Historias de cine

Ahora que se aproxima la noche de Halloween nos llueven las ofertas para hacernos pasar miedo. Por supuesto, opciones cinematográficas tenemos hasta decir basta, pero como ya el año pasado repasé algunas de las mejores películas de terror que había visto, en esta ocasión denostamos la calidad, que no el interés, para darle protagonismo al terror bizarro.

Muchos dirán que este tipo de cine no merece ni reseñarse, pero la selección propuesta es un compendio de curiosidad, terror, gore, cintas extrañas, historias inverosímiles y un culto al cine de serie Z. Hecho con sinceridad, imaginación y muchas ganas de dar miedo. O al menos perturbar al espectador. Y lo consiguen. Así que preparados (y abstenerse estómagos remilgados).

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Thomas Newman es un compositor de bandas sonoras sobradamente conocido. Por una parte le viene de familia. Es hijo del gran Alfred Newman y también hay en la familia otros compositores como su hermano David o su primo Randy Newman, un habitual de las películas de Pixar. Por otra parte, Thomas Newman se ha hecho un hueco como compositor de prestigio en Hollywood gracias a excelentes trabajos en un puñado de películas muy populares, de esas que tienen el sello de grandes producciones vestidas de Oscar.

No en vano, Newman ha logrado varias nominaciones al premio de Hollywood con sus composiciones, pero también ha cosechado otros premios (Globos de Oro, Grammys,...) por sus trabajos más alabados. A pesar de su conocida trayectoria, resulta difícil hacer una selección de sus diez mejores bandas sonoras, quizás por la popularidad de algunos films, con unas músicas más conocidas que otras, pero tiene resultados notables a lo largo de más de tres décadas de composiciones para el cine.

Su principal característica y una de las razones por la que aparece por aquí es por su versatilidad. Tiene una gran capacidad para transformarse de una película a otra, de un género a otro y en todas consigue imponer un nivel elevado. Desde el minimalismo con escasos instrumentos al uso de una gran orquesta, Thomas Newman posee soberbias bandas sonoras y es uno de los grandes. Me quedo con los diez que a continuación escuchamos.

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A pesar de su juventud, el rostro de Joseph Gordon-Levitt es bien conocido. Y la razón es obvia, empezó en esto de la interpretación siendo un niño y con 15 años saltó a la fama en una popular serie de televisión (‘3rd Rock form the Sun’, estrenada en España como ‘Cosas de marcianos’). Pero pronto su carrera como actor estuvo plagada de títulos independientes, donde se ha forjado un nombre y ha logrado respeto y admiración para ser uno de los actores con más proyección en Hollywood, donde ya ha participado y suena en grandes producciones.

Sin duda, Joseph Gordon-Levitt es un actor a tener en cuenta y que tiene la virtud de tener estrella. Le podemos llamar suerte, inspiración, saber estar en el sitio adecuado o simplemente la irrupción de un talento para el cine que le viene en la sangre. No en vano con su corta edad, 29 años, ya ha conocido lo que es dirigir (el corto ‘Sparks’) y tiene en cartera títulos muy sonados que elevaran aún más su fama.

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En esta ocasión volvemos a recurrir a otro de los grandes compositores contemporáneos de bandas sonoras de Hollywood. James Horner es con todos los honores un prestigioso compositor, que vivió su época dorada durante los noventa siempre ofreciendo lo mejor de sí en grandes producciones, y habitualmente sonados éxitos. Aunque también durante la presenta década ha aportado interesantes bandas sonoras, es uno de los compositores que más críticas negativas ha recibido. Algo de lo que nadie está exento, aunque en el caso de Horner, su talento quede fuera de toda duda.

Se le ha acusado de plagiar, de imitar con frecuencia a otros compositores menos conocidos, al igual que se le reprocha su similitud entre composiciones. Aunque ésto, para ser sinceros, es algo habitual entre todos, especialmente cuando se componen varias partituras anuales durante varias décadas. Ésto, como reivindico, no resta un ápice para valorar el excelente trabajo que James Horner ha realizado con películas sobradamente conocidas, a los que ha sabido añadir la majestuosidad sinfónica, muy en la línea de otros grandes conocidos como Goldsmith y Williams.

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Como todos y cada uno de los títulos dirigidos por Quentin Tarantino, ‘Malditos bastardos’ genera una dicotomía. Una división entre los que les acaba pareciendo una broma, una película con momentos divertidos y poco más, en los que su director se gusta y disfruta dilatando escenas con diálogos ingeniosos, y los que confirman que Tarantino es el director más cinéfilo, apasionado y autorreferencial del cine actual, pero también un soberano talento para trazar puentes entre géneros, temas, influencias y fuentes de inspiración.

Esta mezcla tan personal que Tarantino logra con ‘Malditos bastardos’ entre el spaguetti western y el cine bélico, aderezado de sus personales referencias y reciclando capítulos de su memoria y gusto cinéfilo, hace que sea una película también difícil de catalogar. Como lo es el resto de su cine. ¿Acaso es “tarantiniana”? Pues lo es y mucho. Tanto que junto con ‘Jackie Brown’ resulta su trabajo más maduro y que nuevamente sorprende a nuevos espectadores por su capacidad para crear escenas magistralmente diseñadas y que funcionan como pequeñas películas dentro del metraje definitivo de ‘Malditos bastardos’.

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Como venimos viendo a lo largo del especial dedicado a Quentin Tarantino, su obsesión por la cultura pop, por el cine de los setenta y por la plasmación de su universo referencial son los algunos de los principales motivos que le empujan a darle forma a cada trabajo. Con su querido amigo y también cinéfilo acérrimo Robert Rodríguez, Tarantino ideó un film doble, que sería un homenaje al cine de serie B que se exhibía en sesiones contínuas en los setenta, las conocidas como Grindhouse. Un cine de escaso presupuesto, plagado de errores que simplemente alimentaban la sed de cine del espectador en busca de evasión cinematográfica sin mayores pretensiones.

Ambos se juntaron, además de otros amigos comunes (Eli Roth, Rob Zombie), para crear un film doble que sirviera de homenaje. Cada uno se ocuparía de un género distinto y lo vestirían de sabor añejo, le añadirían tráilers falsos y se convertiría en un producto de culto. Sin embargo, el resultado desastroso en la taquilla usamericana obligó a separar ambos largometrajes para el mercado internacional, como forma de rentabilizar la producción. A lo que hay que unir que ninguno de los dos films (ni ‘Death Proof’ ni ‘Planet Terror’) cosechó tampoco un resultado artístico notable.

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La historia de una venganza. Así, a secas. Es como se podría definir el primer volumen del díptico ‘Kill Bill’. En ella, como señalamos, se plantea una historia en la que prevalece la acción trepidante, los golpes de katana y sangre a borbotones. Pero también algunos interrogantes quedan suspendidos. Hasta que en ‘Kill Bill vol. 2’ todo encuentra su perfecto encaje. Respuestas. Eso es lo que más encontramos en la segunda entrega, pero también una honda profundización en los personajes. Algo que sólo se dibuja en su primera mitad y ahora toma cuerpo.

Tarantino plantea este segundo volumen dispuesto a ofrecer el antídoto perfecto contra el veneno inoculado en el espectador con la novia y sus encuentros sanguinolentos. Su particular recorrido vengativo ahora queda explicado. Para ello Tarantino prescinde más del homenaje asiático para dejarse embaucar por el espíritu del auténtico spaguetti western para ofrecer la explicación de todo, para darnos a conocer la auténtica motivación de la protagonista para trazar a katana su único objetivo: matar a Bill.

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El origen de ‘Kill Bill’ surgió mientras Quentin Tarantino, y su fogosidad cinéfila, rodaban ‘Pulp Fiction’. Quedó prendado de Uma Thurman y quería que fuera la protagonista de su siguiente trabajo. Esbozó algunas ideas y junto a ello imaginaron una historia de venganza, de una asesina reconvertida en busca de justicia y redención. Todo quedó en un amago del cineasta llevado por la emoción de intentar rendir su particular homenaje al cine asiático al que tanto admira. Al cine de artes marciales, de kung-fu, a series de TV sobre samuráis, al exlpitation de los setenta,...

Años después, y tras realizar ‘Jackie Brown’, llegó el momento de darle forma a la idea embrionaria de una novia en busca de venganza. Y aquí Tarantino se explayaría. Intentaría lograr, ahora que podía, la máxima libertad creativa para hacer un film de acción, de artes marciales y de imponer su estilo. Acción y sangre a golpe de katana era el plato que le apetecía ofrecer y consiguió una película tremendamente entretenida, aunque dejando atrás algunos de sus principales baluartes de su estilo, para volver a reinventarse, o más bien sacar el lado más bestia tras años de “infectarse” de exploitation films.

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Entramos en un nuevo repaso musical con otro gran compositor como Danny Elfman. No está considerado como uno de los más grandes, quizás por su estrecha vinculación al cine de Tim Burton o por una filmografía no demasiado extensa para un compositor de su fama. Quizás esto le ha privado de mejor consideración por parte de muchos, pero es indudable que su estilo personal, su formación autodidacta y algunos claros ejemplos de oscuridad (música para gente oscura), de ambientes muy burtonianos que es donde mejor se desenvuelve, nos ha dejado grandes composiciones.

A pesar de todo, como digo es un artista poco prolífico pero de culto para muchos. Un compositor fascinante cuando se trata de ponerle notas al universo visual de Tim Burton, pero también posee suficientes muestras de un enorme talento (y de tropiezos como todo hijo de vecino). Pero Elfman, californiano de origen, aprendió a tocar el violín en Francia y su paso por África (además de enfermar) le supuso una experiencia para adquirir inspiración musical que desplegó durante un tiempo. Luego participó en una banda de rock, aunque fue en el cine donde encontró su futuro, de la mano de Tim Burton. Pero repasemos sus diez mejores bandas sonoras (difícil elegir con tan poco trabajo realizado).

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