‘Un lugar donde quedarse’ es el título con el que han decidido estrenar en España la última película del siempre interesante Sam Mendes, uno de los directores más prestigiosos y respetados del planeta, tras haber filmado obras del calibre de ‘American Beauty’ (su debut, premiado con cinco Oscars) o ‘Camino a la perdición’ (una de las mejores películas de cine negro de las últimas décadas). En su nuevo trabajo, el inglés vuelve a retratar la vida de una joven pareja, si bien con un tono muy diferente al de su anterior largometraje, la devastadora ‘Revolutionary Road’ (estrenada a principios de año en nuestro país).

De este modo, aunque sería discutible si en realidad no tienen más problemas, el drama de Burt y Verona, los protagonistas de ‘Un lugar donde quedarse’ (‘Away We Go’, 2009), está narrado de forma más alegre, con más humor, sin que por ello el cineasta abandone nunca su mirada crítica sobre la sociedad, sus reglas, y sus integrantes. A diferencia de lo que ocurría con los Wheeler (el matrimonio interpretado por Leonardo DiCaprio y Kate Winslet en ‘Revolutionary Road’), en el túnel que deben recorrer Burt y Verona hay luz, hay esperanza. Por más que el mundo sea un lugar desagradable lleno de problemas y personas egoístas, ellos no olvidan que se aman, y que los dos quieren lo mismo: criar a su futuro hijo de la mejor forma posible.

Pero claro, también es otra época. Y Mendes lo retrata muy bien. Los Wheeler vivían en los 50 y la sociedad de ese momento aspiraba a otras cosas; a una gran casa en un buen barrio, a formar una familia numerosa, a tener un buen coche y unos altos ingresos para toda la vida, a que él trabaje y ella se quede en casa, cuidando el hogar, etc. Cuando los Wheeler logran esto, se dan cuenta que no es lo que querían de verdad, y cuando quieren escapar ya es demasiado tarde. Burt y Verona, que para empezar no están casados (ella se opone, por una perfecta razón), no tienen casa propia, no tienen sueldos altos ni un trabajo seguro, y el embarazo les llega, claro, de improviso, sin haberlo planificado. La vida de la joven pareja actual es inestable, una completa ruina, en comparación con la de hace décadas, pero no está unida por lazos superficiales, está más allá de las apariencias y las formalidades.

La cuestión es que, además de que la década de los cincuenta es más atractiva que la actual, la bondad y los buenos sentimientos no queda tan bien en la pantalla. O al menos, a Mendes no se le da tan bien mostrarlos. Que Burt y Verona se amen durante toda la película y no tengan grandes conflictos por delante arruina un poco la película. ‘Revolutionary Road’, más triste, amarga y trágica, se disfrutaba muchísimo más, emocionaba y alteraba en cada secuencia. ‘Un lugar donde quedarse’ entretiene, se ve con una sonrisa y hace reflexionar, pero no hay nada en ella realmente poderoso, algo que la haga especial y que justifique tanto su realización como su visionado.

Claro que John Krasinski y Maya Rudolph tampoco son DiCaprio y Winslet. No lo hacen mal, ni mucho menos, interpretan estupendamente sus respectivos papeles, pero no son actores de un talento desbordante, como sí lo son los otros dos. De todas formas, el primer problema es que el guión escrito por Dave Eggers y Vendela Vida es muy blando, muy esquemático, e incapaz de abordar con profundidad las diferentes situaciones que plantea. Las parejas que vamos conociendo durante el viaje de los protagonistas en busca de ese lugar donde quedarse (donde criar a su primer bebé), están compuestas por personajes artificiales y exagerados, no por personas reales con conflictos de verdad, que posibiliten una verdadera reflexión sobre los temas del film (la vida en pareja, la madurez, la paternidad, los sueños rotos, la vejez).

No digo que nosotros no estemos rodeados de personas tan extravagantes como los padres de Burt (Jeff Daniels y Catherine O’Hara) o esos locos que creen que las sillitas para niños son objetos demoníacos (Maggie Gyllenhaal y Josh Hamilton), pero cuando planteas la narración de una historia, especialmente en una película, debes pensar en una dirección, y en los acontecimientos que verdaderamente pueden ayudarte a contar esa historia, los personajes y las anécdotas que son realmente importantes. La inseguridad y la paternidad son grandes temas, pero hay que afilar bien el guión. Si no, te queda algo vago, descafeinado, sin un rumbo claro y unos protagonistas (ya sean principales o secundarios) sin chispa, poco interesantes. Mendes filma con su habitual talento y elegancia, pero lo que muestra la cámara no resulta tan fascinante como para quedarse mirando. Junto a ‘Jarhead’, ésta es su película más vaga e intrascendente.

“¿Quieres ser el responsable de la completa extinción de la raza humana? ¿Podrás llevar esa carga?”

Carl Anheuser (Oliver Platt), lo creáis o no, esperando una respuesta.

Ayer vi una de las peores películas de los últimos años. Estábamos advertidos, dice el cartel, y es cierto. Sabía que no me iba a entusiasmar, desde luego, pero cuando me senté en la butaca, con mi refresco y mis palomitas, dispuesto a intentar pasar un buen rato viendo lo nuevo de Roland Emmerich, una superproducción de 200 millones de dólares y más de dos horas y media de duración, no me imaginaba que la película iba a ser tan estúpida, que iba a estar tan mal escrita, dirigida e interpretada. No me esperaba algo tan vergonzoso, más que un espectáculo es un despropósito increíble.

Y ahora viene la pregunta del millón. La que muchos estáis pensando ahora mismo. Si es tan mala, ¿por qué ha arrasado en taquilla? Bueno, es tan simple como que ha seguido una fórmula que funciona. Por muy mal que lo hagas, si gastas una cantidad obscena de dinero en efectos especiales, actores conocidos, publicidad, y tu película ocupa dos salas de los multicines de cada ciudad, prácticamente tienes asegurado el éxito en taquilla. Al menos el primer fin de semana. Por eso es tan importante que se estrene en todas partes al mismo tiempo, haciendo el máximo ruido posible, para que todos caigan en la trampa. No suele fallar, pero una semana después, una vez que la gente habla, el castillo de arena se va descomponiendo. Vamos a ello.

La verdad es que intentar relatar lo que ocurre en ‘2012’ sin tomártelo a cachondeo (véase el tronchante artículo de Rafa Martín en Las Horas Perdidas), es una tarea que se me antoja prácticamente imposible. Sencillamente, no puedo concebir que dos personas, adultas y profesionales del cine, como son Roland Emmerich y Harald Kloser, hayan escrito un guión tan demencial, con la intención de llevarlo a la pantalla convertido en una gran superproducción. Y que después de las carcajadas de los productores a los que se les propuso la idea, no les partieran la cara, por insultar al cine, al negocio del cine y, de forma más o menos directa, al público que potencialmente iría a ver la cosa cuando se estrenara.

Pero vamos a intentarlo. La película comienza mostrándonos cómo se produce el alineamiento planetario y el crecimiento de la actividad solar que, según el guión, ya adelantaron los mayas hace siglos, lo que provocaría que el 21 de diciembre de 2012 se produciría el fin del mundo. Pero ahora estamos en 2009, así que todavía tenemos algo de tiempo. Un científico de la Casa Blanca (Chiwetel Ejiofor) descubre, gracias a un colega que trabaja en una mina en la India, que el Sol está calentando el núcleo terrestre a una velocidad alarmante. La raza humana está condenada. El científico habla con su superior (Oliver Platt) y éste le pone en contacto con el Presidente (Danny Glover, que interpreta en realidad al Presidente de todos los seres humanos). Por el momento, nadie quiere que se sepa la verdad, mientras preparan un plan, y si alguien lo descubre, da igual quien sea, se le elimina por el bien de todos (Emmerich da a entender que por eso murió Lady Di).

Pasamos ya al año clave. Emmerich ha visto el remake de ‘La guerra de los mundos’ que hizo Spielberg hace unos años y le gustó mucho el rollo familiar. De este modo, tenemos a John Cusack como el padre desastroso con dos hijos (uno de los cuales no le soporta, porque así debe ser) que es incapaz de hacer nada bien, hasta que llega la hora de convertirse en el héroe de película y, mientras da lecciones de humanidad y moralidad, salvar a todos de los constantes peligros que van sucediéndose allá por donde pasan, cada vez más escandalosos y ridículos. Tenemos una imposible huida en limusina por las calles de Los Angeles, una vez que Cusack ha convencido a todos de que el mundo se hunde (por cierto, un imitador de Schwarzenegger muere en directo), o una serie de aún más inverosímiles trayectos en avión, donde un cirujano ejerce de experto piloto. Una de las cimas es la ya típica secuencia en la que todos van a morir, a menos que alguien se embarque en una misión suicida y dé su vida por los demás, entre lágrimillas y palmaditas en la espalda (no os cuento cómo acaba, por si acaso).

A lo largo de las más de dos horas y media, Super-Cusack, que está en plena forma y no necesita ni beber agua (de hecho, la respira), se va cruzando con todo tipo de personajes que de alguna forma le conocen y/o le ayudan, hasta que puede llevar a sus dos hijos y a su mujer hasta el sitio donde los gobiernos de todo el mundo han escondido unas arcas capaces de soportar todos los desastres naturales ideados por los guionistas, incluyendo también el ataque del Air Force One, que de tanta chorrada que ha pasado a su alrededor, se le han cruzado los cables y se ha vuelto malvado (bueno, más o menos). Al final… bah, ¿acaso no sabéis cómo acaba? No, si esperas un gran desenlace desolador y pesimista, no lo vas a tener, créeme, me llevé un chasco hasta en eso.

Sé que esto da mucha pasta, pero aun así me sigue sorprendiendo que tantos actores con cierto prestigio se hayan metido en esta pesca, que hayan aceptado trabajar para Emmerich en su nuevo atentado al cine. Especialmente, me sorprende lo de las actrices, que Thandie Newton y Amanda Peet interpreten a esos personajes huecos y segundones, sin ninguna importancia, y siempre a la sombra de los hombres, es increíble. Ojo a las memorables frases en torno a los pechos de Peet, y fijaos en quiénes toman siempre las decisiones relevantes; ninguna mujer. Pero bueno, la cantidad de escenas y diálogos que alcanzan la categoría de vergüenza ajena es tan elevada, que puede suponer un gran divertimento repasarlas a la salida del cine, si es que uno aún conserva el buen humor tras el maltrato recibido por sus retinas, y la más que probable destrucción de millones de neuronas durante el visionado.

Dicho todo esto, entiendo que hay un público para ‘2012’. Sin ir más lejos, a mi compañera Beatriz le pareció muy entretenida. Pero yo no le veo la gracia a esto. Para mí un buen espectáculo debe, para empezar, ser creíble, verosímil, también contar con buenas interpretaciones y, fundamentalmente, no tomarme por idiota. En realidad, creo que es por este tipo de productos por lo que se muere el cine, no por la piratería o la falta de talento de las nuevas generaciones. Estas mastodónticas superproducciones, que consumen tanto dinero, y que lo único que dan a cambio son interminables secuencias imposibles repletas de efectos especiales, hacen daño. Dominan el mercado y amenazan con ocuparlo por completo. Por mi parte, a menos que Emmerich se dedique a otras historias, es la última suya que veo. Ni un euro más. Demos oportunidades a otros, nos piden mucho menos y nos dan mucho más.

PD: En Sitges pude ver una comedia dramática con catástrofe que deja a ‘2012’ en pañales. Se titula ‘Haeundae’. El “problema” es que es coreana y probablemente no se estrene en España antes del año… 2012.

‘Tenderness: La ternura del asesino’ (Tenderness’) se está vendiendo como un thriller, pero se trata en realidad de un drama sobre la psicología de las mentes enfermas y sobre una dependencia tan fuerte que va en contra de los instintos de supervivencia. Es un film contemplativo y sumamente pausado, donde el principal aliciente es el retrato psicológico de una joven desquiciada y los secundarios son una bella banda sonora y la atmósfera que se crea, en parte, gracias a ella.

Esta película, de John Polson, se estrenará este viernes, 20 de noviembre. Cuenta con Russell Crowe en un papel casi anecdótico y con Laura Dern en una colaboración. Está verdaderamente protagonizada por Jon Foster, Sophie Traub.

La indefinición en el tono que ha permitido que los encargados del márketing de la película la publiciten como lo que no es, por mucho que en este sentido sirva para lanzar ganchos a los espectadores potenciales, se percibe como una de las flaquezas de ‘Tenderness: La ternura del asesino’. Se introducen en la trama ingredientes policíacos, como, por ejemplo, el personaje de Crowe, que no forman parte de la historia y que, por ello, hacen que el auténtico foco de atención pierda fuerza dramática.

Es interesante que no sea al asesino a quien analiza la película psicológicamente, sino a un personaje que todos esperaríamos que tuviese una mente más saludable, pero que en realidad sufre mayores trastornos. Sin embargo, a medida que la trama se va complicando, el retrato psicológico de la chica, que era lo mejor o casi lo único bueno del film, se va desdibujando. Los autores asocian su psicopatía con un comportamiento errático en lugar de buscarle acciones congruentes con su problema. Así llegamos aun final precipitado y absurdo, lo mires por donde lo mires.

La elección de la actriz protagonista para el papel es perfecta y la interpretación de Sophie Traub de esta perturbada es impecable. El joven asesino, Jon Foster, está algo menos convincente, aunque correcto. Crowe, por muy gran actor que sea en otras producciones, aquí no puede aportar nada, no sólo porque su papel sea escaso, sino porque está dibujado con tremenda torpeza, ya que se comporta de manera obsesiva sin que se nos haya hecho comprender por qué, además de tener, en ocasiones, reacciones casi infantiles ante burdas provocaciones de los adolescentes.

La información que el film se guarda y que se recuperará a modo de flashbacks es previsible, lo cual no es un problema porque el dato carezca de la capacidad de sorprender —ya que la sorpresa es un efecto barato dentro del cine—, sino porque gran parte de la narración se orquesta alrededor de la revelación de un hecho que ya conocemos, así que todas esas escenas en las que se nos va aportando cada vez más, de forma tan paulatina, se nos podrían ahorrar.

Existe algún otro sinsentido en la película, como la imposible visión telescópica nocturna de la chica desde la montaña rusa, que entra en de ese grupo de defectos menores de un film que, normalmente pasas por alto, si el conjunto te ha agradado. Pero cuando está dentro de un continuo de absurdos e incongruencias, acaba por parecer un insulto a la inteligencia del espectador.

‘Tenderness: La ternura del asesino’, con todo ello, demuestra ser una cinta cargada de intentos y probablemente de buen material —habría que leer el libro de Robert Cormier para confirmarlo—, pero fallida casi por completo en todas sus buenas intenciones. Se hace pesada y, según se acerca a su final, se convierte en molesta por sus continuos sinsentidos. No hay que tener en cuenta únicamente que no se trata del thriller que nos han hecho creer, sino también que ni siquiera como retrato psicológico está lograda.

Mi puntuación:

La cartelera española tiene dos dueños claros desde el pasado fin de semana, la navidad en 3D de Robert Zemeckis y el nuevo apocalipsis de Roland Emmerich (que se ha llevado el gato al agua, como cabía esperar). Junto a estos dos carísimos productos, fabricados para arrasar, nos llegaron también otros con diferentes pretensiones, realizados con mucho menos presupuesto, y destinados más bien a un público no tan interesado por las películas de moda; o quizá no tan dispuestos a ocupar las últimas butacas vacías en una sala abarrotada. Uno de esos títulos al margen de Hollywood es ‘50 hombres muertos’, inspirada en el libro de Nicholas Davies y Martin McGartland, protagonista real de los hechos.

‘50 hombres muertos’ (‘Fifty Dead Men Walking’, 2008) nos traslada a Belfast a finales de los 80, y se centra en la arriesgada labor de Martin McGartland como agente infiltrado en el IRA, gracias a lo cual se salvaron las cincuenta vidas a las que se refiere el llamativo título. Me encantaría deciros que ésta es una de esas películas que hay que rescatar de una cartelera poco atractiva, uno de esos títulos que merecen la pena y que aconsejo ir a ver, que es una joya mal vendida, emocionante y cautivadora. Pero no. Es una película fallida, mal construida, donde nunca llegas a sentirte implicado por lo que ocurre. Es como una de Hollywood, pero sin espectáculo.

Sé que, en cierto modo, es terrible decir esto. La película se basa en hechos reales y tenemos la historia de un tipo que arriesgó su vida para salvar las de otros. Quiero decir, de verdad, hubo alguien que hizo esto. Y aquí estoy yo diciendo que os olvidéis de la película que cuenta eso. Pero es lo de siempre; todo lo que hay detrás de la obra es totalmente secundario, irrelevante e inútil, si un director es incapaz de transmitir emoción con su trabajo. Porque estás viendo una película, en una pantalla, en un cine, habiendo pagado una entrada, no estás delante de un tipo que ha vivido todo eso y te lo está contando. Así que da igual que la historia se centre en un hombre que dio su vida por los demás o en un extraterrestre enano que tiene un acento raro y quiere volver a su planeta; lo importante es que sea creíble, y que el espectador se implique. Aquí no ocurre. Y la principal culpable es la directora y autora del guión, la canadiense Kari Skogland.

Ya desde el inicio empiezan los problemas. La película arranca con una secuencia en la que nos muestran a Martin siendo tiroteado por un matón del IRA, años después de la acción principal que nos van a narrar. Esto es, nos cuentan el final. Nada más empezar, nos dicen, primero, que el chico se infiltró en el grupo terrorista, y segundo, que no lo descubrieron hasta que ya fue tarde, pudiéndose escapar; finalmente, lo encuentran en un alejado refugio y le disparan cuatro balazos en el pecho (si muere o no, ya eso no lo cuento aquí). ¿Qué sentido tiene, si ya nos enseñaron todo esto, que luego se tomen tanto tiempo en mostrarnos cómo Martin acepta trabajar para los británicos, y cómo entra en el IRA? Como si no supiéramos que lo consigue. ¿Y cómo podemos sentirnos atemorizados por lo que pueda pasarle estando infiltrado, si ya sabemos que se salva, que no lo pillan? A mí me parece un error garrafal esta estructura, con lo fácil que habría sido contar la acción de forma lineal.

No he leído el libro de ‘Fifty Dead Men Walking’, así que no sé hasta qué punto se ha transformado la historia real narrada por Martin, para adaptarla a la gran pantalla; pero huele un poco mal. La forma en la que se lavan las manos en los créditos parece dar a entender (igual me equivoco, si alguien sabe algo más que lo diga) que la película se ha hecho sin contar con el principal implicado, y que es más una historia de ficción que una simulación de lo que ocurrió realmente (con las pequeñas licencias que todos entendemos como necesarias para hacer el relato más interesante, evidentemente). Lo digo porque esa es la impresión que da al verla, que han tomado lo superficial para decir que es una historia inspirada en la realidad, pero luego han hecho lo que les ha dado la gana, o lo que han podido. En cualquier caso, queda una película torpe, incapaz de reflejar el verdadero drama que debió vivir el protagonista, prácticamente solo en medio de un infierno.

Por cierto, fue el propio Jim Sturgess quien me recomendó verla. El joven actor, a quien tuve la oportunidad de entrevistar en Sitges con motivo de la arriesgada ‘Heartless’, y con quien pude charlar unos minutos “off the record”, me habló un poco de su trabajo como Martin McGartland, interpretación que al parecer ha gustado mucho y que le ha abierto algunas puertas; entre ellas, la que da al despacho del señor Peter Weir, que se fijó en él para su nueva película (‘The Way Back’). Pero, por más que Sturgess sea un tipo encantador (de esta gente que te cae bien al instante) y que es evidente que intenta componer un personaje, hacer creíble a este chico que se juego el cuello infiltrándose en el IRA, su trabajo queda desdibujado por la escasa visión de Skogland, que no sabe aprovechar lo que tiene entre manos, no logrando nunca que la acción y el drama traspasen la pantalla. Este material, con alguien hábil tras las cámaras, habría dado mucho más.

En cualquier caso, gracias a que Sturgess lo intenta, y a alguna escena aislada junto a Ben Kingsley (actor al que ya parece que le importa todo un pimiento), que interpreta a su contacto con el gobierno, la película no se hunde por completo, salvándose por poco de resultar el aburrido telefilme de descafeinada denuncia que a ratos llega a ser. Fallan también Natalie Press, como la novia de Martin, y Kevin Zegers, como el mejor amigo del protagonista, incapaces de dar vida a sus personajes, mientras que la participación de Rose McGowan es poco más que anecdótica (es rarísimo que, siendo famosa, la cámara apenas la enfoca). En conclusión, sólo recomiendo ‘50 hombres muertos’ a los fanáticos de la historia irlandesa, a los que quieran seguir la incipiente carrera de Sturgess, y a los que les valga cualquier cosa que no sea hollywoodiense; tampoco mata del aburrimiento, vamos.

“¡Y que Dios nos bendiga a todos!”

Tiny Tim

Mañana viernes se estrena en España la nueva película de Robert Zemeckis, ‘Cuento de navidad’ (‘Disney´s A Christmas Carol’), el siguiente paso del realizador en la animación 3D y la técnica de la captura del movimiento, tras ‘Polar Express’ y ‘Beowulf’. A través de su empresa, ImageMovers, Zemeckis, que está convencido que la tecnología que está contribuyendo a desarrollar va a transformar el cine y hacerlo evolucionar, firmó un acuerdo con Disney cuyo primer fruto ha sido esta nueva versión del clásico cuento de Charles Dickens, la primera película de la empresa de Mickey Mouse que se estrena en salas IMAX 3D. Ya os conté que pude verla la semana pasada, en el estreno mundial que Disney preparó en Londres.

La historia de Dickens, como sabéis de sobra, gira en torno al viejo, gruñón y mezquino Ebenezer Scrooge (Jim Carrey), a quien en una nochebuena le visitan tres fantasmas, que harán que se replantee su vida y su actitud con los demás. Es el 24 de diciembre en el Londres de la era victoriana, y cuando todos se alegran por la llegada de la navidad, Scrooge es el único que vive amargado. Es una isla de egoísmo, cinismo y tristeza. Pero esa misma noche, en su casa, se le aparece el atormentado espíritu de su viejo socio, quien le anuncia que durante las próximas horas será visitado por los fantasmas del pasado, el presente y el futuro.

El ‘Cuento de navidad’ de Robert Zemeckis empieza con el libro de Dickens. Es su forma de decirnos que ha intentado ser lo más fiel posible con el original. El libro se abre (leemos “Marley estaba muerto”) y la primera página cobra vida. La ilustración del cadáver de Marley pasa del 2D al 3D. Ya estamos en el terreno de Zemeckis. Oímos la trabajada voz de Jim Carrey como Scrooge y seguidamente le vemos en una escena muy oscura, rodeado por otros dos personajes, a los que asombra con su avaricia; paga dos monedas para el entierro pero luego se lleva las dos que tapaban, de forma ceremoniosa, los ojos del muerto.

También asombra, al menos a un servidor, el realismo logrado en la animación por la compañía de Zemeckis. Los personajes parecen reales y el sus movimientos en el entorno digital impresionan. Pero algo falla ya desde el principio. Como pasaba en las dos anteriores películas del director, uno no ve personas ahí, por más que sean actores los que hayan prestado sus interpretaciones y sus voces a los personajes. Uno ve muñecos. Realistas y fantásticamente animados, pero muñecos, al fin y al cabo, que imitan personas. Lo que tiene de especial la historia de Dickens, la humanidad y la emoción, se pierde estando protagonizada por criaturas artificiales. Queda muy forzado y vacío, carente de sentido.

¿Qué le interesa a Zemeckis del cuento de Dickens? Nada más y nada menos que las posibilidades para el espectáculo, para el lucimiento de los efectos especiales y el trabajo de los animadores de su empresa. Y eso es la película. Un constante lucimiento de lo que ImageMovers es capaz de hacer, a día de hoy, creando “personas” en 3D a partir del trabajo de actores reales. No sé si Zemeckis cree de verdad que esto es lo que le interesa al público, pero dudo mucho que su intención sea otra que la de hacerse aún más millonario y popular, imaginándose a sí mismo como uno de los grandes creadores de la tecnología del cine del futuro (me temo que veremos muchas cosas así de aquí en adelante).

Quizá en unos años le visite el fantasma de Walt Disney o Frank Capra y le demuestre que estaba muy equivocado, que lo importante es la historia, que el público conecte con los personajes y lo que se cuenta en la pantalla, no meterlos en una montaña rusa de hora y media de persecuciones en tres dimensiones. De hecho, el atropellado viaje comienza justo tras la primera secuencia de presentación de Scrooge, en la funeraria. Zemeckis nos ofrece a continuación una exagerada (y seguro que muy costosa) panorámica por el Londres del siglo XIX, mostrándonos lo mucho que han trabajado sus empleados en crear una ciudad llena de vida, con gente por todas partes, paseando, corriendo, jugando o comprando en el mercado. Todos alegres y saltando como ranas.

Eso es algo que me chirrió bastante viendo ‘Cuento de navidad’. Porque nos venden la animación ultra-realista, que creamos que esos muñecos son personas, que estamos presenciando efectivamente su humana historia en una ciudad y un momento verdaderos… Pero los personajes no dejan de comportarse como dibujos animados. Corren, saltan y se golpean como si estuvieran hechos de goma, no de carne y hueso. Hay un momento, al principio, en el que Scrooge va a abrir la puerta de su casa y se asusta al ver la cara del fantasma de Marley; el suelo está helado, se resbala y da con la espalda contra los escalones de la entrada. ¿Le pasa algo? No. Enseguida se incorpora y aquí no ha pasado nada. No está mal para un anciano que usa bastón y apenas podía levantar el brazo para meter la llave unos segundos antes. Antes, su empleado, Bob (Gary Oldman), se había lanzado alegremente por una calle deslizándose como si fuera un patinador profesional, cayendo contra el duro asfalto sin ningún daño. Bueno, es que es navidad, ¿no?

Uno de los grandes atractivos de la película es, sin duda, contar con un reparto encabezado por Jim Carrey, Colin Firth, Robin Wright Penn, Cary Elwes y Bob Hoskins, entre otros. Bueno, en realidad, luego no es así, todo es un show protagonizado por Carrey, quien llega a dar vida hasta a ocho personajes diferentes (los tres fantasmas y Scrooge en cinco momentos diferentes de su vida), resultando que no pasa ni un minuto sin que veamos a alguno de ellos en pantalla; a veces hay hasta tres Carreys en la escena. Oldman y Firth tienen algo de presencia, pero lo del resto es muy secundario, sólo hay espacio para un actor. Pero lo peor es, repito, que la película fracasa cuando se supone que debemos emocionarnos, porque es imposible sentir empatía por estos muñecos.¡ Es todo tan falso! Zemeckis debería ver lo que se hace en los estudios Pixar o Ghibli, porque el hombre no se entera.

Por otro lado, hay algo de timo en esta nueva 3D estereoscópica. Al menos, en la usada en ‘Cuento de navidad’, que se supone que es lo más ahora mismo. Si os fijáis, en la mayoría de las escenas, lo que está en primer plano es un elemento verdaderamente irrelevante, puesto ahí para dar la sensación de profundidad, pero lo importante, lo que de verdad pasa, está al fondo, como en las películas corrientes. Esto es, que la película la hacen en 2D y en realidad da igual, sólo quitas los sustos para niños. Pero claro, no se vende igual. Ahora todo tiene que ser en 3D para luchar contra la piratería y convencer a la gente de que vaya al cine, a gastarse diez o más euros en el nuevo espectáculo de Hollywood. Pero esto va a durar poco, si lo que nos ofrecen es cosas como la de Zemeckis. La gente no es tan tonta, se va a cansar muy pronto de ver siempre lo mismo. James Cameron dice que el 3D de ahora se hace mal, que lo suyo es diferente, que ‘Avatar’ es otra cosa. Ojalá.

La taquilla norteamericana parece dar la razón al director que un día nos dejó maravillados (de verdad) con películas como ‘Regreso al futuro’ o ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’, pues ‘Cuento de navidad’ ha sido número uno el fin de semana de su estreno, pero las cifras son mucho más bajas de lo esperado. No tenía gran competencia para arrasar, y el presupuesto con el que contaron asciende a la friolera de 200 millones de dólares, sin contar con el dineral que habrá costado la intensa promoción; 34 millones en la primera semana no es para tirar cohetes, mirándolo con la perspectiva adecuada. Pero el acuerdo de Zemeckis con Disney todavía tiene años por delante, y el realizador parece tan contento en su burbuja que cuesta pensar que su próxima película será mejor. ‘Cuento de navidad’ es un paso más respecto a ‘Beowulf’ en cuanto a la tecnología, pero sigue careciendo de alma y emoción. Sigue faltando, en definitiva, verdadero cine.

Todo el mundo sabe que ‘2012’ va a ser espectacular, no descubro nada con decirlo. Incluso muchos se temerán que lo único que pueda aportar el film de Roland Emmerich sea su espectacularidad y quizá no se equivoquen. Pero es que, señoras y señores, esta película es muy espectacular. De todas las escenas de acción y catástrofes que he visto, ninguna supera ni iguala la del momento en el que un padre de familia conduce una limusina mientras las calles se derrumban a su paso y los edificios se le caen encima. Esa secuencia por sí sola vale el precio de la entrada —para quien disfrute con el cine de acción, claro—. Y no es la única de total espectacularidad.

En aspectos como los personajes, la verosimilitud o incluso la explotación de las emociones y las figuras familiares se le pueden sacar muchos defectos a ‘2012’, por supuesto, ¿pero es que acaso importa eso cuando lo que se quiere es ver un espectáculo inmenso?

John Cusack, Chiwetel Ejiofor, Amanda Peet, Oliver Platt, Thandie Newton, Danny Glover y Woody Harrelson protagonizan este film que se estrena el viernes, 13 de noviembre.

‘2012’ dura dos horas y media y no se hace pesada. Es cierto que la acción tarda en comenzar porque en los minutos iniciales se presentan varios frentes con mucha carga cada uno. Pero la amenaza se cierne desde el comienzo sobre las cabezas de todos los personajes, así que en ese arranque hay tensión, aunque no haya secuencias movidas. Además, el ritmo es rápido y el montaje no se recrea en las escenas haciéndolas durar más de lo necesario. Una vez ha comenzado la catástrofe, el desarrollo de la trama principal presenta muchos giros e ideas nuevas, los personajes van salvando unos obstáculos para enfrentarse a otros, por lo que concluimos que la extensa duración está justificada. Sí existen los interludios personales, pero están muy repartidos y son breves, así que no aburren.

En estos lapsos tendríamos dos tramas secundarias: la romántica, que me parece que está presentada con gran elegancia y de la que admiro que se consiga sólo con algunas pinceladas, y la familiar. Esta última ya es más cuestionable porque sí tiene toda la carga emocional exagerada y sentimentaloide que más tememos en películas como ésta. Y, especialmente, por esa noción tan típica en Spielberg de que, para que un hijo te vuelva a querer, tienes que ser un héroe. Pero no el héroe cotidiano que cualquier persona demuestra ser, sino alguien que sale de grietas ardiendo y salva la vida de toda la familia. Por supuesto, esto se aplica a los hombres, pues las mujeres en estas películas no son más que ceros a la izquierda o lastres con los que hay que cargar.

Supongo que la verosimilitud será algo que se cuestione en una película como ésta. Pero creo que no se ha roto de una manera tan bruta el pacto de ficción con el espectador como para que no se pueda ver la película. Se ha estirado un poco, cual goma elástica, para lograr llevar más allá las secuencias, pero nunca se ha saltado a la tolera. Todo es verosímil, pero exagerado. Más que las escenas de acción, podría salirse de lo creíble el hecho de que se den ciertas casualidades, como que los protagonistas se topen con determinada camioneta o se encuentren en el aeropuerto con unas personas en concreto —hasta ahí puedo leer—.

No tiene nada que ver con la verosimilitud —porque ésta no consiste en plantear elementos reales, sino en saber hacer encajar los inventados dentro de una ficción—, pero quizá merece la pena mencionar que es totalmente cierto que Yellowstone es el volcán más grande de la Tierra y que, por su ciclo, le tocaría entrar en erupción más o menos ahora. De ahí pueden surgir teorías de la conspiración, siempre muy divertidas para el cine y no tanto para la política verdadera, a las que demos mayor o menor crédito, pero el peligro inminente es real.

Falta de credibilidad, sentimentalismo empalagoso… sí, se le pueden sacar defectos a la película e interpretarla como una basura basándose en ellos. Pero creo que soy muy sincera cuando digo que se trata de nimiedades dentro de un conjunto muy conseguido y que logra su auténtico propósito con un resultado magnífico. Ni siquiera es uno de esos casos en los que hay que apagar el cerebro para entretenerse, pues en general, todo encaja sin mucho problema. Como mucho, hay que ser algo flexible y tener, efectivamente, ganas de divertirse. Con esta actitud, ‘2012’ puede suponer una experiencia de lo más emocionante.

Mi puntuación:

Como ya sabéis de otras ocasiones, la Disney tiene en cuenta a Blogdecine, y la semana pasada nos invitó a presenciar y comentar dos actos relacionados con dos de sus productos; primero, el estreno mundial de ‘Cuento de navidad’, lo nuevo de Robert Zemeckis, que estará en nuestros cines el próximo viernes, y segundo, la salida del Blu-ray y el DVD de ‘Up’ (cosa de la que no puedo hablar por el momento, si no quiero que me visite el escuadrón ninja de John Lasseter). Normalmente, esto va por turnos, pero por diferentes razones que no debo desvelar, me tocó a mí cubrir las dos actividades, de ahí mi ausencia desde el día uno de este mes hasta ayer. Quiero pensar que algún lector se dio cuenta.

Londres era el primer destino. El domingo 1 de noviembre subí a un avión con destino a la capital británica, para asistir a la premiere mundial de ‘Disney´s A Christmas Carol’, o como se titula aquí, ‘Cuento de navidad’. Como sabéis, se trata de una nueva versión del clásico de Charles Dickens realizada por Robert Zemeckis utilizando la más avanzada tecnología de la captura del movimiento, ofreciendo, en teoría, un gran espectáculo en 3D para todos los públicos. Jim Carrey, Colin Firth, Bob Hoskins, Gary Oldman y Robin Wright Penn prestan sus voces y sus actuaciones a los personajes animados que vemos en la película, en la línea de ‘Polar Express’ y ‘Beowulf’, los dos anteriores trabajos del director de ‘Regreso al futuro’ y ‘Forrest Gump’.

Tras un cómodo viaje de dos horas (y antes otro de una hora desde Murcia a Madrid), aterrizo en Londres en torno a las once de la noche. En el aeropuerto tengo la suerte de conocer a Gonzalo, de Antena 3, y Chusa, de Colpisa, fantásticos profesionales que me ayudaron desde el primer momento. Gracias a que sus respectivos medios les costean el transporte, me ahorro tener que abonar el dineral (55 libras) que iba a costarme el taxi, porque el viaje de Heathrow al hotel no estaba pagado por Disney (es una de esas cosas que uno no entiende de este tipo de organizaciones, pagar un vuelo en business pero no un transporte desde el aeropuerto).

Aproximadamente una hora después, entro en mi habitación del Royal Garden Hotel. Vale, está muy bien, pero, ¡qué poco espacio! Oye, se supone que es uno de los mejores hoteles de Londres, no me entiendas mal, yo con un hotelillo de dos o tres estrellas ya estoy más que contento, pero… En fin, al margen del espacio, la “room” es una pasada y aunque tardo un poco en dormir, me levanto descansado y con energía, el lunes 5. Por la ventana entra mucha luz y descubro que hace un Sol fantástico. ¿Sigo estando en noviembre y en Londres? Bajo a desayunar y conozco a Valeria, que trabaja para Yahoo, entre otras compañías. En una media hora me zampo una buena ración de tostadas, bollería, cafés y zumo, por si luego no nos daba tiempo para almorzar. Cosa que sucedería.

A las diez de la mañana tenemos previsto el pase de prensa de ‘Disney´s A Christmas Carol’ en el Empire Leicester Square, mismo sitio donde al día siguiente se proyectaría para el público. De nuevo, el transporte iba por nuestra cuenta, pero bastó un corto viajecillo en uno de esos autobuses rojos tan famosos (2 libras el ticket) para llegar. Resultó que el pase era a las diez y media, así que nos dio tiempo para dar una vuelta y respirar un poco la ciudad. Tras caminar un poco, me doy cuenta que soy el único que no lleva abrigo. Repito: el único individuo por las calles de Londres que no lleva abrigo. Vivir el invierno de Granada te prepara para cualquier cosa.

Diez y media. Empire Leicester Square. Las gafotas del 3D puestas. Un café cargadísimo recién ingerido aún moviéndose por mi tripa. Vale. ‘Cuento de navidad’. ¿Y qué tal? Bueno, os contaría ahora mismo qué tal la película, pero… mejor lo dejamos para una crítica, ¿de acuerdo? Mañana a más tardar la tenéis en portada, prometido.

Salimos del pase, noventa y cinco minutos después, y con bastante tiempo por delante hasta la rueda de prensa (en la que iban a estar Jim Carrey, Robert Zemeckis, Colin Firth, Bob Hoskins y Andrea Bocelli, que se encarga de una cancioncilla de la banda sonora), nos damos otro paseo por la ciudad. Pasamos por unas tiendas y hacemos alguna compra, nunca para nosotros (yo no puedo evitar adquirir una placa de un sitio llamado “The Cat Pub”, aunque no tengo ni idea de lo que es). Tras una buena caminata llegamos al Hotel Dorchester, donde tiene lugar el acto de presentación de ‘Cuento de navidad’ y las entrevistas.

Gracias a God, a la entrada del salón donde se produjo la rueda de prensa había unos pequeños sandwiches y chorradillas varias que entraron en el estómago con la misma facilidad con la que el Real Madrid es eliminado de la Copa del Rey. Al poco de sentarme, de nuevo activo, entraron, por este orden, Bob Hoskins, Jim Carrey, Robert Zemeckis y Colin Firth, más dos tipos que debían ser productores, porque a nadie les interesaba su presencia pero hablaban un montón, especialmente sobre lo maravilloso que era trabajar con Zemeckis. Carrey entró dando brincos y haciendo el payaso, con una barba que le haría irreconocible, si no fuera por sus inconfundibles ojos; se llevó toda la rueda de prensa bromeando, riéndose, y al final se dejó querer por los medios y los que estaban como locos por pedirle un autógrafo. Es un showman y se comporta como tal. Al menos, no engaña a nadie. Y es muy alto.

Desgraciadamente, no tuve oportunidad de entrevistarle en privado, cosa por la que, en principio, acepté hacer el viaje a Londres. Era el más solicitado, claro, y su agenda no tenía huecos salvo para los medios más importantes; ninguno de mis compañeros españoles logró tampoco poder hablar con él. Pero sí tuvimos unos minutillos para hacer unas preguntas a Zemeckis y Firth. Tres minutos cada uno, aproximadamente. Imaginaos lo que se puede decir en tan poco tiempo, con prisas por todas partes, un foco dirigido directamente a tus ojos (quizá para acelerar aun más la “entrevista”) y varios técnicos y ayudantes a tu alrededor, sudando porque no hay un segundo que perder, que hay mucha gente y pocos invitados.

Un lío, así no se puede hacer nada. Eché de menos la tranquilidad (relativa) con la que conté en Sitges, cuando lo mínimo eran diez minutos. Además, esta gente ya sabe que no hay tiempo, así que responden con una frase o dos, como mucho. Da igual. Todo se basa en que se hable de ‘Disney´s A Christmas Carol’, que la gente sepa de la película, y lo que se escriba y lo que se diga, es lo de menos. Pagan un dineral para que todos sepamos que se estrena esta cosa, pero no les preocupa que sus responsables hablen del producto, cosa que a mí me parecería intolerable; claro que a Zemeckis sólo parecía importarle que le elogiaran y que se hablara del 3D. Pero ya lo comprobaréis. En un próximo artículo os dejaré lo que me contaron el director norteamericano y el actor británico.

Aunque estaba cansado, o más bien estresado, la tarde del lunes la pasé de un lado para otro. Haciendo un poco de turismo por Londres, echando un vistazo al centro, bebiendo café y entrando en alguna tienda. Claro que allí oscurece antes de las cinco de la tarde y las tiendas empiezan a cerrar en torno a las seis. Encontré Harrods y me quedé en la sección de DVDs hasta las ocho (¡‘Equilibrium’ por cinco libras!). Vuelta al hotel, a cenar (en un japonés que había en la última planta, muy lujoso, cuya cuenta pagué con dinero de Mickey Mouse) y a dormir.

El martes 3 no tenía nada que hacer hasta la tarde, cuando estaba prevista una ceremonia de encendido navideño, en varias plazas de la ciudad, a cargo de los protagonistas de ‘Cuento de navidad’. Así que empleé la mañana en ver algunos de los típicos sitios que hay que ver en Londres, por hacer unas fotos. Me perdí en el Natural History Museum. El Big Ben no es tan grande como parece. Me habría encantado subir al London Eye, pero se me echaba el tiempo encima. Ah, y una hamburguesa del McDonald´s allí sabe igual que la de aquí. Los taxis van a toda leche, mala suerte si cruzas mirando el lado incorrecto (sí, casi me atropellan un par de veces).

A partir de las cinco, Leicester Square era una locura. Gente por todas partes, la mayoría nerviosos por los adornos navideños de Disney, conscientes de que Carrey y compañía iban a pasar por allí más tarde o más temprano. Los de seguridad contestaban preguntas a cada segundo, a la vez que intentaba poner un poco de orden. A las seis, era un lugar imposible. Y todavía no había empezado nada. A las siete me tuve que unir a la manada, para poder entrar en el Empire y asistir al pase con público. No me apetecía nada volver a ver la película, teniendo Londres para visitar, pero bueno, algo tenía que hacer, de lo contrario me habría sentido culpable.

Tras un rato agobiante, en el que comprobé una vez más que los adultos pueden ser, al menos, igual de imbéciles y maleducados que los más jóvenes, por fin nos dejaron pasar a lo que podríamos llamar “la zona privilegiada”. Esto es, un pequeño parque donde unos niños cantaban villancicos mientras los “famosos” (en Londres los debían conocer) iban caminando por una alfombra roja y los periodistas se desesperaban por hacerles alguna pregunta. A todo esto, unos gorilas muy cabreados nos animaban a correr y pisarnos unos a otros si era necesario por llegar cuanto antes al cine, mientras copos de nieve artificial se derretían dolorosamente en los ojos, dejándonos ciegos. Por fin, cruzado el parque del infierno, llegamos a la alfombra roja que conectaba con el Empire. Un montón de gente nos miraba, detrás de las vallas, como si fuéramos carne de televisión. Están locos estos ingleses.

Entramos y poco a poco la sala se fue llenando de gente. En la pantalla, un reportaje con imágenes de la película y declaraciones de Carrey y compañía, grabadas poco antes en la “zona privilegiada”. Nos dieron las gafas, un botellín de agua, unos caramelos y una chocolatina. Con más personas, me di cuenta que el asiento está hecho para flacos (menos mal que lo soy, pero lo paso mal igual que si fuera gordo). Por cierto, confirmo que el tema de la puntualidad en Londres es un mito. Creo que podía vivir allí.

Finalmente, mucho más tarde de lo previsto, entraron Bob Hoskins, Jim Carrey, Robert Zemeckis y Colin Firth (es curioso, la verdad es que yo estaba harto de verlos) y una chica les dejó un micrófono, pero sólo Carrey tenía ganas de hablar. Dijo un par de chorradas sobre el honor que suponía estrenar la película ese día y ante esa audiencia (notamos lametazos en el trasero), y otra vez que rodarla había sido maravilloso y que esperaba que nos encantara. La gente pitó cuando vio que nadie más iba a hablar, pero como Carrey seguía gritando frases mientras se marchaba (ya sin micro), al final aplaudieron.

También la película. Nada que ver con la prensa. Parece que el público, al menos el londinense, se lo pasa bien con ‘Cuento de navidad’. Así que ahí queda eso, por si queréis tomarlo. Por otro lado, tened muy en cuenta dónde sucede la historia y, sobre todo, que la mitad de la sala estaba ocupada por menores de once años. Abandoné Leicester Square a toda prisa, y di un tranquilo paseo por la zona, alejado de las masas. ¿Cuánto costarán esos adornos navideños por todo Londres? Bueno. Cené un sabroso sandwich de carne y cebolla y de postre una deliciosa “apple pie”, mientras escuchaba la banda sonora de la película, uno de los regalillos de Disney para la prensa (también una bufanda y el cuento de Dickens).

A la mañana siguiente, sin tiempo para nada más que otro enorme desayuno y el “checking out”, me dirigí al aeropuerto guiado por Valeria, que se conocía el camino como la palma de la mano. Un metro, un tren y en un rato estábamos en Heathrow de nuevo. Vuelta a Madrid. Y al día siguiente, a San Francisco. Pero eso es otra historia.

PD: Bocelli llegó cuando quedaban quince minutos para el final de la rueda de prensa. Habló en italiano, porque decía que en inglés no se manejaba bien; una intérprete nos explicó que estaba encantadísimo de haber trabajado con Disney. Un periodista le hizo una pregunta que en definitiva era seguir diciendo que todo había sido genial y un gran sueño. El moderador le pidió que hablara más. Y otra vez, todo maravilloso. ¿Qué hacía allí, si lo que interesaba era la película? Pues lo mismo que la prensa. Cumplir con un protocolo estrictamente controlado y ala, a casa. Mal vamos si lo único que hay que hacer es escuchar que todo es fantástico.

Parece que fue ayer cuando llamaba a los despachos de la temible Filmax —¿puede haber en España una productora peor que ésta?— para asegurarme de que la segunda entrega de ‘[Rec]’ se iba a filmar. La respuesta fue un “aquí no sabemos nada” —nunca estarán tan acertados de describirse a sí mismos como con esa expresión—, y fue justo un día antes de que Paco Plaza anunciase en su blog que empezaban a rodarla. Ahora, la película ya ha pasado por Sitges y por las carteleras españolas, repitiendo más o menos el éxito de su predecesora, aunque sin llegar a armar tanto revuelo. Y eso que sus autores decidieron hacerla simple y llanamente porque el público lo pedía, no porque tuviesen algo pensado desde el principio. Una operación parecida a la que realizan al otro lado del charco cuando una película tiene éxito, léase las insulsas continuaciones de ‘Matrix’ o ‘Piratas del Caribe’, perfectos ejemplos de cómo tomarle el pelo al espectador y hacerse rico con ello.

Afortunadamente Plaza y Balagueró no han llegado a extremos tan infames como en las películas señaladas. Han sabido aprovechar lo mejor de una primera entrega excelente, intentando aportar cosas nuevas en una secuela tan entretenida como innecesaria, y si bien han perdido todo el factor sorpresa, al menos nos han ofrecido un producto por encima de la media de los films de terror salidos de nuestras tierras, lo cual ya es mucho.

‘[Rec] 2’ comienza justo después de los acontecimientos narrados en la primera entrega. En el edificio puesto en cuarentena entra una unidad de los GEOS para determinar qué está sucediendo y si pueden controlarlo. Con ellos irá un médico que sabe más de lo que dice, y muy pronto empezarán a temer por sus vidas. El terror en forma de virus contagioso se adueña de nuevo del lugar, y nuestros queridos soldaditos —entre los que se encuentra el cámara que acompañaba a Manuela Velasco en el anterior film, a modo de cameo gracioso— tendrán serias complicaciones para llevar a cabo su imposible misión.

Paco Plaza y Jaume Balagueró han confesado haberse visto todas las películas de zombies que hay, siendo evidente que de alguna de ellas se han dejado influenciar un poco. Referencias podemos encontrar miles, sobre todo al cine reciente en títulos como ’28 días después’ (‘28 Days Later…’, Danny Boyle, 2002) o ‘Amanecer de los muertos’ (‘Dawn of the Dead’, Zack Snyder, 2004), de las que cogen el elemento de que los zombies corran, lo que incrementa el temor hacia ellos. Pero de lo que nada se ha dicho, o al menos un servidor no lo ha visto por ahí, es de su descarada copia de ‘Aliens, el regreso’, la magistral película de James Cameron, con la que guarda numerosos parecidos, tantos que su primeros 20 minutos son prácticamente iguales. Sustitúyase a los marines por GEOS, a los aliens por infectados, súmesele las cámaras en los cascos de los soldaditos, idénticas reacciones ante el drama, y la comparación es innegable. Transcurrido un poco del corto metraje, la película toma otros derroteros, pero no evita caer en homenajes a films muy conocidos, como por ejemplo ‘El exorcista’ (‘The Exorcist’, William Friedkin, 1973), algo que muchos interpretarán como una broma o chiste.

Y es que ‘[Rec] 2’ camina peligrosamente por un humor que hace que el espectador no se tome demasiado en serio los acontecimientos del film, cosa que no ocurría en la primera entrega. Incluso los sustos parecen provocar ahora más risa que otra cosa, aunque los directores se reservan alguna que otra buena secuencia de miedo, que sin llegar a niveles excelentes logran levantar el vuelo de una segunda entrega en la que se notan sobre todo las prisas, y el haber resuelto la papeleta de continuar una historia con una explicación un poco cogida por los pelos, y que salvando las distancias, recuerda algo a la premisa de ‘Fallen’ (Gregory Hoblit, 1998). Si hace dos años, Balagueró y Plaza no podían presumir precisamente de poseer un buena historia, a la que afortunadamente le sacaban el máximo partido, ahora el problemas es mayor. Las referencias a otros films se disparan, los lugares comunes se repiten, y por si fuera poco, el film empieza por segunda vez, cuando decide cambiar su punto de vista a tres jóvenes que se ven metidos en el drama, personajes éstos metidos con el mayor de los calzadores.

No obstante, Balagueró y Plaza consiguen imprimir cierto ritmo al film, y sobre todo entretenernos, que es la principal intención de este tipo de films. Un entretenimiento que no le falta al respeto al espectador —como sí hace Filmax con el 90% de las cosas que produce—, y donde también podemos apreciar cómo los actores involucrados se lo han pasado en grande rodando el film, aunque rayan todos en el histrionismo, algo que acentúa un humor no deseado. Desafortunadamente, tenemos que soportar la presencia de Manuela Velasco —de lejos, lo peor de la anterior entrega—, en una intervención afortunadamente breve, que a parte de demostrar lo mala actriz que es, deja al espectador con cara de idiota siendo el único momento en el que nos preguntamos si no nos habrán querido tomar un poco el pelo.

‘[Rec] 2’ no pasará a los anales de la historia de nuestro cine, y tampoco lo pretende. Si uno logra pasar por alto algunas de las insensateces de su argumento, es muy posible que pasemos un rato de lo más entretenido, algo muy de agradecer en los tiempos que corren. Eso sí, Balagueró y Plaza deberían dirigir más películas juntos, parece que se entienden a la perfección y demuestran saber cómo se dirige una película. Por separado es otro lamentable cantar.

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘[REC] 2’, un nuevo enfoque de un mismo acontecimiento

Recuerdo a Daniel Monzón como un crítico cinematográfico con buen gusto y mejores maneras. Un chaval con cultura y buen verbo al que daba gusto leer. Un buen día dio el paso de hacerse director de cine, y no puede decirse que empezara con buen pie. ‘El corazón del guerrero’, que fue su debut, podría haber dado algo de sí en otras manos, pero en las suyas se convirtió en una carta de presentación muy floja, sin ningún interés.

Pero menos interés tuvo aún el intento de comedia de ‘El robo más grande jamás contado’, que algunos analistas defendieron con presencia de ánimo admirable pero estéril, pues no había por donde cogerla. Y con la anodina ‘La caja Kovak’ terminé por perder la esperanza de que este extraordinario cinéfilo pudiera convertirse en director importante alguna vez. Pero ahora llega con ‘Celda 211’, que es algo más que una buena película de género. Es la película española del año.

Un relato poderoso y sin fisuras

Justo cuando no daba un duro por él, se calza Monzón un relato de presos, cárceles y motines que se erige, por derecho propio, en todo un clásico de este subgénero del suspense. Con una experiencia en la dirección de actores y la puesta en escena, que se le supone en su ya cuarta realización, y adaptando de manera ejemplar la novela homónima de Francisco Pérez Gandul, ayudado en esas labores por el excelente guionista Jorge Gerricaechevarría, Daniel Monzón se hace mayor como artista incontestablemente.

En sus manos, la novela de Pérez Gandul deviene una mina de oro de inagotables posibilidades visuales. La cárcel, cualquier cárcel, se convierte en un espacio asfixiante donde la muerte, el dolor y las posibilidades de traición son infinitas, donde la vida y la esperanza son efímeras, y donde las más primarias pasiones humanas se dan la mano con la cobardía y la estupidez, la crueldad y la dignidad de las ratas atrapadas y en el punto de mira.

Comienza de manera admirable esta ‘Celda 211’, y lo mejor es que va subiendo más y más, sin parar, en un crescendo admirable sin la menor concesión con el espectador. El que espere un espectáculo amable que se quede en casa. Esto es cine descarnado y brutal, cine de verdad, grande, adulto, complejo. Con una galería de personajes inolvidable, algunos de los cuales abandonan su rol previo para transformarse a causa de la desesperanza y la violencia.

Y entre todos los presos destaca Luis Tosar en una interpretación antológica, que le coloca desde ya mismo entre los más grandes intérpretes europeos. Su Malamadre no es sólo una bestia con corazón, pues el director y el intérprete son lo suficientemente inteligentes y talentosos para dotar de una vida a este personaje como pocas hemos visto en el cine español de los últimos años. Malamadre es el alma de la película, y lo que la hace trascender los límites del propio género. Le amamos y le odiamos al mismo tiempo, qué pocas veces sucede eso en una pantalla de cine.

A su lado, Alberto Ammann compone un digno funcionario de prisiones, aunque es cierto que el actor sufre en comparación con el gigante Tosar. Es un actor competente, si bien un par de veces parece que van a fallarle las piernas. Pero mantiene el tipo. Aunque en general el reparto es poco menos que formidable, y el casting soberbio. Nos creemos hasta al último figurante con frase que se pasea por la cárcel (entre otras cosas, porque los diálogos son excelentes), y es que aquí han hecho las cosas como Dios manda.

Monzón narra con convicción y sobriedad, sin cosas extrañas ni florituras, ateniéndose a los personajes y preocupándose por ser creíble siempre. Nunca pierde el control de la historia, y ayudado por la labor del operador Carles Gusi (que firma una imagen dura y acerada) y la de la montadora Cristina Pastor (que monta con talento y elegancia un tema tan escabroso), además de por la percutiente partitura de Roque Baños, firma una obra contundente e inolvidable.

Post Data Inevitable

Esto es cine de primerísima factura, con una producción de gran profesionalidad, que está dando sus frutos en taquilla y entre la crítica. Viene a demostrar que la gente desea ver buen cine español, por mucho que algunos no se quieran dar cuenta. Ahora bien, tiene que valer la pena verlo. Hoy estaba la sala a rebosar, y más que va a estarlo cuando arrase en los Goya, como estoy seguro que va a hacer.

Por cierto, apuesto porque el inevitable remake americano no se hará esperar. Pero esta no se la pierdan.

Celda 211 en Blogdecine

• Sitges 09 | Tercera jornada | ‘La huérfana’ y ‘Celda 211’ no decepcionan

Hace pocos meses estrenaban ‘Expediente 39’, la segunda película del alemán Christian Alvart, y este viernes volvemos a tener su presencia en la cartelera con ‘Pandorum’, su tercer film: una apuesta angustiosa y desoladora de ciencia ficción, que está protagonizada por Dennis Quaid, Ben Foster, Antje Traue y Cam Gigandet.

‘Pandorum’ nos sitúa en un futuro distópico –pero puede que no alejado del real— en el que la Tierra sufre un exceso de población tal, que es necesario emigrar a otros planetas. Los protagonistas despiertan de un letargo inducido, a bordo de una nave, con un problema de memoria reciente: no saben cuál es la misión que desempeñan, aunque sí mantienen sus aptitudes. Lo primero que tendrán que hacer es registrar la nave en busca de otros seres humanos, pero lo que van a encontrar les va a sorprender, a repugnar y a aterrorizar a partes iguales.

El film presenta dos vertientes muy diferenciadas: la primera es aquella en la que los sustos nos llevan a un terror muy primario y la acción dinamiza un film que podría estar suspendido, como lo está la nave que sirve de escenario. Alvart rueda bien las secuencias de caza, crea unas criaturas que recuerdan a los orcos, con un uso más que correcto de los efectos especiales, y saca partido a un entorno que, por su naturaleza, podría resultar restringido.

La otra vertiente nos acerca momentos mucho más pausados, en los que los personajes se encuentran solos, aislados y, a veces, incluso incomunicados. Para mí, todos estos impasses son fascinantes y están cargados de una sutil tensión que impide que se hagan largos. La atmósfera claustrofóbica está muy conseguida. El paso de un aspecto a otro no se hace estridente y la combinación de ambos es enriquecedora, ya que cada uno de ellos, por sí solo, podría haber sido cansino.

He leído muchas críticas que desprecian el film calificándolo de pastiche y comparándolo con películas de muy baja calidad. Sin embargo, creo que las coincidencias son más formales que conceptuales y es que la situación a bordo de un transporte espacial de dimensiones limitadas hace que los planos de una propuesta recuerden de forma muy inmediata a los de otras. De todas ellas, la que considero que se asemeja más es ‘Horizonte final’ (‘Event Horizon’), debido a revelaciones de la trama que de momento es mejor ocultar. Sin embargo, donde la de Paul W.S. Anderson presentaba esa conclusión tan desproporcionada, aquí todo entra en un tono uniforme. Sí hay una escena final cuestionable en ‘Pandorum’, pero es más un epílogo que el gran clímax de ‘Horizonte final’; además de que, si llegamos hasta allí sumergidos en la historia, podría incluso emocionarnos, a pesar de su cursilería.

Con interpretaciones muy solventes, el elenco aporta a la película personajes diferenciados entre sí y con la suficiente profundidad psicológica como para que la historia se siga sin problemas. Se agradece que las tramas sentimentales o demasiado personales no estorben la progresión argumental.

‘Pandorum’ es, en resumen, una cinta que consigue distinguirse de otras con pretensiones equivalentes, digna poseedora de la etiqueta de su género, que mantiene la tensión durante todo su metraje y que aporta unas sorpresas finales bastante refrescantes. Recomendable para los amantes de la ciencia ficción, salvo quizá para aquellos que no toleren los interludios de interiorización psicológica.

También en Blogdecine:

Sitges 09 | Segunda jornada | ‘Luna nueva’ provoca la locura, ‘Pandorum’ entretiene, ‘The Countess’ aburre y ‘Haeundae’ sorprende.

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