Antes de meterme en faena, he de decir que con esta película me pasa un poco como con ‘Amélie’ (id., Jeunet, 2001), filme francés con el que me lo paso bomba, pero que después de sus veinte primeros minutos me acostumbro demasiado al estilo (extremo) con el que me cuenta las cosas, y no es que acabe harto de él, pero pierdo el entusiasmo inicial, pues le es imposible a Jeunet mantener la sorpresa y el interés inicial. Con ‘Trainspotting’ (id., Boyle, 1996) me ocurre algo parecido, sin llegar a cansarme tan deprisa. Pero es el problema de una narrativa tan extrema y tan radical, que es imposible que la seducción de los primeros minutos pueda compararse con la de los últimos. Aún así, y a pesar de que su estilo no es el cine que más me emociona, he de confesar la absoluta debilidad, un tanto adictiva (nunca mejor dicho), que siento por esta película.

‘Trainspotting’ fue un fenómeno social y cinematográfico similar al de ‘Pulp Fiction’, y no creo exagerar un pelo. Desde que apareció, han surgido cientos de imitadores tratando de emular esta barrabasada absoluta de película. Sin embargo, ninguno ha logrado esta afortunada mezcla de comedia gamberra y búsqueda existencial, narrada con el pulso de un adrenalítico salvaje, sin complejos y sin miedo por caer en el ridículo. Porque de manera asombrosa, durante todo el metraje, la caída en el ridículo se vislumbra cercana, y no se sabe cómo pero en lugar de venirse abajo, se sostiene por no sé qué milagro. ¿Será el reparto, será su historia, será su audacia? Ni la menor idea, pero nos mantenemos pegados a la butaca, o al sillón, hasta que termina, preocupados por el destino de ese a ratos patético a ratos mezquino Renton, rodeado de la panda de chavales perdedores más lúgubres en muchos años de cine.

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En este ramillete de películas pretendo reunir algunos de los que yo considero (y que están casi unánimamente considerados en muchos casos) como los mejores trabajos lumínicos y de cámara de la historia del cine. No es una lista cerrada ni definitiva, ni mucho menos, sólo orientativa. Creo que todos estos trabajos sobrepasan la excelencia para llegar incluso a algo más. Algo que podría calificarse como un milagro lumínico. Y aunque probablemente el lector tenga otros títulos en su memoria (que espero que comparta con todos, pues para eso están los comentarios), después de darle muchas vueltas, estoy muy seguro de que este grupito de quince películas es incontestable.

Storaro lo llama pintar con la luz (y se llama a él mismo cinematographer). Pero más allá de los lógicos y posiblemente inevitables divismos, creo que es normal que los más grandes operadores sepan que poseen un poder casi mesmérico.

‘Lawrence de Arabia’, 1962

Operador: Freddie Young

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Contando con Naomi Watts y Sean Penn al frente del reparto, creo que ‘Fair Game’ ya nos tiene enganchados a todos. Pero es que además la cosa pinta bien, al menos por el tráiler, que ha salido recientemente y que tenéis ahí arriba (empieza flojito pero a partir de la mitad mejora bastante). La película está dirigida por Doug Liman, responsable de la estupenda ‘El caso Bourne’ (‘The Bourne Identity’, 2002) pero también de la nefasta ‘Jumper’ (2008). Ty Burrell, Michael Kelly, Brooke Smith, Noah Emmerich y Sam Shepard, entre otros, completan el elenco protagonista.

Escrita por Jez y John-Henry Butterworth, ‘Fair Game’ se basa en la historia real de Valerie Plame, narrada en el autobiográfico ‘Fair Game: My Life as a Spy, My Betrayal by the White House’ y en ‘The Politics of Truth’, escrito por Joseph Wilson. Plame es una ex agente de la CIA cuya identidad fue filtrada a los medios por el gobierno estadounidense justo cuando estaba investigando sobre las armas de destrucción masiva en Irak; se sospechó que el motivo era desacreditar a su marido, Joseph Wilson, un diplomático muy crítico con la política exterior de George W. Bush. El film se presentó en Cannes, donde no cosechó buenas críticas, y llegará a los cines en noviembre.

PD: En un principio, la película iba a estar protagonizada por Nicole Kidman, tal como nos informó Beatriz en 2008.

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En los tiempos que corren, el cine de animación es quizás el que más alegría nos está dejando. No hace falta mucha memoria para recordar enseguida algunos maravillosos títulos del cine reciente. En ‘The Secret of Kells’ encontramos otra buena razón para confirmar el excelente estado de la animación. Una película al estilo tradicional, visualmente maravillosa y que con una historia sencilla, que engarza con precisión un mensaje universal apoyado en la mitología, la religión, la leyenda, la magia, la historia y, sobre todo, en una iconografía que es la pura esencia del film.

Dibujada a mano en su mayor parte, ‘The Secret of Kells’ posee momentos de virtuosismo sorprendente, alejándose de los patrones a los que estamos tan acostumbrados, dictados por Disney pero también por Miyazaki. Aquí tenemos dibujos nada realistas, con espacios y escenarios casi abstractos, pero siempre sumamente detallistas y bellos. Y la historia, tan sencilla, tan conmovedora que no queda sino de alegrarse que su nominación a los Oscars nos haya permitido disfrutar de su distribución.

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Tras unas semanas cargadas de novedades potentes (‘Toy Story 3’, ‘Origen’, ‘Airbender: El último guerrero’, ‘Los mercenarios’), parece que los cines se quedan sin pólvora, o quizá es que necesitan un respiro, una pausa, para aprovechar mejor lo que tienen disponible, que no es poco (hay tanta oferta que a menudo pasan fugazmente títulos que merecían una oportunidad). En todo caso, tampoco es que hoy nos lleguen migajas totalmente carentes de interés, tenemos cinco novedades y muy diferentes, alguna os tiene que cautivar:

‘Salt’

Dirección: Phillip Noyce. País: USA. Año: 2010. Duración: 101 min. Género: Acción, thriller. Interpretación: Angelina Jolie (Evelyn Salt), Liev Schreiber (Ted Winter), Chiwetel Ejiofor (William Peabody), Daniel Olbrychski (Orlov), August Diehl (Mike Krause), Hunt Block (Presidente Lewis), Andre Braugher (Secretario de Defensa). Guión: Kurt Wimmer. Producción: Lorenzo di Bonaventura y Sunil Perkash. Música: James Newton Howard. Fotografía: Robert Elswit. Montaje: John Gilroy y Stuart Baird. Diseño de producción: Scott Chambliss. Vestuario: Sarah Edwards. No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis: Como oficial de la CIA, Evelyn Salt hizo un juramento de deber y honor a su país. Su lealtad es puesta a prueba cuando un desertor le acusa de ser una espía rusa. Salt se da a la fuga y se ve obligada a utilizar todas sus habilidades y años de experiencia como espía encubierta para evitar que la capturen. Los esfuerzos de Salt para demostrar su inocencia sólo sirven para levantar aún más las sospechas acerca de sus motivos. Mientras continúa la caza para descubrir la verdad que se oculta tras su identidad, una pregunta sigue latente: ¿Quién es Salt?

¿Qué podemos esperar? Un thriller de acción puro y duro, comercial y entretenido, con Jolie en plan “Jason Bourne”. ¡Y música de James Newton Howard! Mi compañera Beatriz ya la ha visto y dice en su crítica, sin embargo, que no llega ni a eso, valorándola con un 1,5 sobre 5.

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Van llegando novedades a la cartelera y van encontrando su hueco en el Top, pero parece que de momento nadie se atreve a perturbar el reinado de ‘Toy Story 3’ ni de ‘Origen’, las dos primeras películas del top de editores. ‘Centurión’ y ‘The Secret of Kells’ son interesantes estrenos que llegan, mientras que los de las últimas semanas cambian de puestos, produciendo un ligero retoque en la clasificicación, que esta semana queda de la siguiente forma:

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El éxito de ‘The Big Shave’ proporcionó a Scorsese la convicción suficiente para abandonar, al menos de momento, el formato del corto para dar el definitivo salto al largo. De hecho, tanta seguridad tenía en sí mismo que en un principio se planteó la posibilidad de filmar una trilogía en la que la Nouvelle Vague, el Neorrealismo y el estilo de Cassavetes fueran de la mano. Esa trilogía, centrada en los recuerdos de Martin acerca de su Little Italy, habría estado conformada por ‘Jerusalem, Jerusalem’, ‘Bring on the dancing girls’ (cuyo germen daría lugar a ‘Who’s That Knocking at my Door?’), y ‘Season of the Witch’ (que terminaría siendo ‘Malas calles’). Finalmente sólo hubo presupuesto y tiempo para filmar la segunda, gracias a un préstamo del padre de Scorsese y de un antiguo profesor de la escuela de cine, consistente en 35.000 dólares.

He de reconocer que sólo he visto una vez esta verdadera rareza de Scorsese, hace casi una década, en un pase de la escuela de cine (a saber de dónde habrían sacado aquel video…), en inglés sin subtítulos. Posteriores visionados fragmentados, gracias a clips sueltos disponibles en internet, han contribuido a rellenar algunas lagunas de mi recuerdo acerca de ella. Con su fama de filme casi maldito, que tardó casi cuatro años en completarse debido a infinidad de problemas económicos, a que se rodó gran parte de su metraje original, a cambios radicales en el guión, a la disparidad de formatos con que fue completada. Un verdadero caos de producción que, sin embargo, repercute no demasiado en la valoración global de un filme que, si bien dista mucho de ser verdaderamente importante, contiene numerosos puntos de interés y, sobre todo, una pasión y una sinceridad que estaría bien encontrarse en filmes de debut como este. Los pocos scorsesianos que la habrán visto creo que me darán la razón.

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Antes de emprender el rodaje de (¿la esperada?) ‘Scream 4’, Wes Craven dirigió otra película de terror, más modesta, titulada ‘My Soul to Take’. Aquí os traigo el cartel y el tráiler del film, que parece el típico producto exclusivamente para adolescentes (ojalá me equivoque) y que como podéis comprobar se apunta a la moda del 3D. La fecha del estreno es el próximo 8 de octubre, en Estados Unidos.

‘My Soul to Take’, antes conocida como ‘25/8’, ha sido escrita y dirigida por Craven (‘Pesadilla en Elm Street’), y está protagonizada por Max Thieriot, Emily Meade, Zena Grey, Frank Grillo y Denzel Whitaker, entre otros. La historia nos traslada al tranquilo pueblo de Riverton, donde existe una leyenda que dice que un asesino en serie prometió volver a la vida para matar a siete niños que nacieron la noche en la que él murió; 16 años después de la desaparición del criminal, las muertes efectivamente comienzan a sucederse, y empieza a circular el rumor de que ha podido reencarnarse en uno de los chicos que nacieron ese día…

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Hay películas que le devuelven a uno las ganas de vivir. Así de sencillo. O, más exactamente, el deseo de seguir a ver qué ocurre, con un poco más de esperanza. He visto ‘Cadena perpetua’ (el que pone los títulos en España es un lince, pues era mucho más interesante el original ‘The Shawshank Redemption’, aunque también llamaron ‘Pena de muerte’, originales ellos, a ‘Dead Man Walking’, precisamente dirigida por Tim Robbins) muchas veces a lo largo de sus dieciséis años de existencia, y en todas ellas me ha producido idéntica sensación: la de asistir a un poema que existe por la mera razón de dar esperanza al corazón del hombre, curiosamente un objetivo que para Andrei Tarkovski era la meta suprema del arte. En su debut, Darabont lo logra con una maestría poco común en un primerizo, filmando uno de los más bellos y emocionantes filmes de las últimas décadas.

Pocas veces puede emplearse la manida, reduccionista en ocasiones y socorrida expresión de “obra maestra” como en el caso rotundo de esta película. Era el año 1994 cuando nació, y compitió en los Oscar con la genialidad de Allen ‘Balas sobre Broadway’ o con el ‘Pulp Fiction’ de Tarantino. Perdieron todas contra la mediocre ‘Forrest Gump’, pero creo que debió ganar la que ahora nos ocupa, que es la más hermosa de todas, quizá la más hermosa de todas las películas carcelarias de la entera historia del cine, pues en su seno se haya una de las elegías más intensas que se recuerdan en torno a la búsqueda de la libertad personal y espiritual, algo ansiado por la mayoría de los hombres, aunque quizá muchos ni lo sepan. Pero ‘Cadena perpetua’ es mucho más que eso, incluso. Vamos a por ella.

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No soy perfecto, pero debiste esperarme. Porque yo lo valgo.

(Lee “Christmas”)

‘Los mercenarios’ (The Expendables)’ es justo lo que cabía esperar de ella. Ni más ni menos, para bien y para mal. Es un producto honesto, sin grandes pretensiones, eso no se puede negar. Los protagonistas sólo están ahí para partirse la cara y soltar chascarrillos, es aroma ochentero mezclado con formas y recursos actuales (una mala mezcla), es una mirada nostálgica al cine de acción que se hacía antes. Por todo ello, pretender encontrarse con otra cosa es absurdo (el tráiler tampoco engañaba a nadie). Ahora bien, ensalzar esta película porque no aspira a más, es también una equivocación. Un lector hizo hace poco una comparación muy elocuente: es como comprar jamón barato y luego quejarse de que es de mala calidad. Nos ponemos de acuerdo, lo que ha filmado Sylvester Stallone es de mala calidad.

Comparada con joyas del género, como ‘Terminator’ (1982), ‘A Better Tomorrow’ (1986), ‘Depredador’ (‘Predator, 1987), ‘La jungla de cristal’ (‘Die Hard’, 1988), ‘Heat’ (1992 1995), ‘Ronin’ (1998) o ‘El caso Bourne’ (‘The Bourne Identity’, 2002), es evidente que ‘Los mercenarios’ no queda en buen lugar. Es tosca, simplona y atropellada, sus persecuciones marean y se abusa de planos cortos y rápidos, pero aun así, el film tiene su encanto. Quiero decir, creo que Stallone conoce perfectamente sus limitaciones, hasta dónde puede llegar, así que prefiere apostar por la nostalgia, el impacto, la diversión ligera y el humor, además, claro, por el potente reclamo de haber reunido a un elenco espectacular, dentro del género de acción, para desplegar una hiperbólica aventura más propia de otros tiempos. Es un poco como reencontrarse con un viejo amigo.

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