La sección principal del Festival de Cine Fantástico y de Terror de Catalunya en Sitges es la Oficial Fantàstic, en la que se presentaban decenas de películas a competición, cuyo listado os adelanté al inicio de esta cuadragésimo cuarta edición. El jurado que ha decidido quiénes han sido los mejores en cada uno de los aspectos, estaba compuesto por J. A. Bayona, Quim Casas, Lisa Marie, Ryoo Seung-Wan y Richard Stanley.

En este apartado, la ganadora ha sido el debut en el género de suspense y acción de Kevin Smith ‘Red State’, que se ha llevado el premio a Mejor Película y también el de Mejor Actor para Michael Parks, a quien acompañan en el reparto Melissa Leo, John Goodman, Michael Angarano, Kyle Gallner, Nicholas Braun, Stephen Root, Kaylee DeFer, Anna Gunn y Kevin Pollak. ‘Red State’ cuenta como un grupo de jóvenes se encontrarán con un predicador enloquecido (inspirado en Fred Phelps, fundador de la Iglesia Bautista de Westboro) con el que conocerán un nuevo significado de lo que es ‘fundamentalismo extremo’.

Dentro de la misma sección, se ha considerado Mejor Director a Na Hong-jin por ‘The Yellow Sea’, que nos comentó Juan Luis Caviaro tras verla en Cannes. La Mejor Actriz ha sido Brit Marling por ‘Another Earth’. A ‘Attack the Block’, de Joe Cornish, sobre la que podéis leer una reseña aquí y sobre la que se rumorea que podría rodarse un remake norteamericano; se le ha concedido el Premio Especial del Jurado, el de Mejor Banda Sonora Original, el de Mejor Película, según el público –denominado gran premio del El Periódico de Catalunya–, y el Premio de la Crítica Jose Luis Guarner. ‘Hell’, Tim Fehlbaum, ha obtenido el de la mejor fotografía y el de guion ha recaído en ‘The Woman’, de Lucky Mckee. ‘Eva’, una de las más esperadas, se ha ido únicamente con el de los Mejores Efectos Especiales.

Resto del palmarés

Mejor Cortometraje dentro de la Sección Oficial Fantàstic

Ex aequo a Dirty Silverwear, de Steve Daniels, y ‘The Unliving’, de Hugo Lilja

Mejor Diseño de Producción dentro de la Sección Oficial Fantàstic

Marc Thiébault por ‘Livide’ (Alexandre Bustillo & Julian Maury)

Mejores Efectos de Maquillaje dentro de la Sección Oficial Fantàstic

Steven Kostanski por ‘The Divide’ (Xavier Gens)

OFICIAL FANTÀSTIC COMPETICIÓN ÒRBITA

Jurado compuesto por: Àlex Aguilera, Paco Cabezas, Manlio Gomarasca

Premio Especial del Jurado

‘Colour Bleed’, de Peter Szewczyk (cortometraje)

Mejor Película

‘Guilty of Romance’, de Sion Sono

CARNET JOVE

Jurado compuesto por: Eric Antonell, Gerard Fossas, Alberto Martin, Sergi Marí, David Vilaplana

Mejor Película

‘Bellflower’, de Evan Glodell

Mejor Película ‘MIDNIGHT X-TREME’

‘Detention’, de Joseph Kahn

NOVES VISIONS

Jurado compuesto por: Anaïs Emery, Javi Giner, Loris Omedes

Mejor Película

‘Night Fishing’, de PARKing CHANce (Park Chan-wook y Park Chan-kyong)

Diploma Película No Ficción

‘Knuckle’, de Ian Palmer

Diploma Película Discovery

Invasion of Alien Bikini, de Oh Young-doo

Diploma Película Dark Ficción

‘Kill me, please’, de Olias Barco

Diploma Millor Cortometraje

‘Coup de grace’, de Clara van Gool

Mención Especial

‘Underwater Love’, de Shinji Imaoka

CASA ÀSIA

Jurado compuesto por: Jordi Ojeda, Carles Santamaria, Pil Sung-Yim

Mejor Película

‘The Unjust’, de Ryoo Seung-wan

NOVA AUTORIA INSTITUTO BUÑUEL de la FUNDACIÓN AUTOR

Jurado compuesto por: Arnau Bataller, Sílvia Munt, Maria Ripoll

Mejor Dirección

‘La gota’, de Daniel Piera y Beatriz Escolar (Universitat Ramon Llull-Blanquerna).

Mejor Guion

Ex aequo a ‘Camille’, de Carme Puche (Universitat Oberta de Catalunya – UOC), y a ‘Exercici’, de Raúl Pérez (Bande à Part).

Mejor Música Original

‘Chroma’, de Juan Andrés González (Universitat Pompeu Fabra).

Mención Especial por el interés del trabajo documental a ‘Me llamo Peng’, de Jahel Guerra y Victoria Molina de Carranza (Universitat Autònoma de Barcelona – UAB).

Mención Especial por el interés del trabajo de animación a ‘Desde el averno’, de Raúl García, Núria Argemí, Mariona Consuegra, Saúl Darú, Maria Moreira, Clara Vallvé y Bernat Vilaseca (Escola d’Animació de Catalunya, 9 Zeros).

ANIMA’T – Premio Gertie

Jurado compuesto por: Jordi Ojeda, Carles Santamaria, Pil Sung-Yim

Mejor Largometraje de Animación

‘Tatsumi’, de Eric Khoo

Mejor Cortometraje de Animación

‘Dripped’, de Léo Verrier

Diploma al Mejor Largometraje Sitges Family

‘Leafie’, de Oh Sung-yoon

MÉLIÈS DE PLATA

Jurado compuesto por: Àlex Aguilera, Paco Cabezas, Manlio Gomarasca

Méliès d’Argent a la Mejor Película Europea

‘Kill List’, de Ben Wheatley

Mención Especial

‘Hell’, de Tim Fehlbaum

Mención Especial

‘Krokodyle’, de Stefano Bessoni

Méliès de Plata al Mejor Cortometraje Europeo

‘The Unliving’, de Hugo Lilja

Mención Especial

‘Magic Piano 3D’, de Martin Clapp

MÉLIÈS DE ORO

Méliès de Oro a la Mejor Película Europea

‘Balada Triste de Trompeta’, de Álex de la Iglesia

Méliès de Oro al Mejor Cortometraje

‘Suiker (Sugar)’, de Jeroen Annokkee

PREMIOS DE LA CRÍTICA

Jurado compuesto por: Desirée De Fez, Carlos Losilla, José Luis Losa

Premio Citizen Kane al director/a revelación

Ex aequo a ‘El páramo’, de Jaime Osorio, y ‘Trabalhar cansa’, de Juliana Rojas y Marco Dutra

BRIGADOON Paul Naschy

Jurado compuesto por: Adrián Cardona, Rafa Dengrà, Leticia Dolera

Mejor cortometraje

‘8’, de Raúl Cerezo

Vía | Página web oficial del Festival de Sitges.

La trama cuenta un relato desternillante cuyas complicaciones, insisto, no deben ser reveladas. Despertando resacoso tras una noche en la que no recuerda lo ocurrido, Julio (Julián Villagrán) descubre que el mayor de sus problemas no es que Julia (Michelle Jenner) tenga un novio, Carlos (Raul Cimas), sino que toda España ha sido víctima de una invasión alienígena, aunque los platillos parecen mantenerse estáticos e inexpresivos, solamente un decorado para la catástrofe (íntima) que se avecina cuando el obsesivo vecino, Ángel (Carlos Areces), entre en acción.

Tal vez este sea el mayor reto de la película, hacer olvidar otras propuestas en las que lo íntimo y lo grandioso se cruzaban por medio de una humorada difícilmente superable. Lo único extraterrestre en esta película es el amor, cuando no su propio protagonista, nómada existencial en clave hispana, esto es, resacoso de media tarde, existencialismo mediado por el ser de provincias. ¿Están Cobeaga y Vigalondo confiando en los finales más aparentemente felices para hacer uno de los diagnósticos más perturbadores sobre una juventud o una manera de resolver las cosas? Quizás. Tanto ‘No Controles’ (2011) como esta película comparten muchas cosas, aunque ninguna de las obvias, como el argumento y sus hechos principales.

Los que esperaran de Vigalondo un cineasta en permanente estado de gracia, ya fuera por aquél ’7.35’ (2004) que convirtió, en riguroso blanco y negro, el musical en una comedia sobre el amor como fuerza (literalmente) destructora o por su primera película no van a salir defraudados. Siendo una comedia felizmente dialogada, la lección de cine es soberbia. Durante dos actos, los espacios reducidos se convierten en una fiesta de la planificación, incluyendo un uso del montaje paralelo para contar algo que no es exactamente una digresión. Conocedor del cine de Siegel, Vigalondo usa un recurso expresivo para señalar la soledad del protagonista que los espectadores más atentos comentaran boquiabiertos. La planificación usa largos planos secuencia nada exuberantes: de hecho, las tomas más largas no son nada obvias, lo cual añade una vitalidad insólita al aspecto visual de la película.

Que Vigalondo haya dirigido sketchs para ‘Muchachada Nui’ señala afinidades que muchos de sus fans van a poder ver felizmente constatadas en el nudo de la película. Reuniendo a todos sus actores principales en un único espacio, los diálogos son difícilmente superables y las carcajadas interminables. La sorpresa es, por supuesto, Villagrán que carga con un personaje complicado, que debe resultar siempre tan inexpresivo como, en el fondo, aceptable. El resto del cast brilla con luz propia, con una estupenda Jenner dando vida a un objeto de deseo mucho más desconcertado de lo que pudiera parecer, y la pequeña aparición de un grandioso, icónico Miguel Noguera, destinado a engrandecer los listines telefónicos.

Enamorado de su propio carácter impredecible, el relato deja una imagen final memorable, en el fondo una versión bufa del plano final de la primera película de su director, y muchas dudas en el aire que convendrá debatir en el estreno. Lo que queda es una de las piezas más imaginativas de dirección y guión que he visto en mucho, mucho tiempo.

Mucho nos esperábamos del programa de proyecciones que se había anunciado para la 44ª edición del Festival de Cine Fantástico y de Terror de Catalunya en Sitges, pero parece que casi ninguno de los films se está manteniendo a la altura de lo anticipado, especialmente si nos centramos en las producciones españolas. Entre decepciones y reacciones de tremenda frialdad estamos encontrando casi todas las críticas a las cintas patrias que se han podido ver hasta la fecha.

Sabemos ya que Lars Von Trier ha decidido no conceder más entrevistas, conociéndose a sí mismo –como cantaban los ABBA–, porque una cosa es fomentar ese “que hablen de uno, aunque sea mal”, pero otra muy distinta son los odios y rechazos que se está granando el danés allá donde pisa. Con el tiempo, si la comunidad periodística consigue olvidarse de todo lo que dijo, se producirá la disociación, pero de momento, será difícil que las críticas aludan a su cine y no a su figura mediática y con eso en mente tenemos que tomarnos las que se pueden leer a continuación.

E. Rodríguez Marchante, para el diario ABC, dice que ‘Melancolía’ es “una cinta con ausencia absoluta de ilusión y de buen rollo. [...] su interés no se dirige hacia lo racional sino hacia lo irracional y emocional [...] ofrece un manojo de momentos y de imágenes irrepetibles”. En el mundo lo califican de un “Lars ladrador, poco mordedor” y apuntan que”‘Melancholia’ quiere ser, de nuevo, un ejercicio de vaciado pero le falta vértigo e incorrección.” En Cinemanía opinan que “‘Melancolía’ interesa sin necesidad de mutilar genitales, trascendiendo el fin del mundo con las habituales marcas de la casa von Trier“. En Aullidos son entusiastas, “una dirección increíble y, en general, un preciosismo absoluto se convierte en una de las películas del año”, aunque saben que “los enemigos de su cine (y de su persona) se encontrarán con una repetición aumentada de sus temas”. “El apocalipsis personal y colectivo que plasma Trier no me conmueve especialmente, pero durante más de dos horas me tiene en tensión, me introduce en la angustiosa trama”, concluye Boyero.

Sobre ‘Verbo’, de Eduardo Chapero-Jackson, en SciFi World, dicen que “una puesta en escena que no negaremos alcanza en ocasiones niveles impactantes”, pero luego añaden que produce “ vergüenza ajena por sus contenidos pseudofilosóficos del tres al cuarto, recitados con una grandilocuencia ridícula” y aseguran que “podría haberse llamado Verborrea”. No me inspiran expectativas mejores lo que explican desde La Información, aunque sean solo datos informativos: “Con la utilización de fragmentos del Quijote como si fueran las letras de un rap, Chapero-Jackson quiere transmitir una crítica velada a la educación actual”. En el 20 minutos conceden que se trata de una “Aventura de tintes fantásticos y que podría parecer de lo más convencional. Sin embargo, se convierte en una obra personal y fascinante. Imágenes muy trabajadas y fuertemente estilizadas [...] “. Carlos Pumares, desde La Razón no se anda con disimulos ni intentos de quedar bien: “Lo que ha creado es un engendro. El resultado final es insufrible, pedante, feo y monótono, por no hablar de la música con aire de sinfónica. Por mucho que se empeñe, el señor Chapero-Jackson no tiene ni idea de cine y de guión mucho menos.” Ana Rodríguez, en Diario del siglo XXI, tras darle varias de cal y alguna de arena, concluye que “Eduardo Chapero-Jackson ha apuntado alto, no cabe duda, y errado bajo, pero su film no deja de tener, entre sus muchos desconciertos, múltiples hallazgos de toda índole.”

En Blogdecine sobre Sitges 2011:

• ‘Eva’ es la película que inaugurará Sitges 2011

• Sitges 2011 | Programación del Festival Internacional de Cinema Fantástico de Catalunya.

• Crítica de ‘Attack the Block’, de Joe Cornish

• Crítica de ‘Intruders’, de Juan Carlos Fresnadillo.

• Sitges 2011 | Lo que la crítica ha dicho sobre ‘Eva’ y ‘Contagio’.

• Crítica a ‘Mientras duermes’, de Jaume Balagueró.

• Crítica de ‘Melancolía’

Vía | Diario del Siglo XXI, entre muchas otras publicaciones.

Desde que se inauguró el Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Catalunya o Festival de Sitges de este año, os hemos ofrecido las críticas de dos de las películas programadas para la cuadragésimo cuarta edición: ‘Attack the Block’, de Joe Cornish, e ‘Intruders’, de Juan Carlos Fresnadillo. Demos ahora un repaso a lo que ha opinado la crítica sobre el resto de los films presentados.

Sobre la película que inauguraba el festival, ‘Eva’, de Kike Maíllo, la reacción ha sido bastante tibia, especialmente si se tiene en cuenta que la cinta era de las más esperadas, aunque no ha habido declaraciones en contra. El Mundo ha dicho que “resulta [...] creíble, ajustado a una lógica futurista coherente y, lo más importante, muy atractiva.” Carlos Boyero, en El País, declaraba que “desprende una agradecible solidez [...] no hay balbuceos ni exhibicionismo [...] utiliza un lenguaje muy clásico que comunica con el espectador, que le implica”. En Sensacine opinan que “es una lástima que a media película la tensión dramática se tuerza hacia un soporífero triángulo amoroso”, añaden desde El Periódico, que “‘Eva’ es un melodrama en toda regla sobre la naturaleza del amor, envuelto en un manto de ciencia ficción”. En el blog de la revista Fotogramas, apuntan que “Puede que el principal problema de Eva sea su frialdad” y en el 20 minutos, concluyen que “puede que Eva no sea una película para llegar a entusiasmar [...], pero posee esa condición de rara avis dentro de nuestra cinematografía”. No es una razón esta que me llene de prisa por ver el film, que se estrenará el 28 de octubre, pero probablemente haya otros valores en la propuesta que han comparado con las creaciones de Philip K. Dick o Isaac Asimov.

‘Contagio’, de Steven Soderbergh, que se estrena en España esta semana, despierta algo más de interés. Desde El País, Carlos Boyero, dice que “Está llena de matices, desdeña el sensacionalismo y las trampas para enganchar a un público masivo. A mí me inquieta, me transmite la angustia y el miedo que sienten los personajes, me empapa esa atmósfera de desolación.” Luis Martínez, desde la competencia, El Mundo, asegura que “Soderbergh infecta la Mostra del mejor cine. [...] Es tan efectiva –sin concesiones– como la peste bubónica del pasado. [...] El terror se mastica en cada fotograma como algo perfectamente real.” En Las horas perdidas son menos entusiastas: “Correcta, potable, entretenida, y todos esos eufemismos que sirven para decir que mañana no te acordarás ni de cómo acababa”. Desde Fotogramas insisten en que “estamos por lo tanto ante el Soderbergh más frío, calculador y objetivo [...]. Parco en emociones pero muy exacto en sus movimientos, y asombrosamente honesto”, para evitar la confusión en quienes crean que pueden encontrar otro tipo de film. Es decir, que parece que, de nuevo, con el ‘Eva’, la ciencia ficción queda en segundo término.

Las reacciones ante ‘Essential Killing’, ya las reseñamos aquí. Sobre ‘Mientras duermes’, informaremos más adelante. El resto de las películas proyectadas hasta hoy se puede consultar aquí.

Vía | Página del Festival y diversas publicaciones periódicas.

Se ha proyectado en el Festival de Sitges la cinta británica ‘Attack the Block’ (2011), escrita y dirigida por Joe Cornish, que llegará a salas comerciales el 9 de diciembre y cuyo tráiler ya había compartido aquí. En aquel momento, hablaba de una película desconocida, de la que me atraían el concepto de partida: los alienígenas atacando un barrio suburbial londinense , y uno de sus actores, Nick Frost, el eterno compañero de Simon Pegg. Esperaba, con todo ello, una propuesta más extraña y friqui, con la que poder pasar un rato divertido.

‘Attack the Block’ resulta ser mucho más correcta de lo esperable, pues tiene una factura digna, una iluminación muy conseguida y sabe explotar al máximo esos espacios imposibles que forman los bloques de viviendas sociales de arquitectura monstruosa. Como contrapartida, no tiene nada que la convierta en especial o la diferencie de otras. El humor no es uno de sus puntos fuertes, no porque falle en ese sentido, sino porque sus intenciones no van por ahí, reservando casi todos los intentos al efecto para el personaje de Frost y para un compañero suyo, pero sin presentar la gracia que este actor ha tenido en todo lo que hemos visto de él hasta ahora, ya fuese para televisión, ‘Spaced’, como para cine: ‘Zombies Party’, ‘Arma fatal’ o ‘ Paul’.

La aventura, que al fin y al cabo es el género en el que más se zambulle esta película, se torna muy canónica. La manera en la que se presenta la acción, así como el final heroico se me antojan demasiado adolescentes, como si el film se dirigiese a un público de la edad de sus protagonistas. No lo suscito como punto en contra, ya que es muy lícito escoger una franja de edad para encontrar a tus seguidores, pero sí resulta un punto flaco desde mi punto de vista. Es lo más parecido a un film casero, rodado por chavales de esas edades, pero con presupuesto. Las ideas que componen el guion, es decir, las estratagemas y los planes para acabar con los monstruitos, podrían perfectamente haber salido de mentes menores de edad, lo que responde a una lógica de la verosimilitud.

La posibilidad de resultar un film mayor se queda en la faceta social con una crítica evidente, pero no por ello menos acertada, que se coloca en forma de paranoia del protagonista, pero que no se aleja de la realidad tanto como suelen estar otras teorías de la conspiración. Y es que, en definitiva, este aspecto es el que le da la razón de ser a ‘Attack the Block’, ya que, si tuviese lugar en una parte diferentes de la ciudad, carecería por completo de sentido. Por ese motivo, una se queda con ganas de que se hiciese un remake en algún barrio bajo español en el que los pokeros y las chonis peleasen contra los extraterrestres –un título adecuado sería “ataque al polígono“–.

Que el film no haya terminado de llegarme o no haya resultado ser lo que me esperaba, podría explicarse en que las referencias británicas o generacionales desde aquí y desde esta edad solo puedo entenderlas a medias. Pero esa distancia no es lo único que me aleja del disfrute completo de la película, ya que con la más que recomendable serie ‘Misfits’, que transcurre en un ambiente similar y con jóvenes de edades y extracciones sociales semejantes, no me sucede lo mismo. La gran diferencia radica en que los personajes de las temporadas televisivas son sumamente carismáticos, diferenciados entre sí y muy particulares. Aquí esos acertados y atrayentes retratos brillan por su ausencia, pues todos los protagonistas de ‘Attack the Block’ comparten identidades muy similares y planas.

Las películas de monstruos surgieron mostrándonos enemigos peligrosos por su bestialidad y sus capacidades físicas, pero carentes de inteligencia para combatir de forma efectiva a los humanos. Era volver a la época en la que el homo sapiens sapiens, siendo más pequeño, débil y lento que cualquier otro animal, podía derrotarlo en la caza gracias a los instrumentos y trampas que diseñaba. No tardaron los creadores en darse cuenta de que dotar a estas amenazas de cierta inteligencia tornaba las películas más interesantes y las llenaba de tensión. Así se han humanizado animales como el ‘Tiburón’ o los velocirraptores de ‘Parque Jurásico’, por poner solo dos ejemplos de muchísimos posibles. Cuando el monstruo de una película no tiene estas capacidades, su amenaza es mucho más limitada, pues no puede engañarte, disfrazarse, ocultarse… y la intriga es menor.

En conclusión, ‘Attack the Block’ funciona de forma solvente como film de aventuras y acción: entretiene sin cesar y presenta uno de los arranques más inmediatos que he visto en mucho tiempo. Por otra parte, se queda corta en el retrato de personajes individuales y reseñables y apenas explota sus posibilidades humorísticas. Diseña unos extraterrestres interesantes visualmente, pero con poco que aportar en el resto de los sentidos. Quizá si hubiese sido más mala o hubiese estado peor rodada, tendría más miga como peli basura para ver con los colegas y echarse unas risas. Pero su corrección es lo que más la convierte en anodina.

Mi puntuación:

Nacido en 1968 como 1ª Semana Internacional de Cine Fantástico y de Terror, el Festival de Sitges o Festival Internacional de Cinema Fantástico de Catalunya en la actualidad se reconoce como el primer festival de cine fantástico del mundo. Hoy, 6 de octubre, la proyección de ‘Eva’, de Kike Maíllo, inaugura su cuadragésimo cuarta edición, que se clausurará el 16 de este mismo mes, con la presentación de la “precuela” de ‘La cosa’: ‘The Thing’ (2011), de Matthijs van Heijningen, a la que pertenece la imagen previa.

La sección Oficial Fantàstic es la principal e incluye cine comercial y de autor, con géneros que van desde la ciencia-ficción a los thrillers, pasando por la innovación fantástica y el terror. Dentro de ella, se presentarán a competición ‘A Letter to Momo’, de Hiroyuki Okiura; ‘Another Earth’, de Mike Cahill; ‘Attack the Block’, de Joe Cornish; ‘Bellflower’, de Evan Glodell; ‘Carré blanc’, de Jean-Baptiste Léonetti; ‘El páramo’, de Jaime Osorio Márquez; ‘Emergo’, de Carles Torrens; ‘Guilty Of Romance’, de Sion Sono; ‘Hara Kiri: Death Of A Samurai (3D)’, de Takashi Miike; ‘Hell’, de Tim Fehlbaum; ‘Juan de los muertos’, de Alejandro Brugués; ‘Kill List’, de Ben Wheatley; ‘Les contes de la nuit (3D)’, de Michel Ocelot; ‘Livide’, de Julien Maury y Alexandre Bustillo; ‘Lobos de Arga’, de Juan Martínez Moreno; ‘Mirages’, de Talal Selhami; ‘Red State’, de Kevin Smith; ‘Saint’, de Dick Maas; ‘Scabbard Samurai’, de Hitoshi Matsumoto; ‘Sleeping Beauty’, de Julia Leigh; ‘Target’, de Alexander Zeldovich; ‘The Divide’, de Xavier Gens; ‘The Mortician (3D)’, de Gareth Maxwell Roberts; ‘The Murder Farm’, de Bettina Oberli; ‘The Other Side Of Sleep’, de Rebecca Daly; ‘The Prodigies (3D)’, de Antoine Charreyron; ‘The Sorcerer and the White Snake’, de Tony Ching Siu-tung; ‘The Troll Hunter’, de André Øvredal; ‘The Woman’, de Lucky Mckee; ‘The Yellow Sea’, de Na Hong-jin; ‘Trabalhar cansa’, de Juliana Rojas & Marco Dutra, y ‘Womb’, de Benedek Fliegauf.

Fuera de concurso, en lo que se llama Sección Oficial Fantàstic Panorama, se presentarán films como ‘Twixt’, de Francis Ford Coppola; ‘Melancholia’, de Lars Von Trier; ‘Contagion’, de Soderbergh; ‘Verbo’, de Eduardo Chapero-Jackson; ‘Extraterrestre’, de Nacho Vigalondo ; ‘Apollo 18’, de Gonzalo López-Gallego; ‘Poulet aux prunes’, de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud; ‘Drive’, de Nicolas Winding-Refn, o ‘Detention’, de Joseph Kahn.

La sesión especial se dedicará a cintas como ‘The Artist’, de Michel Hazanavicius; ‘Intruders’, de Juan Carlos Fresnadillo; ‘ El Monje’, de Dominik Moll o ‘Gantz y Gantz: Perfect Answer’, de Shinsuke Sato. ‘The Turin Horse’, de Béla Tarr; ‘The yellow sea’, de Na Hong-ji; ‘Grave encounters, de The Vicious Brothers, o ‘Burke and Hare’, de John Landis, serán otras de las películas proyectadas durante los diez días que dure el festival.

Bryan Singer recibirá el Gran Premio Honorífico de Sitges 2011, mientras que a Jaume Balagueró se le otorgará uno de los premios homenaje del Festival, la Máquina del Tiempo y presentará ‘Mientras duermes’ fuera de competición.

Hiroshi Ishiguro compartirá sus investigaciones con androides en dos conferencias. El viernes 14 de octubre tendrá lugar el Sitges Zombie Walk 2011. Noves Visions será otra de las secciones, se celebrará el nuevo certamen de cine asiático de Barcelona: Casa Asia Film Week, y también se prestará una atención muy especial a los cortometrajes.

Vía | Página oficial del festival, donde se pueden consultar todas las proyecciones.

Con esta entrada, en la que voy a hablaros de dos títulos que competían en la sección oficial, se acaba mi repaso a Sitges 2010. Como os prometí, al final os he incluido una lista con las mejores y las peores películas que vi en la localidad catalana, lo más destacado de la 43ª edición de un certamen que (al contrario de lo que asegura su director Ángel Sala) cada vez parece menos fiel a los géneros que defiende y representa, el fantástico y el terror. Sin más, os invito a seguir leyendo.

‘Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas’, cine muerto

Flamante ganador de la Palma de Oro en Cannes, ‘Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas’ (desastroso traducción española de ‘Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives’), el nuevo trabajo del tailandés Apichatpong Weerasethakul, era sin duda alguna uno de los títulos más potentes de la 43ª edición del festival de Sitges, su proyección resultaba una cita imprescindible para todo amante del cine. Además, los organizadores se tomaron la molestia de traer al director, que habló con entusiasmo a un público expectante. Nada más comenzar la película, un servidor ya se estaba llevando las manos a la cabeza, lamentando las casi dos horas que estaba a punto de tirar a la basura.

¿Exagerado? El primer plano de la película muestra una vaca atada a un árbol. Pasan los segundos, la cámara no se mueve y el animal sigue ahí. Hace un intento de soltarse. Pasa más tiempo. Y más. No hay música, no pasa nada. La vaca sigue ahí. ¿Exagerado? Por fin hay un corte y vemos una criatura negra, con ojos rojos, en medio de una selva. Está quieta. Pasan más segundos. Corte y aparece el título. Mientras me acomodaba lo mejor posible en la butaca, preparándome mentalmente para enfrentarme al asunto con sentido del humor, algunos no dejaron pasar la oportunidad de aplaudir con fervor el arranque, no de la supuesta mejor película del año; en realidad, una obra vacía, boba y torpe, una auténtica tomadura de pelo. Pero ya sabéis, triunfó en Cannes, arrodillémonos todos ante el inconmesurable talento artístico de Apichatpong.

‘Uncle Boonme recuerda sus vidas pasadas’ (‘Long Boonmee Raleuk Chat’ en tailandés) sigue el cotidiano día a día de varios personajes a los que les ocurre algo fantástico. Uno de ellos es el tío Boonmee, afectado por una insuficiencia renal; una noche se le aparece el fantasma de su mujer, y vuelve a ver a su hijo perdido, que ahora tiene la forma de un oscuro mono (tuvo sexo con una mona). No ocurre nada más de interés con Boonmee, excepto que se aburre y decide ir a una cueva a morir (eso viene indicado en la sinopsis oficial de la película, que no se me escandalice nadie).

También hay una mujer que añora su juventud, se mete en un lago y un pez la penetra fogosamente. Un joven se hace monje y se ducha. Otros personajes ven la televisión. Es una película hueca, insufriblemente lenta, esto es, sin información nueva o valiosa en sus eternas secuencias, con diálogos improvisados que da igual oír o no, situaciones intrascendentes, y nula imaginación visual (constantes planos estáticos, mire usted donde quiera que no pasa nada). Aclaraba el realizador que su película es un homenaje al cine de su país, a unas historias que ya no se cuentan. Pues claro. Pero así funciona esto, Apichatpong Weerasethakul (graduado en arquitectura, estudió cine en Chicago) ha presentado todos sus largometrajes en Cannes. Es un genio. Mañana se graba a sí mismo en el váter durante tres horas, y le dan más premios. Porque huele diferente. Pero de los errores se aprende, y a mí no me la cuelan más. Avisados estáis.

‘Black Death’, sórdida aventura

Por el contrario, ‘Black Death’ supuso una de las sorpresas más agradables del festival. Partiendo de un guión escrito por Dario Poloni, el británico Christopher Smith, director de ‘Desmembrados’ (‘Severance’) y ‘Triangle’ (también en la programación de Sitges 2010) nos traslada al siglo XIV para narrarnos la infernal aventura de un puñado de hombres cuya misión es hallar la salvación en una Europa podrida, asolada por la peste negra. El eje central de la historia es el (dramático) viaje de aprendizaje de un joven monje (Eddie Redmayne, dando vida a un personaje muy similar al que interpreta en la serie ‘Los Pilares de la Tierra’) que, para reencontrarse con la mujer que ama, acepta servir como guía de una expedición liderada por Ulric (Sean Bean), un carismático guerrero que habla y lucha en nombre de la Iglesia Católica. El objetivo es encontrar un pequeño pueblo, el único lugar donde se rumorea que la peste no ha llegado aún, con la esperanza de encontrar una cura.

O eso cree el protagonista. ‘Black Death’ se divide en dos mitades muy diferentes, ambas muy interesantes y efectivas. El primer tramo del film se centra en retratarnos el moribundo escenario (realmente lograda la ambientación, casi se huelen y se sienten los sórdidos paisajes fotografiados por Sebastian Edschmid) y presentarnos al grupo protagonista, integrado por el ingenuo monje y el grupo comandado por Ulric cuyo verdadero propósito se revela una vez iniciada la travesía.

El segundo bloque tiene lugar cuando llegan a su destino, la misteriosa aldea que aún permanece inmune a la enfermedad. Smith nos sumerge entonces en una pesadilla donde desaparece la frontera del bien y el mal, dando lugar a un ambiguo relato de fe, amor y odio de violentas consecuencias. Es muy de agradecer que siempre se conserve un tono seco y realista, aunque se juega hábilmente con las creencias y los miedos de los protagonistas. Por el contrario, se echa en falta mayor nervio en las secuencias de acción, especialmente la primera (típico enfrentamiento mal planteado, demasiado troceado en la sala de montaje) y un mayor aprovechamiento de los personajes, aunque se disculpa, se entiende que la cuestión principal es transportar al espectador a un mundo de tinieblas, donde no hay inocentes, hay supervivientes.

Lo mejor y lo peor de Sitges 2010

Algunos lectores me han pedido, a lo largo de esta serie de reseñas sobre lo que vi en Sitges, un listado con las películas más interesantes, para tenerlas en cuenta en caso de que algún día lleguen a estrenarse en salas comerciales. Evidentemente, mi visión no es solo muy subjetiva, también es muy parcial. Sólo tuve la oportunidad de ver una porción de la programación, debido al lamentable, imposible, horario de las sesiones más importantes, solo os pude hablar de dieciséis títulos de una sección oficial integrada por veintiséis. Pero bueno, en conclusión, de las 41 películas que vi, las 5 mejores fueron:

‘Confessions’ (Japón, 2010) de Tetsuya Nakashima

‘La doppia ora’ (Italia, 2009) de Giuseppe Capotondi

‘Somos lo que hay’ (México, 2010) de Jorge Michel Grau

‘Super’ (Estados Unidos, 2010) de James Gunn

‘Thirteen Assassins’ (Japón, 2010) de Takashi Miike

Nadie me ha preguntado por las 5 peores, pero me parece incompleto un resumen sin incluir también lo menos acertado del festival. Así que a continuación os dejo los títulos del peor cine que vi este año en Sitges, también por orden alfabético:

‘After.Life’ (EE.UU., 2009) de Agnieszka Wojtowicz-Vosloo

‘A Serbian Film’ (Serbia, 2010) de Srdjan Spasojevic

‘Jonah Hex’ (EE.UU., 2010) de Jimmy Hayward

‘La casa muda’ (Uruguay, 2010) de Gustavo Hernández

‘Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas’ (Tailandia, Reino Unido, Francia, Alemania, España, 2010) de Apichatpong Weerasethakul

En general, me sentí decepcionado con la programación, no encontré ninguna obra que me dejara extasiado, y teniendo en cuenta el bajo nivel general, me temo que quizá los títulos que más me entusiasmaron no lo habrían hecho, o no de esa forma, en otras circunstancias. Acabé un poco quemado, sí. También me llevé un chasco con los invitados, esperaba con ilusión la llegada de John Carpenter, Takeshi Kitano o Zhang Yimou, pero en su lugar vinieron Kellan Lutz y muchos productores. Imagino que algunos os habréis preguntado por qué este año no he publicado entrevistas. La explicación es sencilla, pedí hablar con los invitados más interesantes (Kim Ji-woon, Joe Dante, Matt Reeves…) pero o no disponían de tiempo o no nos tuvieron en cuenta. En fin, lo más probable es que no que acuda el año que viene, pero esperaremos a ver el programa de Sitges 2011, nunca se sabe.

PD: También vi una buena ración de cortometrajes. Pese a que la mayoría estaban dirigidos por alumnos de escuelas catalanas (supongo que es lógico), los tres cortos que os recomiendo buscar son ‘Jack’ (Canadá, Kryshan Randel), ‘Deus Irae’ (Argentina, Pedro Cristiani) y ‘Je T´aime’ (Japón, Mamoru Oshii). La mayor memez sí era española, un trabajo tan malo que ni se han dignado a incluirlo en la web del festival. Iba de un tío que se convierte en perro. Insufrible, merecía una bronca del público, pero era tarde y se prefirió el cachondeo.

Voy terminado por fin con Sitges 2010, con esta entrada lista ya sólo me queda una más, donde además aprovecharé para responder a una petición que han realizado algunos lectores: una lista con los títulos más destacados. Tras los comentarios sobre tres producciones asiáticas, os traigo ahora mis impresiones sobre tres europeas, entre las que destaca un extraño y sugerente thriller italiano.

‘De mayor quiero ser soldado’, Spanish History X

Cuenta Christian Molina que su tercer largometraje, ‘De mayor quiero ser soldado’ (2010), nació a raíz de una estadística. Según parece, cuando un joven alcanza la mayoría de edad, sus ojos han contemplado 40.000 asesinatos y 200.000 actos de violencia, a través de medios como la televisión, el cine o los videojuegos. Imagino que una parte de vosotros se habrá escandalizado con los datos, y estará negando dramáticamente con la cabeza, mientras que otra parte estará arqueando una ceja y sospechando qué camino ha elegido Molina con su nuevo trabajo. Si no, ya os lo digo yo: ha optado por el fácil. El realizador español aseguró en Sitges que su película no pretende ser aleccionadora, pero no es lo que uno se encuentra; así que o se hace el tonto o ha errado totalmente con su enfoque.

Para que os hagáis una idea, y sin estropear ninguna sorpresa de la trama, el chico protagonista pide insistentemente a sus padres tener una televisión en su cuarto, como la tienen todos sus amigos. Cuando la consigue (la figura paterna es muy criticada en el film), nada más encenderla se encuentra con imágenes reales de guerra y muerte; cambia de canal, y lo mismo; pone otro, y más lo mismo. Molina ilumina la cara del chaval con las luces de las explosiones, los disparos y las muertes. Y nace un monstruo. El acceso a la violencia cambia por completo al chico, por dentro y por fuera (así como la decoración de su habitación), de dulce y cariñoso a tenso y agresivo, de querer ser astronauta a soñar con ser soldado.

‘De mayor quiero ser soldado’ (coproducción entre España e Italia que internacionalmente se vende como ‘I Want To Be A Soldier’) está escrita por Cuca Canals y Molina (‘Rojo sangre’, ‘Diario de una ninfómana’), y cuenta con un elenco en el que destacan los nombres de Valeria Marini, Robert Englund y Danny Glover, esto es, iconos del sexo, el terror y la acción. Ninguno de los tres protagoniza la historia, la primera interpreta (es un decir) a la maestra del chico, el segundo da vida a un psiquiatra (poco creíble, es el apoyo científico al mensaje del guión) y el tercero encarna al director del colegio. Este último solo interviene al principio y al final del film, tras los créditos, para ser la voz de la responsabilidad y la moralidad, dando un discurso muy serio y profundo, bonita y hueca palabrería, que invita más al cachondeo que a la toma de conciencia.

Aparte de la simplista visión de las cosas (incluso peligrosa por lo que intenta resolver, como si prohibiendo ver la tele o los juegos violentos arregláramos el mundo), hay que reconocer que se trata de una producción técnicamente impecable, y que hay dos personajes a los que saca un gran rendimiento. Sin duda lo más sobresaliente del film son las interpretaciones del joven Fergus Riordan (llamado Alex en la ficción, un nombre ligado a cierta polémica película de Stanley Kubrick), muy bien dirigido, aportando una autenticidad impagable al relato, y de Ben Temple, sensacional dando vida al amigo imaginario de Alex, primero un amistoso héroe de la exploración espacial y luego un inflexible instructor militar (calcado a otro mítico personaje de la obra de Kubrick). Con un guión más inteligente, menos manipulador, menos exagerado, podríamos estar hablando de una película importante.

‘Les sept jours du Talion’, una venganza demasiado fría

‘Les sept jours du Talion’ (2009) comienza con una serie de planos estáticos que muestran el interior de una casa; silenciosa, descuidada, fría, muerta. La puerta de una de las habitaciones está bloqueada por un tablón de madera. El dueño de la vivienda, que estaba acostado en el sofá (se intuye que no ha podido dormir), se levanta y se sienta frente a la televisión. Enciende el vídeo y comienza una grabación de una cámara de seguridad; una mujer es tomada como rehén por el asaltante de una tienda, que en un momento determinado le dispara en la cabeza. El hombre rebobina y vuelve a ver el mismo suceso. No necesitamos diálogos, voz en off o letreros para entender qué ha ocurrido. La película va a narrar la historia de otra persona que puede acabar de la misma forma, en el mismo infierno, y nos invita a mirar, reflexionar y ¿condenar?

Escrita por Patrick Senécal, a partir de su novela homónima, ‘Les sept jours du Talion’ (conocida internacionalmente como ’7 Days’) nos traslada a Drummondville, Canadá, donde un matrimonio está despidiéndose de su hija de ocho años, que se marcha al colegio. No volverán a verla viva; la pequeña es raptada, violada y asesinada. Por fortuna, la policía atrapa pronto al culpable. Sin embargo, el padre (Claude Legault) no está satisfecho, quiere venganza y no está dispuesto a dejar el asunto a la justicia, por lo que traza un plan y secuestra al pederasta. Cuando lo tiene en su poder, avisa a la policía que piensa retener y torturar al asesino de su hija durante siete días, y que luego lo ejecutará.

Aunque hay sangre y escenas desagradables, Senécal y el debutante Daniel Grau, alias Podz (hasta ahora realizador de televisión y publicidad), no están interesados en ofrecer otro producto “torture-porn”, otra ‘Saw’; ‘Les 7 jours du Talion’ muestra actos violentos pero no los convierte en espectáculo. La idea principal es plasmar la desesperación de un hombre y reflexionar sobre su idea de justicia, el viejo ojo por ojo. ¿Está bien lo que hace? ¿Harías tú lo mismo? ¿Y luego qué? La película no tiene piedad, es muy seca y no da respuestas fáciles, esto no es Hollywood. Por otro lado, Podz se toma demasiado tiempo para narrar una historia demasiado simple, se recrea y subraya situaciones de escaso contenido. Su ópera prima queda muy descompensada, lenta, cuesta seguirla con interés, y de perturbadora pasamos a una desesperante venganza.

‘La doppia ora’, inquietante realidad

‘La doppia ora’ (2009) también la firma un debutante, Giuseppe Capotondi (fotógrafo y realizador de publicidad y videoclips), e igualmente es una propuesta de estilo visual sobrio, elegante, realista; una factura totalmente alejada del producto estadounidense que invade las carteleras. Sin embargo, mientras que la película canadiense está construida alrededor de una situación cuyo desarrollo se estanca y deja de resultar interesante, la italiana (además de durar unos veinte minutos menos, que siempre se agradece) propone una ingeniosa mezcla de géneros que va del drama romántico al terror psicológico. Peca de rellenar metraje con planos vacíos (uno de los males del cine europeo y de autor), supongo que con la excusa de crear atmósfera o aportar personalidad al relato, pero la película funciona, genera mucha tensión y resuelve los interrogantes planteados de manera impecable.

Alessandro Fabbri, Ludovica Rampoldi y Stefano Sardo son los responsables del estupendo guión de ‘La doppia ora’ (también conocida como ‘The Double Hour’), cuya historia gira en torno a Sonia (Ksenia Rappoport, elegida mejor actriz en el festival de Venecia por este papel), una inmigrante de Europa del Este que limpia habitaciones en un hotel de Turín. Nada más iniciarse la película, y mientras Sonia está en el baño, una joven se lanza inesperadamente por la ventana. No será la única muerte cercana a la protagonista, que parece desconectada de la realidad, como un ente aparte de todo lo demás. Entonces conoce a Guido (Filippo Timi), un solitario expolicía, y la relación parece cambiar su vida, justo antes de que otro suceso violento se cruce en su destino. Merece la pena tirar del hilo y descubrir el resto, si no vais buscando el típico thriller made in USA. No es ninguna maravilla, pero engancha, Capotondi se desenvuelve con soltura con un sorprendente relato que nunca pierde fuerza, pese a los giros y el constante cambio de tono.

‘Encontré al diablo’, otra retorcida venganza

La nueva película del director Kim Jee-woon era una de las más atractivas de Sitges 2010, aunque no estaba incluida en la sección oficial competitiva. Protagonizada por las estrellas coreanas Choi Min-sik y Lee Byung-hun, ‘Encontré al diablo’, vendida internacionalmente como ‘I Saw the Devil’ (‘Akmareul boattda’, 2010) llegaba con la promesa de ofrecer un relato de violencia aterradora y extrema, a tenor de las reacciones que había provocado tras su paso por el festival de San Sebastián. Dejando al margen la famosa ‘A Serbian Film’ (que ha protagonizado, curiosamente en San Sebastián, un pequeño escándalo de lo más patético), os aviso que no es para tanto, en el cine asiático o el europeo (francés, sobre todo) hay títulos mucho más contundentes y brutales que el que firma Kim.

Dicho esto, ya se sabe que todo depende de la experiencia de cada uno, así que entiendo que se pueda considerar a ‘I Saw the Devil’ una película desagradable. Comparada con lo que suele ofrecer el cine estadounidense, es una salvajada. Hay escenas violentas, asesinatos y tortura, hablamos de un thriller que gira en torno a un hombre (un agente secreto) decidido a convertir en una pesadilla la vida de un psicópata asesino, que acabó con la vida de su prometida. No es ‘Bambi 2’, desde luego. Ahora bien, falla el ritmo de la película (las más de dos horas se notan mucho) y la progresión de la violencia. Puedes empezar fuerte, es más, con eso sorprendes y atrapas al espectador, pero luego tienes que ir de menos a más, reservando tu mejor carta para el clímax. Kim no lo hace, y es uno de los grandes errores de ‘I Saw the Devil’.

El principal problema de la película es que Kim Ji-woon no es Park Chan-wook (ni Bong Joon-ho), por más que lo intente. Es un estupendo realizador, dirige bien a los actores y no descuida la puesta en escena, es muy versátil, podéis echar un vistazo a títulos como ‘Dos hermanas’ (‘Janghwa, Hongryeon’, 2003) o ‘A Bittersweet Life’ (‘Dalkomhan insaeng’, 2005) para comprobarlo, pero no es extraordinario, no es capaz de dar ese salto que caracteriza a los grandes cineastas. Con esa estética sucia y ese realismo amargo que está caracterizando al thriller de Corea del Sur (‘Memories of Murder’, ‘Chaser’), ‘I Saw the Devil’ consigue tenerte pendiente de la acción, a veces sólo con el trabajo interpretativo, aunque hay situaciones muy tensas y otras muy divertidas (que recuerdan al cine de Park o Bong) que se quedan en la memoria. En conjunto no es tan contundente como pretende, y fracasa totalmente a partir de un determinado giro que extiende demasiado el relato, llevándolo a un tramo final plano, sin la chispa del resto. Arranca muy bien, pero se va estancando, no llega a donde promete.

‘Ip Man 2’, déjà vu

Dos años después de la exitosa ‘Ip Man’, el formidable experto en artes marciales Donnie Yen vuelve a interpretar al maestro del Wing Chun en una secuela que nos transporta a Hong Kong durante los años 40. Dirigida de nuevo por Wilson Yip, que no ha arriesgado lo más mínimo, ‘Ip Man 2’ (‘Yip Man 2’, 2010) parece más un remake que una continuación. El protagonista, ahora en un nuevo escenario, debe recorrer prácticamente el mismo camino que en la primera parte, superando obstáculos y enemigos muy similares. La peor noticia, sin embargo, es que ninguno de los combates (a los que Ip Man se entrega siempre por obligación o deber) supera a los que ya habíamos visto en el primer film, resultando una secuela totalmente prescindible.

Al igual que en la primera parte, Ip Man, tan inmutable como invencible, debe enfrentarse a los maestros de otras escuelas de artes marciales (entre los que destaca Sammo Hung), con la excusa de que es nuevo y debe demostrar sus habilidades antes de poder entrenar. Una vez que supera la prueba y todo está más o menos solucionado, llega el turno del gran reto, el gran enemigo, un enorme y musculoso boxeador inglés (Darren Shahlavi) que se burla de las costumbres y la valía del pueblo chino; como en el anterior film, Ip Man debe derrotarle, por venganza personal y por el honor de China. Y eso es todo. No hay emoción, todo está enfocado a las peleas, que no resultan tan espectaculares como cabría esperar; los combates están ganados de antemano, así que para animarlos, se exagera el dramatismo de algunas situaciones y se abusa de los cables, resultando demasiado disparatadas. En definitiva, a menos que no hayas visto muchas películas similares, ‘Ip Man 2’ asegura el aburrimiento.

‘Fire of Conscience’, floja ensalada de tiros

‘Fire of Conscience’ (‘For lung’, 2010) es al thriller policiaco lo que ‘I Saw The Devil’ al de asesinos en serie. Se toman los ingredientes básicos, se dobla la ración de algunos, y se mete todo en la coctelera, se agita bien, y se sirve con muchos adornos, intentando que la apariencia llegue a disimular lo que realmente se está sirviendo. Mientras que el film de Kim logra a medias su propósito, consiguiendo que uno se implique en lo que se le está narrando, Dante Lam fracasa casi por completo con ‘Fire of Conscience’, de la que apenas cabe destacar un prólogo tan gratuito como impresionante (una serie de imágenes congeladas que la cámara recorre en busca de detalles) y el trabajo de los actores protagonistas, los famosos y carismáticos Leon Lai y Richie Jen (un habitual del cine de acción hongkonés, visto en ‘Breaking News’ o ‘Exiled’). Llega a recordar a ‘Juego sucio’ (‘Infernal Affairs’, 2002), pero no es tan intensa ni cuenta con un guión tan trabajado.

La película gira en torno a dos policías violentos cuyos caminos se cruzan por un asesinato; uno está traumatizado por el asesinato de su mujer, pero sigue defendiendo la ley, mientras que el otro ya sólo piensa en sus propios intereses y busca su propia justicia. Lam intenta crear un espectáculo de persecuciones, tiros y explosiones, similar a los que firma (cuando está inspirado) Johnny To, o los que dieron fama al mejor John Woo (‘A Better Tomorrow’, ‘Hard Boiled’), al mismo tiempo que busca componer un relato complejo con personajes muy dramáticos al borde del abismo. Al final se queda a medio camino de todo, acierta con la tensión previa, preparando el momento, pero luego se pierde con la puesta en escena, trocea demasiado las secuencias, la situación de los personajes es un caos y llega a ser realmente difícil seguir la acción; tampoco consigue lo segundo porque el guión de Jack Ng no profundiza lo suficiente en las personalidades de los policías y los criminales, quedándose en tópicos andantes y parlantes. Puede valer para una tarde aburrida, si te entusiasma el género.

Las dos películas de las que os voy a hablar a continuación formaban parte de la sección oficial competitiva de la pasada edición del festival de Sitges. Ambos trabajos proceden de Asia oriental, sus tramas están marcadas por retorcidos ajustes de cuentas y tienen a una mujer como como eje central del relato. Aun así, son dos obras muy diferentes, una es muy arriesgada, jugando peligrosamente con recursos de videoclip, mientras que la otra es más convencional, si bien está filmada con mucha elegancia. Os invito a descubrir dos de las películas más estimulantes de la programación de Sitges 2010:

‘Confessions’, terrible venganza

Hace casi un mes que asistí al pase de la japonesa ‘Confessions’, pero la recuerdo perfectamente, como si la hubiera visto ayer, aunque muchas más han pasado por mis retinas desde entonces. Que una obra se te quede grabada con tanta fuerza no indica necesariamente que sea un trabajo formidable (¿alguien ha podido olvidar los bodrios que ha visto en su vida?), pero en este caso sí creo que dice mucho a su favor. Porque en un principio ‘Confessions’ destaca por su atrevido y preciosista estilo visual, pero a diferencia de muchas otras películas que ofrecen esto mismo, no es eso lo que llega a cobrar relevancia y con lo que uno se queda, sino con la contundencia de un relato perturbador, violento y lleno de sorpresas.

Basada en una novela de Kanae Minato, ‘Confessions’ (‘Kokuhaku’, 2010) está escrita y dirigida por Tetsuya Nakashima, y fue elegida por Japón para competir por el Oscar a la mejor película de habla no inglesa (si recordáis, España envía la inédita ‘También la lluvia’, de Iciar Bollaín). La historia arranca en una clase de instituto, mientras la profesora habla a sus alumnos, intenta explicar algo, los chicos hacen de todo menos prestarle atención. Pero todo está a punto de cambiar, todos enmudecen cuando la mujer revela que la muerte de su hija, ahogada en la piscina del centro escolar, no fue accidental; fue un asesinato cometido por dos de los chicos que están sentados frente a ella. A partir de ese momento se inicia una imparable cadena de confesiones que esconden y originan terribles crímenes.

Cuesta entrar en ‘Confessions’, como si el espectador fuera uno de los jóvenes alumnos que no son capaces de concentrarse y atender a su profesora, que de forma impasible continúa hablando, como si fuera lo más normal del mundo que nadie escuche lo que está diciendo. Cuesta porque Nakashima plantea una narración muy poco convencional, casi suicida, que avanza a través de constantes monólogos, muchos de ellos en off, que van destapando secretos e intenciones, obsesiones y planes, mientras la cámara se detiene en detalles, gestos, rostros, acciones y paisajes, mostrados a cámara lenta, a veces incluso de manera repetida. Puede que parezca algo insoportable, pero una vez que entras, entiendes el mecanismo y te dejas llevar, la película te llega a hipnotizar. Una realización plena de coraje e ingenio, impecable labor del reparto (la mayoría son adolescentes) y un guión sorprendente que mezcla el thriller con el drama social de manera fabulosa. Hay que verla, la experiencia merece la pena.

‘The Housemaid’, seres de hielo

Tras pasar por el festival de Cannes llegaba a Sitges la surcoreana ‘The Housemaid’ (‘Hanyo’, 2010). Se trata de un remake del film homónimo dirigido por Kim Ki-young en 1960, un melodrama que pretendía concienciar al público y condenar el adulterio. Como la original de la que se nutre, la nueva versión escrita y realizada por Im Sang-soo es hija de su tiempo, huye de lecciones morales (de hecho algunos de sus personajes son directamente amorales) y plantea lo que suele llamarse un “thriller psicológico”, un drama cargado de tensión, erotismo y violencia, que llega a alcanzar momentos difícilmente soportables, sobre una mujer enfrentada a las gélidas maquinaciones de dos auténticas lobas (por no decir otra cosa que suena peor).

‘The Housemaid’ nos presenta a Eun-yi, una joven sin dinero ni estudios que cree encontrar una gran oportunidad cuando le ofrecen servir en la mansión de una familia rica. La mujer encaja con suerte en el gélido hogar, logrando la amistad de la pequeña y un trato correcto con los padres. La situación cambia de manera irrevocable cuando, una noche, tras dejar a su mujer en la cama, el marido baja y visita a la criada, que acepta someterse a sus deseos. La relación continúa a espaldas de la esposa, hasta que se descubre que Eun-yi está embarazada…

Sobresale el despiadado retrato que hace Im de una clase alta (no necesariamente coreana) desalmada, que trata a sus sirvientes como seres inferiores, juguetes de los que se puede disponer en cualquier momento, o destruir si molestan; también cabe destacar la cuidada puesta en escena (esencial para subrayar la frialdad del entorno) y la portentosa interpretación de Jeon Do-yeon, consolidándose como una de las mejores actrices del planeta. Sin embargo, la película se hace algo pesada conforme se va desarrollando un conflicto que no tiene mucho recorrido, dando vueltas sobre los mismos puntos ya tratados. Im va creando unas expectativas que luego es incapaz de cumplir, dando fin al drama (convertido en pesadilla) de una manera más brusca y menos imaginativa de lo que cabría esperar. La película funciona, pero no llega a impresionar.