Continuamos repasando las mejores bandas sonoras de los compositores más importantes de la historia del cine. Ahora le toca el turno a Ennio Morricone. El compositor italiano tan venerado como conocido y, confieso, uno de mis preferidos, al que tuve el honor de saludar, y quizás eso te marca, aunque siempre ha sido un compositor brillante en su larga trayectoria y que he admirado mucho.

Algunos lo consideran como el compositor más innovador de la música de cine. Y puede que no les falte razón. Aunque él, un trabajador incansable, reniega del talento. Piensa que el esfuerzo, el trabajo, el tesón y la entrega es la que te convierte en un grande. Tampoco le falta razón en ello, pero hay que reconocerle que a su descomunal filmografía, se le puede sumar una gran popularidad, múltiples premios (eso sí, el Oscar honorífico) y más de 40 millones de discos vendidos, 26 discos de oro, cinco de platino, un Grammy… Lo que avala que Ennio Morricone sea, sin duda, uno de los más grandes de la historia.

Por tanto, se presta como pocos a repasar sus piezas musicales, aunque es cierto que hay que ser todo un especialista en la materia y disponer de mucho tiempo para estudiar y analizar las más de 400 bandas sonoras que ha compuesto.

Versatilidad, originalidad y profusión

Su figura y su brillantez es desde hace varias décadas un referente, pero no lo es por casualidad. Y aunque reconoce que empezó a componer música para cine por dinero, lo cierto es que acabó convirtiéndose en todo un especialista, capaz de renovarse constantemente y es debido a su enorme capacidad de trabajo (sus biografías hablan que sigue levantándose cada día a las cinco de la mañana y a las ocho ya está escribiendo partituras).

Durante el tiempo que lleva en este campo, no ha renunciado, a pesar de tener tentadoras ofertas de Hollywood, a componer para el cine italiano y lo ha hecho para grandes nombre de su cinematografía. Aunque, si bien es cierto, que alcanzó gran popularidad con el spaghetti western primero y con grandes producciones hollywoodienses después.

Su unión a Sergio Leone dio como lugar una fructífera carrera, logrando que el spaguetti western suene a sus notas, y que todos tengamos asociadas estas películas a su geniales composiciones.

Pero Morricone es un animal polifacético en la música cinematográfica y ha compuesto para todo tipo de géneros, para el cine político, erótico, policíaco, religioso, romántico,... Por ello, se hace difícil hacer una selección con las diez mejores bandas sonoras firmadas por él. Pero, siguiendo el mismo criterio que llevé a cabo con Goldsmith y Williams, prevalece la apreciación personal y lo que me han hecho sentir algunas de sus composiciones. Vamos a ellas. Esta es mi selección, sin ningún orden preferente:

‘Los intocables de Elliot Ness’

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‘La Misión’

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‘Por un puñado de dólares’

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‘Cinema Paradiso’

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‘Érase una vez América’

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‘Días del cielo’

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‘Bugsy’

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‘Malena’

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‘Malditos Bastardos’

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‘El bueno, el feo y el malo’

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En Blogdecine:

• Las diez mejores bandas sonoras de John Williams

• Las diez mejores bandas sonoras de Jerry Goldsmith

En el año 1958, el gran genio absoluto de Orson Welles rodó un film para televisión de una media hora de duración, centrado en la actriz italiana Gina Lollobrigida. De ahí su título original ‘Portrait of Gina’, aunque también ha sido conocido como ‘Viva Italia’. Se trataba de un episodio piloto para una serie de la pequeña pantalla que la ABC rechazó. Hasta aquí no hay nada más de especial. Se trata de otra incursión del genio de Welles, en esta ocasión para televisión.

Lo más interesante de este film, aparte de pertenecer a los trabajos menos conocidos del cineasta, es la leyenda o mitología que rodea a la película. Puesto que, según se cuenta, el realizador la dejó olvidada en su habitación del Hotel Ritz, en París, y no fue hasta 1986 cuando se encontró. En el año 1994 el canal alemán ZDF transmitió el film.

El propio Welles le comentó a André Bazin que no se trataba en absoluto un documental, sino más bien un ensayo personal. Y afirmaba:

Soy yo mismo proyectado sobre un tema dado: Lollobrigida y no lo que es ella en realidad: y es más personal incluso que un punto de vista.

Sin embargo, Welles, a pesar de haber trabajado mucho esta cinta, no se sintió completamente satisfecho y de ahí que su desprendimiento le hiciera olvidar las latas de la película en su habitación en París, que estuvieron durante años en el almacén de objetos perdidos del Ritz y descubiertos tras su muerte.

En ‘Viva Italia’ trata una serie de temas centrados en la cultura italiana y entrevista a, nada menos, que Vittorio de Sica, Rosanno Brazzi, Paola Mori y la propia Gina Lollobrigida. Precisamente la actriz, tras ver una proyección de este ensayo de Welles en un festival de cine italiano, intentó prohibir su difusión. Y es que en la conversación con Gina, el cineasta se quedó con cuatro minutos en los que hablaba de los impuestos, la maternidad y la relación con los actores italianos con el público. En realidad, mostró la parte menos “agradable” de la entrevista y de ahí que enfureciese.

Aquí el film, dividido en tres partes y con la maravillosa y estupenda voz y dicción del genio de Orson Welles.

Vía | Cinencuentro
En Blogdecine: *Las películas perdidas de Orson Welles

Matt Damon llega mañana con ‘Green Zone: Distrito protegido’, un drama bélico bajo la batuta de Paul Greengrass, con quien antes trabajó en la brillante ‘El ultimátum de Bourne’. En esta tercera entrega de la saga Bourne, Greengrass hizo un gran trabajo y contó con un actor protagonista tremendamente efectivo para este tipo de películas. Damon, con una trayectoria destacable, digna y llena de desafíos, se ha convertido en un actor taquillero, muy querido, a pesar de que no siempre se le suele valorar su trabajo interpretativo como debiera.

No es un actor de gran profundidad dramática, flaquea con la comedia, pero ha encontrado en el cine de acción un lugar idóneo para explotar su verdadero valor: la efectividad. Matt Damon resuelve con soltura, con énfasis y entrega sus papeles, sin el brillo de otros más dotados, pero cuenta el favor del público.

Sin embargo, a pesar de todo ha conseguido más prestigio que su amigo del alma, Ben Affleck a quien conociera a comienzos de los ochenta y con quien ha compartido trayectoria y una estrecha unión. Ambos aparentaban, hace algunos años, ser dos jóvenes actores con enormes ganas de triunfar, pero el trabajo y sus filmografías los han colocado a niveles diferentes. Sin menospreciar el trabajo de Affleck, creo que Damon ha sabido elegir mejor su rol, acertar con personajes mucho más ajustados a su perfil y labrarse la etiqueta de actor deseado, que no da problemas y es todo entrega.

Curiosamente su primera aparición en la gran pantalla fue en la comedia ‘Mystic Pizza’, que no tiene nada de especial sino fuera porque supuso la reunión de algunos actores con gran proyección, de los que sólo lograron mayor gloria el propio Damon (a pesar de su escasa presencia en el film) y Julia Roberts, aunque por el camino intermedio han quedado otros como Lili Taylor y Vincent D’Onofrio.

Como anécdota, participó junto a Affleck como extras en ‘Campo de sueños’, ese drama con el béisbol como protagonista en la época dulce de Kevin Costner. Y tras una pausa en su carrera para estudiar, finalmente regresó, pasando por televisión en títulos olvidables (‘Colegio privado’, ‘Gerónimo, una leyenda’) hasta aparecer en ‘Días de gloria y, especialmente destacado, en ‘En honor a la verdad’, un drama bélico de Edward Zwick compartiendo cartel con Denzel Washington y Meg Ryan.

Tras un papel secundario en la estupenda comedia ‘Persiguiendo a Amy’ (de junto a Affleck), participa en ‘Legítima defensa’. Bajo la dirección de Francis F. Coppola, la película fue un notable éxito comercial que le sirvió para relanzar su carrera, interpretando a un abogado novato pero impetuoso que luchaba en un caso de corrupción.

Su unión a Affleck le llevó también a coescribir un guión. Ambos amigos estaban seguros que su talento y entusiasmo tenía que verse recompensado con la realización de su historia, que finalmente llegó, con la dirección del atípico Gus Van Sant en ‘El indomable Will Hunting’ (1997). Papel protagónico para Damon (junto a Robin Williams), con un brillante trabajo que obtuvo varias nominaciones a los Oscars incluido el de mejor guión original y al mejor actor. Sin duda, aquello supuso la consagración de ambos. Una película no especialmente original, pero que contaba con buenos momentos y muy del gusto del academicismo hollywoodiense.

Fue un punto de inflexión para Damon, que se convertía en una estrella consagrada y junto a Affleck serían considerados como dos de las más destacadas promesas de Hollywood. Sin embargo, también hay que reconocer que fue demasiado premio para tan poco fondo. En el caso de Damon, le supuso un camino más fácil hacia grandes producciones, como trabajar en ‘Salvar al soldado Ryan’ junto a Spielberg o en ‘El talento de Mr. Ripley’, donde a pesar de su esforzado trabajo, demostraba que no sería capaz de volar más alto de lo que ya había hecho.

Tras algún papel menos relevante y en cintas más discretas como ‘La leyenda de Bagger Vance’, ‘Descubriendo a Forrester’ o ‘Todos los cabellos bellos’, entra a formar parte de la terna de estrellas de ‘Ocean’s eleven’. Éxito notable de taquilla, pero que iba configurando a Damon como un actor de gran cartel, que no decepciona, pero tampoco sorprende.

Tras algunos títulos más, poco trascendentes, le llega el guante perfecto a su horma. Jason Bourne, un fugitivo adiestrado a al perfección con una amnesia intrigante que busca superar su confusión acerca de quién es realmente. Cinta habilidosa, espectacular por momentos y que lo convierte en todo un héroe de acción. Ha conseguido interpretarlo con gran resolución en dos entregas más, formando una trilogía tan bien considerada como entretenida, y que mejora con el tiempo.

Sus escarceos en la comedia evidencian su falta de talento para el humor, a pesar, de ser un intérprete esforzado y que no por ello consigue hacer el ridículo, sino resolverlo con entrega. ‘Pegado a ti’, ‘Eurotrip’ o ‘Una chica de Jersey son olvidables.

‘El mito de Bourne’ la segunda entrega de su mejor personaje y nuevas entregas de la saga Ocean le dan aún más éxito, glamour e importante sueldos. Participa en la vitoreada ‘Infiltrados’ junto a Scorsese, nuevamente con eficacia, en ‘El buen pastor’ y en ‘¡El soplón!’, con cambio físico radical, pero sin suficiente recompensa.

Ahora tiene en cartelera ‘Invictus’, nueva demostración de su capacidad interpretativa capaz de no decepcionar pero tampoco de deslumbrar y llega con ‘Green Zone: Distrito protegido’, donde esperemos recupere sus mejores momentos, también de la mano de Greengrass, puesto que con ‘El ultimátum de Bourne’ lograron una excelente alianza. Dirección nerviosa, frenética y fantástica de las escenas de acción y un Damon que consigue darle mayor intensidad a su aturdido pero hábil Jason Bourne.

Su futuro es intenso, ya que tiene algunos títulos anunciados como ‘Margaret’, un drama junto a Anna Paquin y Mark Ruffalo, y ‘The Adjustment Bureau’, basada en un relato de Philip K. Dick y junto a Emily Blunt. Y es que Damon es uno de los actores más rentables de Hollywood, y eso que le echo en falta un poco más de sangre y ser algo menos hierático.

Si hay una actriz en la actualidad que cumple con los cánones de “estrella latina sensual” sin más, esa es Eva Mendes. Una belleza de origen cubano que mientras estudiaba marketing e interpretación fue descubierta por su innegable belleza y se le abrieron las puertas del show business. Primero como bellezón en videoclips (tan populares como el de Aerosmith) y luego en participaciones televisivas (‘Urgencias’) hasta llegar al cine. No por la puerta grande, sino consiguiendo que su rostro (y su cuerpo) no pasara desapercibido para la gran pantalla.

Sin embargo, una actriz de talento interpretativo limitado (pero con una de las sonrisas más seductoras) ha sabido amoldarse y sacarle todo el partido al estereotipo de actriz latina que Hollywood reclama con asiduidad. Ha crecido como estrella hasta convertirse en una de las más deseadas, sexys y admiradas. Y aunque muchos no se fijen en su trabajo, hoy, que cumple 36 años, es la actriz latina más indispensable en la agenda de muchos productores.

Los comienzos de su carrera estuvieron marcados por títulos de terror de cuarta categoría (a la sazón ‘Los chicos del maíz 5: Campos de terror’, ‘Leyenda urbana 2’ y ‘Once Upon in Mexico’), por lo que tuvo que luchar para conseguir evadir más proyectos de esta clase y encontrar ese título que le sirviera de trampolín. Tenía claro que no podía ocultar su belleza exótica, su piel dorada y sus rasgos latinos, así que decidió potenciarlos y que, acoplándose a la imposición de Hollywood, pudiera sacarle el máximo partido. Consciente de que su belleza le abriría puertas, fue sincera consigo misma y aceptó el camino que podía recorrer y alcanzar, en un futuro, una mayor consideración como actriz.

Eso aún está por llegar, pero al menos ha logrado pasear su figura con el glamour que la maquinaria hollywoodiense le ha abrigado y aparecer en títulos de relumbrón. Algo así ya consiguió cuando comenzaba su trayectoria con ‘Training Day’ y posteriormente con ‘A todo gas 2’, elevando su perfil y acaparando suficiente atención como para tener asegurado un futuro en este competido mundo.

Luego vino ‘A contrarreloj’ junto a Denzel Washington donde corroboraría su imparable empuje como actriz latina de primera fila. Y hasta se atrevió con la comedia en ‘Pegado a ti’, siendo ya la Eva Mendes en ciernes que todas las publicaciones masculinas catalogaban como una de las actrices más deseadas del momento.

Sin embargo, y a pesar de las desventajas de ser una de las estrellas más considerada por su belleza que por su talento actoral, Eva Mendes le ha sacado provecho y se ha mantenido firme a la hora de intentar romper los convencionalismos. Particularmente, no pienso que lo haya logrado, más probable por falta de papeles para ello que de su ímpetu. Al menos ha intentado huir de cierto encasillamiento, pasando del terror, a la acción, de la comedia al thriller (‘La noche es nuestra’, con álgida y tórrida escena incluida), sin olvidarse del cómic más taquillero (‘El motorista fantasma’ y ‘The Spirit’).

Su empeño le está llevando a alcanzar trabajos mejor considerados. Así, tras verla recientemente en ‘Teniente corrupto’, tiene en cartera ‘Last Night’ junto a Sam Worthington y Keira Knightley, y ‘The Other Guys’, una comedia de acción con Mark Wahlberg, Samuel L. Jackson o Michael Keaton.

Su rostro es aún poco conocido para el gran público. Pero seguro que para muchos, a partir del próximo viernes no lo será tanto, puesto que se estrena ‘An Education’, la película que le ha otorgado gran fama. Al menos será la oportunidad para conocer este aplaudido trabajo que ha encumbrado a la joven británica Carey Mulligan a convertirse en la actriz revelación del momento.

Apenas tiene veinticuatro años y está acaparando una gran atención internacional. Su trabajo en ‘An Education’ no ha pasado desapercibido y acumula un buen número de premios, pero lo que es más importante, que muchas miradas se fijen en ella y vean el talento que tiene y el gran porvenir que le espera.

Nominación al Globo de Oro, al Oscar, premio Bafta,... son algunas de las credenciales que se ha ido ganando gracias a una película británica que casi de puntillas se ha colado en los grandes premios del mundo del cine de este año. Su trabajo en ‘An Education’, dirigida por Lone Scherfig, ha logrado esa catapulta que necesitan muchas actrices para ponerse en primera plana.

Al margen de lo meritorio de su trabajo y de los premios, Carey Mulligan aparenta tener madera de la gran actriz que puede llegar a ser. Destila dulzura, encanto, elegancia y un aspecto ochentero llamativo (también gracias a la caracterización de su papel). Tanto que muchos la comparan, por su aspecto, con la gran Audrey Hepburn. Lo cierto es que ha conseguido encandilar a buena parte de la crítica con su sencillez, ingenuidad y ese aspecto frágil que muestra en la cinta. Por cierto, tiene cierta similitud, no en lo físico, pero sí en cuanto a repercusión, con Ellen Page, que logró elevar a ‘Juno’ a película de enorme consideración por su gran papel, a pesar de no ser una gran estrella.

Pero, mientras tanto, hay recordar que Mulligan, a pesar de su corta trayectoria, ya ha participado en importantes producciones como en ‘Orgullo y prejuicio’, donde hacía de la joven Kitty, compartiendo cartel con otra británica mucho más popular como Keira Knightley.

Fue su salto al cine, aunque anteriormente ya había cosechado cierta experiencia en el mundo de la televisión. Trabajando para la BBC en la serie ‘Bleak house’, y participado en otras series como ‘My boy Jack’ o ‘Agatha Christie Marple: The sittaford mistery’. Como buena actriz británica también ha pisado los escenarios teatrales para curtirse, interpretando ‘La gaviota’, una adaptación de la obra de Anton Chéjov.

Pero no se puede negar que este año ha sido cuando ha emergido de forma notable, primero con ‘Enemigos públicos’ y posteriormente en ‘The greatest (El mejor)’, película que pasara desapercibida por las carteleras. Aunque parece claro que con ‘An Education’ va a lograr extender su popularidad más allá de las tierras británicas.

Tanto ha despertado el interés de muchos cineastas, que incluso el mismísimo Oliver Stone cuenta con ella para la secuela de ‘Wall Street’, en lo que supondrá su salto a Hollywood a lo grande. Aunque antes la veremos en ‘Brothers’, un drama bélico junto a Tobey Maguire, Jake Gyllenhaal y Natalie Portman, dirigido por Jim Sheridan y que aún no ha pasado por las carteleras españolas.

Carey Mulligan, con su aspecto elegante, su sonrisa encantadora y una luminosidad propia de las estrellas, ya causa sensación fuera de los rodajes, gracias a su elegancia. Madera de estrella, sin duda. Y consiga finalmente el Oscar a la mejor actriz o no (cosa que parece difícil ya que Sandra Bullock parte como clara favorita), ella ya ha ganado, ha gustado y no deja de recibir elogios.

Acaba de ganar un merecidísimo premio Goya por su excepcional interpretación de Malamadre en ‘Celda 211’. Todos auguraban que era el favorito, y a pesar de ello Luis Tosar siempre se mostró cauteloso, y nada eufórico a pesar de que estaba cantado (y eso que ya contaba con dos premios). El suyo era un papel goloso, un papel con el que sueñan todo el que quiere ser actor, pero sin embargo, hay que tener el talento para convertirlo en una interpretación de la talla que ha logrado el actor gallego.

Luis Tosar, a pesar de que ahora vive en las portadas de periódicos y revistas, no es un actor que haya buscado la relevancia a toda costa. Ni a pesar de haber cruzado el charco para aventurarse en producciones de Hollywood, se ha mostrado estar por encima del resto. Es un actor cuyo compromiso con la profesión es tan alta como la talla de persona que aparenta.

Un actor que ha crecido, pero que no ha perdido un ápice en su capacidad de entrega, de mimetismo con sus personajes y su gran capacidad para extraer lo más difícil de ellos, su personalidad, su interior, más allá de lo más obvio y superficial. Luis Tosar ha evolucionado, y con trabajo, esfuerzo y sin grandes fastos glamourosos se ha colocado como uno de los actores esenciales de nuestra cinematografía en la última década. Y eso lo sabían todos antes de verle actuar en ‘Celda 211’, y quizás por eso nadie dudaba que se merecía el premio, aunque a él, no le vaya a cambiar.

Malamadre, un papel que marca un antes y un después

Lo suyo con Malamadre es el instinto de un actor que reconocer haber recibido un gran regalo. Un personaje agradecido, pero que también había que personalizar y llevar con tino en la historia carcelaria de la que es protagonista. Es un villano diferente, pero con enorme personalidad, algo que siempre defiendo como esencial para que un film funcione. Y su galería de villanos es extensa, parece que su físico o su poderosa capacidad de sugerir miedo, misterio y fuerza lo han convertido en un actor muy capacitado para ello.

En Hollywood lo saben y por eso le han llamado para trabajar, aunque, lamentablemente con papeles tan estereotipados como planos y en los que tenga el talento que tenga el actor que los interpreta, poco bueno se les puede sacar (olvidable como toda la película ‘Corrupción en Miami’, por mucho que estuviera detrás Michael Mann). Eso también sirve para elogiarlo, no se ha venido abajo, no ha querido encasillarse, tiene mucho futuro, y en el cine español se encuentra cómodo. Y cada vez más valorado. No nació para superestrella, pero se ha convertido en un actorazo de primera.

Baste recordarlo en ‘Los lunes al sol’, en ‘Te doy mis ojos’, en ‘Flores de otro mundo’ o en ‘La flaqueza del bolchevique’. Grandes películas del cine español, pero también ha estado en éxitos de taquilla que le han colocado en la órbita de productores conocedores de su fuerza y calidad.

Lo que sí parece claro es que tras el hipnótico Malamadre Luis Tosar ha subido varios peldaños, que se ha ganado un prestigio que ya antes merecía y que seguro, le servirá para que nos fijemos más (si cabe) en él. Por cierto, acaba de confirmarse que protagonizará lo próximo de Jaume Balagueró.

En vista de la buena acogida de la selección de John Williams del otro día, hoy aprovechando que otro de los grandes hubiese cumplido años, aunque por desgracia ya falleció en 2004, es buen momento para repasar también diez de las mejores bandas sonoras compuestas por Jerry Goldsmith.

Otro genio de la música, de gran destreza desde pequeño que tras descubrir al gran Miklós Rosza se lanzó a la composición de música para el cine. Ha compuesto para diversos géneros, por lo que nunca se le ha podido encasillar y con una extensa trayectoria de cinco décadas también posee bandas sonoras inolvidables. Aunque si por algo destacó es por ponerle música a grandes títulos del género fantástico y la Ciencia Ficción.

Hacer una selección de las mejores bandas sonoras de Jerry Goldsmith también conlleva una gran dificultad, pero siempre antepongo lo especial que me resultan particularmente, quizás por encima de su valía artística. Aquí os dejo con las creo que son las diez mejores bandas sonoras de Jerry Goldsmith:

‘El planeta de los simios’

‘La profecía’

‘Alien, el octavo pasajero’

‘Patton’

‘Desafío total’

‘Star Trek, The Motion Picture’

‘Mulan’

‘Papillon’

‘Instinto básico’

‘Poltergeist’

Ahora que se aproxima un esperado estreno, que supone la enésima adaptación de los licántropos en el cine, como es ‘El Hombre Lobo’ (‘The Wolfman’) con Benicio del Toro como protagonista, es buen momento para repasar algunos de los más interesantes que hemos podido ver en algunas emblemáticas películas.

Y es que el mítico hombre lobo le debe mucho al cine. Además de su popularidad, al lado de otras criaturas como los vampiros, zombis y otros monstruos, nuestra idea visual de cómo sería un licántropo, se lo debemos precisamente a cómo ha sido representado en multitud de populares films. Y ha aparecido desde la dorada época de la Universal en múltiples versiones: terror, la más obvia y común, pero también comedia, musical y hasta en el cine patrio encontramos honrosos ejemplos. La primera que se conoce se remonta nada menos que a 1913, un cortometraje titulado ‘The werewolf’, dirigido por Henry MacRae. Desde entonces, muchos hombres lobo han aparecido en las pantallas.

Vamos a repasar pues algunas de las apariciones más interesantes de los hombres lobo en el cine, sin ningún orden específico.

‘Un hombre lobo americano en Londres’

Tremendamente popular, esta cinta dirigida por John Landis en 1981, no pasará como la más espectacular y emocionante, pero sí que se trata de un film de culto, que supo combinar con especial pericia el terror que producen los licántropos con la comedia teen y un tono musical muy peculiar. Recordemos que obtuvo un Oscar al mejor maquillaje y sorprendió por su transformación, realmente interesante.

‘El hombre lobo’ (1941)

El gran clásico del cine fantástico, interpretado por el genial Lon Chaney Jr. y con Bela Lugosi y Claude Rains en el reparto. Una historia que se inspira en los relatos tradicionales de los licántropos y que obtuvo gran éxito. Visto hoy día puede producir alguna sonrisa por la resolución del hombre lobo, pero hay que tener en cuenta que en su momento supuso uno de los mejores trabajos de diseño y maquillaje. Por contra, dispone de una atmósfera atrapante y cuenta con unas interpretaciones de gran altura. Imprescindible.

‘En compañía de lobos’

Esta cinta de Neil Jordan le catapultó a la fama, aunque se puede comentar que no se trata del relato clásico, pues en realidad intenta adaptar el tradicional cuento de ‘Caperucita’ y otorgarle un aire simbólico, con imágenes oníricas y un sabor muy especial. Se aparta, como digo, de lo habitual, pero por ello resulta especialmente recomendable, además de que el resultado fue más que notable por aquel 1984 y hoy día un título a recuperar (por cierto ganó en Sitges).

‘Yo fui un hombre lobo adolescente’

A muchos les parece que los personajes licántropos adolescentes de la saga ‘Crepúsculo’ podrían ser los que más populares, y quizás con el tiempo lo consigan, pero desde luego no han sido los primeros. Este título de 1957 con un jovencísimo Michael Landon como protagonista, ya nos ponía en situación mezclando el acné con el abundante vello lobuno. Un film menor, pero emblemático y característico de una época en la que la televisión se imponía con fuerza. Esta cinta de serie B tuvo gran difusión entre el público juvenil y logrando convertirse en un éxito de taquilla impresionante (costó 125.000 dólares y recaudó dos millones en un año). Y aunque sólo sea por contraste, bien merece el recuerdo.

‘La leyenda de la bestia’

Película poco conocida, pero de enorme aportación para el cine de licántropos y de gran interés. Dirigida por Freddie Francis e interpretada por Peter Cushing, es heredera de las producciones míticas de la Hammer. Está inspirada libremente en ‘El pequeño salvaje’ de Truffaut, no en vano cuenta como una manada de lobos cría a un niño huérfano, que tras ser acogido en un circo y ya convertido en adulto, trabajando en un zoo vivirá su particular transformación. También serie B, no demasiado brillante pero sí entretenida y entrañable. Para los nostálgicos del género.

‘Aullidos’

Film de 1981 dirigido por Joe Dante y que tras el gran éxito alcanzando dio lugar a una fructífera saga. Pero no se puede negar que esta adaptación de la novela homónima consiguió un gran hito con los efectos especiales. Claro, que vistos hoy día pues evidencian un desfase temporal importante. Cuenta la historia de una periodista televisiva que para superar una experiencia traumática se refugia en un tranquilo paraje donde unos peligrosos licántropos le darán más de un susto. Resulta, a pesar de sus malas interpretaciones, una película muy entretenida, y con un toque de comedia bien introducido.

‘Lobos humanos’ (‘Wolfen’)

Pertenece a una época floreciente en el cine de terror y especialmente el dedicado a los hombres lobo y este título, tampoco demasiado conocido, consiguió aportar una nueva perspectiva de gran validez. Dirigida por el desconocido y misterioso Michael Wadleigh, aunque abandonó el rodaje sin finalizar, consiguió una película sugerente, aunque también se sale un poco de lo habitual en el género. Y cuenta la historia de un destacado hombre de negocios que aparece muerto y descuartizado y es encontrado por un detective que se topa en su investigación por viejas leyendas de los indios.

‘Dog Soldiers’

Un título reciente que cosechó algunos premios y que cuenta la historia de unos soldados enfrentados a una manada de furiosos hombre lobo. Ambientada en frío paisaje de los bosques escoceses, supone una curiosa mezcla de terror, acción y una pizca de gore, para darle más salsa al asunto. Es deudora de títulos clásicos como los mencionados ‘Aullidos’ o ‘Un hombre lobo americano en Londres’, pero sin embargo, no tiene mayor ambición que la de ofrece sangre, lobos y entretener a los más fanáticos del género.

‘La marca del hombre lobo’

No podíamos olvidarnos de nuestra gran figura patria en este género, el gran Paul Naschy que se metió en la piel (y pelos) de un hombre lobo en varias ocasiones, pero memorable resulta este título con el que alcanzó gran reconocimiento (fuera de nuestras fronteras). Dirigida por Enrique López Eguiluz en 1968, y con guión del propio Naschy, no podemos pedirle gran despliegue de producción, porque precisamente destaca por su falta en este sentido, pero gran ingenio y destila gran entusiasmo por el género. No en vano, muchos la califican como película esencial del género fantástico y abría el camino del personaje de Waldemar Daninsky.

‘Ginger Snaps’

Dirigida por John Fawcett en el año 2000, supuso un intento de retomar el subgénero de los licántropos y, sin ser un film sobresaliente, al menos consiguió un resultado meritorio (y dio lugar a una trilogía). Película canadiense de bajo presupuesto, que cuenta con elementos habituales del cine de terror adolescente pero con una visión diferente, además de esquivar los tópicos. Sangrienta, sorprendente, nos cuenta la historia de dos hermanas adolescentes muy unidas y aburridas, hasta que deciden gastar una broma a un chico y una de ellas acaba siendo atacado por una criatura. Tras recuperarse, no parece encontrarse del todo bien y… se convierte en una mujer lobo (al menos en este aspecto consigue originalidad).

Creo que resulta una recomendable selección para darse una sesión intensiva del mundo del licántropo para ver en luna llena y con balas de plata preparadas. Esperemos que la nueva versión con Benicio del Toro aporte novedades (al margen del realismo y espectacularidad que impondrán los modernos efectos especiales), y pueda convertirse en un título digno del recuerdo. El viernes lo comprobaremos.

Hoy toca sentido homenaje a uno de los más grandes. El señor John Williams, uno de los más importantes compositores de bandas sonoras de la historia del cine, cumple 78 años. Así que buen momento para hacer una particular retrospectiva y deleitarse con algunas de sus mejores partituras.

Sin duda ha logrado una popularidad merecida, puesto que al margen de ponerle música a las películas más famosas y taquilleras, también ha sido el encargado de que varias generaciones asociemos de inmediato sus notas a las películas para las que las compuso. Formando parte así, de la memoria musical de miles de cinéfilos.

Y qué se puede decir de su historial, pues al alcance de muy pocos: 45 nominaciones al Oscar, 5 estatuillas, 7 premios Bafta, 20 Grammys, 4 Globos de Oro,... pero ya en los años 60 consiguió varios Emmys por su trabajo. Todo un genio de la música, que durante cinco décadas ha puesto espectaculares composiciones en películas inolvidables. Amante de las grandes orquestas, quizás algo redundante como muchos le critican, pero sensacional en los resultados. Un maestro.

Repaso las 10 mejores bandas sonoras de John Williams, bajo mi particular criterio:

‘Tiburón’

‘Star Wars’

‘Superman’

‘La lista de Schindler’

‘Jurassic Park’

‘Harry Potter y la piedra filosofal’

‘Memorias de una Geisha’

‘JFK’

‘En busca del Arca perdida’

‘Munich’

Hoy llega a las pantallas españolas la espléndida ‘Up in the Air’, donde además de ver al seductor de George Clooney en uno de sus mejores papeles, también podremos disfrutar de la magnífica interpretación de Vera Farmiga, quien le acompaña en el reparto.

Vera Farmiga ha logrado, con este trabajo, un reconocimiento que viene labrándose desde hace algún tiempo, a base de saber elegir sus papeles, de elegancia en la actuación y un incontestable atractivo en pantalla. Vamos a repasar la corta filmografía de una actriz, que a sus 36 años, ha logrado captar la mirada de muchos y parece que el futuro que le viene la convertirá en una estrella de mayor renombre a la que no perder la pista.

A pesar de su origen ucraniano, Vera nació en New Jersey pero estuvo durante su infancia bajo la estricta educación de un hogar católico ucraniano (hasta el punto de que no habló inglés hasta los seis años), donde pudo recibir, clases de piano y baile, una de sus primeras dedicaciones. Podría haberse convertido en una bailarina de folclore ucraniano con más trayectoria sino fuera porque un buen día decidió probar suerte y estudiar interpretación. Con tan buen tino, que no tardó demasiado en debutar en una obra teatral, en nada menos que en Broadway, gracias a una suplencia. Poco después, también debutó en la televisión como protagonista en la serie ‘Roar’ (1997), junto a un desconocido, por entonces, Heath Ledger.

En la televisión encontró nuevos proyectos y así fue prolongando su carrera apareciendo en series como ‘Ley y Orden’ y ‘Trinity’ (ambas en 1998), para dar el salto al cine de la mano de ‘Return to Paradise’, junto a Vince Vaughn, Joaquin Phoenix y Anne Heche. Fue su primer paso y no pasó desapercibida. Su belleza, pero sobre todo su elegancia y clase a la hora de interpretar, fueron sus mejores armas para también participar en ‘The Opportunists’ junto con Christopher Walken y en ‘Otoño en Nueva York’ con Richard Gere y Winona Ryder. Papeles secundarios que le fueron formando, aunque ella nunca tuvo prisa por seguir subiendo y alcanzar mayores cotas de fama y prestigio.

Quizás por ello, Vera Farmiga, ha sabido siempre tener cautela y paciencia a la hora de elegir proyectos. Algo fundamental cuando se tiene claro que algún día llegará esa oportunidad que finalmente acaba consagrando el talento, y sirve de recompensa al esfuerzo.

Sus siguientes trabajos la une a una destacada estrella como a Robert De Niro en ‘15 minutos’ (2001), aunque no logra demasiada repercusión, ni tampoco con sus siguientes trabajos. Consigue un importante papel en una ambiciosa serie de la NBC, ‘Undercover’, que fue cancelada tras once episodios.

Ya en 2004, Vera Farmiga, tras un receso en su carrera (quizás para asumir lo complicado de este mundillo y estudiar bien sus siguientes proyectos), consigue nuevas películas y una nueva serie de televisión. Aunque fue con la cinta ‘Down to the Bone’ (a rescatar por los más curiosos) en el papel de Irene el que supuso el espaldarazo definitivo. Uno de esos trabajos en los que consigue extraer lo mejor de si misma y a la vez, alcanzar notoriedad con una cinta aplaudida, y dirigida por Debra Granik. Aunque, sin duda, fue su trabajo lo más destacado y lo que le lleva a conquistar el Premio Especial del Jurado en el Festival de Sundance, en el Festival de Brooklyn y sendas nominaciones a los Independent Spirit Awards y de la asociación de críticos de Los Ángeles.

‘Down to the Bone’ es un drama que cuenta la historia de Irene que lucha para salir de la droga junto a sus dos hijos y mantener su matrimonio. Y como digo, el papel de su vida, el que la puso en el mapa y nada menos que con una interpretación ampliamente reconocida, además de cosechar premios. A partir de aquí, Vera Farmiga consigue un cierto prestigio que le lleva a participar en títulos como ‘El mensajero del miedo’, ‘La prueba del crimen’ y en ‘Breaking and entering’, bajo las órdenes de Anthony Minghella y compartiendo cartel junto a Jude Law y Juliette Binoche.

Asimismo, consigue un interesante (y espléndido) papel en ‘Infiltrados’ con Martin Scorsese. Su trabajo como Madolyn estaba destinado para una estrella de mayor nombre, según pretendía el realizador, por lo que se barajaron los nombres de Kate Winslet y Hillary Swank, pero finalmente Vera lo logró y su trabajo no defraudó en absoluto. Reconozco que a pesar de su escasa aparición, consiguió encandilarme a base de sus mejores cualidades (y no únicamente con las más obvias y aparentes: sus ojos y seductora belleza).

Los siguientes títulos más conocidos de Vera han sido su participación en ‘El niño del pijama de rayas’, ‘La huérfana’, una cinta de terror junto a Peter Sarsgaard y con producción, entre otros, de Leonardo DiCaprio.

Hasta llegar a ‘Up in the Air’, con la que ha cosechado más posibilidades de premios tan importantes como una nominación a los premios BAFTA, a los Globos de Oro y del Sindicato de Actores. Ciertamente su papel resulta brillante, Vera está espléndida y luce a la altura de un George Clooney, consiguiendo la réplica perfecta y asegurarse (casi), estar en la próxima gala de los Oscar. Veremos si como nominada finalmente.

Sus siguientes películas serán ‘Henry’s Crime’, como protagonista junto a Keanu Reeves y ‘Source Code’, dirigida por Duncan Jones y compartiendo cartel (de momento) con Jake Gyllenhall y Michelle Monaghan.