Lo bueno de Internet es que te permite sacar conclusiones de aquellos trabajos que difícilmente tienen posibilidad de llegar al gran público. Esto sucede normalmente con el universo del cortometraje, y ni os cuento con la parte relacionada con la animación. En la pasada edición de los Oscars de Hollywood, cinco fueron los trabajos nominados al oscar al mejor cortometraje de animación. Con anterioridad comentamos la posibilidad de que un cortometraje español, ‘Perpetuum mobile‘, llegase a entrar en esa terna final. Al final, lo que conseguimos con todas esas entradas fue que, algunos, descubrieséis la animación que se hace en España, y que además pudiéseis comparar las obras que buscaban conquistar el codiciado Oscar.

Hasta ahí conseguimos que cuatro de las cinco obras nominadas al Oscar se pudieran ver. Ahora tenemos la posibilidad de disfrutar el quinto de los cortos nominado, ‘This Way Up‘, de los animadores y publicistas Smith y Foulkes. Así de entrada algunos no conoceréis quienes son, pero si hablamos de aquel anuncio de Motorola en el que un conejo iba avanzando a lo largo de la historia a través de algunas películas emblemáticas, diremos que ahora sí son más reconocibles. Es decir, en el universo de la animación comercial son famosos, pero querían aventurarse más en la realización de algo relacionado con la ficción, y ahí es donde tiene cabida ‘This Way Up‘.

De nuevo Smith y Foulkes destilan humor negro con su nueva obra. ‘This Way Up’ nos cuenta las vicisitudes de dos miembros de una funeraria para poder enterrar el cuerpo de una cliente. Lo que supone la pereza de realizar el mismo trabajo de siempre, se convierte en una odisea inesperada (es curioso como la tendencia en el universo del cortometraje animado va hacia mostrar sentimientos y sensaciones sin necesidad de usar las palabras, sólo con el lenguaje universal de los gestos, tal y como se hacía en el cine mudo).

El tratamiento que le dan a la animación es diferente al de los otros cinco competidores. Aquí, no llegan a alcanzar la poesía del trabajo ganador, ni el deslumbramiento que provocaba en cuanto a recreación y espectáculo la obra de Pixar, pero alcanzan su nivel de excelencia con esa recreación del averno, de la fiesta y del río de fuego. ‘This Way Up’ es otro gran trabajo, en un año en el que había duros competidores, incluidos los que se quedaron fuera de la nominación. Así, y a título personal, uno espera que Smith y Foulkes repitan, mientras seguimos buscando esas obras desconocidas que sólo Internet nos permite poder disfrutar, tal y como sucedió el año pasado.

Más información | This Way Up
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En blogdecine | Oscars 2009: The House of Small Cubes, mejor cortometraje animado

Hoy se estrena en nuestro país una película que no debería pasar desapercibida, aunque tiene todas las papeletas para ello. Se trata de ‘The Visitor’, la nueva película de Tom McCarthy, con el veterano Richard Jenkins como protagonista. Una producción independiente que data de 2007 y que posiblemente ni se habría estrenado aquí de no ser por la nominación al Oscar lograda por Jenkins, algo que puede servir de gancho para el público. Porque ni los nombres propios ni la historia sirven para ese propósito.

Y es que ‘The Visitor’ (título que quizá no hayan traducido para no pillarse los dedos, pues significa “visitante”, pero también “invitado” o “forastero”) no cuenta una de esas historias que suelen triunfar en la taquilla. Todo gira en torno a Walter, un hombre de mediana edad que podríamos catalogar de “muerto viviente”. Es viudo y su vida pasa sin ningún interés, está solo y parece que nada le anima. Sin embargo, un fortuito giro del destino será la chispa que inicie toda una serie de acontecimientos que proporcionarán a Walter la oportunidad de cambiar.

En síntesis, la película va de un hombre que se cree acabado, que parece acabado, pero que ante una serie de hechos que se cruzan en su camino, decide dar un giro en su vida, implicándose en lo que ocurre a su alrededor y recuperando la energía que creía perdida. Decide darse una segunda oportunidad. Aunque la película tiene otros personajes importantes, se sostiene sobre los hombros de Walter, y de no ser por la excelente interpretación de Richard Jenkins, la historia perdería muchísimo interés.

Jenkins, a quien pudimos ver recientemente en dos famosas comedias (‘Hermanos por pelotas’ y ‘Quemar después de leer’), se mete en la piel del personaje de una forma que parece que éste se escribió a su medida, específicamente para que este actor lo interpretara. Su composición desprende una gran naturalidad, en todo momento, a pesar de la notable evolución del personaje, llevada a cabo con cuidada sutileza (lo que es muy de agradecer en estos tiempos, que todo se sirve tan mascadito) y verosimilitud. Si no conociéramos al actor, de sobrada competencia y versatilidad, podríamos llegar a pensar que realmente él es Walter, con otro nombre.

El solitario y amargado Walter da clases (una, para ser más exactos) en la universidad, mientras prepara su nuevo libro y aprende a tocar el piano. Su trabajo como profesor es rutinario (es el típico que todos hemos sufrido, no una sino en varias ocasiones), lo del piano digamos que no se le da nada bien y tampoco parece muy interesado en sentarse a escribir el libro. Su existencia transcurre sin la más mínima emoción o ilusión; es un autómata.

Entonces surge la chispa. El destino le tiene preparada una sorpresa. Con motivo de la presentación de una tesis de la que es co-autor (en realidad, como pronto revela, sólo puso la firma), Walter debe trasladarse unos días a Nueva York, donde tiene un apartamento en el que hace años que no entra. Al llegar, sin embargo, descubre que la vivienda está ocupada. Tras un primer y violento malentendido, Walter descubre la historia de una joven pareja, Tarek (Haaz Sleiman) y Zainab (Danai Gurira), un sirio y una senegalesa que habían alquilado el piso de buena fe, engañados por un tercero.

La primera reacción de Walter es la obvia, la que le dicta su entramado robótico: esto no va conmigo, no implicación. Ve cómo la pareja se marcha de su casa y queda solo de nuevo. Sin embargo, algo cambia pronto en su interior y decide bajar a la calle y buscar a los chicos, por si necesitan ayuda. Efectivamente, Tarek y Zainab no tienen donde pasar la noche y aceptan agradecidos el ofrecimiento de Walter de volver al apartamento y quedarse unos días. Lo que comienza, naturalmente, como una convivencia incómoda y complicada pronto va dejando paso a la amistad y el respeto que surge entre Walter y Tarek, que se gana la vida tocando el djembe (o yembé) en locales nocturnos.

Es la música la que sirve de puente entre dos personas tan diferentes y, en principio, opuestas como ellos; un puente igualmente entre las culturas y los mundos que ambos representan. Porque ‘The Visitor’ habla de la soledad, la amistad, la música, los cambios vitales, pero también, y no menos importante, de inmigración. El que la película transcurra en Nueva York tiene un cierto toque irónico que va acorde con la carga crítica que McCarthy incluye en su historia, ya que su imagen ha pasado de ser una atracción para la inmigración a justamente todo lo contrario, tras el histórico 11-S.

La crítica a la actual política de inmigración norteamericana entra de lleno en la película, para formar parte esencial de la historia, a partir de la desafortunada detención de Tarek, que al igual que su novia, estaba residiendo ilegalmente en el país. El muchacho es llevado a una especie de cárcel de inmigrantes sin papeles, en la misma ciudad de Nueva York, donde le retienen a la espera de resolver su situación. Walter le visita regularmente y le consigue un buen abogado; además, tendrá que ayudarle también cuando la madre (Hiam Abbas) llega a la ciudad, tan sola y desamparada como todos los personajes de esta película, un reflejo de la vida.

‘The Visitor’ tiene ese ritmo difícil, lento, para el gran público, y ciertamente hay algunos momentos de escaso interés, pero la fuerza de la historia, el gran trabajo de todo reparto y la naturalidad con la que sucede todo, la convierten en una película muy recomendable, un estupendo drama que va ganando en intensidad conforme pasan los minutos. Un título perfecto para el espectador cansado del cine comercial.

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‘The Visitor’, historia de un Don Nadie

El extraño Gus Van Sant es uno de esos grandes hombres de cine dispuestos a no enconsertarse bajo ningún concepto, y de sorprender incluso a los propios acérrimos seguidores. Ahora que parecía dispuesto a llegar más lejos que nadie en su incansable bombardeo de las convenciones narrativas de su país, regresa, en apariencia nada más, a un cine más accesible, si bien minado con inteligentes y sutiles cargas de profundidad que lo alejan de cualquier clasificación facilona.

Pese a todo, su nominación al Oscar como mejor película, entre otras nominaciones (competición a la que ha acudido con la etiqueta de perdedora de relleno, aunque posiblemente sea la más sólida y brillante de las cinco), quizá le haya dado mayor presencia mediática de la que habría tenido en caso contrario, y quizá algunos hayan pensado que Van Sant se ha entregado al mainstream, aunque en opinión de quien esto escribe, el director continúa con su indagación en el derrumbe físico y moral de una Norteamérica paralizada por el miedo y el odio.

Muy diferente a otros biopics al uso, descreída al mismo tiempo que apasionada, ‘Milk’ (título mucho más sugerente, por razones obvias, que el español), es un film escrito con inusitada destreza por Dustin Lance Black (reconocido gay), que guarda un impecable equilibrio entre todas las ramificaciones de la vida del protagonista, ya sean la política, la íntima, la histórica o la especulativa, ofreciendo a un héroe al que la película no se priva de tratar como tal, pero al que son lo suficientemente sensibles como para dotar de una vida y una verdad incuestionables, y que se erige como otra gran figura trágica norteamericana, en su lucha incansable de los derechos humanos universales.

Porque este relato no sólo se construye en torno al activismo de la comunidad gay de ese país, sino que es, ante todo, un relato universal de la lucha del hombre contra la intolerancia y la represión. En ese sentido, es admirable con qué facilidad mueve y conmueve al espectador, sin caer en demasiadas trampas de guión, ni en clichés o recursos melodramáticos (aunque en algún detalle sí que cargan las tintas hacia un tono que bordea el melodrama, sin llegar a comprometer el estilo realista), sin escatimar todo el dolor y la lucha que suponen enfrentarse al orden establecido y reclamar lo que es propio como ser humano.

De forma lenta, pero paulatina y progresiva, inapelable, este relato te va atrapando con una narración noble y sobria, que sin embargo a menudo sorprende con decisiones plásticas muy setenteras, que junto con un montaje (este sí) perfecto, termina formando un collage elaborado con precisión, gracias también a una recreación histórica ejemplar, que a lo largo de casi una década es marco de unos acontecimientos que deberían sonrojar a todo homófobo que se precie, pues tal como decía Sean Penn al recoger su Oscar (superando sorpresivamente a Mickey Rourke), sus nietos se avergonzarán de ellos cuando sepan lo que les hicieron a sus semajantes.

El tema de la represión contra la homosexualidad (o contra todo tipo de sexualidad diferente a la preestablecida como normal, otra de las lacras de las religiones, concretamente en este caso de la cristiana, y de la ignorancia que tanto ayuda a que los poderosos manipulen a las masas) deviene así mancha oscura de la reciente historia de la humanidad; pero en ningún momento se alecciona o se adoctrina. Los responsables de esta maravillosa película se limitan a contarnos unos acontecimientos reales, con ternura, cariño y con los ojos dolidos.

Y nos duelen también a nosotros los ojos, y el alma, con estas imágenes cercanas a lo documental o al cinema verité (la fotografía del gran operador Harris Savides, que emula, con un aspecto de imagen 1.85:1, con abundante grano y con colores desaturados, las imágenes de televisión de la época, insertadas a veces en las secuencias, y que parecen casi filmadas por los mismos cineastas), y nos conmocionan estos personajes tan reales como la vida misma, o más aún, todos ellos interpretados por un grupo de actores, a falta de otra palabra mejor, irreprochable.

Aunque es justo nombrar a Penn por encima de todos ellos. El californiano está inconmensurable en un papel mucho más difícil de lo que puede parecer a priori, pues un personaje tan amanerado, tan excesivo, podría dar pie a una creación pagada de sí misma, autocomplaciente y de lucimiento personal. Nada más lejos. Penn, en su plenitud, ofrece su mejor versión, se mete en carne viva y el resultado electriza la pantalla, la impregna de dignidad y de coraje. Y es que este hombre es ya, sin lugar a muchas dudas, el mejor intérprete norteamericano de su generación.

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‘Mi nombre es Harvey Milk’, la brillante historia de un mártir

Oscars 2009: ‘Mi nombre es Harvey Milk’

‘Mi nombre es Harvey Milk’, luchando con las mismas armas

No leer si no se ha visto la película.

Éramos muchos los que creíamos que Mickey Rourke se alzaría con el Oscar al mejor actor en la pasada ceremonia de los premios cinematográficos más famosos del mundo. El personaje de ‘El luchador’, la nueva película del polémico Darren Aronofsky, tiene muchos puntos de contacto con el actor, quien ha luchado duro durante estos últimos años para conseguir una segunda oportunidad, después de despreciar a todo bicho viviente cuando estaba en el culmen de su éxito. Ahora, tras una serie de papeles de secundario, aprovechados muy cuidadosa e inteligentemente por el actor, nos llega el que es, y será, su personaje más recordado de su actual etapa. Es muy probable que en años venideros, la interpretación de Rourke tenga más peso que la de Sean Penn en ‘Mi nombre es Harvey Milk’, estando el segundo impecable en su rol.

En el excelente film de Kathryn Bigelow, ‘Le llaman Bodhi’ (espantoso título en nuestro país de ‘Point Break’), el personaje al que da vida Patrick Swayze, en el mejor papel de su carrera, dice una frase que me encanta: “¿Qué hay de malo en morir haciendo lo que uno ama?”. Viendo un film tan distinto del mencionado como ‘El luchador’, me he acordado de ella.

‘El luchador’ sigue la historia de Randy Robinson, un luchador de lucha libre que durante los años 80 fue una auténtica estrella admirada por todo el mundo. Ahora, veinte años después, en pleno ocaso, sobrevive como puede ofreciendo espectáculos en luchas de segunda y tercera categoría, a las que acuden los anclados en los viejos tiempos. Un ataque al corazón, debido a su duro oficio, le hará replantearse las cosas. Intentará comunicarse con su hija, a la que abandonó hace años y con la que no se habla, teniendo como único apoyo una bailarina de streeptease a la que ve de vez en cuando, y que supone uno de los pocos soplos de vida en su existencia.

‘El luchador’ está mostrada por Darren Aronofsky de una forma muy sencilla, algo que llama la atención teniendo en cuenta la filmografía anterior del cineasta (desde la insoportable ‘Pi’ hasta las mucho mejores ‘Requiem por un sueño’ y ‘La fuente de la vida’), en la que sus films necesitaban de una mayor implicación por parte del espectador que se entregaba, o no, a un lenguaje cinematográfico de cierta densidad. En ‘El luchador’ cambia totalmente las tornas sobre todo en lo que respecta al acercamiento a sus personajes. Aronofsky pega su cámara (siempre tambaleante, como el personaje central) al cogote de Rourke, y le sigue allá a donde va, realizando planos secuencia tan llamativos como insignificantes. De esta forma, somos testigos directos de la vida de Randy, ya sean sus combates con poco público, su trabajo en una carnicería, sus escarceos para ver a su bailarina favorita, los intentos de acercamiento a su hija, etc.

Así pues, Aronofsky se olvida de artificios visuales que provocan más de un lectura encontrada, y cámara en mano logra la sencillez en un relato de fácil entendimiento. Filma directamente y sin miramientos una historia cruda, real y dolorosa como la vida misma. Tal vez en su primer tercio, el director se explaya demasiado en la descripción del día a día del personaje central, pero cuando llega la hora de la verdad, Aronofsky no realiza ni una sola concesión. Y he aquí uno de los grandes aciertos de ‘El luchador’: Es una película que sólo se sirve de tópicos, pero no resulta nada típica en sus decisiones formales. Así, el tramo final del film es totalmente desesperanzador, en el que el protagonista se lanza a una muerte segura, con el único alivio de poder morir haciendo lo que ama. Un plano que es el epílogo final a toda una historia llena de golpes y heridas que el tiempo no puede curar. Aronofsky filma con la misma crudeza los golpes en el ring que los que Randy se lleva en su vida personal.

Pero ‘El luchador’ no sería tan buena como es si no fuera también por la labor de sus intérpretes, sobre todo Mickey Rourke. Aronofsky siempre tuvo claro que Rourke era el actor idóneo para el papel, y tuvo que imponer su criterio al de los productores, que querían a Nicolas Cage para interpretar la película (Dios mío, de sólo imaginarlo me entran sudores fríos). El que fuera uno de los mejores actores de los 80 está simplemente perfecto en su rol, logrando conectar con el espectador llegando al corazón de éste con facilidad inusitada. La sinceridad de su interpretación conecta directamente con los paralelismos más que evidentes con la vida personal del actor. Tanto en la realidad como en la ficción, Rourke fue una estrella de los 80 que cae en el olvido destrozando por el camino su propia vida. A su lado, una imponente (en todos los aspectos) Marisa Tomei, dando vida a una bailarina de streeptease, amiga de Randy, una superviviente que ve cerca su ocaso personal por culpa de su edad. La actriz demuestra haber aprendido con el tiempo, y su entregada interpretación está muy lejos de los tiempos de ‘Mi primo Vinny’. La tercera en discordia, dando vida a la hija de Randy, Evan Rachel Wood, también está a la altura de sus compañeros, ofreciendo un personaje delicado en su sencillez, transmitiendo la misma dolorosa verdad que fluye de su decepción personal con respecto a su padre.

‘El luchador’ es una película que probablemente gane con los años, porque a pesar de la sencillez de su argumento, es de esas películas que permanecen un buen tiempo en la memoria tras su visionado, reposando como los buenos vinos y tomando cuerpo. Sus desgarradoras imágenes, en las que Aronofsky no se corta ni lo más mínimo ya sea porque hay sangre (la alusión a ‘La pasión de Cristo’ no es casual) o porque hay que ver de cerca lágrimas que duelen con sólo intuirlas, tardan en abandonar nuestras mentes, como las secuelas de un buen puñetazo, uno de esos que la vida te da de vez en cuando, y del que tardas en levantarte.

En Blogdecine:

• ‘El luchador’. Hasta los golpes falsos duelen
• ‘El luchador’, cuando la vida golpea duro

• El luchador acabado

No leer si no se ha visto la película.

Kate Winslet aún debe estar celebrando el haber ganado el Oscar a la mejor actriz principal por su interpretación en ‘The Reader’, film dirigido por Stephen Daldry (‘Billy Elliot’, ‘Las horas’), que en la ceremonia del pasado domingo se llevó a casa un premio de los cinco a que aspiraba. Así, es la segunda vez que una actriz gana un Oscar a las órdenes de Daldry, que con sólo tres películas se ha convertido en uno de los narradores más sólidos del panorama actual.

Tomando como base el libro escrito por Bernhard Schlink, contando con intérpretes de primera, alguno de ellos desconocido, Daldry vuelve, al igual que en su anterior film a mezclar tres hilos argumentales separados en el tiempo, indagando en cuestiones como la culpabilidad, la responsabilidad, el recuerdo imborrable del amor y sobre todo, el sufrimiento a través del conocimiento. El resultado para el que esto firma, es la mejor película de las cinco finalistas en la pasada edición de los Oscars.

Los tres hilos antes mencionados dan comienzo en la Alemania tras la Segunda Guerra Mundial. Michael Berg es un adolescente que un día es ayudado por una mujer mayor que él, Hanna. Entre los dos dará comienzo una apasionada historia de amor, en la que él descubre que a Hanna le encanta que le lean libros, empezando así también una pasión mutua por la lectura. Un día, Hanna desaparece misteriosamente, y Michael no lo entiende. Ocho años después, vuelven a encontrarse en inesperadas circunstancias, y sus respectivas vidas no volverán a ser lo mismo, aunque siempre estarán marcados por su encuentro.

‘The Reader’ se divide en tres partes bien diferenciadas, en las que la relación entre los dos personajes centrales va evolucionando por caminos de una intensidad muy bien tratada por Daldry. Hay que señalar que el director permanece un poco en la distancia, acercándose lo justo a una relación demasiado poderosa, tal vez para no cargar las tintas ni caer en el sentimentalismo barato, algo en lo que podría haber caído tranquilamente la historia narrada en ‘The Reader’. Con esto me refiero no sólo a la relación de amor central, sino a todas las bifurcaciones que parten de la misma.

Un juicio, en el que tal vez la película se vuelva un poco repetitiva (el único fallo que le señalaría al film), revela el pasado de Hanna, un pasado atroz que revuelve el corazón de su joven amante de años atrás, quien se debate entre su amor por ella y el horror de descubrir hechos imperdonables. Hechos que tienen que ver con el holocausto judío, y que afortunadamente en esta película nada tienen que ver con las eternas lamentaciones y lloreras a las que nos tienen acostumbrados, sino con algo mucho más terrible, y que queda perfectamente reflejado en la película. Un tramo que expone una serie de cuestiones y logra que el espectador se haga preguntas que tal vez no quiera contestar nunca. ¿Están justificados los actos de la acusada si ésta no sabía realmente lo que hacía? ¿Con juzgar a los guardianes de un campo de concentración, probablemente los últimos monos dentro de los nazis, llega y se calman las conciencias? ¿Puede uno seguir queriendo a la persona amada aún después de descubrir que ha cometido un crimen imperdonable? ¿Se puede a través del amor perdonar?

Pero la parte que más me ha cautivado de ‘The Reader’ es aquella en la que se sugiere todo el sufrimiento que se puede adquirir a través del conocimiento, del saber que nunca ocupa lugar. Hay una famosa frase en un famoso libro que dice: “El que posee el saber posee el dolor, así pues, quien aumenta su conocimiento, aumenta su sufrimiento”. En la película queda reflejado de una forma elegantemente sutil a través del personaje que interpreta una Kate Winslet que se ha ido directa al grupo de las grandes actrices de la historia (así, como suena). Sin ánimo de desvelar nada, cuando descubrimos su pasado lo hacemos al mismo tiempo que conocemos cierto detalle sobre su personalidad, verdaderamente fundamental. Y es precisamente esa condición la que nos hace entender sus actos, no sólo en su pasado puesto a tela de juicio, sino con su joven amante, con su “niño”, como ella le llama. Hanna no comprende ciertas cosas, porque ella no sabe, no posee cultura. Cuando en el tramo final ella decide por sí misma (en lo que es un prodigio de montaje y ritmo) aprender, se va dando cuenta poco a poco (y aquí hay que subrayar de nuevo la sutileza del director a la hora de mostrarlo) de lo terrible que ha sido su existencia. De la misma forma que antes no entendía las decisiones de su “niño”, ahora sí, y es precisamente ese dolor la que le hace suicidarse, utilizando como apoyo final los libros que durante años su amor le leyó. La base de todo conocimiento como púlpito final de una vida. ¿Se puede elegir mejor momento para morir?

‘The Reader’ alcanza momentos sublimes en los que una emoción contenida se desata a través de las decisiones finales de dos personajes condenados a amarse sin estar juntos. Baste comentar el final del personaje de Winslet, o la decisión de un Berg mayor, al que da vida un excelente y atormentado Ralph Fiennes, de dedicar la mayor parte de su tiempo a seguir leyéndole a su verdadero amor los libros que le abrirán un nuevo mundo de conocimiento. ‘The Reader’ alecciona sin resultar manipuladora o maniquea. Enseña a través de una historia de sufrimiento, que nunca debemos olvidar, que tal vez podamos perdonar, que la redención es posible. Y sobre todo nos muestra, curiosamente en estos días, la suerte que tenemos de tener toda la información a nuestro alcance. Y lo hace expresando el gran amor que los personajes centrales sienten por la lectura. Con esto, el film es un acto de amor hacia los libros.

Dejo para el final, uno de los descubrimientos de la película: David Kross, actor alemán que da vida al joven Michael Berg en los dos primeros tramos del film. En el primero de ellos, con la inocencia de todo joven adolescente, lleno de curiosidad ante el nuevo mundo de sexo que le muestra su nueva amiga. Y en el segundo, con algunas gotas de madurez adquiridas por sus años de estudio, y totalmente derrumbado por el terrible descubrimiento que hace. Y consigue estar a la altura de una Kate Winslet pletórica, que llena de matices su personaje, a través de sutiles gestos de endiablada precisión y naturalidad (¿quién no ve a una completa inculta en las primeras imágenes de la película?). Oscar más que merecido.

En Blogdecine:

• ‘The Reader’ (‘El lector’), entre la culpa y el amor
• ‘The Reader’ no es perfecta
• ‘The Reader’ (‘El lector’), sexo, vergüenza y secretos

• ‘The Reader’, grandiosa Kate Winslet

¿Existe eso que llamamos destino? Los responsables de esta película deben creer que sí. Y es que la trayectoria de ‘Slumdog Millionaire’ ha acabado por parecerse a la del protagonista de su historia, el joven Jamal Malik, que pasa de vivir en la pobreza a estar a una pregunta de alcanzar el máximo premio en el famoso concurso “¿Quién quiere ser millonario?”. La película de Danny Boyle se levantó con apenas 15 millones de dólares y estuvo a punto de estrenarse directamente en DVD; el destino (siguiendo la estela del film) quiso que se acabara estrenando, que lleve recaudados casi 100 millones sólo en el mercado norteamericano, y que se paseara triunfalmente por los Globos de Oro, los Bafta y los Oscars, donde arrasó logrando ocho estatuillas (no son muchas las que han logrado semejante cifra).

El “fenómeno Slumdog” hizo explosión y de un tiempo a esta parte todos ponían por las nubes la película, catalogándola de maravilla, de obra maestra. Esto ha provocado también el efecto contrario, como no podía ser de otra forma, que no tardaran en aparecer las voces en contra del film dirigido por Boyle, atacando tanto su calidad como su supuesta carga de manipulación. Personalmente, me sitúo en ninguna parte, ni en un grupo ni en otro, pues no me parece que ‘Slumdog Millionaire’ sea una gran película, como tampoco, desde luego, que sea mediocre.

Hasta hace nada, ‘Trainspotting’ era el título que se asociaba al británico Danny Boyle (a mí me sigue pareciendo todavía su mejor película), a pesar de que el director, de peculiar y errática carrera, no ha dejado de trabajar. Sin embargo, ninguna de sus posteriores películas, entre las que podemos destacar ‘Una historia diferente’, ‘La playa’ o ‘Sunshine’ tuvieron tanta repercusión, lograron encumbrar a su realizador. Sólo ’28 días después’ tuvo un éxito considerable, iniciando incluso lo que puede ser una rentable trilogía, pero se queda lejos de la valoración que tuvo la película protagonizada por Ewan McGregor y Robert Carlyle en 1996; a la que, por cierto, parece que realiza un guiño en su último film (la escena del váter).

Dice Boyle que se interesó por ‘Slumdog Millionaire’ cuando se enteró que el guión, basado en la novela de Vikas Swarup ‘Q & A’ (editada en España con el título “¿Quiere ser millonario?”) lo había escrito Simon Beaufoy, autor del libreto de ‘Full Monty’ (1997), una de las películas favoritas del director. El guión partía de la novela de Swarup pero había sido enriquecido con material original tras varios viajes a la zona en cuestión, los suburbios de la India. Beaufoy se quedó sorprendido por el espíritu de comunidad que había allí, entre los chicos, llenos de alegría a pesar de su precaria situación; todo esto lo intentó incorporar en la historia, y viendo la película, queda claro que lo consiguió. Por supuesto, su propósito habría quedado en nada sin la arriesgada y enérgica labor de Boyle al mando de un proyecto que llegó a quedarse sin distribución tras el abandono de la sección independiente de la Warner; fue Fox Searchlight quien tomó el relevo, algo de lo que seguro no se han arrepentido.

‘Slumdog Millionaire’ nos presenta a Jamal Malik, un chico de 18 años que está a punto de obtener el mayor premio en el concurso televisivo más seguido del país, la versión nacional de “¿Quién quiere ser millonario?” (que en nuestro país presentaba estupendamente Carlos Sobera). Una sola pregunta separa a Jamal de los 20 millones de rupias, pero hay quien cree que está haciendo trampas; es inconcebible que alguien como él, un huérfano sin estudios, que ha vivido en la calle toda su vida en los suburbios de Mumbai, pueda saber todas las respuestas. Jamal es detenido, interrogado y maltratado por la policía, que intenta descubrir la verdad.

Durante unos 120 minutos, que se pasan muy rápido, el realizador Danny Boyle nos contará esa verdad que esconde Jamal, lo que le ha hecho llegar hasta el último peldaño del concurso y que está a punto de hacerle millonario, pero también la razón de que esté ahí, muy diferente de la que todos piensan. La película se divide y nos cuenta hasta tres cursos de acción que se nos muestran de forma paralela; el interrogatorio policial, el concurso televisivo y la vida de Jamal (estructurada también en varios bloques, desde su infancia más temprana hasta el momento en que decide participar en televisión), que es donde se encuentran las respuestas que todos buscan. Hay muchos puntos interesantes en la trama, desde, lo que hacen que el comienzo sea explosivo (recuerda a ‘Ciudad de Dios’ en más de un momento) y realmente prometedor.

La banda sonora, la magnífica fotografía, el eficaz montaje (cualquiera que haya trabajado en una sala de edición apreciará el “oscarizado” trabajo de Chris Dickens), el estupendo reparto (los niños están sensacionales y Freida Pinto va a ser uno de los nombres del futuro), todo funciona en manos de un vigoroso Boyle, enamorado de la historia que nos narra. Sin embargo, conforme avanza la película, va perdiendo gas, se hace algo repetitiva, las sorpresas dejan paso a los tópicos, los giros se hacen previsibles, y todo se encamina a una parte final demasiado gastada; y convencional. No es que me parezca que se debería haber cambiado lo que ocurre, no digo eso, lo que creo que es que Boyle no consigue darle la emoción necesaria, quedando un poco floja, impropia del lugar que ocupa en el film (el clímax debe ser intenso, y no está logrado). Eso sí, el número musical que acompaña a los créditos, guiño obvio a Bollywood, devuelve esa alegría del principio y es un buen cierre a la película.

Una película que, como decía al principio, ha provocado bastante polémica, especialmente en la India, donde ha sido catalogada de “pornografía de la pobreza”. Argumentos tan sólidos como los que consideraban que ‘300’ era un ataque al Islam por parte de Estados Unidos. También se ha atacado a los responsables diciendo que habían explotado a los niños, y es que a la hora de intentar derribar una obra, parece que vale todo. Afortunadamente, las cosas han vuelto a la normalidad y en los indios no han tardado ni un segundo en festejar el éxito de ‘Slumdog Millionaire’ en los Oscars, aunque la causa judicial, por considerar insultante el título, sigue abierta.

En definitiva, ‘Slumdog Millionaire’ es muy entretenida, alegre, muy fresca, con momentos emocionantes (como los de la secuencia en la que los niños huyen y tratan de subir al tren en marcha), pero no una gran película, principalmente porque Boyle no consigue mantener el interés por la narración tras una primera parte arrolladora; tampoco ayudan algunos elementos del guión, muy inverosímiles (la última pregunta del concurso es ciertamente escandalosa). En cualquier caso, un título que no debéis dejar escapar, independientemente de los premios cosechados, que ya sabemos que muchas veces no premian lo mejor.

En Blogdecine:

‘Slumdog Millionaire’, el triunfo del amor (y del buen cine)
‘Slumdog Millionaire’, la cultura está en la calle
Oscars 2009: ‘Slumdog Millionaire’
‘Slumdog Millionaire’, colosal tomadura de pelo

Fue de esas sorpresas que pasaron de puntillas por la ceremonia, pese a que le hicieron un hueco adecuado en la misma. Pero, claro, a quién le interesa el mundo del cortometraje, y dentro de éste, el de la animación. El favorito era Pixar con ‘Presto‘, y el ganador final, fue el cineasta y animador japonés Kunio Kato con ‘The House of Small Cubes (La Maison en Petits Cubes)‘, a todas luces la obra más arriesgada, y la mejor de las cinco candidatas (reconozco que no pude remediar decir un “bien” cuando nombraron al ganador).

Conviene seguir la pista a Kunio Kato, y a las decisiones de la Academia los últimos años sobre este galardón. Trabajos diferentes, alejados del dominio público, y en la mayoría de los casos muy a tener en cuenta. ‘The House of Small Cubes’, tiene una virtud enorme, que es animación a la antigua usanza, en 2D a base de tirar del lapicero y dibujar a mano la historia, de un personaje admirable, y sin necesidad de hacer uso de las palabras, sólo con el poder de la imagen y de la música.

No será del gusto de la mayoría, depende de vuestra exigencia, pero es de esos trabajos que conviene visitar, saborear y disfrutar con calma. Como solía decir antes, tiempo muy bien aprovechado los 12 minutos de esta joyita, que además tiene la virtud de hacerme recordar los grandes trabajos de Michaël Dudok de Witt y Koji Yamamura.

Un anciano octogenario se aferra a sus raíces. Solitario, entre cuatro muros levantados por él mismo y cimentados sobre sus moradas anteriores, aguarda el destino: el mandato natural de reunirse con sus antepasados en otra vida. Lo rodean, además de un océano 100 metros sobre el nivel actual, sus memorias inmortalizadas en instantes fotográficos, todos ellos colocados en la pared: abuelos, padres, hijos, nietos; generaciones que saturan sus pensamientos todo el tiempo.Un descuido lo arrastra a sumergirse en las profundidades, geográficas y sentimentales, de lo que supone un largo trecho: el tiempo permanecido en este mundo y las personas que lo han acompañado en su recorrido.

The House of Small Cubes (La Maison en Petits Cubes)

Vía | My mondo o’ mind
Más información | Planeta Otaku
En blogdecine | Oscars 2009: Los trabajos nominados como mejores cortometrajes de animación

Se acaba la jornada y aquí seguimos en Blogdecine, exprimiendo los Oscars al máximo, hasta que no quede nada en el tintero, y todos los lectores del universo (¿de los universos?) sepan qué ocurrió en la pasada madrugada mientras dormían, trabajaban, estaban de parranda o practicaban… etcétera.

Uno de los momentos que más me gustan de la gala de los Oscars es cuando llega el “In Memoriam”. Ya sabéis, ese vídeo con una banda sonora super-emocionante en el que se hace un repaso a los profesionales del séptimo arte que nos han dejado, que han fallecido en el último año. En esta ocasión, el acompañamiento musical estuvo a cargo de Queen Latifah, y la verdad es que otra vez crearon una pieza audiovisual estupenda (al margen de los olvidos, que siempre los hay).

Aquí os dejo el vídeo en cuestión, por si, como servidor, no habíais podido verlo antes, creo que merece mucho la pena. Personalmente, me ha encantado el recuerdo al gran Richard Widmark, uno de mis actores favoritos.

Vía | Youtube

En la reciente gala de los Oscars no sólo se ha rendido tributo a lo mejor del año 2008, como es lo propio, sino que también han querido tener un detalle, como breve avance, de interesantes e importantes producciones que se estrenarán a lo largo del presente 2009. Gran acierto, sobre todo, para seguir generando expectación y poniendo énfasis en algunos títulos llamados a protagonizar la taquilla en los próximos meses.

En la gala se proyectó un montaje que supone un primer vistazo a películas muy esperadas como: ‘Sherlock Holmes’, ‘Funny People’, ‘Taking of Pelham 123’, ‘Public Enemies’, ‘Julia & Julia’, ‘The Soloist’, ‘Pixar’s Up’, ‘Terminator Salvation’, ’500 Days of Summer’, ‘Amelia’, ‘Whatever Works’, ‘Inglourious Basterds’, ‘Night at the Museum 2’, ‘Monsters vs Aliens’, ‘Harry Potter and the Half-Blood Prince’, ‘Angels & Demons’, ‘Old Dogs’, ‘The Boat That Rocked’, ‘An Education’, ‘State of Play’.

Lo más destacable es que estas breves escenas (unos ocho segundos cada una) mostradas no se habían visto anteriormente, así que han supuesto una primicia. Demasiado breve, pero suficiente para abrir boca. Se hace difícil escoger entre las imágenes exhibidas lo más impactante, pero ese Robert Downey Jr. como Holmes, lo nuevo de Pixar y Russel Crowe en ‘State of Play’, me resultan de lo más estimulante.

Quiero poner este video, y comentarlo, por dos razones principales. Primero porque fue el único momento de la noche en el que disfruté plenamente de estar cubriendo en agotador directo una gala que empezó por todo lo alto y fue decayendo de forma inmisericorde (y no sólo porque ‘Slumdog Millionaire’, una de las peores películas que he visto en cine en bastantes años, estuviera arrasando). No sé si se lo merece más que Rourke, pero salté de alegría al oír su nombre.

La segunda razón es que siendo Sean Penn uno de mis actores predilectos, se suma a esto que sus dos discursos de aceptación por sendos Oscars al mejor actor principal (todos recordaremos que ganó por la impresionante ‘Mystic River’ hace cinco años) son de los mejores discursos de aceptación que he podido escuchar en los 18 años que llevo visionando esta entrega, sin dormir en toda la noche. Y si aquella vez terminó hablando de la catástrofe que era tener como presidente a Bush Jr., esta noche ha pronunciado un sentido alegato a favor no sólo de los derechos de los homosexuales, sino para que todas las personas del mundo gocen de los mismos derechos.

En una noche en que se ha premiado sin rubor cine falsario, manipulador y cínico, es un bálsamo que un verdadero artista diga palabras como estas. Qué grande este hombre.