Aunque en los últimos años está algo de capa caída, realizando, principalmente, televisión, Daniel Calparsoro gozó de una inmensa fama hace apenas una década o dos. Durante los años noventa recibió la aclamación del público más joven por el acercamiento al cine que escogió. Aportaba una visión supuestamente novedosa, con una manera de rodar enérgica –muy basada en la steady-cam– y rompedora dentro del adocenado cine español, lo cual, como ya se sabe, siempre se recibe con los brazos muy abiertos, quizá más de lo que dicta la lógica. Films como ‘Salto al vacío’, ‘Pasajes’, ‘A ciegas’, ‘Asfalto‘… se encumbraron muy por encima de sus méritos. Pero, como suele ocurrir con estos fenómenos, su estrella brilló brevemente y ya entrado el siglo actual, Calparsoro se vino abajo vertiginosamente.

En la década de 2000, realizó ‘Guerreros’, ‘Ausentes’ y, tras comenzar una andadura televisiva con ‘El castigo’, rodó ‘La ira’ en 2009, para continuar con ‘La vergüenza’ y ‘La ley de las ánimas’, telefilmes o miniseries que recreaban historias reales, pero no por ello menos terroríficas que las que se suelen inventar para la ficción.

Ahora, por fin, parece que regresa a la gran pantalla, con una producción digna de la fama que tenía en sus comienzos. El día 2 de noviembre arrancó en Canarias el rodaje de ‘Invasor’, un thriller, con altas dosis de acción, cuyo guión ha sido escrito por Javier Gullón y Jorge Arenillas, a partir de la novela homónima de Fernando Marías. Alberto Amman, Antonio de la Torre, Karra Elejalde e Inma Cuesta componen el reparto.

Pablo es un médico militar español, destinado en una misión internacional, que, tras un atentado que casi le cuesta la vida, regresa a casa convaleciente. Al recuperar la memoria de lo ocurrido, Pablo sospecha que le están escondiendo información sobre las circunstancias del atentado y, a pesar de la presión de los altos mandos, se niega a secundar la versión oficial, poniendo en peligro su seguridad y la de su mujer y su hija.

El argumento no suena nada mal y Fernando Marías, que también ha sido guionista y ha visto otras de sus novelas trasladadas al cine, es un autor con una gran imaginación, que siempre encuentra historias entretenidas que contar y sabe mantener la intriga y la atención del lector. Si la adaptación se ha hecho con habilidad, es más probable que de aquí vaya a surgir una película muy interesante.

Vía | Por la red.

Desde que vi ‘Azuloscurocasinegro’ (2006) considero a Daniel Sánchez Arévalo una de las jóvenes y potentes promesas dentro de nuestro siempre denostado cine. Cinco años y dos películas después, comprobamos que la sombra de su ópera prima es demasiado larga y aunque a Arévalo aún le quedan muchas cosas por decir debido a su edad, de momento no es capaz de superar la película por la que más premios y felicitaciones ha recibido. Si nos adentramos un poco en sus tres films, vemos que la mayor virtud del realizador madrileño es la puesta en escena —la principal y más importante herramienta narrativa en el Cine—, y su punto flaco, precisamente los guiones. Es el lastre con el que debe cargar a la hora de hacer cine, y creo que Arévalo haría mejor en dejar que otro escriba el guión, mientras él se centra en lo que mejor sabe hacer, dirigir.

‘Primos’ es su tercera película como director, y tal vez sea una de las pruebas más patentes que existen en la actualidad de que un mal guión puede ser subsanado por una inteligente puesta en escena y convertirse en una película mínimamente buena. ‘Primos’ contiene uno de los guiones más penosos que el cine español es capaz de ofrecernos, y ya es decir. Sin embargo, me parece también una película que está muy por encima de la media de lo que por aquí somos capaces de hacer. Apartándose de lo hecho anteriormente, Arévalo nos regala una comedia pura y dura, tal vez demasiado bienintencionada, con unos personajes que se hacen querer, y sobre todo con el ojo puesto en el público, ése al que cada día es más difícil sorprender, o tal vez todo lo contrario. En cualquier caso ‘Primos’ ofrece diversión de la sana, y ya es bastante.

El delirante prólogo enseguida nos pone en situación. Diego (Quim Gutiérrez) ha sido plantado por su novia en el altar. Tras una breve explicación a los invitados, y de paso al espectador, de por qué se ha llegado a esa situación, el humillado novio se queda en la iglesia con sus dos primos, Julián (Raúl Arévalo) y José Miguel (Adrián Lastra), llorando sus penas. Armándose de valor deciden volver a su pueblo natal en busca del primer amor de Diego, Martina (Inma Cuesta). Además de dejar claras las distintas personalidades de los tres primos, el film engancha al espectador con esa premisa, que suena a rebeldía, a locura, deseamos que lo hagan. Así pues, y con ecos, intencionados o no, de películas como ‘Airbag’ (Juanma Bajo Ulloa, 1997) o la más reciente ‘Resacón en las Vegas’ (‘The Hangover’, Todd Phillips, 2009), los primos —atención al doble significado del título— emprenden una aventura muy típica en la comedia estadounidense, de la cual ‘Primos’ no puede, ni debe, esconder su influencia.

A partir de ese brutal, arriesgado y divertido inicio lo lógico es que el film continuase con el mismo tono; pero nada iguala, y mucho menos supera el arranque. Sin complicarse demasiado la vida, Arévalo firma de lejos su peor guión, narrando una historia que avanza a trompicones, basando su efecto en secuencias aisladas débilmente unidas. Situación tras situación, alguna más cómica que otra, e incluso forzadas —la actuación a lo Back Street Boys, de verdadera vergüenza ajena, a pesar de lo bienintencionada que quiere ser— se amontonan continuamente sin que exista progresión dramática ni evolución en los personajes. Ni siquiera la premisa con la que da comienzo el film —el abandono de Diego el día de su boda— está bien aprovechada cuando la novia a la fuga hace acto de presencia en el pueblo. El conflicto, lógico, coherente, el guión prácticamente lo pide a gritos, simplemente no existe. Y así con todas las situaciones problemáticas que los tres primos se encuentran en un viaje que les ayudará a descubrirse a sí mismos. Arévalo las resuelve de un plumazo y con demasiada facilidad.

Si a eso sumamos que Quim Gutiérrez ha cambiado mucho desde ‘Azuloscurocasinegro’, y no precisamente a mejor, o que los personajes femeninos están prácticamente de adorno —el de Clara Lago no sólo está desaprovechado, sino que hasta parece una trampa de guión de las gordas—, pues el desastre estaría servido. Sin embargo, hay algo en ‘Primos’ que hace que no metamos esta película en el saco del olvido y es hablando en plata, su buen rollo. Arévalo, por primera vez en su filmografía se ha enrollado con el público, con todo lo bueno y lo malo que eso tiene. Las desventuras de los tres primos en un pueblecito encantador, que bien podría ser el nuestro, el que todos tuvimos alguna vez, está llena de lugares que hurgan en nuestros recuerdos de juventud o infancia. Los vecinos de Comillas fueron alguna vez los nuestros, sus alegrías y tristezas las nuestras, al igual que sus derrotas y sus victorias. El regreso de los tres “aventureros” es como nuestro querer volver a ese lugar en el que siempre nos sentimos bien, a gusto, y los problemas no los parecían tanto.

Arévalo deja en manos de sus intérpretes casi todo el peso del film. Dejando a un lado a Gutiérrez, Clara Lago o Inma Cuesta, cuyos defectos provienen más del guión que de sus interpretaciones en sí, los reyes de la función son Antonio de la Torre —grandísimo homenaje a los cinéfilos, con un punto de parodia totalmente equilibrado, lo más conseguido de la cinta—, Raúl Arévalo —con su bribón de eterno buen corazón quisiéramos irnos de fiesta todos—, y Adrián Lastra, que carga con el personaje más arriesgado de todos, un hipocondríaco controlado por su mujer. Es curiosamente a través de ellos donde ‘Primos’ se hace querer, por así decirlo. Sus historias de reconciliación y saber decir no, hablan en cierto modo del saber estar entre aquellos a los que queremos o significan algo, de la actitud ante el mundo y las adversidades, aunque suenen a tan poca cosa como aquí. Lo cierto es que si Daniel Sánchez Arévalo tuviera esa facilidad tan pasmosa para solucionar problemas como refleja en el guión de ‘Primos’, lo querría siempre a mi lado.

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘Primos’, comedia veraniega

Paco Cabezas es autor de ‘Aparecidos’ (2007), película que pasó más o menos inadvertida en fecha de su estreno, pero cuyo guion y resultado aprecié mucho. En su faceta de guionista, el sevillano cuenta con bastantes títulos, mientras que su segundo largometraje como director es, como ya sabéis, la adaptación de su célebre corto ‘Carne de neón’ y lleva el mismo título. En esta traslación al largo, el protagonista, interpretado por Mario Casas, es un chaval que tiene la intención de regalarle a su madre un puticlub para que lo regente cuando salga de la cárcel.

El trabajo de Cabezas en la dirección de ‘Carne de neón’ (2010) es encomiable tanto en lo que atañe a los actores como en sus labores detrás de la cámara. En el primer aspecto, consigue, gracias a diálogos muy ajustados y a intérpretes que están en perfecta consonancia con sus papeles, una tremenda autenticidad. Largas conversaciones, muy naturalistas y con sentido del humor, establecen el tono de la película en un arranque divertido, vertiginoso y muy prometedor. Vicente Romero da la réplica con gran convicción al protagonista. Macarena Gómez o Antonio de la Torre, resultan, como es habitual en ellos, muy frescos y creíbles. Ángela Molina, actriz que no siempre me ha resultado natural, aquí hace un papel no solo terrenal sino incluso muy divertido. El mayor alivio cómico lo supone Dámaso Conde, como La Infantita, en la tradición almodovariana que nunca falla del travesti gracioso.

La realización, que tira de planos elaborados y efectistas, muy en la línea de Quentin Tarantino o Guy Ritchie, resulta lucida y viene acompañada de una fotografía de gran contraste y baja intensidad cromática que ofrecen, en conjunto, una estética atrayente y muy adecuada al género y alas intenciones de la película.

No es nada nuevo que los protagonistas de una narración sean escoria y que, a pesar de ello, seamos capaces de idenficarse con ellos. La estrategia suele consistir en anteponer unos antagonistas todavía más mala gente que nos haga percibirlos, por contraste, casi como buenas personas, más o menos como convirtiendo en práctica el refrán de “otros vendrán que bueno te harán”. Eso busca Paco Cabezas –quien define a sus personajes principales como hijos de puta– con la inclusión de los malos terribles, encarnados por Darío Grandinetti . Pero veremos más adelante si, en efecto, lo consigue.

Ausencia de distanciamiento

Existen, tanto en cine como en cualquier otra de las artes narrativas –literatura, teatro, etc…–, recursos para crear un distanciamiento buscado. No es momento ni lugar de enumerarlos, pero sí quiero decir que, por mucho que parezca que la cercanía o la empatía son siempre los propósitos de las obras que transmiten historias, existen asimismo las ocasiones en las que lo que se busca es alejar emocionalmente al espectador de lo que está viendo, ya sea para permitirle soportarlo o para causar algún otro tipo de efecto que dependerá de cada propuesta en concreto.

Los directores con los que más se ha comparado ‘Carne de neón’, claramente porque su autor buscó emularlos, son los ya mencionados Tarantino y Ritchie. La diferencia más clara que encontramos en esta versión a la española de sus películas es la ausencia de distanciamiento. Por poner un ejemplo, la famosa escena en la que se tortura a un policía sin demasiado motivo, en ‘Reservoir Dogs’ es cruel y violenta y no escatima los planos de sangre ni oculta fuera de cuadro los momentos más dolorosos. Sin embargo, en ella su autor echa mano de recursos que sirven para crear un distanciamiento. La música del recientemente fallecido Gerry Rafferty, así como la actitud del personaje de Michael Madsen y el humor negro, consiguen este propósito.

El director y guionista de ‘Carne de neón’ se olvida del humor a partir cierto punto en el que la película sufre un brusco salto de tono al pasar de ser una comedia a un oscurísimo drama. Al perder este ingrediente, que podría parecer que no es más que una salazón, el efecto cambia por completo. Aunque no puedo entrar en la cabeza de Cabezas, apostaría que, lejos de ser algo buscado – existen películas intencionadamente duras, que no por eso dejan de ser buenas, pero son otras sus pretensiones–, esta dureza es algo que se le ha escapado de las manos al guionsita y cineasta, quien, aunque hubiese querido mostrarlo todo con el mismo distanciamiento y la misma comicidad que impidiese sentirse mal, no ha encontrado los recursos necesarios para lograr este efecto.

Entiendo y celebro que Cabezas aspirase y lograse hacer una película cañera, auténtica, impactante y nada edulcorada. De lo que quizá no ha sido consciente es de los efectos que tienen, a partir de determinado momento, determinadas situaciones. Cierto es que no todo el cine ha de ser de denuncia, pero me sorprende que se toque un tema como la trata de blancas sin hacer siquiera un ápice de indicación en contra, sino, muy al contrario, frivolizando sobre ello. Solo la inconsciencia con respecto a su impacto me lo haría explicable. Eso y la desensibilización a la que todos estamos sometidos, que probablemente consiga que muchas personas vean este tipo de escenas sentirse afectadas, por fortuna para ellas.

Al final de todo, el caos

El final de ‘Carne de neón’ tiene como pretensión única llegar a una escalada de violencia que permita a su director alcanzar el apoteosis de su lucimiento en la realización. En efecto, lo logra, pero a costa de convertir los hechos en un caos incomprensible donde ya da igual lo que está pasando y solo importa la estética de los encuadres y el impacto del montaje. Al inicio, la presentación de las situaciones se va orquestando paulatinamente con mucho orden y clasicismo. Sin embargo, cuando toca resolver, al autor se le olvidan algunas de las tramas, de las que no volvemos a saber nada en el resto de la película –¿qué ocurre con las dos chicas del este? – . Con otras, montadas en paralelo, establece una progresión temporal a todas luces imposible o las despacha sin demasiada atención. Esto nos habla o bien de un guion descompensado, o de un montaje precipitado, o de una combinación de ambos descuidos.

Conclusión

Podría haber disfrutado de ‘Carne de neón’ de una manera epidérmica, vibrando con sus tiros y peleas como he hecho numerosas veces con otras cinta de acción con un punto de comedia, pues en efecto, en ella se halla todo lo necesario para ese tipo de goce. La diferencia es que la implicación con los personajes sufrientes, no los protagonistas, para mí ha sido mucho mayor que en esos otros films y, personalmente, ese disfrute se ha convertido en imposible. Esta implicación que en otras películas, como los dramas sociales, es un dato reseñable a favor, en esta ocasión es una pega y probablemente, algo que su director no pretendía. Quienes hayan podido seguir con la sonrisa del inicio durante todo el metraje, seguro que la han encontrado entretenida, satisfactoria y original.

Otras críticas en Blogdecine:

• ‘Carne de neón’, hijos de puta con corazón, de Juan Luis Caviaro.

• ‘Carne de neón’ y corazones heridos, de Jesús León.

Mi puntuación:

Comentaba el otro día que no había visto ‘Primos’, de Daniel Sánchez Arévalo, cuando se estrenó en cines el 4 de febrero, y que debía ponerme al día con ella. Y lo cierto es que me ha parecido mucho más adecuado ver en esta época estival una película que transcurre durante un verano playero en el que tres primos acuden a Comillas, su ciudad de vacaciones de la infancia, para buscar a la primera chica con la que se acostó uno de ellos, que acaba de ser abandonado días antes de su boda.

La película tiene un arranque muy poderoso. La situación es un excelente punto de partida para narrar una historia y la forma en la que se presenta el plante en el altar es humorística y fresca. No sé si estaría entre las intenciones del autor emular a ‘Resacón en Las Vegas’ o quizá a otros films similares, al formar una cuadrilla de personajes peculiares e incluso con sus taras, al plantear a varios hombres de viaje desenfrenado en fechas cercanas a una boda… pero algo de reminiscencia se puede encontrar.

Sánchez Arévalo halla en la dirección de actores su mayor fuerte, además de contar con sus viejos conocidos, de los que sabe exactamente lo que puede extraer y para quienes escribe personajes idóneos. Los intérpretes están creíbles y graciosos. Raúl Arévalo lleva el peso de la comedia y es el motor de la acción. Se unirá a su interpretación natural y costumbrista Antonio de la Torre cuando aparezca.

El retrato de los personajes sería el otro punto logrado de ‘Primos’, pues nos encontramos a seres realistas, pero no trillados ni tópicos. Quim Gutiérrez, como suele pasar con los protagonistas, cuenta con el personaje de menos aristas y, por lo tanto, menor interés, pero no es totalmente plano, como lo son algunos otros principales. Adrián Lastra encarna bien su papel, pero sufre el “lastre” de que cuenta con el rol menos divertido y que más rápidamente puede cansar. Si esto fuese ‘Resacón en Las Vegas’, a él se lo habrían dejado desmayado en alguna parte desde el minuto uno.

Ausencia de conflicto

Otro aspecto refrescante de ‘Primos’ reside en la forma de ser y de expresarse de su protagonista. Sin darles rodeos a las cosas, sin esperar a que sea el momento adecuado para decirlas, él va soltando verdades de manera muy directa. Esto produce un efecto bastante intenso, pues no estamos acostumbrados a que los personajes vayan tan al grano. Por esta forma de ser, a los primos no les cuesta trabajo convencerlo de acudir a Comillas a buscar a un antiguo amor. Gracias a eso, la película arranca con energía.

Pero tiene como consecuencia negativa que todo lo que la película podría ir planteando a lo largo de su desarrollo, ya está dicho y hecho en los primeros minutos. Una vez llegan a la ciudad costera, no les cuesta encontrar a la chica que buscaban –qué casualidad que habite en lo que era la casa familiar de ellos— y nadie pone obstáculos. Hasta la aparición de la que iba a casarse con él, Nuria Gago, no se plantea conflicto alguno y la resolución no solo se hace previsible, sino que no hay siquiera tensión o curiosidad para ver la forma en la que se desarrolla.

A esta facilidad sumamos que el personaje de Martina, Inma Cuesta, ha permanecido, como si supiese que tenía que esperar allí, sin una vida, sin un padre para su hijo… y eso no la ha amargado o ha agriado su carácter. Ella será receptiva, simpática, estará dispuesta siempre. Su constante beneplácito ante las propuestas de él no solo es poco verosímil, sino que aumenta esa ausencia de conflicto. Más que un personaje es un instrumento, incluido dentro de la película por conveniencia, para facilitar todo lo que tiene que ocurrir y ayudar al protagonista a vivir la experiencia por la que necesita pasar.

Sánchez Arévalo, excelente y premiado cortometrajista, arrastra una forma de rodar, de elegir los tamaños de planos y las transiciones entre éstos del formato corto, que no lucen en absoluto en el largometraje.

Comedia emotiva

Por supuesto, todas estas consideraciones sobre credibilidad, personajes, conflicto, la forma en la que está realizada… serían nimias si la película ofreciese lo que principalmente debe ofrecer una comedia: humor. La pena es que, a partir del momento en el que llegan a la costa y encuentran a Martina, el aspecto cómico deja casi por completo de existir. A partir de ahí, poco hay para contar y las tres tramas de los tres protagonistas se desligan para dar pie a unas cuantas escenas cotidianas y veraniegas –con sus escenas playeras y sus postales de Comillas– de poca consistencia.

Desde que la narración se asienta y parece perder comba, además de dejar de hacer gracia, cobra un tono emotivo, que más que buscar la risa está intentando provocar la lagrimita o resultar profundo con cada comentario, con cada reflexión. La amistad del personaje de Lastra con el niño igual de problemático que él conformará la trama más convencional. Y la inclusión del personaje de Clara Lago servirá para poner el punto dramático y social que terminen de alejar a esta comedia del gamberrismo. Todos los elementos tradicionales lacrimógenos que criticamos en el cine norteamericano aparecen aquí.

En resumen

El trailer me hizo esperar una comedia descerebrada y trepidante, similar a la ya mencionada, cuando lo que contenía la cinta era un amable relato familiar, que utiliza sin miedo ardides para conmover y elementos clásicos y consabidos. La diferencia entre los esperado y lo encontrado es sin duda la culpable de mi decepción ante un film que, para quienes ya supiesen lo que se iban a encontrar o para quienes en realidad lo prefieran, será redondo. El avance ya me hacía temer que todo el humor estaría en el arranque y así ha sido, pero con un descenso mucho más agudo del anticipado. ‘Primos’ tiene algunos momentos bastante logrados, unas grandes interpretaciones y cierto desenfado en su arranque. De ahí en adelante va hacia abajo, pero quizás los primeros minutos para muchos hacen que valga la pena.

Mi puntuación:

‘El Discurso del Rey’

Título original, nacionalidad, año: ‘The King’s Speech’, R. U., 2010

Dirigida por: Tom Hooper

Intérpretes: Colin Firth, Helena Bonham Carter, Geoffrey Rush, Michael Gambon, Guy Pearce

Sinopsis: A la muerte de su padre, el rey Jorge V, y tras la escandalosa abdicación del rey Eduardo VIII, Bertie, afectado desde siempre de un angustioso tartamudeo, asciende de pronto al trono como Jorge VI de Inglaterra. Su país se encuentra al borde de la guerra y necesita desesperadamente un líder, por lo que su esposa Isabel, la futura reina madre, le pone en contacto con un excéntrico logopeda llamado Lionel Logue. A pesar del choque inicial, los dos se sumergen de lleno en una terapia poco ortodoxa que les llevará a establecer un vínculo inquebrantable. Con el apoyo de Logue, su familia, su gobierno y Winston Churchill, el rey supera su afección y pronuncia un discurso radiofónico que inspirará a su pueblo y lo unirá en la batalla.

Aparece en tres ediciones diferentes, de las que salen en DVD, una de las cuales lleva dos discos y se hace llamar «especial». En Blu-ray aparece la edición sencilla.

Como ya sabéis, me pareció que se exageraba con la cantidad de premios que recibió esta película y la aclamación. La encuentro correcta en casi todo y con algún momento memorable, pero no podría decir que es una obra maestra. Siempre he admirado a Colin Firth, sin embargo no me parece este su papel más notable, eso sí, es el más premiable.

Críticas a ‘El discurso del rey’ en Blogdecine (por orden cronológico):

• ‘El discurso del rey’, hueco lucimiento de actores, por Beatriz Maldivia.

• ‘El discurso del rey’, amistad sin titubeos en un mundo cambiante, por Alberto Abuin.

• ‘El discurso del rey’, la sencilla fórmula del éxito, por Juan Luis Caviaro.

‘También la lluvia’

Nacionalidad, año: Española, 2010.

Dirigida por: Icíar Bollaín

Intérpretes: Luis Tosar, Gael García Bernal, Raúl Arévalo, Karra Elejalde, Carlos Aduviri, Carlos Santos

Sinopsis: Costa, un descreído productor de cine, y Sebastián, joven e idealista realizador, trabajan juntos en un proyecto ambicioso que van a rodar en Bolivia. La cinta que van a filmar tratará sobre la llegada de los españoles a América poniendo el acento en la brutalidad de su empresa y en el coraje de varios miembros de la Iglesia que se enfrentaron con palabras a las espadas y las cadenas. Pero Costa y Sebastián no pueden imaginar que en Bolivia, donde han decidido instalar su Santo Domingo cinematográfico, les espera un desafío que les hará tambalearse hasta lo más profundo. Tan pronto como estalla la Guerra del Agua (abril de 2000) las convicciones de uno y el desapego del otro comienzan a resquebrajarse, obligándoles a hacer un viaje emocional en sentidos opuestos.

En mi opinión, a esta película le ha ocurrido lo contrario que a la anterior: obtuvo menos premios de los que se merecía. Unos Goya demasiado decantados hacia una dirección única me hicieron sospechar que las decisiones estaban basadas en algo más que lo puramente cinematográfico. Un guion excelente, con varias historias muy bien enlazadas, nos cuenta un relato duro y complejo. Por supuesto, no voy a negar que tiene sus defectos, como el excesivo tiempo que requiere para arrancar y alguna precipitación en la resolución. No obstante, en general se trata de una opción más que recomendable.

Críticas a ‘También la lluvia’ en Blogdecine (por orden cronológico):

• ‘También la lluvia’, un gran relato en dos épocas, por Beatriz Maldivia.

• ‘También la lluvia’, otro torpe relato español, por Juan Luis Caviaro.

‘Biutiful’

Nacionalidad, año: España, México, 2010.

Dirigida por: Alejandro González Iñárritu

Intérpretes: Javier Bardem, Maricel Álvarez, Diaryatou Daff, Eduard Fernández, Ana Wagener.

Sinopsis: ‘Biutiful’ es la historia de un hombre en caída libre. En viaje a la redención, la oscuridad ilumina su camino. Conectado al otro mundo, Uxbal es un héroe trágico y padre de dos niños que, al sentir el peligro de la muerte, batalla contra una dura realidad y un destino que va en su contra para poder perdonar, perdonarse, por amor y para siempre.

Una película dura, que remarca más de lo necesario el drama de la vida real y que carga las tintas hasta el extremo. Muy bien realizada, en todo lo que concierne a su estética —bella fotografía, encuadres bien escogidos…—, y muy bien interpretada, pero no es ni será nunca mi tipo de película. Por cierto, en esta ocasión, sale a la venta únicamente en Blu-ray.

Crítica a ‘Biutiful’ en Blogdecine:

‘Biutiful’, infierno terrenal, por Juan Luis Caviaro.

‘Winter’s Bone’

Nacionalidad, año: EE. UU., 2010

Dirigida por: Debra Granik.

Intérpretes: Jennifer Lawrence, John Hawkes, Lauren Sweetser, Sheryl Lee, Kevin Breznahan.

Sinopsis: La adolescente de 17 años, Ree Dolly (Jennifer Lawrence) se embarca en la búsqueda desesperada de su padre, que desapareció tras haber puesto el dinero de la casa familiar para pagar su fianza. Si no lo logra, perderán su casa y ella y su familia serán devueltos a los bosques Ozark. Desafiando el código de silencio y las amenazas y arriesgando su vida para salvar a los suyos, Ree Dolly descubrirá que entre lo que ve y lo que oye se esconde la verdad que no quieren que conozca.

Críticas a ‘Winter’s Bone’ en Blogdecine:

• ‘Winter´s Bone’, el infierno en la tierra, por Alberto Abuin.

• ‘Winter’s Bone’, gran cine sin paliativos, por Adrián Massanet.

‘Encontré al Diablo (I Saw the Devil)’

Título original, nacionalidad, año: ‘Akmareul boattda’, Corea, 2010.

Dirigida por: Kim Ji-woon

Intérpretes: Lee Byung-hun, Choi Min-sik, Jeon Kuk-hwan, Oh San-ha, Kim Yun-seo, Choi Moo-sung

Sinopsis: Kyung-chul es un psicópata peligroso que mata por placer. Ha cometido asesinatos en serie infernales con unos métodos diabólicos difíciles de imaginar. Sus víctimas son desde chicas jóvenes hasta niños. La policía lleva tiempo tras su rastro sin lograr capturarlo. Un día, su presa es Ju-yeon, la hija de un jefe de policía retirado, cuyo cadáver es hallado en un estado espantoso. El novio de la chica, Soo-hyun, un agente secreto, se propone dar personalmente con el asesino. Jura hacer todo lo que esté en su mano para vengarse del criminal, aún si eso conlleva que él mismo se convierta en un monstruo.

Crítica a ‘Encontré al diablo’ en Blogdecine:

• ‘Encontré al diablo’, otra retorcida venganza, por Juan Luis Caviaro.

‘Animal Kingdom’

Nacionalidad, año: Australia, 2010

Dirigida por: David Michôd

Intérpretes: Ben Mendelsohn, Joel Edgerton, Guy Pearce, Luke Ford, Jacki Weaver

Sinopsis: Tras morir su madre, Joshua “J” Cody se va a vivir a Melbourne con sus tíos, con los que hasta ahora no ha tenido ningún tipo de contacto. Allí estará bajo la custodia de su abuela. Aunque se adaptará rápidamente a su nueva vida, no tardará en descubrir que este mundo es mucho más peligroso de lo que nunca había imaginado. Un policía, Nathan Leckie, debe atraer a “J” para que sea su señuelo y poder protegerle de policías corruptos y de un submundo paranoico y vengativo. Para sobrevivir, “J” deberá elegir qué lugar quiere ocupar dentro de este peligroso juego: estar con la familia o con la ley.

Crítica a ‘Animal Kingdom’ en Blogdecine:

• ‘Animal Kingdom’, el poder de la familia, por Alberto Abuin.

‘Camino a la Libertad’

Título original, nacionalidad, año: ‘The Way Back’, EE. UU. 2010.

Dirigida por: Peter Weir

Intérpretes: Jim Sturgess, Ed Harris, Colin Farrell, Saoirse Ronan, Dragos Bucur

Sinopsis: Un grupo de presos de un campo de trabajo de la Unión Soviética que, junto con otros cuatro compañeros de cautiverio, huyen del gulag siberiano en el que están recluidos e inician un peligroso viaje a través de miles de kilómetros de terreno hostil tratando de llegar a la India. Guiados por la esperanza de alcanzar la libertad, deberán enfrentarse a las condiciones más adversas de sus vidas.

Críticas a ‘Camino a la libertad’ en Blogdecine:

• ‘Camino a la libertad’, cine grande, cine de verdad, por Adrián Massanet.

• ‘Camino a la libertad’, un canto al coraje, por Juan Luis Caviaro.

‘Primos’

Nacionalidad, año: Española, 2011.

Dirigida por: Daniel Sánchez Arévalo.

Intérpretes: Quim Gutiérrez, Raúl Arévalo, Adrián Lastra, Inma Cuesta, Antonio de la Torre, Clara Lago.

Sinopsis: A Diego le ha dejado su novia plantado en el altar. Sus primos, Julián y José Miguel, deciden llevárselo a las fiestas del pueblo donde veraneaban de pequeños. Un fin de semana de juerga para olvidar y, sobre todo, intentar recuperar a su amor de adolescencia, Martina. A grandes males, grandes borracheras. Un plan infalible, ¿no?

Parece bastante divertida y catártica. No creo que se asemeje mucho a ‘AzulOscuroCasiNegro’, primer film de Sánchez Arévalo, donde el director demostraba una gran habilidad para dirigir a los actores, contar historias y encajar las subtramas en un conjunto. Sin embargo, aunque por temática vaya más en la línea de su siguiente film, ‘Gordos’, espero que por calidad responda más a los logros de la primera. La última obtuvo la complacencia del público, pero en mi opinión quedó algo tópica y mal armada. Confío en que ‘Primos’ será mucho más redonda. Me quedé con ganas de verla en el cine, así que ahora me animaré.

‘Carne de Neón’

Nacionalidad, año: Española, 2010.

Dirigida por: Paco Cabezas.

Intérpretes: Mario Casas, Vicente Romero, Macarena Gómez, Ángela Molina, Darío Grandinetti, Blanca Suárez, Dámaso Conde

Sinopsis: Ricky (Mario Casas), un joven que se ha criado en un entorno de delincuencia y que vive rodeado de prostitutas, yonkis y chulos, cuyo único sueño es el reencuentro con su madre Pura (Ángela Molina) encarcelada cuando solo tenía 12 años. En ese reencuentro Ricky le hace a su madre un regalo muy especial: el HIROSHIMA CLUB. Pero la feliz idea resulta no ser tan sencilla de poner en práctica, y para ello Ricky contará con la ayuda de unos amigos de lo más extravagantes: Angelito (Vicente Romero), un chulo que se cree el “ángel de la guarda” de las prostitutas; El Niño (Luciano Cáceres) un matón con el desarrollo mental de un adolescente; o La Infantita (Dámaso Conde), un travesti que está convencido de que desciende de la Familia Real.

Críticas a ‘Carne de neón’ en Blogdecine:

• ‘Carne de neón’, hijos de puta con corazón, por Juan Luis Caviaro.

• ‘Carne de neón’ y corazones heridos, por Jesús León.

‘Declaradme culpable’

Título original, nacionalidad, año: ‘Find Me Guilty’, EE. UU., 2006.

Dirigida por: Sidney Lumet,

Intérpretes: Vin Diesel, Peter Dinklage, Annabella Sciorra, Ron Silver, Alex Rocco, Linus Roache, Raúl Esparza, Robert Stanton, Marcia Jean Kurtz

Sinopsis: Relata el proceso criminal más largo de la historia de los Estados Unidos, en el que 20 miembros de la familia Lúchese, de la mafia de New Jersey, fueron acusados de 76 cargos. Sin embargo, uno de los acusados decidió hacer lo impensable: defenderse a sí mismo. Giacomo “Jackie Dee” Di Norscio se dejó tentar por la posibilidad de acortar su pena testificando contra sus mejores amigos, aunque se negó a traicionar a su “familia”. Jackie se enfrentó al juicio como acusado y como abogado.

Tras la muerte de Sidney Lumet, aparece en Blu-ray esta película, que ya tenía su edición en DVD anterior. Se trata de una interpretación curiosa de Vin Diesel, a quien solemos tener encasillado como tipo de un solo papel, aquel en el que luzca musculitos. Divertida en algunos momentos y curiosa en otros, no se puede decir que sea una gran película, pero se deja ver. Lo más curioso es cómo se esfuerza, y con éxtio, por obtener la simpatía del espectador hacia un protagonista reprobable.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Declaradme culpable’ de irresponsabilidad, Sidney Lumet, por Beatriz Maldivia.

Vía | Zona DVD, donde podéis encontrar información sobre detalles técnicos y contenido extra de cada edición.

A lo largo de los días que componen esta semana que comienza hoy, se producirán unos cuantos lanzamientos en DVD o Blu-ray. Salen muchas películas de reciente estreno cinematográfico, aunque principalmente son malas o peor que malas. También aparece a la venta alguna cinta de hace unos años o décadas, donde la calidad va mejorando. Si nos vamos aún más atrás en el tiempo es cuando llega el buen cine de este post, con el pack de Stanley Kubrick y el lanzamiento de ‘Con faldas y a lo loco’. La tentación es fuerte, pero no sacaría de esto la conclusión precipitada de que el cine está yendo siempre a peor de forma irremediable. Lo que ocurre es que de lo reciente lo sacan todo en formatos domésticos, mientras de lo más antiguo ya se va haciendo solo una selección. Alguien comentaba el otro día que el titular «tráiler del thriller de terror» sonaba a trabalenguas, pues hoy voy por el más difícil todavía con «otros tristes estrenos».

‘Balada triste de trompeta’

Dirigida por: Álex de la Iglesia.

Intérpretes: Carlos Areces, Antonio de la Torre, Carolina Bang, Santiago Segura, Sancho Gracia

Sinopsis: 1937; los monos de un circo aúllan salvajes dentro de su jaula mientras, en el exterior, los hombres se matan en otro circo: la guerra civil española, que sigue su curso. El payaso tonto del circo, reclutado a la fuerza por los milicianos, termina perpetrando, sin abandonar su disfraz, una carnicería a machetazos entre las filas del bando Nacional. Así da comienzo esta peripecia en que Javier y Sergio, dos terroríficos y desfigurados payasos, se enfrentan a muerte por el ambiguo amor de una bailarina durante la era del franquismo.

Aparece tanto en DVD como en Blu-ray esta película que, a pesar de sus excesos y de su desbordado e increíble final, contiene momentos muy apreciables. En mi crítica decía que me parece ambiciosa en exceso, más que nada por la cantidad de cosas que cuenta, lo que la lleva a descuidar algunos aspectos. Pero creo que merece la pena verla, aunque sea para poder opinar y posicionarse sobre un producto tan atípico, que dio tanto que hablar y polarizó de tal manera las críticas. La de Juan Luis Caviaro, por ejemplo es de las no favorables.

‘The Tourist’

Dirigida por: Florian Henckel-Donnersmarck

Intérpretes: Johnny Depp, Angelina Jolie, Paul Bettany, Timothy Dalton, Rufus Sewell.

Sinopsis: Johnny Depp es un turista americano cuyo coqueteo con una desconocida conduce a una trama de intriga, amor y peligro en The Tourist. Durante un viaje improvisado a Europa para curar un corazón partido, Frank (Depp) flirtea inesperadamente con Elise (Angelina Jolie), una mujer extraordinaria que deliberadamente se cruza en su camino. Con Paris y Venecia como impresionante telón de fondo, su vertiginoso romance rápidamente evoluciona y de repente se ven inmersos sin quererlo en un letal juego de gato y ratón.

Ya aludió Ricky Gervais, con su ácido humor, a lo unidimensionales que son los personajes de ‘The Tourist’, remake de ‘El secreto de Anthony Zimmer’. Resulta difícil creer que un director de algo tan bueno como ‘La vida de los otros’ haya hecho este disparate. El único aliciente que le queda debajo de este desastre de guion es observar los bellos paisajes urbanos en los que se desarrolla, como indicaba en mi reseña. El desenlace previsible, la nula química entre los personajes y el sinsentido de muchas de las situaciones hacen que se pueda ver casi como cine de humor. No creo que sea cosa mía, las críticas de mis compañeros Juan Luis Caviaro y Alberto Abuín coinciden en la valoración general.

‘Salt’

Dirigida por: Phillip Noyce.

Intérpretes: Angelina Jolie, Liev Schreiber, Chiwetel Ejiofor, Marion McCorry.

Sinopsis: La agente de la CIA Evelyn Salt, que regresa de un largo y doloroso secuestro. Nada más reincorporarse, recibe la petición de interrogar a un ex-agente ruso, quien hace una declaración bastante peculiar, que pone en peligro la vida de Salt.

Por si la tortura así no fuese suficiente, en la edición en Blu-ray de ‘The Tourist’ se incluye la película ‘Salt’, que no sé si será peor o menos mala —no cabría la palabra «mejor» en este contexto— que la de Johnny Depp. Comentaba en mi crítica que me parecía la película de una escena, por decirlo rápido y mal, además de que tampoco me creía mucho ni al personaje ni las situaciones. Pero con la distancia, creo que puede ser mejor que la anterior, pues al menos tiene algunas escenas de acción vistosas.

‘Amor y otras drogas’ (‘Love and Other Drugs’)

Dirigida por: Edward Zwick.

Intérpretes: Jake Gyllenhaal, Anne Hathaway Oliver Platt, Hank Azaria, Josh Gad, Judy Greer y Gabriel Macht.

Sinopsis: Maggie es una mujer independiente que no deja que nada ni nadie la ate. Pero conoce a su media naranja, Jamie, cuyo implacable e infalible encanto le sirve bien tanto con las mujeres como dentro del despiadado mundo de las ventas farmacéuticas. La evolución que sufre la relación entre Maggie y Jamie coge a ambos por sorpresa, al encontrarse bajo la influencia de la droga suprema: el amor.

Cuenta con actores muy famosos y de cierto prestigio que pueden hacer parecer que se trata de un buen film, además de estar rodada con elegancia y de tener un especto, en general, bastante solvente. Pero todo eso no es más que apariencia, pues en lo más profundo, ‘Amor y otras drogas’, no tiene ni ritmo ni humor y tampoco funciona —o por lo menos a mí no me funcionó— como historia de amor. Debido a que está basada en el libro autobiográfico de Jamie Reidy ‘Hard Sell: The Evolution of a Viagra Salesman’ («una venta difícil: la evolución de un vendedor de Viagra»), me esperaba una comedia gamberra sobre erecciones incontrolables y situaciones incómodas. Sin embargo, todo lo que apunta en esa dirección es cercenado rápida y torpemente.

‘Skyline’

Dirigida por: Colin Strause y Greg Strause.

Intérpretes: Eric Balfour, Scottie Thompson, Brittany Daniel, Crystal Reed, Neil Hopkins y David Zayas.

Sinopsis: Después de una noche de fiesta, un grupo de amigos se despiertan en la noche por una luz misteriosa que sale de la ventana. La luz dibuja ligeramente la imagen de personas que luego desaparecen de repente y descubrirán que una fuerza de otro mundo se está tragando a la toda la población de la Tierra. Este grupo de supervivientes deberá luchar por su vida mientras el mundo entero se desmorona a su alrededor.

No me tomé esta película demasiado en serio en mi crítica porque, la verdad, no creo que se lo merezca. Como film de extraterrestres ‘Skyline’ resulta penoso, pero como película de humor, puede resultar más que viable. Si se ve con predisposición a reírse se encontrarán muchos momentos de los diálogos, las interpretaciones y las resoluciones que toman los personajes que den pie a una carcajada. La crítica de Caviaro, titulada «refrito de extraterrestres», tampoco la pone mucho mejor. Estamos de acuerdo en que, al menos, las imágenes generadas por ordenador no están mal resueltas, por lo que, como puro espectáculo puede tener un pase.

‘Con faldas y a lo loco’ (‘Some Like it Hot’, 1959)

Dirigida por: Billy Wilder.

Intérpretes: Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon, George Raft, Pat OBrien, Joe E. Brown, Nehemiah Persoff, Joan Shawlee y Billy Gray.

Sinopsis: Cuando Joe (Tony Curtis) y Jerry (Jack Lemmon), dos músicos de Chicago, presencian casualmente un tiroteo entre miembros de la mafia, deciden tomar un tren en dirección a Florida disfrazados de Josephine y Daphne, las dos nuevas y no excesivamente agraciadas miembros de una banda de jazz integrada exclusivamente por mujeres. Su tapadera es perfecta… hasta que una cantante ansiosa de amor (Marilyn Monroe) se encapricha con Josephine, un anciano playboy (Joe E. Brown) se encapricha de Daphne y un jefe de la camorra (George Raft)… ¡se niega en redondo a dejarse embaucar!

No soy de los que usan la expresión «obra maestra» para cualquier cosa, salvo en broma. Pero sobre ‘Con faldas y a lo loco’ no tengo ninguna duda a la hora de aplicarle el calificativo. Podría decir que se trata de mi película favorita, si es que tuviese que hacer eso tan terrible que es elegir una. Convertida ya en un clásico y habiendo pasado ya a formar parte de la historia, esta película de bella fotografía en blanco y negro en realidad incluye muchos puntos humorísticos que se criticarían si se incluyesen en una comedia de ahora, lo cual responde al desenfado de su creador, que, por mucho que hoy ya sea un referente, nunca se las dio de autor. Actores en absoluto estado de gracia dan vida magistralmente a un guion de diez. Adrián Massanet publicó recientemente una crítica en Blogdecine.

Colección Stanley Kubrick

Aparece a la venta esta colección Stanley Kubrick edición limitada, además las ediciones individuales de ‘Lolita’, ‘Barry Lyndon’ y ‘La naranja mecánica’ (edición 40 aniversario). Las películas incluidas entre los ocho discos de la colección son ‘La Naranja Mecánica’, ‘Eyes Wide Shut’, ‘El Resplandor’, ‘La Chaqueta Metálica’, ’2001: Odisea del Espacio’, ‘Lolita’, y ‘Barry Lyndon’. De obligado visionado para cualquiera que se considere amante del cine, debido a que Kubrick —sobre el que podéis leer un especial en Blogdecine— está considerado uno de los directores más grandes y perfectos que ha dado la historia del cine. Perfeccionista sí que era y, sin duda, en muchas ocasiones esa exigencia, consigo mismo y con sus colaboradores, dio lugar a grandísimas obras, e incluso cuando su maestría no estuvo a la altura de sus aspiraciones, los resultados son muy notables. Un autor con todas las letras, ya que su forma de trabajar y el resultado visual de sus películas son totalmente particulares y reconocibles.

‘Un plan brillante’ (‘Flawless’, 2007)

Dirigida por: Michael Radford.

Intérpretes: Demi Moore, Michael Caine, Simon Day, Jonathan Aris, Josef d´Bache-Kane, Constantine Gregory, Nicholas Jones y Kim Hermans.

Sinopsis: Laura Quinn (Demi Moore) es una alta ejecutiva que trabaja en la London Diamond Corporation, la principal empresa de diamantes del mundo. Entregada por completo a su trabajo, su frustración crece al ver que la evolución de su carrera está obstaculizada por el machismo que domina la vida laboral de la compañía. Así que decide aliarse con el Sr. Hobbs (Michael Caine), un veterano y amargado empleado de mantenimiento que afirma tener un plan perfecto para un robo brillante.

El titular de mi crítica era ‘Un plan brillante’: un film sencillo y agradable, aunque no brillante, con lo que parece que poco más hace falta añadir. Si acaso, se puede decir que su título en inglés, ‘Flawless’ («sin fallos») tampoco le hace justicia. Alberto Abuín en su reseña indica que es aceptable y distraída, pero que carece de brío y valentía.

‘Monster’s Ball’

Dirigida por: Marc Forster.

Intérpretes: Billy Bob Thornton, Heath Ledger, Halle Berry, Peter Boyle, Sean P. Diddy Combs, Mos Def, Will Rokos y Milo Addica.

Sinopsis: Racista y ultra conservador, Hank trabaja como funcionario de prisiones en el corredor de la muerte. Intransigente y violento con lo que le rodean, empieza a cambiar su concepción de la vida cuando conoce a una mujer afro americana que acaba de perder a su marido en la silla eléctrica. Nace entre ellos una relación en las que se ofrece mutuamente el cariño que necesitan, aunque ninguno de los dos sabe que en realidad sus vidas estaban ya relacionadas antes de conocerse.

Nunca negaré que ‘Monster’s Ball’ sea una gran película interpretada de maravilla. No obstante, entra dentro de esos dramas con los que se llega a sufrir tanto, que una se pregunta si ha valido la pena pasar por eso a cambio de casi dos horas de buen cine. Nunca he entendido bien el motivo para crear película tan tremendamente dramáticas y, por si su tema de partida no fuese lo bastante insufrible, narrarlas con máxima dureza. Debe de haber un público que encuentre cierto tipo de disfrute. Por mi parte, prefiero el cine de evasión o de entretenimiento, con lo que no quiero decir el cine ligero, pues precisamente puede ser algo muy sesudo lo que me permita evadirme del día a día. Aquí podéis leer la crítica de Adrián Massanet.

‘El grito’ (‘The Grudge’)

Dirigida por: Takashi Shimizu.

Intérpretes: Sarah Michelle Gellar, William Mapother, KaDee Strickland, Jason Behr, Clea DuVall, Grace Zabriskie, Rosa Blasi y Ryo Ishibashi.

Sinopsis: Karen es una estudiante de intercambio que estudia trabajo social en Japón y que, inocentemente, acepta reemplazar a una enfermera que no se ha presentado a su trabajo. Cuando entra en la casa que le han asignado descubre a una anciana estadounidense, Emma, que se encuentra en estado catatónico, mientras que el resto de la casa parece estar desierta y abandonada. Mientras cuida de la anciana enferma, Karen escucha arañazos en la parte superior de la vivienda. Al investigar el origen de esos extraños ruidos se ve enfrentada a un poder sobrenatural más aterrador de lo que jamás se hubiera podido imaginar.

Remake de la cinta de terror japonesa ‘La maldición’ (‘Ju-on’, 2000) realizado por su propio director, Takashi Shimizu. Correcta adaptación, que consigue el propósito de asustar, que no es lo mismo que producir miedo, pues el susto es una emoción repentina y superficial, mientras que el miedo se mete en los huesos y permanece largo tiempo. Precursora de una larga serie de secuelas, que también se habían producido en sus versiones japonesas y que, como suele ocurrir, perdían interés a medida que avanzaba la franquicia. Un tipo de terror muy en boga durante aquella década que ya nos dejó.

‘Una mamá en apuros’ (‘Motherhood’)

Dirigida por: Katherine Dieckmann.

Intérpretes: Uma Thurman, Matthew Schallipp, Daisy Tahan, David Schallipp, Anthony Edwards, Stephanie Szostak, Minnie Driver y Dale Soules.

Sinopsis: Eliza Welch (Thurman) es madre. Antes era escritora de ficción, pero ahora se dedica a la blogosfera y tiene su propia web. Eliza ha dejado de lado sus ambiciones creativas para centrarse en sus dos hijos. Su marido (Edwards) es tan despistado que parece no darse cuenta de los conflictos a los que se enfrenta su mujer y, por bienintencionado que sea, no se para ni a pensar en lo que conlleva gestionar la realidad doméstica básica, algo que sí entiende su mejor amiga Sheila (Minnie Driver), casi demasiado bien. “Una mamá en apuros” se desarrolla en el transcurso de un día en el que Eliza acaba creyendo que ha perdido el norte, que no puede más, que ha perdido la cordura y las riendas de su vida.

Ya había aparecido en DVD, pero ahora sale a la venta en Blu-ray esta fallida comedia en la que ni siquiera Uma Thurman es capaz de elevar el pésimo material de partida. Supongo que en formato doméstico habrá tenido éxito porque se ha considerado una buena opción para ser regalada a madres incipientes, pero yo diría que bastante desgracia tienen ya, que no sean ustedes crueles con ellas.

Se producen más lanzamientos, que se pueden consultar aquí, como ‘Lady Halcón’, ‘The Queen’, ‘Zatoichi’, ‘Platoon’, ‘La llave de Sarah’, etc…

Vía | Zona DVD.

Tras su paso por numerosos festivales, por fin se ha estrenado esta semana la película de Manuel Martín Cuenca ‘La mitad de Óscar’, que está interpretada por Verónica Echegui, Rodrigo Sáenz de Heredia, Denis Eyriey y Antonio de la Torre.

Óscar es un joven solitario que trabaja de vigilante de seguridad en una salina abandonada y habita en casa de sus padres, que ya no están. Su único familiar es su anciano abuelo, a quien visita en el hospital con frecuencia, y su único amigo es un ex-compañero, ya jubilado, que acude a la salina para almorzar con él. Cuando la situación del abuelo empeora, el hospital llama a la hermana de Óscar, con la que éste no se había hablado en años. Ella regresa desde Francia con un novio y otras buenas nuevas. Pero la relación entre los hermanos es tensa, ya que existe algo del pasado que les aleja.

Esta película se articula a base de lo que no está, de lo que no se dice. Los silencios cobran un importantísimo papel, ya que son los que provocan la curiosidad por saber cuál será el misterio que impide a los hermanos llevarse bien. No hay más que ver el tráiler para comprender el tempo narrativo que marca Cuenca para la película.

Silencios y subtexto

Más de una vez he criticado en los films la obviedad de la expresión de los sentimientos de los protagonistas o del conflicto que les asola. He insistido en que estos temas no deberían afrontarse abiertamente en los diálogos, sino dejar que se vean, que el espectador llegue a esa conclusión por sí mismo, o contarlos a través del subtexto, es decir, de lo que se dice entre líneas.

‘La mitad de Óscar’ presume de ser una película maestra en ese sentido, pues todo se lo calla. Sin embargo, no puedo conceder que sea un ejemplo de subtexto, ya que, cuando se emplea bien, este recurso logra que lo que no se está exponiendo, se sobreentienda. A través de las interpretaciones, del contexto y de la forma velada o metafórica en la que se dice, al espectador le queda claro lo que se está tratando.

Si los silencios y el subtexto fuesen tan elocuentes en ‘La mitad de Óscar’, entonces no sería necesaria la escena final, en la que todo se revela y en la que se plantean las cuestiones con claridad, sin andarse más por las ramas. No critico que la escena se incluya, pues tal como está la película, es lo mínimo para recompensar la paciencia de quien se haya quedado hasta ese momento. Sin embargo, habría resultado mucho más rico que se hubiese ido produciendo una progresión hacia el entendimiento del problema, que poco a poco, con sutileza, hubiesen ido saliendo trapos sucios con los que el espectador hubiese ido atando cabos para, finalmente, caer por sí mismo en esa conclusión, sin que hiciese falta el último diálogo.

La situación enrarecida, por sí sola, no tiene por qué dar la pista de que haya algo realmente enjundioso que desvelar. Los hermanos que se llevan mal o que, como máximo, fingen cordialidad, pero no tienen cercanía no son un suceso tan extraño. En numerosas familias existe esa distancia y no es necesario buscar motivos escabrosos, sino que cualquier roce o pelea de la infancia los puede haber llevado a esa situación.

Postergar lo inevitable

Ya que no se produce esa progresión, el tiempo que decide el autor postergar la revelación es arbitrario. Esa dilación no responde a ninguna necesidad narrativa ni a ningún motivo diegético. Bien, el hermano espera a que ella esté a punto de marcharse para suscitar la conversación. Pero sin la extensión de las escenas previas a ese momento o la inclusión de momentos cotidianos se podría haber llegado a ese día en pocos minutos. Martín Cuenca decide darle duración de largometraje, pero perfectamente podría haber obtenido los mismos efectos en una pieza menor. O, por esa regla de tres, la película podría haber durado cinco horas.

Se podría entender que el autor ha considerado que, cuanto más retrase la sorpresa, más efectividad tendrá. Pero ni siquiera este efecto está garantizado, ya que se corre el riesgo de lo contrario: de que se pierda el interés por completo. Esta caprichosa duración suena a experimento con el espectador para probar cuánto puede mantenerlo pendiente de una cuestión sin que desconecte. Es decir, que se puede salir del cine con la sensación de que han jugado contigo.

El humor

En una película dramática, pausada, silenciosa y contemplativa, el director introduce dos elementos humorísticos, quizá con la intención de crear un alivio o de romper en cierto modo la tensión y dureza. Se trata de ese compañero de Óscar, hombre que, con su habla natural almeriense, aporta un toque pintoresco, humano y realista y que es el único que despierta cierta simpatía.

El personaje del taxista encarnado por Antonio de la Torre va en la misma línea. En su única intervención, muy al final de la cinta, arranca las risas por su manera de contar sus intimidades y contrasta con el personaje del protagonista, taciturno y triste, que no quiere escuchar nada de lo que le espeta —poco tiene que ver con el humor, pero incluiré aquí que no encuentro verosímil la reacción de Óscar hacia este conductor—.

Conclusión

De Martín Cuenca me había encantado su documental ‘El juego de Cuba’, pero no así ‘Malas temporadas’, ya que en este film me irritó el tono de grandilocuencia y pretenciosidad que tenían sus diálogos y las interpretaciones de los personajes. Nada de eso se halla en ‘La mitad de Óscar’, que es una película sutil y comedida en la que no se aumenta la importancia con subrayados narrativos o de otro tipo. Por lo tanto, se visiona sin que chirríe y cause rechazo.

Sin embargo, se trata de una película demasiado vacía y pequeña para su extensión, que se lo juega todo a una carta final chocante y escandalosa, pero que, a cambio de ese efecto de sorpresa, mantiene en exceso en la ignorancia al espectador durante todo el resto del tiempo.

Mi puntuación:

Tras presentaros ayer los cuatro cortos preseleccionados para concursar en los Goya en la sección de animación, traemos hoy los nominados de imagen real, como debería llamarse la categoría, pues de ficción son todos. Parece que el nivel no es malo, ¿os animáis a elegir el que más os gusta? Mi elección personal llegará al final de esta entrada, para no condicionaros.

‘El orden de las cosas’

‘El orden de las cosas’, el corto de los hermanos César Esteban Alenda y José Esteban Alenda, está protagonizado por Manuela Vellés, Mariano Venancio y Javier Gutiérrez. El cortometraje, de 19 minutos, nos muestra a Julia, una madre de familia que se refugia en la bañera de una vida que no le gusta. Su marido ha heredado de su padre un cinturón con el que debe poner a raya a su familia. El hijo de Marcos y de Julia tendría que heredar, más adelante, el mismo cinturón, ya que tradicionalmente han creído que ése es el orden de las cosas.

Este corto está muy bien rodado, producido y cuenta con una buena dirección de actores. Sin embargo, lo encuentro exagerado en la forma de presentar el conflicto. La manera poética de reflejar el maltrato y la huida de la mujer ante esta situación es bonita para unos minutos, pero dudo de que sostenga un cortometraje entero.

‘Una caja de botones’

María Reyes Arias escribe y dirige el cortometraje ‘Una caja de botones’, protagonizado por Antonio de la Torre, Sara Mantxola, Christian Herranz, Ana Malaver, Cristina Andreu y Paco Catalá. En él vemos a una niña desencantada por los regalos que le han traído los Reyes y a un padre obligado por su pobreza a confesar la verdad sobre estos seres imaginarios.

Aunque es bonito, me parece excesivamente sentimental y lacrimógeno, muy en la línea de lo que desde aquí llamaríamos una «americanada», es decir, una historia con componentes que se suelen hallar en el cine estadounidense, introducidos conscientemente para provocar la emoción en el público. Además, encuentro que le sobra metraje y que los clips de cinco minutos de circulan por YouTube casi cuentan historia sin necesidad de más. Podría verse como una relectura de ‘El traje nuevo del emperador’, solo que en este caso propugnando el uso de la imaginación, en vez de denunciarlo.

‘Adiós papá, adiós mamá’

Dirigido por Luis Soravilla Hernandez e interpretado por Enrique Villén, Gracia Olayo, Miguel Ángel Muñoz, María José Hernández, el cortometraje ‘Adiós papa, adiós mama’—que es como de verdad pronuncia el hijo esta sentencia— cuenta con producción y guion del propio Villén. La historia que se cuenta en estos once minutos y medio es el intento de un joven por emanciparse de sus padres, en contra de su oposición.

Los diálogos tienen mucho humor y los actores están muy bien en todos sus papeles. Se aprecia sobre todo el cambio de registro de MAM, Miguel Ángel Muñoz, a quien siempre hemos conocido como un pijo y que aquí hace de gañán, y es que está muy bien dirigido, mejor que algunos largometrajes que hemos visto recientemente.

(Si no conseguís arrancar el siguiente vídeo, acceded a este enlace para ver el corto completo.)

‘Zumo de limón’

Dirigido por Jorge Muriel y Miguel Romero, ‘Zumo de limón’ es la historia de una abuela que tras quedarse viuda se enfrenta a las consecuencias de lo que ha sido su vida: a lo que ha hecho con ella, a la relación con sus hijos, a sus miedos, a sus recuerdos, a su soledad. Una vida que vamos exprimiendo, sin ser muy conscientes de ello, hasta que un día se acaba, y ya no hay vuelta atrás.

Aquí puede verse un tráiler de los 15 minutos de duración. No puedo dar una opinión fundada sin verlo al completo, pero en un principio me parece poco cinematográfico ilustrar con imágenes un poema leído, claro que puede quedar muy bello.

Conclusión

Al contrario de lo que ocurría con los de animación, este año considero que los cuatro nominados son superiores a los que concursaban el año pasado. Sin duda me quedo con el titulado ‘Adiós, papá; adiós, mamá’, pues me parece el más entretenido y no le encuentro ninguna pega, como sí le veo a alguno de los otros, a pesar de que no me parecen malos en absoluto.

Podéis consultar en este enlace cuáles son los cortometrajes documentales nominados a los Goya 2011.

Vaya tela, vaya tela…

-Sergio

Se apagan las luces y me dan ganas de aplaudir. Veo que soy el único. De hecho, a lo largo de la película se han producido varias deserciones de la sala. Así que, aún mareado y aturdido ante tanto horror y fulgor decido esperar una hora, un día, una semana, y hacer una crítica reposada y repensada del film. ¿Era ésta la gran tomadura de pelo del Festival de Venecia? ¿Se confirma que Tarantino le debía un favor a Álex de la Iglesia? ¿Es ‘Balada triste de trompeta’ el espanto de un director desnortado, de un niño mimado al que se le permite cualquier cosa por ser el presidente de nuestra sacrosanta academia? Entonces yo estoy loco. Porque me ha parecido fabulosa.

Diré más, diré que es la mejor película de la carrera de Álex de la Iglesia, con diferencia. Y sigo, es una de las mejores películas españolas sobre nuestra guerra civil y la herencia que nos ha dejado, junto a ‘Canciones para después de una guerra’ (Basilio Martín Patino, 1971) y ‘El espíritu de la colmena’ (Víctor Erice, 1973). Y termino: es una de las mejores películas españolas de la historia. En toda su gloriosa imperfección. Y sí, es ésta una crítica con el cuchillo entre los dientes. No podía ser de otra manera: es mi última crítica.

Odio a los payasos. De niño, el circo me daba más pena que risa y siempre he pensado que la mejor manera de hablar del mismo es desde la tragedia. Y ‘Balada triste de trompeta’ es trágica. Pero también es cómica. Y violenta. Y amarga. E histriónica. De hecho, casi todos los adjetivos del vocabulario le sientan bien a esta película-centrifugadora que alcanza el cielo y el infierno muchas veces en la misma secuencia y alguna otra, en el mismo plano. Y contra lo que pueda parecer, esto no es malo. Esto es lo que la hace grande. Al igual que anteriores retratos de la otredad, de la aberración o de lo monstruoso como ‘Freaks’ o ‘El hombre elefante’ (‘The Elephant Man’, David Lynch, 1980), las medias tintas no existen. La poesía comparte plano con el horror, y el amor con el crimen.

El film comienza con una masacre en plena guerra civil. Los integrantes de un circo son reclutados para la causa republicana y se aplicarán con fervor a la matanza, sobre todo un siniestro payaso —Santiago Segura, excelente secundario mientras permanece callado—, padre a su vez de un triste y apocado niño que asistirá horrorizado a la escena. Tras el humo de la pólvora, emerge un león y se echa al lado del niño, una imagen de una fuerza brutal y espejo de la pantera que se acercaba a Rosie Pérez al principio de ‘Perdita Durango’ (Álex de la Iglesia, 1997). Muy bien, la metáfora no es sutil, pero ¿quién ha dicho que esta historia necesite de sutilezas? ¿Acaso sería mejor porque todo en ello quedara únicamente sugerido? ¿Todo en la vida es sutil? Yo no lo creo.

Acto seguido, al compás de una enorme banda sonora de Roque Baños, entran unos títulos de crédito que harían palidecer de envidia al propio Saul Bass , entre el diseño gráfico y la memoria histórica donde Franco, Hitler y Massiel se confunden en una época en la que elementos tan dispares formaban parte de un todo siniestro y negro llamado España. Nuestro país. Nuestra memoria. Los felices años 70 de los Alcántara. Esto es el acta de defunción de ‘Cuéntame’, serie falaz y dañina como pocas.

El niño triste crecerá y se convertirá en un payaso igual de triste que entrará a formar parte de un circo donde el que tiene el poder es un payaso chulo, violento y aterrador, al que da vida de forma ma-gis-tral Antonio de la Torre. Y luego está la chica, Carolina Bang, de presencia rotundísima y actuación más que competente. Y el conflicto ya está creado. Pero no ahí, sino mucho más atrás, su origen está en un guerra fraticida en la que un país se parte en dos y condena a su población a una pesadilla color gris sangre de más de 30 años. Todo acto tiene sus consecuencias, y una guerra civil captura como rehén a toda una generación y la obliga a vivir unos tiempos oscuros y pesadillescos. ‘Balada triste de trompeta’ solo lo constata.

Todo esto está contado por la vía de la exageración, de la deformidad, del exceso y la repetición. Secuencias tan tensas y abruptas como la de la cafetería, en la que un zafio chiste es la espita que desencadena una agresión brutal a la chica del film, y en la que la violencia y el sexo se mezclan entre el horror y el deseo. Escenas tan chocantes y atrabiliarias como en las que un maravilloso Carlos Areces es convertido en presa desnuda primero y perro de caza del propio Franco más tarde. Imágenes tan patéticas y tiernas como su conversación con el mismísimo Raphael —similar a los diálogos de Christian Slater con el fantasma de Elvis Presley en ‘Amor a quemarropa’ (‘True Romance’, Tony Scott, 1993)—. Tours de force tan icónicos, redundantes y barrocos como el final en el Valle de los caídos, convertido en mazmorra gótica donde se mezclan las calaveras de los que murieron por los dos bandos con la sangre de los vencidos que levantaron el ominoso mausoleo y con las fieras del circo que también han ido a parar allí, así como todos los protagonistas de esta barbarie de película, de estos fotogramas sucios e imperfectos, de este celuloide abigarrado y genial.

Las pinturas negras de Goya, los espejos deformes de Valle-Inclán, el surrealismo cruel de Luis Buñuel, la risa amarga de Luis García Berlanga...todo estaba allí. Álex de la Iglesia solo lo ha puesto en imágenes. Imágenes por cierto de una fiereza y una fuerza apabullantes. Nadie rueda así en estos momentos y en este país. No hablo de películas perfectas. ¿Quién las quiere? Prefiero la mugre y la furia de un cine que revuelve las tripas y que hace que el espectador reaccione a lo que ve. La indiferencia y la asepsia visual y narrativa de ‘Los crímenes de Oxford’ (Álex de la Iglesia, 2008) han pasado a mejor vida. Y por dios que me alegro.

Coda final

Como ya os adelantaba, me despido de Blogdecine. Ha sido muy poco tiempo pero muy grato por mi parte, tanto a nivel de trabajo con el resto de mis compañeros como de relación con vosotros, los lectores. Lamentablemente mi situación laboral actual no me deja tiempo suficiente para compaginarlo con mi trabajo en este blog, por lo que finalizo aquí mi pequeña colaboración. Espero que mis artículos hayan sido de vuestro agrado aunque no coincidiéramos siempre en gustos. Quizá volvamos a leernos, aquí o en otro sitio. Ha sido un placer. Un abrazo.

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Si no fuera payaso, sería un asesino.

(Sergio)

No se ha cansado el señor Álex de la Iglesia de repetir muy orgulloso que ‘Balada triste de trompeta’ es su mejor película. Puede que sea la que siente más suya, o la que mejor le ha quedado teniendo en cuenta lo que había escrito, o la que más satisfecho le ha dejado para todos los problemas que ha tenido; eso me lo creo, pero ni de lejos es su mejor trabajo hasta la fecha. Al contrario, es su peor película. Es un despropósito narrativo, con una desastrosa puesta en escena y un guión nefasto (increíble que lo premiaran en la Mostra de Venecia, por mucho que Quentin Tarantino presidiera el jurado) que ahogan los pocos aciertos de un relato herido de muerte desde el inicio, que se arrastra y agoniza de forma lamentable.

Como la canción de Raphael, la última película del director bilbaíno se titula ‘Balada triste de trompeta’ y llegó a nuestros cines el pasado viernes, cosechando una floja recaudación en taquilla (costó seis millones de euros). Curiosamente, el estreno ha coincidido con el acalorado debate sobre la piratería y la “Ley Sinde”, y estando De la Iglesia tan implicado en un asunto tan impopular, quizá no era el mejor momento para lanzar su película, pero los distribuidores pensaban todo lo contrario y consideraban que era la fecha idónea, como contraste a las familiares películas de las fiestas navideñas. Desde luego hay poco espíritu navideño en ‘Balada triste de trompeta’, una historia llena de violencia que tiene lugar durante el franquismo, y que, según el realizador, es la imagen que tiene de aquellos años, una auténtica pesadilla. Se refleja eso, pero resulta irrelevante cuando la sensación principal es de completo desinterés por lo que sucede en la pantalla.

‘Balada triste de trompeta’ arranca en 1937, con la actuación de dos payasos ante unos niños nerviosos por lo que se cuece fuera del recinto. Un grupo de milicianos defensores de la república entra en escena y su agresivo capitán (Fernando Guillén Cuervo) recluta a todos los que pueden empuñar un arma. Tras un contundente montaje en el que los títulos de crédito se acompañan de una batería de imágenes tan variadas como el triunfo de Massiel en Eurovisión y el encuentro entre Franco y Hitler (de lo más inspirado de toda la película), tiene lugar un enfrentamiento exageradamente caricaturesco entre los milicianos, liderados por un payaso con un machete (Santiago Segura), y las tropas franquistas, donde destaca la figura a caballo del coronel Salcedo (Sancho Gracia). Se trata de un combate muy mal representado, con demasiados cortes y sin ningún ritmo, cuya cima es ver a Segura cortando gente a cámara lenta. Entre lo que hace Guillermo del Toro (‘El laberinto del fauno’ recrea mejor las tinieblas de la época) y Zack Snyder. Grotesca diversión dirán algunos, a mí no me dice nada.

El payaso acaba en la cárcel y trabaja en la construcción del Valle de los caídos, mientras su hijo crece con sentimientos de impotencia, tristeza y venganza (su primer acto de violencia lo cometerá pronto). Avanzamos a los años setenta y el chico es un hombre que quiere seguir los pasos de su padre; Javier (Carlos Areces) se maquilla frente a un espejo y se presenta como payaso triste, porque es incapaz de hacer reír a nadie. Durante una rápida presentación del lugar donde actúan, entre ruinas, así como de los miembros del circo (una escena que parece un trámite, sin alma y de nuevo con demasiados cortes), Javier conoce a la pareja que cambiará su vida de manera radical: Natalia (Carolina Bang), la radiante trapecista, y Sergio (Antonio de la Torre, inmenso) el que manda, el payaso tonto. En la mejor secuencia de toda la película, asistimos a una cena en la que un chiste (con una desternillante reacción de Javier) deja en evidencia la brutalidad de Sergio, que llega a golpear a Natalia. Cuando se marchan todos, la chica se relame la sangre y espera ansiosa las disculpas de su pareja: una dosis de sexo salvaje.

La muñeca sumisa y los payasos bastardos

A partir de ahí todo gira en torno a lo mismo: Natalia disfruta con el bestia de Sergio pero quiere el cariño de Javier, enfrentando a los dos hombres. Hay momentos bochornosos en el primer tramo (algunos a propósito, otros no, y es que el personaje de Bang tiene la profundidad emocional y la disposición de una muñeca hinchable), una mala comedia romántica rellena de situaciones y diálogos tópicos. Los celos de los dos payasos desembocan en un violento enfrentamiento que acaba con Sergio desfigurado y Javier escondido entre los bosques como un animal. Pero Natalia sigue ahí y ninguno de los dos piensa dejársela al otro, iniciándose un desesperado y sangriento duelo entre un payaso-torero-sacerdote y un Joker-Frankenstein patrio, que sirve a De la Iglesia para incluir referencias históricas y algunos brochetazos de humor salvaje al estilo de ‘Malditos bastardos’ (‘Inglourious Basterds’) de Tarantino, lo que deja en evidencia (¿alguien aún lo dudaba?) que el cineasta español tiene menos talento que el estadounidense.

Aparatosa, desmedida, delirante, absurda, ‘Balada triste de trompeta’ es un querer y no poder, un desafortunado pastiche, que recuerda bastante a ‘Muertos de risa’ y ’800 balas’ pero que (a diferencia de éstas) no deja nada tras su visionado, ni siquiera la sensación de haber experimentado un relato ingeniosamente grotesco, pasado de rosca. Tras la fallida ‘Los crímenes de Oxford’, Álex de la Iglesia se ha tirado al vacío sin paracaídas con la película que considera más libre y personal, dándose a mi parecer el mayor golpe de su carrera, pues es aquí donde más se le han notado sus defectos como escritor (agotado, repitiéndose constantemente) y director (torpe con el ritmo y la acción). No serán las más personales, pero ‘El día de la bestia’ (la escena del letrero de Schweppes es mucho más intensa que la del final de ‘Balada triste’, con la cámara dando vueltas alrededor de la cruz) y ‘La comunidad’ son propuestas frescas, ácidas, contundentes, y están mejor filmadas, son sus mejores trabajos. Pero no pasa nada, como diría Woody Allen, porque ya está preparando la siguiente.

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