Anoche se entregaron los Premios Forqué al cine español, en una gala que hacía homenaje a los musicales, celebrada en el Palacio de Congresos del Paseo de la Castellana de Madrid, dirigida por Juan Estelrich y presentada por Pablo Puyol, Alex O’Dogherty y María Blanco.

‘No habrá paz para los malvados’, de Enrique Urbizu, se llevó el premio a la mejor película y al mejor actor, Jose Coronado. Competía contra ‘Balada triste de trompeta’, de Alex de la Iglesia; ‘La piel que habito’, de Pedro Almodóvar; ‘La voz dormida’, de Benito Zambrano, y Primos, de Daniel Sánchez Arévalo en la primera de las categorías. El intérprete pugnaba por el premio contra Javier Bardem, por ‘Biutiful’ y Luis Tosar, por ‘Mientras duermes’.

La mejor intérprete femenina fue Elena Anaya, por ‘La piel que habito’. También podrían habérselo llevado María León, por ‘La voz dormida’, y Pilar López de Ayala, por ‘Medianeras’.

Fernando Trueba, Medalla de Oro de esta edición por su labor como productor, recogió, asimismo, el galardón al mejor film de animación –en la categoría en la que también compiten los documentales– por ‘Chico & Rita’, que ha codirigido junto a Tono Errando, con ilustraciones de Javier Mariscal.

Este premio Cinematográfico fue creado en 1996 por EGEDA, la entidad de Gestión de Derechos de los productores, presidida en la actualidad por Enrique Cerezo, para honrar la memoria de su primer presidente, José María Forqué. Para estos galardones, los productores que forman la entidad escogen la que consideran mejor película de entre todas las producidas cada año –el pasado 2011 se completaron 97 largometrajes– y el mejor film de animación o documental, mientras que los premios de interpretación son votados por críticos cinematográficos que preseleccionan a los tres finalistas en una primera criba, de la que un jurado anónimo señala a la mejor actriz y al mejor actor. La película ganadora recibe 30.000 euros, además de una estatuilla creada por el escultor Víctor Ochoa. 6.000 euros y trofeo se lleva la mejor documental o de animación y 4.000 euros y trofeo cada uno de los actores ganadores.

Vía | El País.

‘Cuenta atrás’ (‘À bout Portant’), el thriller francés de Fred Cavayé, con Gilles Lellouche, Elena Anaya, Roschdy Zem y Gerard Lanvin, llegará a nuestras pantallas el 20 de enero 2012.

Samuel ha sido acusado de un asesinato que no ha cometido y su esposa, embarazada, ha sido secuestrada. Este enfermero, que trabaja en un hospital, recibe una llamada de los secuestradores que le obligan a ayudar a escapar de su habitación a un herido que está internado con vigilancia policial. Samuel se ve envuelto en una carrera a contrarreloj para salvar a su familia y demostrar su inocencia. A partir de ese momento, empezará su particular cuenta atrás.

Fred Cavayé había dirigido ‘Cruzando el límite’ (‘Pour Elle’), título que posteriormente Paul Haggis adaptó en ‘Los próximos tres días’, con Russell Crowe y Elizabeth Banks.

Tras su estreno en Francia, ‘Cuenta atrás’ ha tenido gran éxito de público y crítica. Estos últimos le han dirigido frases como: “Una carrera a contrarreloj que deja sin aliento al espectador” (Le Parisien). “Un thriller romántico de pura adrenalina con la ayuda de un reparto carismático”. (Télé 7 Jours). “El montaje vivo, el ritmo hiperactivo y la dirección de actores de una precisión quirúrgica hacen desde ahora, este thriller, una referencia”. (Paris Match). “‘Cuenta atrás’ es la cinta de acción de la temporada”. (Elle).

Que se hable de montaje frenético y de ritmo vivo en un film francés nos suena ligeramente increíble, pues no es a lo que nos tiene acostumbrada la filmografía vecina que, incluso cuando se adentra en el thriller o el cine de acción, mantiene su tempo pausado y contemplativo. La han comparado con ‘Frenético‘ o ‘El Fugitivo’. Lo cierto es que el primer tráiler sí que da esa impresión de velocidad vertiginosa y despierta todas las ganas de ver la película, mientras que el siguiente muestra más los colores de lo que le achacamos al cine francés y genera mayores dudas. Con que ‘Cuenta atrás’ ofreciese la mitad de lo que aseguran las observaciones y comparaciones de la prensa, me conformaría.

Vía | A ContraCorrienteFilms.

Y lo cierto es que su trayectoria es cualquier cosa menos previsible, si hay algo que distinga a este cineasta de la gran mayoría de sus contemporáneos es que se trata de un hombre libre, capaz de producir todos y cada uno de sus proyectos con total ambición, pero, además, dotado de la verdadera libertad, más un espacio mental para seguir creando que una especie de condición mágica basada en reconocimiento crítico y grandes éxito de taquilla, aunque ambos no le han faltado en una trayectoria que no suele repetir la misma película. Y también debo decir que ‘Todo sobre mi madre’ (1998) supuso mi primera, temprana separación con un cineasta al que había admirado por sus iconoclastas películas de los ochenta. Aquél oscarizado melodrama supuso más que nada la confirmación de que estábamos ante un cineasta internacional, pero en el fondo algo decepcionante: su adaptación de los registros de Fassbender para todos los públicos tenían un interés más bien relativo.

¿Y qué pasó entonces? ‘Hable con ella’ (2002), una de las mejores películas españolas de la década pasada, una obra maestra compleja y llena de sutilezas cuyo alcance no ha sido valorado todavía, no tanto porque el cineasta goce de un desprestigio sino porque sus películas suelen admitir revisitaciones sin desvelar gran parte de sus misterios. Desde entonces ha sido Almodóvar un cineasta en constante de reinvención, capaz de reescribir su pasado más emblemático sin que parezca importarle ser más oscuro, formalmente más apabullante que nunca y arriesgándose a ser incomprendido, excepto con ‘Volver’, preciosa reescritura de cierto cine italiano nutrida del sensacionalismo televisivo de última hora y de fantasmas de su propia filmografía, como ése que encarna Carmen Maura.

En su última película, un misterioso cirujano (Antonio Banderas) mantiene encerrada en su habitación a una hermosa mujer (Elena Anaya) cuya piel perfecta y aspecto están sacados de su fallecida esposa. Con la complicidad de su ama de llaves (Marisa Paredes), la película explicará el laberinto en el que el cirujano, su mentalmente inestable hija (Blanca Suárez) y el hombre que casi la viola (Jan Cornet) están implicados. Uno se enfrenta a ‘La piel que habito’ en estado de absoluto desconcierto pues el momento más extravagante y camp, la visita de un tigre que resulta ser el hijo portugués del personaje que encarna Marisa Paredes, se torna en pesadillesco y bizarro momento de tragedia. Lo mismo ocurre con todos los personajes de Almodóvar: ninguno de ellos es simpático, ninguno de ellos es inocente, pero tampoco representan ideas maniqueas de pureza o pecado.

La película estimula ese laberinto de pasiones, por robar el título al manchego, en forma de rompecabezas narrativo, puntuado por los gloriosos interludios musicales de Concha Buika y su irresistible voz que abraza latin jazz y voz flamenco, con citas visuales a Powell y Hitchcock, con un tercer acto que generará división pero que puede entenderse como la mirada de Almodóvar sobre todos los géneros: el thriller y el relato gótico de científicos locos, teñidos para siempre por su sello insobornable, incluso puede esta película ser su versión oscura e imposible de ‘Átame’ (1990). Sus actuaciones, todas notables, van de lo sorprendente (un Banderas contenido e inexpresivo, pétreo) a lo directamente memorable (una Elena Anaya imposible de creer, dotando de matices a un personaje demasiado complicado).

Y el hecho de que encuentre un momento conmovedor tras un relato tan truculento y sangriento, lleno de giros y algún momento prescindible (la segunda visita de Eduard Fernández), desvela un talento fuera de lo común. Porque de lo que aquí se hable es de lo mismo que hablaba George Bataille en sus escritos sobre ‘Cumbres borrascosas’ en el estupendo La literatura y el mal: el amor (y el sexo) como abrazos constantes a la muerte, la renuncia a la individualidad para asumir nuestra condición limitada. Y todo ello con momentos visualmente apabullantes, desde ese suicidio al ritmo de canción de cuna portuguesa y visto a través del reflejo de la deformidad, hasta la mirada Anaya, cómplice con ele spectador, sobre lo que deseamos que, una vez vista la película, habla de un personaje cuya ruptura mental y tensión interna lo hacen vivir, literalmente, entre dos mundos.

Con reservas se muestra Beatriz Maldivia y Juan Luis Caviaro escribió a favor de la perversidad del cineasta.

Pues aquí está, y es… raro. Ya circula por la red el primer tráiler de ‘La piel que habito’, el nuevo trabajo de Pedro Almodóvar. La película, que según Almodóvar mezcla drama, terror, “noir” y ciencia-ficción, está basada en la novela ‘Tarántula’ (‘Mygale’) de Thierry Jonquet, y se centra en un cirujano plástico obsesionado con crear una nueva piel artificial que habría salvado la vida de su esposa; para lograr su objetivo, no dudará en cruzar todos los límites imaginables…

En el breve avance, de apenas 30 segundos, aparece ese hombre, al que da vida Antonio Banderas (que no trabajaba para Almodóvar desde ‘Átame’, en 1990), y su víctima, la mujer con la que experimenta, interpretada por Elena Anaya. No me ha gustado nada lo que he visto, ni la situación ni los actores ni el montaje, no se siente autenticidad en las imágenes, y el plano del final me ha parecido sacada de una parodia de Muchachada Nui. Pero bueno, es un teaser, no tiene que representar al film completo, o eso espero… ‘La piel que habito’ se presentará por todo lo alto en la 64ª edición del festival de Cannes, el próximo 19 de mayo, dentro de la sección oficial, dando la posibilidad al cineasta manchego de lograr su primera Palma de Oro; a partir del 2 de septiembre estará en los cines españoles. ¿Os interesa?

PD: Gracias a todos los lectores que nos han avisado.

Habitualmente, los conceptos de Festival de Cine y de películas entretenidas que puedan gustar al público y que la gente pueda ir a ver con ganas no casan en absoluto —hay numerosos festivales de cine fantástico y de terror, que mueven a hordas de aficionados, pero tampoco se trata de gustos mayoritarios—. Por eso, me congratula que exista La Mostra de Valencia, ya que se trata de un Festival dedicado al de Cine de Acción y Aventura y que incluye cosas como el homenaje a Juan Piquer Simón o la presentación de la última obra del director finlandés Renny Harlin, el drama antibelicista ‘5 Days Of August’.

Con Daryl Hannah como invitada especial, la Mostra ha proyectado retrospectivas de Enrique Urbizo o Giuliano Montaldo (‘Sacco e Vanzetti’) y ha incluido un ciclo de films de James Bond, así como varias otras secciones más. Entre los acontecimientos paralelos se ha celebrado la II Mostra de Cómic. En suma, da la impresión de que ha sido un festival divertido y original.

En esta 32ª edición, la Palmera de Oro ha recaído en ‘King of Devil’s Island’ (‘Kongen av Bastøy’, 2010), del noruego Marius Holst, que ha cosechado un gran éxito en Escandinavia y que cuenta que un grupo de jóvenes vive bajo el despótico mando de un superintendente y sus guardias en una isla a principios del siglo XX. Está protagonizada por Stellan Skarsgard y basada en hechos reales. Aún no tiene fecha de estreno prevista para ningún otro país, a ver si con este premio se animan a traerla pronto por España.

El premio de la crítica, de la sección oficial de Acción y Aventura, ha sido para ‘Tropa de élite 2’, de José Padilha, segunda parte de la película que consiguió el Oso de Oro en el Festival de Berlín 2008. La película más taquillera en la historia del cine brasileño. Narra el enfrentamiento de Nascimiento con las milicias, un nuevo problema que ha plagado Río de Janeiro.

‘Pequeñas mentiras sin importancia’ (‘Les petits mouchoirs’, 2011), de Guillaume Canet, que se estrenará en España el 27 de mayo y que lleva tres semanas de éxito en Francia ha obtenido el premio del público en la sección Panorama Mediterráneo. Se trata de una película coral en la que participan los mejores talentos del cine francés, en la que un grupo de amigos, que tiene la costumbre de reunirse en sus vacaciones de verano, deciden no romper esta tradición, a pesar que uno de ellos sufre un accidente en París unos días antes de partir. Ya en la playa, sus contradicciones afloran y su amistad se pone a prueba. Juntos se verán obligados a convivir con esas pequeñas mentiras sin importancia que se dicen cada día.

Y el premio de la Crítica ha recaído en ‘Angèle et Tony’, de Alix Delaporte (Francia). Angèle es una mujer joven que ha perdido el rumbo. Acaba de salir de la cárcel en Normandia tras una reducción de condena impuesta por su responsabilidad en un accidente que le costó la vida a su marido y que, además, le impide hacerse cargo de su hijo, que ahora vive con sus abuelos paternos.

Otra de las películas que se presentaban en la sección oficial de Acción y Aventura era ‘Á bout portant’ (en inglés conocida como ‘Point Blank’), que está protagonizada por Elena Anaya, entre otros, y dirigida por Fred Cavayé. Anaya presentó la película en el festival y manifestó que había quedado contenta con su interpretación, pues era muy expresiva, a pesar de contar con poco diálogo.

Vía | Página oficial de la Mostra.

Habíamos hablado ya de ‘La piel que habito’, proyecto de Pedro Almodóvar inspirado en el libro ‘Tarántula’ (‘Mygale’), del francés Thierry Jonquet. Cuatro años después, este verano, comenzará el rodaje para que, por fin, se convierta en realidad esta idea que Almodóvar declaraba que le había atrapado como ninguna otra. El film contará la historia de un cirujano plástico que se venga del hombre que violó a su hija.

En la pasada edición del Festival de Cannes, se comunicó que sería Antonio Banderas quien protagonizase este film, lo cual supondría el reencuentro con uno de sus descubridores, con quien no había trabajado desde ‘Átame’ (1990).

Ha habido malas lenguas que han considerado que se trata de un movimiento oportunista por parte de Almodóvar. Mi opinión es que, muy al contrario, él, más que nadie, tiene derecho de contar con el malagueño, no sólo por ser quien lo dio a conocer de forma definitiva, sino también porque ha sido casi el único que ha sabido dirigirlo. Por otro lado, habría que cuestionar eso de que el director se aprovecha de la fama del actor, pues fuera de nuestras fronteras sería discutible cuál de los dos es más célebre y, si hablamos de prestigio, la duda desaparece por completo.

Se comenta que el cineasta plantea acercarse con este proyecto al cine de terror, género que hasta ahora nunca ha tocado. Pero, supongo que esto hay que matizarlo porque me imagino que se tratará, más que nada, de un psychothriller. Al director se le da bien profundizar en las mentes de sus personajes y reflejar el terror que pueda suponer la influencia de otros en nuestras vidas, pero no lo veo incluyendo elementos sobrenaturales o sanguinarios.

Si leemos más en profundidad las declaraciones al respecto, veremos que probablemente sea algo psicológico: «será una película de horror sin gritos». En su día, la descripción que hacía el manchego sobre ‘La piel que habito’ no mencionaba el terror, aunque sí la maldad: «Es un historia durísima, de venganza, con chicos y chicas, con situaciones incómodas y un personaje muy diabólico que me está costando ponerme en su piel, nada que ver con ‘Volver’ ni con mi vida».

Hace cuatro años se hablaba de Penélope Cruz para el reparto, pero en la actualidad se dice que el director no podrá volver a contar con ella. Actualización del 10 de junio: será finalmente Elena Anaya quien interprete este papel.

Vía | Generación.

Siempre he considerado a Julio Medem uno de los mejores realizadores españoles de los últimos años. Películas como ‘La ardilla roja’ (1993) o ‘Los amantes del círculo polar’ (1998) —para el que esto firma, su mejor trabajo hasta la fecha— poseen excelentes cualidades, apartadas del cine coetáneo, que llegan para considerar a Medem uno de nuestros cineastas más arriesgados e inteligentes. Historias sobre relaciones humanas haciendo hincapié en los personajes femeninos por las que no ha pasado el tiempo —la gran prueba a la que siempre se somete el cine—, pero que nos revelan a un Medem muy distinto del que ahora nos llega, y si esto tiene que ver con la evolución que todo artista sufre a lo largo de su obra, podemos decir que es una evolución hacia abajo.

Todo cambió a partir de ‘La pelota vasca’ por la que le llovieron malas críticas —por decirlo suavemente— de todos lados. No estoy de acuerdo en considerar ese film como una reaccionaria apología del nazismo, tal y como la considera alegremente mi compañero Adrián Massanet, pero sí es cierto que Medem nunca estuvo tan en boca de todo el mundo como entonces. A partir de ahí algo cambia en él como cineasta, y sus dos siguientes películas parecen más bien un berrinche convertido en postureo de artista cool, de esos que admiran los gafapastas de la más diversa índole, como los que llenaban la función a la que asistí y que observaban la pantalla como si de algo trascendental se tratase. Ellos me divirtieron más que Medem.

Y es que uno de los problemas de Medem no es su obra en sí, de la que considero que tiene más películas buenas que malas, sino su público el cual se traga todo de buen grado defendiéndolo a capa y espada, sobre todo cuando hay que atacar al infravalorado cine comercial americano. Después de ese bodrio insultante que es ‘Caótica Ana’, Medem podría haberse tirado un pedo —que sería mucho menos molesto que dicho film— que los incondicionales de su cine empañarían las gafas embriagados por tal sublime demostración de arte. Lo cierto es que ‘Habitación en Roma’ no llega a los ínfimos niveles de su anterior film, pero en ella Medem vuelve a perderse intentando retratar el mundo de la mujer a través de un encuentro entre una española y una rusa en Roma durante toda una noche.

Con ecos de ‘Tú y yo’ (‘An Affair to Remenber’, Leo McCarey, 1957) —la obra maestra de los encuentros fortuitos amorosos— y más recientemente de ‘Antes del amanecer’ (‘Before Sunrise’, Richard Linklater, 1995) y su secuela, ‘Habitación en Roma’ narra las vivencias de dos mujeres completamente distintas en Roma la noche anterior a que ambas vuelvan a sus respectivos países. El paralelismo con las películas mencionadas corresponde sólo al hecho de que dos personas con sus propias vidas se encuentran en el momento adecuado, y durante un breve espacio de tiempo, se entienden mejor que nadie en el mundo. Medem luego toma otros derroteros, si cabe menos precisos, queriendo abarcar muchas cosas y terminando por sucumbir al vacío estético que viste toda la película en la que los pocos apuntes interesantes que posee están totalmente desaprovechados.

Que la sinceridad que une a ambas mujeres empiece a surgir de las mentiras que ambas se cuentan es una de esas ideas con posibilidades, pero que se diluye cuando de repente deciden contarse la verdad sin que haya un motivo para ello. A partir de ese momento, y cuando ya estamos algo aburridos de ver la habitación donde transcurre toda la acción y los dichosos cuadros históricos que se enfrentan de una pared a otra, cada personaje va dibujándose a través de su propia historia. En ambas hay una tragedia que ha marcado sus existencias, y parece que el contarlas a un completo desconocido las libera de alguna forma. Y digo parece porque Medem no se moja en absoluto en ello, sólo pasa por encima. Parece más preocupado en filmar dos cuerpos femeninos bonitos —sobre todo el de Elena Anaya— encontrándose en una noche más pasional que otra cosa.

Al respecto de las escenas sexuales de la película, decir que ‘Habitación en Roma’ es más light de lo que nos quieren hacer creer. El film ha sido vendido como una historia de fuerte carga sexual en el que veríamos a dos mujeres imponentes sobre una cama haciendo todo tipo de cosas, lo cual sin duda moverá a mucha gente a los cines. No estamos ante una película simplemente erótica, Medem intenta ofrecer algo más, precisamente en lo que fracasa, y al final la película da menos de lo que ofrece en todos los aspectos. Ni drama, ni sexo, ni nada. Todo parece hecho para elevar la figura de la mujer a las alturas y dejar al hombre a la altura del betún, tal y como se deduce de los pocos hombres retratados en el relato, algunos visibles como el botones del hotel, y otros en off, como de los que hablan las mujeres de Medem.

Elena Anaya y Natasha Yarovenko ponen toda la carne en el asador, nunca mejo dicho, sobre todo la primera que parece entender mucho mejor que Medem a su personaje. Una pena que ambas estén a disposición de un guión más bien flojo y tengan que pasar por momentos tan bochornosos como el del cuarto de baño, en el que las alegorías sobre la flecha de Cupido y el dolor que dicha flecha produce no son más que salidas de tono por no decir que estamos ante uno de los peores momentos de todo el cine reciente. Falsa poesía que parte de una de las más grandes obviedades de la historia de la humanidad: que el amor puede hacer daño. No te jode con el Medem, qué listo el tío.

Los gafapastas salían como si hubieran tenido un orgasmo. Intelectual, claro.

Uno de los estrenos más importantes del próximo viernes en España es ‘Hierro’, la ópera prima del español Gabe Ibáñez. La película, que podríamos englobar dentro de lo que se suele llamar el thriller psicológico, se proyectó en los festivales de Cannes y de Sitges, donde su protagonista, Elena Anaya, se llevó el premio a la mejor actriz (ex-aequo, junto a Kim Ok-vin, por la fantástica ‘Thirst’).

Desde luego, la presencia de Anaya es de lo poco rescatable de ‘Hierro’, que ya os conté en su momento que me pareció muy aburrida, una de las peores películas que vi en el festival catalán. La atmósfera está muy cuidada, ciertamente, y el argumento es interesante, pero todo resulta finalmente demasiado repetitivo, hay muchas escenas que rozan el ridículo y el resto del reparto tampoco es capaz de complementar adecuadamente a Anaya. En pocas palabras, y para que os hagáis una idea aproximada de lo que os podréis encontrar: es como una versión más simple (y menos entretenida) de ‘El orfanato’.

Aprovechando que próximamente estará en nuestras carteleras, os dejo la siguiente entrevista con el director y la actriz (muy menuda, todo ojos), realizada el pasado mes de octubre en Sitges. No hay spoilers, podéis leerla sin problemas.

• ¿Qué referencias cinematográficas habéis usado en la película? Parece que hay algo de Hitchcock…

Gabe Ibáñez: Trabajamos con muchas referencias, miles, pero no cinematográficas. Hitchcock no estaba entre ellas, aunque entiendo que es algo inevitable pensar en él, por la trama. Nosotros trabajamos con un libro de estilo, porque era muy importante que todos entendieran cómo iba a ser la película. Básicamente eran referencias de fotografía. No directamente cinematográficas. Eran fotografías capaces de capturar la atmósfera. Me interesaba eso, porque si funcionan, luego en la película puedes incorporar además el sonido y la música.

• Las localizaciones debieron ser muy importantes para crear la historia.

G.I.: Sí, de hecho, empezamos a escribir el guión después de encontrar las localizaciones. Hicimos un poco el trabajo al revés. Evidentemente, partimos de una idea argumental, pero fuimos buscando un lugar adecuado para la atmósfera. Sacamos muchas fotos y luego volvimos a la ciudad para escribir el guión.

* La música también es muy importante en la película, para crear la tensión y el suspense…

G.I.: Es que hay muy poco diálogo. Tiene una tercera o una cuarta parte de lo que suele ser una película estándar. Evidentemente eso no es fortuito, y eso hay que rellenarlo de alguna manera. Además, tiene que ser una música que funcione de forma muy significativa, no que sea como un colchón que está debajo, tiene que estar arriba, porque tiene que ayudar a transmitir la situación psicológica al espectador. La música, el sonido, lo abstracto, es lo más interesante, porque Elena está todo el rato sola en la pantalla, y el único personaje que la acompaña es la atmósfera. Para construirla es fundamental la música.

• Recuerda a veces a Philip Glass.

G.I.: Sí. Es una de las referencias que usamos. De hecho, en la versión que estrenamos en Cannes había una pieza musical que era totalmente Philip Glass. Pero al final decidimos quitarla. Eso y un par de escenas, que tampoco eran muy relevantes. Es que llegamos a lo justo a Cannes, todavía con cosas por terminar.

• Hay un toque clásico en tu película, ¿fue a propósito?

G.I.: Desde luego. Desde la atmósfera a los símbolos, como los pájaros o el agua. Queríamos usar elementos clásicos, que quizá están en desuso hoy día, pero que para nuestra historia nos parecían esenciales.

• ¿Cómo entra Elena Anaya en el proyecto?

Elena Anaya: Bueno, me llegó el guión de manos de Gabe, y me interesó, pero más que por la historia, por la manera en que Gabe la iba a contar. Me parecía que sería muy fresco para mí, muy nuevo, un reto enorme, un personaje muy difícil. Sobre todo, me apetecía mucho trabajar con él, que no lo conocía en nada. La primera charla fue de cinco minutos, la siguiente ya fue de horas. Y cuánto más me hablaba del proyecto, más ensayábamos, y más me contaba él detalles de la película, más me implicaba… Es algo que echo mucho en falta cuando me presentan proyectos. La dedicación, la entrega, la delicadeza de un director para poner en tus manos lo que quiere contar. Porque por supuesto, yo estoy a sus órdenes, pero también debería hacer un ejercicio de generosidad por su parte y comunicarse. Es que de verdad, a veces hay que perseguir a los directores para que te cuenten algo, para que te den información, tienes casi que amenazarles con algo. Por qué te quieren, por qué te han llamado, y qué quieren que hagas. Con él me pasó todo lo contrario. De entrada me pasó un montón de material, y a contarme con imágenes lo que quería en la película…

G.I.: De hecho, te puse deberes.

E.A.: Sí, me pusiste un montón deberes [risas]. Hacer fotos, buscar la extrañeza en las fotos…

G.I.: En este tipo de películas, la actuación es complicada. Porque todo depende de la atmósfera, y eso es algo que se añade luego, no está en el momento de rodar, el actor no la ve. Así que con ella lo que quise hacer fue que entendiera cómo iba a ser la película, qué colores íbamos a usar, qué elementos estarían ahí con ella, para que supiera cómo reaccionar. Al final, sabía de la película tanto como el director de fotografía o como yo, lo que es guay porque tiene un aliado más.

• ¿Te inspiraste en algún personaje para construir a María?

E.A.: No, yo normalmente no me suelo inspirar en nadie. De hecho, cada personaje lo creo desde lugares distintos. Me encantaría tener una técnica exacta para fijarme en un personaje e inspirarme en él para crear otro, pero no… Es decir, siempre hay alguien a quien puedes recurrir para empezar a componer una actitud, pero no para crear un personaje entero. No conozco a nadie como María, y la verdad es que me alegro que sea así... [risas]. Mira que la quiero, a María, pero no… Gabe me dio algunas referencias, me dejó un libro, que es totalmente maravilloso, durísimo. Me lo llevé para leer en mis vacaciones, y quedaron totalmente ensuciadas por este drama tremendo que le ocurre al personaje… Se llama ‘El año del pensamiento mágico’. Es la historia de una mujer que pierde a su marido y su vida cambia por completo en un segundo. La manera que tiene la mujer de contar su estado anímico, me sirvió mucho para mi personaje, para ponerle palabras a algo que es tan difícil de expresar.

G.I.: Yo creo que es bueno que cuando trabajas en un medio, utilices referencias de otros medios. Es decir, que si trabajas en cine, no utilices referencias del propio cine. Nosotros nos fijamos mucho en fotografía y en literatura. Libros de Jim Thompson, en los que hay un deterioro del personaje, en el que descubres que el protagonista es un loco o un asesino. Creo que es más interesante hacer esto, que mirar en el cine. Hemos visto muchas películas, las tenemos en la cabeza, pero es mejor evitarlo.

• Elena, ¿puedes contarnos algo de tu participación en ‘Van Helsing’?

E.A.: A mí me gusta meterme mucho en el personaje, vivir lo que le ocurre. Me acuerdo que un día estábamos en el set, yo llorando de forma desconsolada… y mis compañeras de reparto, las otras vampiras, me miraron extrañadas y me preguntaron: ¿pero qué te pasa? Y yo les respondí: ¡¿Qué me pasa?! ¡Qué se me han muerto mil quinientos hijos! [risas]. Yo ahí llorando como loca, con las lentillas que se me caían, y ellas tan tranquilas, esperando a rodar la escena. Para mi personaje era un momento muy duro, había perdido a todos sus hijos, quería transmitirlo.

El (absurdo) remake de ‘Teniente corrupto’ es uno de los estrenos de la semana. Aquí os dejo con unas declaraciones de su protagonista, el inigualable Nicolas Cage:

A mí me encantan todos los animales, especialmente los peces, los pájaros, los reptiles y los insectos. Mi dieta se basa en la dignidad que tienen los animales cuando practican sexo. Los pájaros y los peces tienen una forma de copular muy digna. Los cerdos no, así que no como cerdo.

Otro de los estrenos del pasado viernes es la comedia ‘¿Qué fue de los Morgan?’, con Hugh Grant. Cuando le preguntan al actor, sutilmente, si va a seguir haciendo siempre lo mismo, responde:

Hacer comedias es mucho más difícil y exigente que hacer dramas.

Ruben Fleischer, el director de ‘Bienvenidos a Zombieland’, también defiende la comedia, pero desde otro punto de vista:

La risa debe ser liberadora. Pasamos por momentos muy duros y debemos ayudar a la gente a superarlos. Esa es la misión básica del cine.

A Natalie Portman la vienen acosando desde que filmó ‘Leon: el profesional’, siendo una adolescente. Dice que no quiere rodar una escena de sexo para no aparecer en Internet, y tiene claro quién es su ídolo:

Miras a Meryl Streep, que es un fenómeno, monstruosamente hermosa y, en cierto modo, es muy extraño que nunca fuera un símbolo sexual. Pero siempre fue ella y ahora no importa que esté envejeciendo porque sólo queremos seguir viéndola como una persona interesante. Por el contrario ves actrices que comercializan sus cuerpos y que podrían ser buenas, pero con el tiempo lo pierden, porque ese tipo de cosas no duran.

La española Elena Anaya, sin embargo, no está nada de acuerdo con Portman. Sobre su último trabajo, ‘Habitación en Roma’, de Julio Médem, ha dicho esto:

Estar desnuda durante casi toda la película es complicado. Al final, quitarse las bragas es siempre quitarse las bragas, y una actriz no posa, se entrega a lo que hace y ya está. Al final, lo importante es cuidarte a ti misma, ser coherente contigo y con tu desnudo. A lo mejor a tu lado está una actriz más potente, pero tú eres así, con tus pelos y tu tamaño.

‘Capitalismo: Una historia de amor’ es otra de las novedades cinematográficas del pasado viernes. Su director, Michael Moore, nos habla de mezclar cine y política:

Los directores de cine que ponen el mensaje político primero por lo general terminan haciendo películas muy aburridas que no contribuyen a la causa. Yo quiero llegarle a la gente como director de cine. Si quisiera hacerlo como político, me presentaría en las elecciones.

Ya queda menos para que podamos ver en España lo nuevo de Clint Eastwood, ‘Invictus’. Aquí os dejo una de sus declaraciones sobre cómo plantearon la historia, verdadera, que protagonizó Nelson Mandela (Morgan Freeman):

El hecho de que fuera un poco mujeriego, bueno, damos una pequeña pincelada de eso, y mostramos un poco que tenía problemas con su familia, terreno en el que no tuvo mucho éxito, pero todo el tiempo nos atenemos a lo importante, que fue un gran presidente. Podía haber existido la tentación de elaborar un gran documento histórico que durase horas, muchas horas, pero ésta, ésta es una gran historia.

‘Un tipo serio’ es lo nuevo de los hermanos Coen, y también se estrenó este fin de semana. Sobre su ritmo de trabajo, Ethan Coen nos aclara lo siguiente:

Eso de que somos una máquina de trabajar es una falsa impresión. La realidad es que somos bastante vagos. Es cierto que en los últimos tres años hemos estrenado un filme para más o menos la misma fecha, pero la verdad es que previamente nos habíamos tomado dos años sin filmar en los que nos dedicamos a escribir guiones. Eso explica la velocidad con la que hemos estado trabajando últimamente.

Michael J. Bassett parece muy contento con su (lamentable) versión cinematográfica de ‘Solomon Kane’. Aquí nos desvela en quién se fijó:

He querido hacer lo mismo que Christopher Nolan con Batman, algo muy realista. Se podría decir que Solomon Kane es el primer caballero oscuro de la Historia.

Sharon Stone quiere volver a actuar y, dentro de lo posible, ser la de antes. En una reciente entrevista habló sobre errores y soluciones:

Cuando estaba casada con Phil [Bronstein], me obliga a hacer películas en la costa Oeste para que de este modo no viajara lejos de casa. Destruí mi carrera por mi matrimonio; por eso considero que casarme ha sido lo peor que he hecho en mi vida. Nunca debe perderse el respeto en una pareja, pero en aquellos años yo funcionaba por desesperación. [...] He descubierto que el verdadero amor es calma, paz, paciencia y amabilidad. También es cierto que una mujer necesita el sexo, porque que una cincuentona tenga deseos es algo maravilloso. Además, para que una pareja permanezca felizmente unida tienen que ser buenos amantes.

PD: Si ya habéis visto ‘Teniente corrupto’ (2010) y os preguntáis de dónde han salido tantas chorradas, como la escena de la iguana o el alma que baila breakdance, Werner Herzog os da la respuesta: “Todo eso me lo inventé sobre la marcha, ni siquiera estaba en el guión“.

Vía | Lavanguardia, Elperiódico, Telecinco, Larazón, Público, Elpaís, Elmundo

Sitges ya tiene a sus ganadores. El palmarés de la 42ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña, siempre polémico, se dio a conocer este mediodía, tras la rueda de prensa con Viggo Mortensen y John Hillcoat, protagonista y director de ‘The Road’, la película que clausura Sitges 2009.

Recién estrenada en salas comerciales, ‘Moon’, el debut de Duncan Jones, ha sido elegida como la mejor película del Festival, y Sam Rockwell, el protagonista, ha sido nombrado el mejor actor, algo que es total y absolutamente justo; el guión y el diseño de producción también han sido premiados. Como os he ido comentando, ‘Moon’ no es la mejor película he visto en Sitges, pero sí es una de las cuatro o cinco mejores, muy inteligente y una gozada para los fans de la ciencia ficción, así que no me parece del todo mal el premio; mi favorita en todo caso era ‘Thirst’.

Precisamente, lo nuevo de Park Chan-wook no se ha ido de vacío, algo que hubiera sido muy injusto. Kim Ok-vin ha sido elegida mejor actriz, “ex-aequo” con Elena Anaya, por su trabajo en ‘Hierro’. Esto sí que resulta un tanto fuerte de asimilar, porque mientras que la primera realiza una interpretación asombrosa, la segunda se limita a hacer un papel de lo más corriente, algo así como lo que hizo Belén Rueda en ‘El orfanato’, pero peor, y desde luego, dentro de una película muy inferior.

Pero el escándalo está en otro premio. El de mejor director. El jurado de Sitges ha decidido otorgárselo a Brillante Mendoza, por su mareante y vacía ‘Kinatay’. Esto supone que el filipino repite el galardón que ya le dieron antes en el Festival de Cannes. Sé que no soy el único que opina que esto ha sido un completo error, pero desgraciadamente no podemos saber las razones exactas de por qué ha ocurrido. En cualquier caso, Sitges no es Cannes, ni debería querer ser Cannes. En fin, el ridículo se redondea con el premio a la mejor banda sonora, que también va para esta cosa soporífera que ha filmado Mendoza. Increíble.

Por otro lado, el premio del público ha sido para ‘Zombieland’, la comedia de Ruben Fleischer. Como dije en un comentario reciente, la película en general es muy divertida y recomendable. Claro, siempre y cuando toleres la presencia de muertos vivientes en una historia; quiero decir, no busques un drama con grandes interpretaciones o una temática realista, porque esto va de matar zombies y que te rías con las bromas de unos personajes que nunca existirían fuera de la pantalla (es bastante inverosímil el cuarteto que se forma en la película, aunque en realidad da lo mismo). A partir de la mitad baja mucho el ritmo, pero aun así merece la pena verla.

Otros premios destacables se los han llevado ‘Summer Wars’, a la mejor película de animación, ‘Splice’, a los mejores efectos especiales, y ‘Enter the Void’, a la mejor fotografía y también premio especial del jurado; ‘The Boy Who Wouldn´t Kill’ se lleva una mención especial (no sé qué significa esto) y ‘One Of Those Days’ ha sido elegido el mejor cortometraje. Excepto ‘Splice’, no he visto ninguno de estos cuatro títulos señalados, así que no puedo opinar si se ha acertado o no con esos premios. ¿Alguno de vosotros puede aportar un poco más de luz?

PD: A las ocho de la mañana pude ver ‘The Road’, una de las mejores películas que he visto en el Festival. Es muy fiel al libro, pero la historia me parece mejor narrada en la pantalla.

Vía | Web oficial de Sitges 09