Andrés Wood ganó el Goya a la mejor película extranjera de habla hispana con ‘La buena vida’ (cosa que no entiendo bien porque es una co-producción con España, entre otros países). Cuatro historias se cruzan en el Santiago de hoy: la de Teresa (Aline Kuppenheim), una trabajadora social divorciada, cuya hija adolescente le dará problemas; la de Edmundo (Roberto Farías), un hombre de cuarenta años que aún vive con su madre; la de Mario (Eduardo Paxeco), un clarinetista que tendrá que entrar en la banda del ejército por no encontrar una plaza en la filarmónica; y la de Patricia (Paula Sotelo), enferma terminal, preocupada por el destino que correrá su hijo cuando ella no esté.

Se puede observar ya en la sinopsis que los dramas de cada una de estas personas no son atrayentes ni originales por sí solos y que nos interesarán en la medida en la que los personajes nos despierten empatía. Como suele pasar en los films de historias mezcladas, unos personajes son más ricos que otros. El caso de Edmundo (en la fotografía superior), el esteticista que pide un crédito para comprarse un coche, es el mejor de la película. Debido a su enigmática forma de ser, y a su hablar dulce, nos cae bien y contemplamos su trama con ganas de saber qué ocurre a continuación. Es el único que se marca en nuestra memoria y que hace que sintamos que ha valido la pena ver la película. En su universo aparecen secundarios, como la empleada del banco y la madre de Edmundo, que también son curiosos. Los actores de este argumento también son los mejores.

Los otros tres personajes no tienen la capacidad de interesarnos que posee el anterior. En todo caso, Mario, pero con el problema de que sabemos que su tragedia se la ha causado solito y, por ese motivo, nos identificamos menos con su sufrimiento. Teresa (en la siguiente fotografía) es una mujer tan seca que cuesta ponerse de su parte, además de que su forma de tomarse los conflictos es bastante absurda (SPOILER): le preocupa más que su ex-marido vaya de putas que el que su hija de quince años se haya quedado embarazada. E incluso de este segundo asunto, lo que le incomoda es que no se lo haya contado a ella antes. (FIN DEL SPOILER). Alguien tan egoísta no nos hace sentir ninguna lástima. El último de los dramas es el más tremendo y el que más crítica social parece conllevar. Sin embargo, por lo poco que se nos había presentado el personaje de Patricia, su devenir no nos dice nada.

Incluso aunque nos hubiésemos interesado por todos los habitantes de esta multihistoria, cuando llega el final, nos sentiríamos descolocados. Después de haber planteado un desarrollo más bien lento, las resoluciones ocurren de manera abrupta y, en muchas ocasiones –incluida la de Edmundo, que es el mejor sin duda—, sin sentido. Podría ir detallando cuáles son los sinsentidos uno por uno, pero sería de nuevo un spoiler y, además, es innecesario porque me parece que se detectan con mucha facilidad si se ve la película. Además, esos momentos en los que las tramas se cruzan se me antojan forzados. Parece que fuese obligatorio introducir esos puntos de encuentro en los guiones para justificar el ya tan visto esquema de las vidas cruzadas, pero tal vez sería preferible no hacerlo si va a quedar tan antinatural.

Suele ocurrir que, el hecho de que se trate de un drama situado en un país donde hay pobreza y problemas sociales, le da a una película una especie de comodín para que los defectos que en cualquier otro género –más en concreto la comedia— servirían para destrozarlo, aquí se pasen por alto. Si las tramas son tópicas o previsibles, si los personajes no apelan al espectador, si el montaje está desequilibrado… todo eso se señalaría con saña en una crítica de un film ligero, pero aquí parece que no tenga importancia.

En un momento de ‘La buena vida’, la hija adolescente dice que está escribiendo una novela que no tiene historia, “como la vida”. Esto podría parecer una declaración de intenciones del autor del guión. Sin embargo, él se empeña en buscar los conflictos con tanto ahínco que incluso opta por lo tópico y lo manido. Eso sí, lo que se hace es darle un tratamiento de rodaje y de montaje como si de verdad no hubiese historias. Como le pasa muchas veces al cine de nuestro país, ‘La buena vida’ no se decide ni por ser cine de arte y ensayo puro, pues tiene elementos muy de culebrón; ni por ser un film comercial, pues el tratamiento no es para cualquier público y esa indefinición me parece que lo sitúa en la nada.

A pesar de ello, no quiero decir me haya parecido una mala película pues, como comento al inicio de esta reseña, hay uno de los cuatro personajes cuya historia me ha interesado. Los intérpretes están muy acertados y el visionado no se hace pesado gracias a que se ha dejado en 90 minutos.

Está muy claro que existe un público para este tipo de películas y que para ellos la recomendación o ausencia de ella que haga será indiferente, pues la carta de presentación que supone que sea un drama social, que haya obtenido el Goya y otros premios, etc… es suficiente. Para los demás, podría señalar que no van a arrepentirse de verla, pero que de ningún modo les va a cambiar la vida, les va a emocionar, ni mucho menos les va a dejar una marca en su memoria. Es una película válida, pero innecesaria y muy semejante a otras.

Mi puntuación:

En los Goya se ha hecho justicia. ‘Camino’, de lejos, muy de lejos, la mejor película española del 2008 (y una de las mejores de los últimos años) se ha alzado como la gran vencedora en una ceremonia que los de Televisión Española masacraron en su emisión con la absurda media hora de retraso (la cantidad de discursos que quedaron cortados por una labor de montaje bochornosa). Penélope Cruz fue otra de las evidentes ganadoras (aunque seguro que lo que ella quiere es ganar la preciada estatuilla que concede la Academia de Hollywood), y el guión de ‘Los girasoles ciegos’ era muy probablemente el premio más cantado de toda la noche.

Después de la cinta de Javier Fesser, la otra triunfadora de la noche fue ‘El truco del manco’ de Santiago A. Zannou, que hizo pleno: tres de tres. Por lo demás, una ceremonia en la que las presentaciones de los premios dejaron mucho que desear; una burda copia de la ceremonia de los Oscars, pero sin su glamour ni su saber hacer. A continuación los ganadores.

Mejor película:

• ‘Camino’

Mejor dirección:

• Javier Fesser, por ‘Camino’

Mejor dirección novel:

• Santiago Zannou, por ‘El truco del manco’

Mejor dirección de producción:

• ‘Los crímenes de Oxford’

Mejor dirección artística:

• ‘Che. El argentino’

Mejor guión original:

• ‘Camino’

Mejor guión adaptado:

• ‘Los girasoles ciegos’

Mejor interpretación masculina protagonista:

• Benicio del Toro, por ‘Che. El argentino’

Mejor interpretación masculina de reparto:

• Jordi Dauder, por ‘Camino’

Mejor actor revelación:

• Juan Manuel Montilla “Langui”, por ‘El truco del manco’

Mejor interpretación femenina protagonista:

• Carmen Elías, por ‘Camino’

Mejor interpretación femenina de reparto:

• Penélope Cruz, por ‘Vicky Cristina Barcelona’

Mejor actriz revelación:

• Nerea Camacho, por ‘Camino’

Mejor fotografía:

• ‘Sólo quiero caminar’

Mejor sonido:

• ‘3 días’

Mejor música original:

• Roque Baños, por ‘Los crímenes de Oxford’

Mejor canción original:

• A tientas, de ‘El truco del manco’

Mejor diseño de vestuario:

• ‘El Greco’

Mejor maquillaje y peluquería:

• Mortadelo y Filemón 2’

Mejores efectos especiales:

• ‘Mortadelo y Filemón 2’

Mejor montaje:

• ‘Los crímenes de Oxford’

Mejor película de animación:

• ‘El lince perdido’

Mejor película extranjera de habla hispana:

• ‘La buena vida’

Mejor película europea:

• ‘4 meses, 3 semanas, 2 días’

Vía | HoyCinema

Este domingo se entregan los premios de la academia española, comúnmente conocidos como Goyas (aunque ya no puede emplearse ese término de forma oficial…eso sí, no han cambiado el diseño de la estatuilla…misterios de la vida), de los que ya sabemos, hace ya bastantes semanas, los candidatos. No es ningún secreto, ni ninguna exageración, decir que no son más que una copia, como todos los premios autóctonos, de los Oscar, que se entregarán dentro de de poco más de tres semanas.

Muchas de las películas que están nominadas, tanto en los Oscar como en los Goya, confieso no las he visto. Algunas por pereza, otras por simple y puro desinterés, algunas de las norteamericanas empiezan a llegar ahora. Lo que sí he visto, un año más, son muchas películas que no están nominadas en ninguna de las dos listas de nominados. Pero no por ello podemos dejar de hablar de algunas de las barbaridades que vuelven a perpetrarse cuando una industria se premia a sí misma. Esto es, se autojustifica con la entrega de un galardón. Pasemos revista.

Son cuestiones que a cualquier cinéfilo avezado no pueden pasarle por alto. Por ejemplo: se ha decidido que Mickey Rourke gane el Oscar al mejor actor, esto es así. Es decir, la industria que durante dos décadas ha masacrado sin compasión (muchas veces él echaba un cable a ese respecto) a este buen actor, que le encumbró precipitadamente y luego se le echó al cuello, ahora está dispuesta a “perdonarle”. Él encantado, claro. Pero nadie tiene ninguna duda de que se va a llevar el premio. Estos casos de estrella caída-y-luego-resucitada son ideales para el tinglado de Hollywood. Y es un insulto, bajo mi punto de vista, para los demás actores que compiten. Pero es que además le quita emoción al premio

No sólo con él. Lo mismo sucede con Kate Winslet, quien se va a llevar el premio en un 99% de probabilidades. Podría haberlo ganado por ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’ (me niego a emplear su estúpido título español), o por cualquiera de sus otras nominaciones. Pero ya sabemos que se ha decidido que este sea su año. ¿Emoción?...cero. Ninguna de sus contrincantes tiene la menor opción, y lo saben. ¿Para qué van? Para cumplir. ¿Quién sabe si otro año se decidirá que tiene que ser alguna de ellas?

En los Goya la cosa es diferente. Pero las insensateces también están ahí: ¿por qué, por ejemplo, vuelven a estar más o menos los mismos de siempre nominados? Después de ganar el Goya a la mejor película por su extraordinario debut, Agustín Díaz Yanes vuelve a estar nominado. Y es que todas sus películas han sido finalistas a mejor película del año. Lo malo es que la unanimidad en torno a la mediocridad aplastante de ‘Sin noticias de Dios’ y ‘Alatriste’ es casi absoluta, y nadie se traga que no haya mejores candidatos. Este año vuelve a estar nominado por una película que si bien no ha sido tan cuestionada como las otras, tampoco ha despertado pasiones.

Pero también tenemos la enésima película sobre la guerra civil (o sus consecuencias), tenemos la nueva realización de Alex de la Iglesia, y tenemos la propuesta progre del año. No entro en sus calidades estéticas, sino en el mensaje que significa elegirlas como finalistas. Riesgo, ninguno. Después de premiar, sorprendentemente, el año pasado a ‘La Soledad’, no ha recaído ni una sola nominación a ‘Tiro en la cabeza’, también de Rosales. Pero es que quizá lo más arriesgado (al menos en cuanto a reputación para la academia…) es nominar ‘Sangre de Mayo’ a mejor dirección artística o mejor sonido.

Volviendo a los Oscar, tampoco el actor en papel de reparto es una incógnita, pues todos sabemos quién se lo va a llevar (aunque hay un par de contrincantes que también lo merecen). Algo de morbo hay en actriz de reparto, y no sólo por Penélope Cruz, también por Marisa Tomei o Amy Adams. Sin embargo es el caso de ‘La Clase’ el más sangrante. Porque a nadie se le escapa que el Oscar a mejor película extranjera no es más que un oscarcito, en el mejor de los casos. Cuando la verdad es que tanto esa impresionante película, junto con ‘4 meses, 3 semanas y 2 días’ son de lo mejor del año pasado estrenado en todo el mundo, y deberían estar presentes en nominaciones importantes, como ya lo estaron en 1996, por ejemplo, ‘Rompiendo las olas’ y ‘Secretos y mentiras’.

Y tampoco es que los Goya, en el apartado de película extranjera (que si ya es un chiste en los Oscars, aquí es un chiste de un chiste, o sea, una parodia de sí mismo) se hayan lucido este año, con la oportunista presencia de ‘El caballero oscuro’ como mejor película europea, lo que es un disparate para el que seguro que han buscado alguna coartada industrial. Pero no creo que esa película necesite ese premio, o ese reconocimiento, pues precisamente ese premio debería ir destinado a aupar el filme europeo más destacado, y todos sabemos lo que es un filme europeo. Este no lo es.

Podemo seguir así, podemos seguir con la bochornosa idea de considerar como finalista el insostenible trabajo de Verónica Echegui en la infumable ‘El patio de mi cárcel’, con la tontería del premio a la mejor dirección de producción, con lo chocante del globo de oro a mejor actriz de reparto para Winslet por un papel que ahora le ha proporcionado la nominación (y el casi seguro Oscar) a mejor actriz principal. Todo esto nos da una idea del demencial negocio del cine, que como todos los años tiene que cumplir con su tinglado, y defender su lógica industrial.

Por esto, y por más cosas, los premios de los festivales tienen mucho más valor que los premios a lo mejor del año que entrega cada país (y todos ellos copiando a los norteamericanos, aunque generalmente en lo malo). De acuerdo, en los festivales también cometen errores y olvidos imperdonables, pero su valor como plataforma para nuevos cineastas, su condición de descubridoras de obras nuevas que no han sido presentadas en otros países, su labor aglutinadora de las vanguardias y las herencias más significativas. Nada de todo eso pueden premiar los Oscar o los Goya, que funcionan, casi siempre, ajenos al riesgo, el coraje y la transgresión del gran cine. Pero sobre todo lo primero: la emoción. A nadie le interesan los Goya, o a muy pocos. Pero no se comprende que se esfuercen, año tras año, en eliminar cualquier atisbo de tensión y emoción en esta clase de premios.

P.D.: Todos sabemos que ‘Slumdog Millionaire’ va a llevarse el Oscar, y que ‘The Curious Case of Benjamin Button’ se va a ir de vacío…pero algo me dice que igual en ese apartado, al menos, la sorpresa es posible. Algo me dice que ninguna de las dos se alzará con el gran premio…

‘Soy Meera Malik’ se abre y se cierra con la noche de Calcuta, pero por si alguien no sabía que esa noche ya no tiene nada que ver con la idílica y soñada de los cuentos orientales, este cortometraje documental se encarga de hacerlo palpable adentrándose en la vida de los niños rescatados de las calles y de trabajos esclavos para poder estudiar en la escuela Tara School, una ONG que intenta ofrecer una niñez a los que se la han arrebatado. Son dieciséis minutos y treinta y nueve segundos que saben a poco, pero que al mismo tiempo podían haber ofrecido más.

Dice el director, Marcos Borregón, que “a pesar de un entorno nada favorable, todo lleno de miseria, de basura y de violencia, pues es una historia de esperanza, esta es una historia de flores que crecen entre la basura”. Y son ciertas esas palabras, pues tras la imagen nítida y muy viva de este cortometraje documental, se advierte el esfuerzo y el interés real por lo que se muestra. Desgraciadamente, y a pesar de que en un cortometraje documental tampoco hay tiempo para más, no se alcanzan todos los objetivos buscados.

Borregón, que es socio de la ONG, y que viajó a la India para ayudar en la escuela, grabó muchas horas de material que después se trajo a España para poder estructurar un cortometraje. Grabó no sólo a niños, sino también a profesores y demás elementos que rodean a Tara School. No sabía exactamente, hasta que se sentó en la sala de edición, cómo iba a ser su corto una vez terminado, según sus propias palabras. Y esta indefinición, desgraciadamente, se nota en la pantalla, pues si bien no hay nada que reprocharle en la “recogida” de las imágenes, sí que falta cierta precisión en su “ordenamiento”.

Sin embargo, se aprecia una intuición muy notable a la hora de establecer el punto de vista y la naturaleza de los encuadres, un conocimiento certero y una pasión profunda de las callejuelas de la vida de la ciudad, un oficio de buen contador en lo relativo a su capacidad para hacerse invisible y para obtener momentos muy destacados, muy vivos, llenos de realidad. Este realizador tiene talento y pasión, pero quizás deba afinar más y ser más consciente de las limitaciones de un cortometraje.

En cuanto al tono, no se le puede poner casi ninguna pega a este cortometraje, salvo una. Dentro de un trabajo de gran coherencia y humildad, extrañan esos temas musicales que parecen convertir en ficción unas secuencias que pedían, a gritos, el silencio del artista, y el sonido de la ciudad. Me refiero a esa música que abre y cierra este trabajo, que contrasta exageradamente con otros temas seleccionados, más autóctonos, y que provoca un cierto malestar por su tono ligeramente manipulador, pues subraya una realidad que ya de por sí no necesita de ningún subrayado.

Por tanto, esta incoherencia en el tono y ese barullo al que hemos aludido dentro de su estrategia de montaje, impiden a ‘Soy Meera Malik’ convertirse en el gran corto que podría haber sido, condición que roza a veces con la yema de los dedos pero que no agarra a manos llenas. Se ve muy bien, divierte y crea interés. Pero quizá haría falta menos retórica, más ir al grano, a una idea concreta, ya que no se pueden contar muchas cosas en un corto. Hace falta ver más dolor, más violencia, más basura, más esperanza, más presencia (mucha más) de las niñas.

En definitiva, todo queda un poco ligero. La esperanza es sólo expresable cuando se nos ha mostrado la más cruda oscuridad. El espectador no tiene todas las cartas encima de la mesa, como sí las tiene el director, pues él sí ha visto crecer a Tara School, y ha visto a los niños salir de una existencia terrible. Pero nosotros no. Nosotros sólo vemos el resultado. De ahí que no podamos compartir ese sentimiento de esperanza que todo lo aligera, y con el que el director impregna sin quererlo este relato de pura estirpe documental.

Una pena. No dudamos de que el responsable de este buen pero truncado documental puede ofrecer trabajos mucho más afinados en un futuro.

Ver cortometraje ‘Soy Meera Malik’

En Blogdecine:

Entrevista a Marcos Borregón, autor de ‘Soy Meera Malik’

Como ya ha quedado patente y hemos comentado en varias ocasiones, el mundo del cortometraje español es la punta de lanza de nuestra cinematografía. Tanto por su enorme proyección internacional (y con el consiguiente prestigio y premios), así como la floreciente etapa que está viviendo con numerosos cineastas que están irrumpiendo con fuerza y que están aportando lo más interesante, aunque no siempre se pueda disfrutar por el gran público.

Los Goyas se han cuestionado en varias ocasiones el incluir la categoría de cortometrajes. Hasta el punto de descartarlos para luego rectificar. En cualquier caso, siguen estando presentes y este año hay una buena competencia. Mucha calidad entre los cinco nominados al mejor corto de ficción que a continuación detallamos.

‘El encargado’

Dirigido por Sergio Barrejón, ya venía siendo un título que sonaba fuerte, alzándose con el primer premio del Cinema Jove. El otro padre de la idea original es Nacho Vigalondo y está producida por Arsénico Producciones. En sus siete minutos de duración, el argumento se centra en Martín, un niño de nueve años, que queda encargado de su clase durante una ausencia del profesor. Debe apuntar en la pizarra a los alumnos que hablen. Parece un encargo fácil… hasta que el matón de la clase se pone a hablar.

‘Final’

Escrito y dirigido por Hugo Martín Cuervo, se alzón con el premio del público en La noche del Corto Español en la Seminci. Dura 13 minutos y está protagonizado por Imanol Arias y Manuela Paso. Y cuenta como unos padres a los pies de la cama de su hijo en coma, debaten qué es lo mejor para él. Son conscientes de una situación que el espectador desconoce, en una habitación donde las cosas no son lo que parecen.

‘Machu Picchu’

Escrito y realizado por Hatem Khraiche Ruiz-Zorrilla, también ha tenido una interesante trayectoria en varios festivales. La historia también apela a los sentimientos: un ancianito que necesita cuidados y un inmigrante que necesita trabajo. Todo un fin de semana por delante. La guerra está servida…

‘Miente’

Dirigido por Isabel de Ocampo, es otro corto con premios y distinciones con la estremecedora historia de una joven inmigrante ucraniana que quiere hacer un regalo de cumpleaños a su hermana pequeña, que vive en su país natal, y para ello debe arriesgar su vida.

‘Porque hay cosas que nunca se olvidan’

Corto dirigido por Luis Figueroa que ha contado con un presupuesto notable, numerosos galardones y que está ambientado en Nápoles en 1950, donde cuatro amigos juegan al fútbol en la calle y de repente, la pelota se les cuela tras las rejas de la casa de la “vieja mala”. Probablemente nunca más podrán jugar con ese balón, pero la venganza será terrible.

Visita digitalshortfilmfest.com para verlo.

En Blogdecine:

• Nominaciones a los Goya: ‘El caballero oscuro’ compite

A propósito de la posibilidad de que un cortometraje de animación español pueda estar nominada a los Oscars, conviene echar un vistazo y valorar cuáles son los trabajos que este año han sido nominados al Goya al mejor cortometraje de animación. Sin entrar en si estas obras son representativas del nivel que se tiene en España, ni afirmando que las aquí presentes son las mejores, podéis valorar por vosotros mismos las que consideráis como la favorita para la “noche” del cine español, aunque pasen de puntillas durante la ceremonia por estos premios.

Los trabajos nominados son los siguientes:

Rascal Street

El corto se puede ver a través de su página oficial. Obra de Marcos Valin, María Monescillo y David Priego, realizada mediante stop motion en plastilina, y en la que se nos cuenta la historia de un músico callejero y su compinche, que en el Londres de principios del XIX, tratan de robar a un distinguido y enigmático viandante.

La increíble historia del hombre sin sombra

Primer trabajo de José Esteban Alenda, en el que se narra la historia de un joven sin fortuna que, con el fin de conseguir el favor de su amada, vende su sombra a un misterioso personaje a cambio de una bolsa eterna de monedas de oro. La decisión causará al joven terribles penalidades.

El ataque de los Kriters asesinos

Otro trabajo realizado en stop motion de plastilina, bajo la dirección de Sam Ati y Markus Mayer, francamente divertido, que cuenta como un ama de casa tiene que realizar la limpieza del hogar ante la visita de su suegra mientras se distrae viendo su serie favorita. Esto motiva que todo el polvo se acumule, y provoque la aparición de unos bichos inesperados.

Espagueti Western

Homenaje al género del spaghetti western en 2D a cargo de Sami Natsheh, en el que los personajes son en realidad macarrones, spaghettis… En el mismo se nos cuenta la historia, narrada por un espagueti trovador (Paco León), de Spaghetti Kid, un cowboy que tiene que rescatar a su esposa del malvado Fideo Jack. Se recrea el ambiente de los escenarios de los spaghetti western que se rodaban en Almería.

Malacara y el bastón de roble

Dirigida por Luis Tinoco y realizada en animación por ordenador, narra la la historia de un despiadado fantasma, Malacara, que quiere recupera el bastón de roble que tiene en su poder Nico, un niño que ha visto como el fantasma raptaba a su familia, que junto a su amiga Lena, deben superar las pruebas a las que los somete Malacara.

Sólo hemos podido encontrar un trailer amplio de Malacara y el bastón de roble.

Ahora os toca comprobar si el criterio de la Academia es parecido al vuestro.

Vía | A media luz

De piedra me he quedado al ver las nominaciones a los Goya, que premiarán lo mejor del cine español de este año. En la categoría de mejor película europea se encuentra el film dirigido por Christopher Nolan, quien se debe estar partiendo de la risa, siempre y cuando sepa qué son los Goya. La película compite por Reino Unido, país que presenta dos películas, ésta y ‘El niño con el pijama de rayas’ (¿es coherente que dos películas compitan por un mismo país?, no hace falta que respondáis).

Respecto al resto de nominaciones, no hay demasiadas sorpresas. ‘Camino’ (para un servidor, la que se merece ganar) es una de las cuatro finalistas y compite directamente con: la entretenida ‘Los crímenes de Oxford’, la torpe ‘Sólo quiero caminar’ y la espantosa ‘Los girasoles ciegos’. Otro año que no veré la ceremonia, aunque sólo por ver como entregan un Goya a ‘El caballero oscuro’, a lo mejor merece la pena y todo.

Mejor película:

• ‘Sólo quiero caminar’
• ‘Camino’
• ‘Los crímenes de Oxford’

• Los girasoles ciegos’

Mejor dirección:

• Agustín Díaz Yanes (‘Sólo quiero caminar’)
• Javier Fesser (‘Camino’)
• Ález de la Iglesia (‘Los crímenes de Oxford’)

• José Luís Cuerda (‘Los girasoles ciegos’)

Mejor interpretación masculina protagonista:

• Benicio del Toro (‘Che. El argentino’)
• Javier Cámara (‘Fuera de carta’)
• Raúl Arévalo (‘Los girasoles ciegos’)

• Diego Luna (‘Sólo quiero caminar’)

Mejor interpretación femenina protagonista:

• Carme Elías (‘Camino’)
• Verónica Echegui (‘El patio de mi cárcel’)
• Maribel erdú (‘Los girasoles ciegos’)

• Ariadna Gil (‘Sólo quiero caminar’)

Mejor interpretación masculina de reparto:

• Jordi Dauder (‘Camino’)
• Fernando Tejero (‘Fuera de carta’)
• José Ángel Egido (‘Los girasoles ciegos’)

• José María Yazpik (‘Sólo quiero caminar’)

Mejor director novel:

• Belén Macías (‘El patio de mi cárcel’)
• Santiago A. Zannou (‘El truco del manco’)
• Nacho Vigalondo (‘Los cronocrímenes’)

• Irene Cardona (‘Un novio para Yasmine’)

Mejor actor revelación:

• Álvaro Cervantes (‘El juego del ahorcado’)
• J.M. Montilla Mangui (‘El truco del manco’)
• Martín Rivas (‘Los girasoles ciegos’)

• Luís Bermejo (‘Una palabra tuya’)

Mejor actriz revelación:

• Nerea Camacho (‘Camino’)
• Ana Wagener (‘El patio de mi cárcel’)
• F. Hamed (‘Retorno a Hansala’)

• Esperanza Pedreño (‘Una palabra tuya’)

Mejor guión original:

• ‘Camino’
• ‘Cenizas del cielo’
• Retorno a Hansala’

• Sólo quiero caminar’

Mejor guión adaptado:

• ‘Che. El argentino’
• ‘Los crímenes de Oxford’
• ‘Los girasoles ciegos’

• ‘Una palabra tuya’

Mejor película extranjera de habla hispana:

• ‘Acné’ – Uruguay
• ‘La buena vida’ – Chile
• ‘Lake Tahoe’ – México

• ‘Perro come perro’ – Colombia

Mejor película europea:

• ‘4 meses, 3 semanas y 2 días’ – Rumanía
• ‘Al otro lado’ – Alemania
• ‘El niño con el pijama de rayas’ – Reino Unido

• ‘El caballero oscuro’ – Reino Unido

Mejor película de animación:

• ‘Donkey Xote’
• ‘El lince perdido’
• ‘El espíritu del bosque’

• ‘RH+el vampiro de Sevilla’

Mejor música original:

• Alberto Iglesias (‘Che. El argentino’)
• Bigen Mendizábal (‘El juego del ahorcado’)
• Roque años (‘Los crímenes de Oxford’)

• Lucio Godoy (‘Los girasoles ciegos’)

Mejor canción original:

• Podemos volar juntos (‘El patio de mi cárcel’)
• A tientas (‘El truco del manco’)
• Manousal (‘Retorno a Hansala’)

• Entre tu blacón y mi ventana (‘Una palabra tuya’)

Mejor dirección de producción:

• ‘Che. El argentino’
• ‘Los crímenes de Oxford’
• ‘Los girasoles ciegos’

• ‘Sólo quiero caminar’

Mejor fotografía:

• ‘La conjura de El Escorial’
• ‘Los girasoles ciegos’
• ‘Sangre de Mayo’

• ‘Sólo quiero caminar’

Mejor dirección artística:

• ‘Che. El argentino’
• ‘La conjura de El escorial’
• ‘Los girasoles ciegos’

• ‘Sangre de Mayo’

Mejor diseño de vestuario:

• ‘El Greco’
• ‘La conjura de El escorial’
• ‘Los girasoles ciegos’

• ‘Sangre de Mayo’

Mejor maquillaje y peluquería:

• ‘La conjura de El Escorial’
• ‘Los girasoles ciegos’
• ‘Mortadelo y Filemón 2’

• ‘Sangre de mayo’

Mejor montaje:

• ‘Los crímenes de Oxford’
• ‘Los girasoles ciegos’
• ‘Mortadelo y Filemón 2’

• ‘Sólo quiero caminar’

Mejor sonido:

• ‘3 días’
• ‘Los girasoles ciegos’
• ‘Sangre de Mayo’

• ‘Sólo quiero caminar’

Mejores efectos especiales:

• ‘Camino’
• ‘Mortadelo y Filemón 2’
• ‘Sangre de Mayo’

• ‘Sólo quiero caminar’

Los premios se entregarán el 1 de Febrero. Hagan sus apuestas

Vía | Las Horas Perdidas

Parece que la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ha querido saldar una deuda con un gran cineasta habitualmente denostado. Se trata de otorgar el Goya de Honor al cineasta Jesús Franco, que recibirá el galardón en honor de multitudes durante la gala de entrega de los premios Goya, el próximo 1 de febrero de 2009.

Y es que se trata de un cineasta que ha engrandecido la serie B y que ha sido, durante décadas, admirado fueras de nuestras fronteras y despreciado en su propia patria. Algo habitual con algunas figuras que no han comulgado con lo impuesto. El caso es que con 78 años y una filmografía de más de 180 películas en su haber, parece que es buen momento para resarcir cualquier resquicio de olvido.

Un talento prolífico que estuvo influenciado por el jazz en sus orígenes, un bohemio e intelectual que un buen día encontró en el séptimo arte su mejor forma de expresión. Elogiado por franceses y admirado por los alemanes, sus títulos se fueron sucediendo forjando un estilo único. Franco se movía como pez en el agua con exiguos presupuestos pero con una imaginación desbordante. Sin olvidar que ha sido amante del terror, del suspense, de la ciencia ficción y de lo erótico (quizás las razones por las que en España no interesaba demasiado), y todo ello incluso mezclado de forma única.

Jess Franco bien merece una revisión exhaustiva, porque desde que se ganara el prestigio con ‘Gritos en la noche’ (1962) y tras ‘Necronomicon’ que le abriera las puertas de American International (la productora que acogía a Roger Corman, con el que guarda ciertas similitudes). Bajo distintos seudónimos (Clifford Brown, James P. Johnson, Jess Frank, Lulú Laverne,...), llevó a cabo sus distintas facetas: director, productor, guionista, actor, director de fotografía, montador y músico. E impulsado por su facilidad para sacar adelante películas imposibles y variopintas, logró hasta rodar una decena películas al año.

Sus títulos nos deja una galería de personajes únicos y algunos inolvidables (doctor Orloff), pero todos ellos malvados, abyectos y también mujeres pérfidas, dispuestas a distraer a sus víctimas con su físico, para acabar con ellas. Fue capaz de llevar a cabo ‘Drácula contra Frankenstein’, ‘La noche de los asesinos’, ‘Los amantes del diablo’ o ‘La maldición de Frankenstein’, todas bajo su personal sello.

Me alegra especialmente este premio, aunque no signifique mucho, pero sí al menos sirva para que muchos recuperen algunos de sus títulos y sientan miedo, excitación e intriga con sus historias únicas. Un maestro de la serie B, nacido en Madrid, que es hoy día un referente indispensable para muchos cineastas y aficionados.

Vía | Abc

Jaime Rosales es la última prueba de lo caraduras que somos en nuestro cine. El muy listo ha conseguido engañar a los miembros de nuestra queridísima Academia para que éstos le galardonaran con cuatro tres (menos mal) premios Goya por ‘La Soledad’, la cual puede ser considerada casi como una memez (ahora podría dar nombres aquí de muchos profesionales del sector que opinan lo mismo, o cosas peores, pero no es cuestión de meter cizaña). El señorito Rosales además se ríe de los pocos espectadores que han ido a ver su película (y digo pocos porque ‘La Soledad’, por mucho que haya triunfado en la noche de los Oscars españoles, no se le puede considerar un éxito, pero ni de lejos), a los que poco menos que les trata como idiotas sin cultura.

El tío dice que ha inventado la polivisión y se queda tan ancho. Claro, será porque Richard Fleischer no hizo lo mismo hace 40 años en ‘El Estrangulador de Boston’ y con mucho más sentido. No se trata en este caso de filmar acciones paralelas partiendo la pantalla (como por ejemplo pueden hacer en la serie de televisión ‘24’), no, se trata de filmar la misma acción desde varios puntos de vista. Sí, eso es lo que hacía Fleischer, pero Rosales hace otra cosa: se rasca la barriga, mientras no nos cuenta absolutamente nada durante dos horas largas. Y ojo, que la película no me parece un bodrio, pero que haya sobresalido en la última gala de los Goya por encima de films como ‘Siete Mesas de Billar Francés’ o ‘El Orfanato’, tiene delito.

‘La Soledad’ narra varias historias entrelazadas por un mismo personaje, el de Adela, una mujer separada que, con su hijo pequeño se marcha a Madrid a intentar tener mejor vida. Allí compartirá piso con dos simpáticos jóvenes, Carlos e Inés, con los que compartirá muchas cosas además del piso (sí, charlas profundas y misteriosas que se tienen mientras se juega al parchís o se plancha la ropa). Inés pertenece a una familia en la que la madre tiene un pequeño supermercado, y disfruta de su “apacible” vida en compañía de su novio Manolo. Entre sus hijas ocurre de todo, a una le diagnostican un cáncer, la otra quiere con todas sus fuerzas un piso nuevo, y la otra al igual que el director del film, se rasca la barriga.

Lo más interesante de la película pasa en su tercio final, y claro, no lo vamos a desvelar. Mientras eso no llega asistimos a una soporífera narración en la que Rosales se recrea filmando un campo lleno de vacas, una cocina vacía, un pasillo vació, una ventana, otro pasillo, otra ventana, una calle, el cielo… Y lo más curioso de todo es que el asunto éste de la polivisón lo utiliza cuando le viene en gana, sin ningún tipo de rigor ni aprovechándolo narrativamente. Por otro lado, Rosales se olvida de lo que es la progresión dramática, y los personajes no sufren ninguna evolución, por mucho hecho dramático que acontezca. Al final, a pesar de los cambios, estamos igual que al principio. Y eso que la parte actoral es indudablemente lo mejor del film, precisamente por haber utilizado no sólo actores desconocidos para el gran público (ése que no ha ido a ver la película), si no además porque son buenos actores, respiran autenticidad y eso ya es algo. Probablemente el más cinematográfico de todos, por decirlo de alguna manera, es precisamente el que se ha llevado el Goya al mejor actor revelación: José Luis Torrijo, que interpreta a la ex-pareja de Adela, y demuestra tener algo de nervio escénico. El resto del reparto cumple con creces y consiguen algo extraño en nuestro queridísimo Cine: no caer como una patada en los… ese sitio que estáis pensando.

‘La Soledad’ es una película floja, larga y aburrida. Arriesgada si se quiere decir, pero un riesgo de poca altura. No funciona ni como drama ni como nada. Eso sí, toca las narices bastante, no sólo por su estúpida puesta en escena que encima le ahorra trabajo al montador, sino porque además se ha pretendido hacer con esto un nuevo tipo de cine dentro de nuestras fronteras. Pues vamos bien, ahora el cine español empezará a estar más solo que nunca. Si ya tenía no pocos detractores, ahora, con ofertas como ésta, algunos no le volverán a conceder ni la más mínima oportunidad. Por cierto, que alguien le enseñe a este señor a acercar la cámara a los personajes para que nos podamos enterar de lo que dicen los mismos. Al parecer lo ha vuelto a hacer en su nueva película, y con la excusa de que así el espectador pondrá atención ya que no sabemos escuchar. Pues nada hombre, que nos pongan las butacas fuera del cine para que nos concentremos al máximo.

En Blogdecine:

• ‘La soledad’, la sencillez que paulatinamente va emocionando

Actualización: dejándome llevar por mi entusiasmo, no he caído en que efectivamente Rosales no ha inventado nada de nada (algunos medios decían que sí lo había dicho). Muy acertadamente me han llamado la atención, y así pues rectifico. Eso sí, no le sube puntos a la película. Ni de coña, vamos.

Ya desde mucho antes de que ganase sus tres Goya, tenía pendiente ver ‘La soledad’. Incluso mencioné en mi entrada sobre lo mejor del 2007 que sabía que se trataba de una de mis lagunas y que probablemente merecería aparecer en la lista si la hubiese visto. Por fin he cumplido. No sé si en la lista de las diez mejores películas del año pasado, pero sí que estaría entre las tres o cuatro mejores españolas de 2007, siempre según mi opinión.

Jaime Rosales, director de ‘Las horas del día’, ha dirigido a Petra Martínez, Paloma Mozo, Miriam Correa, María Bazán, Nuria Mencía, Carmen Gutiérrez, José Luis Torrijo, María Bazán, Pep Sais y Roberto Mori. Adela, que se ha ido a vivir a Madrid con su hijo de un año y medio, comparte piso con Inés, que es hija de Antonia, dueña de una pequeña tienda de ultramarinos. Inés tiene dos hermanas y a una de ellas, Nieves, le diagnostican un cáncer. Otra de chicas, Helena, le pide a su madre un préstamo para un piso. Aunque al principio Antonia se lo niega, al final accede a vender la casa en la que vive para que su hija pueda comprarse un apartamento en la playa de máximo lujo. Esto enfada a Inés, que considera el gesto egoísta por parte de Helena.

Se ha hablado de ‘La soledad’ por su acercamiento que roza lo experimental. Los planos compuestos con absoluta frontalidad y sostenidos un largo tiempo, el alejamiento de la cámara con respecto a los personajes y las divisiones de pantalla son marcas de estilo propias de una película no narrativa destinada a ser expuesta en galerías de arte. Y, a pesar de todo eso, lo mejor de ‘La soledad’ son las emociones, pues son éstas las que finalmente la convierten en una gran película.

Pero no se puede separar una cosa de la otra. Incluso lo que más se podría considerar difícil de la película, en cierto modo, contribuye a que en su parte final funcione. Comienza de manera muy radical, con esos planos que os describía y con un inicio larguísimo, que hace que pase casi una hora hasta que ocurre algo que no quiero contaros. Es obvio que se podría haber recortado metraje de este tramo, sin embargo, gracias a que dura tanto, entras en ese estilo y llegas a pensar que eso es todo lo que va a haber. Así, cuando ocurre, si no se sabe de antemano, la sorpresa es mayúscula.

A partir de ese momento, la película se percibe de otra manera y de repente estamos metidos en las vidas de esas personas. La autenticidad de las situaciones es mayor que la de casi cualquier film. El hecho de que las actrices sean muy poco conocidas ayuda a que parezca que estamos viendo a personas del mundo real. Sus diálogos son perfectamente creíbles y la forma en la que los interpretan es muy de verdad. Además de eso, los problemas son fácilmente extrapolables a los propios, pues cualquier persona que tenga hermanos o hermanas seguro que encuentra conocidas algunas de las discusiones.

Aunque todos los actores y actrices están perfectos y sumamente auténticos en ‘La soledad’, sobresalen Sonia Almarcha, que interpreta a Adela, porque de ella es de quien más escuchaba sus frases como si estuviese hablando con alguien en la vida real, tanto que hasta en muchas ocasiones sentía el impulso de responder. Petra Martínez, que hace de madre de las tres mujeres, actúa de forma tan soberbia que crea un personaje enorme, con algunas respuestas casi cómicas y con una abnegación tal que es imposible no sentir lástima por ella e impotencia ante el abuso que ejercen, de forma muy suave, pero hiriente, sus hijas sobre ella. De nuevo estas cuestiones se pueden extrapolar y ‘La soledad’ no consigue que te emociones únicamente por lo que estás viendo, sino que empieces a pensar en tu propia vida y en tus familiares y no puedas evitar reflexionar.

Por lo tanto, una película que aparentaba ser sumamente fría, en su parte final te llega muy adentro. Y, como decía en la introducción, el tratamiento estético, aunque parezca que es contrario a lograr esto, ayuda mucho. Estos tiros de cámara tan extraños sirven para que parezca que nos estamos colando por una ventana en las vidas ajenas. La pantalla partida nos aporta los sentimientos de los dos personajes en un solo encuadre, además de que genera espacios nuevos, crea distribuciones de hogares imposibles, pero hace que parezcan normales logrando que, en ocasiones, apenas se perciba el la división. Gracias a la teórica distancia, vemos sufrimiento, pero sin melodrama, sin aspavientos, sin exageraciones. Así ‘La soledad’ alcanza la sobriedad, que es otra de las virtudes que la convierten en una buena película.

Concluyo aquí la crítica diciendo que es una película que puede parecer difícil y radical en un primer momento, incluso llegar a aburrir mucho; pero que si se entra en ella y en las emociones de los personajes que presenta, tiene una enorme habilidad para calar muy hondo.