Aquí tenemos un nuevo póster de una película que empieza a ser considerada como maldita: ‘The Fall’, el nuevo trabajo de Tarsem Singh, ese que nos martirizó con la insoportable ‘The Cell’ hace años. Parece que no ha renunciado a su fascinante puesta en escena en esta película la cual ha sido la ganadora del pasado Festival de Sitges. Esto último parece que no le importa a nadie, la película es del 2006, y aún no hay fecha de estreno para el resto del territorio español. Seguro que los distribuidores andan estrujándose la neurona para saber cómo narices nos van a vender este producto.

El póster es extrañamente original y atractivo, eso no lo podemos negar. Y de nuevo huele a futura película de culto. La historia de una niña que vive entre lo real y lo fantástico, seguro que llamará la atención a todo bicho viviente de la minoría que la irá a ver. Catinca Untaru es su joven y desconocida protagonista.

En Blogdecine | The Fall

Vía | Impawards

En Blogdecine |

• Trailer y cartel definitivos de ‘REC’, del tándem Plaza-Balagueró

• Teaser y foto en exclusiva de ‘REC’, lo nuevo de Paco Plaza y Jaume Balagueró

• Remake de ‘Rec’... increíble

• Nuevo teaser-trailer de ‘REC’, de Plaza y Balagueró, que se “mostrará” en Venecia

Fuente | Departamento de Internet de Filmax, vía correo electrónico

Hace un tiempo que pudimos ver el trailer de la nueva película del japonés Katsuhiro Otomo, de título ‘Mushishi’. Ahora podemos contemplar el cartel, sencillito pero efectivo. Como dicen en el mismo, Otomo es famoso en el mundo entero por haber realizado la espectacular ‘Akira’.

Basada en el manga de Yuki Urushibara, ‘Mushishi’ narra el viaje de un misterioso curandero que va por diferentes regiones de Japón para ayudar a personas afectadas por los ataques de unas criaturas sobrenaturales llamadas Mushi, visibles sólo para algunas personas. La película podrá verse en primer lugar (en este país) en el Festival de Sitges, que empieza esta semana.

Vía | Uruloki

A todos los que (como yo) disfrutasteis con La Marea, seguro que os alegrará saber que este cortometraje realizado por Iván Sáinz-Pardo, Jim-Box y Dirk Soldner, con presupuesto cero, participará en la Sección Oficial de la 40ª edición del Festival de Sitges, y optará al Méliès d’Or al Mejor Cortometraje Europeo de género fantástico.

Como ya habíamos informado, el corto había sido estrenado anteriormente en el Festival Internacional de Cine de Gijón (1er Premio al mejor cortometraje en la sección “Día de Asturias”), por lo que no podrá optar al Premio al Mejor Cortometraje de la Sección Oficial de Sitges 2007, pero si forma parte de la programación oficial y competirá por el galardón antes comentado que otorga la European Federation of Fantasy Film Festivals.

Así que ¡Mucha suerte para los autores!

Más información | El Escondite de Iván
En Blogdecine | ‘La Marea’ por fin se estrena en internet

La semana pasada, los responsables del Festival de Sitges hicieron público un primer avance de su 40ª edición, que tendrá lugar del 4 al 14 de octubre de 2007.

Con la intención de convertirse en un gran escaparate de la producción fantástica española, Sitges 2007 abrirá con El Orfanato de Juan Antonio Bayona, y ha incluido en su programa títulos como Rec de Jaume Balagueró y Paco Plaza, El Rey de la Montaña de Gonzalo López-Gallego, Los justos de Manuel Carballo, el film de animación Nocturna, de Adrià García y Víctor Maldonado, y el esperado primer largometraje de Nacho Vigalondo, Los Cronocrímenes.

¿Qué mejor lugar que el Festival de Sitges para estrenar un thriller retorcido y oscuro, con viajes en el tiempo y personaje-momia de vendaje rosa incluidos?

En Off-Hollywood encontraréis detallados el resto de títulos internacionales que también ha confirmado el festival.

En Blogdecine | Los Cronocrímenes

‘Moscow Zero’ plantea que bajo la apariencia de normalidad de cualquier gran ciudad existe un mundo que los de la superficie preferimos ignorar. El antropólogo ruso Sergei Spassky desciende al subsuelo por una complicada red de túneles para descubrir la verdad sobre los asesinatos atribuidos a los seres que habitan esos lugares. Spassky no vuelve de su extraño viaje y un equipo de rescate capitaneado por Owen, íntimo amigo del antropólogo, decide ir en su búsqueda. Pronto descubrirán una sociedad secreta, con normas y creencias propias, liderada por Andrey, y leyes cercanas al infierno. Porque el espectador pronto comprenderá que el infierno existe, y lo está viviendo.

Quizá la sinopsis despierte interés en un público joven y receptivo en lo que a historias paranormales se refiere; el programa de Iker Jiménez no lo oyen/ven cuatro gatos, precisamente. Sin embargo, todo se queda en intenciones y planteamientos iniciales; el film no es serio, aunque lo pretende, y está lleno de diálogos absurdos que sólo contribuyen a hundir el conjunto hasta más abajo de las catacumbas donde transcurre la historia. La acción está divida en dos caminos, el que recorren Owen y sus compañeros, y el de Spassky, que es a quien buscan los primeros. A eso sumadle escenitas donde la misteriosa niña de turno (elemento ya asquerosamente habitual en todo producto con tintes de terror o thriller sobrenatural) va corriendo de un lado para otro. El escenario, los túneles subterráneos, se convierten así en un laberinto para el espectador, que no sabe ni quién está dónde, ni qué pasa, ni porqué la niña sale siempre corriendo, ni si van a llegar a alguna maldita parte. Un caos que sólo puede producir, en el mejor de los casos, carcajadas por lo rídiculo de lo que se está viendo. Ya cuando el arquéologo ruso comienza a hablar tontamente como si alguien estuviera a su lado, explicando todo lo que ve, es para morirse. El suspense y el terror, por tanto, se caen desde casi el comienzo para dar lugar a una indeseable comedia. Por cierto, si al final (suponiendo que alguno quiera arriesgarse a sufrir esto en el cine) os quedáis con cara de “¿eeehhh?”, es normal; yo creo que se quedaron sin presupuesto y por eso la acabaron así, pero sólo es una teoría que confeccioné medio dormido al comenzar los créditos finales.

La principal responsable (feliz) de este producto patatero es María Lidón, o Luna, como le gusta que la llamen, cuya filmografía se completa con ‘Náufragos’ y ‘Yo puta’ (cosas que no he visto, por recomendaciones fiables, y quizá por eso esperaba algo de su nueva “obra”). Creo que el resultado de su nefasta labor queda ya perfectamente claro en lo dicho anteriormente, por lo que no voy a insistir más. En el aspecto interpretativo, lo único que cabe decir es que resulta simpático ver a gente como Vincent Gallo o Val Kilmer en un telefilme de tres al cuarto como éste. Gallo sí tiene más presencia, al ser uno de los protagonistas principales, pero lo de Kilmer es de cachondeo; sale un par de veces, con esos kilitos de más que ha ido cogiendo con la edad (digamos eso y no seamos malpensados), y se limita a soltar unas líneas de guión con la misma intensidad que si estuviera pidiendo un café en un bar. Gallo no lo hace mejor y su personaje es tan ridículo como el de los demás, pero es que tampoco se le puede pedir más en esta película, está ahí y hace lo que puede, punto. Por la pantalla también se pasean, tan desorientados y aburridos como el espectador, el veterano Joaquim de Almeida, la guapísima veinteañera Oksana Akinshina y Sage Stallone, hijo de ya sabéis quién.

En definitiva, ‘Moscow Zero’ es una de las peores películas que tuve la mala suerte de ver el año pasado (en aquella lista que hice sobre el tema no pude incluirla porque no se había estrenado aún). Como he leído por ahí, no resulta recomendable ni para pasar el rato. Un completo desastre que quizá Luna reciba sonriente; al fin y al cabo, era la película que ella quería hacer. No se merece que diga nada más.

Hace poco que mi compañero Red Stovall, sensible al cine asiático desde que comprobó algunas de sus maravillas, nos contaba sus impresiones sobre ‘The Mission’, revelando que su opinión sobre el film era muy diferente a la que expresé en mi crítica. ‘Exiled’ es la continuación, la segunda parte, de esa ‘The Mission’. En realidad, casi habría que hablar de una nueva versión. Las similitudes entre ambos films son tantas y tan evidentes, y apenas hay continuidad (de hecho, puedes ver la segunda sin haber visto la primera y no te pierdes casi nada), con lo cual parece que Johnnie To haya querido rehacer el primero para mejorarlo (o quizá para volver a pasarlo en grande rodándolo), algo que, viéndolo desde este prisma, consigue. Y lo hace gracias, sobre todo, a dos secuencias extraordinarias, la que abre el conflicto inicial de ‘Exiled’ y la que lo cierra. Más quisieran en Hollywood rodar películas de acción como lo hace Johnnie To, un auténtico maestro en este terreno, mostrando un dominio al alcance de muy pocos, como ya demostró, por ejemplo, en el impresionante arranque de ‘Breaking News’.

La (confusa) sinopsis de ‘Exiled’ señala que dos asesinos a sueldo, llegados a Macau para ejecutar a un colega que pretende empezar una nueva vida, se enfrentarán a un dilema cuando otros dos antiguos socios intenten trastocar su misión. Abierta la negociación, aparecerá un quinto asesino que pondrá en peligro la incipiente tregua.

En ‘Exiled’ comprobamos de nuevo la elegancia con la que Johnnie To envuelve sus películas, especialmente en lo que a la filmación de las secuencias de acción se refiere. En el que es, hasta el momento, su último film, consigue dos secuencias memorables; la primera es un tenso tiroteo que recuerda al final de ‘The Mission’, donde Anthony Wong tiene suerte de no salir muy malparado. La segunda, y la mejor, es la que concluye la película, y que no voy a contar aquí. Sólo quiero destacar un detalle de la misma, que ha provocado cierta discusión entre los que vimos ‘Exiled’ en el festival de Sitges, donde fue proyectada, siendo, lógicamente, uno de los grandes títulos del certamen. Concretamente, se trata de una lata de refresco con la que juegan los protagonistas al comienzo de un espectacular tiroteo. A la mayoría nos provocó carcajadas, la diferencia está en el motivo y el entendimiento del recurso; mientras unos lo vemos como un detalle muy divertido, otros lo ven una estupidez increíble. Ya me diréis en qué bando os situáis. Por otra parte, al igual que hiciera en ‘The Mission’ o en ‘Breaking News’, To se toma ‘Exiled’ para reflexionar de algún modo sobre el sentido de la lealtad y la amistad entre los personajes de su película, asesinos y criminales a sueldo. Esto añade un punto de interés y originalidad a la cinta, porque la escena en la que se sientan todos a comer, después de haber estado a punto de reventarse a tiros es, cuanto menos, llamativa.

Aparte del inconfundible sello de To en la dirección, el reparto ya es motivo más que suficiente para no perderse esta película. ‘Exiled’ está protagonizada por Anthony Wong, Francis Ng, Simon Yam, Nick Cheung (la gran novedad de esta segunda parte), Roy Cheung y Lam Suet, un clásico en la filmografía del director hongkonés. Todos están estupendos, moviéndose por la pantalla con el mismo estilo que el director imprime a su película, pero merece ser destacado Wong, una estrella, un actor muy carismático que aquí empieza a ser más o menos conocido, y es que el actor no para de trabajar; en ‘Exiled’ repite el papel que ya interpretó magníficamente en la primera parte y le añade la presencia y el saber hacer que ha ganado desde entonces. Junto a él, Francis Ng también brilla especialmente, repitiendo duelo con Wong, para salvar la vida de un compañero (Nick Cheung). Ng es otro gran actor lleno de carisma que se lleva al espectador fácilmente y aquí vuelve a demostrarlo. Por último, señalar que, aunque Yam vuelve a tener un papel secundario, To le reserva más minutos e importancia que en ‘The Mission’, lo cual es muy de agradecer.

En resumen, ‘Exiled’ es, aparte de una nueva gozada dirigida por un Johnnie To en plena forma, un intenso film de acción que, por supuesto, derrocha elegancia y espectacularidad en cada fotograma. Una secuela de ‘The Mission’ que juega (casi) con los mismos personajes y la misma trama (y subtramas), llegando a resultar algo parecido a un remake de la misma, con resultados aún mejores en esta posterior obra. Aficionados del cine asiático, un film imprescindible; seguidores de Johnnie To, lo mismo; fans de las películas de acción, ídem. Veremos si mi compañero Red coincide conmigo en esta ocasión.

Uno de los platos fuertes, al menos para un servidor, de la pasada edición del Festival de Sitges fue la proyección de ‘Renaissance’ (click para ver el trailer), una muy atractiva propuesta en el género de la animación dirigida por el francés Christian Volckman (del que se proyectó un interesante cortometraje justo antes del film que nos ocupa). ‘Renaissance’ impacta desde el comienzo, con un estilo visual realmente llamativo, impresionante, pero se va perdiendo, poco a poco, a causa de una historia que juega demasiado con los tópicos de siempre del cine negro, llegando a resultar un tanto decepcionante. Por cierto, en la “versión” inglesa de la película cuentan con las voces de, entre otros, Daniel Craig, Catherine McCormack, Ian Holm, Romola Garai y Jonathan Pryce. Para España aún no hay fecha de estreno; eso sí, cosas como ‘Epic Movie’ se pueden ver en todas las salas.

‘Renaissance’ nos sitúa en París, en el año 2054. La historia principal gira en torno a la desaparición de una joven científica que trabaja para la poderosa corporación Avalon. A partir de ese hecho, se inicia una investigación policial que revelará trascendentales secretos, que algunos intentarán proteger a toda costa.

‘Renaissance’ significa el debut en el largometraje de su director, Christian Volckman, a quien tendremos que seguir la pista de aquí en adelante, porque apunta muy alto. La película está magníficamente realizada, encontrándonos con imágenes bellísimas (el blanco y negro, sin duda, es fundamental) y secuencias memorables, como una intensa persecución en coche que culmina de forma brillante. Volckman saca el máximo rendimiento al particular estilo de animación, que si bien en fotografías puede resultar un tanto tosco, en movimiento es una auténtica gozada para la vista. Se nota muy claramente al ver el film (ya se hacía evidente en el trailer) la influencia de varias películas, pero sobre todo la de ese clásico moderno que es ‘Blade Runner’, punto de referencia ineludible, desde su estreno, en lo que a ciencia ficción en el séptimo arte se refiere. Al igual que en ésta, ‘Renaissance’ acude al cine negro para desplegar toda la trama y el conjunto de personajes que habitan en el escenario. También podrían verse reflejos de ‘Sin City’, pero creo que es al cómic en general, y no a éste en concreto, a quien le debe más la película de Volckman. Sin embargo, el guión de ‘Reinassance’, obra de Matthieu Delaporte y Alexandre de la Patellière, peca demasiado de tópicos, de liarlo todo innecesariamente (grave defecto de muchos títulos cuando su principal argumento es una investigacion) y de buscar situaciones que permitan un mayor despliegue visual, más que en confeccionar una historia y unos personajes interesantes y atractivos para el espectador. Evidentemente, estamos en el terreno animado, y es mucho más complicado emocionar al respetable, pero hay ejemplos de sobra, conocidos por todos, donde esta barrera no existe o es fácilmente sorteada.

En pocas palabras, estamos ante un film de intachable y bellísima factura técnica, visualmente extraordinario, que pierde gran parte de su interés en lo que al desarrollo de la historia y los personajes se refiere; el guión abusa de los agotados recursos típicos del género detectivesco y la acción hollywoodiense. La película de Volckman se queda, por tanto, un poco a medio camino, pero, ojo, a medio camino de algo grande. Desde luego, es una propuesta que no podéis dejar pasar; especialmente, debería ser obligatoria para los aficionados al cine de animación y al cine experimental, en general.

Poco a poco, un genio de la animación (y del cine en general, porque la animación es sólo una forma diferente de contar una historia) como Hayao Miyazaki se ha ido haciendo un hueco y un nombre en nuestro país (tan poco dado a valorar el cine asiático, como demuestran las reacciones que está provocando la emocionante ‘The Host’) gracias a títulos tan fascinantes como ‘El Viaje de Chihiro’ o la reciente ‘El Castillo Ambulante’. Quien no goza (aún) de tanta fama en España es otro genio japonés de nombre Satoshi Kon, un auténtico ídolo para los aficionados al anime. Un realizador sumamente interesante cuya última obra es la maravillosa ‘Paprika’, presentada en la última edición del festival de Sitges por el propio Kon (que se mostró muy simpático ante un público entregado por completo que le aplaudió intensamente). Su película, todo un festival para los sentidos, vuelve a girar sobre la fantasía, la paranoia, la confusión y las realidades alternativas que se generan en la mente humana, ya sea de forma natural o de forma artificial, como en el caso de esta película.

La historia de ‘Paprika’ gira en torno a un método de terapia revolucionario llamado ‘PT’, desarrollado por el psiquiatra Atsuko Chiba. Se trata de un prototipo de máquina experimental gracias a la cual es posible introducirse en la mente de los pacientes para tratar sus ansiedades. Uno de los modelos ‘PT’ es robado y comienzan a utilizarlo para invadir las mentes de sus creadores, destruyendo sus personalidades mientras duermen. Esto dará pie a una investigación para dar con el misterioso criminal.

Satoshi Kon ha realizado hasta el momento cuatro largometrajes y una miniserie de 13 capítulos para televisión (todo de animación, por supuesto) que pasó fugazmente por la televisión de este país. En concreto, Kon comenzó su carrera como director con ‘Perfect Blue’, una extraordinaria obra maestra de la animación que supone el principal referente a la hora de analizar toda la obra posterior del japonés. A este título siguieron las excelentes ‘Millenium Actress’, donde baja un poco el listón, ‘Tokyo Godfathers’, un emotivo cuento navideño que sigue en ese peldaño inferior, ‘Paraonia Agent’ (serie), que tiene episodios de muy variado nivel (algunos sencillamente sensacionales y otros un tanto aburridos), y, por último, el año pasado, ‘Paprika’. Sorprendentemente, todas estas obras, salvo la última, por razones obvias, están disponibles en DVD en España y el consumidor no tiene excusas para no hacerse con ellas; de hecho, ‘Millenium Actress’ y ‘Paranoia Agent’ tienen ediciones muy interesantes, aunque su elevado precio puede asustar a más de uno (realmente, la edición de Paranoia es menos valiosa de lo que parece a primera vista, pero es la que hay y siempre podían haber colado una edición raspada y simplona).

Kon juega mucho en sus films con el cambio de realidades e identidades. Es normal en sus películas, por ejemplo, que un personaje esté diciendo/haciendo algo y en un momento concreto, la imagen cambia y ahora contemplas a otro personaje o al mismo en otro lugar u otra época diciendo/haciendo exactamente lo mismo. Esto le permite una amplia variedad de posibilidades visuales que el realizador aprovecha con extrema soltura. En ‘Paprika’, la excusa argumental es la creación de una máquina que permite a alguien introducirse en la mente de otras personas, provocando cambios que pueden llegar a ser desastrosos. Kon nos sumerge en una serie de espectaculares fantasías que llegan a confundirse con la situación “real” de los personajes que llevan la investigación. Desde la escena inicial, donde vemos un vibrante y confuso sueño que contiene claves de lo que ocurrirá a continuación (otra seña de identidad en la obra del director), la película es un contínuo viaje donde las diferentes subtramas se van entrelazando y los diferentes personajes van descubriendo el sentido de lo que pasa a su alrededor e incluso dentro de sí mismos. El descubrimiento de una trama misteriosa que resulta ser mucho más compleja y peligrosa de lo que parecía en un primer momento es otro de los habituales recursos del director, muy efectiva para mantener al espectador pegado a la pantalla.

En definitiva, ‘Paprika’ es una explosiva montaña rusa de fascinantes imágenes animadas que atrapa al espectador desde el comienzo y no lo suelta hasta que aparecen los títulos de crédito. Una película que no os podéis perder; una nueva joya de Satoshi Kon, un realizador que merece más atención en nuestro país, empezando por un estreno de esta película en salas comerciales, tan saturadas de insípidos productos comerciales de usar y tirar.

Es imposible esperar algo mínimamente concreto de una película del prolífico Takashi Miike. Es capaz de cualquier cosa. Desde un violento drama como ‘Agitator’, pasando por una fantasía infantil como ‘The Great Yokai War’, hasta una insoportable salvajada como ‘Visitor Q’, por poner algunos ejemplos. Es un director tan explosivo, trasgesor y particular, que, válidamente, podríamos trazar una diferencia entre los aficionados al Cine que consistiría en: “han visto (al menos) una película de Miike” y “no han visto (aún) nada de Miike”. La obra de este cineasta suele ser cita habitual (y esperadísima) en el festival de Sitges. En la última edición presentó esta ‘Big Bang Love, Juvenile A’ que nos ocupa y que se estrenó en España el pasado 17 de noviembre; un absoluto bodrio para quien firma esta crítica que, sin embargo, provocó ensoñaciones celestiales en algunos asistentes de las tres sesiones que los responsables del festival decidieron adecuadas para el film (con razón, ya que el mero nombre de Miike provocó que se agotaran las entradas en todas las proyecciones). Sin embargo, cuando estos individuos lo único que repetían para defender la película era que la fotografía era alucinante… bueno, lo dejo ahí, está bastante claro.

La sinopsis de ‘Big Bang Love’ (‘46-okunen no koi’) es la siguiente: Jun es un joven introvertido que ha asesinado al cliente de un bar, Shiro ha conocido la violencia desde su más tierna infancia. Encerrados en la misma prisión y pese a sus aparentes diferencias, entre ambos se establecerá una estrecha relación que se verá interrumpida por un misterioso crimen.

Si crees que después de leer la sinopsis vas a ver la película y te vas a enterar de algo, como dicen los posters, ¡piensa otra vez! Takashi Miike se pone en plan “autor divino” y toma el guión de Masa Nakamura (basado en la novela ‘Shonen A ereji’ de Ato Masaki) para crear una absurda sucesión de imágenes tan elaboradas como incoherentes. Desde intercalar porque sí el despegue de un transbordador espacial hasta repetir innecesariamente ese recurso de dibujar los escenarios en el suelo que puso de moda ‘Dogville’. Estamos ante una inmenso engaño del calibre de ‘Izo’, aquel bodrio inaguantable donde lo único que ocurría era que el protagonista mataba a todo el que se ponía por delante. Por supuesto, como toda película siempre va a ser defendida por alguien, hay quien pretende hacer pasar esta ‘Big Bang Love’ por película profunda y compleja, en un desesperado intento por justificar la erección cerebral que les produce el realizador japonés. Como dije, resulta muy revelador que todos los que defienden la supuesta inteligencia del film sólo puedan destacar la excelente fotografia de Masahito Kaneko. Pero tampoco quiero que os asutéis demasiado, afortunadamente, la tortura cinematográfica dura poco más de 80 minutos.

En el reparto, destacan, por decir algo, porque aparecen más tiempo en pantalla, Ryhuei Matsuda y Masanobu Ando, los dos protagonistas de la película, los dos amantes cuya relación es la base central de la historia. Sus interpretaciones son planas e inexpresivas, como no podía ser de otra forma en una cinta donde parece que nadie, salvo quizá Miike en algún momento, sabe lo que está pasando.

En pocas palabras, ‘Big Bang Love, Juvenile A’ es una tomadura de pelo de uno de los realizadores más polémicos y anárquicos de los últimos años. Miike nos “regala” un experimento desastroso donde juega mucho con la imagen y no se preocupa lo más mínimo del contenido. Le da igual lo que cuenta, cómo lo cuenta y, por supuesto, si el espectador se está enterando de algo. ¡A la mierda el público! Es un señor inteligente, sabe que haga lo que haga, sea lo que sea, provocará la reacción entusiasta de los asistentes a los festivales donde, siempre, cuela sus obras, y de un buen grupo de fans en todo el mundo, a los que me ahorro calificar porque hay algunos que incluso tienen criterio y no escupen refinada palabrería barata al hablar/escribir. Por mi parte, a esperar lo nuevo de Miike, a ver si hay suerte.

‘Captivity’ se centra en Jennifer, una joven guapa y con éxito, que es secuestrada y encerrada en un sótano, sin motivo aparente. Al poco tiempo, descubrirá que no está sola, Gary también está encerrado, en una habitación junto a la suya. A través de una continuidad de desconcertantes juegos psicológicos, ambos desconocidos deberán luchar contra una astuta y retorcida mente.

Aunque tiene sus riesgos, una de las mayores garantías que tiene un aficionado al séptimo arte cuando se planta ante la diversa cartelera de un multicines es la firma del director. Con eso, puedes ir descartando mucha paja y seleccionar lo que a priori es más interesante. Como he dicho, tiene sus riesgos. Y aún más cuando se trata de cineastas como Roland Joffé, al que el calificativo de “irregular” le viene bastante bien. Este señor tiene en su filmografía (escasa en largometrajes) una joya como ‘La Misión’, película por la que es más conocido, y un horror como ‘La Letra Escarlata’. La labor de Joffé en ‘Captivity’ es tan habilidosa como la de un empleado de un burger americano, aunque bien es cierto que el pobre y efectista guión de Larry Cohen y Joseph Tura tiene enorme peso en el resultado final. Aún así, la dirección deja muchísimo que desear, Joffé no consigue imprimirle ritmo alguno a la narración y abusa de los trucos visuales tan despreciables que están ahora de moda, por culpa de los chavales adictos a los videojuegos con la capacidad de concentración de un mono mareado. Unos 7 años ha tardado Joffé en ponerse tras las cámaras; ya podía haberse esperado un poco más y elegir un poco mejor.

Los protagonistas de la película son Elisha Cuthbert (guapísima en todo momento, aunque esté siendo raptada, maltratada y demás, porque es la estrella de la función) y el menos conocido Daniel Gillies, dos especímenes atractivos en sus respectivos géneros, los dos habitantes de los sótanos para secuestrados que mantendrán una especial (y nada creíble) relación a lo largo del metraje. En un producto como el que nos ocupa, los personajes son lo de menos, no están desarrollados, son meros muñecos, caricaturas de seres humanos, que se mueven y actúan sin ninguna coherencia y reaccionan ante los crímenes o delitos más brutales de la misma forma que si un gato mea en un libro. Por tanto, los actores, independientemente de su valía, sólo pueden ofrecer interpretaciones deficientes (repito: aparte de que sean o no buenos actores, que en este caso es que no). Partiendo de un absurdo y lamentable guión, los personajes de ‘Captivity’ son del mismo tipo. En ningún momento el espectador se va a sentir identificado con nadie que aparezca en la pantalla y menos aún cuando se vaya descubriendo el “misterio” que siempre hay en estos thrillers de usar y tirar; por cierto, un misterio que, para colmo, cualquiera que haya visto un mínimo de cine en su vida, va a adivinar prontísimo. Y es que, realmente, no hay nada valioso en esta cinta, salvo el deleite visual por parte de lo fans de Elisha Cuthbert o de los perturbados de turno (pocos, espero) que sueñen con hacer algo como lo que se ve en la pantalla. Algo que no voy a desvelar, pero que provocará una buena cantidad de carcajadas en el público. Algo que pude comprobar complacido en Sitges, donde se proyectó esta película y donde pude verla (por cierto, acudió Roland Joffé). Ya veréis, lo bueno de estos bodrios es que después de verlas puedes charlar con amigos y partirte de risa recordando y modificando algunas escenas.

En resumidas cuentas, ‘Captivity’ es una malísima película que sólo aspira a ser consumida rápidamente, sin pensar lo más mínimo (porque entonces te las cargas) y hacer un poco de caja. Pero bueno, ahí tenéis la penosa saga de ‘Saw’ y ese bodrio de ‘Hostel’; mientras haya un público para ellos, existirán estos productos puramente comerciales. A pasar por caja, el que esté aburrido, guste de comida rápida y tenga euros de sobra.

Con su estreno aún pendiente en España (parece que, por fin, verá la luz el próximo 20 de abril), ya puede verse en los cines el trailer de ‘La Fuente de la Vida’ (antes del comienzo de la proyección de ‘El Último Rey de Escocia’), la última película del rara avis Darren Aronofsky, cuyo paso por diferentes festivales dejó un doble rastro de aplausos y abucheos, ambos con similar intensidad. La respuesta ante la película puede resumirse así, extrema, “o te encanta o la odias”, encontrando el director, según reveló en la breve rueda de prensa que dio en Sitges, precisamente lo que deseaba. Fue allí, en el marco del festival que antes estaba dedicado al cine fantástico y de terror, donde tuve la oportunidad de asistir a un pase de prensa gracias a Blogdecine, y disfrutar (porque a mí me tenéis que colocar en el bando de los que aplaudieron) de esta joya que ha dirigido Aronofsky. Una película que podría englobarse en el género de la ciencia ficción o de la fantasía, pero que, realmente, abarca mucho más, entrando en el mismo terreno que ‘2001’, de Dios, en lo que a búsqueda del sentido del ser humano se refiere.

La sinopsis de ‘La Fuente de la Vida’ (‘The Fountain’) indica que es una historia de ciencia-ficción que aborda la odisea de un hombre y su lucha a través del tiempo para salvar a la mujer que ama. Desde la España del siglo XVI hasta el profundo espacio del futuro siglo XXVI, el héroe de este film intentará encontrar el árbol de la vida, la entidad legendaria que otorga la vida eterna a aquellos que beben su savia, para intentar salvar la vida de su esposa enferma de cáncer. Realmente, y aquí entra un servidor en plan narrador, la película no va exactamente de eso. O quizá otro piense que sí. Depende de la interpretación que se haga de ciertos aspectos de la trama.

Darren Aronofsky goza de un prestigio envidiable si tenemos en cuenta su escasa filmografía. Antes de rodar la fuente, Aronofsky sólo había realizado dos largometrajes, ‘Pi’ y ‘Requiem por un Sueño’. Ambas películas arrastran una buena cantidad de fans en todo el mundo y son consideradas obras de culto. Aunque ‘Pi’ es bastante floja, con esa dura fotografía en blanco y negro que ha sido utilizada para darle más valor del que tiene realmente por el público entusiasta, la segunda, ‘Requiem’, es, definitivamente, otra cosa aparte. Realmente, es algo aparte considerando el Cine en general, resultando un film fresco, novedoso y con momentos memorables, donde el montaje y la banda sonora destacan extraordinariamente. Si algo llamaba la atención al ver su segunda obra, es que Aronofsky parecía haber “reinventado” su forma de hacer cine, o, quizá habría que decir, “evolucionado”. Esta idea vuelve a la mente al contemplar su última película, que sólo tiene en común con las anteriores el hecho de ser una obra nada convencional y generadora de respuestas muy diferentes en los espectadores. Algo que, como he dicho, Aronofsky comprobó complacido en cada festival donde pudo verse ‘La Fuente de la Vida’. De lo que no estaba nada contento, aunque se le veía con ganas de restarle importancia, a estas alturas, era de todo el caos que había supuesto la producción de la película, que en un tiempo iba a estar protagonizada por Brad Pitt y Cate Blanchett, y que estuvo a punto de acabar por no realizarse. Aronofsky reveló que había estado pensando unos meses, cuando todo parecía hundido, en otros proyectos; fue entonces cuando se dio cuenta de que tenía que hacer la película, como fuera. Esto implicaba arreglar el guión y dejarlo “producible”, cosa que hizo, recuperando el proyecto. De ahí el título de esta crítica y de ahí un poco el sentimiento, tras ver la película, de que podía haber ido más lejos, de que las limitaciones presupuestarias impuestas han impedido que la película pudiera volar hasta donde Aronofsky quería.

Hay bastantes motivos por los cuales ‘La Fuente de la Vida’ ha provocado y provocará reacciones de todo tipo (y aquí se incluye también la indiferencia, claro). Dejando a un lado “juegos” visuales más o menos discutibles, básicamente, el centro de la “polémica”, ineludible, radica en el tratamiento que da la película a la muerte, al fin de la vida. En la rueda de prensa a la que asistí, Aronofsky dijo que los productores habían calificado su guión como de “poema sobre la muerte”. Efectivamente, ésa sería una buena definición de parte de las intenciones del film, muy diferente a todo lo que vemos actualmente, y desde hace años, lo cual, al menos para un servidor, resultó una grandiosa noticia. Como señalaba el propio director ante los medios, la historia de la película, al centrarse en la muerte, toma referencias de muchos sitios, especialmente, de las diferentes religiones, al haberse preocupado tanto por esa circunstancia vital. He aquí el otro gran elemento de controversia en ‘La Fuente de la Vida’. Y es que tocar temas religiosos, o al menos acercarse a ellos, conlleva, desgraciadamente, el levantamiento instantáneo del mismo grupo de fanáticos de siempre. Como es algo que está ahí y no se puede evitar, por ahora, lo mejor es hacer oídos sordos en este aspecto. Ya comprobaréis las reacciones de algunos ante la parte final de la película.

Los protagonistas de ‘La Fuente de la Vida’ son Hugh Jackman, que probablemente realiza aquí su mejor trabajo hasta el momento, y Rachel Weisz, que aparece especialmente encantadora. Jackman es realmente quien carga con todo el peso del film, interpretando a un personaje que es tres a la vez, en diferentes épocas o mundos o realidades, y que hacen todo lo posible por encontrar esa fuente de la vida que salve a Weisz, en sus diferentes aspectos (o realidades); especialmente llamativa e impactante resulta la parte de Jackman como soldado colonizador, enfrentándose a los nativos americanos. Aronofsky dijo en la mencionada rueda de prensa que el actor estaba muy implicado en el proyecto y se le nota. Jackman está inmejorable, a un nivel similar al que nos ofreció en la fascinante ‘El Truco Final (El Prestigio)’. Especialmente inspirado en la parte final de la película, Jackman compone un personaje que son tres en realidad y a cuál más interesante, logrando un gran trabajo. Weisz participa menos activamente, aunque su presencia no deja de latir en todo el film, al ser el motor que mueve a los personajes de Jackman, y su trabajo es más que notable. Weisz, como he dicho, está radiante en la película, lo cual debe tener alguna relación con que, desde el rodaje, es la pareja de Aronofsky. Aparte de las dos estrellas, en el film vemos a gente como Ellen Burstyn (impresionante en ‘Requiem por un Sueño’), Sean Patrick Thomas o Donna Murphy, pero sus personajes apenas tienen relevancia, centrándose toda la historia en la pareja protagonista y sobre todo, como he dicho, en los papeles de Jackman.

En resumen, ‘La Fuente de la Vida’ es una extraordinaria aventura fantástica alrededor de la vida y la muerte, ofreciendo algunos de los momentos más inspirados que se han visto en los últimos años en una pantalla de cine. Una pequeña maravilla que, desgraciadamente, no ha podido ser todo lo que Aronofsky quería contar. Quizá haya que hacerse con el cómic. Personalmente, situaría a ‘Fountain’ al mismo nivel que la famosa ‘Requiem’. Y mucho cuidado, público, no se trata de una obra fácil, no es nada comercial, y requiere que el espectador se entregue por completo. Tenedlo en cuenta.

Este viernes 16 de febrero se estrena en España ‘Bosque de Sombras’, el primer largometraje de Koldo Serra, con un reparto internacional muy llamativo encabezado por el gran Gary Oldman. La película pudo verse en un pase especial, sorpresa (tú vas sin saber la película que te van a proyectar, un peligro para quien pague los más de 7 euros que vale la entrada), durante el pasado festival de Sitges al que un servidor asistió gracias a Blogdecine; en ese pase tuvimos la suerte de escuchar al propio Serra explicando algo de la producción del film y de cómo consiguió a gente como Oldman (supongo que en el DVD se comentará esto y mucho más). Su película parte de un argumento interesante, pero el desarrollo va destapando lagunas del guión y aunque Serra consigue algunos momentos de gran fuerza visual, el resultado final no es satisfactorio, quedando un producto herido que no consigue levantarse. Dicho esto, soy el primero en recomendar ir a verla, no es una película común en este país y merece esa oportunidad que damos por sentado para las obras indutriales norteamericanas.

‘Bosque de Sombras’ nos sitúa en un genérico norte de España, a finales de los 70, en el verano más cálido de los últimos años. Norman y Lucy son un matrimonio inglés que no atraviesa su mejor momento. Unas vacaciones junto a unos amigos, Paul e Isabel pasa por ser la solución. Alejados de Londres, lo que se presenta como un idílico fin de semana de naturaleza y caza en el caserío recién comprado por Paul, no acabará como ellos hubieran deseado. El choque cultural con los lugareños encabezados por Paco y el encuentro fortuíto de una casa abandonada, desencadenará una espiral de violencia entre ellos.

He titulado la crítica como “absurda violencia” porque, como ya se suponía al ver el trailer y leer la sinopsis, la película es dura y contiene pocas concesiones al espectador, incluyendo algunas escenas violentas que logran incomodar, sobre todo una escena de violación que sufre el personaje de Virgine Ledoyen; pero, y sobre todo en este caso, la mayor parte de la violencia es tan gratuita como bastante absurda. No resulta nada convincente todo lo que se hacen los personajes a base de fuerza y escopeta. En absoluto es creíble ese huracán de violencia que se desata a partir de la mitad de la película. Sí, de acuerdo, las gentes de los pueblos pueden ser la hostia de brutos, pero de ahí a violar a una mujer por el mero hecho de que le sale de… las narices, pues hay un largo camino. Cuando empiezan a disparar, en serio, te quedas con una cara de “pero bueno, ¿esto a qué viene?”. Desde luego, la violencia anima la película, pero aparece de la nada y justificada de una forma nada convincente. Al margen dejo el tema de la niña que se encuentran los protagonistas, algo sacado de la manga del guionista y que no se aprovecha para mucho, salvo para acelerar la sangre (fácilmente) a los violentos camperos-cazadores.

Sin duda, lo que más llama la atención de ‘Bosque de Sombras’ (que me perdone Serra) es su reparto, compuesto por actores españoles de renombre y actores internacionales de mayor renombre aún. Como dije antes, destaca sobre el resto (por méritos propios) Gary Oldman, quien no necesita presentación por ser uno de los actores más importantes de nuestro tiempo. Oldman cumple con lo que se podía esperar de él y mucho más, porque a ver quién es el listo que no duda cuando le oye hablar en español sobre la formación en este campo del actor; Viggo Mortensen quedaría totalmente en ridículo si comparáramos su acento con el que logra Oldman en ‘Bosque de Sombras’ (pero bueno, me diréis, con razón, es que Oldman es un gigante al lado de Mortensen, de acuerdo). Aparte de este detalle (importante, porque hay que entender al actor y la preparación del papel es un factor clave, ¿o no?), Oldman está inmenso en todo momento, logrando que el espectador se ponga de su parte automáticamente y consiguendo momentos realmente para el recuerdo (no puedo decir uno en concreto, pero hay por ahí un poster en inglés que desvela la mejor escena del actor). Sin duda, lo mejor de la película. Pero ahí tengo que mencionar también a Lluis Homar, impecable, otro que llena la pantalla y cuando la comparte con Oldman es cuando la película alcanza su mayor nivel. A Homar le quedará una escena cercana al desenlace (de nuevo no puedo hablar) que a más de uno le recordará a muchos otros filmes por la lluvia pero no sería justo negar a Serra que logra un clímax sensacional (desgraciadamente, la resolución del mismo es bastante decepcionante). Por otra parte, tenemos a Paddy Considine, que al lado de los dos que he mencionado queda aún peor de lo que hace realmente; su labor podría resumirse diciendo que está muy soso y que no logra transmitir lo que se espera de su personaje, con mayor importancia de lo que parece en un principio. En cuanto a las dos chicas, ambas guapísimas, Aitana Sánchez-Gijón y Virginie Ledoyen, decir que parece que estén para lucir su (estupendo) tipo. Prueba de ello es una escena totalmente gratuita en la que las dos se dan un baño en medio del bosque y vemos cómo se desnudan; una escena insertada con calzador y sin ningún valor salvo el deleite para la vista de todo espectador masculino (gracias, Serra).

‘Bosque de Sombras’ es una película fallida, en un gran intento que no funciona, absurda por momentos, muerta desde el defectuoso guión (el guión que deja ver el film, claro, el escrito no lo he leído) pero animada y casi puesta resucitada gloriosamente gracias a los excelentes Gary Oldman y Lluis Homar, y a la contenida y sutil dirección de Koldo Serra, a quien desde luego se le desea lo mejor para su segundo largometraje, que esperemos no tarde en llegar. Contando con la suerte de un guión mejor construido y un reparto donde prime más la calidad que el nombre, Serra se superará. Aquí esperamos.

Seis años han pasado desde que Paul Verhoeven, al que el calificativo de polémico que le viene como anillo al dedo, se pusiera detrás de las cámaras por última vez. ‘El Libro Negro’, su nueva película, puede catalogarse como una grata sorpresa. Un notable film de espionaje, seco, realista, directo, y, sobre todo, con un ritmo endiablado que hace que no notes las casi dos horas y media de duración. El único gran problema (injusto, por otra parte) es que a estas alturas una película sobre el mundo nazi resulta de lo más cansina, de tanta producción que lo ha tenido como centro argumental o como excusa para desarrollar una historia. En cualquier caso, Verhoeven sabe que parte con este déficit, y por eso desarrolla una serie de personajes poco convencionales en una serie de situaciones de suspense casi constante. No le habría venido mal a Steven Spielberg hablar con el director holandés antes de desinflarse con su ‘Munich’.

‘El Libro Negro’ (‘Zwartboek’) está ambientada en torno a la Segunda Guerra Mundial y cuenta la historia de una cantante de ascendencia judía que tiene que sobrevivir en la Holanda ocupada por los nazis. Poniendo en peligro su vida, se unirá a la resistencia para tratar de encontrar a su familia. Llevando una doble vida, conocerá a un alto mando nazi, con el que mantendrá una delicada relación de amor y engaño.

Resulta sorprendente que un señor que ha dirigido ‘El Libro Negro’ tuviera como film anterior ‘El Hombre sin Sombra’ (2000). Paul Verhoeven necesitaba un descanso y un cambio de aires, ahora no hay duda. De realizar un vacío producto inflado de efectos especiales (y de paso un estúpido remake) destinado a tratar de arrancar unos millones de dólares de la juvenil taquilla norteamericana, a un intenso drama de suspense sobre una espía que lo arriesga todo por contribuir a la liberación de un país de las garras del ejército nazi… hay un paso enorme. Seis años que no dirigía y más de veinte que no lo hacía en su país de origen, Verhoeven parece haber recuperado la autoestima alejado de ese campo de sueños/pesadillas que es Hollywood (que le pregunten a Lynch sobre esto), y se le encuentra pletórico en su nueva propuesta cinematográfica.

He mencionado a Spielberg en el primer párrafo porque considero que ‘El Libro Negro’ guarda relación con ‘Munich’ y, en la odiosa comparación, el holandés le gana la partida al norteamericano. Ambas películas centran su argumento en una doble vida de los protagonistas, personas de carne y hueso, como cualquier otra, llevadas a cometer delitos/crímenes contra otras personas por el supuesto bien de su pueblo. El espionaje es fundamental en los dos films. Por otra parte, los asesinatos fríos, torpes, realistas, de ‘Munich’ son similares a los que vemos en ‘El Libro Negro’, sobre todo cuando actúa la resistencia. En la realización también podemos ver mucho parecido, ambas películas intentan ser “Cine de antes”, con una puesta en escena elegante, sin artificios estilísticos, ni exagerados juegos de cámara, sin ordenadores, mostrando acción palpable, que casi traspasa la pantalla, nada de secuencias imposibles. Lo importante, tanto en la obra de Spielberg como en la de Verhoeven, es que el espectador vea y viva una historia “real” que coloca a personas “reales” en situaciones al límite. Aspectos como el compromiso, la valentía o el patriotismo, son sólo ingredientes complementarios. Y, terminado con las similitudes, no menos importante, no hay que olvidar la carga personal que hay en ambos proyectos para sus realizadores. Sin embargo, donde Spielberg resbalaba, quizá por eso de la trascendencia de su nombre y del proyecto, Verhoeven se ha alzado con fuerza. Spielberg caía en los tópicos y en querer exprimir al máximo momentos emotivos, pretendiendo a veces no querer que se viera la factura de producto millonario; Verhoeven no huye de nada, se atreve con todo, y no le importa hundir en la mierda a su protagonista o dejar en buen lugar a un sanguinario nazi. Eso sí, el realizador holandés no tiene el genio del norteamericano, evidentemente, no me vayáis a malinterpretar.

Siendo el director de ‘Delicias Turcas’, ‘Instinto Básico’ o ‘Showgirls’, uno sabe que Verhoeven gusta de mostrar carne. Y sabiendo que ha dirigido ‘Robocop’, ‘Desafío Total’ (sus dos mejores obras, auténticos clásicos del género de la ciencia ficción) o ‘Starship Troopers’, sabemos que habrá violencia, escenas desagradables. En ‘El Libro Negro’ encontraremos tanto lo uno como lo otro, en raciones satisfactorias, pero sobre veremos lo que ya he comentado arriba, un realismo que Verhoeven ensucia hasta niveles que dañarán la sensibilidad de más de uno en determinadas escenas. Hay una frase en la película que resume gran parte de las intenciones del director al contar esta historia. No recuerdo quién la dice y no sé como la doblarán al castellano cuando la película llegue a los cines, pero creo que se entiende perfectamente: “Every survivor is guilty in some way”. No es una forma muy heroica de hablar de los vencedores, ¿eh? De hecho, si algo destaca del tratamiento de los “héroes” de esta historia, es que están desmitificados, nadie es bueno, sólo los hay “menos malos”.

En cuanto al reparto, en ‘Black Book’ destacan dos nombres, Carice Van Houten y Sebastian Koch. Van Houten es la guapa protagonista que ilumina el poster de la película y los dos fotogramas que he colgado en esta crítica. A su evidente encanto natural, que en el film es usado por su personaje para cumplir con sus objetivos y que Verhoeven no duda en mostrar para deleite del público masculino, hay que sumarle una excelente interpretación; es de esas veces que piensas que no ninguna atriz lo habría hecho mejor. Koch tiene un personaje muy interesante, al sufrir unos cambios importantes en una evolución muy bien llevada por el guión; es un alto mando del ejército nazi que sabes que es un (perdonad la expresión) completo cabronazo, pero conforme va avanzando la trama, vas acercándote a él y llegas a sentir compasión por su situación. Lo dicho, el guión aquí acierta de pleno. Por cierto, resulta muy curiosa la diferencia que hace Verhoeven (no sólo por ser el director, sino también como co-guionista) en cuanto a lo que son los hombres y las mujeres en esta película; ellos son arrogantes, violentos, y, normalmente, fáciles de engañar; ellas son pacíficas, simulan ser sumisas, pero consiguen lo que quieren cuando quieren. Con excepciones, claro, que confirman la regla. No comparo en esta ocasión.

En definitiva, ‘El Libro Negro’ es un intenso relato de supervivencia, un film absolutamente recomendable que nos devuelve a un Verhoeven en plena forma. Sí, de acuerdo, la película no es ninguna maravilla ni aporta nada realmente original, pero pocas veces vas a estar pegado a la butaca durante cerca de dos horas y media sin que te des cuenta. En Sitges recibió muchos aplausos (merecidísimos) y sorprendió que no estuviera presente en ese polémico palmarés; en España se estrena el próximo 2 de febrero. Esperemos que el próximo proyecto de Verhoeven, ‘The Winter Queen’, le permita continuar por esta senda.

En Blogdecine | Trailer y Posters de ‘El Libro Negro’ (‘Zwartboek’)

Por supuesto, tras una gran película, a un director se le exige el mismo nivel o incluso superior. Si, además, ese director tiene la aureola de ser un genio de lo audiovisual (justificación fundamental: vídeos musicales), la expectación es altísima. Pero vayamos más allá. Un proyecto a la medida del realizador (ahí tenéis el trailer para comprobarlo) y un protagonista de la talla (en términos no literales) de Gael García Bernal. Michel Gondry, responsable de la sensacional rareza ‘¡Olvídate de Mí!’ (terrible título español para ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’), no nos entrega la obra que cabía esperar, entre otras cosas, porque parece no quererlo. A cambio, nos ofrece una comedia romántica. Vaaale. Nos conformamos. Al menos, se pasa un rato entretenido.

‘La Ciencia del Sueño’ (‘La Science des Rêves’) cuenta la llegada de Stéphane a París, para trabajar en una empresa de publicidad. El joven trae consigo muchas ilusiones, proyectos y sueños, pero la realidad le baja de las nubes, al encontrarse con un empleo monótono y aburrido. Stéphane se refugiará en sus extraños sueños para soportar la situación. Más tarde conocerá a su vecina, Stéphanie, de la que se enamora. Los sueños irán afectando su vida diaria y llegarán a convertirse en un problema, no pudiendo diferenciar cuándo sueña y cuándo no, por lo que deberá tratar de controlarlos.

Es curioso lo que ocurre cuando vas a comentar una película. Seguro que os ha pasado que encontráis, pasado un tiempo, con que la película ha “ganado” o “perdido” (por hablar en términos fácilmente reconocibles). A mí me suele gustar darme cuenta que en mi memoria ha quedado lo más importante de la película, con lo cual me doy cuenta, por ejemplo, de lo vacío que resulta un determinado film o de lo mucho que he hablado de otro (con lo que eso implica). ‘La Ciencia del Sueño’ fue la primera película que vi en la pasada edición del Festival de Sitges; gracias a Blogdecine, pude acceder al pase para la prensa, que fue a las 8 de la mañana (una hora estupenda para ver una película) y al salir me encontré con que era de los pocos a los que no le había parecido una pérdida de tiempo. Seguro, no quiero pensar mal, que una simple y fresca comedia romántica de argumento sencillísimo no era lo que se esperaba el selecto público, pero bueno, al César lo que es del César. La película entretiene durante sus minutos y contiene algunas escenas realmente inspiradas, donde el director (y guionista) da rienda suelta a su fantástica imaginación y nos brinda una serie de sueños a cuál más extraño y divertido (con técnicas “caseras”, la mayoría). Creo que sólo podemos pedir más porque es Gondry, pero si fuera otro… Es un poco lo que le ha pasado a Woody Allen, perdón, al genial Woody Allen con su hilarante ‘Scoop’. Muchos quisieron ver otra ‘Match Point’ y al encontrarse una comedia, se salieron de la pantalla desde el principio (quizá para pensar en sus serios problemas personales o en su problemática falta de concentración).

En cuanto al reparto, destacar inevitablemente a Gael García Bernal, cada día más consolidado como una de las figuras interpretativas internacionales. El actor está excelente como Stéphane, cae simpático desde el principio (aún más con momentos como el de las gafas en 3-D, una “cagada” que a más de uno nos ha pasado, al menos de forma similar, o el de la máquina del tiempo) y se mueve como pez en el agua con un personaje que prefiere la comodidad de su particular mundo irreal a la insatisfactoria realidad diaria. Por otra parte, resulta muy notable la labor de Charlotte Gainsbourg, que interpreta a Stéphanie, la media naranja de Stéphane (bueno, más o menos); se la ve muy natural y la evolución de su personaje así como algunos momentos “neuróticos” están muy logrados. Por último, mención especial para Alain Chabat, encarnando al personaje que más carcajadas logró arrancar, y sólo con gestos o frases cortas; lástima que salga tan poco y quede un tanto desaprovechado.

En definitiva, Gondry nos cuenta con ‘La Ciencia del Sueño’ una historia similar a ‘Olvídate de Mí’ pero se sitúa un peldaño por debajo, tanto a nivel de originalidad o de inventiva (entendamos esto relativamente, estando en la época que estamos) como de medios (y no me refiero sólo a lo conocido del reparto). Por tanto, nos quedamos con una comedia romántica, de argumento simplón pero efectivo, salpicada de “escenas made in Gondry”. A quien firma le resultó más que suficiente.

Anticipándose al estreno en España (para diciembre), ‘Mentes en Blanco’ se proyectó en la pasada edición del Festival de Sitges, ganándose, para mi sorpresa, una positiva reacción general de los asistentes al pase de prensa. A la salida del inmenso Auditori, escuché a varios señores, algunos con esas “modernas” gafas de pasta negra, argumentar que, teniendo en cuenta el bajo nivel de la programación, la película era muy buena. No sabía yo que había que analizar una película comparándola con lo que se ha visto últimamente. Entonces, si recientemente ha pasado por tus retinas, por ejemplo, alguna de las obras maestras de John Ford, lo indicado es puntuar con un cero a todas las actuales que veas a continuación. En fin, la lógica de siempre. Que si las expectativas, que si la butaca, que si el carnicero me ha cobrado de más, etc. Lo cierto es que ‘Mentes en Blanco’, ya veréis las críticas cuando se acerque el estreno, podría haber sido un interesante episodio de alguna serie de televisión (ahora que están tan de moda). Como película, se queda cortísima, apagándose poco a poco para tratar de entusiasmar con un giro final de esos que tanto gustan a la gran masa. Ahí tenéis los ejemplos de la mediocre ‘Saw 3’ o la engañabobos de ‘El Ilusionista’.

‘Mentes en Blanco’ comienza con la cámara recorriendo un almacén aparentemente vacío hasta que un hombre allí tumbado se despierta. Sin acordarse de nada de lo ocurrido y ni tan siquiera de quién es, descubre a otros cuatro hombres a su alrededor, inconscientes y con heridas de diversa importancia (hay uno que está medio muerto). Pronto, todos van despertando pero tampoco recordarán ni su identidad ni lo que ha pasado para que estén todos ahí encerrados. A partir de una llamada de teléfono, descubrirán que los cinco que están allí pertenecen a dos bandos: secuestradores y secuestrados. ¿Quién es quién? Los recuerdos comenzarán a llegar poco a poco, mientras tratan de escapar, antes de que lleguen los que han llamado, armados y dispuestos a acabar con los rehenes.

Con este atractivo punto de partida comienza la acción de ‘Mentes en Blanco’ (curiosa traducción del original ‘Unknown’), un thriller que se va apagando conforme se van desvelando las cartas que antes estaban boca abajo. Suele ocurrir en este tipo de producciones, con guiones muy efectistas reforzados por un montaje que unos llaman electrizante y otros mareante. Lo cierto es que estas historias están cortadas por el mismo patrón, son todos iguales; se abren con una situación problemática, transcurren con engaños para el espectador durante una hora y finalizan con el ya clásico “desenlace a lo Shyamalan”. Sin embargo (y hablo de cintas comunes, como la que nos ocupa, no de las de Shyamalan), hay que ser muy hábil para que el público no se canse con el chicle que le has dado durante tanto tiempo, para mantener la atención del espectador hasta que le sueltes el golpe final, y éste no es el caso, aunque se note menos por la presencia de un reparto que sostiene los cimientos de cartón. Efectivamente, es la progresiva resolución de los misterios y el desarrollo de una trama inestable lo que pierde a la película y, concreto, a su realizador, el debutante Simon Brand. Por cierto, me he reído mucho al leer, en la influyente Imdb, el comentario de un gracioso, un familiar de alguien que ha invertido dinero en la película, que ha comparado esta ‘Mentes en Blanco’ con ‘Reservoir Dogs’ (porque los protagonistan hablan de un pasado reciente, en un almacén, a base de flashbacks), ‘Saw’ (porque nadie sabe lo que pasa y el juego se revuelve al final) y ‘Sospechosos Habituales’ (porque siempre viene bien ser comparada con esta joya). No sé si es simple marketing o simple empanada mental. En todo caso, una tontería.

Como he dicho antes, Brand se estrena como director con este thriller-puzzle y el resultado no le deja en mal lugar. Se le adivinan buenas maneras, manejando con soltura gran parte del metraje, sobre todo la primera mitad. Es difícil calibrar su trabajo con los actores, al contar con una serie de intérpretes tan competentes como los que ha tenido a su servicio. Todo un lujazo que no alcanzo a comprender. En todo caso, no los hace patinar, lo cual, visto lo que han hecho en otras ocasiones, es complicado pero no imposible. La labor de Brand, sin embargo, se ve encorsetada por un guión tramposo, totalmente preocupado por los trucos, por los giros sorprendentes, forzando la acción, sin prestar mucha atención a la consistencia de la misma ni al desarrollo lógico de unos personajes un tanto desaprovechados (apenas se los desarrolla). Un guión, de Matthew Waynee, que necesita de una increíble amnesia colectiva para comenzar a caminar. Y camina a base de flashbacks, pistas falsas y un buen número de situaciones que pueden provocar tanto mantenerte pegado a la pantalla como hacerte desconectar por completo. Básicamente, si no entras al juego en los primeros minutos, es mejor que te ahorres el resto. No mejorará, al contrario. A menos que seas de los que dan por buena una película si tienen un final inesperado. Entonces, tú también, quédate.

Lo que más destaca de la película, sin lugar a dudas, es su llamativo reparto, lleno de caras conocidas, actores con evidente talento que parecen pedir a gritos más oportunidades. El papel principal corre a cargo del casi siempre excelente Jim Caviezel, tan acertado como le permite su desdibujado personaje, que consigue mantener gracias a su carisma; el final le dejará tan descolocado como al espectador. Por otro lado, tenemos a un más que correcto Greg Kinnear, preocupado en cambiar su imagen de actor cómico, y al que sigo viendo un pelín exagerado. Joe Pantoliano (ya sabéis, el traidor de ‘Matrix’) tiene uno de los papeles más intrascendentes de la película y se lleva prácticamente todo el tiempo sin nada que hacer, atado a una silla. El mejor de todos, aunque cuente con menos protagonismo del que debería, es el cada vez más inspirado Barry Pepper, al que muchos recordaréis por protagonizar la horrorosa ‘Campo de Batalla: La Tierra’ pero también por la magnífica ‘La Última Noche’, donde mantenía el tipo sin problemas frente a Edward Norton y Philip Seymour Hoffman. En un papel muy sencundario, encontraremos al encasillado (porque hay pocos que encajen mejor que él en su papel) Peter Stormare, como el villano psicópata al que temen todos los demás. Y la única “chica” del film es la muy atractiva Bridget Moynahan (¿os acordáis de ‘Yo, Robot’?), cuyo trabajo se limita a lucir palmito mientras ayuda a los ineptos policías que tratan de resolver el caso y rescatar a los secuestrados. Ella, sin embargo, tendrá la clave del final sorpresa. Y hasta ahí puedo contar.

En definitiva, ‘Mentes en Blanco’ es un film insuficiente. Estamos ante una película que podía ofrecer mucho más pero se queda en lo superficial, una del montón, tal como suena, de usar y tirar; un thriller con un punto de partida muy interesante, que daba mucho juego, pero que no acaba de desarrollarse, todo un juego de artificio cuyo único propósito es llevar al público hasta un giro final inesperado, con la esperanza de que no se replantee todo lo anterior. ¿Te vale? Ve a verla, pasarás un rato entretenido. ¿No te vale? No vayas, no pierdas el tiempo. Hay mucho por ver, eso de que el Cine está en crisis es palabrería barata.

Incluso en películas malas como esta ‘El Ilusionista’ (‘The Illusionist’), de inminente estreno en las salas españolas, siempre podemos refugiarnos en este actorazo increíble llamado Paul Giamatti, que aprovecha el papel que sea para mostrar todo su inmenso talento. Alguno se acordará de la flojísima ‘Cinderella Man’, donde ocurría casi lo mismo, aunque ahí, a diferencia de aquí, sí había otro grande, como es Russell Crowe, para darle la réplica. Si hace unos días reclamaba desde este mismo sitio un Oscar merecidísimo (desde hace mucho, claro) para el maestro Martin Scorsese, por esa implacable obra maestra titulada ‘Infiltrados’, ahora le toca el turno al sensacional Giamatti, uno de los mejores actores del momento, sin discusión. Suele pasar que a un actor le acaban dando la estatuilla por una película menor, compensando el premio que debieron darle por una película mayor. Ojalá ocurra esto en la próxima edición de los Oscar. Eso sí, si le nominan, tendrá delante al monstruo Nicholson. Mala suerte. Pero vayamos al asunto principal de esta entrada…

‘El Ilusionista’, como digo, es una mala película que gira en torno a un señor llamado Eisenheim, famoso e increíble “mago” (ilusionista, vamos) de principios del siglo XIX que vuelve a Viena tras estar años exiliado, para mostrar su sorprendente espectáculo. Allí tendrá, muy pronto, problemas con el príncipe heredero Leopold, por su relación totalmente formal con la atractiva Sophie, antiguo amor de Eisenheim (por eso tuvo que marcharse). El mago no dejará que el poderoso aristócrata le impida acercarse (y mucho más) a la joven Sophie, con la que trazará un plan para poder escapar y vivir por fin juntos.

Y para contar ese sencillo punto de partida, al realizador Neil Burger no se le ocurre otra idea más torpe que empezar la película con un irrisorio prólogo, con diálogos penosos y una realización de juzgado de guardia (yo creo que eso no habría pasado el corte ni en televisión). Horrorosa forma de comenzar ‘El Ilusionista’, y terrible presagio, me dije a mí mismo sentado en una comodísima butaca del gran Auditori, en Sitges, en cuyo festival se proyectó este ridículo film de manera adelantada al resto de España (espero que no se me lance al cuello ningún nacionalista por decir eso). Menudo chasco me llevé y menudo chasco os váis a llevar muchos. Aquí podéis desahogaros, no os preocupéis.

Por supuesto lo malo no acaba ahí, en ese lamentable comienzo, casi toda la película es penosa, desde la torpe idea que tiene Burger de la puesta en escena y el montaje, pasando por un guión lleno de incoherencias y secuencias absurdas, hasta las limitadas posibilidades de casi todo el reparto, en manos de un señor que es muchas cosas pero también un inútil tras la cámara. Porque se puede valorar el esfuerzo (hay que ser gilipollas para ponerse a valorar estas cosas a las alturas en que estamos) pero nunca este desastroso resultado. Efectivamente, el prólogo es sólo un avance de lo que está por llegar, una película vacía, artificiosa, sin fuerza alguna y cuyo mayor reclamo, como no podía ser de otra forma, residen en contar con dos actores de gran prestigio como son Edward Norton y Paul Giamatti, el verdadero mago de la función.

No sé si llegásteis a ver una escena de esta misma película que colgó mi compañero (el inimitable) Red Stovall hace un tiempo, en la que aparecían Norton y Giamatti sentados a una mesa, charlando. Red decía, con toda la razón, que le había sorprendido cómo Giamatti, con la sencillez que caracteriza a los grandes, se comía con patatas a Norton. Ahí sólo podíamos juzgar una escena. Pero es que es así en toda la película. Y conste que no estoy menospreciando a un Norton que nos ha dejado grandes interpretaciones en su aún corta (pero intensa) carrera. Me refiero a su labor en la inquietante ‘American History X’ o en la correcta ‘Las Dos Caras de la Verdad’. Sin embargo, Norton es un auténtico pelele en manos del gigantesco Giamatti. Parece todo un principiante que ha comenzado su carrera con esta tonta película. Porque aquí no se le puede echar la culpa al guionista (que es malo para todos) o al director, ambos son igual de malos para todos, no hay favoritismo para nadie; en todo caso era Norton quien lo tenía más fácil, al contar con el personaje más atractivo. El papel de Giamatti es secundario y sin ningún toque de originalidad, salvo el tratamiento sin igual que le aporta el actor(azo).

Me decía ayer mismo Red, en una de esas conversaciones teléfonicas que me regala a menudo y que tanto valoro, que reivindicar la versión original en esta crítica (y en cualquier otra) iba a ser algo totalmente innecesario, de cajón. Y tiene toda la razón. Pero, y esto es lo que le comenté, en este caso me parece necesario ser tan obvio porque el resultado, la interpretación COMPLETA de Giamatti, que se pierde cualquier espectador que vea ‘El Ilusionista’ doblada al castellano, es extraordinaria. Es que el Giamatti original se come la pantalla y el Giamatti doblado es uno cualquiera. ¡Y todos deberían poder disfrutar al original! Vamos, digo yo, igual hay un grupo ahí fuera, armado con antorchas y biblias, que sólo desean consumir (tan rápidamente como se pueda) las películas en el mismo idioma en que ellos gruñen. ¡Será eso!

Por supuesto, en el reparto no están sólo el plano Norton y el gran Giamatti. En papeles secundarios de relativa importancia en esta fallida historia, encontramos a unos sosos Jessica Biel (quien sigue disfrutando de una situación inmejorable gracias a su cuerpo) y Rufus Sewell (ha estado mucho mejor en otras ocasiones). Biel, simplemente, le viene grande el papel, estando la “actriz” (me da la risa) imposibilitada a día de hoy para ponerse en la piel de una mujer que debe manejar un conjunto de situaciones realmente difíciles, en definitiva, emocionarse y emocionar al espectador. No lo consigue ni de lejos. Ya digo, es guapa y está ahí. Vale. En cuanto a Sewell, sigo pensando que es un actor interesante, al que hay que seguir, pero, sinceramente, me está dando razones para retirarle esa confianza y situarle en ese gran conjunto de intérpretes cuya etiqueta más apropiada es “no me pongan en el mismo plano que a un actor mejor que yo” (es decir, que le saquen siempre solo o junto a Eduardo Noriega).

Especial mención merece, y ya voy acabando, el giro final (que no revelaré, tranquilos) de la película. Realmente, no me reí porque no soy un maleducado y se notaba que en la sala el film estaba gustando (aunque fuera tímidamente), pero hubiera sido lo más indicado. Hablando claro, ‘El Ilusionista’ está montada como si fuera un truco más, sorprendente y brillante, de ese mago que interpreta Norton, pero el resultado es casi insultante. No sólo está fatalmente escrito, careciendo de todo sentido, sino es que el espectador lo ve venir desde el principio y no le resulta en absoluto inesperado, más bien estúpido (y me refiero a espectadores mínimamente avispados y con algo de experiencia en esto de ver cine, que igual hay quien no ha visto tres películas en su vida y se traga todo lo que le echan con satisfacción e inocencia). Por tanto, de lo torpes que son, el guionista y el realizador, el tiro les sale por la culata, enterrando lo que podía haber sido una historia mucho más interesante, sin ceñirse a la gilipollez de montarlo todo para lucir un final sorpresa totalmente innecesario.

En definitiva, una película vacía, torpe, y ridícula, fuegos artificiales sin pólvora, sin espectacularidad, sin colores… sin gracia. Si tenéis la suerte de verla en versión original, seguramente os merecerá la pena sólo por disfrutar de la extraordinaria interpretación de Paul Giamatti. El resto, para olvidar desde ya mismo. Como he dicho ya en otras ocasiones, hay mucho por ver y poco tiempo, no lo perdáis en tonterías como ‘El Ilusionista’; en todo caso, esperad al DVD. Ahí, en otro ambiente, quizá os merezca la pena.

Estrenada hace poco en toda España, ‘Wicker Man’ (aquí le han quitado el inicial ‘The’ del título original porque sí) fue una de las últimas películas que tuve la suerte de ver (en versión original subtitulada) en el marco del fantástico Festival de Sitges. Dirigida por el prestigioso Neil LaBute, la película es un remake de una cinta que a Red Stovall le pareció muy buena y está protagonizada por el hiperactivo Nicolas Cage, al que, de tanto defenderle (hay que ver lo oportunistas que son algunos), le estoy cogiendo bastante afecto. Debo decir que tras la proyección de ‘Wicker Man’, la mayor parte de las reacciones fueron muy negativas, similares a la de mi compañera Beatriz. Fui de los pocos que lo pasó en grande con esta rarísima mezcla de géneros.

‘Wicker Man’ se centra en Edward Malus (Nicolas Cage), un agente de policía traumatizado desde que no pudo salvar a una madre y su hija del fuego de un violento accidente. Sin embargo, se le presenta una posibilidad de redención en forma de carta. Una antigua novia suya le pide ayuda para encontrar a su hija desaparecida. Malus deberá entonces trasladarse a una isla privada, cuya extraña sociedad (que vive sin ningún tipo de elementos modernos, como los Amish) está liderada por la matriarca hermana Summersilse. Malus sólo encontrará dificultades, incluso desde la que le llamó, cuya versión de los hechos no comparte nadie más en la isla. Según la población, la niña no existe.

Neil LaBute dirige y firma el guión de ‘Wicker Man’, para sorpresa y, sobre todo, desconcierto de todos. ¿Qué hace un dramaturgo dirigiendo un remake comercial? Por supuesto, el cambio radical de género y producción de LaBute ha sido la principal baza de los que han puesto a parir su nueva película, alegando cosas como ‘no sabía dónde se metía’ o ‘es que no vale para hacer esto’. Personalmente, estos argumentos me parecen tan válidos como decir que LaBute necesitaba dinero para construirse una piscina y por eso firmó realizar ‘Wicker Man’. Da igual. ¿Qué nos importa eso? Lo relevante es el resultado, independiemente de quién lo ha hecho. Por supuesto, conocer al autor te da pistas y y respuestas. Pero en este caso, tanto unas como otras son falsas. Y hablo tanto desde el punto de vista del crítico como del espectador. ‘Wicker Man’ es una película que juega con la confianza de quien la ve, le despista constantemente, como al protagonista de la historia. A algunos este juego le parecerá una chorrada (y ahí están los abucheos escritos), pero a quien firma esto le pareció sumamente divertido.

Debo decir que la música del siempre magnífico Angelo Badalamenti es un elemento fundamental en la película, que se juega gran parte de su atractivo en la ambientación y el clima de suspense, por eso que decía antes de despistar siempre y no darte nunca lo que esperas. En este sentido, me parece tan bueno como malo el argumento y las líneas principales del guión. Y sí, he dicho tan bueno como malo. Porque, como digo en el título, ‘Wicker Man’ es un film ridículo. ¡La historia lo es! Tiene tantas lagunas y tantos giros ilógicos que, seguro, producirá bastantes risas entre el respetable. ¿Sabéis qué? Yo creo que eso es seguirle el juego a LaBute, por mucho que suene a coña. Un ejemplo, que considero fundamental: hay una escena en la que Cage ve a la niña que estaba buscando, boca abajo en un lago… salta y va a rescatarla… pero ya no está; de pronto, se despierta y se da un susto porque tiene a la niña muerta en sus brazos; repentinamente, se vuelve a despertar y suelta un ‘¡¡me cago en…!!’. ¿Es una chorrada? Desde luego. ¿Consigue que te rías? A mí me provocó carcajadas y aún sonrío al recordarlo. ¿Era la intención de la escena? Yo me la juego a que sí. Por tanto, y es a lo que iba, la película es ridícula, sí, por supuesto, pero es lo que ha decidido ser, lo que ha pretendido. Desde que el personaje de Cage entra en la isla, todo se vuelve irreal y fantasioso, casi en un mundo de sueños y pesadillas, dando entrada a lo absurdo, lo divertido y lo terrorífico. Porque el final, por mucha tontería con disfraces que hay por medio (de nuevo ese toque de fantasía y de sueño), y a pesar de ese diálogo de serie Z (‘¡¡Oh, no, mis piernas!!’), es uno de los más desgarradores, traicioneros y cabrones (perdón) que se puede ver en una pantalla de Cine.

Le he mencionado ya mucho y aún no he concretado nada sobre el protagonista de la función, el injustamente discutido Nicolas Cage. Suyo es el personaje que sostiene toda la película, guiando siempre al espectador por esta pesadilla absurda en la que se embarca para ayudar a una antigua novia (argumento tonto donde los haya para meter a un personaje en semejante trama… pero ya hemos hablado de esto). Cage no sólo cumple con lo que se podía esperar de una estrella de su calibre, gran reclamo del film, sino que aporta mucho más, revelándose como un excelente anti héroe que pasará más tiempo como víctima de la extraña población que como investigador típico, duro y resolutivo. El actor está inmejorable, bordando un papel que en otras manos habría resultado un auténtico plomazo acartonado; se nota que LaBute y él sabían lo que había que hacer. Especialmente importante es el sentido del humor que aporta Cage en muchas escenas, con respuestas y gestos de un tono socarrón, sarcástico, que es muy de agradecer. Pero aún lo es más cuando cumple con la voluntad del público, por muy incorrectas que sean, algo raro en este tipo de producciones. Me refiero, por supuesto, a la respuesta violenta (tras reprimir sus impulsos demasiado tiempo) de Cage ante las risitas y la indiferencia de algunas de las malvadas mujeres que pueblan la isla. Ya he dicho que en la sala en la que estuve la gran mayoría de los asistentes pusieron muy mal la película… pero es que cuando Cage da el primer puñetazo los aplausos y las risas fueron ensordecedoras. No creo que nadie vaya a malinterpretarlo, pero por si acaso: ¡es un película!

En cuanto al resto del reparto, poco puede decirse, ya que no tiene apenas relevancia otro personaje que no sea el de Cage. Casi todas son mujeres, claro, ya que en la isla representan el ‘genero dominante’. Con papeles de alguna importancia tenemos a la gran Ellen Burstyn, que interpreta a la líder de la isla, y a la atractiva Kate Beahan, que hace de la antigua novia del personaje de Cage. Burstyn sale poco pero cumple con lo que se puede pedir de ella, tiene el carisma para su papel y aguanta el tipo incluso con algunos diálogos bastante tontos (que se justifican, supongo, por la sociedad en la que vive esta población). Beahan es, sencillamente, un maniquí, sale poniendo morritos (que para algo los tiene tan carnosos) y punto; pero también se le puede echar una parte de culpa al guión, que desarrolla mal su personaje, haciéndolo bastante absurdo (pide ayuda pero luego no dice nada). Igualmente, aparece por ahí la joven y talentosa Leelee Sobieski, que apenas hace nada, y hay un par de cameos sorpresa (masculinos) que prefiero no revelar. No miréis en Imdb, listos.

Resumiendo, ‘Wicker Man’ es una película de suspense, con tintes de terror incluso, que no se toma en serio a sí misma, llegando a jugar con elementos cómicos, para dar esa sensación de irrealidad que envuelve al protagonista, un magnífico Nicolas Cage, en toda esta historia. Si hacéis eso mismo, no tomarla en serio, es muy posible que la película os resulte muy entretenida, hay momentos memorables y tanto el ritmo como la atmósfera de misterio están muy logrados. No quedará en el recuerdo, pero no está nada mal.

No sé si estáis al tanto, así que lo cuento. En la extensa programación del Festival de Sitges suelen incluirse varias sesiones (este año fueron tres) llamadas ‘sorpresa’. Sí, sí, tal como suena. Uno entra a la sala sin saber qué película le pondrán por delante. ¿Peligroso? ¿Emocionante? ¿Original? Algo así, un poco de todo. En una de estas sesiones sorpresa, cuando los rumores apuntaban hacia otros títulos más comerciales y de próximo estreno, se proyectó ‘Borat’, ante la dubitativa reacción inicial del respetable, que, eso sí, no tardó en aceptar, tímidamente, la atrevida propuesta del festival. Pero si hablamos de atrevimiento hay que destacar a un señor llamado Sacha Baron Cohen, un cómico británico con muy mala uva que no conoce el significado de la palabra vergüenza. Él es el protagonista absoluto de esta comedia cuyo mayor aliciente es reírse de los norteamericanos en su misma cara. Pero no se queda ahí. También se ríe de todos nosotros. Y sí. También en nuestra propia cara.

‘Borat’ cuenta cómo un periodista de Kazajistán se traslada a los Estados Unidos para grabar un documental, pero una vez allí cambia de propósito, al enamorarse perdidamente de Pamela Anderson; de este modo, hará todo lo posible por encontrarla y declararle sus sentimientos, con la esperanza de que acepte casarse con él. En su camino, aprovechará para tratar de entender, y adoptar, el modo de vida de los norteamericanos.

Desconozco cómo les habrá sentado a los compatriotas de George W. Bush el estreno, este pasado viernes, de ‘Borat’ (cuyo subtítulo es ‘Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan’), pero algo me dice que no va a hacer un gran papel en la taquilla, a pesar de sus excelentes (teniendo en cuenta lo que es esto) primeras cifras. Aunque nunca se sabe, los norteamericanos son muy imprevisibles y a veces nos sorprenden con un sentido del humor más flexible que el europeo, tan encantado de haberse conocido durante demasiados siglos y seguir estancados en el mismo sitio. Cuestiones territoriales al margen, esta película va a levantar polémica allá donde se proyecte, como ya ocurrió en el pasado festival de Cannes o en el de Toronto, donde, supuestamente, un accidente provocó que la sesión acabara a la mitad del metraje. En España estamos siempre muy atentos a todo lo que sea criticar a los EE.UU. pero no menos a sentirnos ofendidos a la mínima tontería que se diga dirigida a ciertos sectores de la sociedad y temas polémicos. Me ahorro escribir concretamente, porque todos nos conocemos ya muy bien. El 17 de noviembre aterriza en las pantallas de todo el país. Comprobaremos las reacciones.

‘Borat’ es tan directa como debería serlo cualquier comedia sin pasar por el aro. Es cierto que a veces se pasa, pero, ¿no estáis cansados ya de tanta película políticamente correcta? Quizá a alguno le venga a la cabeza el nombre de un documentalista aficionado a la comida basura y al modo de vida canadiense llamado Michael Moore. No sé si será casualidad o no, pero ‘Borat’ tiene una particularidad muy llamativa y es el acercamiento al género documental, llegando en muchas ocasiones a hacer dudar al espectador acerca de si lo que ocurre en pantalla es real o no. Este aspecto de la película es todo un acierto, aunque, se queda un poco corto, y uno se lamenta de que no se haya llevado hasta el límite, eliminando esos planos (pocos, todo hay que decirlo) donde la posición de la cámara evidencia claramente la ficción. La estética de documental de la película, siguiendo a Sacha Baron Cohen caracterizado como Borat, impide lógicamente la presencia de muchos actores profesionales, para dar mayor realismo, a excepción del cómico y de Ken Davitian (al que cuesta catalogar como actor después de ver la película, sinceramente). Y bueno, aunque no sea actriz (ni nada, salvo algo que no diré), Pamela Anderson también sale en pantalla, como cabía esperar.

Según los créditos, Larry Charles ha sido el director de esta incorrectísima película. Realmente, me gustaría saber qué ha hecho Charles para que le otorgen esa discutible mención (¿habrá bastado ser amigo del cómico?), pues gran parte de ‘Borat’ no sería diferente si la cámara la hubiera manejado un estudiante de medicina (por ejemplo). A la ya mencionada y buscada estética de documental hay que añadir una puesta en escena (la hay, aunque no lo parezca) de lo más rudimentaria y simplona, dando la impresión (y probablemente no deje de ser cierto) de que no se tan molestado lo más mínimo. Hace poco me comentaba alguien que cuando una película parece poco trabajada, le dan ganas a uno de no perder más el tiempo y largarse a hacer otra cosa. Quizá ocurra eso con ‘Borat’ pero estoy convencido de que la forma es fundamental en esta película y que todo ha sido calculado tan meticulosamente como en cualquier otro film, por mucho que parezca una criatura nacida de la improvisación. El guión, objeto de mucha duda razonable, está firmado por Sacha Baron Cohen, Peter Baynham, Anthony Hines y Dan Mazer. Demasiados nombres cuando el principal responsable del personaje de Borat es sólo el primero de ellos. Nuevamente, parece que el compañerismo ha servido para rellenar los créditos, que siempre quedan mejor cuanto más extensos son (le da un aire de importancia, no hay duda).

Básicamente, ‘Borat’ basa su comicidad en una fórmula tan básica como discutible: menospreciar e insultar a colectivos especialmente sensibles y dianas fáciles, con el chiste como arma de fuego. Así, la película se va a cebar, burlándose sin piedad, con las mujeres, los judíos, los musulmanes y los norteamericanos. Hay más dianas, pero ésas son las que más dardos se llevan. Especialmente divertidas, y por favor que nadie lo entienda mal, aún estoy hablando de una película, resultan las bromas dirigidas a los judíos y a las mujeres, por ser tremendamente incorrectas; es desternillante ver a unas feministas sentirse terriblemente ofendidas ante las declaraciones machistas de Borat, del tipo de ‘¿cómo podéis pedir la igualdad si el cerebro de la mujer es más pequeño que el del hombre?’. Pero si hay un momento cumbre en la película es cuando Borat canta un himno muy particular, cachondísimo, de su supuesto país de origen, mientras suena de fondo, a todo volumen, la melodía del sagrado himno norteamericano, con una plaza totalmente repleta de gente que, aquí de nuevo entra la confusa realidad-ficción, no sabe cómo reaccionar ante semejante broma brutal. Si alguien no estalla en carcajadas en esa secuencia, mejor que se levante y se vaya. Es la mejor imagen, y por eso la he situado bajo el título, de lo que pretende ser esta película. Un cachondeo desvergonzado sin ataduras. Ahí es donde radica su valía. Ahí y en ensalzar la ya poderosa figura de Sacha Baron Cohen, al que, por cierto, pudimos ver recientemente en la piel de ese genial personaje francés que se sacó de la manga para la divertidísima ‘Pasado de Vueltas’ y que muy pocos supimos disfrutar (por culpa de la manía tan extendida de criticar en cuanto aparece la bandera de las barras y estrellas).

A nadie se le escapa, seguro, el motivo por el que ‘Borat’ ha tenido tanto éxito como reacciones furiosas en su contra. ¿Hay ahora mismo, en nuestros aparentemente seguros hogares civilizados, algún enemigo más temido que los musulmanes? Dejando a un lado cuestiones políticas absurdas y actos terroristas llevados a cabo por un grupo de salvajes subnormales, el miedo que inunda nuestro mundo lleva turbante y reza a Alá. Nos han comido el tarro y las consecuencias son tan desastrosas como inevitables. Que una película tenga como protagonista a uno de estos ‘enemigos’ y lo ridiculice para acercarlo a las mentes occidentales no es inesperado y a nadie le extraña que provoque la relajada risa del respetable público, cómodamente sentado en sus butacas/sillones. Nada que objetar y mucho que agradecer. Al fin y al cabo, hay cómicos que reflejan mejor que nadie la sociedad que le ha tocado vivir. Este divertimento es llevado más allá por un monumental Sacha Baron Cohen que tiene una cosa clara: no dejar títere con cabeza. Así, en lugar de caminar por terreno blando, quedándose en la parodia de lo musulmán occidentalizado, se destapa con un repaso en toda regla a todo lo que huele a políticamente correcto, desde ridiculizar los símbolos del país más nacionalista que existe hasta bromas sexuales que nadie espera oír en una sala de cine. Malditos tiempos en que eso es una sorpresa. Ya digo, sí que necesitábamos algo como ‘Borat’ que nos recuerde dónde estamos.

En definitiva, ‘Borat’ no deja de ser una comedia de bajos vuelos, rozando a veces, sobre todo a partir de la mitad del metraje, una importante indiferencia hacia lo que sucede en pantalla, pero que, con su potente arsenal de chistes venenosos, y su actitud rompedora, logra situarse varios peldaños por encima de la mediocre media, aunque sólo sea por su gran atrevimiento y ganas de escandalizar, muy de agradecer y de aplaudir. Da un poco de pena que haya sido tan fácil pero es lo que nos ha tocado y Baron Cohen sabe aprovecharlo inteligentemente. Eso sí, a los sectores que toma como diana (entre ellos, las mujeres), no creo que les haga ni pizca de gracia. Espero equivocarme.

En Blogdecine | Todo sobre ‘Borat’

Continuando con el repaso a las películas que pude ver en el recientemente clausurado Festival de Sitges, le toca el turno ahora a la última película de los hermanos Pang, ‘Re-Cycle’. No es que me esperara mucho (más bien, nada) de unos señores que, tanto individual como colectivamente, no han ofrecido nada más correcto que la entretenida ‘The Eye’, pero tras leer comentarios muy positivos y entusiastas sobre su nuevo film, la verdad es que el resultado fue de lo más flojo. Si bien no puede decirse que uno se aburra, e incluso sería injusto no destacar algún que otro momento muy inspirado, la película carece de rumbo fijo y va dando vueltas sobre vagas ideas pasajeras, que confirman lo poco que les interesa a los Pang eso tan bonito que es contar historias.

‘Re-Cycle’ se centra en una escritora de éxito que se encuentra en crisis, tanto personal como creativa. El anuncio, por parte de su editor a la prensa, de su nueva novela, no hace sino aumentar su caos interior. Ella sólo sabe que sólo quiere escribir sobre presencias fantasmales pero está bloqueada. Sin embargo, al sentarse y comenzar a escribir el libro, algo fantástico y aterrador comienza a ocurrir: lo que plasma en papel, le va sucediendo realmente.

Este punto de partida tan fantástico (de género, conste) comienza a ser utilizado por los Pang para introducir secuencias del típico terror con fantasma de pelo largo negro que ellos mismos han contribuido a poner de moda (acabando con toda la gracia que tenía el asunto) y del que han abusado sin vergüenza alguna, rentabilizando la ya mencionada ‘The Eye’ con un par de secuelas. Así, tras la redacción de unos párrafos, la protagonista comienza a sentir la presencia de un ser fantasmal que la atemoriza (lógicamente) y le va dejando mechones de pelos y llamadas perdidas (esto ya no es tan lógico, pero jode igualmente a cualquiera). Picada por la curiosidad, la escritora dará rienda suelta a su imaginación y comenzará a seguir el juego que el ‘destino’ (por llamarlo de algún modo) le está planteando, adentrándose, sin darse cuenta, en un mundo de fantasías, sueños y pesadillas. Y ahí es donde salen mejor parados los Pang, en el retrato de ese extraordinario mundo, cuya presentación (todo lo que ha sido olvidado acaba allí, esperando a ser reciclado) está mucho mejor narrada que su explicación (que no contaré, pero que tiene que ver, entre otras cosas, con una escena cortada y puesta al final de forma lamentable para dar ese efecto sorpresa que tanto gusta a algunos).

Ante todo, hay que destacar un aspecto fundamental de la película y que, por mucho que a algunos (me incluyo) nos resbale, no deja de ser meritorio; hablo de los efectos especiales. En casi todo momento, salvando alguna que otra tontería visual, los efectos proporcionan una sorprendente gama de posibilidades a los realizadores para crear situaciones a cual más extraña y llamativa. Desde seres fantasmales que se tiran desde los edificios y vuelan hasta escenarios de cuento que se oxidan y destruyen (con un recurso visual muy similar, idéntico realmente, al que vimos en la reciente ‘Silent Hill’). Particularmente conseguida es la parte final, con una secuencia agitadísima en la que un grupo de muertos trata de alcanzar a la protagonista, mientras una especie de huracán lo va arrasando todo. En este aspecto, repito, la película está muy lograda.

No es por eso, por supuesto, por lo que he calificado de ‘torpes’ (con todos los respetos) a los Pang Brothers. Formalmente, la película está muy bien. Es en el contenido, en la esencia, en la narración, donde falla por completo. En ningún momento se consigue transmitir nada emocionante, todo va transcurriendo sin pausa, sin ritmo, a golpes, como si fuera una montaña rusa que miramos desde abajo, sin subirnos a ella. Por supuesto, los Pang siguen empeñados en seguir, dentro de lo que cabe, el esquema videoclip que tanto éxito está proporcionando y tanto daño está haciendo en nuestras retinas. Flashes cegadores, movimientos frenéticos de cámara y música atronadora se dan cita en varias secuencias de la película. Pero claro, siempre habrá quien lo justifique diciendo que eso es lo que siente el personaje. Sí, claro, ¿y el resto de la película qué? No sabe, no contesta. Menos plano de discoteca y más clasicismo, es lo que hace falta.

A un desarrollo del argumento de lo más confuso hay que sumar lo ya dicho sobre la repetición de esquemas trilladísimos en el campo del terror y una absurda pretensión de los realizadores por acabar la película de una forma ‘original’ (entre comillas), que lo único que consigue es que el espectador se suelte del todo y piense que le están tomando por tonto. Pretender dar una vuelta de tuerca a un desenlace ya de por sí un tanto inestable es una costumbre que, desgraciadamente, no deja de desaparecer. No sé porqué se sigue intentando repetir otro final a lo Shyamalan, cuando la historia ni lo requiere ni lo ha preparado con antelación. En fin, que esto es lo de siempre, el afán por romper los esquemas del espectador con un último y desesperado trazo del guión. Pues la han vuelto a pifiar. Para reírse no está mal, eso sí.

Pero, repito, la película puede verse sin excesivas dificultades, resulta cansina al final, pero no aburre (no demasiado), e incluso disfrutarse bastante si uno se deja llevar por los llamativos escenarios y los efectos visuales. Por otra parte, ahí está la guapa Angelica Lee, absoluta protagonista de la película, para dar un toque dulce y físico a un film un tanto frío, bastante superficial (culpa de los Pang).

Resumiendo, ‘Re-Cycle’ es un interesante pero fallido cuento de fantasía y terror, un juguete de lujo en las torpes manos de los hermanos Pang. Es posible, ojalá, que con el tiempo los Pang (o uno de ellos, parece que Oxide está más por la labor) consigan pulir sus más graves defectos; en ese momento, serán un referente de importancia para un grupo más numeroso que los fans que tienen ahora, básicamente, fans muy incondicionales del cine asiático y aficionados al terror de videoclub más facilón.