[Nota: La versión en vídeo que hemos subido está en español, en este otro enlace tenéis la secuencia de inicio de Manhattan en V.O., con los matices y tonos que le dio el propio Woody Allen]

Como habéis podido ver en alguna publicidad que tenemos colgada en esta página, un medio tradicional pone a la venta una colección con algunas, no todas, de las películas de Woody Allen, a partir de este domingo. La serie tiene un arranque fuerte, porque la primera entrega viene con ‘Manhattan’, una de mis películas favoritas, seguramente una de la películas de mi vida. El inicio de ‘Manhattan’ lo podría incluir en esa serie de secuencias mágicas de cine, pero es tan grande y universal que seguramente para muchos es de por sí mágica, y no descubriría nada nuevo. En esta película el cineasta realiza una declaración de amor completa a la ciudad de Nueva York. La historia es lo de menos, aunque el guión es magistral, lo importante es el decorado, los restaurantes y cafés donde Woody Allen hacía su vida diaria, o esa conversación junto al puente de Brooklyn bajo la bruma y empezando a amanecer, fotograma universal sin duda. La música de George Gershwin, el Rhapsody in blue in crescendo que acompaña a Nueva York según va despertando, tanto al principio como al final de la película (ésta, otra secuencia soberbia), la demostración de que si tienes una vida hecha sin complicaciones, lo mejor es no cambiarlo.

En esta película, Allen nos enseñó una forma de rodar los paseos y caminatas de los protagonistas, no sólo por mostrar espacios de Nueva York, sino como una forma de decir que los actores no deben estar parados, que los diálogos necesitan movimiento. En una época en la que el blanco y negro era poco menos tabú, Woody Allen se arriesgó con él, porque si lo pensamos los homenajes a tus grandes amores, tanto en la fotografía como en el cine, se deben hacer en el color en el que mejor salen, que no es otro que el blanco y negro. Hace ya tiempo que no vuelvo a sus imágenes, aunque me sigue impresionando la Nueva York que esta película me mostró, diferente a la que vi hará 16 años, la mía en color por desgracia. Pero una cosa tengo clara, es el puente de Brooklyn de esta película el que tengo siempre en mi cabeza, como el Rhapsody in blue de Gershwin, o la vista aérea del sky line, o el Broadway que yo siempre imaginé con sus carteles luminosos. La culpa es de Woody, y yo bien que lo agradezco. Luego haría otras obras maestras, y cada uno ordena según su criterio las películas de Woody Allen que más le gustan, pero me sigo quedando con ‘Manhattan’, por encima de ‘Annie Hall’ (aunque lo cierto que es como preguntar a quien quieres más, ¿a papá o mamá?). Las películas de mi vida tienen esas cosas, y ahora me doy cuento lo difícil que resulta explicarlas.

[¡Ojo spoilers!: A continuación encontraréis el trailer y varias secuencias de la película (en inglés, en español y con subtítulos), entre ellas está la maravillosa escena final, con toda la carrera y el diálogo incluido, obviamente, para los que no la hayáis visto, como el resto de las secuencias, os puede destripar la película, y aunque creáis lo contrario, no importa, lo que provoca son una ganas enormes de verla… eso sí, lo correcto es avisaros primero.]

Trailer de Manhattan

Manhattan, secuencia 1

Manhattan, secuencia 2

Manhattan, secuencia 3

Manhattan, secuencia final

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A pesar de que siempre será recordado como “La Voz” y sus más de 1.200 canciones grabadas, lo cierto es que su carrera cinematográfica no se puede desdeñar. Cincuenta títulos, algunos importantes premios y el hecho de compartir cartel con otras grandes estrellas de la época, es un bagaje impresionante, para un cantante que quiso probar suerte en el mundo del celuloide.

Su filmografía, por tanto, es extensa y comprende muchas momentos inolvidables, no en vano, destacó en una de las etapas más fructíferas y más destacadas que Hollywood ha vivido. Por lo que hacer una selección de sus mejores trabajos no es fácil, pero atendiendo a mi gusto particular y la gran sensación que me dejaron, destacaría cinco películas del gran Sinatra:

• ‘Levando Anclas’ (1945, de George Sidney).

Junto a Gene Kelly formó una pareja sensacional y artísticamente se complementaron con gran complicidad. El cantante y el bailarín demostraron que juntos e inspirados podían deparar una estupenda pareja cinematográfica. En este musical Frankie se mostraba como un marinerito simpático, a la par que ingenuo y algo tímido, frente a su compañero de andanzas en Los Ángeles, que aparecía como un ciclón, un curtido hombre de mar. Sinatra estuvo brillante y mucho de ello le debió a su compañero de reparto. De la primera etapa en el cine, de Sinatra explotaba más su fama y su portentosa voz, pero con esta cinta, dio un paso más, demostrando que poseía un aletargado talento interpretativo. Kelly le enseñó a soltarse en el rodaje, a romper su rigidez e interpretar con todo su cuerpo (hasta ahora su voz en su principal baza).

• ‘De aquí a la eternidad’ (1951, de Fred Zinnemann).

Cansado de que no le supieran valorar por sus cualidades como actor, Sinatra se ofreció para el papel del soldado Angelo Maggio. Luchó por el papel pero nadie apostaba por él. Se trataba de un cantante de éxito, con algunas películas (casi todas musicales) en su historial y no parecía el más adecuado para un drama de estas características. Pero sorprendió a los productores con su prueba, dejó boquiabiertos a todos con su enorme esfuerzo y su inesperada capacidad. Como se suele decir vulgarmente, “la clavó en la primera toma”. Y es que, como después comprobaron otros directores, Frankie daba lo mejor de sí a la primera (algo similar a lo que sucedía en la grabación de sus discos, donde otros empleaban varias horas y jornadas interminables de repeticiones, a él le bastaban tres horas para grabar todas las canciones a la primera y de un tirón). Sin duda un memorable trabajo en una sensacional película, con ese momento cúspide (quizás lo mejor de su carrera) cuando muere agónicamente en brazos de Montgomery Clift. Le valió el Oscar.

• ‘De repente’ (‘Suddenly’, 1954 de Lewis Allen).

Tras su fulgurante éxito en ‘De aquí a la eternidad’, Sinatra grabó once películas en algo más de dos años. Estaba en un dulce momento y supo sacarle partido encadenando trabajos. Con esta película, y compartiendo cartel con Sterling Hayden, Nancy Gates y James Gleason, volvió a dar un enorme rendimiento, un espléndido trabajo, encarnado a un cruel asesino que junto con otros dos intentaban acabar con la vida del presidente de los Estados Unidos en la casa que da el nombre al título de la película. Un thriller brillante, de bajo presupuesto, pero en la que Sinatra bordó el papel de despiadado maníaco y asesino.

• ‘El hombre del brazo de oro’ (1955, de Otto Preminger).

Arriesgado papel en una película que levantó ampollas entre el puritanismo de Hollywood, por tratar una escabrosa temática. Aquí, Sinatra encarnaba a un heroínomano que al salir de la cárcel buscaba volver a la normalidad, dejando atras sus peligrosas adicciones. Sinatra se metió de pleno en la piel de su personaje y brilló con altura. Especialmente en las escenas en las que muestra las consecuencias del síndrome de abstinencia. Excepcional trabajo que se vio recompensado con una nominación al Oscar y la aclamación del mundo del cine. Uno de sus títulos más emblemáticos.

• ‘Como un torrente’ (1958, de Vicente Minelli).

Tras sus grandes éxitos, Frankie seguía en la brecha y ya convertido en un actor de primera fila. Otro inolvidable trabajo fue el que realizó en este melodrama de Minelli, formando excepcional trío junto a Dean Martin y Shirley MacLaine. Sinatra encarna a un escritor sin éxito, cínico, bebedor y veterano de guerra, que regresa tras muchos años a su ciudad natal, acompañado de una prostituta, enfrentándose a su pasado y donde establece relaciones con un jugador alcohólico y una chica provinciana. Enorme trabajo de los actores y Sinatra estuvo realmente convincente y soberbio en su papel protagonista.

Frank Sinatra tiene otros muchos títulos recordables e incluso llegó a dirigir ‘Todos eran valientes’, un drama bélico en 1965, lo que corrobora que se trataba en impresionante hombre de cine. Perfecto complemento a su grandiosa voz. Aprovechando la efeméride de su desaparición, se han editado varios packs de DVD’s con algunas de sus películas, además de la buena noticia de su biografía por Scorsese. Buena ocasión para recordarle.

En Blog de Cine | Frank Sinatra

Se trata de películas que para el común de los mortales no llaman la atención, pero en base a una gran interpretación como la de ese monstruo que terminó siendo Burt Lancaster con los años, y a un director como Louis Malle, que pese a sus altibajos en su época americana, nos regaló una joyita como ‘Atlantic City’.

La escena en cuestión es aquella en la que Susan Sarandon, joven, atractiva, deseable, se lava con un limón el cuerpo, ante la atenta mirada de ese gánster en decadencia que interpreta Burt Lancaster, y que gracias al deseo que despierta en él Susan Sarandon y su personaje, recupera las ganas de vivir. Lo importante de la secuencia, no es lo que se ve sino lo que se intuye. A la Sarandon al principio no la vemos de frente, y luego la miramos a través de los ojos de Lancaster, el pasado mirando al futuro, al deseo delante de nosotros, a la fruta prohibida aunque cercana. Para al final sí observar, con una elevada carga de erotismo, como se seca y se viste, y como uno es capaz de aguantarse.

La escena me parece rodada magistralmente, en algo supongo que tuvo que ver que Louis Malle y Susan Sarandon eran pareja en la vida real, y que el maduro director era quien observaba a su amada a través de los ojos del actor. Recuerdo que la escena me impresionó, como a mucha otra gente y críticos que han visto la película, porque cumple con una regla importante, enseña sin mostrar, y es nuestra imaginación la que engrandece lo que vemos. Lo dicho, si la secuencia y esta entrada sirve para que os acerquéis a ver ‘Atlantic City’, adeptos habré logrado. Eso, y que ver actuar a Burt Lancaster en estado de gracia, es un caramelo que merece la pena llevarse a la boca. Está soberbio.

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No sé como se me pudo pasar esta fecha tan destacada en mi particular calendario cinéfilo. Ya que el pasado 4 de abril se cumplió 40 años del estreno, y no quería dejar pasar la oportunidad de rememorar esta importante efeméride del maestro Stanley Kubrick.

Y resulta complicado hacerlo cuando esta película ha suscitado tantos ríos de tinta, tantos comentarios, interpretaciones y debates en cuatro décadas de existencia. Pero, quizás, no me supone tanta dificultad por tratarse de una de mis películas de cabecera y, sin duda, una de las que mayor impacto me causó en el primer visionado.

Existe tanta literatura acerca de esta película, porque guste más o menos, como espectador hay que reconocerle el valor de tratarse de un hito en la historia del cine. Una cinta que revolucionó el arte cinematográfico y que elevó el género de la ciencia ficción a la misma altura y consideración de otros, como el western, el musical o el drama.

Resulta fascinante analizar y profundizar en las múltiples interpretaciones que se derivan de la película. La casi ausencia de diálogos o una voz en off que faciliten su entendimiento, además de su lentitud narrativa y su carácter experimental, la convierten en una película compleja, que exige del espectador algo más que su mera atención. Pero esta dificultad no está reñida con su enorme capacidad de impacto, de transmitir sensaciones que no dejan indiferente. Resulta toda una experiencia intensa si se ve en las condiciones adecuadas.

También resulta fascinante conocer algo más sobre su dilatado y denso proceso de creación. Y aún más, si tenemos en cuenta que todo se debe a la prodigiosa mente de un genio como Stanley Kubrick y su extremada obsesión por el perfeccionismo que hizo que su producción fuera toda una proeza fílmica.

Kubrick deseaba hacer “la película” de ciencia ficción, estaba fascinado con la recién iniciada carrera espacial, en plena guerra fría, y con la posibilidad de existencia de vida extraterrestre. Por lo que se encontraba en la necesidad de hallar una historia que se adaptara y le sirviera como excusa para llevar a cabo su idea de película. En ese proceso, irrumpió el nombre de Arthur C. Clarke (recientemente fallecido, por cierto). No era precisamente el mejor escritor del género (al menos en cuanto a forma, con una prosa simplona), pero sí gozaba de cierta popularidad y cuando a Stanley se lo recomendaron y tuvieron su primer encuentro en Nueva York, congeniaron de inmediato. Y eso ya era mucho, teniendo en cuenta el carácter egocéntrico de ambos autores.

Además, la elección final del relato ‘El Centinela’ no era precisamente la mejor, ya que no se trata de un texto brillante, ni mucho menos, aunque sí contenía la premisa básica para contar lo que después sería el guión de la película. Y así se lanzaron a escribir ‘Cómo se conquistó el sistema solar’, que fue uno de los primeros títulos que se barajaron. Pero, mientras Clarke tenía la idea de realizar una historia de ciencia ficción pura, a Stanley le entusiasmaba más el concepto de un “documental mitológico” con inserciones dramáticas.

Y justo antes de comenzar a escribir la adaptación, el propio Kubrick le propuso a Clarke escribir juntos una novela que sería la base de la película. Ésto fue clave, pues parece que se trataba de una estrategia urdida por el cineasta buscando aprovecharse de Clarke para hacer lo que él realmente buscaba. Y así fue, ya que cuando la película se estaba llevan a cabo, el escritor tenía terminada la novela a espera de los reparos o modificaciones de Kubrick para lanzarla y lograr la popularidad definitiva. Pero Stanley actuó con crueldad y alargó la situación porque no le interesaba que apareciese antes de que se estrenase el film.

‘Viaje más allá de las estrellas’ fue el título con el que la Metro Goldwin Mayer anunció en 1965 la promoción de la nueva película de Kubrick, que pronto comenzaría a rodarse. Ésta fue la génesis definitiva de la película, luego vendrían varios meses de rodaje con los actores, que nunca supieron muy bien el sentido de lo que interpretaron, y un posterior y dilatado proceso de post producción. En este periodo fue cuando la creación de los efectos especiales se convirtió en un laborioso y extenso trabajo que Kubrick y su equipo, llevaron a cabo con extrema minuciosidad en los estudios de la productora en Londres. La obsesión por lograr un perfeccionismo realista como nunca antes, llevó a Kubrick a contar con científicos de la NASA, para conseguir un resultado que bien mereció la pena.

Clarke, por su parte, reescribió muchas partes de la historia, a petición del director, sobre todo en la parte final, la del viaje interestelar, además de añadir algunas partes con voz en off que intentaban explicar las partes más complejas al espectador. Todo fue eliminado en la sala de montaje, Kubrick no quería caer en lo fácil, además de que, tras un primer y obligado visionado por parte de los directivos de la Metro, necesitaba recortar en unos minutos el metraje final.

Stanley también tuvo que claudicar, aparentemente, con su idea de insertar música pregrabada en la película, temas de música clásica, a lo que la Metro se negó en rotundo. Así llegó el encargo de la composición de una partitura original a Álex North, que trabajó durante dos intensos meses en ella. Para su sorpresa, comprobó en el estreno como no aparecía ni una nota suya. Sin embargo, lo que parecía una excentricidad más del director, supuso una verdadera genialidad y un acierto esencial en el resultado final.

Y es que Kubrick siempre tuvo en mente que la película fuese una experiencia intensamente subjetiva, que llegase al espectador a un nivel más íntimo de conciencia, como hace la música. Según sus propias palabras. Y de ahí, que también resultara una apuesta arriesgada pero finalmente certera, la inclusión de temas del compositor húngaro György Ligeti, cuyas trémulas partituras para voces corales sin palabras, evocaron el misterio del monolito.

Tras ese estreno por todo lo alto en Nueva York el 4 de abril de 1968, las críticas no tardaron en calificarla negativamente, aunque conforme fue acaparando atención y acumulando espectadores, muchos críticos fueron suavizando su concepción pesimista, para empezar a valorar ciertos elementos incontestables de la cinta. La verdad es que, después de algunos meses de exhibición, la Metro recaudó una importante cantidad que justificaba el exceso y las exigencias del director, a la par que se fue considerando una película muy importante dentro del género. En la actualidad no se puede obviar que se trata de una de las más grandes películas de la historia. Hoy la volveré a ver para rememorar este 40 aniversario.

En Blog de Cine | Stanley Kubrick

De todos es conocido el perfeccionismo de Stanley Kubrick en todos sus trabajos (ahora recuerdo que tengo pendiente una entrada sobre su filmografía que sé que no va a gustar mucho), y éste alcanzaba, hasta detalles a tener en cuenta tanto en el trailer como en los títulos de crédito. Uno de los ejemplos es ‘Dr. Stangelove or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb’ (Teléfono rojo, volamos hacia Moscú), con una curiosa historia sobre ambas cosas.

Los títulos de crédito de la película, que son los que tenéis colgados pertenecen a Pablo Ferro al que contrató Kubrick tras ver sus comerciales. La idea era filmar todo usando aviones pequeños, Ferro le disuadió y fue quien le convenció para meter las letras de los créditos en diferentes tamaños. Tanto le gustó el resultado, que le convenció para establecerse en Londres, y para colaborar en el trailer de ‘La naranja mecánica’.

En principio también se encargó del trailer de Dr. Strangelove, en el que empleaba una técnica de corte y pegado rápido en la que incluía 125 imágenes por minuto para lograr el efecto que tiene el trailer. Sin embargo, se puede decir que Pablo Ferro para Kubrick fue un segundo plato, ya que su idea era que el trabajo fuese realizado por Arthur Lipsett, y todo a cuenta de lo encantado que se quedó el director al ver su cortometraje nominado ‘Very Nice, Very Nice’. Su idea era que Lipsett fuese quien hiciese el trailer, pero éste lo rechazo, pese a la carta de admiración que le escribió para convencerlo, con lo que Kubrick se tuvo que ayudar de Pablo Ferro para realizarlo, que aplicó su estilo a lo que el director quería, logrando unos excelentes resultados.

Y por cerrar la historia, resulta que la influencia de Lipsett en otros cineastas no fue menor, ya que inspiró, por ejemplo, a George Lucas en su primera película THX-1138 y tomó prestado el término de La Fuerza para Star Wars, o la escena de la princesa Leia en la celda.

Vía | Kottke
Vídeo | Trailer La naranja mecánica

Es un vídeo amateur de alguien que asistió a un concierto de John Williams en el que hacía un repaso a todas esas grandes composiciones y bandas sonoras con las que nos ha obsequiado. Ahora que van apareciendo nuevas imágenes de la próxima aventura de Indiana Jones, con esa calavera de cristal enigmática y el posible McGuffin con que Spielberg nos va a obsequiar, no puedo más que volver a esos acordes que hacen al público aplaudir de manera natural, rememorando el descubrimiento que supuso para esos adultos, niños antes, cuando la luz del cine se apagó y la imagen de Indiana Jones apareció en la pantalla.

Se ama el cine por películas como ‘En busca del arca perdida’, porque se juntan varios talentos y nos regalan un dulce nada empalagoso, que como los buenos vinos, no importa el paso de los años, se sigue conservando fresco. Por eso me quedo con ese aplauso espontáneo del público, al escuchar los primeros acordes de ‘En busca del arca perdida’. La memoria es selectiva, y los recuerdos, sobre todo los buenos, permanecen ahí por algo.

Que más comentar que no esperemos con ganas. Este miércoles se estrena en España ‘Iron Man’, que en USA ha venido acompañada como gancho, de un nuevo trailer ‘Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal’, según cuentan, 109 segundos de auténtico lujo. Desconozco si la distribuidora hará lo mismo aquí, pero si así lo hacen muchos fans del Doctor Jones se atreverán con Iron Man por disfrutar de un trailer que seguramente en breve veremos colgado por Internet… Da igual, con conciertos y con música es suficiente para tener a Indiana Jones a nuestro lado (por cierto, en youtube está disponible la banda sonora entera de la película).

Más información | El País
Más información | Youtube

Sucede que a veces las películas quedan marcadas para siempre por una secuencia. Da igual la calidad de la misma, si en apenas tres minutos se logra un momento mágico y sorprendente, por lo inesperado. Bastante gente me comenta que ha sido su mejor interpretación, y puedo afirmar que esta película tardó en ganarme, pero una vez que lo consiguió, pasó a ser de mis favoritas. Pese a Billy Cristal. Hablo de ‘Cuando Harry encontró a Sally’, y de la escena en la que Meg Ryan finge un orgasmo en una cafetería llena de público.

Momento cómico donde los haya, repetido cientos de veces en cualquier antología de grandes momentos del cine, y una declaración del poder de la mujer abrumadora, dando al sexo masculino donde más le duele, sentirse engañado. La escena, con el tiempo sentó un precedente, y variadas han sido las veces que han tratado de imitar su comicidad. Gracias a ella, hablo de la película, Meg Ryan se convirtió en la reina de las comedias románticas, hasta que la edad dijo basta. Ahora, pese a sus intentos de hacer cine diferente, cuesta verla en papeles con sustancia (ahora que la semana que viene tiene nuevo estreno con Antonio Banderas), y si lo pienso con frialdad, es carne de serie de televisión. Y esto no es algo despectivo, allí puede revivir una segunda juventud, con algún papel que sepa explotar sus cualidades. Eso sí, que no lo haga junto a Billy Cristal. Con una vez ya hubo suficiente.

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La respuesta a esta cuestión es la misma que la que obtuve cuando tuve conocimiento de la producción: puede ser interesante. Parte de un material atractivo con personajes capaces de entusiasmar a cualquiera. Y es que el cómic de Alan Moore y Kevin O’Neal suponía un enorme reto para su adaptación. Por ello no se escatimaron en medios para llevarla a la gran pantalla (partió con un presupuesto de 79 millones de dólares).

Siguiendo la estela (aún vigente) de rebuscar en el mundo del cómic nuevos héroes e historias para el cine, era previsible que esta historia de trasfondo tan literario y con unos personajes como Allan Quatermain, el Capitán Nemo, Mina Harker o Darian Gray podrían dar mucho juego. Pero el problema viene cuando tan sólo quieres quedarte con esta parte, cuando prescindes de la verdadera esencia de la obra gráfica (e incluso de cualquier similitud argumental) y lo transformas en un (sub)producto adaptado a las necesidades de convertirse en un éxito taquillero del verano (en 2003).

Y es que cualquier parecido con el original es mera coincidencia, y en este caso es tan sólo el título. Porque el esperpéntico resultado debió provocar a Alan Moore el arrepentimiento de haber cedido los derechos de su obra. Ni siquiera la fuerte inversión llevada a cabo, con profusión de magnánimos decorados y efectos especiales a cada fotograma, está destinado a dotar de sentido y coherencia al refrito de la historia original. Como absolutamente disparatado resulta incluir al personaje de Tom Sawyer, por la mera cuestión de aproximarse más al público americano. Es cierto que el concepto era olvidarse de su referencia literaria más próxima, pero su condición de mero espectáculo es llevado al peor de los extremos posibles.

Con semejantes personajes es difícil entender como el director (Stephen Norrington) y el guionista (James Dale Robinson) no sólo no supieron sacarle partido o resaltar sus cualidades más obvias, sino que crean a unos supuestos héroes que son verdaderas marionetas desvirtuadas. Quatermain parece una mezcla del doctor Jones y Bud Spencer, Hyde ha sido mutado con Hulk, el capitán Nemo se parece por momentos a Jet Li, y Dorian Gray parece un anacrónico metrosexual. Por no hablar de los escenarios. Ambientar la acción en emblemáticos lugares de medio mundo, desde la Inglaterra victoriana (aunque más bien gótica) hasta Venecia, París o Kenia es un disparate nauseabundo que te abofetea como espectador.

De la trama, ¿qué se puede decir? Una narración alocada, inconexa, con escenas gratuitas, artificiosas, sin humor y con acuciante falta de tensión. Un aburrimiento supino desde los primeros minutos. Apenas me terminé de sentar en la butaca cuando empezó a picarme el cuerpo. No era alergia, era el síntoma que se está asistiendo a un bodrio de primera categoría. Y, a pesar de ello, uno se esfuerza por dejar pasar los minutos en espera de aquello remonte, pero acabé bloqueado por el pánico, al comprobar que no se trataba de una película real sino de un espectáculo de parque de atracciones.

Sin duda una de las peores películas de la década que vivimos. Mala en todas sus posibilidades: actuaciones deprimentes, historia absurda, efectos especiales de risa y… encima un metraje que llega a las dos horas. Ojalá quemen todas las copias y destruyan los DVD’s de semejante basura.

Debí de ser de los poquitos que se tragó todo el maratón de la serie Roma durante la pasada Semana Santa. Cierto que fue algo demasiado intenso para paladear en tan poco tiempo, pero tenía que hacerlo, hay que exprimirlo al máximo. Lo cierto, tras ver la serie, fue que la imagen que tenía en mi cabeza de Marco Antonio, cayó por los suelos tal y como lo dibujaron en la serie. Y entiendo que dibujó un perfil bastante fiable de cómo fue en realidad Marco Antonio (mujeriego, egoista, y menos héroe de lo que en realidad pensaba). Aunque la imagen de Octavio, un enfermo y peligroso dictador, también me la dejó por los suelos, contrariamente a lo que he podido descubrir sobre Bruto, vendido como un traidor cuando en realidad fue capaz de ver el grave problema que suponía Julio Cesar para la República de Roma.

Lo cierto es que la imagen que tenía en mi cabeza de Marco Antonio, se debía en realidad al cine, a la película de Mankiewicz, ‘Julius Caesar’, y a la interpretación de Marlon Brando como Marco Antonio. En especial los dos monólogos que interpretó tras el asesinato del César. Así que aprovechando la entrada de Alberto sobre el cine político, no he podido remediar traeros sendos monólogos, para ver lo gran actor que era el Brando entre tantos actores ingleses habituados a trabajar con textos de Shakespeare, empezando por el “Dogs of war” con el que se abre esta entrada, justo tras ser asesinado César y cuando Bruto está justificando el que los senadores decidieran hacer lo que hicieron.

El que viene a continuación, es el monólogo por el que esta película es siempre recordada, una manipulación perfecta de la multitud, haciéndola ver el error en el que estaba cayendo. En palabras de Carlos Boyero: “Bruto acaba de justificar con brillantez y emotividad ante la desconcertada plebe las razones para haber asesinado al tirano César. Marco Antonio, que comienza su discurso proclamando astutamente la honradez de Bruto, manejará sabiamente los resortes emocionales de la masa, su sensiblería y su codicia, la volubilidad de sus convicciones, su hipnosis ante los tópicos bien maquillados y las mentirosas grandes verdades, para que ésta se ponga de su parte, llore la ejecución del padre de la patria y ruja exigiendo el castigo y la destrucción de los verdugos”.

Vamos, que consigue convencer a la plebe de la maldad del honrado Bruto, un gran James Mason, con un discurso ajustado al peligro que se cernía sobre Roma si César seguía en el poder, el de Bruto. Estamos ante otra de las grandes secuencias de la historia del cine y del teatro, aquí cine filmado. Escuchar las palabras que escribió el dramaturgo inglés e interpretó el actor americano, son cosas a repetir de vez en cuando. Todo un “tour de force”, del que Brando salió con alta nota (algo que repetiría años más tarde en sus improvisados monólogos de ‘El último tango en París’). Saborearlo en su idioma.

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Más información | El País

En esto también influye, y mucho, las condiciones externas en las que te encuentras en la sala (aire acondicionado al máximo, volumen ensordecedor, espectadores próximos molestando y hasta el propio estado de ánimo). Pero dejando de lado estos aspectos, me quiero centrar más en las películas en sí. Habría muchas que referenciar, sobre todo, porque me reconozco muy impaciente y he salido antes del fin de la proyección en muchas ocasiones, pero prefiero destacar aquellas de las que tengo un recuerdo grabado por el pesimo rato que me hicieron pasar.

Y quería comenzar con ‘Los Vengadores’, una cinta estrenada en 1998 y que estaba dirigida por Jeremiah Chechik y protagonizada por un trío de altura: Ralph Fiennes, Uma Thurman y Sean Connery.

A priori era una producción muy interesante porque recuperaba, en cierto modo, la exitosa serie sesentera con el mismo nombre. Tuve la oportunidad de ver algún episodio aislado de esta serie británica de culto y me sorprendió gratamente. Muy original y con una escenografía sofisticada y muy “british” realmente llamativa. Todo un clásico. Una pareja de agentes (John Steed y Emma Peel) que unían sus esfuerzos en busca de venganza. Una premisa simple pero que funcionó muy bien, por su cuidada dirección artística y con unos guiones sólidos, además de intérpretes que se ganaron rápidamente el favor del público.

Con esta premisa, Hollywood afrontaba una adaptación moderna, arriesgada y con un presupuesto considerable, además de fichar a estrellas de renombre para secundar el reclamo. Sean Connery como el villano de turno hacía sentir buenos presagios. Además, Fiennes, actor que estaba subiendo enteros como estrella y en la terna femenina a Uma Thurman embutida en ceñidos trajes de superheroína. Pero el fiasco fue grande. Y bien merecido.

El intento de afrontar la adaptación de la serie original de Brian Clemens desde un punto de vista futurista fue una enorme metedura de pata. Los elementos de ciencia ficción sutiles, que rozaban lo surrealista y psicodélico, de la serie original, pasan a convertirse en una declaración futurista al servicio de los efectos especiales. A tenor por el resultado, el intento de recrear la ambientación es fallido, a pesar del enorme empeño y buen trabajo de fotografía, decorados y vestuario. Unos efectos visuales penosos que acompañan a un montaje horrible, que hacen perder al espectador el hilo de la narración desde el mismo comienzo.

La película me hizo sentir desubicado en todo momento. No había manera de comprender lo que ocurría por mucho empeño que le ponía. Tras pasada una media hora y asombrado por el pésimo espectáculo (no recordaba ver a Connery tan patético como en este papel de Sir August de Wynter) llegué a plantearme si la proyección estaba siendo cronológica o se había producido algún salto. De hecho existen graves errores de continuidad narrativa. Intentando encontrar la clave del fiasco, con posterioridad averigué que los 150 minutos de la película se redujeron a los 89 fiinales en la sala de montaje. Lugar donde la demencia y la psicodelia tuvo que hacer estragos entre los montadores.

Uno de los puntos favorables de la serie televisiva fue la tangible química que desprendían sus protagonistas, una atracción que se intuía pero que nunca llegaba a plasmarse con evidencia. Algo de lo que Uma Thurman y Ralph Fiennes carecieron en el rodaje. Nada inspirados, se pasaron por el forro aquello de más vale insinuar, además de que deambulaban como zombies sin convicción en las espantosas escenas de acción que compartían.

Pero el máximo responsable tenía el nombre de Jeremiah S. Chechik, el director que perpetró anteriormente la pésima adaptación ‘Las Diabólicas’ y lo recordaré para siempre, como el autor de una de las peores películas que jamás he visto en una sala de cine. Si queréis fastidiar a alguien, regalarle esta película en DVD. Os odiarán para siempre.

Ficha técnica | IMDb
Trailer | YouTube

Como bien sabemos, ‘Ciudadano Kane’ es la ópera prima de Orson Welles, pero surge alguna duda sobre si fue su primera incursión en el cine. Lo cierto es que durante un tiempo se pensó que esto era así, que los hallazgos para el cine que realizó para su gran obra fueron fruto de su ignorancia e inocencia, como él apuntó en alguna otra ocasión.

Sin embargo, resulta que con la ayuda de William Vance, en el verano de 1934 rodó un cortometraje, ‘The Hearts of Ages’, que sí se puede considerar como su primer trabajo en el cine, con una cámara de 16mm y la idea de realizar una obra puramente amateur y con un rápido montaje. Recuperando las palabras del propio Welles en una entrevista a Peter Bogdanovich, “[‘The Hearts of Ages’] no es nada. Absolutamente nada. Era una broma. Quería hacer una parodia de la primera película de Jean Cocteau [‘The Blood of a Poet’, 1930]. Eso es todo. La hicimos en dos horas, por diversión, una tarde de domingo. No tenía ninguna clase de significado”. Pues como curiosidad muestra bastante cosas.

Vía | Milk and Cookies
Más información | Sense of Cinema
En blogdecine | Las películas perdidas de Orson Welles

Mucho se habla de los títulos de crédito de las películas de Alfred Hitchcock, en especial de aquellos realizados por el gran Saul Bass con la banda sonora de Bernard Herrman, que en el fondo no dejaban de ser pequeñas películas. O recordando, también me viene a la cabeza los títulos de crédito de las películas de James Bond. Dicho esto, otro cineasta al que es fácil reconocer sus películas por sus títulos de crédito es Woody Allen. Cada vez que vemos en pantalla unas letras blancas sobre fondo negro y música de jazz sonando de fondo, sabemos que estamos ante una de sus películas. ¿Realizó estos desde sus primeras obras? ¿Empleó la misma tipografía de letra? La respuesta está en una muy curiosa historia.

Fue a partir de ‘Annie Hall’, y con la excepción de ‘Interiores’, que Woody Allen empezó a emplear ese tipo de títulos de crédito que veis en las fotos. Para ello el tipo de fuente que usó es EF Windsor Elongated a expensas de lo que le comentó en una cena el tipógrafo Ed Benguiat, y esa es la historia a contar.

Resulta que Woody Allen, si vemos los títulos de crédito de sus primeras películas, el cambio, en esencia, apenas existe, iba a desayunar siempre al mismo restaurante de New Jersey, igual que hacía Ed Benguiat, se conocían y buen día empezaron a charlar sobre a lo que se dedicaba el tipógrafo, de ahí surgió la pregunta de Woody Allen, consultándole qué tipo de fuente de letra era la que más le gustaba. Benguiat le respondió que la Windsor, e incluso le insistió en que debería utilizarla en todas sus películas.

Por lo que se ve, esta ya famosa conversación debió tener lugar entre 1975 y 1977, porque, como comentaba antes, fue en Annie Hall la primera película en la que empleó esta fuente para sus títulos de crédito. A partir de ahí, y con la excepción reseñada, el cineasta hizo caso al tipógrafo y utilizó la fuente Windsor como marca para reconocer sus películas. Esa es la historia que hay, y que en Kit Blog cuentan fantásticamente con todo lujo de detalles, poniendo ejemplos de todo esto que os acabamos de contar, con los títulos de crédito de todas las películas de Woody.

Vía | Spout Blog

Dada la dificultad para hacer sus personales obras, se involucabra en trabajos que le reportasen algo de dinero con el que a ratos y entre las pausas de los rodajes en los que trabajaba, se dedicaba a rodar, casi siempre en super 8, las obras que tenía en mente. Estos trabajos, durante un tiempo, a excepción de su inacabado ‘Don Quijote’, fueron desconocidos para el gran público, hasta que en 1995, Ojar Kodar sacó del baúl de los recuerdos un documental con los trabajos no acabados de Orson Welles y que recibieron el nombre de ‘The Lost Films of Orson Welles’ o también conocidos como ‘Orson Welles: The One-Man Band’.

A continuación, podéis encontrar algunos extractos de la misma obra, así como algunos vídeos sueltos donde Welles da rienda suelta a su genio.

Call me Ishmael

Don Quixote

A lesson from all actors

Father Mapple’s Sermon

The Last Films of Orson Welles (Part I)

The Last Films of Orson Welles (Part II)

The Last Films of Orson Welles (Part III)

The Last Films of Orson Welles (Part IV)

The Last Films of Orson Welles (Part V)

The Last Films of Orson Welles (Part VI)

The Last Films of Orson Welles (Part VII)

The Last Films of Orson Welles (Part VIII)

The Last Films of Orson Welles (Part IX)

Vía | Metafilter

Es tal el poder de las palabras y de la historia que se cuenta en esa secuencia, que cuando la ví por primera vez no pude hacer otra cosa que repetir de nuevo esa parte. Esa secuencia no solo hay que verla, por la manera como está rodada, sino escucharla, por la forma como la cuentan los actores, sino también leerla, porque las palabras de Sam Shepard son especiales. ¿Por qué digo esto último? Porque he tratado de encontrar la forma de que se saboreé esa secuencia. Así, un fan francés de ‘Paris, Texas’ ha creado una web dedicada en exclusiva a la película, donde ha subido el texto y ha hecho especial hincapié con la secuencia de marras, y en el idioma que las escribió Sam Shepard. Y no sólo eso, que en la misma web se pueden encontrar más cosas relacionadas con esta magnífica obra, e incluso escuchar algunas de las secuencias.

Además, en la continuación de la entrada, está subida toda la secuencia del Peep Show. Esta es la ventaja que a Youtube le estoy sacando, el poder encontrar joyitas del cine como ésta de ‘Paris, Texas’.

‘Paris, Texas’, diálogo en el Peep Show (1/2)

‘Paris, Texas’, diálogo en el Peep Show (2/2)

Otras de mis secuencias mágicas en blogdecine:

• Final de ‘E.T. el extraterrestre’
• El cuento de Navidad de Auggie Wren en ‘Smoke’
• La colección de fotos de Auggie en ‘Smoke’
• La canción Dreams en ‘Chungking Express’
• Magnolia
• La fábula de la cigarra y la hormiga de ‘Los lunes al sol’

En todos los casos siguen un mismo argumento, un grupo de personajes protagonistas canta y disfruta de un ambiente festivo hasta que ocurre un acontecimiento que pone en peligro su felicidad. Lo interesante, y algo que se verá más adelante, según vayamos subiendo el resto de entradas de esta serie, y que incluso se ha podido comprobar en los cortos de la serie ‘Silly Symphonies’ que ganaron el Oscar, que parte de las anécdotas e historias que aquí se cuentan son reutilizadas y planteadas de manera diferente en posteriores trabajos. Digamos que esta serie de 1930, continúo el trabajo empezado en 1929, pero no logró enganchar al público tanto como esperaban. Quizás, porque el público ya había identificado la imagen de Mickey a Disney. El boom de las sinfonías tontas tardaría en llegar.

Summer

Autumn

Cannibal Capers

Frolicking Fish

Arctic Antics

Midnight in a Toy Shop

Night

Monkey Melodies

Winter

Playful Pan

Nota: Continuaremos con la serie de las Sinfonías Tontas en próximas entradas.

Entradas en blogdecine sobre las Sinfonías Tontas:

• Los tres cerditos y las Silly Symphonies de Disney ganadoras del Oscar
• Las secuelas de ‘Los tres cerditos’ en las Silly Symphonies (II)
• Las Silly Symphonies (III): El arte de ‘The Skeleton Dance’ en 1929

Más información | Enciclopedia Británica

Quedan menos de 48 horas para la celebración de la entrega de premios de la Academia de Hollywood. Y ahí estaremos en blogdecine pasando insomnio y tratando en cierta forma de contaros cómo ha sido la ceremonia (siempre reniego de estos premios y luego acabo entregado a la misma, masoquista que es uno). Pero como aún queda un tiempo largo hasta que los famosos empiezan a circular por la alfombra roja, y que os comentemos cómo poder ver todo, os dejamos una lectura la mar de interesante sobre 80 anécdotas muy jugosas, divertidas y sorprendentes que han dejado todas las ediciones de los Oscars hasta la fecha. Entre las mismas, aquella en la que le entregaban el Oscar Honorífico a Orson Welles, y prefirió dejar a John Huston que lo recogiese mientras le esperaba viendo en un bar la ceremonia para continuar emborrachándose cuando llegase John Huston con la estatuilla (tanto que le habían ignorado). Hay más, pero mejor descubrirlas vosotros.

Por cierto, sólo recordaros que el premio al mejor actor secundario será de los primeros en entregarse, sino el primero, para aquellos que quieran estar pendientes de Javier Bardem (que arrasa en las apuestas).

Vía | Empire Online Oscars Blog

Volviendo a sus grandes interpretaciones, antes de este Anton Chigurh que nos ha dejado helados y con la boca abierta, está su Santa de ‘Los lunes al sol’. La secuencia que siempre se me ha quedado grabada es aquella en la que le empieza a leer al niño que está cuidando la fábula de la hormiga y la cigarra, para cabrearse y soltarle una reflexión político sindical apabullante. Lo grande de la misma, es como Fernando León la va preparando y cómo la cierra, porque no vemos todo lo que de verdad le cuenta, a un niño que le escucha con los ojos abiertos. Y me sorprende porque no me espero esa reacción de Santa. La cuestión es si, la escena estaba en el guión, que entiendo que sí, pero si tal y como sucede es improvisación de Javier Bardem con sus gestos, sus pausas, su reacción… No puedo olvidarla porque me parece mágica e inspirada.

A continuación os pongo la parte correspondiente al momento de la fábula, y en la continuación de la entrada, un vídeo más amplio.

Otras de mis secuencias mágicas en blogdecine:

• Final de ‘E.T. el extraterrestre’
• El cuento de Navidad de Auggie Wren en ‘Smoke’
• La colección de fotos de Auggie en ‘Smoke’
• La canción Dreams en ‘Chungking Express’
• Magnolia

Antes de que Pixar existiese, tal y como la conocemos hoy en día, Disney ya estaba haciendo sus pinitos en animación por ordenador en 1983. Por aquella época John Lasseter estaba aún en plantilla (le despidieron más tarde), y a su cargo estaba la idea de desarrollar nuevas técnicas de animación que permitiesen meter en una misma obra tanto animación realizada a mano, como 2D y 3D a la vez (ayudado por Glen Keane, dibujante que se encuentra tras la segunda era dorada de Disney con obras como Aladdin y La bella y la bestia, está detrás de la transformación del monstruo, y que co-dirigió esta animación de prueba).

Para ello cogieron ideas de los libros de ‘Where The Wild Things Are’, por aquella época tenían los derechos que luego no usaron, y realizaron la prueba que se puede ver en el vídeo de arriba. El proyecto no continúo, porque Lasseter fue después despedido (las vueltas que da la vida), cayó en Pixar, llevándose todo su conocimiento de estas técnicas con él. El resto, como bien conocéis, es historia.

Vía | The Empire Online

Entre los extras de ‘Ratatouille’, teníamos otro cortometraje de Pixar, ‘Your Friend the Rat’, trabajo que ha supuesto dar un paso más en la innovación que para Pixar supone embarcarse en la realización de un nuevo cortometraje. En esta ocasión, introducen dibujos y animación en 2D. ¿Qué les habrá llevado a hacer esto? Quizás convendría echar un vistazo a toda su historia, desde sus orígenes en el mundo del cortometraje de animación, visionando todos sus trabajos.

En uno de los extras que Pixar ofrece con los lanzamientos de sus DVD, se explicaba como fue el inicio en el mundo de la animación y de los cortometrajes. Si ya os contamos cómo se fraguó ‘Toy Story’, lo curioso es conocer cómo se gestaron los primeros trabajos. Ver cómo explica John Lasseter que los dos protagonistas del cortometraje de Andre B están basados en figuras geométricas sencillas, fáciles de reproducir y mover en el ordenador, que arrancan de bocetos del mismísimo Micky Mouse. O como mostraron ese trabajo por primera vez en el Siggraph, sin estar acabado (mitad imágenes, mitad wireframes) porque no les dio tiempo, con la única idea de mostrar, tanto que era posible realizar animación por ordenador en movimiento, como el sistema de partículas creado por Bill Reaves para poder hacer toda la animación del bosque (y que por aquella época, era toda una novedad). Es decir, estábamos, como se puede comprobar, ante un trabajo de pioneros, donde el arte retaba a la tecnología, y ésta inspiraba a la animación.

El siguiente trabajo con el que se pusieron a la obra fue ‘Luxo, Jr’. La idea con este cortometraje era tratar de mostrar algo del espíritu de Pixar, de la vitalidad del estudio a través de los personajes de los dos flexos. Lo cierto, es que en este trabajo seguían con su evolución, buscando nuevas innovaciones (como han hecho siempre). En esta ocasión, querían forzar algo más del movimiento de los personajes, y trabajar con las sombras. Por ese motivo, desarrollaron un algoritmo para crear autosombras. La idea de Luxo, le vino a Lasseter al observar jugueteando a uno de los bebés de uno de sus compañeros de trabajo. Como dibujar a un flexo de menores dimensiones, no era problemático, ya que sólo era reducir las dimensiones del modelo original, no costó mucho dibujarlo. Además de ese juego de contrastes entre luz y sombras y del movimiento básico del flexo pequeño, realizaron otro avance: la acción fuera de plano, pensando en uno de los buenos efectos del cine de siempre. ‘Luxo, Jr’, volvió a ser otra sorpresa en el Siggraph (esta vez sí presentaron el trabajo acabado, y para el recuerdo queda la anécdota de saber de qué sexo era el flexo – nunca lo he sabido pero se da por sentado que es padre e hijo).

Para el siguiente corto con el que se animaron, ‘Red’s Dream’, su idea era introducir la renderización en Pixar, llevar imágenes al ordenador o interpretar movimientos de cosas en la vida real, animándolos. En este caso, el ejemplo típico es la etiqueta de saldo de la silla del monociclo. Lasseter colgaba de su mano una etiqueta de saldo real, y trataba de plasmar todos sus movimientos en el ordenador (esto le llevó 5 días sacarlo). Así mismo, se encontraron, dado que necesitaban mayor capacidad de procesamiento de las imágenes por parte de los ordenadores, de un hardware más potente, el problema era que sólo había un ordenador en la compañía con esa capacidad, del que sólo podían disponer de madrugada. Por esta razón, la gran parte del trabajo de este cortometraje se realizó de noche. Entre las novedades que añadieron, tenemos por primera vez la lluvia y una mayor evolución en las sombras. Cambiaron el registro de alegría de sus anteriores obras, por un look más taciturno, de ahí la razón de su excelente música de jazz.

A partir de este momento, en Pixar se plantean hacer obras más arriesgadas. Debían seguir con su proceso de aprendizaje, tratando de dominar las técnicas que les permitiesen hacer esa película que andaban buscando. Para ‘Tin Toy’, buscaban ya adentrarse en los rasgos humanos. La idea del cortometraje le vino a Lasseter cuando vio a su sobrino jugando con los juguetes que le habían regalado. Ahí, le saltó una pregunta: ¿Cómo se siente un juguete en manos de un bebé? De esa idea desarrollaron el guión. Continuaron evolucionando y mejorando la técnica de la renderización, aplicando los bocetos al desarrollo de los gestos humanos. Continuaron con el juego de la sombras, aunque en esta ocasión, aparte del movimiento del bebé, jugaron con la textura del suelo, de los brillos del parquet, y de las revistas. A modo de curiosidad con este trabajo, está el hecho de que los juguetes que se ven escondidos y aterrorizados debajo del sofá, son la aportación de cada uno de los miembros que formaban por aquella época el estudio. Cada uno dibujo el juguete que más le interesaba. Así, Ed Catmull, como aportación hizo el elefante que se ve, cuyo modelo estuvo toda una tarde desarrollando en el ordenador. Ese era el ambiente en el estudio, un continuo reto entre todos por ver quien sorprendía a quien.

Como ya os comenté cuando hablamos del germen de ‘Toy Story’, Tin Toy fue la obra que les abrió las puertas de Disney, con ella obtuvieron su primer Oscar, y allí vislumbraron por primera vez las puertas de la realización de la primera película. No obstante, siguieron sin dormirse en los laureles. Querían evolucionar en la preparación de los trabajos, tener todo atado para cuando se presentase la oportunidad del largo. Así, con ‘Knick Knack’, se estableció el primer grupo de trabajo. Fue la primera vez que una historia se desarrollaría como equipo, visto el éxito de los juguetes de Tin Toy. En esta ocasión se crearon bocetos y un storyboard, hablaban y discutían y costaba avanzar, hasta que se decidió, que dado el carácter divertido, y el tipo de música que emplearían, ritmos jamaicanos, todos aportarían de nuevo su granito al proyecto, dibujando su propio personaje (por ese motivo salen tantos protagonistas, y no sólo el muñeco de nieve). Lo anecdótico, es que al final llegaron por consenso, que la idea de acabar en la pecera, fue fruto del diálogo y discusión que emplearon para hacer este corto (algo que les hizo ver el futuro). Además, hubo mucho sacrificio al hacerlo, ya que cada fotograma necesitaba del orden de 8 a 10 minutos del ordenador de Pixar, y por aquella época éste seguía siendo el bien más preciado de la compañía. Después de esta película, cambiaron las cosas en Pixar, se hicieron los ajustes correspondientes, y se dio mayor prioridad al grupo de locos que trabajaban en un rincón de la empresa. Despúes vino Disney y el hallazgo de Toy Story.

¿Por qué cuento todo esto? Por mostraros que los comienzos no fueron fáciles. Que todo lo que encierran esos 3 o 5 minutos de animación llevan muchísimo trabajo (del orden de 6 meses de animación más los 6 meses anteriores preparando las innovaciones en software necesarias para filmar la película). Y que si en ‘Your Friend the Rat’, han decidido meter animación en 2D, alguna explicación detrás habrá (la mente piensa en la nueva idea de lanzar cortos animados de Disney, donde hay un par de proyectos muy interesantes).

Lo cierto es que tanto para John Lasseter como para Ed Catmull, los cortometrajes son su cantera para foguear a sus nuevos artistas (esto me suena, pero no se aplica en España),. Donde consiguen filtrar quienes son los que tienen genio, y que además, como comentaba antes les permite continuar con la investigación y las innovaciones. Desde 1978, el objetivo que se plantearon los miembros fundadores del estudio fue hacer un largo. Para llegar a él, sabían que tenían un largo viaje por delante, que sólo podían alcanzar acumulando experiencia, algo que lograron gracias a la ayuda de los cortos. Con el análisis de los mismos, uno puede comprobar cuál ha sido la evolución del estudio. Por eso pensar, cuando veis un corto de Pixar, en las sorpresas que nos puede deparar su próximo largo. Todo se esconde en esos 10 minutos de película. Por eso conviene, mirar y ver los detalles de su última entrega: ‘Your Friend the Rat’ (diferente a todo lo visto hasta ahora).

En blogdecine | Los cortometrajes de Pixar online (entrada actualizada)

A continuación de este cortometraje, que ciertamente fue un extraordinario arranque, realizaron otros cuatro trabajos. Realmente, cómo se realizó la animación, no es algo que a día de hoy sorprenda, más con lo que veríamos pocos años después, pero para 1929, y como acompañamiento a la música, que recordemos era la razón principal de estos cortometrajes, pues no estaba mal. A continuación los cortos de la ‘Silly Symphonies’ de 1929.

• The Skeleton Dance

• El Terrible Toreador

• Springtime

• Hell’s Bells

• The Merry Dwarfs

Entradas en blogdecine sobre las ‘Silly symphony’:

• Los tres cerditos y las Silly Symphonies de Disney ganadoras del Oscar
• Las secuelas de ‘Los tres cerditos’ en las Silly Symphonies (II)

En blogdecine | Enciclopedia sobre los cortometrajes animados de Disney