Aquí en Granada hay tres cines (y un Kinépolis en las afueras); uno antiguo que se cae a pedazos, muy barato, con tan poco espacio entre las butacas que destroza las rodillas de los que medimos más de un metro sesenta, y una sola sala en la que proyectan un estreno potente durante más o menos un mes; también está el multicines moderno habitual, con muchas salas, cómodo, más caro, con buena imagen y sonido, repleto de títulos comerciales; y luego hay un tercero que es una mezcla de esos dos, un “multicines viejo”, con bastantes salas, buen precio, butacas confortables, imagen razonablemente buena y sonido mediocre a menos que vayas a ver un blockbuster (de hecho, lo oirás de cualquier manera, de lo bajo que se oyen las demás). De los tres, al que suelo acudir con más frecuencia es al último, porque es el único con una oferta realmente variada.

Una de esas películas diferentes, para minorías, que se pueden encontrar aún en este cine es la italiana ‘Io sono l´amore’ (‘Yo soy el amor’‘), protagonizada por la conocida actriz inglesa Tilda Swinton. La historia se centra en los Recchi, una acaudalada familia de Milán que se ve sometida a importantes cambios tras la muerte del patriarca; la transformación principal se produce en Emma, atrapada en un aburrido matrimonio y una vida superficial. Curiosamente, en torno a una mujer madura y casada, que ansía escapar de la trampa de rutinas en la que se ha metido, gira también la estadounidense ‘La vida privada de Pippa Lee’ (‘The Privates Lives of Pippa Lee’, 2009), en nuestras carteleras desde el pasado viernes (y también con muy pocas copias). Aunque narran una aventura similar, el tratamiento de las dos películas es muy diferente.

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Llegaron John Ford y Sam Peckinpah y nos enseñaron cosas sobre México que no conocíamos. Ford era mi maestro y mi compadre, Peckinpah es mi hijo, no, mi nieto

Son palabras de Emilio Fernández, actor fetiche de Sam Peckinpah y uno de los realizadores mexicanos más prestigiosos de la historia. Así se refería a dos de sus amigos más íntimos, colegas de profesión y tan distintos en sus maneras como alejados en el tiempo. Esa fue una de las frases de un brindis sentido hacia la figura del director de ‘El hombre que mató a Liberty Valance’ (‘Tha Man Who Shot Liberty Valance’, 1962) durante un descanso del rodaje de ‘Quiero la cabeza de Alfredo García’ (‘Bring Me the Head of Alfredo Garcia’, 1974) cuando recibieron la noticia de que John Ford había fallecido. Como anécdota de introducción en la película que hoy nos ocupa cabe decir que Peckinpah aún siendo un admirador de Ford declaró varias veces que sus últimas películas no le gustaban, y especialmente echaba pestes contra ‘Centauros del desierto’ (‘The Searchers’, 1956), film del que le encantaba el libro en el que se basaba. Él siempre fue más de ‘Pasión de los fuertes’ (‘My Darling Clementine’, 1946), algo con lo que no puedo estar más de acuerdo aún pareciéndome genial la cinta protagonizada por John Wayne.

Tras el estreno de ‘Pat Garret y Billy the Kid’ (id, 1973), cuyo rodaje fue un verdadero infierno, Peckinpah se puso rápidamente manos a la obra con su siguiente proyecto, una historia ideada por el propio director junto con Frank Kowalski, director de segunda unidad de ‘Junior Bonner’ (id, 1972) y supervisor de guiones. Finalmente fue Gordon T. Dawson quien ayudó al director a desarrollar dicha idea y convertirla en un guión cinematográfico, Dawson había sido guionista no acreditado en ‘La balada de Cable Hogue’ (‘The Ballad of Cable Hogue’, 1970), otro relato supremo sobre un perdedor.

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No hay nada peor en el cine, ni en ninguna otra disciplina artística, que los consensos. De eso sabe mucho Guillermo del Toro, que durante años sufrió el consenso de ser considerado un director de tercera fila, y que ahora disfruta del cuestionable rango de creador de primera, y casi de superestrella mundial (lo que entendemos por mundo, esto es: Estados Unidos y Europa). Y no hay nada peor porque no hay nada mas sospechoso, más cobarde y, sobre todo, más aburrido.

Durante unos cuantos años (más de una década), Guillermo del Toro las pasó canutas para demostrar que su debut, la muy estimable ‘Cronos’, no había sido producto de un azar, o un espejismo extraño, sino que era un director con muchas cosas que contar. El problema es que sus posteriores producciones desmentían, y de qué manera, su presencia de ánimo. Eso hasta la llegada de ‘El laberinto del fauno’, un filme considerado genial por cierto sector del público, el cual lo cambió todo, por suerte para el cineasta. Sin embargo, no es tan sencillo convertirse en Terence Fisher.

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Genial. Ahí arriba tenéis el fantástico primer cartel oficial de ‘Rango’, la nueva película del director Gore Verbinski. El responsable del remake de ‘The Ring’ y la trilogía de ‘Piratas del Caribe’ ha vuelto a colaborar con la estrella Johnny Depp, quien presta su voz al personaje protagonista, el camaleón que tenéis en la imagen. Muy poco se sabe de la historia de esta producción animada de Paramount Pictures, escrita por John Logan, sólo que gira en torno al reptil y que sufre una crisis de identidad.

También ha salido ya un nuevo tráiler de ‘Rango’, que si bien revela mucho más que aquel delirante teaser que vimos hace poco, tampoco puede decirse que destripe la trama o nos descubra escenas importantes de la película. Lo que sí hace es dejar con la boca abierta, y es que hay algunas imágenes realmente poderosas en el vídeo de adelanto. Lo tenéis más abajo, no os lo perdáis.

Además de Depp, el reparto de voces incluye a gente tan conocida como Bill Nighy, Ray Winstone, Timothy Olyphant, Abigail Breslin, Isla Fisher, Harry Dean Stanton y Alfred Molina, entre otros. La fecha del estreno es el 4 de marzo de 2011.

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Al inicio del largometraje, antes de ver una sola imagen, un cartel nos indica que “el guión de esta película ha sido ganador del concurso: Nuevos Talentos Cinematográficos 1998”, certamen que confieso desconocer por completo, como desconozco ninguna otra película, argentina o de cualquier otra nacionalidad, que haya ganado (y luego haya puesto en los títulos) un título semejante. Tampoco creo que sea importante saberlo. ‘Nueve reinas’, pese a todo, es filme famoso, y es justo que lo sea, aunque no creo que sea la gran película que todos quieren ver en ella.

El cine argentino, de cuando en cuando, nos trae algunas joyas incontestables que quedan ahí, en la memoria, para disfrutarlas una y otra vez. De ese país, personalmente, prefiero las películas que no son de género, porque las que lo son, como la que nos ocupa hoy, a veces se pasan de listas. ‘Nueve reinas’ es brillante, sí, pero al segundo visionado ya se le ven las costuras, y están hechas con esparto del malo. Una lástima.

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“Las drogas son maravillosas porque te abren la mente. Te hacen comprobar que la verdad no existe, que todo es relativo. La droga te da otra visión, otra dimensión. Te hace ver que nada es lo que parece…¡que nada es! La única realidad es tu realidad y será lo que tú seas capaz de ver”

-Dante (Eusebio Poncela)

En ‘Martín (Hache)’ hay varios discursos como éste (que además, no he incluido en su totalidad), en los que los personajes (los cuatro importantes) hablan sin ambages, sin complejos, de sus sentimientos o ideas más profundos, con una verborrea incontenible, pura literatura convertida en diálogos lacerantes y rebosantes de vida. Adolfo Aristaráin, en su noveno largometraje, llega más lejos que nunca en su formalización de la palabra y el rostro como vertebradores de su cine, del cine que a él le interesa hacer.

El realizador de las inolvidables ‘Un lugar en el mundo’ o ‘Lugares comunes’, indagó además, en esta ocasión, en la dificultad de la comunicación entre padres e hijos, y también entre amantes y amigos, en el carácter destructivo y dependiente del amor, en la necesidad de aprender a hacer uso de la soledad, en la naturaleza ambivalente de las drogas. Una serie de temas mayores tratados con inusitada complejidad e inteligencia, pues Aristaráin sabe que con el cine se puede hablar de temas importantes sin caer en el adoctrinamiento o, precisamente, los lugares comunes.

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Más fichajes para la nueva entrega de la saga X-Men. Como recordaréis, el británico Matthew Vaughn (‘Kick-Ass’) va a dirigir ‘X-Men: First Class’ a partir de una idea de Bryan Singer, una película en la que narrará la juventud del profesor Xavier, Magneto y otros populares mutantes de la factoría Marvel. James McAvoy era el único actor vinculado al proyecto hasta hace poco (será Charles Xavier), pero ya tenemos otros cuatro nombres más. Recientemente se ha confirmado un rumor que circulaba por la red y ya es oficial que Michael Fassbender, sin duda uno de los intérpretes del momento, dará vida a Magneto.

Todavía no han dado un sí definitivo, pero están cerca de hacerlo Benjamin Walker, Alice Eve y Caleb Landry Jones (o Caleb Jones a secas, de quien no he encontrado ninguna maldita foto en Google), con toda probabilidad los tres próximos fichajes de esta producción, para la que también suenan Amber Heard y Rosamund Pike. Walker, visto en ‘Banderas de nuestros padres’, será Hank McCoy, alias Bestia, personaje que en ‘X-Men 3’ ya interpretó Kelsey Grammer (¿de quién sería esta delirante idea?). Por su parte, Eve, la “chica diez” de la comedia ‘She´s Out of My League’ (pendiente de estreno en nuestro país), dará vida a Emma Frost, que también ha tenido ya otro rostro en el cine; Tahyna Tozzi la encarnó durante unos minutos en la reciente ‘X-Men orígenes: Lobezno’. Otra chapuza más de la Fox, que sólo se podría superar si mete también a Lobezno y no lo interpreta Hugh Jackman. La verdad, no me sorprendería.

En cuanto a Jones, al que podremos ver en ‘The Social Network’ y ‘The Last Exorcism’, se hará cargo del papel de Sean Cassidy, más conocido como Banshee. El rodaje de la precuela de ‘X-Men’ comenzará este verano, estando el estreno previsto para el 3 de junio de 2011.

Actualización: Aquí hay fotos de Caleb Landry Jones. Gracias a un lector anónimo (y fantástico rastreador) por el aviso.

PD: Fassbender ha preferido ser Magneto en lugar del villano de la próxima película de Spider-Man, que está preparando Marc Webb.

Vía | Imdb

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Y llegó el momento de hablar de la mítica productora británica Hammer, que por sí sola ya merecería un estudio por haber aportado al género fantástico lo que la Universal aportó unos cuantos años antes en títulos ya míticos protagonizados por actores como Bela Lugosi o Boris Karloff, y dirigidas por realizadores tan prestigiosos como James Whale o Tod Browning. A partir de los 50 esos nombres empezaron a ser sustituidos en cierto modo por otros que alcanzarían la misma fama. Peter Cushing, Christopher Lee, Terence Fisher, Freddie Francis o Roy Ward Baker, entre otros, tienen su lugar en el corazón de cualquier cinéfilo amante del terror y las emociones fuertes. ‘Drácula’ (‘Horror of Dracula, 1958, Terence Fisher), junto a ‘La maldición de Frankenstein’ (‘The Curse of Frankenstein’, 1957) y ‘El perro de Baskerville’ (‘The Hound of the Baskervilles, 1959) se convirtieron en los primeros grandes éxitos de la Hammer y nos dieron a conocer a un realizador que también merecería un estudio para él solo, muy por encima de sus compañeros en la productora.

Fisher revolucionó completamente el género con su adaptación de la novela de Bram Stoker. En un principio se planteó hacer la misma operación que Browning en su mítico film, adaptar en realidad la obra de teatro que se inspira en la novela, pero la Universal salió al paso advirtiendo a la Hammer que los denunciarían por plagio. Se encargó entonces a Jimmy Sangster un libreto en el que realizase algunas variantes con respecto a la historia original, también se cambió el título de ‘Dracula’ por el de ‘Horror of Dracula’. Tal vez quiso la providencia que fuese así pero gracias precisamente a rehusar hacer lo que tenían pensado hacer en un principio todos salimos ganando, pues nos hallamos ante la mejor plasmación en pantalla sobre tan fascinante personaje, con permiso del ‘Nosferatu’ de F.W. Murnau.

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La primera mitad de esta película, hasta el decisivo (y brutal) encuentro con Jango Fett, es una brillante formulación de preguntas y de expectativas que se van a cumplir en la segunda mitad. Y esta vigorosa y bella película tiene una de las segundas mitades más intensas de la historia del fantástico reciente. A la violenta, intensa y muy bien planificada (en eso, Lucas es un genio) escena de la pelea en el puerto de Kamino, le sigue una no menos intensa persecución en un cinturón de asteroides.

Como ya comentábamos, hay varias similitudes con el capítulo central de la anterior trilogía, como lo es la presencia de una persecución en un campo de asteroides. Lejos de querer establecer comparaciones, ésta resulta lo bastante bien hecha como para no palidecer frente a aquella, lo que no es poco. El diseño de sonido, por otra parte, es una pequeña maravilla de creación y Lucas tiene el suficiente criterio como para no poner música, salvo al final. Sólo faltaba, para redondearlo, la presencia de un Han Solo en este momento.

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