Como todas las películas de Godard, hay mucho de ensayo. Y me parece hermoso que en este diálogo, Godard deje volar las palabras. Para ello usa una presencia cómplice de su escena intelectual, el filósofo Brice Parain. La conversación es también una muestra de la cultura vasta de Godard: Platón, el interés por las palabras, una obvia connotación poética. Pero todo fluye con harmonía en el diálogo, las conversaciones resultan frescas, naturales, pero llenas de una poesía maravillosa. Las mejores películas de Godard, en especial del Godard inicial, tienen una vitalidad insólita, admirable, que explica, al menos sociológicamente, la etiqueta arte y ensayo.: de repente, el arte importa, puede hablar de cualquier cosa, incluso de esos temas que parecían reservados. Claro que existían ya Vertov, Chaplin, Dreyer o Buñuel, por citar unos cuantos, pero el efecto de Godard cambió a una generación.

A nivel fílmico, Godard se muestra estratégico: cuando el diálogo se vuelve más hermoso, cuando llega a su clímax aforístico, permite a la voz hablar a un ritmo distinto de la secuencia. Es un efecto todavía sutil. Nick Pinkerton admiró la película y escribió que la composición era “cuidadosamente indiscriminada”, algo que me parece muy adecuado. Susan Sontag describió la película como uno de las obras de arte más originales, hermosas y profundas que conocía. Viendo solamente estos diez minutos, me basta para afirmar lo mismo. Y viéndola de nuevo, no puedo ser más contundente.

Fue pintor y su escritura nunca tuvo visos literarios, pero fundó (e incluso terminó) con un estilo. Su escritura era inimitable, por eso la idea de que Farber tuviera discípulos sonaba realmente ridícula, tan ridícula como la de pensar que hay poetas que pueden declararse seguidores profundos de William Blake. Hay figuras que se mantienen aisladas, felices en tal dicha. Muchas veces no recordamos a los mejores críticos de cine, pero Farber fue uno de ellos. No ha sido todavía debidamente traducido al castellano, pero por otra parte ¿podría usted, oh alma de cántaro, entender esa prosa?

Porque incluso los anglosajones sospechan de todo cuanto Farber escribe, todos detectan en su prosa algo intraducible, profundo. Y sin embargo, hubo una traducción y más que aceptable. El libro se llamó Arte Termita contra Elefante Blanco y Anagrama todavía no se ha dignado en volver a editarlo y si tenemos en cuenta que la edición está fechada en 1974 creo que ya están tardando. La traducción fue de José Luis Guarner, a la postre prologuista. ¿Quién sino Guarner para traducir y entender la brillantez de Farber? ¿Quién sino Guarner, el mejor crítico de cine que ha tenido la historia española, el más insobornable, el más incansable, el más añorado?

Manny Farber escribió tantas cosas que uno no debe estancarse en su concepto mágico del Arte Termita, un tipo de película que se enfrenta al Arte Elefante. Otro día discutiremos estos conceptos con soltura y gracejo, ahora solamente quiero rendir un homenaje a la prosa de un maestro todavía indiscutido en sus observaciones. Pongamos que hablaba de ‘Taxi Driver’ (id, 1976). Escribía en aquella crítica, que firmó junto a Patricia Patterson:

With its nervous-generous hoopla of techniques (including the tic of flicking suddenly to a ceiling shot directly down on a seduction, gun sale, or bloodbath episode), almost every moment of a lumpen figure’s hellish career has an assaultive quality, like a gnat banging suicidally against the light fixture.

Voy a tratar de proponer una traducción, rápida e incompleta, ante esta exhibición, nerviosa y a veces impenetrable, de observación.:

Con su nervioso/generoso juego de técnicas (incluyendo el tic de pasar de repente a un plano del techo tras una seducción, una venta de armas o un episodio sangriento), casi cada momento de esta figura del lumpen y su demoníaca carrera tiene una cualidad que asalta, como un mosquito golpeando suicida contra la luz.

Su estilo es inmenso, incluyendo toda esa inventiva que permite ya la lengua inglesa (assaultive, por ejemplo), pero también tiene algo misterioso todavía. Su propuesta gramática carece de un rigor académico o de una belleza o de una voluntad de estilo, digamos, ordenado. Está deliberadamente colocada para ser algo entre el aforismo y la visión enloquecida, la nota observadora, de un pintor. Pero es que su observación es esencialmente cierta. El guionista de la obra maestra de Scorsese, Paul Schrader, uno de los pocos cineastas norteamericanos que fue crítico y trató de escribir una poética sobre el papel, habló sobre la muerte de Farber y del recuerdo de su persona. Tomemos la abertura de esa crítica maravillosa:

Taxi Driver has a lot of negative aspects, but it would be silly to shrug off his high-class visuals and its high class actor, Robert de Niro, whose acting range is always underscored by a personal dignity.

Taxi Driver tiene muchos aspectos negativos, pero sería estúpido negar la importancia de su aspecto visual de alta categoría y de su actor de gran clase, Robert De Niro, cuyo registro actoral está siempre subrayado por una dignidad personal.

¿No os parece la mejor descripción que habéis leído sobre el talento de DeNiro? Lo es, y al mismo tiempo es la mejor manera de presentar una discrepancia seria, importante.

El cine es muchas cosas, y por muchas cosas entiendo que una experiencia social y personal forjadora de memoria y también un arte que incluye diversos mecanismos de producción y distribución, pero también una lectura en marcha. Farber recordó por qué importaba. Es a él a quien hay que agradecer toda esa labor. Habrá que seguir leyendo a Farber, nos guste o no.

En USA existe una larga tradición de adorar películas objetivamente infames por lo divertido que puede ser su visionado en grupo en según qué ocasiones. Eso es algo que aún no ha conseguido el suficiente asentamiento en España, y es una pena, ya que hay ciertas películas en cuya ausencia total de calidad hay un algo especial que las convierte en más divertidas que la abrumadora mayoría de las comedias que se estrenan. Si las ves dispuesto a ello, y no únicamente pensando en lo horrible que es todo lo que estás viendo (algo inapelable si alguien esgrime ese argumento), te ofrecerán una de los mejores experiencias cinéfilas de tu vida. Y es que es muy fina frontera entre sufrir con una película como me pasó a mí con ‘Anonymous’ o conseguir una sensación de satisfacción no tan lejana a la que tienes cuando ves una de tus películas favoritas por primera vez. Ojalá hubiese sido ese el caso de ‘Anonymous’, pero no, hay películas que simplemente son malas.

Yo he de reconocer que siempre he sentido un interés por encontrar virtudes escondidas en las producciones menos conocidas del cine fantástico, aunque para ello siempre acabe tragándome una cantidad inmensa de bodrios insoportables. De ahí acabó surgiendo la necesidad de encontrar una forma de entretenerme viendo películas tan abobinables abominables que convertía la idea recibir una paliza en algo atrayente. Y así es como uno acaba riéndose como si no hubiera mañana viendo cosas que casi hacen parecer que Uwe Boll es un director con talento. El siguiente paso natural era implicar a amigos y organizar sesiones de cine con títulos sin ninguna calidad sobre el papel, pero con un aspecto tan sumamente absurdo que te cuesta creer que no vayas a amar esa película. Hay quien vería en estas películas algo ideal para ver mientras estás borracho o has consumido otro tipo de sustancias dopantes, pero las hay que no necesitan de eso, sino de ir motivado para disfrutarlo.

Es cierto que lo más fácil sería aprovechar filones ya muy comentados como las versiones turcas de superproducciones americanas o las películas de The Asylum, productora especializada en hacer versiones alternativas de algunos de los grandes estrenos de Hollywood. Por poneros un ejemplo, una de las obras que andan preparando es ‘Grimm´s Snow White’, la cual llegará a estrenarse antes que las dos superproducciones que las majors estrenarán durante 2012. Sin embargo, mi intención es no caer en los lugares comunes y compaginar alguna muestra del buen mal cine más conocida con otras que no han alcanzado aún el estatus de película de culto. Quiero aprovechar para comentar que acepto sugerencias, dentro de las cuáles puede que alguna ya tuviese previsto hablar de ella, otras no tengan para mí esa magia especial para que las incluya aquí, pero también puede que alguna acabe siendo comentada.

Por lo pronto, os dejo con uno de los momentos más míticos que haya dado cualquiera de las joyas de la basura:

Hace unos días Nacho Vigalondo publicaba en su blog un artículo (que podéis leer aquí) sobre el tema de la violencia en el cine, con motivo de la proyección hace días en Sitges de la película ‘A Serbian Film’, que ha levantado no poca polvareda debido a ciertas escenas muy pasadas de vueltas (si leéis el artículo lo comprenderéis).

La polémica en las películas es tan antigua como el cine mismo. Desde ‘El nacimiento de una nación’ (Birth Of A Nation’, D. W. Griffith, 1915), donde asistíamos a una abominablemente reaccionaria película (aunque una Obra Maestra en los valores puramente cinematográficos) en la que se narraba el nacimiento del Ku Klux Klan, hasta ‘Tabú’ (‘Tabu: A Story Of The South Seas’, F. W. Murnau, Robert Flaherty, 1931), con el escandaloso desnudo de una principiante Hedy Lammar, el cine como cualquier otro arte, está abierto a infinitas reacciones. En este especial tocaremos películas que provocan reacciones encontradas, viscerales. No estoy hablando de polémicas tipo Shyamalan sí-Shyamalan no o de si ‘Origen’ es una Obra Maestra o una tomadura de pelo. No. Vamos a hablar de películas que sangran, que hieren retinas, que hacen gritar a los espectadores de indignación o de horror, que provocan que el Vaticano tome cartas en el asunto. Vamos, la pantalla en llamas.

En un especial así, os tenéis que mojar. Aquí no sirven las medias tintas. Próximamente en Blogdecine. Menores acompañados.

Gonzalo Martín, que escribe habitualmente en su web gonzalomartin.tv sobre la nueva industria audiovisual, posee casi veinte años de experiencia en consultoría y puestos directivos en España. En la actualidad asesora a empresas sobre cine online, Internet, nuevas tecnologías y estrategias en social media.

• Es indudable que en los tiempos que corren la adaptación del nuevo modelo de negocio en torno a la distribución del cine en Internet está en pleno proceso de desarrollo ¿cómo ves el futuro inmediato?

Mirar el futuro es siempre una suposición, pero todo lo que es crear imágenes en movimiento está sometido a una misma fuerza: la convergencia digital y su consecuencia, la personalización: se quiere ver lo que apetece, cuando apetece, donde apetece, con el aparato que se tenga a mano y compartirse (no sólo intercambiar archivos, sino intercambiar experiencias) con quien se quiera. Esto, en realidad, ha ocurrido siempre, o ha estado ahí de forma latente. Lo que pasa es que ahora la tecnología lo convierte en simple y cotidiano.

Los productores han perdido el control que ejercían sobre su producto, al menos como era en el pasado, y buscan formas de venderlo y presentarlo de manera que se creen formatos que no dependan de las condiciones que hemos mencionado: se intenta crear acontecimientos sociales de mucha notoriedad en nichos específicos o para el conjunto de la sociedad, buscan crear universos de contenido que se consuman por muchas vías generando marcas y franquicias con más de una fuente de ingresos, desarrollar experiencias que no puedan experimentarse digitalmente, etc. Por otro lado, no es lo mismo hablar del futuro de la gran producción que de la creaciónción independiente (o lo que entendemos por él). Porque cada uno tiene su circunstancia y sus condicionantes de público.

• Cada día se están imponiendo con más fuerza servicios de visionado en streaming como negocio viable y alternativo para la industria de distribución ¿crees que servicios como Hulu o Netflix conseguirán imponerse y seguir creciendo en otros mercados?

El anunciado lanzamiento de Hulu en el Reino Unido parece que está definitvamente suspendido. Siempre han mostrado –y siguen mostrando– vocación internacional. Netflix tiene carácterísticas de minorista (es un videoclub, no una “distribuidora”) y por la lógica de comercialización internacional es muy complicado.

La dificultad de trasladar esas marcas tan potentes fuera de EEUU (sin olvidar que son servicios desconocidos por el gran público) están sometidos a la práctica de comercialización de los derechos por ventanas y territorios. No se hace de un día para otro el cambiar procedimientos y relaciones de décadas al mismo tiempo que se trata de preservar los flujos tradicionales de ingresos que son, hoy por hoy, en los que se sigue basando el negocio.

De las dos, sólo veo a Hulu con posibilidades porque es propiedad de tres grandes grupos esenciales: NBC, News Corp. (Fox) y Disney. Si ellos quieren, podrán conseguir quedarse con los derechos online de grandes títulos y construir desde allí. Pero lo probable es que tropiecen con las estrategias locales de cada una de esas compañías en cada país y con sus propias estrategias online globales. Netflix, por el contrario, es un comercializador que no controla el contenido original.

• En España las descargas P2P son legales y la extensión de la cultura de las descargas de películas gratis muy extendida ¿Crees que el espectador español de hoy está en buena predisposición para pagar por estos servicios?

Contestar a esta pregunta sobre la premisa de “creer” no me gusta. Es un acto de fe. Y nos tropezamos con elementos de todo tipo, desde las estructuras de precios, la renta per cápita, y, seguramente elementos de tipo antropológico o cultural. Haré algunas observaciones personales que, seguramente, hay quien las encontrará discutibles.

Me parece oportuno mencionar algo que suele estar fuera del debate y en lo que insisten muchos grandes analistas: en realidad, y esta es una aseveración que suele chocar, el público no ha pagado realmente por los contenidos, sino por acceder a ellos. Lo que se paga por un DVD va mayoritariamente a cubrir los costes de distribución y marketing, no al productor. Lo mismo pasa con la recaudación en salas. Sucede con la música y con los periódicos: el precio del periódico cubre el papel, imprenta, furgonetas y retribución del quiosquero y no se concibe su rentabilidad sin publicidad. Cuando los costes de distribución bajan a límites mínimos (el coste de una descarga para el usuario es virtualmente cero, copiar un archivo en un disco también) y no hay una experiencia de uso alternativa que sea percibida como de valor, la gente no parece querer pagar.Tiene bastantes visos de que sucedería lo mismo con la producción de zapatos: si yo pudiera reproducirlos en mi casa con un botón sin que eso impida el que los demás puedan tener zapatos (es decir, no habría escasez de zapatos), no pagaría por ellos. Pero a lo mejor pagaba porque un artesano de prestigio me los haga a mano en una copia única que no se puede obtener por otros medios. Por supuesto, esto trastoca todo: con seguridad habría zapatos y zapateros, pero no zapaterías. Como todo ejemplo, puede resultar reduccionista, pero creo que se entiende.

James Cameron confirmó que Avatar ha sido la película más taquillera de la historia y la más pirateada de la historia. Alguien percibió valor en acudir a pagar una entrada, y percibirán valor en comprar un Blu-Ray 3D. Si miramos la televisión de pago en España, generalmente ha tenido menores tasas de penetración que en otros países y ha costado y cuesta muchísimo que suba el número de abonados. Si miramos como evolucionan las estrategias de las plataformas de pago en todo el mundo, vemos que se están cobrando pluses por la alta definición y hasta el 3D, es decir, de nuevo, la búsqueda de valor percibido por los usuarios es la tónica.

Hecha esta introducción, tomemos en consideración ahora la extraordinaria cantidad de contenidos que buscan un público. La mayoría de ellos fracasarán, la mayoría de ellos no tienen capacidad de arrastrar audiencias grandes, la mayoría de ellos tienen muchos problemas para darse a conocer. Y es aquí donde entra el problema del pago y el número de pagadores. Pongamonos en la piel del espectador: su tiempo de ocio es limitado y valorado. ¿Tiene sentido para él arriesgar en productos que no conoce sin tener una idea de qué van, empezar a verlos y decidir si le “enganchan” lo suficiente? Ya lo hacen con la televisión: se llama zapping. Los periódicos regalan o cuasi regalan cada domingo algún tipo de DVD con cine.

Es decir, el valor percibido de ver una película por verla, es bajísimo. Pedirle a la gente que corra el riesgo de pagar por cosas que no conoce bien ante la ingente oferta de contenidos y de ocio tiene algo de complicado a mi juicio. Mucho más cuando está acostumbrado a disfrutarlos gratis (es decir sin intercambio monetario) tanto en la televisión como en forma de regalos y todo esto antes del P2P. Si tienes una película pequeña y rara, de culto y de gusto de fans, no esperes que la pague mucha gente. Y los fans, tienen que ser muy, pero que muy fans. Si tienes una película que no termina de convencer (especialmente en tiempos donde es fácil cambiar) no esperes que quieran pagar: no te necesitan para entretenerse. Dicho todo esto como una generalización, pues el valor percibidido es siempre una cuestión personal.

• ¿Son Mubi, Filmin o Filmotech en España una buena alternativa para cambiar este concepto, para evitar las descargas gratuitas?

Pues veremos los resultados. De momento sabemos que el streaming no autorizado canibaliza la descarga: es más cómodo clicar y ver que esperar la descarga y ver. Eso sí, en el mundo no autorizado el catálogo es muy abundante, tiene todos los éxitos que, en cambio, no es sencillo que estén en plataformas online. Y ya hemos visto que lo más demandado es lo más descargado. Exitos además que se organizan de la forma en que el público quiere consumir y no como la industria los explota: la gente quiere ver series y películas, entretenimiento, y no espera o no quiere esperar a las distinciones de un producto u otro que realiza la industria ni a sus ventanas de explotación.

Pero, hablemos de modelos de negocio. Estos son casos de pago por visión o por subscripción. Tenemos, además, ADNStream que es soportado en publicidad. Si seguimos la lógica anterior, la gente buscará el potencial de acceso a todo el contenido que le gusta. Si le das una experiencia de uso excelente, una experiencia de uso integrada con todo el catálogo que potencialmente espera tener (caso Spotify), con acceso desde cualquier parte, aparecerán usuarios de pago, seguro. Si además, ofreces el suficiente contenido gratis para probar la experiencia y crear dependencia en el uso, aparecen usuarios de pago. Si integras el uso social, pues más. Otra cosa es el precio y los márgenes que pueden proporcionar estas formas de consumo.

Este tipo de preguntas tan frecuentes sobre la rentabilidad online, creo que las estamos formulando mal, porque en realidad pretenden englobar más de una sin saberse. Las preguntas son esencialmente dos: ¿de qué forma son rentables los agregadores de contenidos? Eso es lo que son los servicios que hemos mencionado. La segunda sería ¿de qué forma contribuyen estos sitios a la recuperación de la inversión del productor? Son dos cosas muy distintas. Para el primero, un gran volumen con contenidos premium o muy relevantes para su nicho debería llevar a un camino de rentabilidad con un número de usuarios adecuado. Sospecho que hay sitio para pocos, pero esos pocos –seguramente de escala internacional y no con dimension española– pueden vivir como servicio. Hulu ya dice ganar dinero.

Para el productor el problema sigue siendo el mismo de siempre con el inconveniente de que las estructuras actuales ya no funcionan demasiado bien para el producto convencional si es que para algunos han funcionado alguna vez. Para el productor el problema consiste en cómo financiar un producto de altísimo riesgo. De nuevo hay que hacerse más preguntas: ¿qué quiere usted rentabilizar, una película de autor o un gran título comercial para todos los públicos? Y todo eso simplificando mucho.

Y ahí, claro, empiezan los matices: ¿podemos decir que el problema del cine español es ganar dinero con la distribución online cuando son deficitarias de partida y pase lo que pase y salvo honrosas y aisladas excepciones? ¿Cuando se pagan con fondos públicos y por obligaciones legales? Yo discrepo de algunas opiniones: el problema no reside expresamente en la rentabilidad de la exhibición online, reside en la rentabilidad misma de lo que se ofrece. Es decir, el producto ya era difícilmente rentable por los mecanismos clásicos, como para pedírselo al online por muy poco que pague. Y esto vale en general para casi todo el cine europeo, con las excepciones que se quieran poner. Otra cuestión es que los mecanismos de financiación están vinculados a taquilla y no a clicks (se supone que la legislación lo va a contemplar).

Para el gran cine comercial, por el contrario, es ver si consiguen que la distribución online sustituya el flujo de ingresos que proporcionaba el DVD antes de llegar a la televisión. Una televisión que, por cierto, al extenderse el número de licencias y ventanas cada vez puede pagar menos por un título. Hacer esto, por los razonamientos anteriores, es muy complejo. Por tanto, la gran producción redefine su producto para crear valor por los mecanismos tradicionales o generar ingresos indirectos por la vía de licencias y tratan de ampliar la vida de sus “franquicias” creando nuevas y nuevas evoluciones de las historias. Una vez que encuentras una historia que el público quiere consumir –que es lo difícil– tiene que tener una larga vida en el tiempo y en más de un territorio.

Nos quedaría el rol del distribuidor convencional y el del minorista de la venta de copias. Es decir, de quienes han hecho su vida comprando los derechos para vender discos en cajitas a través de redes minoristas y la de estos minoristas. Aquí, todo el mundo debería tener claro que la evolución de la tecnología, como en esos ejemplos que reiteradamente se hacen sobre los coches de caballos y los trenes, conduce a que esa forma concreta de ganarse la vida desaparezca. Otra cosa es si se pueden reinventar. O cuantos de ellos.

• ¿Son las descargas P2P de películas realmente las causantes de la crisis de la industria del cine en España? ¿o más bien la falta de adaptación a la actualidad y a un nuevo medio tan veloz como Internet?

Crisis y cine en España son palabras permanentes, es decir: es un mundo endeble desde siempre, con poco mercado. Decir que es “industria” incluso lleva a debate. Los representantes oficiales del medio dicen que sí. Yo, simplemente reiterando el ejemplo de Avatar, tengo serias dudas. El P2P es un síntoma de otras cosas que van más allá de la “adaptación”, porque ya debemos empezar a dejar de hablar de P2P y asumir que el uso no autorizado está mutando a servicios más sofisticados de descarga y subscripción. Como cabía esperar.

Si volvemos al argumento anterior y que bien reflejas con la palabra “crisis”, ¿se puede hablar de crisis por la distribución online de algo que nunca en las últimas décadas ha podido vivir sin asistencia pública? ¿Cuándo empezó el proceso de no adaptarse? Si las películas se tienen que hacer por imposición legal y no porque un inversor vea dinero, ¿entonces qué más daría que la gente las descargue? Más cuando el público paga y conoce el canon. Yo no veo esta capacidad para la autocritica en los representantes de la industria, gustosos de comparar cada descarga con una venta perdida lo que es, verdaderamente, poco creíble y poco serio, aunque tenga una influencia real. Súmese que en la percepción del público la distribución de cine gratis se produce hasta los domingos con periódicos, o a muy poquitos euros en los saldos de los propios quioscos. ¿Está en crisis todo un modelo de negocio, todo un concepto de producto, acelerado por una forma de distribución o todo consiste en que existen las redes?

Esto no quita que haya situaciones a mi juicio injustas. Explicarlo sería extenso para el espacio que tenemos. Pero esa injusticia se encierra en un marco jurídico que tampoco está adaptado a los tiempos: en realidad, cuando se pide desde instancias políticas “equilibrio” en la legislación se olvidan de cómo se ha desequilibrado en las últimas décadas en favor de los propietarios de derechos con la ampliación constante de plazos y la restricción de determinados usos. Esto no era el espíritu de la creación de lo que se ha llamado propiedad intelectual, pero ese es otro asunto. Y en esta gran polémica se está produciendo una enorme, desproporcionada y seguramente intencionada confusión entre creación y autoría por un lado y explotación económica por otro.

• La falta de ideas y originalidad del cine reciente made in Hollywood ¿tiene algo que ver con el crecimiento del éxito de las series de televisión de los últimos años? ¿están los mejores guionistas trabajando para la televisión en vez de para el cine o es que la industria televisiva está siendo más hábil y mejor adaptada a la actualidad?

¿Qué es falta de ideas y originalidad? Yo no puedo verlo así. No es gestionable. La pregunta industrial es “cuántos dólares entran por la puerta”. Eso es gestionable. Este enunciado suele molestar a la gente que, ante todo, concibe el cine como arte y, por tanto, como algo que debiera estar libre de condicionantes comerciales. Pero eso no es realista: si te financias por apoyos públicos, de mecenas y mecanismos legales y no corres riesgo comercial (es decir si, al final, el verdadero modelo de negocio es el sueldo del productor y de todo el equipo creativo), adelante, corre riesgo artístico. Personalmente, tampoco veo tantas originales y buenas ideas en el cine que no es Hollywood, como espectador selecciono con mucho cuidado lo que veo. Y pocas veces salgo con la boca abierta. Pero si explotar una película depende únicamente de que haya clientes, es decir, del mercado, entonces acusar a Hollywood de falta de originalidad no es ni siquiera una cuestión: buscan aquelllo por lo que la gente paga. Fíjate que me preguntabas si se va a estar dispuesto a pagar por el online. Yo veo gente dispuesta a pagar por Disney de muchas formas pero muchísima menos gente dispuesta a pagar por Atom Egoyan. Lo que, personalmente, no me extraña: me aburre mucho.

¿Las series y su éxito? Nos permite reflexionar como he sugerido sobre el tipo de producto: pensemos en el conjunto del audiovisual y no en cine a secas. Es una segmentación emocional y comercial que creo que hoy tiene más lastres que ventajas. El éxito de toda una generación de series está vinculado a que crean universos de contenido prolongados en el tiempo. La gente está preparada para seguir tramas complejas, muchas simultáneas, muchos personajes con su pasado y sus tramas particulares… La experiencia es superior que una película de dos horas, y nadie echa de menos una sala de cine. En tu casa se disfruta de una manera que no podrías en el cine. Cuando la historia es buena siempre queremos saber más y los hilos tienden a salir de su primer formato para generar nuevas historias. El cine ha seguido la misma senda: se ruedan todas las entregas de El Señor de los Anillos a la vez y se persiguen historias que puedan continuarse. El éxito de las series es el éxito de la complejidad del público. Volver a ver una serie de los setenta con tramas mucho más sencillas resulta, desde mi punto de vista, liviano.

¿Porque están los mejores guionistas? Supongo que los mejores guionistas están donde les pagan mejor y tienen más trabajo. Siempre habrá más guionistas que obras que se puedan financiar. Cualquier guionista, por bueno que sea, tiene más tiempo para escribir que llamadas para escribir por cuenta de otros.

• Desde Hollywood nos están bombardeando en los últimos tiempos con el 3D como verdadero salvavidas del cine ¿crees que esto es acertado o se trata de una etapa más, una moda pasajera?

Creo que he contestado. El 3D es un mecanismo para crear valor al espectáculo de forma que la gente desee tener experiencias que compensen salir de casa y pagar dentro del mar de contenidos que existe y su facilidad de acceso. Creo que no tiene vuelta atrás sin perjuicio de que nada mata a nada. Pero me puedo equivocar.

• En algunos festivales de cine recientes ya se ha ofrecido la posibilidad de ver algunasd de las películas programadas a través de Internet ¿crees que podría ser una tendencia generalizada para lograr más difusión? ¿o es más adecuado sólo para el cine de autor y minoritario?

Creo que los festivales tienen que reinventarse completamente. Tienen que buscar formas de sacar más partido a su verdadero valor: servir de lanzadera de creadores y propuestas para opciones creativas que no son parte del gusto masivo. Hacerlo en el siglo XXI es asumir riesgo en el concepto de producto. ¿Por qué todo es para las salas? ¿Tiene sentido que su “propuesta cultural” (porque es cultural ¿no?) sea un producto que es igual desde el final del cine mudo, una cinta de entre hora y media y dos horas? Antes, lo mejor de la expresion audiovisual iba al cine, hoy… Acabas de señalar las series de televisión y te acabo de comentar su sofisticación y complejidad. La tecnología está permitiendo cosas que no se pensaban y la misión del artista es explotar las fronteras creativas.

Si se quiere apoyar la creación de autor (¿qué es un autor? perdón que me ponga tan filosófico) precisamente lo que se debiera pensar es en como cuestionar los tótems de un sistema que, hoy, sólo es válido para el gran proyecto comercial. Autores que, además, han aprendido el cine que quieren viéndolo en el televisor de casa, algunos ya en sus pecés. La sala a oscuras como premisa de lo que es válido y de prestigio es un freno para la autoría, aunque sea una realidad comercial ahora mismo inevitable. Coppola ha llegado a decir que le gustaría poder tener un título en salas y cambiar desde su casa el montaje cada semana. El festival debiera buscar el producto mutante. Ahí veo exploración y riesgo. Apoyar lanzamientos directos por la red hacia el hogar sería exploración y riesgo. Apoyar productos que no son “un filme” sino obras que crecen en varios medios y con reelaboraciones admitidas por todos realizadas por el público y otros creadores (el público ya es autor también) es pensar en la autoría y la creación. Lo que tiene salida en el mercado clásico, tiene mecanismos de promoción bien desarrollados y tiene que gustar a audiencias amplias. Pero quizá estoy siendo demasiado vanguardista.

• ¿Qué papel crees que juegan los blogs y las redes sociales en el cine actual? ¿son sólo un vehículo más para la promoción y el marketing o pueden aportar algo nuevo y significativo que cambie la forma de informarse y conocer la actualidad cinematográfica?

El mismo papel que en el resto de la sociedad. El marketing de cine siempre se ha centrado en crear un evento alrededor del estreno y después apoyar el buzz que se genere para estirar lo que se pueda. Un boca a boca malo no se resuelve con redes sociales, en todo caso se acelera: ahora los twitts con comentarios de la película salen el mismo día del estreno acortando el tiempo que queda hasta llegar a la máquina de café del lunes y decir “no me gustó”. Yo creo que los especialistas en marketing de cine, se ve perfectamente en EEUU, están empleando los canales donde están las audiencias: pero no debe olvidarse que el objetivo es conseguir que la gente deje su casa y pague una entrada de cine con una ventana de oportunidad muy corta. Hay poco espacio para trabajos de creación de marca a largo plazo. El cine suele tener una única bala y hay que dispararla bien. Así que el empleo de los medios sociales estará condicionado por esta premisa.

• Una pregunta más personal: ¿qué tipo de cine te gusta más: el norteamericano o el español? ¿cuáles son tus películas recientes favoritas?

Me gustan las películas que me gustan y me da igual de donde vengan. ¿Favoritas? Demasiadas: escribo esto desde el tren y me he acordado de Comer, Beber, Amar. Y de El hombre tranquilo. Pero bien podría haberme acordado de Goodfellas y Casino. O de Balzac y la Costurera China. De El Verdugo. O de El Nido, que puede que hoy no aguante bien y que me influyó mucho de niño. Son muchas, como para todo el mundo, pero ahora mismo tengo más pasión por Mad Men que por cualquier nueva película que haya visto en el cine en los últimos años.

Agradecemos a Gonzalo Martín su interés y el tiempo concedido para esta entrevista.

Foto | Agora News

Cual fue mi sorpresa cuando recibimos un comunicado del excelente programa Efecto Mariposa solicitándonos una colaboración en su siguiente programa radiofónico. Y como el programa iba a estar centrado en Polanksi, y además les había llamado la atención mi artículo sobre ‘El pianista’, pues acordamos que me llamarían por teléfono desde el otro lado del Atlántico (el programa es de Radio Uruguay, en Montevideo) y hablaríamos sobre cine, sobre arte, sobre Polanski y sobre un montón de cosas más.

Así que, sí, ese que responde un tanto nervioso soy yo. Pero porque, aunque algunos quizá no me crean, soy bastante tímido, y además soy bastante nervioso. Y había cierto retardo en el sonido (dada la distancia) y a veces no sabía si me escuchaban. Pero bueno, creo que resultó una conversación bastante amena, aunque no estoy seguro de si hablo demasiado. Que juzgue el lector. El audio, a continuación:

Hablando sobre Polanksi en ‘Efecto Mariposa’ (El pianista, audio, mp3, 2´6 MB, 04/08/2009)

Además de mis colaboraciones en Cope Catalunya en el programa La alternativa, participio de vez en cuando en Punto radio en el programa presentado por Ana García Lozano, ‘Queremos hablar’. La semana pasada hablamos, en compañía de su habitual crítico de cine, Antonio Albert, sobre los biopics, un subgénero que siempre ha estado presente en cualquier época del cine. Los biopics, son como su mismo nombre indica (biographic picture) películas biográficas, casi siempre de alguien muy famoso en la historia.

En los últimos años tenemos films como ‘En la cuerda floja’, ‘Ray’, ‘Truman Capote o ‘El aviador’, que se han acercado a su figura central desde varias perspectivas, haciendo hincapié en el lado más oscuro de las mismas. Pero no hay que olvidar que el biopic lleva haciéndose en Hollywood desde que el cine es cine. Films como ‘El joven Lincoln’, de John Ford, entran de lleno en la acepción de biopics, en una época en la que quizá se subrayaba el tono idealista de las historias.

La foto de arriba pertenece al rodaje de ‘Bird’, biopic que Clint Eastwood realizó sobre ese genio de nombre Charlie Parker. A continuación, el audio del programa.

Queremos hablar (Los biopics, audio, mp3, 9´4 MB)

Tengo tan descuidadas mis colaboraciones en La Alternativa de Cope Catalunya, que ya ni recuerdo de lo que hablo en algunos programas. Antes de recargar las baterías, y empezar a colgar alguna de las colaboraciones que también hago en Punto Radio en el programa de Ana García Lozano, aquí os traigo los audios de los tres últimos programas de La Alternativa, que como bien sabéis, está conducido por vuestra locutora favorita, Olga.

En ellos hablamos apaciblemente sobre películas como ‘La sombra del poder’, entretenida cinta de suspense; ‘Déjame entrar’, esa joya atemporal de corte vampírico; la última maravilla de Hayao Miyazaki, ‘Ponyo en el acantilado’; un rápido repaso a la última edición de Cannes en el que Olga se niega por problemas de censura (la Cope, ya sabéis) a nombrar el título del nuevo largometraje de Lars Von Trier, la esperadísima ‘Anticristo’; y sobre ‘Ángeles y demonios’, que esta vez no ha levantado absurdas opiniones fundamentalistas en contra.

A continuación, los audios:

‘De cine’ (24-04-09, audio, mp3, 4´2 MB)

‘De cine’ (11-05-09, audio, mp3, 2´4 MB)

‘De cine’ (24-05-09, audio, mp3, 17´4 MB)

• Dante (Eusebio Poncela) en ‘Martin (Hache)’, de Adolfo Aristaráin (1997)

Yo es que es ver esta secuencia y que se me pongan los pelos como escarpias. Cuántas veces habré deseado que pase esto mismo en alguna representación teatral, donde veo a los actores deseando desembarazarse del corsé de las paredes del teatro y lanzarse a hablar y a interactuar con el público. Momentos como este enardecen mi espíritu. Y claro está, tenemos la interpretación magnífica de un Eusebio Poncela en vena. Inolvidable.

• Joker (Heath Ledger) en ‘The Dark Knight’, de Christopher Nolan (2008)

La magnífica película de Nolan tiene en su haber buenas escenas de acción, excelentes interpretaciones, un diseño de producción realmente único, y algunas ideas brutales. La más sorprendente de todas, la decisión del Joker de quemar todo el dinero (creo que trescientos millones de dólares) que le ha pagado la mafia con tal de librarse de Batman. Un momento que es la definición de la anarquía.

¿Cómo vencer a un hombre al que le da lo mismo el dinero? Si no se le puede comprar, no se le puede combatir. Es casi indestructible. De todos los actos de la destrucción de las normas sociales, este es a mi entender el más importante que hace en toda la película.

• Rose (Kate Winslet) en ‘Titanic’, de James Cameron (1997)

Donde otros ven una ñoña historia de amor, yo veo una trágica y lírica relación. Pero veo más cosas, veo un relato feminista como muy pocos nos ha regalado el cine. Es increíble todo lo que tiene que sufrir Rose, y ya convencida de que no quiere la vida que le han (pre)fabricado, se vuelve hacia su ex-prometido, y le espeta: “prefiero ser su puta que tu esposa”. Y con esa mirada de desprecio que le suelta, y para librarse de él le escupe en un ojo.

¿Quién con una (seria) conciencia social no puede sentirse enardecido viendo como una muchacha escupe a su ricachón prometido, asegurándole que prefiere ser la puta de otro a su esposa? Yo, personalmente, no puedo dejar de ver ese momento una y otra vez.

• Alexander (Erland Josephson) en ‘Sacrificio’, de Andrei Tarkovski (1986)

En la excepcional obra maestra de Andrei Tarkovski (el séptimo y último de sus largometrajes) Alexander tiene que purgar su interior, purificarlo de alguna manera, y la única manera de lograrlo, para él, es librarse de sus fantasmas y de todo aquello que le ata a una vida terrenal, por mucho que sufra su familia. ¿Egoísta o mártir? Vean la película. El plano es conmocionador. Y además viene a asentar la idea de Tarkovski de que si nos libramos de lo material nuestro espíritu se verá más libre. ¿Hay algo más anárquico que eso?

• Todos los esclavos en ‘Espartaco’, de Stanley Kubrick (1960)

Algunos dicen que es el momento más rojo del cine norteamericano (teniendo en cuenta, además, quién la escribió), pero lo cierto es que es un momento realmente lleno de espíritu anarquico. Todos somos Espartaco en la lucha contra el poder, ninguno más importante que otro, viene a decir esta hermosa secuencia. Ah, ese Kirk Douglas llorando, pues sabe que todos morirán por defenderle. Inconmensurable.

Me parece el momento más importante de todo el cine del endiosado y sobrevalorado Kubrick. El más emocionante y el más auténtico.

Seguro que los lectores tienen escenas que les rebelan contra el mundo que les ha tocado vivir. No os cortéis, si tenéis alguna.

En el Programa de La Alternativa de la semana pasada, vuestra locutora preferida, Olga, me preguntó la opinión sobre el nombramiento de Ángeles González Sinde como nueva Ministra de Cultura. Y evidentemente yo le respondí, sobre todo en lo que concierne a la lucha de esta señora contra la piratería, uno de sus principales objetivos en el desempeño de su nuevo trabajo. Claro, los top mantas están llenos de films españoles, y los hogares de los ciudadanos de este país en los que hay Internet tienen todo el día los ordenadores bajando películas patrias.

También hablamos de la cantidad de remakes que se avecinan (la mayoría de ellos innecesarios), y de lo triste (en líneas generales que siempre hay excepciones) que resulta ir al cine a disfrutar de una buena película. Como siempre, aquí os dejo el audio.

De cine (11-04-09, audio, mp3, 4´6 MB)