Ya queda menos para saber si la adaptación cinematográfica de ‘Los juegos del hambre’ realmente se parecerá a ‘Crepúsculo’ o si será una adaptación fidedigna de lo que escribió Suzanne Collins. Hasta la fecha hemos podido ver avances de todo tipo sobre la película (el último, en forma de imágenes, lo tenéis aquí), y es que Lionsgate ha ido dosificando de forma exagerada el ir dándonos nueva información. Es de esperar que en las próximas semanas podamos ver un nuevo tráiler, pero aún no hay nada seguro. Se especuló con la posibilidad de emitir uno nuevo durante la Superbowl, pero Lionsgate ha descartado recientemente esa posibilidad.

Ya os comenté recientemente mis temores sobre que ‘Los juegos del hambre’ empezaba a parecerse peligrosamente a lo que acabó siendo ‘Crepúsculo’. Además, el hecho de que su productora haya enfocado una parte importante de su marketing a atrapar a ese mismo público no ayuda a acallar mis dudas internas sobre lo que podemos esperarnos. Algo sí que ha ayudado a calmarlo el cartel final de ‘Los juegos del hambre’, ya que, sin ser especialmente rompedor o novedoso, sí que está muy por encima del que se daba hasta ahora como el póster final. Es cierto que la idea del cartel previo era más interesante, pero su ejecución dejaba un tanto que desear y al menos a mí me hizo rebajar las expectativas sobre lo que esperar de la película que dirige Gary Ross. Eso sí, lo que tengo claro es que, sin importar si acaba siendo buena o mala, no faltarán las fans histéricas por el triángulo amoroso que presenta la historia.

Esa otra imagen ha sido la otra “gran” revelación reciente sobre ‘Los juegos del hambre’, la cual puede resultar algo extravagante a primera vista, pero forma parte de uno de los momentos más importantes para definir a la protagonista del relato, siendo además una forma bastante fiel de llevar a imágenes lo que proponía Collins en el libro. Os recuerdo que Jennifer Lawrence es la protagonista de ‘Los juegos del hambre’ y que está rodeada por un interesante plantel donde también encontramos a Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Elizabeth Banks, Stanley Tucci, Donald Sutherland, Toby Jones, Wes Bentley, Woody Harrelson y Lenny Kravitz. Además, la historia gira entorno a un mundo dividido en doce distritos, donde cada año se celebran unos juegos del hambre, en los que ha de participar un chico y una chica de cada distrito. ¿En qué consiste el juego? En matarse entre ellos, y sólo uno saldrá con vida llevándose toda la gloria. No obstante, aunque el cartel indica que el estreno es el próximo 23 de marzo, eso es algo que no sucederá en España, donde tendremos que esperar hasta el 20 de abril para poder verla.

PD: En un movimiento que recuerda a lo sucedido con ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’, Lionsgate ya tiene a Simon Beaufoy trajando duramente en la adaptación de ‘En llamas’, la segunda novela de la trilogía. La idea es poder estrenar la segunda película el 22 de noviembre de 2013.

Vía | The Huffington Post

- ¿Por qué te llaman Motherfucker Jones?

- Hace tiempo entré en la habitación de mi madre por la noche, estaba desnuda sobre la cama…

El inicio de este diálogo es una clara muestra de lo que plantea ‘Cómo acabar con tu jefe’ (‘Horrible Bosses’, Seth Gordon, 2011). Nada más oír esa frase cualquier buen pensador —sobre todo un mal pensador, por la mala leche que inunda nuestros cerebros— enseguida se ha hecho una imagen en su cabeza de lo más delirante y atrevida. El complejo de Edipo convertido en burla en el buen sentido de la expresión, y cuando parece que se va a llegar hasta las últimas consecuencias con el chiste, el final del diálogo termina suavizando el atrevimiento y osadía iniciales. Esto está ocurriendo con la mayor parte de las comedias actuales provenientes de Hollywood, donde parecen querer convertirse en los paladines de la comedia irreverente, por así llamarla. Nombres como el de Judd Apatow encabezan este movimiento, y el resto intentan seguir el mismo camino.

La película de Seth Gordon sigue todos los parámetros de una comedia salida de la factoría Apatow, con una muy ligera ventaja sobre ellas: no es una película larga. Creo que las comedias actuales pecan de ese defecto en general —alargamiento innecesario de los gags, repetición y epílogos demasiado bienintencionados—, y sin embargo, aunque ‘Cómo acabar con tu jefe’ no cae en ese defecto, sí vuelve a dar gato por liebre en cuanto el delirante planteamiento es paulatinamente suavizado según avanza la trama, hasta llegar a una conclusión en el fondo muy políticamente correcta. Un error muy común que no queda ni subsanado por lo que mi compañero Juan Luis Caviaro dice que es lo mejor de la función, los secundarios. Ellos terminan siendo la película.

Kevin Spacey, Jennifer Aniston y Colin Farrell dan vida a los muy especiales jefes que los protagonistas del relato quieren eliminar, cada uno por muy diversas razones. En el caso de Spacey y Farrell estamos ya acostumbrados a su camaleonismo, y en esta película es una delicia comprobar como bordan sus roles, un jefe cabrón de altos vuelos que no duda en reírse en la cara de su subordinado al enterarse de cómo llamaba éste cariñosamente a su amada abuela recientemente fallecida, y un jefe adicto a la cocaína, que heredó el puesto por herencia al morir su padre —breve aparición de Donald Sutherland—, personajes odiosos donde los haya. El caso de Aniston llama más la atención por dar vida a un personaje alejado de su habitual registro, yo diría que en las antípodas. Esa dentista que acosa sexualmente a su ayudante no tiene desperdicio, y reconozcámoslo, muchos quisiéramos una jefa así.

Si bien los actores están fantásticos —todo lo contrario que los tres insoportables protagonistas, Jason Bateman, Charlie Day y Jason Sudekis— sus roles terminan derivando a peor. La caricatura demasiado exagerada en la que termina cayendo el personaje de Kevin Spacey no hace justicia a un rol tan perfectamente dibujado en el inicio de la cinta. A Farrell no hay tiempo de saborearlo demasiado, y en el caso de Rachel, perdón, Jennifer Aniston, termina con algo que el sufrido acosado pudo haber hecho desde el principio sin necesidad de obsesionarse con asesinarla, medida un tanto exagerada que no siempre resulta creíble en el film. Donde creo que sí salen victoriosos en en la intrusión, nunca mejor dicho, del personaje al que da vida un divertido Jamie Foxx, una especie de consultor sobre asesinatos que consigue dinero fácil a través de los tres pringados protagonistas. Foxx no se sobrepasa en ningún momento y su personaje posee una cierta evolución, por cuanto empieza de forma muy misteriosa y termina revelándose como lo que es realmente.

Cuentan que el director dejó que los actores improvisasen gran parte de sus diálogos o actuaciones. Creo que se nota por momentos, sobre todo en lo que respecta a las intervenciones de Charlie Day, histriónicamente alejado de sus compañeros de aventuras, con instantes que rayan directamente el ridículo, como cuando está solo en el coche esperando, o el enfrentamiento final con su jefa. Momentos en los que el trabajo de dirección de actores no existe, en su lugar han puesto a un cómico gesticulante y gritón que nos aleja, al mí al menos, de su personaje. Lamentablemente, no hay término medio. Si Day destaca por su exagerada interpretación, sus dos compis parecen competir por ver quién de los dos es más soso. Mientras tanto Seth Gordon se esfuerza por salirse de la puesta en escena habitual de este tipo de comedias, esto es, sin personalidad. Lo consigue a ratos.

Así pues, comedia entretenida por momentos, y divertida en muy pocos, todos ellos recopilados en su primer tercio, cuando Gordon es capaz de controlar el material que tiene entre manos. Si una comedia, una buena comedia, es difícil de hacer, aún lo es más una comedia atrevida, osada e inteligente, con sus puntos exagerados. ‘Cómo acabar con tu jefe’ —por cierto, título que recuerda a una comedia similar, pero interpretada por mujeres, ‘Cómo eliminar a su jefe’ (‘Nine to Five’, Colin Higgins, 1980)— es efectiva durante su primera mitad, consiguiendo el milagro. Después su rápido descenso hacia las concesiones y lo trivial, termina estropeando el conjunto. Al menos nos deja un poco menos de imaginación para fantasear con Jennifer Aniston.

‘Furia ciega’

Director: Patrick Lussier

Intérpretes: Nicolas Cage, Amber Heard, William Fichtner, Billy Burke, David Morse

Sinopsis: Milton, un delincuente prófugo, abandonó a su única hija cuando era una adolescente. Ahora hará todo lo necesario para rescatar a su pequeña nieta de una secta sanguinaria que quiere sacrificarla durante la próxima luna llena. Con sólo tres días para encontrarlos, Milton consigue la ayuda de Piper, una atractiva camarera con un coche veloz y un fantástico gancho de derecha, para encontrar al peligroso líder de la secta y a sus seguidores.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Furia ciega 3D’, una torpe gamberrada

‘Flamenco flamenco’

Director: Carlos Saura

Continuación de la previa ‘Flamenco’, también de Saura. Una vuelta y repaso al mencionado baile en el que el director ha depositado toda su energía y experiencia adquirida entre ambos films. El Blu-ray contiene diversos extras, entre los que se encuentran un making of, entrevistas a los artistas y un libreto especial de 36 páginas.

‘La legión del águila’

Dirección: Kevin MacDonald

Intérpretes: Channing Tatum, Jamie Bell, Donald Sutherland, Mark Strong, Denis O´Hare

Sinopsis: En el año 140 a.c. veinte años después de la inexplicable desaparición de la novena legión completa en las montañas de Escocia, el joven centurión Marcus Aquila (Channing Tatum) marcha desde Roma para resolver el misterio y restablecer el honor de su padre, comandante de la Novena. Acompañado sólo por su valiente esclavo británico Esca (Jamie Bell), Marcus cruza el Muro de Adriano y se dirige a las desconocidas tierras de Caledonia, para enfrentarse a tribus salvajes, sentirse en paz con el recuerdo de su padre y recuperar el emblema dorado de la Legión, el Águila de la Novena.

Extras: Escenas eliminadas, final alternativo y un making of.

Crítica en Blogdecine:

• ‘La legión del águila’, lo pone el guión

‘Nada que declarar’

Dirección: Dany Boon

Intérpretes: Dany Boon, Benoît Poelvoorde, Julie Bernard, Karin Viard, François Damiens

Sinopsis: 1 de enero de 1993: fecha de la creación de la Eurozona. Dos agentes de aduanas (un belga y un francés) se enteran de que su puesto en la frontera, situado en los pueblecitos de Courquain, Francia y Koorkin, Bélgica, está a punto de desaparecer. Ruben Vandervoorde es el agente de aduanas belga y la franco fobia es una tradición familiar. Pero ahora se verá obligado a inaugurar la primera brigada móvil mixta franco-belga. Su equivalente francés será Mathias Ducatel, enemigo de toda la vida de Ruben y que está secretamente enamorado de su hermana. Para sorpresa de todo el mundo, Mathias acepta ser el compañero de Vandevoorde. Juntos peinarán las carreteras rurales fronterizas a bordo de un vehículo especial de las aduanas internacionales: un Renault 4L a punto de estirar la pata.

‘Soy el número cuatro’

Dirección: D.J. Caruso

Intérpretes: Alex Pettyfer, Timothy Olyphant, Dianna Agron, Teresa Palmer, Kevin Durand

Sinopsis: Tres han muerto. Él es el siguiente. John Smith (Alex Pettyfer) es un adolescente extraterrestre que vive huyendo de sus despiadados enemigos, enviados para destruirlo. Cambiando constantemente de identidad, mudándose de una ciudad a otra bajo la supervisión de su guardián Henri (Timothy Olyphant), John es siempre ‘el chico nuevo’ del lugar, sin vínculos con el pasado. Pero ahora la pequeña Ohio se ha convertido en su hogar, y John deberá enfrentarse a nuevos hechos inesperados que le cambiarán la vida: su primer amor (Dianna Agron), el descubrimiento de poderosas y nuevas habilidades, y una conexión especial con aquellos que comparten su increíble destino.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Soy el número cuatro’, alienígenas por vampiros

Vía | ZONA DVD

Antes de nada quiero avisar, sin que sirva de precedente, a las mentes sensibles del blog, que voy a destripar lo máximo posible el argumento de ‘La legión del águila’ (‘The Eagle’, Kevin Macdonald, 2011), un intento de peplum a la vieja usanza. Y ello es porque así yo me divierto más escribiendo sobre una película que no merece le dediquen más de unas líneas, y por otro lado sí es merecedora de que la desmonten, gracias a poseer uno de los guiones más inútiles, absurdos y ridículos que se ha visto en el cine. Una de esas historias que sobre el papel tienen mejor pinta que trasladadas a una pantalla, labor que ha correspondido a Kevin Macdonald, hasta ahora director de la floja ‘El último rey de Escocia’ (‘The Last King of Scotland’, 2006) —film al servicio exclusivo de Forest Whitaker—, y la correcta ‘La sombra del poder’ (‘State of Play’, 2009), y que con la cosa ésta ha filmado de lejos su peor trabajo.

Ni siquiera voy a necesitar comparar esta película con títulos míticos dirigidos por Cecil B. DeMille, Mervin LeRoy, Stanley Kubrick o Ridley Scott. ¿Sería totalmente injusto? Pues voy a dudarlo, porque hace unos meses nos llegó ‘Centurión’ (‘Centurion’, Neil Marshall, 2010), que si bien no alcanza la grandeza de obras casi intocables, revive muy dignamente el peplum, devolviendo una muy disfrutable mirada primitiva a lo narrado. El film de Macdonald tenía todos los ingredientes para ser un relato encarnizado sobre el honor y la amistad. En lugar de eso, se dedica acumular incongruencias una tras otra, teniendo que soportar además la presencia de dos actores, en plan buddy movie, que realizan interpretaciones penosas, mientras chupan cámara que da gusto, sobre todo ese armatoste llamado Channing Tatum.

La culpa de todo, o la mayor parte, porque hay cosas mínimamente decentes en la película de las que ya hablaré más abajo, es de Jeremy Brock, que adapta el superventas de Rosemary Sutcliff, ‘The Eagle of the Ninth’, ya llevada a la televisión en 1977 en forma de miniserie, y que forma parte de una trilogía. Imagino que si el presente film tiene éxito, las otras dos entregas no se harán esperar. Ruego a todos los dioses romanos para que tal no suceda, y si ha de ser, que le encarguen a otro el trabajo. ‘La legión del águila’ especula a modo de aventura sobre lo acontecido a la famosa Novena Legión más allá del muro de Adriano. Marcus Aquila (Tatum), hijo del comandante de la Novena, regresa para averiguar qué le sucedió a su padre, e intentará recuperar el águila, todo un símbolo con el que restaurar el honor de su apellido. Qué bonito suena ¿verdad? Vayamos por partes.

Para que Aquila conozca al que será su esclavo se expone la primera situación ridícula. Un carro, sí, un carro, le caerá encima en una sangrienta batalla en la que evidentemente Aquila no muestra valor, sino chulería, que es distinto. Como es una película y lo pone el guión, habrá una tremenda elipsis para no explicarnos cómo narices sobrevive a tremenda hostia, salvo por el detalle de una pierna dañada, que hará que sea trasladado al plácido hogar de su tío, papel a cargo del excelente Donald Sutherland, que se pasea con cara de “pero qué narices hago yo metido en esto”. Aprovechemos su presencia, no le volveremos a ver en el metraje. Imagino que el presupuesto no daba para pagarle más minutos en pantalla. Y es precisamente en ese lugar donde conocerá a su futuro esclavo Esca —Jamie Bell con cara de mosqueado y a punto de ponerse a bailar—, al que salvará la vida, única y exclusivamente porque lo pone el guión, una vez más. Motivaciones a tomar viento fresco, qué narices, esto es una película de hostias, y la coherencia se la pasan por el forro.

Esca es un tipo que está muy enfadado con los romanos. El dichoso trauma infantil, que para colmo de colmos comparte con su nuevo amo, quien recuerda a su padre fugazmente, filtros de luz y cámara lenta mediante, en unos bochornosos flashbacks que molestan más que aclaran. Pero aún así, Esca acompañará a su amo, porque al fin y al cabo es un esclavo y un esclavo sólo debe obedecer sin rechistar. Da igual que sobrepasen el muro de Adriano, el límite del mundo conocido, y terminen en el hogar de Esca, éste hará todo lo posible por ayudar a su amo porque sí, porque lo pone el guión. Para ello se sucederán escenas tan imposibles como aquella en la que se marca un enorme farol diciéndole a un terrible picto —la tribu del lugar— que si quiere puede cortarle el cuello a Aquila, que en ese instante, y pa-ra-di-si-mu-lar, se hace pasar por el esclavo romano de Esca. ¿Qué garantías tiene Esca de que el picto no le raje al cuello a Aquila? Absolutamente ninguna. Pero lo pone el guión, y a esas alturas uno empieza a hartarse que le llamen tonto a la cara.

Al final encontrarán el ansiado águila, que está en posesión de unos colgados que se pasan enfarlopados todo el día, pero tienen una mala leche increíble. En un despiste, llámese también licencia que se toma el guionista porque sí, porque le apetece, Aquila con Esca se apoderan del valioso águila, pero, oh, sorpresa, les han dejado escapar. ¿Para qué? Pues para tenderle una trampa y matarlos, pero ojo, sólo envían a cuatro pictos, el resto duerme la mona de su vida. Luego sí, luego hay una enorme persecución en la que Macdonald ya pierde el rumbo, porque empieza a creerse Terrence Malick y la da por enfocar el hongo de los árboles (¿¿??), amén de no saber utilizar tiempo y espacio físico, de forma que nunca nos enteramos dónde están los protagonistas y tampoco sus perseguidores. Qué más da, el mareo es una de las características del cine de evasión actual, y en ‘La legión del águila’ hay bastante. Ni que Michael Bay se pasase por el rodaje un día, y le dejasen jugar con las cámaras.

Por supuesto hay una batalla final en la que se decidirá todo. Pero ojito. Será entre pictos hambrientos de sangre, feroces guerreros que nunca descansan y corren cualquier maratón que les pongas, contra unos 20 romanos que llevan aproximadamente unos 20 años sin coger una espada. Lo de ‘300’ al lado de esto es un juego de niños. Peeeeero, ahí está el guionista, señores, con la cabeza alta y todo orgulloso. Los pictos pierden por goleada, el águila se recupera, se devuelve a Roma, y Aquila y Esca, del que nunca explican su cambio de actitud —¿para qué?— se marchan con aire triunfal a tomarse unas copas al pub romano más cercano. Por cierto, la química entre Tatum y Bell es la misma que existe entre una plancha y un oso hormiguero. Sus personajes no desprenden la humanidad que pide a gritos la historia, y Kevin Macdonald no logra sacar provecho del excelente entorno, por momentos realmente agobiante, que engulle literalmente a los personajes. Eso es lo mejor de ‘La legión del águila’, y la banda sonora de Atli Örvarsson.

Me vuelvo al especial de Eastwood, al puente Roseman…

Voy a poner un precio tan alto a tu cabeza… que cuando te mires espejo, tu reflejo va a intentar dispararte a la cara.

(Dean)

El inglés Jason Statham sustituye al estadounidense Charles Bronson en este moderno y libre remake de ‘Fríamente… sin motivos personales’ (‘The Mechanic’, 1972), que esta vez conserva en nuestro país su título original, quizá para darle un aire más serio al film, o porque traducirlo por ‘El mecánico’ podría llegar a confundir al público (pese a que en el cartel aparece el protagonista empuñando una pistola). De la puesta en escena se ha encargado el también inglés Simon West, pero podía haber ser cualquier otro, cualquiera de todos esos incapaces realizadores que contribuyen al menosprecio del cine de acción. Porque ellos mismos no respetan el género. Son directores que creen que el ritmo consiste en acelerar y multiplicar los cortes de cada escena, y que despachan la necesidad de espectáculo con grandes explosiones y peleas o persecuciones tan cercanas a la cámara que el espectador apenas puede intuir lo que ocurre. Por desgracia, son mayoría.

La propuesta de ‘The Mechanic’ (2011) es de lo más sencilla, y es lógico, pues responde a demandas sencillas. Statham encarna a un asesino a sueldo, un “mecánico” que arregla complicados entuertos de manera limpia y eficiente por elevadas sumas de dinero (esta comparación no es del todo desacertada), cuya rutina se ve alterada tras un encargo que le afecta personalmente, y desde entonces debe aceptar la compañía de un colega de faenas. El guion de esta nueva versión, escrito por Richard Wenk y Lewis John Carlino, sigue el argumento original pero se toma bastantes licencias, la molestia de limar las asperezas del film protagonizado por Bronson para construir un relato más acorde a nuestros tiempos, lo que por desgracia, en este caso no es algo positivo. Se dota al relato de mayor velocidad y se le resta crudeza, buscando la simpatía con los protagonistas, lo que inevitablemente lleva a un thriller descafeinado, inofensivo y convencional.

La trama gira en torno a Arthur Bishop (Statham), un habilidoso asesino cuya particularidad es que siempre consigue que sus crímenes parezcan suicidios o accidentes. Nunca ha tenido problemas para cumplir sus misiones, hasta que la oscura compañía que le contrata le pide que liquide a un viejo amigo (Donald Sutherland). Tras quedar convencido de que el hombre había traicionado a otros compañeros de profesión para poder superar sus problemas financieros, Arthur cumple su tarea, simulando un robo que acabó en tragedia. Sin embargo, se siente culpable y se hace cargo del problemático hijo de su víctima. Steve McKenna (Ben Foster) quiere aprender el oficio de “mecánico” y se convierte en el aprendiz de Arthur. Juntos forman un equipo que no resulta tan limpio ni eficaz, pero Arthur por fin tiene a alguien a su lado, aparte de la prostituta (Mini Anden) con la que pasaba alguna noche. Todo dará un giro cuando descubra que su empleador le engañó para que matara al padre de Steve.

Como decía, este tipo de propuestas no necesitan de intrincados argumentos ni de elaborados mecanismos para satisfacer por completo al público, ni siquiera de inspiradas actuaciones, la acción pura y dura es su razón de ser, y es fácil activarla. Pero el relato tiene que funcionar, el espectador debe sentirse atrapado por el huracán de imágenes de principio a fin, sin arritmias ni vacilaciones, y ahí reside la complicación. A estas alturas, es obvio que Simon West (‘Con Air’, ‘Tomb Raider’, ‘Cuando llama un extraño’) no tiene ni idea de cómo lograr algo semejante, y lo vuelve a demostrar en ‘The Mechanic’, ya desde los primeros minutos; con un encadenado de planos que no resisten en pantalla más de un segundo, el realizador sigue a un capo mafioso que vuelve a casa, donde se sumerge en las aguas de su piscina, tan oscuras que no le permiten ver que había alguien esperándole en las profundidades. Tras esta bochornosa secuencia, la película remonta un poco el vuelo, aunque solo sea por la aparición de Sutherland (muy breve) y de Foster, que casi salva los muebles.

No creo que esté lejos el día en el que Ben Foster empiece a ser considerado como uno de los mejores intérpretes del cine norteamericano. Es un actor carismático y versátil, con la rara cualidad de resultar espontáneo y libre incluso en productos tan descaradamente industriales como el que nos ocupa (capaz de ahogar la música de Mark Isham); solo el propio Foster podría arruinar su prometedor futuro. Por su parte, Jason Statham parece tener muy claras sus limitaciones y no se está complicando con los trabajos que acepta, lo que siempre conlleva el riesgo de agotar al espectador, al menos el que llena las salas, y acabar convertido en el enésimo “action man” de videoclub. Es un tipo que cae bien, se le ve cercano y honesto, pero no debería relajarse y le sería muy útil fijarse en alguien como Bruce Willis, con quien se le ha comparado a menudo, que entendió pronto la importancia del sentido del humor. El nuevo Arthur Bishop necesitaba eso, y el inglés se ve incapaz. Necesita buscar más esa faceta (como cuando ha trabajado con Guy Ritchie) para complementar la calva y los abdominales, o pronto se quedará sin sitio.

Los temas demoníacos están volviendo a ponerse de moda entre el público americano. Tras el éxito de ‘El último exorcismo’ (‘The Last Exorcism’, Daniel Stamm, 2010) —aún inédita en nuestros cines— hace cinco meses, ahora ‘El rito’ (‘The Rite’, Mikael Håfström, 2010) se encarama en lo más alto del top ten, aunque 15 millones de dólares no sea precisamente un gran debut. Anthony Hopkins da vida a un sacerdote americano que viaja a Europa a una escuela donde forman exorcistas. La crítica yanqui prácticamente se ríe de ella, aunque el público votante en la IMDb se muestra un poco más impresionable. En nuestro país caerá el 18 de marzo.

‘The mechanic’ (id, Simon West, 2010) es el remake del film de idéntico título —en el nuestro recibió el delirante de ‘Fríamente… sin motivos personales‘— que dirigió el inefable Michael Winner en 1972 con Charles Bronson de estrella principal. Jason Statham toma el relevo de Mr. Bronson en la historia de un asesino que coge como pupilo al hijo de una víctima suya. Ben Foster y Donald Sutherland se dejan ver en un film que no ha gustado demasiado a la crítica, aunque el público votante parece entusiasmado.

Vía | IMDb

‘The Mechanic’ es el remake del film homónimo de 1972 protagonizado por Charles Bronson y dirigido por Michael Winner, que aquí se tituló ‘Fríamente… sin motivos personales’. Esta nueva versión la dirige Simon West (‘Con Air’, ‘Tomb Raider’) y cuenta en su reparto, además de con Jason Statham, con Donald Sutherland, Tony Goldwyn y Christa Campbell.

‘The Mechanic’ trata de Arthur Bishop, un matón a sueldo (Bronson-Statham) que explica en qué consiste su trabajo a un joven aprendiz, que está interpretado por Ben Foster en este remake, en el lugar de Jan-Michael Vincent. Por ejemplo, le cuenta que algunos de los asesinatos deben parecer accidentes, ya que los mejores trabajos son aquellos que la gente no sabe que has hecho. Lo que Arthur ignora es que su pupilo tiene un vínculo con una de sus víctimas.

El trailer, a pesar de que parece que cuenta la película entera, tiene una pinta bastante buena. Por lo menos, parece que hay mucha acción y que no está mal rodada. En EE. UU. y R. U. se estrenará el 28 de enero y en España, el 25 de febrero.

También podéis acceder aquí al tráiler Red-Band, es decir: sin censuras, para mayores. En realidad, cuando hablaba de acción, me refería a esta versión del avance, pues es la única que he visto. Si la cuestión es la edad, yo tengo como para verlo dos veces.

Vía | Aurum Producciones.

Aquí os traigo el cartel y el tráiler de ‘La legión del águila’ (‘The Eagle’), un film que recuerda al último (y lamentable) trabajo de Neil Marshall, ‘Centurión’, estrenada este mismo año. Basada en la novela ‘The Eagle of the Ninth’ de Rosemary Sutcliff, se trata del nuevo largometraje de ficción del escocés Kevin Macdonald, director de ‘El último rey de Escocia’ (‘The Last King of Scotland’) y ‘La sombra del poder’ (‘State of Play’). Como podéis ver en la imagen, el reparto está encabezado por el popular Channing Tatum (‘Fighting’, ‘G.I. Joe’) y Jamie Bell (‘Billy Elliot’, ‘King Kong’), revalorizado gracias al Tintin de Spielberg y Peter Jackson.

Ambientada en el siglo II, ‘La legión del águila’ se centra en un legionario romano (Tatum), que acompañado por su esclavo (Bell), emprende un peligroso viaje a través de Escocia para buscar el Águila de la Novena Legión Hispánica, desaparecida veinte años atrás, pues era el símbolo que portaban los hombres comandados por su padre. El guión lo firma Jeremy Brock y cabe señalar que Mark Strong, Donald Sutherland, Denis O´Hare y Tahar Rahim (el protagonista de ‘Un profeta’) completan el reparto. La película estará en los cines estadounidenses a finales de febrero y se espera que en abril llegue a España.

PD: Antes de embarcarse en historias de ficción, Macdonald se centró en el género documental, siendo ‘Touching the Void’ (2003) su trabajo más conocido y valorado.

Vía | Impawards

Este viernes se estrena ‘Astro Boy’, una libre adaptación del personaje de manga creado por Osamu Tezuka. Con producción estadounidense y china, esta película, dirigida por David Bowers, presenta una animación en 3D correcta, con efectos bien resueltos y movimientos y texturas que no presentan ningún problema. El estilo con el que se ha diseñado a los personajes es muy adecuado para el tipo de film de animación cómico que tanto se desarrolla en Norteamérica con un público infantil en mente. Sin embargo, no es lo que mejor encaja con lo que esperaríamos de una versión fílmica de ‘Astro Boy’. Un anime, hecho por los propios japoneses, y quizá en dos dimensiones, habría resultado más satisfactorio.

En la vertiente más profunda, encontramos una falta de adecuación similar, ya que Osamu Tezuka nunca habría escrito una historia tan cándida y tópica. Muy al contrario, la característica más propia del con razón bautizado dios del manga es la fuerza dramática de sus narraciones. Salvo por dos elementos que sí están extraídos de la creación del mangaka, todo es flojo y poco compacto. La mínima anécdota está estirada a lo largo del metraje en una suma en la que apenas ocurre nada. Esto también va en total contra de unas creaciones donde lo más sorprendente es la cantidad de conflictos que pueden generarse en una página.

De Tezuka se toman únicamente la decepción del padre con respecto a su criatura, con la consecuente tristeza del niño robot, y la lucha de los androides por demostrar su humanidad, que supone una constante en las historietas de ciencia ficción de Tezuka. Pero incluso aunque hayan mantenido estos temas de fondo, el acercamiento que se hace a ellos es mucho más débil que el que siempre supo darle el fallecido autor japonés.

Buenos y malos

Me da igual que ‘Astro Boy’ tenga el reparto de voces más espectacular —Freddie Highmore, Kristen Bell, Nicolas Cage, Samuel L. Jackson, Charlize Theron, Bill Nighy, Donald Sutherland y Elle Fanning— , si ninguna de las intervenciones puede contrarrestar la falta de carisma, ternura y fuerza que sufren sus personajes.

Los únicos que gozan de fuerza dramática en su retrato son los que provienen del cómic: el padre, el propio Astro y el doctor Elefun. Quizá el gran robot Zog, si hubiese tenido más protagonismo, habría sido lo más parecido a un personaje de Tezuka. Es simpático el guiño que hacen al creador poniendo un muñeco con sus gafas, boina y nariz, que él también introducía en muchos de sus mangas.

Los secundarios introducidos por los guionistas —especialmente los niños que buscan en la basura— están muy por debajo de los seres que creó el japonés y por lo tanto, su desempeño dentro del conjunto da resultados muy inferiores. Y como aportaciones de la película, me quedaría sólo con los terciarios: el perro papelera, el limpiacristales y la goma, que responden al tipo de personaje con poco papel, pero memorable y entrañable, como el Mo de ‘Wall•e’ o el perro-sonda de ‘Planet 51’.

La peor parte se la llevan los antagonistas, pues el padre del manga jamás habría planteado a un enemigo tan plano. Sus némesis encarnan mucha más maldad que la de estos personajes. Pero no sólo eso, es que el japonés sería todo menos maniqueo. Sus malos son personas con contradicciones y muchas facetas, que en ocasiones hasta se ponen en el lado bueno. En esta película, desde que la materia se desdobla en roja y azul, el maniqueísmo está servido. Y con él, la simplicidad.

¿Por qué adaptar a Tezuka?

Me pregunto por qué se ha optado por adaptar ‘Astro Boy’ para hacer algo tan alejado de lo que creó Tezuka. Realizar una película con un espíritu tan norteamericano partiendo de un material que hay que endulzar por todas partes para llegar a esa pretensión parece un trabajo excesivo y carente de sentido. Si no se atrevían con los duros y complejos relatos del mangaka, podrían haberse quedado con cualquier otro material de partida.

Aceptando incluso que estuviesen convencidos de tomar la imagen de este niño volador — es posible que les atrajese la iconografía o que estuviesen faltos de héroes… quién sabe— para crear algo más inofensivo y ñoño, sigo sin entender la decisión de partir de cero en cuanto a la trama. Que Bowers y Timothy Harris hayan escrito un guión con un argumento propio, en lugar de tomar uno de los miles que escribió el mejor narrador de historietas es, cuando menos, osado, pero también inane. Da la impresión de que la labor de consultor del hijo de Tezuka no ha tenido mucho peso.

Aunque no fuese una adaptación

Entiendo que, más que una crítica, esto parece el desahogo de una fan molesta. Pero aseguraría que, viendo esta película no como adaptación, sino como film que pudiese haber surgido de la nada, la conclusión no sería más positiva.

Los niños muy pequeños pueden pasar un rato agradable y quedar prendados de la bondad de Astro. Pero cualquier otro espectador encontrará una cinta aburrida, que tarda en enganchar, que cuenta con pocos momentos humorísticos —aunque su pretensión no es la pura comedia— y que trata una historia floja y manida.

Mi puntuación:

Sin orden ni preferencia diez finales inolvidables en la historia del cine. Algunos en versión original, otros doblados, para todos los gustos.

‘Dejad paso al mañana’

Ya dije en su momento que probablemente nos encontrábamos ante el final más emocionante que haya dado el cine, por su sequedad, su dureza y su sinceridad. Tras pasar 50 años juntos una pareja es desahuciada y tiene que separarse, yéndose uno de ellos a vivir muy lejos. En un acto que puede tomarse como una irresponsabilidad deciden pasar una última noche juntos antes de una separación que saben será para siempre, y en este caso peor que la muerte. Nunca una película habló con tanta dureza sobre la vejez —esa amiga que nos espera a todos, preámbulo de la segura muerte— y el seco final es un puñetazo sin compasión que se siente cada vez que se recuerda. Leo McCarey tiene otros finales antológicos como el de ‘Tú y yo’ (‘An Affair to Remenber’, 1957).

‘Con faldas y a lo loco’

Evidentemente Billy Wilder no podía faltar en esta lista y entre todas sus películas, algunas de las cuales poseen unos finales maravillosos, he decidido escoger el más rápido, por seco, conciso y desternillante. La frase “nadie es perfecto” se ha convertido en una de las más famosas de toda la historia del cine. ‘Con faldas y a lo loco’ —estúpido título español de ‘Some Like It Hot‘— es una de las comedias más perfectas de todas cuantas se han hecho, una locura con mucho sentido cuyo final es simple y llanamente una graciosísima vuelta de tuerca y toda una declaración de intenciones.

‘La invasión de los ultracuerpos’

No considero la versión de Philip Kaufman superior a la de Don Siegel, una obra maestra de la ciencia ficción, pero sí es un apreciable remake que supo hacer algo que la mayoría de los remakes no hacen, aportar algo más a lo ya visto sin traicionar el espíritu de la obra versionada. Evidentemente una de esas aportaciones es su terrorífico final, sin duda uno de los gritos más espeluznantes que servidor pueda recordar, y que le dejó atemorizado durante días. Donald Sutherland gritando a la llorona y superviviente Veronica Cartwright es uno de los finales más desesperanzadores que existen.

‘Esta tierra es mía’

Por motivos muy personales y que ahora no vienen al caso, ‘Esta tierra es mía’ es una de mis película favoritas. El final con un impresionante Charles Laughton hablando a un grupo de niños justo antes de enfrentarse a la muerte es uno de los instantes más emotivos que existen y existirán. Una llamada a la cordura y a la esperanza de las futuras generaciones en cuyas manos está la supervivencia y preservación de los derechos humanos. “Me tengo que ir, no porque perjudico a las sociedad, que sois vosotros, sino porque perjudico a la tiranía” es una frase que se queda grabada para siempre. Jean Renoir en suelo americano filmando otra de sus obras maestras.

‘Inteligencia artificial’

De ese genio de nombre Steven Spielberg podría haber elegido mucho finales, aunque tenga a gente muy cerca que piensa que este director falla en los finales, pero éste me parece el más atrevido y duro de todos. El perfecto colofón al film que siempre soñó Stanley Kubrick y que el Rey Midas nos sirve con un bonito envoltorio tratándose en realidad de una puñalada sin compasión al espectador. Muchos quedaron defraudados, curiosamente los mismos que creen ver extraterrestres en esta parte de la película, algo que todavía me sigue sorprendiendo cuando alguien me lo dice —“no puede ser tan cortito”, pienso yo—. La manera que Spielberg tuvo de reírse de ellos en ‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’ es también antológica, y cómo no, siguieron sin pillarlo.

‘La niebla’

Frank Darabont adaptando de nuevo a su amigo Stephen King y atreviéndose a cambiar el final del libro. El propio escritor se considera fan del final de la película y no es para menos. Tras pasar un verdadero infierno y sentir que no hay esperanza se toma la única decisión posible ante el horror inminente. La música de Dead can Dance —con Lisa Gerrard al frente— desvela la cruel e irónica realidad. Da igual las veces que se vea, sigue impresionando y dejando sin palabras. Recomiendo la versión en blanco y negro, tal y como la concibió Darabont.

‘Duelo al sol’

Si el amor es destructivo el final de una de las obras maestras de King Vidor lo demuestra con creces. Uno de los besos más esperados de toda la historia del cine, entre una perfecta Jennifer Jones —normalmente esta actriz estaba insoportable— y un malvado Gregory Peck en uno de los papeles más extraños de toda su filmografía. El inevitable y lógico duelo final bajo un sol abrasador, y sellado con el mencionado beso, es uno de los instantes más intensos que existen en el séptimo arte, una de esas escenas por las que merece amar el cine. Ya he perdido la cuenta de las veces que la he visto, ¿y quién no?

‘Los puentes de Madison’

De Clint Eastwood podría haber elegido varios finales pero es éste el que me deja completamente desarmado y llorando como un gilipollas. Tras la impresionante secuencia bajo la lluvia —que apuntemos, era la escena de prueba— Eastwood va más allá y rueda la llegada de un paquete cuyo interior se desvela como el más triste filmado por su director. La posterior ceremonia de las cenizas con la voz en off de Meryl Streep diciendo aquello de “haced todo cuanto esté en vuestras manos por ser felices” no es sólo la demostración final de cómo hacer de una mediocre novela una obra maestra, es demostrar por el cine un amor inmenso. Pero ya hablaremos de ella más detenidamente en el especial que le estamos dedicando al actor realizador en Blogdecine.

‘Cinema Paradiso’

¿Tengo que explicar por qué está este final en la lista? Espero que no. Sólo una pregunta: ¿algún cinéfilo de los de la vieja estirpe, como yo los llamo, es capaz de aguantar las lágrimas?

‘Los pájaros’

Don Alfred Hitchcock tiene en su haber unos cuantos finales antológicos —‘Vértigo’, ‘Psicosis‘— pero es éste, el de una de las mejores películas de terror que se han filmado, el que considero más impactante. Sin música, sólo el espeluznante sonido que desprenden los pájaros en aparente calma, los protagonistas logran subirse al coche y huir de allí. ¿Final feliz? Permítanme dudarlo. Por otro lado esta película logró convertir en puro horror algo tan cotidiano como un pájaro. Tal es su poder de sugestión que es imposible no acordarse de ella cuando vemos una bandada de pájaros que se acerca. Nunca pasa nada, pero yo siempre me acuerdo de la madre de Hitchcock.

‘Lost’

Jack caminando solo entre el bambú para más tarde morir acompañado por Vincent; el limbo donde todos toman conciencia de sí mismos comprendiendo por lo que vivieron y también por aquello que murieron, mientras Michael Giacchino eleva el material a la categoría de obra maestra. Hay más cine en el último capítulo —y en el 99% de la serie— de ‘Lost’ que en el 80% de las películas estrenadas a lo largo de un año.

Séquense las lágrimas, damas y caballeros, necesitan los ojos en perfecto estado para contribuir a mi lista con la vuestra.