Se dice que la buena publicidad es aquella cuyo mensaje no se nota, pero permanece en la memoria. Lo malo de una película que incluya tanto product placement es que si la misma es aburrida, uno se dedique a contar el número total de marcas que aparezcan en la misma, por eso de mantener la cabeza entretenida para no caer en brazos de Morfeo (la verdad es que el efecto que se produjese se vería reducido por la dificultad para retener tanta marca junta y tan seguida). Lo que uno no puede aceptar es que se incluyan escenas con el único fin de formar parte de la película, y que se vea una determinada marca. Formar parte del decorado, no que la película sea un envoltorio encubierto. Es decir, que se creen situaciones en torno a los productos a vender y cómo afecten éstos a las tramas, cosas de las que ciertas personas, guionistas, empiezan ya a quejarse.

Y esa es la pregunta, en principio, que debemos plantearnos o deberíamos plantearles a quienes realizan las películas, ¿cuántos product placements efectivos puede tener un film? La cuestión es, sin embargo, ¿cuáles de los productos ofrecidos, tienen cabida una vez terminado el guión? Cierto que tal y como está hoy el universo digital en el que nos movemos, la forma de sufragar el presupuesto de un film va a tener que tomar muy en cuenta los guiños de las marcas para ver sus productos en pantalla. Cuentan que ‘Quantum of Solace’ va a venir cargada de publicidad encubierta: Coca-Cola, Smirnoff, Heineken, Virgin Atlantic, por supuesto, Ford, Omega, Sony, Aston Martín, Ocean Sky, Hugo Boss… Así, hasta un total de 21 marcas. Ya no beberá 007 Martini mezclado, no agitado. Por cuestiones “contractuales”, ahora consumirá Coca Cola Zero. Y ahí sí que tenemos un problema, porque pese a que hay nuevo James Bond, ciertas cosas no pueden cambiar. Pertenecen a la historia del cine, y son parte de nuestra vida. Si no se ve la marca o no se comenta, se puede hacer la vista gorda. ¿Pensáis que eso va a suceder? Aquí prefiero ya morderme la lengua.

Vía | Error500
Más información | Chica de la tele

Retomo de nuevo la polémica con las versiones dobladas frente a versión original, de la que ya hablé a propósito del doblaje de los robots de Wall-E, con respecto a la versión decapitada que de ‘Vicky Cristina Barcelona’ hemos podido ver en nuestras salas y unas soberbias palabras que sobre los subtítulos ha pronunciado esa señora actriz que es Kristin Scott Thomas. Vayamos por parte.

No voy a defender la última película de Woody Allen, simplemente porque es no da lo que se espera de una obra suya, sobretodo en la versión doblada, y más cuando lo única parte divertida de la misma, es imposible verla en España sino es porque a uno le da por buscar un cine donde esté en V.O. (con subtítulos claro), o bien tira de las fuentes alternativas. Lo que quiero decir es que la única virtud que tiene esta película, junto a alguna parte en la que sale Rebecca Hall, reside en las escenas en las que salen juntos Javier Bardem y Penélope Cruz discutiendo indistintamente en inglés y en español, cambiando tonos e improvisando, haciendo que los saltos entre un idioma y otro dotaran de comicidad a esas escenas.

Dado que esas partes, en español, que no necesitaban de ningún tipo de doblaje, fueron dobladas para darle una unidad vocal a los personajes, la química que se puede ver en pantalla entre ambos actores españoles se va al limbo, capando la única parte de verdad interesante de ‘Vicky Cristina Barcelona’. Y aquí viene mi pregunta: ¿por qué cuando los actores en alguna película hablan en japonés, y se realiza su versión doblada, se respeta la parte rodada en V.O., poniendo subtítulos?

Claro, que es en español, y eso no se respeta. ¿Por qué los espectadores que se quejan de los subtítulos no lo hacen cuando ven versiones dobladas que incluyen partes en la que los diálogos son subtítulados, como sucede en ‘El señor de los anillos’?

Es aquí donde cojo la reflexión de Kristin Scott Thomas, actriz inglesa, excepto en Francia, como bien recuerda el artículo del New York Times (la verdad es que vive en Francia).

“La gente va ahora a ver películas con subtítulos, sabes. Ya no lo ven como una cosa que deban temer. Es una de las razones del ascenso de los mensajes de texto y de los email (en este punto la actriz se rió). Quizá la única cosa buena que se puede sacar de su uso.”

Resulta que la gente se está empezando a acostumbrar a leer más los subtítulos, no sólo por las descargas de series de televisión, como alguno pueda llegar a pensar, sino que se debe a que la tarea en si misma se ha vuelto menos ardua, debido a un fenómeno social motivado por las nuevas tecnologías que a otra cosa. De ahí que la gente se vaya acostumbrando a ver más películas extranjeras, y entiendan que existen miles de filmografías que el doblaje no permite su estreno. Me explico.

Ahora es de lo más normal ver en nuestros televisores a pie de pantalla textos que recorren la imagen de cadenas como la CNN o la propia CNN+, dando información adicional a lo que se está viendo. Y ahí no escucho ningún tipo de queja. Si como algunos dicen no pueden leer y ver lo que sale en pantalla, porque nadie se queja de esto. ¿No será que la gente se está acostumbrando a ello, de tal forma que el tema de los subtítulos deje de ser el tabú recordado siempre para no ver ciertas películas?

También está la opción de entender esas palabras de Kristin Scott Thomas con ironía. Un comentario malicioso al poder de Hollywood que entiende que no puede existir otro cine. Vale que predisposición ahí, pero ciertas películas seguirá la gente sin poder disfrutarlas, tal y como fueron creadas, porque el doblaje siempre terminará mutilándolas.

Vía | Ben and Alice

En blogdecine:

• ‘Vicky Cristina Barcelona’ ¿Woody?
• ‘Vicky Cristina Barcelona’, un Woody irregular

Es una locura, pero es estupendo. George está en “modo pensar” ahora mismo.

Lo ha dicho Harrison Ford, en respuesta a si veremos otra película de Indiana Jones. Ford ha declarado que George Lucas se encuentra actualmente pensando en ideas para una quinta entrega de la saga.

Exacto. Temed. Lucas está en “modo pensar”. Ha encontrado el botón y lo ha pulsado. Millones y millones de dólares deben estar pasando por su cabeza en estos momentos, inspirando tramas fantásticas… Indy animado, Indy en 3D, Indy viajando al espacio para destruir un meteorito, Indy viajando al pasado para impedir el nacimiento de Hitler…

Aunque, bien mirado, es posible que Lucas haya estado todos estos años con ese “modo” desactivado. Podría explicar el cambio ocurrido en ‘Star Wars’. Ya veremos. La cuestión es que quiere rodar otra más de Indy y está buscando ideas en su cabeza.

En cuanto al actor que ha encarnado al arqueólogo más famoso de la Historia dice que pensar en una quinta parte es normal, que todo forma parte de un proceso automático. “Lo hicimos bien con la última, y con eso bien hecho y siendo una experiencia positiva, no es sorprendente que algunos quieran volver a hacerlo”, declaró Ford.

Sobre la posibilidad de ver a Indy convertido en un dibujo animado, la estrella lo tiene claro: “No estoy en contra de interpretar personajes animados, salvo con Indiana Jones. Odiaría verlo reducido de cualquier forma después de las películas que hemos hecho y del modo en que lo hemos hecho”.

Está claro que Ford no quiere verse desvinculado de futuros proyectos ni que haya nadie, real o animado, que le sustituya como protagonista. Creo que nadie lo quiere, realmente, pero una cosa es ver a otro actor y otra muy distinta ver a un dibujo animado. Es otra realidad y lo único que hay que hacer es dibujar a Indy con el rostro de un Ford joven. Punto. El público, el que vaya a verlo, el infantil, aceptará eso y se quedará con eso, al igual que ha pasado con la saga de los jedis.

Por mi parte, ya lo sabéis, tenéis que situarme en el grupo de los que disfrutaron con ‘Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal’, así que, en principio, no veo mal que continúen la saga con una quinta película. Si volvemos a tener a los tres, a Lucas, Spielberg y Ford, no creo que haya ningún problema para disfrutar con otra estupenda entrega de aventuras. Quizá incluso lo hicieran mejor, sin la presión de haber esperado tanto tiempo para volver a filmar otra. Que eso también cuenta.

De todas formas, creo que muchos de los que mantenéis que la cuarta parte era una película floja o mala, reconocéis que hubo algo especial en ese retorno. Aunque sólo fuera la emoción de volver a ver a Indiana Jones en el cine y oír la musiquilla compuesta por John Williams, mereció la pena, ¿no? Venga, olvida por un momento la nevera de kryptonita y los topos digitales, tampoco es para tanto.

Diferente cuestión es que el director de ‘THX 1138’ esté pensando en dejar de lado a los otros, quedarse con el personaje y llevarlo a donde ha llevado ‘Star Wars’. Eso sí me parecería mal y es muy probable. Como también que negocien con Shia LaBeouf para que releve a Harrison Ford poco a poco, en la siguiente o en una futura sexta parte (si funciona la quinta, ¿pensáis que se detendrán?). Ninguna de estas dos opciones me gustan, pero no se puede hacer nada, sólo esperar y confiar en el buen juicio del tridente implicado en la creación, el desarrollo y la perfección de un auténtico icono del séptimo arte.

Estáis muy callados, vosotros, ¿qué os parece que haya una quinta parte de Indiana Jones?

Pd: Ahora ideas, luego un guión, después la pre-producción, el rodaje… ¿con qué edad va a encarnar Ford a Indy?

Eso es lo que plantea la frikada de vídeo que se han sacado de la manga unos aficionados, la supuesta prueba para el papel de Luke Skywalker que rodó Robert De Niro. La cuestión no sólo es preguntarse si en nuestra imaginación hubiera sido posible escuchar a Luke soltar por su boca algún que otro “fuck” en cuanto le venía mal dada la situación y entender por qué tenía esos problemas. Al contrario, lo suyo habría sido plantearse si hubieran tenido buena química George Lucas y un actor camino del estrellato como Robert De Niro. Cierto que Lucas tuvo que apostar por actores no muy conocidos para rodar ‘Star Wars’, refiriéndome a los títulos buenos, pero por qué él y Spielberg no han rodado con De Niro o Al Pacino (hablo de memoria y no sé si esta afirmación que hago es completamente cierta).

Cuando eran jóvenes no tenían mucho que ofrecerles, pero por ejemplo De Niro apostó por Scorsese, y Al Pacino fue una apuesta de Coppola para hacer de Michael Corleone (y bien que lo agradecemos). ¿Ni De Niro ni Pacino hicieron pruebas para participar en una película de Lucas o Spielberg? ¿Preguntarían demasiado? ¿Necesitarían entender más sobre sus personajes? Todo esto por un vídeo, y los comentarios para conversar sobre ello.

En el 2008 hemos perdido a figuras muy importantes del séptimo arte, y sin duda una de las más dolorosas, aunque esperada, ha sido la del gran Paul Newman, uno de esos actores al que todos los adjetivos posibles para describirle se quedan cortos. Creo que no hay persona en el mundo, sea cinéfila o no, que no haya visto al menos un buen puñado de sus películas. Concretamente en mi caso, Newman formó parte de mi formación y educación como cinéfilo. Aún recuerdo con cariño aquel impresionante ciclo que Televisión Española le dedicó hace por lo menos dos siglos, cuando las televisiones programaban cultura.

Enfrentarme a un post en el que recopilar sus diez mejores interpretaciones ha sido más difícil de lo que pensaba. Los títulos aparecían con tanta rapidez que terminaron siendo más de veinte, sin embargo, creo que la siguiente lista resume muy bien el genio interpretativo de un actor único. Uno de esos actores que además llevaron una vida totalmente ejemplar, totalmente alejada de la prensa amarillista, un modelo de humanidad. Así que a la lista que veréis a continuación, habría que añadir la película de su propia vida, en la que no tuvo que interpretar, y sin embargo fue admirado y envidiado, una envidia sana, por todos.

Por eso, porque siempre nos resultó muy cercano, y por la cantidad de buenos momentos que nos hizo pasar, aún sabiendo que su muerte se produciría, nos cogió igualmente a todos por sorpresa, porque en nuestro fuero más interno no queríamos que pasase lo inevitable. Los que crecimos viendo sus películas, y muchos de cualquier otra generación, le echamos de menos como si fuese de nuestra propia familia.

Pasad y disfrutad.

• ‘Marcado por el odio’ (‘Somebody Up There Likes Me’, 1956)

La película que le lanzó a la fama, después de debutar en la lamentable y más larga que un día sin pan ‘El cáliz de plata’. Newman se pone a las órdenes de un inspirado Robert Wise para narrar la historia del boxeador Rocky Graziano, convirtiéndose el film en uno de los más populares que hablan sobre el mencionado deporte. Ganadora de dos Oscars, a mejor fotografía en blanco y negro y a mejor dirección artística, el film y Newman se acercan como poca veces al espectador. Anécdotas: se trata de la primera aparición cinematográfica de Steve McQueen, y el papel de Graziano era para James Dean, pero un famoso accidente de tráfico lo impidió.

• ‘El largo y cálido verano’ (‘The Long, Hot Summer’, 1958)

Esta película que adapta el relato de William Faulkner, supuso el nacimiento de dos relaciones. Newman conoció aquí a su esposa Joanne Woodward, con la que estuvo casado más de 50 años, y con la que compartió cartel un buen número de veces. Y Martin Ritt se encontraría aquí con el que sería su actor fetiche. La relación entre un terrateniente y un mozo de cuadras al que ve como su propio hijo es de las que no se olvidan. El mismísimo Orson Welles le dio la réplica en esta inolvidable película.

• ‘El zurdo’ (‘The Left Handed Gun’, 1958)

Atención, otro personaje que debía interpretar James Dean (como sigamos así vamos a tener que decir que la muerte de Dean favoreció la carrera de Newman). Un film en el que Arthur Penn varió considerablemente la historia real, e hizo un western psicológico en el que se justifica toda la violencia de Billy el Niño por la falta de cariño de un padre. Newman es una bomba de relojería a punto de explotar en esta película, y fue su primer acercamiento al género del western.

• ‘La gata sobre el tejado de zinc’ (‘Cat on a Hot Tin Roof’, 1958)

La primera adaptación cinematográfica de una obra de Tennesse Williams que se realizó en color. Richard Brooks consiguió trascender lo límites teatrales de la obra consiguiendo hacer puro cine. Paul Newman y Elizabeth Taylor dan vida a un matrimonio con ciertos problemas de alcoba, ya que él piensa más en otra persona (las connotaciones homosexuales están bien presentes en el relato), y ambos desprenden una tensión sexual de una elevada temperatura. Newman deslumbra y la mediocre Taylor nunca estuvo tan bien.

• ‘El buscavidas’ (‘The hustler’, 1961)

Eddie Fast Felson es probablemente el personaje más famoso al que dio vida Newman. Sin duda la mejor película de Robert Rossen, en la que pasa del realismo a la ternura con una envidiable facilidad, además de realizar un profundo análisis sobre el sempiterno asunto del éxito, tan del gusto de los americanos. El billar y su mundo sirven para narrar la historia de un auténtico perdedor que intenta abrirse un hueco en la vida. Una de esas películas en las que todo está en su sitio. Martin Scorsese realizó una ejemplar secuela, ‘El color del dinero’, en la que Newman tuvo la oportunidad de redondear a su más conocido personaje, obteniendo como premio un Oscar.

• ‘Hud’ (1963)

Muchos no consideran este colaboración entre Martin Ritt y Newman como una de las mejores, y sin embargo yo pienso que es la mejor de todas. Un western contemporáneo que habla sobre la degradación a un nivel moral, a través de Hud, un ranchero en continuo desacuerdo con su padre, un inmenso Melvyn Douglas, que recibió el Oscar por ello, al igual que Patricia Neal.

• ‘La leyenda del indomable’ (‘Cool and Luke’, 1967)

Otro título mítico dentro de la filmografía de Newman, a pesar de algunas irregularidades. El film consiguió tanto éxito que se convirtió en un fenómeno social, y es que el personaje central conectaba con el público de una forma muy visceral y auténtica. Un rebelde encarcelado por desorden público, que termina convirtiéndose en el rey de la penitenciaría, sobre todo por ganarse el respeto de todo el mundo al comerse 50 huevos cocidos en un hora. Inolvidable secuencia.

• ‘Dos hombres y un destino’ (‘Butch Cassidy and the Sundance Kid’, 1969)

La primera reunión entre Newman y Robert Redford en un film que atravesaría fronteras y alcanzaría la condición de mítico en el mundo entero. La historia de dos bandidos perseguidos por la justicia en un western con cierto tono decadente, aunque desenfadado. Escenas como la del salto al río o la del vídeo hablan por sí solas. George Roy Hill dirigió a Newman dos veces más.

• ‘El golpe’ (‘The Sting’, 1973)

Repetición del éxito del anterior film, llegando esta vez a seducir a la Academia, logrando nada menos que 7 Oscars. Newman y Redford dan vida de nuevo a dos hombres al otro lado de la ley, en una película que habla sobre los gangsters y el siempre cinematográficamente atractivo golpe perfecto. Con un guión milimétrico, la primera vez que se ve esta película es una de las mejores experiencias que un cinéfilo puede tener. Inolvidable banda sonora.

• ‘Veredicto final’ (‘The Verdict’, 1982)

Película que iba a dirigir e interpretar Robert Redford, pero cuyo personaje central terminó recayendo en Newman, en la que probablemente sea la película que inicia la etapa de madurez del actor, escogiendo a partir de ahí otro tipo de papales más acordes con su edad. Uno de los mejores trabajos de Sidney Lumet, con su eterno toque reivindicativo. Newman borda el papel de abogado retirado y borrachín, que acepta un caso de negligencia médica, y que pondrá en jaque a un hospital y la Iglesia que lo comanda. Amarga, muy amarga, con un impresionante James Mason dando la replica a Newman.

Por supuesto, hay más interpretaciones de Paul Newman absolutamente inolvidables, pero para nombrar el resto ya estáis vosotros.

Ya hace unos días que pudimos escuchar el tema principal de la nueva entrega de la saga de James Bond, de título (intraducible) ‘Quantum of Solace’, pero ahora nos llega el videoclip de forma oficial. El tema ha gustado en líneas generales, aunque no se trata de una maravilla. Siempre tener juntos a dos talentos como Alicia Keys y Jack White es un placer para los oidos. Sigue la línea del estilo Bond, aunque algo más renovado, quizás adaptado a los jóvenes espectadores que acogen (por primera vez) sin prejuicios a este agente especial protagonizado por Daniel Craig. Aunque, como ya comenté, me hubiese gustado escuchar la voz y el estilo de Amy Winehouse.

En lo referente al título, mucho se ha especulado y comentado sobre el mismo, y ciertamente es difícil encontrar una traducción en nuestro idioma. Seguro que mi compañera Beatriz es capaz de encontrar una más fiable y con sentido común, pero de por sí ya es un tanto extraño para la vigésimo segunda entrega de la franquicia. Todo parece indicar que ha sido el propio protagonista quien lo sugirió. Daniel Craig lo propuso para evitar términos tan manidos como “muerte” o “sangre” (propuestos por los productores siguiendo la línea de otros como ‘Vive y deja morir’, ‘Panorama para matar’, ‘Licencia para matar’, ‘El mañana nunca muere’, ‘Muere otro día’) y lo tomó de un relato corto del creador de 007, Ian Fleming. Craig argumenta que no tiene mucho significado, pero tampoco lo tuvo ‘Octopussy’ y hoy día se relaciona casi sin pensar con James Bond. En eso quizás tiene razón, y si se trata de una buena decisión el tiempo lo dirá, pero no me parece que tenga demasiado gancho. ¿Qué pensáis?

Vía | Cinencuentro y Digital Spy
En Blogdecine:

• ‘Quantum of Solace’

“Yo acepto las críticas, pero creo que ha habido algo personal. Yo respeto a la crítica cuando se hace con rigor, pero no entiendo el odio tan visceral. Mi obsesión ha sido siempre no tener enemigos, pero en España es imposible”, se lamenta, mientras arremete contra el oscurantismo de Internet, “un lugar donde se ocultan los cobardes, donde se critica sin dar la cara“

Y me choca esa opinión radical sobre las críticas cinematográficas en Internet. ¿Rigor y oscurantismo? ¿Hacia ‘La conjura de El Escorial’? Quizás el director debe entender que le tiene que resultar muy complicado dar la cara por un trabajo que es dificilísimo de defender, y que su error fue coger las labores de dirección más las de producción, entre otras cosas porque él no era la persona adecuada para dirigir esta película. Corrió poco riesgo, aburrió, y ahí vienen las penas. Dicho esto, respecto al oscurantismo de la gente que ahora puede opinar y decir lo que piensa de algo, cosa que no podía hacer con anterioridad, supone trasladar el boca a boca de la salida de los cines a la red, y aquí continuar la conversación. ¿Es eso criticar sin rigor? No hay nada más. Los tiempos cambian y la gente quiere opinar. Ver sombras donde no las hay, es querer desviar la atención del problema real, que guste o no la película.

En blogdecine | ‘La Conjura de El Escorial’, póster y trailer de la producción española del año

El próximo 10 de octubre llegará a los cines españoles ‘Quemar después de leer’ (‘Burn after Reading, 2008), la nueva película de los Coen, motivo por el cual me ha parecido una buena idea repasar su filmografía y elegir las que, en mi opinión, son sus mejores obras.

Nacidos en 1951 y 1954 respectivamente, Joel y Ethan Coen parecen trabajar como una sola persona, a tenor de las declaraciones de los actores que han trabajado con ellos. Sin embargo, por las reglas de la Directors Guild of America no pudieron aparecer juntos como directores de sus películas, quedándose sólo Joel en los créditos. Los hermanos debutaron en 1985 con ‘Sangre Fácil’ (‘Blood Simple’), consiguiendo pronto el éxito de la crítica, que mantienen hasta el día hoy; el público se fue sumando poco a poco, aunque su cine no va destinado ni interesa a las masas. Con ‘No es país para viejos’ (‘No Country for Old Men’, 2007) obtuvieron su mayor éxito, logrando el Oscar al mejor guión, director(es) y película.

Elaborados guiones, personajes extravagantes, humor negro, violencia, cuidada puesta en escena y gusto por lo clásico. Éstos podrían ser los principales ingredientes de la obra de estos hermanos tan particulares. A lo que hay que sumar los nombres de sus colaboradores habituales, desde el compositor Carter Burwell a los actores Steve Buscemi, Frances McDormand (casada con Joel Coen), John Goodman o John Turturro, de quienes los Coen consiguen sacar siempre lo mejor.

Sin más, a continuación os dejo con una corta lista de lo mejor que han hecho, por el momento, los hermanos Coen:

• ‘Muerte entre las flores’ (‘Miller´s Crossing’, 1990)

Cine negro clásico según los Coen. Una maravilla de principio a fin, con unos diálogos extraordinarios (como prueba, por ejemplo, el inicio del film, sobre la ética). De bellísima factura, la película cuenta la típica historia de un hombre en medio de una guerra de bandas, y, al más puro estilo Dashiell Hammett, se ve envuelto en una complicada trama llena de sorpresas y de alianzas engañosas, debiendo hacer uso de todo su ingenio para poder seguir con vida, recopilando información y anticipándose a los movimientos de cada uno. Todo el reparto está en su sitio, realizando una labor impecable, pero hay que destacar por encima de todos a Gabriel Byrne, genial en un personaje que podría haber encarnado Humphrey Bogart, y John Turturro, en el papel de una cobarde, tramposa y astuta lagartija. Mención especial para J.E. Freeman por ese Danés tan implacable como el famoso Anton Chigurh de Javier Bardem. Momento memorable: Albert Finney se basta para responder a un intento de asesinato; brutal.

• ‘Barton Fink’ (1991)

La que más discusión puede provocar de esta lista. A pesar de lograr la (casi siempre) polémica palma de oro en Cannes, es una de las películas menos recordadas de los Coen. Encuentro en ella tanta extraña belleza y me identifico tanto con lo que piensa el protagonista que no puedo evitar ponerla entre lo mejor que han hecho los hermanos. Realmente particular, con un John Turturro sensacional, la película nos habla de las dificultades de un ambicioso (pero inseguro) escritor por seguir progresando y lograr su sueño. Un sueño que pronto se volverá incómodo y dará lugar a pesadillas. Escrito a partir de la experiencia propia de los Coen, el film contiene numerosos homenajes y una ácida crítica a la industria del cine. Momento memorable: Aunque es muy sorprendente lo que ocurre con el personaje de John Goodman, me quedo con la escena de presentación del productor de Hollywood encarnado por Michael Lerner (nominado al Oscar por su estupendo trabajo).

• ‘Fargo’ (1995)

La película que situó a los Coen en el mapa. Nominada al Oscar en siete categorías, resultó ganadora en dos, mejor actriz (Frances McDormand) y mejor guión. De una contundencia y una elegancia aplastantes, esta obra reúne todos los elementos típicos de los Coen, resultando la más adecuada para adentrarse en su cine y posiblemente la más completa. Para mí, la mejor junto con ‘Miller’s Crossing’. Una historia aparentemente sencilla que se va complicando por momentos, cuando los personajes, atípicos, comienzan a interactuar entre ellos en busca de algo grande que los saque de la normalidad, violencia, tragedia, reflexión y mucho humor negro. A destacar el gran nivel de las interpretaciones, brillando intensamente William H. Macy, Steve Buscemi y McDormand, y la banda sonora de Carter Burwell, of course. Momento memorable: Buscemi y Peter Stormare, terribles delincuentes, cometen un secuestro 100% Coen.

• ‘El gran Lebowski’ (‘The Big Lebowski’, 1998)

Confirmó a los Coen como cineastas de culto. Aunque para culto el creado en torno al personaje interpretado (de forma genial) por Jeff Bridges, “The Dude” (“El Nota” en español), convertido en todo un icono popular e incluso en el origen de una religión. De hecho, éste es el título que tienes que defender, por encima de todos los demás de los Coen, si quieres ir de “friki” pero sin dejar de ser “cool”, ya me entiendes. Especialmente destacable, a mi modo de ver, por ser la comedia más redonda, más completa que han realizado, incluyendo de nuevo los elementos típicos de su cine, desde la trama a los personajes. De nuevo, estupenda banda sonora (con la famosa versión del Hotel California por los Gipsy Kings) y aún más estupendas interpretaciones (con hueco para dos gigantes como Julianne Moore o Philip Seymour Hoffman). Momento memorable: John Turturro entra en escena y se encara con Bridges, John Goodman y Steve Buscemi.

En La Alternativa, el pasado fin de semana, además de hablar un poco con Olga y María Jesús (oh Dios, qué voz), acerca de películas como ‘La desconocida’ de Tornatore, de la que ya me extenderé más cuando publique la crítica, he podido quejarme (ésa es una de las múltiples expresiones que puedo utilizar) acerca de algo incomprensible, sorprenderte y un tanto absurdo: El Festival de Sitges, cuyo director siguen siendo Ángel Sala, ha decidido denegar todos los pases de prensa a los blogs, metiéndolos a todos en el mismo saco, en lo que es a todas luces una estrategia boba, tirando piedras contra su propio tejado.

No trato de meterme con la forma de trabajo que tienen en el Festival, pero en Blogdecine, y en otros lugares que nada tienen que ver con los blogs personales (explicar ahora la diferencia entre unos y otros me hace sentir estúpido), no podemos tolerar que se cachondeen de uno, cuando con toda la educación del mundo llamas al Festival para tratar de obtener un porqué a la denegación del pase.

Y cuando la respuesta es que no pueden tolerar que simplemente acudimos a ellos (nosotros y los demás, subrayo) para ver películas por la cara, ésta se nos queda a cuadros. Claro, como si ellos también nos pagasen el transporte hasta Sitges y la estancia en un hotel. Pero incluso pasando eso por alto, y explicando que nuestra intención es cubrir diariamente el Festival, aportando además las visitas que tenemos diariamente desconfían del todo atacándonos de inventarlo.

Y es ése el punto que a un servidor le ha hecho más gracia. Porque es muy fácil saber las visitas que tiene cualquier blog o al menos una aproximación fidedigna, sólo hay que recurrir a cualquiera de las herramientas medidoras que se utilizan y están al alcance de cualquiera (previo pago por supuesto que aquí nadie regala nada), y que dan los datos del tráfico de cualquier blog, o página web, apuntados a la misma. Por ejemplo, y para ser más concretos, nuestras visitas las puede proporcionar Nielsen (que dicho sea de paso, tienen muy pocos blogs en su cartera, por así decirlo), aunque Google Trends puede dar una idea aproximada de las visitas de forma gratuita. Algo que se les comunicó y obtuvimos la alucinante respuesta en forma de pregunta: ¿Quién es Nielsen?

Bien, pausa para la risa, y después de ella me explico, y tal como dije en el programa de radio, no todo el mundo tiene porqué saber qué es Nielsen. Ni un carnicero, ni un cartero, ni un corredor de Fórmula 1, ni los jugadores del Real Madrid, ni el Rey de España, ni mi perro, ni un ingeniero nuclear, por poner sólo unos cuantos ejemplos, tienen la obligación de saber qué narices es Nielsen, por supuesto que no. Pero el responsable de dar las acreditaciones de un Festival tiene que estar al día de todo cuanto ocurre en los medios de todo tipo, y esto incluye Internet. Evidentemente ellos tiran por los medios generalistas (prensa diaria y TV) porque están enclaustrados en el siglo pasado, y con iniciativas como ésta niegan la más rotunda de las realidades: el crecimiento y eficacia de Internet. Además, ¿Qué otro medio defiende, ensalza y reivindica una y otra vez el género fantástico como Internet? ¿Cuántas películas fantásticas han sido descubiertas gracias al famoso boca a boca que se ha dado por Internet?

Desconozco si esto ha salido del propio Ángel Sala, o si este tipo simplemente desconoce a quién tiene de encargado en su sección de acreditaciones. Por si no se entera, se lo aclaro: a un completo incompetente, cuya ignorancia sobrepasa los límites conocidos, sobre todo por no realizar en condiciones su trabajo. Tema aparte es la educación que ha demostrado por teléfono al atendernos, pero eso es más bien cosa de sus progenitores.

Señor Ángel Sala, que tenga usted mucha suerte con esta nueva edición del Festival de Sitges, sin duda de los más famosos de nuestro país, y siga usted luchando como antaño por dar a conocer obras maestras escondidas. Pero por Dios, haga espabilar a sus trabajadores.

A continuación, el link del programa de radio, que ya me olvidaba:

‘De Cine’ (29-9-08, audio, mp3, 12´6 MB)

Las televisiones en abierto piensan que los títulos de crédito son un elemento tan imprescindible que, como nadie los ve, no son necesarios, por eso los cortan para su dosis abusiva de anuncios. Como esa práctica viene motivada por la estampida del público en las salas en cuanto aparecen los títulos de crédito, pocos entienden que, a veces, un poco de paciencia y su sola visión puede provocar gratas sorpresas. Recuerdo aún como en un cine de la Gran Vía de los que ya han pasado a la historia, un acomodador de los de toda la vida, nos echó una bronca a mí y a un par de amigos por lo que él intuyó era una manera de colarnos para ver la siguiente sesión, cuando lo cierto es que queríamos ver a quién pertenecía una canción que nos había gustado y cuyo nombre sólo podíamos descubrir al final de los títulos de crédito. El acomodador, esa figura que las multisalas han jubilado y pasado a la historia, obviamente no quería al cine, y la bronca con él fue monumental, nos veía bichos raros, nadie se quedaba hasta el final.

Cuento esto, porque es posible disfrutar de los títulos de crédito finales de películas como ‘Wall-E’ en Internet, que conviene recordar, como sucedió con los títulos de ‘Ratatouille’, pueden servir, sobre todo en el formato de la dibujos, de inspiración para cortometrajes como ‘Your Friend the Rat’. La secuencia de animación continúa el modelo establecido ya en ‘Buscando a Nemo’, y como allí, es la forma de homenajear, poniendo su nombre, a todos los miembros del equipo, que sin ser tan famosos, sí forman parte de la autoría de la película, más en una película de animación. Es el tributo que con frecuencia los espectadores no entendemos.

Para aquellos que no esperaron en sus asientos a que se encendiesen todas las luces de la sala, ésta es otra oportunidad de disfrutar una pequeña dosis de ‘Wall-E’. Seguramente la menos vista, fruto de una mala costumbre.

Vía | mmoroca’s junkyard
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El pasado viernes llegó a nuestras carteleras ‘Babylon’, la película que ha dirigido Mathieu Kassovitz en suelo norteamericano y de la que justo antes de su estreno se puso a echar pestes. Una film que tendría que haber sido una nueva aportación al cien de ciencia ficción y se ha quedado en un vehículo para el lucimiento, o eso dicen, de su estrella principal: Vin Diesel. Pero de esta película ya hablaremos en su momento; ahora aprovechando la ocasión, vamos con una de esas listas que a todos gusta. Hoy toca las que, a mi juicio, son las diez mejores películas de ciencia ficción.

Y ojo, he dicho ciencia ficción, no fantasía, que no es lo mismo. Lo aclaro porque ‘La guerra de las galaxias’ no entra en la primera definición y sí en la segunda. Precisamente por eso no incluyo esa obra maestra de don George Lucas.

Pasen y disfruten, damas y caballeros:

• ‘2001, una odisea en el espacio’ (‘2001, A Space Odissey’, 1968)

Sin duda la obra más conocida de Stanley Kubrick, y una de las más influyentes de todos los tiempos. Kubrik y Arthur Clarke hicieron a la par película y libro, consultándose el uno al otro, y el resultado es sencillamente perfecto. Muchos le achacan su ritmo, o el no entender ciertas escenas, así como depender demasiado de la estética sesentera (!!!). Pocas películas han divido tanto a unos y otros (entre crítica y público), y servidor ya pasa de discutir sobre el tema, prefiero perderme en sus hipnóticas imáganes, y en visionarla cuantas más veces mejor. Momento a recordar: Evidentemente la elipsis que ni siquiera hace falta mencionar.

• ‘Blade Runner’ (1982)

La obra más conocida de Ridley Scott, y eso que en el momento de su estreno fue menospreciada por casi todo el mundo. Ahora es una obra de culto, aunque los remontajes y nuevas versiones por parte de su director, al que podríamos considerar el inventor del término Director´s cut, empiezan a cansar un poco. Personalmente prefiero la primera versión de todas, en la que se oye una voz en off, grabada con muy pocas ganas por Harrison Ford, que se llevó a matar con Scott durante el rodaje. Esa versión se acerca más al cine negro de antaño. Años más tarde la suprimió, y añadió una escena, que en contra de lo que muchos creen, sí rodó para la película (nada de extraerlo de ‘Legend’) y el cambio fue mayúsculo, igual de impresionante. Momento a recordar: Evidentemente el del vídeo.

• ‘Planeta prohibido’ (‘Forbidden Planet’, 1956)

Basada libremente en La tempestad de William Shakespeare, todo un canto a la imaginación, lleno de aventuras, e incluso suspense. Anna Francis revolucionó a medio mundo por sus vestidos un tanto recortados para la época. Y podemos ver a una jovencísimo Leslie Nielsen en un papel serio. También supuso la primera aparición cinematográfica de un personaje de lo más carismático, Bobby el robot, que se adueña de la función enseguida. Momento a recordar: Cuando se descubre la identidad de la amenaza invisible.

• ‘Metrópolis’ (1927)

A pesar de que toda la etapa muda de Fritz Lang es absolutamente indispensable para cualquier cinéfilo ‘Metrópolis’ es sin lugar a dudas su obra más importante. Recientemente se ha encontrado metraje inédito de la película, una media hora más o menos, que será añadida a lo ya visto, a todas luces, uno de los mejores trabajos jamás realizados. En el año 2026, el hijo del propietario de una gran ciudad se enamora de María, líder de los esclavizados que trabajan en subsuelo de la urbe, y que pronto se rebelarán. A destacar la aparición de un robot femenino que sirvió de inspiración a Lucas para su C3PO. Momento a recordar: La creación del robot.

• ‘Proyecto Brainstorm’ (‘Brainstorm’, 1983)

Última película protagonizada por Natalie Wood, que falleció antes de finalizar el rodaje. Guión de Bruce Joel Rubin, ya por aquel entonces obsesionado por la vida del más allá. Douglas Trumbull realizó una joya del género, su segunda película como director tras la también inolvidable ‘Naves misteriosas’, aunque él siempre será recordado por su contribución al campo de los efectos visuales. La película influyó poderosamente en un título posterior algo más conocido: ‘Días extraños’. Momentos a recordar: Toda la parte final, llena de belleza, y musicalizada por un inspirado y primerizo James Horner.

• ‘Ultimátum a la Tierra’ (‘The Day that the Earth Stood Still’, 1951)

Todo un clásico del que pronto nos llegará un remake con Keanu Reeves a la cabeza. Robert Wise realizó una de sus mejores películas, que aprovecha la Guerra Fría para lanzar una advertencia a la humanidad sobre el indiscriminado uso de la energía atómica, todo ello en boca de un pacífico extraterrestre, algo inaudito porque por aquel entonces en las películas, los extraterrestres eran representados como seres malignos. Memorable banda sonora de Bernard Herrmann y sobre todo Klaatu. Momento a recordar: La advertencia final.

• ‘Encuentros en la tercera fase’ (‘Close Encounters of the Third Kind’, 1977)

El segundo gran éxito de Steven Spielberg, el mismo año que su amigo Lucas estrenaba esa película que ya todos sabéis. Una historia adulta sobre el encuentro entre el ser humano y seres de otros planetas, éstos con una forma muy similar a la del siguiente extraterrestre en la filmografía del Rey Midas. Richard Dreyfuss repite con tito Steven, y hace acto de presencia nada más y nada menos que François Truffaut, quien se quedó totalmente impresionado y estresado por la forma de trabajar en los USA. Momento a recordar: Cuando terrestres y extraterrestres se comunican con una melodía ya mítica.

• ‘Sucesos en la IV Fase’ (‘Phase IV’, 1974)

La única película que dirigió Saul Bass, conocido en el mundo del cine por sus títulos de crédito, habiendo colaborado con gente tan importante como Alfred Hitchcock u Otto Preminger, entre otros. La historia explica y demuestra como las hormigas serían las dueñas del mundo si estuvieran en igualdad de condiciones intelectuales con el ser humano. Planteada como un documental, aterra por lo convincente y realista que resulta, y merece especial mención el trabajo realizado con los insectos (nada de efectos visuales). Momento a recordar: Cualquiera en el que sale una hormiga.

• ‘El planeta de los simios’ (‘Planet of the Apes’, 1968)

Otra obra cumbre de la ciencia ficción, sin duda la mejor película del casi siempre aburrido Franklin J. Schaffner. Ejemplar muestra de cómo hacer creíble una historia prácticamente increíble, dotándola de unas dosis de espectacularidad que nada dañan el conjunto. Dio lugar a una saga, que fue decreciendo en interés, y también a una serie de televisión. Pocas veces el futuro del hombre fue tan desolador, y poca veces el mensaje llegó con tanta fuerza. Momento a recordar: ¿De verdad tengo que decirlo?

• ‘Alien’ (1979)

Doblete de Ridley Scott en la lista con la película que le dio fama mundial. Una claustrofóbica historia que presenta por primera vez a una mujer como heroína en este tipo de películas. Siete tripulantes de una nave espacial deberán enfrentarse a un visitante no deseado, en una historia llena de referencias clásicas tanto al cine (‘Queen of Blood’ de Curtis Harrington) como a la literatura (‘La línea de sombra’ de Joseph Conrad) y que fascina sobre todo por su perfecto acabado técnico. Momento a recordar: Sigourney Weaver quedándose en ropa interior en el aterrador clímax final.

• Mención especial a James Cameron por tres obras magistrales: ‘Terminator’, ‘Aliens’ y ‘Abyss’

Con lo que es imposible realizar una lista de sólo diez títulos, aunque más difícil me ha resultado la siguiente que publicaré próximamente.

Hace Hernán Casciari una doble crítica hacia las televisiones tomando como punto de partida el momento de auge que está viviendo el universo de los cortometrajes en España. No entiende que las televisiones pasen de emitir estas peliculas por televisión, salvo por honrosas excepciones, y cree que sería una excelente cantera para elevar el nivel de algunas series de ficción española. A este segundo punto le responde Pianista en un burdel, indicando que el problema se debe más a una cuestión de despacho y confianza, que a falta de ganas por llevar productos diferentes a la pequeña pantalla (incluso publica algunos de los grandes cortometrajes españoles recientes). Es en los despachos donde se decide la programación, y es evidente que no les resulta interesante programarlos (sería mejor decir que no saben que hacer con ellos).

Yo en cambio difiero en el canal en el que se deberían ver los cortometrajes. No creo que sea la televisión quien deba apostar por ellos para la parrilla, partiendo de la base que siempre han sido usados, de manera puntual, como un contenedor con el que cubrir los huecos dejados por la rápidez de una retransmisión en directo. No se comprende, que el interés que puede tener ver cinco cortometrajes seguidos con planteamientos e historias muy diferente es inexistente, a nivel de público en general. Si ya cuesta entrar en una única aventura, imaginar varias, y el mismo pensamiento para las salas de cine y sus maratones de cortometrajes. Habrá uno que te guste demasiado, otro nada, y otro que te deje indiferente. O que ninguno de ellos aporte lo suficiente como para analizarlo, que tanta variedad incomode, y no sea más que una manera de sacar adelante un producto que por sí sólo no se podría lograr.

Creo que el canal adecuado para estas obras, y el que ha permitido el boom hacia el cortometraje en España, es Internet. Allí ha sido donde se ha tenido la posibilidad de tener acceso a estas pequeñas películas, donde uno no se ve obligado a montar un maratón, y puede decidir qué ver (incluso varias obras del mismo autor para ver evolucionar su estilo). Eso en la televisión es imposible, nunca se sabe la hora de emisión, y además no hay manera de que a uno le cuadren obras de una misma dinámica. Cada película requiere de un tiempo de aceptación. Exactamente igual que su hermano mayor. Y éste lo máximo a lo que se aventuró fue a una sesión doble.

Además, como reconoce el propio Carlos Lascano, el poder de Internet es tan grande, que de no existir, muchos de los trabajos de jóvenes cineastas serían ignorados, y sus carreras se verían truncadas. Con Internet el espectador hace su selección, y decide cuando lo vé. Algunas veces con comentarios que enriquecen la obra o te descubren cosas que nos ha podido apreciar. Sin esto último, pocos hubieran conocido la obra de Carlos Lascano, fuera del círculo de entendidos, y mucho menos ponerlo en el mapa para disfrutar su trabajo. ¿La televisión lo acerca al público? Si eso ocurriese de verdad, seguramente las salas se atreverían a poner en cada pase de una película un cortometraje. Y lo raro, es que luego, en el lanzamiento de la película en DVD, a veces lo meten como contenido extra, como fue el caso de ‘Alumbramiento’ (fotografía superior) junto a ‘4 meses, 3 semanas y 2 días’. Mientras, la única opción válida es donde están los aficionados que demandan ese trabajo. Hoy es Internet, y no parece que vaya a cambiar.

Nota: Como alguien lo comentó en otra entrada anterior, y a modo de regalo, a continuación os subimos otro de los cortometrajes de Carlos Lascano, a quien gracias a Internet muchos habéis descubierto.

La leyenda del Espantapájaros

En blogdecine | ‘A short love story in Stop Motion’, belleza infinita en dosis perfecta

Imagino que la siguiente frase para muchos de vosotros será bien conocida: “Me ha parecido un poco lenta, pero está bien”. Yo la escuché de nuevo el sábado, en la taquilla de un cine, ante la pregunta de un espectador a la taquillera, y ciertamente me asombré ante la sinceridad de la respuesta. Desconozco a que película se refería, pero apuesto que era ‘El tren de las 3:10’, a todas luces de lo mejor en cartelera, por la sensación que uno tiene al escuchar esa frase a la gente en referencia a una película. Y la cuestión es: ¿qué es una película lenta?

Para llenar mi curiosidad, busqué en google el resultado, y ésta fue la respuesta que encontré. Se refiere al metraje, a que no haya tiros y acción a raudales, a que el espectador no consiga entrar en la historia, a que sea aburrida (que en general tiende a ser el caso), a que la percepción de cine sea diferente a la de cualquier otro espectador… La contradicción que encierra la frase, con las palabras “lenta” y “está bien”, ha estado dando vueltas en mi cabeza. ¿Qué queremos decir con es lenta? ¿Cuando una película es lenta?

Una película entretiene, aburre o te deja indiferente, ¿el ser lenta implica una de las dos últimas cosas? Desde que me aficioné a ver cine, nunca he entendido la relación tiempo con velocidad, porque para mí el cine es una experiencia, y ésta, en el peor de los casos, puede llegar a ser una pérdida de tiempo. ¿Por qué la película es lenta o por qué era mala? El cine son gustos diferentes y criterios que sigues o no. ¿Era la opinión de la taquillera relevante? ¿Qué películas son para ella lentas? ¿Qué cine le gusta?

Pongo el siguiente ejemplo, que tiene relación con la fotografía de los Coen que encabeza esta entrada (también podría haber puesto una de Woody Allen, pero ‘Vicky Crisitina Barcelona’, no es lenta, es aburrida para lo que se espera del genio neoyorquino). Encontré la siguiente reflexión sobre la filmografía de los Coen, y además de alucinar con los comentarios, la palabra lenta aparecería asociada a aburrimiento en ‘Muerte entre las flores’, cuando es una obra grandiosa, se indica que ‘Fargo’ es su cuarta mejor película, engrandeciendo ‘El gran Lebowsky’, con razón, pero su última gran obra hasta ‘No es país para viejos’. Para quien realiza el análisis, las relación lenta – aburrimiento difiere de la mía, y donde sólo salvo cuatro obras, él salva más, quizás porque mi nivel de exigencia hacia los Coen es elevado desde que dirigieron una obra del calibre de ‘Muerte entre las flores’.

Lo que es lentitud, para mí es goce, y viceversa. En el fondo, todo se resume a algo tan sencillo como entretenimiento. Pero decir lento por aburrido, me parece un eufemismo muy grande, y algo que deberíamos abandonar al referirnos a una película, principalmente porque no ayuda a sacar conclusiones.

En blogdecine | Engañado por la publicidad (II): Humor existencial

Me preguntan sobre eso todo el tiempo, así que no es algo que haya olvidado. El otro día me lo planteé sinceramente, ¿debería hacer ‘Unbreakable 2’?

Desde que se estrenó ‘El Sexto Sentido’, las películas de M. Night Shyamalan han dividido al público y a la crítica. Con las dos últimas, ‘La Joven del Agua’ y ‘El Incidente’, no hizo más que acentuar esa tendencia, perdiendo defensores por un lado y ganándolos por otro, pero no convenciendo tanto, en general, como con la película del niño que veía muertos.

Probablemente, la siguiente película que hizo, ‘El Protegido’, sea también la siguiente en aceptación general. En mi opinión, es su mejor película y también de las cinco mejores que se han hecho nunca sobre la figura de un ser sobrehumano que descubre sus poderes y decide hacer el bien. En principio, la idea de Shyamalan era filmar dos más y componer una trilogía. Sin embargo, ‘Unbreakable’ no hizo una buena taquilla y la crítica tampoco la ayudó mucho, quedando enterrado su ambicioso proyecto.

Pero la película está ahí, mejora con el tiempo y va ganando adeptos, lo que unido al auge del cine de superhéroes y de comics, y que no ha convencido del todo con sus dos últimas obras, están provocando que se le cuestione cada vez más sobre ‘El Protegido 2’.

A todo esto, Samuel L. Jackson, uno de los protagonistas de la película, ha dicho recientemente que le encantaría trabajar en esa continuación, y que cada vez que se encuentra con Shayamlan hablan sobre ello. Lo cual no es de extrañar, ya que el personaje de Elijah Price es una de las mejores interpretaciones del popular actor. Jackson comparó el caso de ‘El Protegido’ con el de ‘Jackie Brown’, que al no ser ‘Pulp Fiction 2’ decepcionó a mucha gente. Bastante razón tiene, pero yo no lo veo casos similares, puesto que mientras que Shyamalan se superó, Tarantino no, hizo una buena película, pero inferior a la que le dio fama y prestigio (repito, es como yo lo veo).

Volviendo a Shyamalan, es interesante comprobar lo arrepentido que parece estar por no haber continuado la historia centrada en David Dunn (Bruce Willis). “Si hubiera tenido más confianza, y hubiera dicho “creo en esa película, amo esa película, y simplemente debo empezar a escribir la segunda”, habría sido el paso correcto. Todavía estoy pensando mucho en eso y preguntándome si es demasiado tarde”. ¿Demasiado tarde? ¡No! Con todas las películas de superhéroes y basadas en comics que se hacen ahora… ¡no es tarde!

Jackson también ha revelado que él y Shyamalan llegaron a sentarse y charlar sobre el argumento que podría tener ‘El Protegido 2’. Según parece, la idea inicial era que el personaje de Jackson escapara de la institución mental donde estaría encerrado y empezara a hacer todo ese tipo de cosas que debe hacer un gran villano (cumplir con su objetivo en la vida, como señaló en el primer film). Por supuesto, el héroe que encarna Willis tendría que perseguirle, envuelto en el oscuro chubasquero.

Ojalá toda esta moda de volver a hablar de superhéroes, unida a las declaraciones de Samuel L. Jackson y M. Night Shyamalan, sean las señales de que pronto veremos una continuación de ‘El Protegido’. ¿Creéis que Bruce Willis no estará también interesado? Y, ¿tanto apoyo económico (contando con que las dos estrellas bajaran su sueldo) le hace falta a este director para levantar la secuela? O quizá la pregunta es… ¿queréis ver ‘El Protegido 2’?

Pd: Por cosas como ésta, In Shyamalan We Trust…

Lo siento, pero me gusta mi nombre falso, está grabado en un Oscar. Y el vuestro no.

Palabras de Diablo Cody en su blog personal, en respuesta a, según parece, las personas que la odian y se lo hacen saber demasiado a menudo. ¿Por qué? Y no menos importante… ¿para qué?

El Oscar al que se refiere, como sabéis, es el que ganó este año, por su trabajo para ‘Juno’, uno de los éxitos más sorprendentes del curso pasado; en mi opinión, un título algo sobrevalorado, aunque desde luego mejor que ‘Michael Clayton’, otra de las más nominadas de la floja pasada edición.

Es curioso lo que provoca a veces Internet. La proximidad que permite, el mayor contacto entre las personas, aunque sea a través de herramientas tan frías e inhumanas, se malinterpreta de una forma extraña. No escasean los que creen que tienen derecho a intentar hacer daño a otros, a insultarlos, menospreciarlos y atacarlos, con saña y crueldad, continuadamente, desde su cómodo teclado y su seguro hogar.

No pretendo justificar la respuesta de Cody, ni tampoco defender su talento, sólo plantearos el tema porque me gustaría conocer vuestra sincera opinión al respecto.

¿Por qué hay tanto odio en Internet?

Pd: Creo que fue Bob Dylan quien dijo: “Que te guste mi música no significa que yo te deba nada”.

Vía | Worstpreviews

El próximo viernes llega a los cines españoles la nueva y esperada obra de Woody Allen, fiel a su envidiable ritmo de estreno por año. ‘Vicky Cristina Barcelona’ es el título de su última película, rodada, como sabéis de sobra en nuestro país, y protagonizada por Scarlett Johansson, Javier Bardem y Penélope Cruz. A punto de alcanzar la fecha señalada del 19 de septiembre, me ha parecido un buen momento para repasar la filmografía del director neoyorquino, en busca de sus mejores películas.

Calificado de genio en numerosas ocasiones, Woody Allen es a sus 72 años uno de los cineastas más particulares y prestigiosos del planeta. Si bien su faceta cómica es la que más le caracteriza, la que se le suele asociar, tanto por los inicios de su carrera, cuando se hizo popular, como por el gran sentido del humor del que siempre hace gala en persona (sólo comparable a su humildad), hay que destacar que ha demostrado que maneja el drama, por lo menos, con la misma facilidad y maestría. Lo que ha llevado a provocar que parte de la crítica se sienta decepcionada si el realizador vuelve a intentar hacer reír al público. ¿Acaso perdió Woody Allen la gracia de antaño? ¿O es que la comedia, simplemente, no se valora lo suficiente? Por otro lado, si algo caracteriza a este autor, en mi opinión, es su habilidad para plasmar los altibajos de la vida, para mezclar la tristeza con la alegría, los problemas serios con las sanas risas.

Antes de dar paso a la lista, que ya imagino que es lo que primero que habéis mirado, me gustaría subrayar algo que ya debéis saber si habéis seguido mínimanente lo que escribo: adoro la obra de Woody Allen. Descubrí sus películas gracias a mis padres, y desde el principio me gustó, me parecía original, divertido, inteligente. Tardé un poco en atreverme con los dramas, especialmente ésos en los que su pasión por Ingmar Bergman es más notoria, pero fue uno de esos problemillas que se solucionan con la edad (los dos cumplimos años el mismo día, casualidad que me encanta recordar, especialmente para tapar que también es el día mundial del sida). Por otro lado, ‘Cuentos sin plumas’, donde se recopilan artículos y relatos cortos de Allen, es desde hace años mi libro de cabecera; acudo a él a menudo para recuperar la sonrisa, aparte de que ya lo he leído entero en varias ocasiones.

Y ya creo que está todo. Tenemos la excusa, una breve introducción y un plomizo párrafo personal. Sí, está todo. Vamos a lo realmente complicado. La lista. A continuación, en orden cronológico, las cinco mejores películas de Woody Allen:

• ‘Annie Hall’ (1977)

Para mí, y seguro que para mucha gente más, la mejor película de Woody Allen, y el motivo por el cual debería haber una ley que le permitiera obtener siempre financiación para poder hacer el cine que le diera la gana. Una maravillosa historia de amor y desamor que se llevó nada menos que 4 Oscars, arruinando la noche a, entre otras, ‘La Guerra de las Galaxias’. En concreto, se llevó las estatuillas de mejor película, director (el único que tiene Allen en esta categoría), actriz y guión original (posteriormente ganó otro por el de ‘Hanna y sus Hermanas’). Destacar el trabajo de Diane Keaton, espléndida (¿haciendo de sí misma?), compenetrada a la perfección con Allen, su pareja por aquel entonces, quien logra con este film un envidiable equilibro entre comedia y drama. Momento para el recuerdo: Hay tantos… aunque el monólogo inicial es genial, con los dos chistes más importantes de la vida del protagonista, me decido por la secuencia de la cola del cine, no sé cuántas veces la he visto ya y siempre consigue que me parta de risa.

• ‘Manhattan’ (1979)

La favorita de los que no piensan que ‘Annie Hall’ sea tan buena. Desde luego, ‘Manhattan’ me parece otra de las indiscutibles obras maestras de Allen, con escenas memorables (la famosa del puente). Es volver a su gran tema, las complicaciones que pueden surgir en las relaciones de pareja, a través de esa mezcla de drama y comedia que tan bien domina, pero sobre todo es una declaración de amor a su ciudad, a su querida New York, marcándola para siempre; no creo que haya otro cineasta que haya logrado que deseemos tanto pasear por sus calles. Destacar, por otro lado, cómo parte de la trama de esta película parece un profético adelanto de lo que, años más tarde, ocurriría realmente entre Mia Farrow y Woody Allen. Momento para el recuerdo: La secuencia inicial, con la voz en off del protagonista y Nueva York en blanco y negro, al son de ‘Rhapsody in Blue’...

• ‘La Rosa Púrpura del Cairo’ (1985)

El mayor homenaje de Woody Allen a su amado cine y al poderoso valor que éste puede tener en nuestras vidas. Es la fantástica historia de una mujer solitaria y amargada, que encuentra el verdadero amor en el protagonista de una película, quien a su vez se fija en ella y traspasa la pantalla, rompiendo los límites de la ficción y la realidad; ofreciendo al cineasta todo un abanico de posibilidades que aprovecha al máximo con un guión impecable. Mia Farrow y Jeff Daniels (nunca tan acertado como aquí) forman una excelente pareja que vive situaciones tan memorables como la del beso sin posterior fundido en negro. Momento para el recuerdo: La escena en la que se traspasan los límites de la pantalla es antológica, pero no tanto como el final, con el ‘Cheek to Cheek’, pasando de las lágrimas a las risas gracias, cómo no, a la magia del séptimo arte.

‘Delitos y faltas’ (1989)

Posiblemente, la mejor muestra de lo que comentaba antes, la facilidad de Woody Allen para jugar con los géneros, mostrando en una misma película multitud de situaciones de muy diverso tipo, siendo el reflejo de la propia vida (siempre me emociona el discurso final, en off, del viejecillo suicida). La posibilidad de cometer un crimen, sus consecuencias y los dilemas que se plantean los protagonistas tendrán una continuación similar en las posteriores ‘Match Point’ y ‘Cassandra´s Dream’, en las que apenas hay margen para alguna sonrisa. Como de costumbre, Allen logra el máximo rendimiento de los actores que tiene a su disposición, destacando especialmente el poderoso trabajo de Martin Landau. Momento para el recuerdo: Personalmente, me quedo con uno cómico, cuando se nos muestra el desternillante documental que el director que interpreta Allen ha realizado sobre el irritante personaje de Alan Alda.

• ‘Cassandra´s Dream’ (2007)

Pasamos por alto la década de los 90, y nos plantamos en la actual, con el que probablemente sea el título más discutible, no lo niego, de esta lista, cuya confección, por cierto, resulta casi una tortura psicológica para un fan de Woody Allen, os lo aseguro. Tras meditarlo mucho, y descartar en última instancia obras como ‘Balas sobre Broadway’ (aún no sé por qué la he dejado fuera), me di cuenta de que ‘El Sueño de Cassandra’ tenía que estar entre las cinco mejores. ¿He pecado de grave subjetividad radical? ¿Eso existe? Bueno, siendo así, me declaro culpable. Me rindo ante esta bellísima y emocionante tragedia que me dejó pegado a la butaca, con el cuerpo en tensión y el corazón queriendo abandonar la sala por miedo a explotar. Momento para el recuerdo: La escena final, el precio del ambicioso sueño.

• En Blogdecine:

Ordena de peor a mejor las películas de Woody Allen

Hace un momento os hablaba de ‘El Árbol de la Vida’ y ahora le toca el turno al director de ‘La Fuente de la Vida’. El nombre de Darren Aronofsky, cineasta de culto donde los haya, se ha podido leer mucho últimamente gracias a que se llevó el Leon de Oro en el festival de Venecia por su última película, ‘The Wrestler’, aunque muchos apuntaban que el premiado debería haber sido el actor protagonista, Mickey Rourke.

Aprovechando este éxito, Aronofsky ha hablado de sus próximos proyectos, mostrándose especialmente entusiasmado por el de ‘Noah´s Ark’ (‘El Arca de Noé’). Sobre este título ha dicho lo siguiente: “Es un extraordinario guión y es ENORME. Es el fin del mundo y es el segundo barco más famoso después del Titanic. No se me ocurre ninguna razón por la que cualquier estudio no querría hacerla”. Bueno, a mí se me ocurren varias, más aún si la película va a necesitar un gran presupuesto.

Pero dejemos que el cineaste se explique un poco más: “Creo que es muy actual porque va sobre el apocalipsis medioambiental, que es el gran tema ahora mismo, para mí, por lo que está ocurriendo en este planeta. [...] Noah (Noé) fue el primer ecologista. Es un personaje realmente interesante. Con un poco de suerte, me dejarán hacer la película”.

Oh, bueno, la esperanza debería ser lo último que se pierde… Ya me imagino a Darren Aronofsky intentando vender su idea y lo fascinante que resultaría todo, mientras los ejecutivos empiezan a dibujar en su cabeza una disparatada comedia veraniega en la que Robin Williams o Adam Sandler hablarían con un montón de animales digitales a los que pondrían voces famosos actores como Jack Black o Mike Myers… No sé, quizá el premio en Venecia ha podido provocarle un ligero desajuste en la graduación de las gafas, ¿ya se le ha olvidado todo lo que tuvo que pasar para que su ‘The Fountain’ viera la luz? ¿Y que sólo la disfrutamos una pequeñísima parte del público que decidió verla?

En cuanto al “gran tema”, está de moda, desde luego, demasiado diría yo. Tanto que no hay marca que no se esté aprovechando de ello, transformando sus ansias de beneficio en decidida defensa de la naturaleza. No me extrañaría que cualquier día empiecen a surgir plataformas de apoyo a la destrucción del planeta, sólo por evitar que nos sigan atormentando con la protección del medio ambiente. Y no he olvidado que ‘El Incidente’ obtuvo una buena recaudación, pero sobre todo recuerdo que me pareció la peor película de M. Night Shyamalan… Esperemos que Aronofsky tenga más fortuna con este proyecto.

Por último, recordar que lo más inmediato que tiene por rodar es ‘The Fighter’, con Brad Pitt y Mark Wahlberg, y que parece casi confirmado que luego se encargará del proyecto de ‘RoboCop’. Ya veremos qué ocurre con Noé y su famosa arca.

Posdata: ¿Quién pensáis que es más afortunado, Darren Aronofsky o Paul Bettany?

Ya que hoy se ha estrenado la simpática ‘Wanted’, es un buen momento para hacer una de esas listas que tanto nos gustan a todos, pero que nunca valen para nada. Entendamos por cine de acción ese tipo de films que a partir de la década de los 80, empezaron a poblar las carteleras de todo el mundo ofreciendo espectáculo a raudales con escenas de acción cada vez más imposibles hasta llegar a sobrepasar los límites de lo verosímil, tal y como ocurre en la cinta protagonizada por Angelina Jolie (aunque ella no es la verdadera reina de la función, pero de eso ya hablaremos más adelante).

Así pues, paso por alto muchos títulos de la década de los 70, estilo ‘Harry el sucio’ o ‘French Connection’ que más bien entrarían dentro del género del thriller, en el que también entrarían películas como ‘Heat’ (con una impresionante secuencia de acción que ha hecho historia), o películas como ‘Negociador’, en las que más bien existen una acción interna no física, sino más bien emocional (por cierto, hay que reivindicar el film de F. Gary Gray pero YA). También evito otro tipo de películas como la saga Mad Max o Matrix, ambas con innovadoras secuencias de acción, pero que entrarían mejor en un pack de películas de Sci-Fi o aventuras.

A continuación, las diez mejores muestras de un tipo de cine, mil veces menospreciado injustamente. Pasen y gocen:

• ‘Arma Letal’ (‘Lethal Weapon’, 1987)

Todo un boom en su momento, bebiendo de fuentes como ‘Harry el sucio’ (de la que beben infinidad de films policíacos) y ‘Límite: 48 horas’, terminó de asentar las bases de las buddy movies. Mel Gibson y Danny Glover formaron una pareja irrepetible que llegó a trascender los límites de un saga que poco a poco se fue desinflando (a pesar de lo simpático de su cuarta entrega), llegando a hacer un chiste sobre la misma en la lamentable ‘Maverick’, curiosamente del mismo realizador que ésta, Richard Donner, que sabe perfectamente lo que es una buena película de entretenimiento. Escenas violentas como Dios manda (antes de que Hollywood cayese en el conservadurismo y puritanismo más insultante), y aunque tiene fallos como el hecho de Gibson corra más que un coche, es una gozada en todos los aspectos de principio a fin.

• ‘Jungla de cristal’ (‘Die Hard’, 1988)

La primera película de acción que hizo que algunos críticos empezaran a tomarse el subgénero en serio. Comandada por el eficaz John McTiernan, que le daría clases al 90% de los realizadores de hoy día en cuanto a rodar secuencias de acción de cualquier tipo, está protagonizada por un Bruce Willis recién salido de la inolvidable ‘Luz de luna’, y su pelo, en la piel de un personaje que se haría prácticamente inmortal. Alan Rickman dio vida a uno de los mejores villanos del cine de las últimas décadas. Prodigio de ritmo y planificación, aún no ha sido superada. Repito: aún no ha sido superada. Y la saga no empeora tanto como otras.

• ‘La roca’ (‘The Rock’, 1996)

Probablemente la mejor película de Michael Bay, o al menos la que mejor resiste el paso del tiempo (si miramos otras nos puede dar algo), y producida, como no, por el destroza cine Jerry Bruckheimer. Un enérgico Sean Connery y un aguantable Nicolas Cage formarán un equipo apara adentrarse en la que fue una de las prisiones más seguras del mundo, y dar caza a Ed Harris, al que se le ha ido la chota y tiene un montón de rehenes a su merced. Con escenas inolvidables, como la del enfrentamiento en los baños, y a pesar de contener una persecución de coches de lo más confusa, sigue erigiéndose como una de las mejores muestras de este tipo de películas en los últimos años.

• ‘Traición sin límite’ (‘Extreme Prejudice’, 1987)

Los inefables Mario Kassar y Andrew G. Vajna llegaron a producir alguna cosa más que interesante, y una de ellas fue esta gozada dirigida por el gran, y olvidado, Walter Hill, cuya filmografía está llena de buenos films de acción como ‘Driver’ o ‘Los amos de la noche’. Nick Nolte es un marshall que deberán enfrentarse a un grupo de veteranos de guerra con malas pulgas. Toda una demostración de ritmo, con un crescendo muy conseguido, que tiene su explosión, nunca mejor dicho, en su media hora final, todo un canto de amor a ‘Grupo salvaje’.

• ‘Le llaman Bodhi’ (‘Point Break’, 1991)

“¿Hay algo de malo en morir haciendo lo que uno ama?”. Ésa es la frase que resume toda la filosofía de Bodhi, personaje a cargo de un no demasiado molesto Patrick Swayze, antagonista de un inexpresivo Keanu Reeves, pero que juntos forman una pareja perfecta para otra muestra más del buen hacer de Kathryn Bigelow, directora que no se prodiga tanto como a algunos nos gustaría. Con escenas que cortan la respiración, como un asalto a un banco, una persecución a pie o el salto de un avión sin paracaídas, es toda una liberación de adrenalina, perfectamente adornada por la música de Mark Isham. Extraordinarias secuencias en el mar.

• ‘El último boy scout’ (‘The Last Boy Scout’, 1991)

“Si me tocas, te mato”. ¿Quién no recuerda esa sorprendente y atrevida secuencia (cuidado, hay una edición en dvd en nuestro país que no contiene dicha secuencia). Una de las mejores películas de Tony Scott, que lo mismo te hace un film tan divertido como éste, como te puede firmar churros del tamaño de ‘Fanático’ o ‘Top Gun’. Bruce Willis seguía demostrando que era el mejor para el cine de acción, y su carisma traspasaba la pantalla. En su momento el guión fue el mejor pagado de toda la historia del cine, algo realmente sorprendente, y desbancó a ‘El sargento de hierro’ del libro Guinness de los récords como la película con más tacos de todos los tiempos.

• ‘Mentiras arriesgadas’ (‘True Lies’, 1994)

Ahí os dejo la mejor escena de “acción” de esta película del tándem Cameron-Schwarzenegger, demostrando que rodando juntos se lo pasaban de miedo. Excesiva, en el buen sentido del término, en todos los aspectos, es una especie de parodia, y también un remake de un film francés, de las películas de acción y de espionaje estilo James Bond. Requiere de la complicidad del espectador para muchas de sus secuencias, pero sus artífices son bien conscientes del tipo de cine que están realizando, dado el sentido del humor con el que es tratado todo el film. Durante años se habló de una secuela, pero nunca llegó a realizarse, ni creo que se haga. Da igual, con el recuerdo de Jamie Lee Curtis nos llega.

• ‘El ultimátum de Bourne’ (‘The Bourne Ultimatum’, 2007)

La mejor de una saga que recuperó una acción más física que espectacular, llegando a influir en otros modelos, como la saga Bond. Matt Damon es el rostro perfecto para Jason Bourne, un amnésico agente que lucha por descubrir quién es realmente, mientras nosotros descubrimos que es prácticamente invencible. Escenas espectaculares por doquier y muy bien filmadas, como por ejemplo las de la estación, la persecución por los tejados culminando en una pelea cuerpo a cuerpo atroz, o la persecución de coches final. Ganó tres merecidos Oscars técnicos. Se habla de que la saga seguirá, pero aún no hay noticias al respecto.

• ‘Ronin’ (1998)

Es más un thriller, pero sus impresionantes persecuciones hacen que merezca estar en esta lista. Dirigida por el veterano John Frankenheimer, quien realizó un buen puñado de thrillers en los 60 y 70, es toda una patada en los mismísimos a todos aquellos incapaces de rodar buenas secuencias de acción sin efectos visuales. Todas y cada una de las persecuciones son reales. Excelentes personajes y música. Influyó poderosamente en la saga Bourne.

• ‘Running Out of Time’ (‘Am zin’, 1999)

Y no podía faltar Johnnie To, el úncio que en la actulidad parece saber cómo hacer buen cine de acción. A pesar de que otras películas suyas gozan de un mayor prestigio, como es el caso de ‘The Mission’, ‘Election ’ ‘Breaking News’, yo me quedo con este maravilloso film en el que un policía con unas manías muy curiosas debe dar caza a un carismático criminal al que le falta un mes de vida. Andy Lau y Ching Wan Lau bordan sus papeles, y los momentos finales son de una emotividad pocas veces vista en películas de estas características, al menos en la occidentales, claro.

Mucho se viene rumoreando sobre la próxima película de Spider-Man. Y lo que falta. Recuerdo cuando, con el estreno de ‘Spider-Man 3’ muy cerca, todavía surgían rumores sobre la presencia y participación en la trama del personaje de Venom. Finalmente, muchos habríamos deseado que se lo hubieran guardado para otra entrega, porque vaya chapucilla hicieron con un villano como ése…

De todo lo que se ha venido hablando últimamente sobre ‘Spider-Man 4’, lo que más destacaba era que Sony estuviera pensando en renovar la plantilla, contratando a un nuevo director y a nuevos actores protagonistas. Incluso se rumoreó que no sería una cuarta parte, sino un nuevo relanzamiento del hombre araña. Pero no. Al final parece que lo más lógico se impone y las imaginativas posibilidades de los que odian ‘Spider-Man 3’ no se van a producir. Al menos, no próximamente.

Lo cierto es que Sony quería al mismo equipo al frente de ‘Spider-Man 4’, a fin de cuentas, la trilogía que hay hasta ahora ha sido un exitazo económico, y tras largas negociaciones parece que lo están logrando. Por el momento, según parece, el director Sam Raimi y el actor Tobey Maguire ya han dado el sí, por lo que hay que descartar que Peter Parker vaya a tener un nuevo rostro.

Personalmente, creo que Raimi debería dejar la saga tras el patinazo de ‘Spider-Man 3’, que aun siendo entretenida, es con diferencia la peor de las que ha hecho sobre el superhéroe de la Marvel. Y Maguire nunca me ha convencido del todo en el papel, me habría gustado ver a otro actor interpretando a Spider-Man. La que por el momento no ha firmado es Kirsten Dunst, Mary Jane en la ficción, otra que a algunos no nos importaría ver sustituida. Por lo visto, en Sony no buscan a nadie para reemplazarla, así que todo será cuestión de más tiempo y de más dinero. Si hubiera que sustituirla, ¿a quién intentaríais conseguir?

Todo este asunto, las dificultades para reunir de nuevo a los mismos nombres, ha provocado que ya se esté hablando de rodar no una, sino dos películas a la vez, para reducir costes y que no peligre la participación de nadie. La idea, al parecer, sería empezar el rodaje de ambas, ‘Spider-Man 4’ y ‘Spider-Man 5’, a partir del otoño de 2009. Recordemos que mayo de 2011 es la fecha que se estableció para el estreno de la cuarta parte, con guión de James Vanderbilt, uno de los responsables de que ‘Zodiac’ fuese tan rematadamente buena.

Por último, comentar un par de cosas que he leído sobre el tono que tendrá la próxima película y el nuevo villano que nos encontraremos en ella. Tras el apabullante éxito de ‘El Caballero Oscuro’ y el fallido intento de oscuridad que se le quiso dar a ‘Spider-Man 3’, la pregunta es si la próxima entrega del hombre araña seguiría por esa senda o no. La respuesta parece ser que no. Y esto es así porque se argumenta que mientras que Batman tiene una faceta oscura en su interior; Parker no, el traje oscuro fue algo ajeno a él, agua pasada, y lo suyo es el sacrificio, el darlo todo por los demás.

En cuanto al próximo villano de Spider-Man, lo que se da por cierto ahora mismo es que será alguien que ya hemos visto en al menos una película anterior. “En cuanto se sepa el villano, sabréis quién lo interpreta” es la frase, en teoría fiable y oficial, con la que contamos ahora mismo para volver a hablar sobre el tema. La apuesta más segura es que Dylan Baker dé un paso al frente y transforme su personaje del Dr. Curt Connors en un monstruoso lagarto. Ya veremos.

Hay películas que se ganan nuestra simpatía con sólo una escena. ‘Bajo el Peso de la Ley’ (del original ‘Down by Law’, o ‘Don Bailao’ como lo llaman algunos), película de Jim Jarmusch, es un decente título que cambia de género varias veces. Rodada en riguroso blanco y negro, cuenta las andanzas de tres presos cuyas historias se han contado en forma de tramas paralelas. Es curioso que la película sea más un repositorio de anécdotas que una trama lineal. Así, puede ocupar varios minutos las tonterías que hace uno de los personajes en la cárcel, o un diálogo dudosamente trascendente, que por ejemplo, los detalles de la fuga que se lleva a cabo.

Los protagonistas de la película, y de la escena que les presento, son Tom Waits, John Lurie y Roberto Benigni. Sí, Roberto Benigni, que ya era un actor conocido antes de ‘La vida es bella’, aunque muchos espectadores no le habían descubierto todavía. Están en la cárcel, jugando al póker, y de repente al personaje de Benigni, que habla con un marcadísimo acento italiano, se le ocurre, por asociación de ideas, el gran parecido fonético entre “scream” y “ice cream” (gritar y helado, respectivamente).

Entonces Benigni empieza a recitar, más que a cantar, una frase ingeniosa de forma obsesiva: “I scream, you scream, we all scream for ice cream” (“yo grito, tú gritas, todos gritamos por helado”). Su acento italiano hace que se incluya una “a” final detrás de scream y ice cream. Sus compañeros de celda al principio se quedan tan atónitos como el espectador, pero luego empiezan a imitarle, con una entonación asonante e hipnótica, y más tarde toda la cárcel empieza a cantar como una especie de cántico de rebelión.

Si esta película se hubiera hecho en la actualidad y no en 1986, seguramente sería una opción para los politonos de móviles, sería objeto de parodias en cine y televisión, y sería, en fin, parte de la cultura popular. Les parecerá simpático o abominable, pero todos se sorprenderán repitiendo mentalmente el soniquete durante horas. Por cierto, que Jarmusch ha filmado su última película, ‘The Limits of Control’, en Madrid, Almería y Sevilla.