‘Chloe’, la nueva película del director Atom Egoyan, ya tiene tráiler internacional, que ha sido calificado para mayores de edad en Estados Unidos. El motivo es que aparecen dos imágenes sueltas de Amanda Seyfried desnuda, en un avance que dura dos minutos. Chorradas puritanas aparte, el tráiler está bastante bien, muy intenso, y presenta una trama interesante, sobre un matrimonio en crisis y una atractiva joven que protagonizará un peligroso juego de seducción.

Los muy grandes Julianne Moore y Liam Neeson dan vida al matrimonio en problemas, fracturado por culpa de los celos y las infidelidades. Egoyan, Moore y Neeson; tres razones para no perderse este thriller, que ya pudo verse en varios festivales, como el de San Sebastián. Allí la vio mi compañero Adrián, que la encontró perturbadora, destacando sobre todo la interpretación de Moore.

Dicho todo esto, también hay que destacar que ‘Chloe’ se basa en el film francés ‘Nathalie X’ (Anne Fontaine), estrenado en nuestro país en 2005, con Fanny Ardant, Emmanuelle Béart y Gérard Depardieu al frente del reparto. La película estará en los cines norteamericanos el próximo 10 de marzo. Todavía no hay una fecha para España. A continuación os dejo los tres carteles que han aparecido hasta el momento, ninguno especialmente inspirado:

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Neeson tuvo que terminar de rodar sus escenas para ‘Chloe’ después de enterrar a su esposa, Natasha Richardson.

Vía | Impawards y TrailerAddict

Empiezo a detestar la expresión Obra Maestra. Se usa con demasiada complacencia y, a menudo, con insuficiente modestia o quizá exceso de coraje. También debería ser empleada con algo más de conocimiento. El término alude a películas en las que la diferencia entre lo buscado y lo encontrado es inexistente. Y no sólo a eso, también a dramas que convocan una tensión psíquica y emocional extrema en el espectador, a la vez que extraen de él lo mejor y lo peor de su interior. Nada más y nada menos. Una de las películas de este año que merece tal calificativo es, a mi juicio, y sin ninguna duda, la cuarta realización de Juan José Campanella.

Decía el director que gana mucho más dinero con un solo episodio de la inigualable serie de televisión ‘House M.D.’, para la que ya ha dirigido tres episodios, que con cualquiera de sus películas. Puede que sea cierto. Pero aunque su gran tríptico televisivo es digno de elogio, en la memoria de los cinéfilos de todo el mundo va a quedarse, y para siempre, ‘El secreto de sus ojos’, un melodrama impredecible, conmocionador y apasionante, muy intrincado, pero resuelto con sencillez y precisión admirables. ¿La película del año?

Tuve la oportunidad de ver esta noble película hace pocos días, durante el último Festival Internacional de San Sebastián. Yo estaba allí, y puedo atestiguar que, justo antes de los títulos de crédito, ya comenzó una atronadora ovación que es, o eso se decía, una de las más inolvidables que ha conocido una película en ese certamen. Y he de reconocer que, dada la respuesta colectiva unánime ante ese visionado, tenía mis dudas de que fuera, en verdad, tan magnífica. Pero la he vuelto a ver y es cierto. No sólo es magnífica, además, es bellísima.

Campanella ya había conocido un éxito masivo con el estupendo melodrama ‘El hijo de la novia’, en la que ya mostraba sus armas como buen director de actores, competentísimo realizador y sensible y habilidoso guionista. Sus otras películas conocidas, ‘El mismo amor, la misma lluvia’ y ‘Luna de Avellaneda’ (entre una filmografía no muy extensa, no tuvieron una respuesta tan global, aunque eran tragicomedias bastante interesantes. En todas ellas el protagonista fue Ricardo Darín, quien de nuevo repite en esta última, y que está, a falta de otra palabra mejor, espectacular.

Pero es que todos los actores, hasta el último del extenso reparto, están increíbles. Nunca vimos más guapa y fascinante a Soledad Villamil, y Guillermo Francella borda el precioso personaje sanchopancesco de Sandoval, tan importante en esta historia de perdedores cuyo pasado sentimental quedó unido para siempre con el profesional, y cuyas heridas nunca caducan sino que supuran fantasmas imposibles de redimir si no es con una investigación policial interminable y angustiosa.

De modo que se trenzan, de manera magistral, una historia romántica y una historia criminal, que se alimentan y se repudian mutuamente, y el director se mueve entre ambos tonos como pez en el agua, sin perder jamás el control de la historia, capaz de armar la atmósfera precisa a cada momento, y dando muestras de un nervio narrativo inusitado. Los que ya la hayan visto recordarán un plano secuencia (lógicamente trucado, pero no por ello menos meritorio), que tiene lugar en un estadio de fútbol, que será el decorado de una persecución memorable. Pero es la excepción, porque despliega una elegancia y una contención que no aspiran a impresionar al espectador, sino a conmoverle.

Hay secuencias truculentas, otras muy tensas. Pero en ninguna de ellas Campanella se entrega a lo morboso ni a lo efectista, sino que persigue solamente la verdad y la emoción más primaria, más noble. Este cineasta se convierte, de manera incontestable, en un maestro del melodrama y del cine negro, de la ironía y de la convocatoria más sincera a las lágrimas que dentro de una sala de cine nos liberan del propio pasado, de los propios fantasmas, pues nos coloca un espejo, hermoso y libre, en el que desahogarnos y sentirnos vivos de nuevo.

El mundo del cine es curioso, como todos sabemos. Y también curioso es el mundo de los cinéfilos. Y también el de los jurados y los festivales. Qué se le va a hacer. A fin de cuentas, lo que cuenta es el buen cine, no la justicia de los premios, y aunque no hemos tenido de lo segundo algo ha habido de lo primero. Algunos malos presagios se han cumplido, además del habitual reparto de concesiones.

San Sebastián es una ciudad maravillosa, aunque terriblemente cara también. La gente de aquí es amigable, aunque bastante borde también. Todo tiene su cara y su cruz. El festival está bastante bien organizado y es uno de los más importantes del mundo, pero también es tristemente célebre por los disparates que conforman sus sucesivas entregas de premios. Hubo esta tarde reacciones para todos los gustos cuando se supo lo que habían decidido Cantet y compañía. No, la de Campanella no se ha llevado nada. Era previsible.

Nada que objetar a la Concha de Oro, pues ‘City of Life and Death’ es una película de rara fuerza narrativa, llena de coraje, dura pero elegante, terrible y conmocionadora. Era una de las dos, la otra era ‘El secreto de sus ojos’, que podía llevarse el máximo galardón sin que los miembros del jurado tuvieran que escapar de la ciudad de incógnito. Ahora bien, es el único acierto pleno de una lista de premios que no hay por donde coger, porque es un insulto.

Lo más notable, y estúpido, es la concesión de la Concha de Plata al mejor actor a Pablo Pineda, que se interpreta a sí mismo en la ridícula ‘Yo, también’. Este debutante se esfuerza y obtiene momentos de sinceridad incontestable, pero no se puede situar por delante del fenomenal trabajo de Robert Duvall en ‘Get Low’, o de Ricardo Darín en ‘El secreto de sus ojos’. Con esta decisión desprecian todo lo que significa una buena interpretación, por muy loable que sea la de Pineda, que no puede compararse al genio de estos dos gigantes.

Es este un premio de una correción política nauseabunda, que desactiva todo lo que, en teoría, los directores del filme pretendían conseguir (aunque la realidad es justamente la contraria, digan ellos lo que digan), que no era otra cosa que obtener para el colectivo con síndrome de down una igualdad de reconocimiento social. Pero ya se sabe, esto es España, la grande, donde nunca triunfan precisamente los mejores. En cuanto al premio a su compañera Lola Dueñas, se trata de una actriz de talento en un personaje muy menor, y nunca podría considerarse superior a la gran Julianne Moore de ‘Chloe’ o a las actrices protagonistas de la injustamente infravalorada ‘Blessed’.

Pero el disparate continúa cuando observamos que la vieja leyenda de que el cine francés tiene que llevarse algo por narices en este festival se cumple año sí y año también. Algunos le echarán la culpa al presidente del jurado, Laurent Cantet, que puede haber barrido para casa. La verdad es que es la única explicación al Premio Especial para la nefasta ‘Le refuge’, de François Ozon. Ya que la película de Campanella no se alzaba con el mayor galardón, podría haber ganado este. Pero está claro que, teniendo garantizada su distribución y su éxito en medio mundo, el jurado quería impulsar a otras películas, y no a las más interesantes.

Ahora bien, la cima de tanta necedad es la concesión del premio al mejor director al español Javier Rebollo, por la puesta en escena, plúmbea, pagada de sí misma, deprimente, autocomplaciente, espantosa, de su estúpida ‘La mujer sin piano’, que algunos consideran gran cine, pero para quien esto firma es el ejemplo más abyecto de cine de autor. Considerar su trabajo por delante del de Campanella, nuevamente, o el de ‘Blessed’ es un atentando a la razón.

Un poco de sentido común creo que hay en otorgarle la mejor fotografía a ‘City of Life and Death’, así como el premio al mejor guión a ‘Blessed’, con lo que esta pequeña gran película recibe un poco de reconocimiento. Pero ambas decisiones no consiguen maquillar un palmarés de locos, en el que se premia al cine español simplemente por ser español y estar presente aquí, y al peor cine francés porque es lo que se suele hacer.

Termina así mi crónica, aunque de manera bastante agridulce, de esta edición del Festival de San Sebastián, primero al que asiste Blogdecine como acreditado, y que espero que haya ofrecido algo más que la simple colección de datos y críticas habituales en la prensa. Lo cierto es que siento tener que abandonar la ciudad, pero todo se acaba. El año que viene volveremos, de eso no hay duda, y deseando que tanto la selección de películas como el palmarés final estén a la altura del prestigio de este certamen maravilloso.

Nos vemos en Madrid.

Palmarés Completo:

- Concha de Oro a la mejor película: City of Life and Death de Lu Chan (China).

- Premio Especial del Jurado: Le Refuge de François Ozon (Francia).

- Concha de Plata al mejor director: Javier Rebollo por La Mujer sin Piano (España- Francia).

- Concha de Plata a la mejor actriz: Lola Dueñas por Yo, También (España).

- Concha de Plata al mejor actor: Pablo Pineda por Yo, También (España).

- Premio del Jurado a la mejor fotografía: Cao Yu por City of Life and Death.

Premio Kutxa-Nuevos Directores

- Mejor película: Le Jour Où Dieu Est en Voyage de Philippe Van Leeuw (Bélgica). Mención especial: Together de Matias Armand Jordal (Noruega).
Premio Horizontes

- Mejor película: Gigante de Adrián Biniez (Uruguay). Mención especial: Francia de Israel Adrián Caetano (Argentina).
Premios paralelos

- Premio TCM del público: Precious de Lee Daniels.

- Premio TCM del público a la mejor película europea: Desert Flower de Sherry Hormann (Alemania).

- Premio Gaztea de la Juventud: The Children of Diyarbakir de Miraz Bezar (Turquía-Alemania).

- Premio Otra Mirada de TVE: Precious de Lee Daniels. Mención especial: La Mujer sin Piano de Javier Rebollo.
Premios 5ª Cine en Movimiento

- Mejor película: In the Sands of Babylon de Mohamed Al-Daradji

- Premio Panavision a la película: Segal de Yuval Shani, de la Universidad de Tel Aviv (Israel). La dotación del premio Panavision consiste en 10.000 € (diez mil euros) en equipos de rodaje de Panavision para el siguiente rodaje del director del corto ganador.

- Segundo premio, consistente en una invitación para participar en el Short Film Corner del próximo Festival de Cannes, para:

· Segal de Yuval Shani. Por la manera metafórica en que nos presenta a un personaje libre en contraste con la sociedad en la que se encuentra.

· He Long Chuang Gang (The Opposite Shore) de Ao Shen, de la Academia de Cine de Pekín (China). Por la solidez y la madurez que demuestra el realizador para abordar un tema relacionado con una de las minorías en China.

· L’ Merja (L’Etang) de Azzam El Mehdi, de ESAV (Escuela Superior de las Artes Visuales de Marruecos). Por la poesía y minimalismo con que trata un tema vital y sus resonancias sociales.

- Mención Especial del Presidente del Jurado: A Pehuajó de Catalina Marín, de la Escuela de Cine de Uruguay. Por la sencillez con que expresa la desolación de los sentimientos y de su entorno.
Premios 16ª Cine en Construcción

- Premio Cine en Construcción de la Industria: La Vida Útil, de Federico Veiroj (Uruguay).

- Premio TVE: Norberto Apenas Tarde de Daniel Hendler (Uruguay).

- Premio Casa de América: Rompecabezas de Natalia Smirnoff (Argentina ).

Bueno, pues esto ha llegado a su fin. Y con un sol que desmiente que nos encontremos en el norte de España en pleno otoño, pues aseguro al lector que estoy escribiendo estas líneas sudoroso y sofocado.

Cada mañana me doy un paseo por la playa de Zurriola, y echo un vistazo a las progresiones de los surfistas. Cerca hay una escuela de surf, y todos los días se pueden ver surfistas cruzando la calle, con su tabla y descalzos (con lo que debe doler). A pesar de que tiene que estar helada, a las 7:45 había un par de docenas de ellos metidos en la mar e intentando cabalgar las olas. Me gusta mucho ese deporte y aunque a veces tenga prisa siempre me quedo un rato observándoles. Fue una actividad un millón de veces más interesante que la película coreana programada para las 9:30.

A menudo uno tiene que esforzarse, exprimirse el cerebro, para imaginar qué tipo de condiciones existen para que una película sea seleccionada en San Sebastián. No ha sido una Sección Oficial a concurso especialmente atinada, y nos hemos tragado películas (aunque algunos les pongan nueves sobre diez…) directamente infumables, que atentan contra el buen gusto y el respeto a la inteligencia del espectador. Por otra parte, suele coincidir que la más espantosa es programada a la hora más temprana, con lo que se pone a prueba la paciencia del respetable.

‘Vengo de Busan’, bochornosa es decir poco

No sé si luego leeremos en ‘Las horas perdidas’ que ha conocido una gran ovación en su final (como aseguran en esa web que le dedicaron a ‘Yo, también’, cuando fueron aplausos aislados, o en otras películas), pero yo estuve allí y ‘I came from Busan’ fue abucheada. No se merece estar en este festival, de hecho no se merece ni existir. Si su director hace más películas espero no tener que pasar, yo y el resto de la humanidad, por el suplicio de tener que verlas.

La cosa es como sigue: una adolescente de Busan, Corea del sur, se queda embarazada, se niega a abortar y finalmente tiene el hijo, aunque lo entrega en adopción. Cuando quedan veinte minutos para terminar decide recuperarlo y da el coñazo a las autoridades para que se lo den, de la manera más abyecta posible. Entre medias se dedica a pasear por su ciudad y a observar el entorno que le rodea. No exagero, es tal cual.

La palabra drama proviene del griego dram, que significa acción. Muchos autores olvidan, cuando se proponen hacer un drama, que tiene que ocurrir algo. El modo en que ocurra, el estilo, es cosa suya. Pero tiene que ocurrirle algo. A alguien. Preferiblemente a alguien creíble. Ahí está lo complicado, hacer creíble a alguien que sabemos que es un actor, y que tenga lugar el milagro de que, gracias al arte, sintamos que es alguien real. Muchos más directores de lo que sería deseable olvidan esto, que es tan elemental, y que está al alcance de muy pocos.

Pero de memeces de pseudo-artistas estamos sobrados este año en San Sebastián, pues con Javier Rebollo y su exquisita pero insoportable ‘La mujer sin piano’, con la francesa ‘Hadewijch’, con la turca ‘10 to 11’ o con las española ‘Yo, también’ y ‘El baile de la victoria’, tenemos ejemplos sobrados de cineastas que seguramente se ven a sí mismos como muy capaces, pero que son un dechado de incompetencia, de autocomplacencia, de vulgaridad, de frialdad, de vacuidad.

El Dr. Parnassus salvó el día

En las perlas vimos la última de Terry Gilliam, y la última que en vida protagonizó Heath Ledger (sustituido en algunas escenas por Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell, que donaron sus sueldos a su hija), que no es una película perfecta, ni muchísimo menos, pero que es una fiesta de la imaginación, una película portentosa por su capacidad de afecto para con los vagabundos y los deshechos de la sociedad, y un relato de arrolladora generosidad con la que nos reímos de buena gana después de querer suicidarnos con la película asiática.

Ledger está bien en pantalla, pero todos los actores están igualmente bien. En la eterna pugna de este creador entre realidad y fantasía, Parnassus significa su título más desequilibrado pero también más apasionado y compasivo, más feliz de existir. En la rueda de prensa que tuvimos luego con él, que duró bastante más de lo pactado, nos reímos también con ganas con un hombre que es un luchador nato por las ideas y los proyectos que él ama, aunque algunos no le salgan tan bien como desearíamos. Pude preguntarle tres o cuatro cosas y confirmé que a parte de un creador singular y alguna vez genial, es un hombre dulce, amable, inteligente y bastante chiflado.

‘Mother and Child’, un conmovedor melodrama

Cerrando el festival, se ha presentado, fuera de concurso, la norteamericana ‘Mother and Child’, dirigida por Rodrigo García, y con un reparto formidable, con caras conocidas como Samuel L. Jackson, Naomi Watts (que está fantástica), Annete Benning (que está fantástica), y otros actores, todos ellos en estado de gracia, como David Morse, Kerry Washington, Jimmy Smits…

Por qué esta película no está compitiendo por la Concha de Oro, no puedo entenderlo. Si lo estuviera, debería figurar en el palmarés final, quizá ganando el máximo galardón. Es cierto que al final hay demasiado dulce en este relato, pero es un feroz y certero retrato de la dureza de ser madre, de la dificultad de adoptar, del dolor que existe siempre entre una madre y un hijo, sea este adoptado o no. García dirige a sus actores con una perfección inusitada, hay diálogos extraordinarios, hay elegancia, sensibilidad, sinceridad, coraje.

Es decir, hay una dirección, cosa que no aparece ni por asomo en la gran mayoría de películas que mañana pueden ganar uno de los galardones más codiciados del cine europeo. Y es que la selección no ha sido gran cosa, por desgracia, se salvan tres películas y alguna cosilla decente más, y punto. Una pena. Mañana comentaremos más cosas del festival. Y por supuesto su palmarés.

Hasta mañana.

Esta mañana el cielo prometía una lluvia que, de nuevo, no ha tenido lugar. En lugar de eso, un sol radiante (y algo cansino, todo sea dicho) ha hecho acto de presencia después del pase de las 9 de la mañana, y se ha quedado un día de esos que la gente desde siempre ha convenido en llamar “espléndido”. Yo siempre he considerado una desgracia que luzca el sol durante tantas horas, y una bendición que caiga una buena tromba de agua, mientras que a casi todo el mundo le parece triste y gris que haga aparición el más maravilloso y escaso de los elementos. La vida es así.

Pero ha habido más desgracias, pues a primera hora hemos tenido que tragarnos una película insoportable. Menos mal que luego hemos podido ver cine del de verdad, el que importa, el que se ocupa de la gente común con problemas auténticos, no de pajas mentales, el que independientemente de lo que ocurra en la pantalla, podría suceder en cualquier parte del mundo, sin localismos estúpidos, de esos que a algunos cinéfilos tanto les gusta ver, por eso del exotismo, que tan “cool” resulta.

Inaguantable ’10 to 11’

Delante del Kursaal ocurre una cosa sobre la que está claro que los responsables del festival no han reparado. Existe un carril bici que recorre toda la ciudad, paralelo a la calzada. El problema es que la alfombra roja, situada a la entrada del edificio, se come casi toda la acera, y el poco espacio disponible es ocupado todos los días por cientos de personas haciendo cola tanto en Zabaltegi como en la sección oficial.

De modo que a los que nos dirigimos a otros menesteres, vayamos o no en bici, tenemos que pelearnos por un palmo de terreno. No sé cómo no se han producido ya alguna clase de accidentes. Ayer casi me arrolla un bus. Y podría haberlo hecho, porque así no habría perdido dos horas de mi tiempo en ver una cosa titulada ‘10 to 11’, que junto con ‘Yo, también’ y ‘La mujer sin piano’, me han hecho plantearme si de verdad me gusta el cine.

Un anciano, residente en Estambul, colecciona periódicos desde hace más de medio siglo. Un día, le dicen que tiene que deshacerse de ellos porque el edificio se va a venir abajo. Lo hace. Esto es todo. Esto es la película. No hay más. No sé si la gente aplaudió porque se acabó, ya que duró dos horas de suplicio, o porque pensaron que era genial. No entiendo cómo esta película está concursando en un festival de esta categoría, aunque como exotismo está bien.

Claro que por los corrillos, cafeterías y pasillos del festival, que son un ir y venir de acreditados, resulta que la estúpida, indigna ‘Yo, también’ ha gustado muchísimo, y que puede ganar algo importante, con lo cual empiezo a sospechar que no tengo ni puñetera idea de lo que es una buena película (lo digo en serio, y me da lo mismo). Personalmente, prefiero con mucho ‘Blessed’, que ha sido recibida con total indiferencia, pero que habla de gente de verdad, y que al contrario de la película española, lo hace con un par de huevos, algo que el cine de este país no tiene. En fin, esto es así.

A las 11 el director Javier Rebollo y sus actores hicieron la rueda de prensa de su cretinez ‘La mujer sin piano’. Me pasé por allí dos minutos, y pude comprobar cómo este hombre habla acerca de sus historias, con gran capacidad de sugerencia, mucho mejor de lo que son en sí mismas. Según él mismo decía, sus imágenes eran poderosas, sus ideas profundas y su forma de hacer cine sensible y sincero. Para qué hace falta que nadie diga nada…

La cosa se arregló porque a las 12 tuvieron la sensatez de programar ‘London River’ (a la que pertenece la captura de arriba del todo, por si no lo sabían) con la que su protagonista, un impresionante Sotigui Kouyaté, ganó el Oso de plata en el pasado Festival de Berlín. Tanto él como Brenda Blethyn están increíbles en esta sencilla y conmovedora tragedia que nos pone los pelos de punta sin el paternalismo, la ñoñería y la falsedad rotundas de esa memez de ‘Yo, también’.

Estimable ‘Los condenados’

El otro día estuve una hora antes del pase de prensa cerca del Teatro Principal, y comprobé cómo el famoso crítico Carlos Pumares acude 50 minutos antes del comienzo de la película para estar siempre el primero de la cola. Me divirtió verle estar siempre el primero todos los días, y me propuse arrebatarle el sitio, al menos una vez. Pero finalmente desistí de hacerlo, porque mientras él está ahí de pie, yo me leo un libro estupendo, con una cerveza y un pintxo a mi lado, sentado cómodamente en una estupenda cafetería a dos metros de la entrada.

Hoy, como siempre, el primero era Pumares, y pronto se formó una larga cola. A todo el que puedo le pregunto lo que opina de ‘Yo, también’. Algunos, más sensatos que otros, al menos no la califican de maravillosa y me dicen que se rieron, y que con eso basta. Yo también me reí un par de veces, y me sigue pareciendo un despropósito. Pero estoy comprobando la poca exigencia de muchos profesionales (o lo que sean) aquí en San Sebastián. Desde luego, tenemos el cine que nos merecemos, y no otro.

En cuanto a la segunda película a concurso, ‘Los condenados’, de Isaki Lacuesta, pues es fácilmente la mejor película española a concurso, y precisamente por ello será ignorada, seguro, en el palmarés del sábado. Al contrario que la película con un protagonista con Síndrome de Down o la bobada de película de Rebollo, Lacuesta tiene algo que contar, dirige bien a los actores, arma bien las secuencias. En pocas palabras, es un director con hechuras de buen cineasta. La película no es redonda, ni mucho menos, pero creo que este hombre tiene talento y en el futuro, si continúa indagando en la ficción, puede hacer algo importante.

Mañana tenemos la última película a concurso, y la de Rodrigo García, que no compite. Ah, y en perlas la de Gilliam, que dará, espero, rueda de prensa. Todo eso lo contaremos.

Agur

Reconozco que esta mañana me desperté bastante cansado, sobre todo por el temor que sentía de que la película de la Sección Oficial a concurso, que se proyectaba a las 9 en punto, no estuviera a la altura de las expectativas. Busqué, a las 8 y con un sueño atroz, algún bar abierto en las inmediaciones del Kursaal, y tardé en encontrarlo. Tras beberme un café bastante decente me dirigí a la sala.

A las 9 menos cuarto todavía no había acudido casi nadie al teatro Victoria Eugenia, que como algunos sabrán está al otro lado del río Urumea, separado de la Plaza de los Cubos por el bello puente Zurriola. Cuando faltaban pocos minutos para comenzar, fueron llegando algunos acreditados más, pero ni por asomo se llenó el teatro. No parecía que los críticos ni la prensa fueran a prestarle mucha atención a la película, como así ha sido.

Me parece una injusticia.

’Blessed’, un bello relato de juventudes rotas

Y me parece una injusticia porque, en mi opinión, ‘Blessed’ es la más humilde y la más verdadera de todas las películas que hemos visto a concurso, la que consigue más con menos, la que goza de un reparto más compacto y más perfecto, y la que más puede llegar a conmover al espectador. Tanto es así que considero que contiene más cine y verdad incluso que la de Campanella, que tanta gente está alabando por la ciudad, y que debería ser la ganadora, sino gana la china ‘City of Life and Death’.

Todo lo que ayer con ‘Yo, también’ y con ‘Hadewijch’ era cobardía, trazarse un camino para luego traicionarse, lugares fáciles y previsibilidad, todo eso no se encuentra en esta pequeña gran película por ninguna de sus dolorosas, turbias, verdaderas esquinas. Esta película cuenta la miserable existencia de una panda de chavales que son patéticos perdedores de la sociedad, y cuyos padres no saben qué hacer con ellos. 36 horas de la vida, primero de los hijos, y luego de sus progenitores.

Así, con sencillez y valentía, se nos cuenta el mismo conflicto, la misma guerra (la que enfrenta a padres e hijos desde el principio de los tiempos) desde dos puntos de vista complementarios que se repelen pero se explican. La película roza el melodrama sin ingresar nunca en él, ni en la sordidez o el tremendismo. Es trágica, pero elegante. Mientras directores muy inferiores, y célebres, como Darren Aronofsky, cuentan una historia parecida y te muestran imágenes abyectas, revolcándose con morbo en el dolor, Kokkinos se acerca a sus personajes con pudor y respeto, castigándoles pero también sintiendo compasión por ellos.

Memez de Javier Rebollo

Recuerdo hace algunos años, cuando conocía a Javier Rebollo en la Escuela de Cine. Nos prometió que jamás haría un largometraje, porque haciendo cortos se ganaba genial la vida y estaba muy a gusto. Pero ya tiene dos a sus espaldas, y mañana, en la rueda de prensa pienso preguntarle por qué cambió de opinión… y algunas cosas más.

Este hombre yo no sé si se tiene a sí mismo como un artista incomparable o como un engañabobos. Puede que sea lo segundo, al menos para quien esto suscribe. Su ‘La mujer del piano’ es una bobada de proporciones colosales. Carmen Machi, un ama de casa aburrida, decide darse una vuelta por Madrid de noche, y el resultado no puede ser más trivial. Me comentaba un compañero que precisamente va de eso, de la banalidad, de la nada. Pues vale. Pues la película es la nada. La nada.

Premio Donosti a Ian McKellen

A las 17:30 llegó el premio Donosti de este año, con la sala casi a rebosar de gente y ofreció una rueda de prensa de una hora de duración, algo excepcional. Fue muy divertida y el actor supo encandilarnos a todos con sus modales y su dulzura. Especialmente destacable fue el momento en que un periodista creyó que apoyaba, por llevar la camiseta, la candidatura de la ciudad como Capital Cultural Europea. Dijo que no tenía ni idea…¡pero que apoyaba la causa!

A la entrega del premio sólo podían acudir los fotógrafos, así que no puedo comentar nada al respecto. Pienso que hay pocos actores de su generación que se merezcan más el premio.

Y esto se acaba. Quedan dos días. Mañana la turca ’10 to 11’ y la española ‘Los condenados’. Ya os contaré...

Amaneció hoy gris en San Sebastián. Temía yo que a las 8 de la mañana, y con la playa a cien metros, soplara una rasca de campeonato. Pero nada de eso. Se estaba bastante bien. Y ya por la tarde bochorno del bueno. De hecho, mientras escribo estas líneas tengo la ventana abierta y dejando entrar un poco el fresco, porque parece que estemos en agosto. Sí, Mariano, el cambio climático es una realidad, y trágica.

Cambiando de tema. Me llama la atención que mientras en los cines dejan entrar a la gente una vez comenzada la película (al contrario que en los teatros, sana costumbre), en un festival como este no dejan entrar a los críticos que llegan tarde. Tal prohibición debería aplicarse, a mi entender, en todas las salas de cine del mundo, porque es una falta de respeto de los dueños del cine para con la gente que ha llegado a su hora y se tiene que j… porque el desaprensivo de turno está buscando su butaca en medio de la oscuridad.

Mal día para la sección oficial, pero bueno para Zabaltegi

Comenzó el día haciendo cola junto a dos críticos franceses (hombre y mujer), a los que entendía nada pero que eran unos pelmazos arrogantes. No sólo por sus ademanes que justifican la aversión de alguna gente a la figura del crítico, sino porque se fueron de la cola y luego volvieron y me reclamaron su sitio como si tal cosa. Muy majos.

Vimos, a las 9 en punto, la muy esperada película de Jim Jarmusch ‘Los límites del control’, filmada íntegramente en localizaciones de Madrid, Sevilla y Almería. Jarmusch es un director esencial en el cine norteamericano contemporáneo, y lo ha vuelto a demostrar con esta extraña e hipnótica historia, tan minimalista y sugerente como todas las suyas. La gente no sabía muy bien qué decir con ella cuando terminó la proyección, yo aplaudí de buena gana.

No hay el menor indicio de divismo ni de autocomplacencia en la puesta en escena de Jarmusch, que sigue a un hierático hombre sin nombre (interpretado con gran fuerza por Isaach De Bankolé) por diversas geografías de España. Por cierto que le saca más partido, visualmente, a la ciudad de Madrid, que los trescientos directores patrios que lo han intentado antes que él, lo cual resulta tremendamente frustrante. Con una selección musical yo diría que exquisita, somos testigos de una aventura insólita, de una venganza abstracta, en la que, como en ‘Inglourious Basterds’, los idiomas tienen una gran importancia.

Con la serenidad y la elegancia de ‘Ghost Dog’, y el sentido fatalista de ‘Dead Man’, Jarmusch firma otra gran película. En la rueda de prensa (en la que muchos no preguntaban más que obviedades), no tuvo problemas para hablar y hablar, con gran prestancia y energía, de sus ideas. Este hombre es uno de los grandes.

A las 12 pudimos ver la esperada ‘Hadewijch’, del niño bonito de Cannes Bruno Dumont. Es un director que algunos colocarían en la estela de Depleschin o Klotz, pero ni por asomo, y con la nueva película, que es la peor de las suyas, vuelve a reincidir en ese estilo académico y pagado de sí mismo que resulta tan exasperante. Se trata de un hombre de gran cultura cinematográfica, que sabe lo que hace y se defiende bien, pero que no sabe tratar el material del que habla.

Una adolescente (una esforzada y brillante julie Sokoowski) en cuya privilegiada casa no conoce el cariño ni el amor de sus padres, se refugia en un fervor religioso exagerado. Ama a Cristo, eso dice, y su vida carece de sentido porque Cristo no se la lleva con ella. Conocerá a un muchacho musulmán que la llevará por una senda que acabará en tragedia. La historia no está mal, el problema es cómo está contada. Los actores están bien, pero Dumont cuenta bien algunas cosas y otras las cuenta con bastante torpeza, además de que el conjunto parece poco creíble. No se merece estar en el palmarés final.

Por cierto que tuve tanta mala suerte que los dos críticos pelmazos de primera hora se sentaron justo a mi lado, y no pararon de rajar y de moverse en toda la película. De-ses-pe-ra-ción con ellos. Alguien les dijo que se callaran, y lo hicieron…pero siguieron moviéndose sin parar, y dándome codazos. Un verdadero suplicio.

Antes de esta irregular película tuvo lugar la rueda de prensa con Robert Duvall y Aaron Schneider. Ya hablé ayer de la flojita ‘Get Low’, en la que el casi octogenario actor está impresionante. Hoy nos habló de muchas cosas. La sala estaba a medio llenar, pero los que asistimos estábamos encantados con él. Nadie le hacía ni puñetero caso al director, entre otras cosas porque a nadie le interesaba lo que tuviera que decir.

Por la tarde vimos ‘Yo, también’, producción española dirigida por Antonio Naharro y Álvaro Pastor, que es un disparate sin pies ni cabeza y que, si está en el palmarés final, no hay justicia en este mundo. Cuenta la historia de un hombre con síndrome de Down que se enamora del personaje de Lola Dueñas (ex-musa de Javier Rebollo, cuya ‘La mujer sin piano’ se presenta mañana), y que intenta conquistarla. En teoría es una película con mensaje buenrollista en pos de la igualdad de trato con esta minoría.

El problema es que el mensaje es tan evidente, y la forma de hacerlo es tan zafia, que no hay por donde cogerla. Los directores tratan de imbéciles a los espectadores, y acaba uno harto de tanta ñoñería, tanta previsibilidad y tanto tono políticamente correcto. Además, no se le pueden echar menos (y seguro que me echan la bronca por el taco) cojones al asunto. Qué poca verdad, qué poca valentía, que poca verosimilitud y qué poco cine. Y qué pena.

Y eso ha sido todo en el día de hoy. Mañana más. A las 7:45 arriba. Espero que me den alguna alegría.

Saludos desde Donosti

Aquí, en Donosti, después de un fin de semana bastante pasado por agua, ha llegado un tiempo desapacible y extraño. Lo mismo te asas de calor cuando sale el sol, que dos minutos después el astro desaparece y te deja a merced del viento que sopla gélido desde el mar, y te congelas. Por mí encantado, porque a diferencia del muchas otras personas, por lo que parece mi sistema respiratorio está en plena forma, y no me cojo un resfriado cada vez que una brisa fresca te coge un poco desprevenido.

Digo todo esto, porque si las tosecitas de los cines (ese eco que acaba convirtiéndose en una serenata que se expande como la ola de los estadios de fútbol) dan para un ensayo literario, en los festivales dan para una novela. Con todo el trajín que supone de visionados un festival, tener que aguantar que la gente no sea capaz del mínimo de educación exigible de taparse la boca cuando se tose, puede ser insufrible. Para que luego digan que el trabajo de los críticos es fácil. Espera que me río.

Resumen de dos días de locura

Voy a hacer un resumen tanto de ayer domingo como de hoy lunes, ya que ando retrasado por motivos de salud y de conexión, y es que parece que todo viene a la vez, y no puedes lidiar con varias cosas que te vienen encima y te imposibilitan de todo punto el trabajo.

Se ha visto la de Juan Jose Campanella, y a todos nos ha gustado mucho. ‘El secreto de sus ojos’ suena muy fuerte para alzarse con la Concha de Oro. Hay quien la califica de grandiosa. Yo no diría tanto, pero está claro que este thriller romántico está tan bien hecho que consigue prácticamente todo lo que se propone, y eso, en el cine de género actual, es decir mucho. Recibió una gran ovación, parece imposible que se vaya de aquí sin nada. Aunque en este certamen nunca se sabe.

El que no parece que tenga muchas papeletas es Christophe Honoré con ‘Making Plans for Lena’, que en teoría intenta hacer un discurso feminista, pero que es tendenciosa hasta decir basta. El director y su actriz, Chiara Mastroianni, la defendieron panza arriba en la rueda de prensa, pero no había nada que defender.

Mucho más interesante es, de lejos, la propuesta de Lu Chan, que con su ‘City of Life and Death’, centrada en las torturas japonesas a los chinos en la guerra de 1937, nos ha puesto a todos la carne de gallina, pero de una forma elegante y contenida, con unas horrendas y aún así bellas imágenes en blanco y negro. Toda una sorpresa. Tampoco pasaría nada si gana la Concha de Oro, o el premio al mejor director.

Otra cinta que ni fu ni fa, aunque algunos aplausos se oyeron, fue la producción alemana ‘This is Love’, de Mathias Glasner. Se trata de una historia bastante sórdida que habría ganado bastante si su director no se empeñara en convertirse en una especie de Martin Scorsese y se centrara un poco más en lo que se supone que está contando. Aún así, hay ciertos rumores de que el director puede colarse entre los premiados, y es que eso de hacerse el cool y desaprovechar un buen planteamiento obtiene cierto eco entre muchos jurados.

Por último, y para terminar de ponerme al día, hoy hemos visto, por la tarde, ‘Get Low’, de Aaron Schneider. Es un debutante que hace unos años ganó el Oscar con un cortometraje suyo. La película es predecible y clasicota hasta decir basta. No me parece digna de un festival de esta categoría. Eso sí, Robert Duvall es un lujo, un genio del cine, y Sissy Spacek otro. Entre ambos la salvan de la quema.

Mañana…

Pues termino estas líneas cerca de la 1 y mañana a las 9 quisiera ver en Zabaltegi la nueva de Jarmush. ¿Podré? Eso espero. Y también dos películas de la sección oficial, claro está. Lo dicho, va a ser intenso. Esperemos que las cintas merezcan la pena.

Hasta mañana.

Cuando, en cierta secuencia, al término de ‘Death Proof’, sentimos compasión por un asesino despiadado como Stuntman Mike, interpretado con gran oficio por Kurt Russell, nos sentimos también miserables por experimentar ese sentimiento, mientras asistimos a la implacable venganza de la que es objeto, y por cierto que merecida venganza. Algo similar ocurría en la que posiblemente sea la obra magna del director de Tennessee, Kill Bill, pues en la venganza de La Novia sus enemigos llegaban a adquirir cierta dignidad a la hora de morir.

Ahora, con este ‘Inglourious Basterds’ (no voy a escribir la estúpida traducción española), Tarantino nos entrega, como suele hacer, una fuerte dosis de sí mismo, en su extraño y feroz, brillante y desequilibrado, homenaje y reescritura de las constantes del cine de aventuras y espionaje con el trasfondo de la Segunda Guerra Mundial, y lo hace arrebatándoles la humanidad a la mayoría de los aliados y dándosela algunos nazis, elaborando una fascinante galería de rostros y caracteres, para un violento zarpazo de ingenioso y arrollador cine de autor.

Los personajes, y sus actores, son el motivo de esta película

Dice Tarantino que cuando escribe, puede tener en la cabeza algunas ideas o alguna estructura previa, pero que sus personajes, a los que con tanto mimo ha esbozado, son los que le van dictando qué es lo que va a suceder. También toma a dictado los diálogos, imaginando que les oye hablar. Ha llegado hasta tal punto, en la confianza extrema que tiene a sus hijos de papel y celuloide, que les permite incluso cambiar el rumbo de la historia, en una orgía de sangre final de pasmoso salvajismo. Todo es posible en esta oda desenfrenada al poder subversivo del cine.

Porque amor al cine hay en el cariño de Tarantino no sólo a sus personajes, sino a los actores que les interpretan, todos ellos, como siempre, en estado de gracia, y muchos (sobre todo Pitt y Waltz) como si no fueran ellos, en una transformación física y anímica absoluta, embebidos de sus propias creaciones, pletóricos de felicidad y talento por participar en esta fantasía lúdica, verdadero capricho estético del director que ha de entenderse como tal. En él hay cabida para que una actriz célebre (Kruger, que parece fugada de alguna película clásica de los años treinta) acuda a una misión suicida con un crítico de cine (Fassbender, en una creación estupenda), y termine su labor la dueña de un vetusto cine sediente de sangre nazi.

Pero de todos ellos el personaje más inolvidable de la película es, sin lugar a dudas, el fascinante monstruo alemán interpretado con inusual maestría por el casi desconocido Christoph Waltz, que se inscribe con letras de oro en la larga tradición de sádicos y astutos oficiales nazis de la historia del cine. Hans Landa es un cruce entre el doctor Lecter, Sherlock Holmes y Reinhard Heydrich, y con él Tarantino echa el resto y añade otro complejo y oscuro rostro a su particular universo. Ganador del premio en Cannes, es probable su nominación al Oscar como mejor secundario, pero esto es un filme coral, y su personaje no tiene nada de secundario, de hecho es la pieza catedralicia de la película.

Un relato que se hace corto

Presentada en el Festival de Cannes de este año, dentro de su Sección Oficial a concurso, la séptima realización de Quentin Tarantino fue vista allí con un montaje diferente del que ahora llega a las salas. Como Blogdecine no estuvo presente en Cannes, sólo pueden aventurarse conjeturas acerca de tal montaje, en teoría más corto que el que ahora ha llegado a las salas y a San Sebastián. La película dura 160 minutos, estructurados en cinco grandes bloques o capítulos que abarcan un núcleo central que se va ramificando con total naturalidad.

No existen, por tanto, tres actos definidos y diferenciados. Me comentaba Alberto Abuín que es una película de momentos. Y es cierto, pero hecho a drede. Los cinco bloques están escritos de modo que parece que van, cada uno de ellos, perforando y percutiendo en una idea y un motivo, hasta profundizar en ella y terminar con un gran clímax que salpica el futuro devenir de los acontecimientos. Y todo comienza, y termina con Landa. Primero en el capítulo 1, que a modo de introducción nos presenta a este abyecto y encantador personaje (y que es una de las mejores secuencias jamás dirigidas por Tarantino), y finalmente en el capítulo 5, donde Landa conoce un inesperado desenlace al inesperado giro que él mismo había provocado.

Entre medias, saltos temporales tan del gusto del director, un capítulo dedicado al precioso personaje de Mélanie Laurent, y el fabuloso capítulo de la posada, en el que Tarantino, como venía haciendo durante toda la película, llega lo más lejos posible en la dilatación del tiempo. En ese sentido el relato se hace corto: no sólo porque desearíamos conocer más a fondo a estos personajes, sino porque el objetivo de Tarantino, más que la acción, es el suspense. El tiempo se alarga hasta el paroxismo, para deleite de las mascaradas que supone el lenguaje.

Lenguaje en doble sentido, el visual y el sonoro, este último auténtico motivo y razón de ser del suspense, pues con los diferentes idiomas y acentos, Tarantino desvela su gran pasión por la voz y los juegos de palabras. De hecho, sólo se lanzó a hacer ‘Inglourious Basterds’ con confianza cuando conoció al políglota Waltz. Y todo esto convierte el mero hecho de asistir a verla doblada al español en un disparate sin pies ni cabeza, pues se pierde un nivel importantísimo de esta estupenda película. Una película en la que el tono y el estilo parecen fluctuar con desdén, pero que está filmada con verdadero arrojo, y cuyo montaje final parece algo tosco y acerado, pero eso no hace sino acrecentar su bestialismo y su sequedad visual.

Tarantino se ríe de la Segunda Guerra Mundial, pero también del género. Al mismo tiempo, les riden pleitesía a ambos. No quiere hacer un filme perfecto, quiere grandes momentos, disfrute lúdico, sorprender, hacer reir, de la mano de estos “infames hijoputas”. Y lo consigue con creces. Vaya si lo consigue.

La sección oficial ha comenzado a toda mecha, con seis películas que se verán en dos días, lo cual es un poco extraño, pues en los dos últimos días de competición, no se presentará nada más que una película de esta sección, y no está a concurso (la de Rodrigo García). Cosas de San Sebastián, que al parecer ha reducido ligeramente su presupuesto, y que con un día menos de programación de películas a concurso, descompensa notablemente la presentación de películas entre el primer y el segundo fin de semana.

Hoy, sábado, se han presentado la española ‘El baile de la victoria’, de Fernando Trueba, que está fuera de concurso, la iraní ‘Keshtzar haye sepid’ (‘The White Meadows’), de Mohammad Rasoulof, y la francesa ‘Le Refuge’, de François Ozon. Ninguna de las tres llega a la mitad de complejidad, turbiedad y emoción de la película de la primera jornada, ‘Chloe’, de Atom Egoyan. Ayer nos preguntábamos si el festival mantendría el listón, lo rebajaría o lo superaría, después del primer día. La respuesta es obvia: no lo ha mantenido.

Fernando Trueba es un director cuyas aportaciones más importantes al cine parece que hace bastantes lustros que tuvieron lugar. Ahora mismo, al menos para quien esto firma, se trata de un cineasta sin rumbo, desubicado, fuera de la realidad e incapaz de decir algo con voz propia. Sin duda, es un hombre de talento, un cineasta de gran cultura, y un melómano irredento (cuyos documentales sobre música son lo mejor que ha firmado). Pero su carrera como director de cine de ficción se ha visto interrumpida, o mejor dicho, tocada de muerte, por dos fracasos estéticos (y de público) como ‘Two Much’ y ‘El embrujo de Shanghai’.

En ellas intentaba, respectivamente, un trasnochado intento por redimir la comedia loca estadounidense y un estrepitoso batacazo a la hora de aunar cine de autor y de gran presupuesto. Así las cosas, llevaba siete años, nada menos, sin presentar nada de ficción. Y ahora regresa a ella, a sus 54 años, y no parece que nadie esté dispuesto a afirmar que debería haberlo hecho antes. Su ‘El baile de la victoria’ no ha convencido a casi nadie. Él y Jonás Trueba adaptan la novela de Skármeta, y Fernando se encarga de las labores de puesa en escena: el resultado no puede ser más anodino. Pretendiendo una película de aventuras de la vieja escuela, padre e hijo se enredan en una trama mil veces vista que a nadie sorprende y que a nadie cautiva, porque se basa en los modelos más rancios y anticuados del cine de aventuras. En pocas palabras: cine oxidado.

François Ozon es uno de los mimados del nuevo cine francés. Aunque más valdría decir que es uno de los eternos aspirantes a ese nivel de “gran director” al que tantos quieren acceder y muy pocos logran. Desde que presentó en Berlín, este prolífico realizador, la pomposa y superficial ‘8 femmes’, con la peor Catherine Deneuve que recuerdo, ha logrado una cierta fama y ha visto su obra frecuentemente invitada a formar parte de importantes certámenes internacionales como el que nos ocupa.

Hoy presentaba ‘Le Refuge’, en la que incide en su habitual tono pastoso e insustancial, eso sí, engolado y autocomplaciente hasta la médula. La reacción de los profesionales (los que cuentan, los que se tragan todas las películas de la sección oficial) ha sido gélida, y la del resto de acreditados tres cuartas partes de lo mismo. No se merece mucho más este director.

‘The White Meadows’, de Rasoulof, podría haber dado más de sí, en caso de no estar presidida por una voluntad tan descaradamente onanista que desactiva cualquier tipo de piedad que uno pieda sentir por los habitantes de una de las regiones, Irán, más dignas de compasión (y de una necesaria revolución interna), quizá de todo este desgraciado planeta. Pero el director se muestra conservador y poco incisivo en el tratamiento de esta historia de itinerario. Una pena.

Maribel Verdú, Premio Nacional de Cinematografía

Hace como diez años, Maribel Verdú era una actriz muy poco respetada por gran parte de la crítica y el público de nuestro país. Particularmente, la admiro desde que la vi en ‘El año de las luces’ (precisamente, de Fernando Trueba), hace ya la friolera de 23 años, cuando ella contaba con 26. Su belleza y su talento no sólo siguen incólumes, sino que han ido creciendo con el tiempo. Lástima que hasta la llegada de la simplemente interesante ‘El laberinto del fauno’ no ha sido cuando ha empezado a recibir el reconocimiento que merece.

Hoy, rodeada de compañeros de profesión, ha recibido el más que justo Premio Nacional de Cinematografía en Donosti, de manos de la ministra de cultura Angeles González-Sinde, de cuyas palabras, siempre extrañamente erráticas, prefiero no hacerme eco. Su alegría recogiendo el premio ha sido el acto más sincero de un día de cine ciertamente desangelado. Seguro que mañana, a poco que los cineastas sepan aportar algo de sinceridad y emoción, tendrá lugar un día más interesante en este certamen.