Ahora que se aproxima la noche de Halloween, costumbre cada vez más extendida por todo el mundo, es buen momento para hacer un repaso al cine de terror. En la actualidad está viviendo un momento dulce, con títulos que están copando las carteleras y que, en muchos casos, con resultados más que decentes.

Voy a repasar un top ten con todas las dificultades y limitaciones que ello conlleva. Muchas se quedan fuera inmerecidamente, pero a la hora de escoger entre diez películas de terror de toda la historia, la decisión viene dada por el buen recuerdo, la experiencia vivida con su visionado y por cierta afinidad con sus creadores o intérpretes. Vamos a recordar algunos momentos terroríficos (sin orden de preferencia).

• ‘Phantasm’ (1979)

Solo la vi una vez (en VHS) y siendo muy joven, pero el recuerdo de algunas escenas aún perdura en mi cabeza. Quizás esta cinta dirigida por Don Coscarelli no sea una de las más reputadas dentro del género, pero si que contiene momentos realmente terroríficos y es de las que no quiero volver a ver para no perder ese ¿buen? recuerdo. Tiene un aire desconcertante, con muchos tópicos del género pero con un horror sobrenatural muy hábil y es difícil no asustarse con esas bolas metálicas que me provocaron más de una pesadilla.

• ‘La última casa a la izquierda’ (‘The Last House on the Left’, 1972)

Wes Craven logró hacerse un nombre en el género de terror con este título. Esta cinta contiene escenas realmente impactantes y de gran dureza. Es una verdadera pesadilla en forma de venganza sangrienta, quizás peca de falta de ritmo, pero su estética setentera y su auténtica serie B también me encandilaron hace muchos años. Otra de las que no he querido volver a ver (y menos el reciente remake) y que me provocó algún susto inolvidable.

• ‘El pueblo de los malditos’ (‘Village of the Dammed’, 1960)

El uso de niños para provocar pánico en el cine de terror ha tenido muchos capítulos ilustres, pero un destacado hueco tiene esta cinta protagonizada por George Sanders. Un grupo de pequeños niños con poderes mentales que anda fastidiando a toda la comunidad de una pequeña población. Su mirada y su actitud desconcertante provocan auténtico pánico. Vista hoy día, quizás pierda mucha de su eficacia, pero no se puede negar que con un planteamiento tan sencillo resulta muy efectiva.

• ‘Carrie’ (1976)

Gran acierto de Brian de Palma con esta historia ingeniada por Stephen King en una novela del mismo nombre, y quizás una las mejores traslaciones de sus obras literarias a la gran pantalla. Sabe transmitir ese sentimiento inquietante, gracias a un gran trabajo de Sissy Spacek con una joven con telequinesia y que lleva a cabo su particular venganza contra los que se burlaban de ella. Inolvidable la escena del baile de graduación. Estremecedora.

• ‘Al final de la escalera’ (‘The Changeling’, 1980)

Todo un clásico en la década de los ochenta, este título protagonizado por el inolvidable George C. Scott con casa encantada incluida. Contiene elementos visuales prodigiosos y un terror muy bien dosificado, con un suspense sensacional, generando la suficiente inquietud para que la película sea realmente entretenida. Muy bien narrada por Peter Medak y con un trabajo soberbio de Scott.

• ‘La profecía’ (‘The Omen’, 1976)

Parece que tengo una especial predilección por esta década con el género de terror, pero ciertamente fue una época fructífera y que dejó grandes títulos. ‘La profecía’ es una de ellas y fue un gran éxito que tuvo sus posteriores secuelas, algo habitual. Otro niño con cara de ángel, que con su sola mirada logra inquietar al más frío. Un guión magnífico, bien construido y que Richard Donner supo aprovechar a la perfección.

• ‘La noche de Halloween’ (‘John Carpenter’s Halloween’, 1978)

Primera y más auténtica aparición de Michael Myers, uno de esos asesinos clásicos que ha dado el género. Carpenter se lució con esta cinta, contando con la inestimable participación de Jamie Lee Curtis y Donald Pleasence que aportaron mucho para lograr que esta película consiguiera transmitir verdadero horror. Fue un fenómeno en la época (de ahí su consiguiente saga interminable) y no es para menos, puesto que con un presupuesto pobre se logró que un psyco-killer como Myers fuera un reclamo tan poderoso. El suspense y el ritmo son sus mejores armas para lograr que la película, que evidencia su falta de recursos, funcione.

• ‘El cuervo’ (The Raven’, 1963)

No podía olvidarme del maestro Roger Corman. Un genio que gastaba lo mínimo pero que dejaba su entusiasmo a la hora de plasmar historias fantásticas y de terror como esta. Con un reparto de cinco estrellas (Vincent Price, Peter Lorre, Boris Karloff, Jack Nicholson) consigue una historia muy de su estilo, con decorados barrocos, un tono decadente y buenas dosis de humor. Pura y auténtica serie B.

• ‘La cosa’ (‘The Thing’, 1982)

De nuevo Carpenter dio en el clavo con esta historia claustrofóbica ambientada en la Antártida, con unos investigadores (Kurt Russell de protagonista) que se enfrentan a algo misterioso que provoca verdadero terror. Está narrada con maestría, con insipiración y cuenta con unos efectos especiales nada desdeñables para una producción así. De verdad que su eficaz suspense y su asfixiante trama la convierten en un gran clásico.

• ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960)

Dudaba mucho en incluir a esta película de Hitchcock en el top, pero creo que le tengo especial afecto y no podía excluirla. Poco nuevo se puede decir de una obra maestra así, con escenas cumbre del género en la historia del cine y con un personaje tan mítico como el interpretado por Anthony Perkins. Y reivindico la banda sonora del absoluto genio Bernard Herrmann como una de las más sobresalientes. Menos mal que logró convencer a Alfred de incluir su música en la famosa escena de la ducha. A la postre fue una de las mejores decisiones que se tomaron. Hasta el tráiler es de culto:

Por cierto, ahora que se aproxima ‘Paranormal Activity’, ¿será un título que permanezca en la memoria? (en cuanto a cifras, seguro).

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• Mis películas favoritas de gángsteres de los últimos años
• Mis películas de zombis favoritas

• Mis películas bíblicas inolvidables

Lo tengo en mi olimpo de los villanos. Un psicópata sin escrúpulos pero educado, brutal pero culto, caníbal pero inteligente. Quizás estas sean algunas de las principales características de uno de los mejores personajes que el cine nos ha dejado. Un malvado que causó pánico, terror pero también fascinación, e incluso admiración.

Hablamos de 1991 y ‘El silencio de los corderos’. Un Anthony Hopkins inconmensurable que se puso en la piel del doctor Lecter, un personaje que creó el novelista Thomas Harris, y que perdurará inolvidable gracias al trabajo del actor británico.

El acierto de este thriller fue retratar a un villano de una forma cruda, dándole más protagonismo y atrapando al espectador con su fascinante personalidad, gracias a una acertada realización y al trabajo soberbio de Hopkins. Un personaje confinado en una celda de máxima seguridad pero que se las ingenia para generar verdaderas pesadillas sin apenas pestañear o moverse. Capaz de introducirse en el alma de Clarice, la agente del FBI interpretada por Jodie Foster, y removerle su conciencia.

Su ritmo pausado, su mirada profunda, sus gestos inquietantes, son sus principales armas y hacen de Hannibal Lecter un psicópata que causa verdadero pánico. También resulta especialmente llamativo los contrastes de su personalidad, como definía al comienzo. Un tipo que es un eminente psiquiatra, a la vez que un genio y amante del arte (y también de la gastronomía “exquisita”), pero capaz de acometer las atrocidades humanas más horribles. Comerse a sus víctimas. Un canibalismo despreciable que él convierte en una desviación humana justificada. Cínico y manipulador, el doctor Lecter no aparenta ser un malvado a primera vista. Su carácter de villano se encuentra escondido en lo más profundo de su interior, aunque cuando necesita urdir su fuga, no duda en sacar a luz toda su brutalidad y despiadado comportamiento.

Su erudición no justifica su sociopatía, y Lecter se convierte en uno de los asesinos mejor retratados en la historia del cine (si obviamos el resto de títulos de la saga que no llegan a la altura de ‘El silencio de los corderos’).

Resulta fascinante cómo consigue desentrañar a otro asesino, motivo por el que Clarice Starling se entrevista con él, y con la facilidad con la que lo hace. Una nueva muestra de su doble vertiente: gran psicólogo pero con un lado asesino especialmente desarrollado (como se aprecia en la gran escena del primer encuentro entre Clarice y Lecter).

Un villano de culto al que dio vida Anthony Hopkins y que, a pesar de tratarse de un personaje repulsivo, la mirada del realizador encierra una clara atracción que se transmite en esos cuidados primeros planos del actor. Esa misma atracción que nace en Clarice, y que se transmite al espectador. Es por eso que el retrato de Lecter resulta tan inquietante. Un gran trabajo que supuso un giro a la hora de mostrar a un asesino en serie en el cine y que se ha convertido en un clásico, con un malvado inolvidable.

Otros de mis villanos favoritos:

• Jack Torrance (‘El resplandor’)
• El capitán Vidal (‘El laberinto del fauno’)
• Catherine Tramell (‘Instinto Básico’)
• The Terminator (‘Terminator’)

• Annie Wilkes (‘Misery’)

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• ‘El silencio de los corderos’, la mente del dragón (I)

• ‘El silencio de los corderos’, la mente del dragón (y II)

Muchos son los epítetos que se pueden utilizar para calificar la belleza de la surafricana Charlize Theron, y cualquiera de ellos seguro se quedaría corto. Es una de las actrices asentadas en Hollywood que más envidia provoca, a la vez que admiración y veneración por su portentoso físico. Pero más allá de su escultural perfección, se esconde una actriz que ha sabido encauzar su carrera, a base de buenos títulos, un Oscar fundamental para ser lo que es hoy, y aportar el glamour que una rubia de su categoría sólo es capaz.

Poseedora de un pasado personal duro, con algún capítulo que marca el destino de cualquiera, Charlize Theron que comenzara su carrera como modelo (aún perdura en la memoria su aparición en el famoso anuncio de Martini), ha demostrado también poseer una gran inteligencia, entereza y excelente visión para desarrollar una carrera cinematográfica nada desdeñable.

Aunque el Oscar que ganó (junto a otros premios) por ‘Monster’ fue el punto de inflexión, antes ya se había entregado con toda su energía en demostrar que es algo más que una cara bonita. Aunque sus comienzos estén plagados de títulos en cuya aportación sólo perdurara la explotación de su físico (como en ‘The Wonders’ y en ‘El abogado del diablo’), ella no cesaría en el intento de demostrar su valía. Volcada en su profesión como actriz (aunque nunca ha abandonando sus campañas como modelo para grandes firmas), tendría que ser un film independiente y en el que se transformaba físicamente de forma radical para decir aquí estoy yo.

Siguiendo la tónica general de la Academia de Hollywood, gran amante de este tipo de papeles, Theron dio un golpe de efecto y dejó a muchos boquiabiertos. Un papel duro a la vez que nada fácil de interpretar, demostando a muchos que además de belleza era capaz de interpretar personajes de carácter.

Ha sido calificada como fría y calculadora, quizás por que además se involucrado en algunos de sus trabajos, llegando a ejercer como productora, pero Charlize Theron se ganó un puesto como actriz respetada, cuando ya tenía el título de una de las reinas de la belleza de Hollywood. Ha sabido compaginar grandes producciones comerciales como ‘Las normas de la casa de la sidra’, ‘La leyenda de Bagger Vance’, ‘The Italian Job’, ‘En tierra de hombres’ (que le valió otra nominación al Óscar) o ‘En el valle de Elah’, con otros títulos más arriesgados como ‘Batalla en Seattle’, ‘Lejos de la Tierra quemada’, o próximamente en la esperadísima ‘The Road’. Sin renunciar a títulos de género fantástico como ‘Aeon Flux’ o la taquillera ‘Hancock’.

También forma parte de la nómina de actrices que han tenido el privilegio de trabajar con Woody Allen en ‘Celebrity’ y en la divertida ‘La maldición del escorpión de jade’. Amén de participar en el desconocido (por estos lares) pero brillante telefilme ‘Llámame Peter’ con un trabajo excepcional y de gran altura. Por supuesto, también se pueden indicar algún que otro tropiezo, o al menos títulos olvidables como ‘Juegos de mujer’ (junto a Penélope Cruz) o ‘Sleepwalking’, a los que habría que sumar la mencionada ‘Aeon Flux’, un verdadero despropósito que tan sólo merece recordar por aparece con un look radicalmente distinto al que nos acostumbra.

Lo que no se puede negar es que Charlize Theron, que hoy cumple 34 años, es una actriz extremadamente cautivadora, capaz de enamorar a la cámara con su aparición y su sóla mirada. Y entre lo que nos tiene que llegar, se espera con gran entusiasmo la citada ‘The Road’ (que compite en Venecia), el drama ‘The Ice at the Bottom of the World’ (dirigida por Alan Parker), además ‘Astro Boy’, donde presta su voz.

Además, acaba de conocerse que va participar en el thriller ‘The Tourist’, junto a Sam Worthington (y no Tom Cruise como se anunció en principio), y también en ‘Florence of Arabia’, donde además producirá esta cinta que adapta la novela del mismo nombre. Un futuro inmediato, como vemos, cargado de trabajo que nos deparará a buen seguro, destacados momentos de esta sensual actriz.

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• Charlize Theron

Ahora que se aproxima el estreno de Michael Mann con ‘Enemigos públicos’, el cine de gángsteres vuelve a apuntarse una nueva aportación que volverá a poner de actualidad todo aquello que las suele caracterizar: disparos, persecuciones, extorsiones, bandas implacables contra policías incorruptibles (o no). Habitualmente hemos visto mafiosos norteamericanos, irlandeses, rusos o napolitanos, pero todos viven fuera de la ley, con sus propias reglas. En definitiva, una serie de ingredientes que hacen que este género, que ha vivido grandes clásicos, se mantenga vivo con interesante títulos de vez en cuando.

Johnny Depp como John Dillinger será el próximo, pero en los últimos años hemos asistido a otros gángsteres que han protagonizado algunos largometrajes interesantes y que bien merece recordar. Por supuesto, son producciones de los últimos quince años, sin querer mirar más atrás, donde la lista se atiborraría de destacados clásicos. En definitiva, una vistazo al cine más reciente de los protagonistas del crimen organizado bajo mi particular perspectiva.

A continuación el listado sin ningún orden preferente:

‘Donnie Brasco’

Empezamos por esta película dirigida por Mike Newell, ya que también nos encontramos con un Johnny Depp metido en la piel de un agente del FBI que busca infiltrarse en el corazón de la mafia. Junto a Depp están Al Pacino y Michael Madsen. Sin duda dos elecciones sensacionales para el reparto, la garantía y el prestigio de Pacino y el saber hacer en la sombra, como gran secundario de Madsen. La película deja un buen sabor de boca, precisamente por sus actores, por la historia y por alguna escena memorable, aunque la realización de Newell no termina de ser todo lo redonda que el excelente guión ofrecía. La película ofrece una visión de una mafia decadente, sin buscar glamour ni grandes alardes sino con sobriedad, centrándose más en la psicología de sus protagonistas.

‘L.A. Confidential’

Basada en una conocida obra de James Ellroy, supuso todo un acierto por parte de Curtis Hanson, que logró su mejor trabajo con esta recreación de la capital californiana en la década de los cincuenta. Un reparto de primera con un gran Kevin Spacey, Russell Crowe, además de Guy Pierce, Danny DeVito y la bellísima Kim Basinger en su mejor interpretación (ganó el Oscar). Excelente narración, en una cinta muy completa que se adentra en la difícil época que vive el departamento de policía sacudido por una sociedad llena de corrupción y maleantes. Gran ambientación, con un tono narrativo oscuro y muy apropiado a la temática.

‘Snatch: cerdos y diamantes’

La película que lanzó a la fama a Guy Ritchie y su peculiar estilo, aunque lamentablemente no ha sido capaz de superarse (ni siquiera igualarse). Un título curioso, distinto que ofrece una visión más rockera (incluso videoclipera), con mucho nervio, ritmo y gran sentido del humor (muy negro). Protagonizada por Brad Pitt (pasado de vueltas pero apropiado a su personaje), Benicio del Toro y Vinnie Jones, además del duro de Jason Statham. Se sale del guión del cine de gángsteres si nos atenemos al esquema más clásico, pero precisamente destaca por ser diferente y contener algunos momentos sensacionales.

‘Infiltrados (The Departed)’

La película que le dio gloria en forma de estatuillas doradas a Martin Scorsese y un nuevo ejemplo de su cine contundente, bien construido y con personajes de marcado carácter. Un especialista en el género que ofrece una historia no demasiado original (de nuevo un policía infiltrado que intenta desarticular la mafia local), pero que contiene la esencia del género. DiCaprio, Damon, Baldwin, Wahlberg y los veteranos Baldwin y Nicholson (sin olvidar a la bella Vera Farmiga) conforman un reparto brillante y sobresaliente. Una obra dura, violenta y con un desenlace sorprendente.

‘Camino a la perdición’

Dirigida por Sam Mendes y protagonizada por nada menos que Tom Hanks, Paul Newman y Jude Law es un buen ejemplo de aproximación al género al más puro estilo clásico. Una ambientación extremadamente cuidada, sombría, melancólica y seria que nos depara un film memorable. Quizás más desbordante en lo visual que en lo narrativo, pero sabe amoldarse Mendes al aroma tradicional de este tipo de historias y consigue un resultado brillante. Grandes y elegantes interpretaciones, con diálogos fantásticos, profundos y sobrecogedores. Una película llena de emociones.

‘Promesas del este’

Impactante largometraje que nos enseña la crudeza, la violencia y la oscura mafia rusa. Dirigida magistralmente por David Cronenberg, no deja indiferente por su tono sobrio, rudo y brutal para mostrar el crimen organizado de la europa oriental en Londres. Un trabajo sobresaliente de Viggo Mortensen con una historia absorbente llena de escenas impactantes y momentos gloriosos de gran cine (incluyendo alguna muy violenta rodada con mucho talento).

‘Gomorra’

Una de las mejores películas del pasado año, retrataba de un modo escueto, limpio pero con soberbia contundencia la Camorra, la poco conocida (desde dentro) mafia napolitana. Un film europeo que desmitifica la visión glamourosa del crimen organizado habitual del cine y que está basada en la narración en primera persona del escritor y periodista Roberto Saviano. La película, dirigida por Matteo Garrone con una realización realista, sin alardes y entrelazando varias historias, logra un retrato portentoso de la mafia y sus tentáculos en la sociedad.

Bonus title:

‘American Gangster’

El primer visionado de este largometraje de Ridley Scott me dejó bastante satisfecho, pero reconozco que al volverla a ver en DVD las sensaciones fueron menos entusiastas. A pesar de todo, resulta una producción interesante, con buenos momentos y dos excelentes personajes (quizás lo mejor del film). Por ello la incluyo como título extra de esta particular selección, porque al menos no merece olvidarse de ella.

Veremos si Michael Mann logra convencer con ‘Enemigos públicos’ y entra a formar parte de este listado de gángsteres recientes en el cine.

En el encuentro entre el mundo tenebroso de Stephen King y la genialidad visual y narrativa de Stanley Kubrick, tuvo lugar la terrorífica ‘El resplandor’ (‘The Shining’). Aclamada como una de las mejores adaptaciones (aunque muy libre) de una obra de King, lo cierto es que la cinta de 1980 dejó grabadas en nuestra memoria algunas escenas antológicas. Sobrecogedoras, inquietantes y capaz de hacer temblar al más sereno, en el ‘El resplandor’ asistimos a momentos únicos con un protagonista, un villano de bandera que desató el pánico en cada rincón del hotel Overlook, encarnado por el más desquiciado Jack Nicholson.

Jack Torrance es uno de esos personajes inolvidables del cine, la pura esencia de la locura desatada y que se apodera de la historia, ofreciendo todo un arsenal de matices capaces de superar el límite en cada uno. Un ex profesor alcohólico, con espíritu de escritor frustrado, que decide aceptar el trabajo como vigilante en un hotel alejado durante los meses del invierno en el que permanece cerrado y en donde encontrará un progresivo encuentro con la locura y el miedo.

Lo que más me gusta de Jack Torrance es cómo progesa su enajenación, como llega al hotel, en un estado de cierta desesperación contenida, esperando redimir sus frustraciones en un lugar, aparentemente adecuado, y encuentra campo libre para desatar un conflicto que lo transforma en todo un psicópata.

Sin embargo, ese desquiciamento in crescendo viene provocado por agentes externos. Por una serie de factores como la claustrofobia que provocan las estancias vacías e inquietantes del hotel, con una atmósfera opresiva, casi asfixiante y unas apariciones extrañas, Jack no puede contener su rabia interior y se descontrola hasta el infinito. Su esposa Wendy y el pequeño Danny son sus acompañantes, a la vez que sufridores de las alucinaciones, que no se cuestionan si reales, pero claramente fantásticas que generan una ansiedad extrema y la gota que colma el vaso de la paciencia de Torrance.

Nicholson bordó su papel. Su físico es el adecuado para encarnar al personaje maquiavélico, y sus progresivo descontrol mental, esa afloración del mal, va provocando verdaderos escalofríos. Su mirada, su histrionismo, su voz, son elementos con los que nos deja un papel antológico y consigue encarnar a la perfección la verdadera locura, pero también a un ser malvado y un villano único.

A pesar de que Torrance llega con aparente calma y buena predisposición, y como hemos dicho albergaba las raíces para desatarse, resulta complicado pensar que cualquiera en esa situación no se hubiera vuelto igualmente loco. Es lo que Kubrick intenta transmitir con esas imágenes tan sobrecogedoras y terroríficas. La soledad y la incomunicación terminan volviendo loco al más pintado. Aunque si bien es cierto, que Jack Torrance tiene el perfil más adecuado para llegar hasta donde llega. Incluida esa gélida imagen final que no supone tanto un desenlace como una forma de retener el estado extremo alcanzado.

Aunque siempre me quedaré con esos momentos en los que Torrance despliega su lado más retorcido atemorizando a su esposa, con un sadismo y una maldad únicas. Una buena muestra en una de las escenas más míticas:

Otros de mis villanos favoritos:

• El capitán Vidal (‘El laberinto del fauno’)
• Catherine Tramell (‘Instinto Básico’)
• The Terminator (‘Terminator’)

• Annie Wilkes (‘Misery’)

Ahora que se aproxima el huracán en el que se convertirá ‘Ángeles y demonios’, película que ya comenté si verdaderamente era necesaria, me viene a la memoria el soporífero ejercicio cinematográfico que nos deparó Ron Howard en ‘El código da Vinci’. Quizás sea el aburrimiento su principal calificativo, puesto que la producción cumplía con todos los requisitos necesarios para ser el gran éxito de taquilla que realmente fue, con unas cifras de rentabilidad muy estimables (sin olvidar lo mucho que ayudó la polémica que la acompañó).

Sin embargo y a pesar de los buenos augurios, la decepción con la primera fue tan grande que todo hace suponer que muchos huirán despavoridos cuando vean en su cine habitual el cartel con el estreno de la nueva entrega. Aunque, como digo, más que decepción se le puede achacar el hecho de mostrar el lado más reprochable de las superproducciones de Hollywood.

Tras haber leído la popular y exitosa obra de Dan Brown, no me cabía duda de que existiría una adaptación cinematográfica. Por dos cuestiones claras. Una por su literatura visual, es decir, por tratarse de una novela muy descriptiva y fácilmente adaptable a imágenes en el cine. Y por otra cuestión: sus números de ventas y el enorme tirón de ventas lo hacía muy jugoso para la hambrienta industria de Hollywood.

Allá que se lanzó una superproducción en manos el director menos problemático, con suficiente solvencia en la realización, como para no llevarlo todo al traste. Claro que al optar por Ron Howard se aseguraba una película “formalmente” correcta, que no se ajustaría a lo estabecido. Y s que Howard es capaz de manejar el equipo técnico y artístico, junto al enorme presupuesto, por los derroteros que los productores impongan y sin dar demasiados problemas. Pero también se aseguraba que la cinta carecería de personalidad y riesgo. Con todo, Ron Howard ha sabido demostrar que cuando quiere puede ser un buen director (como hemos comprobado en ‘Frost contra Nixon: el desafío’), pero adolece de falta de ingenio y de plasmar un estilo personal en sus trabajos.

El fichaje de Tom Hanks como protagonsita aseguraba un enorme tirón de cara al público. Una superestrella prestigiosa, buen actor y con la presencia necesaria para encarnar al profesor Langdom en la gran pantalla. Como acompañante se buscó a una estrella internacional como Audrey Tatou, una actriz que destacó en ‘Amelie’ pero sosa hasta la médula, en lo que se advierte un gran error de casting. Del resto poco se puede destacar, Jean Reno no aporta nada interesante y el gran Ian McKellen compone uno de sus peores papeles que recuerde.

Y lo cierto es que la adaptación no es precisamente deplorable como el resultado de la película, puesto que traslada en imágenes la historia de Brown con gran fidelidad, pero con el enorme error de no hacerlo con el mínimo de dominio del lenguaje cinematográfico. El resultado queda como una película larga, llena de saltos en la historia, difícil de seguir, sin un ápice de tensión que eleve la caída en picado de una trama casi imposible, que apenas se sostiene y que resulta una película del todo olvidable. Con la salvedad de sus interesantes títulos de crédito:

Muchos apelarán al sentido común y al hecho de que la taquilla no se equivoca, siendo ‘El código da Vinci’ una cinta más, hasta cierto punto entretenida y con cierta emoción. Pero, con un mínimo criterio se puede advertir la total falta de química de los protagonistas, algo esencial para el desarrollo de este thriller pseudoreligioso, además de que el guión hace aguas con diálogos antinaturales y hasta ridículos. La actuación de Hanks es penosa y decepcionante. Parece que no andaba muy convencido él mismo de haberse metido en esta producción y su trabajo resulta acartonado, pobre y sus apariciones parecen lastradas por la tramposa y enmarañada trama.

Además del aburrido resultado global, también hay que incidir en el hecho de que la historia avanza a trompicones, con demasiadas explicaciones que ahogan el ritmo narrativo. Todo ello conlleva a que la acción es casi nula, y cuando aparece es tan simple como capaz de hundir aún más el desarrollo. Le falta acción, tensión, complicidad y sobre todo, riesgo y originalidad, para una historia que ya todos conocíamos y cuya resolución final es de las que te deja hundido en la butaca, colapsado por el enorme absurdo del mismo. Y no sería por falta de dinero a la hora de pagar al guionista Akiva Goldsman (que repite para ‘Ángeles y demonios’ con una cifra astronómica y principal causa del absentismo en la sala que más de uno propiciará), ya que con esa inversión podrían haber buscado alguien más capacitado y con un mínimo de ingenio. Y es que era complicado hacerlo peor que en la novela, pero se consiguió, y de ello Goldsman y Howard tienen gran culpa.

En Blogdecine:

• ‘El código da Vinci’

Otras de las peores películas que he visto en una sala de cine:

• ‘El proyecto de la Bruja de Blair’
• ‘Batman & Robin’
• ‘Esfera’
• ‘Wild Wild West’
• ‘Los Vengadores’

• ‘La Liga de los Hombres Extraordinarios’

Ya mencionamos hace algunos meses la excelente acogida que estaba teniendo el film del artista multidisciplinar británico Steve McQueen de título ‘Hunger’. Una película dura y asombrosa que se alzó con la Cámara de Oro a la mejor ópera prima en el Festival de Cannes del pasado año y cosechó excelentes críticas, alzándose como uno de los mejores títulos que se pudieron ver. Su recorrido por el resto de festivales, como en el de Toronto, sólo hicieron incrementar los comentarios elogiosos y la cinta siguió cosechando el aplauso generalizado. En total el film ha acumulado 27 premios (BAFTA al mejor debut, el de la Academia Europea al mejor debutante,...).

El estreno de ‘Hunger’ en tierras británicas corroboró el aplauso de los especialistas y, tras distribuirse en Estados Unidos, sigue aumentando su reconocimiento. Una película que narra la huelga de hambre mortal autoimpuesta por Bobby Sands, militante del IRA encarcelado en la dura prisión de Maze.

Según se deduce de los comentarios críticos, no se trata de un film carcelario al uso, sino una brutal aproximación a la reivindicación de la dignidad humana llevada a sus máximas consecuencias. Una película arriesgada, de poderosa puesta en escena, nada convencional y con una extraordinaria interpretación de Michael Fassbender, que tuvo que llevar su anatomía a la extrema delgadez para hacer el papel. El guión es del propio realizador y coescrito junto a Enda Walsh.

Lo más espeluznante de esta película independiente, no es tanto el tratamiento realista, en tono casi poético de McQueen, sino que está basado en verdaderos hechos reales. Una huelga de hambre que terminó con la muerte de una decena de miembros del IRA que, en 1981, en pleno gobierno de la inquebrantable Margaret Thatcher fueron negados del reconocimiento como prisioneros políticos. Finalmente, y tras la muerte de Booby Sands y los otros nueve prisioneros, lo lograron aunque sin hacerse público. Hasta entonces, todos los encarcelados del IRA en el infierno de la prisión de alta seguridad Maze, en Irlanda del Norte, vivieron una auténtica pesadilla.

Todo hace indicar que será un film impactante, duro pero de excelente factura que supone un más que estimulante debut en la dirección cinematográfica de Steve McQueen, que en nada tiene que ver con la famosa estrella de Hollywood, y resulta un artista prestigioso y conocido en el circuito del arte contemporáneo. Sin embargo, aún no parece tener distribución en España, por lo que las posibilidades de poder verlas en las salas españolas se vuelve imposibilidad. Hasta que algún hábil y valiente distribuidor se lance a la adquisición de los correspondientes derechos, lo que sería de elogiar, porque nos evitaría perdernos este destacado título europeo, que tanto ha dado que hablar en los pasados meses (y que se estrenará en Argentina y otros países hispanoamericanos el próximo agosto).

Para un profundo admirador de Quentin Tarantino como soy, no puedo evitar hacer algo especial dedicado al cineasta en el día de su cumpleaños. Aunque su filmografía no es demasiado extensa, su popularidad es absoluta y todas sus películas son bien conocidas. Así que mejor que profundizar en sesudos estudios sobre su fundamental obra para el cine contemporáneo (lo que queda para otra ocasión), he preferido recrearme con algunos de esos momentos gloriosos que hasta el momento Tarantino nos ha dejado en sus películas.

Quiero repasar, por tanto, algunas de las escenas que me han despertado diferentes sensaciones, pero con todas he disfrutado y mucho con el buen hacer de este casi siempre polémico cineasta. Y es que, Tarantino ha llenado sus films de momentos divertidos, geniales, grandes diálogos, agudo sentido del humor, chicas de armas tomar, sangre, violencia, serie B, balas y devoción por lo oriental, aparte de un profundo amor por el séptimo arte. Son sus características propias expuestas en historias narradas con su personal e imitado estilo.

Vamos con algunas memorables escenas, en una difícil selección, pero divertida para un viernes:

En su debut cinematográfico sorprendió a todos por su forma de narrar un atraco frustrado por parte de unos tipos con nombres de colores, trajes y corbatas negros y una lengua especialmente dotada para diálogos elocuentes. La escena que abre la película es un soberbio ejercicio de narración con frases inolvidables (como la ingeniosa referencia a Madonna), que aunque poco parece tener que ver con la trama, nos ayuda a conocer y a situar a los personajes. Increíble forma de arrancar su debut:

Otra escena que siempre se recuerda de ‘Reservoir Dogs’ es la tortura del señor Rubio al policía detenido como rehén. Al ritmo de la música, mientras el agente teme lo peor amarrado a la silla, el momento tiene buen humor, pero sobre todo cruenta y explícita violencia, aunque Tarantino, sabiamente, nos negaba la visión de la cercenación de la oreja, que no por ello dejaba de ser impactante y causó enorme revuelo y polémica en su momento. Brillante:

Ahora tres escenas antológicas de bailes femeninos. Algo recurrente en su cine y que ha demostrado rodar con gran habilidad para sacar el máximo partido a sus mujeres en movimiento.

En ‘Abierto hasta el amanecer’, que aunque no la dirigió (sino su amigo Robert Rodríguez) lleva su sello inconfundible en el guión y siempre se recordará la hipnotizante y enorme aparición de Salma Hayek con una enorme pitón al cuello, marcándose un baile antológico con un erotismo de lo más espectacular. Bendito Satanico Pandemonium:

En su obra maestra ‘Pulp Fiction’ podemos rescatar muchos diálogos y momentos sorprendentes, pero quizá la emblemática escena del baile entre Vincent Vega (un recuperado Travolta) y una bella y sugerente Mia Wallace (Uma Thurman) sea de lo más recordado y que me divirtió sobremanera la primera vez que la ví (y aún lo sigue haciendo):

El tercer y último baile memorable es el sexy movimento de la sensual Vannesa Ferlito en ‘Death Proof’ que disfrutó en primera persona Mike, interpretado por el señor Kurt Russell, y que supuso, sin duda, una de esas concesiones de Tarantino para recrearse y poner el punto picante a la trama:

Cambiando de escenario, aunque siguiendo con su fijación por las mujeres, Tarantino introduce un curioso un spot de televisión en ‘Jackie Brown’, que viene a demostrar lo mucho que le gustan las mujeres de armas tomar (‘Tías que adoran las armas’) y lo cómica descripción de Samuel L. Jackson a Robert De Niro:

Las escenas de lucha son una constante del gusto tarantiniano y en ‘Kill Bill’ se explayó. De lo más estimulante es el enfrentamiento entre Mamba Negra (una atlética Uma Thurman) y una colegiala asiática absolutamente fiera, que depara un duelo sangriento entre mujeres armadas (curiosa fijación). Maravillosa:

Otro escena de enfrentamiento mucho más elegante en lo estético, es el final de la primera entrega de ‘Kill Bill’, ambientada en un nevado jardín japonés que se tiñe de roja sangre con un tema musical de lo más apropiado y del más puro estilo Tarantino, un duelo a espada que cierra el primer capítulo de la particular venganza de Mamba Negra contra O-Rern Ishii (Lucy Liu):

En el segundo primer volumen de ‘Kill Bill’ hay un homenaje brillante al Anime, con una historia poderosa e potente en su narración y cautivadora en su forma, otro memorable homenaje al particular gusto del realizador y que es toda una joya que no pasó desapercibida:

Para terminar este personal top ten, recurro a ‘Four Rooms’, donde Tarantino dirigió el episodio ‘The Man from Hollywood’, participa activamente como intérprete y disfrutamos de un momento delirante de apuesta temeraria y mutilación en juego:

Podría seguir hasta un top 100, pero mejor dejarlo aquí en esta ocasión, a modo de homenaje. Espero que el próximo año pueda añadir algún momento (estoy seguro) de su nueva película que ya se espera con optimismo: ‘Inglourius Basterds’ (‘Malditos bastardos’, como mal se ha traducido para el título en español).

Retomando mi particular paseo por el lado más oscuro y malvado de los villanos del cine, toca el turno de uno que aún está reciente en la memoria. Se trata del capitán Vidal, de la Guardia Civil, una de las mejores encarnaciones del mal que un actor español haya encarnado nunca. Lo pudimos ver y disfrutar en la maravillosa ‘El laberinto del fauno’, ese fantástico cuento del imaginativo Guillermo del Toro.

La aparición del capitán Vidal en pantalla es sublime y sola mirada ya provoca pavor, no sólo a los que lo tienen próximo, sino al espectador. Su lado cruel, brutal y maligno roza el sadismo con verdadero convencimiento y es capaz de todo por llevar a cabo su encomendación. Acabar con un grupo de republicanos que mantienen su resistencia agazapados en el bosque y que el capitán Vidal se antoja como su peor pesadilla.

Sergi López logra dibujar su personaje de forma magistral, capaz de causar tensión con su sóla mirada, con gestos de auténtico villano, sin resquicios ni debilidades hacia la bondad. Capaz de generar inquietud con sus apariciones, el capitán Vidal, que tiene su centro de operaciones en un molino, no tiene compasión ni con los suyos, con sus súbditos y allegados. Desconfiado, puede ser todo lo cretino que desee, y el sólo ligero pensamiento de no obedecer sus órdenes origina verdadera turbación.

Es cierto que el guión ha cuidado con esmero el diseño de este engendro de la crueldad, y a su vez Sergi López le ha puesto su esfuerzo por darle ese aire verídico que tiene. Uno puede llegar a imaginar que en la época en la que se ambienta el filme, realmente podría haber existido un capitán así (aunque esas gafas redondas negras suenan más a objeto de atrezzo cinematográfico que realista, aunque justisficado por acrecentar su duro aspecto bien logrado). En el momento en el que se ambienta, la aparición de un oficial de guardia civil fascista con ese cometido ya de por sí sería suficientemente impactante y el filme de Del Toro ha sabido retratar como pocas veces esa esencia mezcla de temor y dureza que infunde el personaje.

El capitán Vidal encarna a la perfección el lado maligno (y asusta su monstruosidad humana mucho más que el resto de seres que pueblan la historia), y además no tiene ninguna duda en utilizar malas artes, procedimientos crueles para llevar a cabo torturas brutales para alcanzar su empeño (como la secuencia en la que desfigura a un cazador de liebres con una botella). Una mirada con ese brillo que los mejores villanos del cine tienen y una capacidad de castigo (incluso con su familia) es infinita. Su arrogancia y orgullo militar terminan de conformar a este personaje del que no es fácil desprenderse tras terminar de ver la película y que forma parte de mi galería de villanos particular.

Otros de mis villanos favoritos:

• Catherine Tramell (‘Instinto Básico’)
• The Terminator (‘Terminator’)

• Annie Wilkes (‘Misery’)

Su rostro y presencia se antojan imprescindibles para hacerse cargo de papeles intensos, héroes duros de gran carga psicológica y papeles de esos para los que parece no tener competencia. Y es que los rasgos de Christian Bale está insoldablemente unido al nuevo Bruce Wayne y eso lo ha encumbrado, junto a la ola devastadora de ‘El caballero oscuro’, a una categoría de actor de culto.

Pero hasta llegar al actor reconocido y admirado de la actualidad, Christian Bale ha superado varias etapas como actor, desde sus inicios como niño prometedor, hasta la sólida y prometedora edad de 35 años, que hoy, precisamente, cumple este extraordinario actor británico.

Con sangre de cine en sus venas, todo parecía predestinado para que un niño galés con sueños de gran actor encontrara el camino adecuado. Y lo logró. Todo gracias a la mano de Steven Spielberg, que lo seleccionó para el papel de Jim Graham, el protagonista de la épica ‘El imperio del sol’, basada en la novela del gran J.G. Ballard. Fue una de esas oportunidades que te pocas veces te brinda la vida y que no desaprovechó. Aunque continuó su carrera como actor, en apariciones televisivas y producciones británicas de cierto prestigio como ‘Enrique V’ de Kenneth Branagh o ‘La isla del tesoro’, logró crecer en todos los sentidos. Siempre con criterio, sin tambalearse, con paso firme y bastante discreción. Algo que quizás sea muy necesaria para que el futuro prometedor no acabase por corromper el presente de un joven actor con mucho recorrido por delante.

A pesar de no ser ajeno a la soleada California, Bale parecía más empeñado en explorar papeles con fuerte base literaria, quizás originado por su inconfundible estirpe británica. Así participa en ‘La leyenda del príncipe’, ‘Mujercitas’ y en ‘Retrato de una dama’.

Actor versátil, interesante de fuerte presencia física, se fue haciendo un hombre más popular gracias al arriesgado y polémico papel de Patrick Bateman, en ‘American Psycho’, ideado por el escritor Bret Easton Ellis, y que se llevase a la pantalla con desigual acogida. Con este trabajo supo exponer las que serían sus señas de identidad como actor en los años siguientes. Bale demostraba su sobriedad, su carácter comedido, sin extridencias y capaz de atreverse con trabajos muy exigentes y complejos.

Así, en un momento crítico en su vida (casi arruinado) y su carrera (parecía tendente a cierto estancamiento), le faltaba un despegue definitivo. Le llegó una extraordinaria y peculiar oportunidad, para meterse en el complejo y turbador papel de ‘El maquinista’ (anecdótica producción española), para lo que tuvo que perder treinta kilos. Lució un físico escuálido y demacrado, que acentuaba su intensa interpretación de un obrero sumido en una (pretenciosa) pesadilla.

Este trabajo no pasó desapercibido, y quizás de tratarse de una producción norteamericana y con mayor presupuesto, le hubiese valido el pasaporte para alguna alfombra roja con premios resplandecientes al fondo. Pero al menos logró demostrar hasta donde era capaz de llegar y que se trataba de un actor de características muy peculiares. Poco después tendría, de nuevo, otra dorada oportunidad al ser elegido para encarnar al nuevo Batman, ese hombre murciélago rediseñado por Nolan, que devolvería al superhéroe toda la fuerza, garra y personalidad (así como nuevas perspectivas) que tanto le hacía falta.

Todo un éxito que le llevaría a una carrera de primera línea, y en el que quedaría ya olvidadas su participaciones tan dispares como la de Jesucristo en un telefilme de 1999 (‘María, madre de Jesús’) o en la evocadora ‘Velvet Goldmine’. Christian Bale alcanzó el favor del público, lo que convertiría en una estrella, además de un actor bien considerado. Tras participar en ‘The Prestige’, concatenó dos grandes y diferentes trabajos. En ‘El tren de las 3:10’, con un brillante resultado y de nuevo como Batman en la popular ‘El caballero oscuro’. Quizás su trabajo haya quedado eclipsado por la enorme promoción de una película que ha establecido nuevos límites de popularidad, y sobre todo, por la trágica a la par que sublime interpretación de su antagonista, el Joker a manos del desaparecido Heath Ledger.

Su futuro es prometedor. Continuando con este camino, encarnado con solvencia y sobriedad a nuevos héroes (lo veremos como John Connor en ‘Terminator Salvation’), así como metido en papeles dramáticos que requieran las virtudes de un actor tan intenso (como parece apuntar en ‘Killing Pablo’).