje que más dilemas tiene, más estados de áni