El año pasado os informé sobre el rodaje de un drama criminal titulado ‘Catch .44’, con un interesante reparto pero un director en principio poco fiable. Ya tenemos el tráiler para poder hacernos una idea sobre qué podemos esperar de la película, y lo cierto es que a mí me ha dejado intrigado. Me atraen este tipo de historias y, por lo que se intuye en el avance, parece que tanto el guion como los actores funcionan, da la sensación de que al menos la película resultará entretenida. Espero no equivocarme… ¿Qué os parece a vosotros?

Aaron Harvey ha escrito y dirigido ‘Catch .44’, su segundo largometraje. La historia gira en torno a tres chicas que creen tener entre manos un sencillo y lucrativo trabajo gracias al cual podrán dar un giro a sus miserables vidas y empezar de nuevo. El plan es robar un cargamento de droga en el momento de hacerse la entrega, en un tranquilo restaurante de carretera, pero no todos son quienes dicen ser, comienzan a surgir imprevistos y a llover balas… Forest Whitaker, Malin Akerman, Bruce Willis (con un aspecto poco habitual, desmejorado), Nikki Reed, Deborah Ann Woll, Michael Rosenbaum, Shea Whigham, Reila Aphrodite y Brad Dourif protagonizan la película, que se estrena en Estados Unidos el próximo 9 de diciembre. Solo 11 días antes de que se ponga a la venta en DVD y Blu-ray. Extraña jugada.

PD: El tráiler de ‘The Evil Woods’ (2007), ópera prima de Harvey perpetrada con 10.000 dólares:

Vía | Respuestas

Como estamos pendientes del resultado de las nominaciones a un actor que interpreta a un rey que desarrolla una férrea amistad con un civil, puede ser buen momento de comentar la película ‘El último rey de Escocia’ (‘Last King of Scotland’, 2007) que le sirvió para ganar el Oscar y numerosos galardones más a uno de sus intérpretes: Forest Whitaker, y que también cuenta la historia de una amistad peculiar entre un gobernante y un ciudadano. Bueno, ¿para qué ocultarlo?, surge el momento porque tuve la oportunidad de verla cuando la pusieron anoche en TVE2.

La película está dirigida por Kevin Macdonald. El guion, de Peter Morgan y Jeremy Brock, se parte de la novela homónima de Giles Foden, quien se inventa al personaje ficticio del doctor escocés, Nicholas Garrigan (James McAvoy), para introducir unos ojos en el palacio presidencial, con los que observar de cerca al dictador. Para ello se basa en Bob Astles, un soldado que llegó a consejero de Amin. Éste, además de otorgarse otros títulos rocambolescos, se autoproclamó Rey de Escocia, ya que pensaba que estaba en posición de liberar a esta nación del dominio inglés.

Por supuesto, la interpretación de Forest Whitaker es brutal, como lo ha sido en todas sus encarnaciones. No solo hay un parecido físico que le ayuda, sino que los brotes psicóticos y los arranques de histeria están clavados de forma que producen terror, así como las bromas y la simpatía al principio nos lo acercan tanto que posteriormente cuestionamos lo que hemos sentido. Pero no creo que sea lo único valioso del film.

Resulta especialmente apreciable el uso que se hace del efecto bola de nieve y del punto de no retorno, recurso que encuentra aquí uno de sus más claros ejemplos. El personaje de McAvoy va cayendo dentro del agujero de forma inconsciente e impulsiva, sin darse cuenta del auténtico peligro. Cuando por fin se hace evidente la situación, es demasiado tarde para echarse atrás.

Idealista y activo, pero demasiado joven e impresionable, este doctor cae en la seducción de Amin. No solo se deja comprar con cochazos y una vida de lujos, sino que realmente siente una cierta atracción hacia la figura del presidente. Lo que podría aparentar ser un lento inicio del film es el inteligente estudio psicológico de este proceso de conquista, imprescindible para que se extienda lo que llega más adelante.

Al mismo tiempo, sin que sea el auténtico protagonista, se hace un retrato tan certero de Idi Amin, tan humanizado, que casi es posible comprender sus decisiones. Se transmite la sensación de que cualquier persona, hasta la más cuerda o bondadosa, en la situación de gobernar un país con más poderes de los que otorga la democracia, se vería obligada cometer actos de la índole de los que comete este dictador. Por supuesto, en este caso también se deja claro que se trataba de un chalado que actuaba por capricho y no se justifica ninguno de sus actos, pero la penetración psicológica es tan honda que se llega mucho más allá de la mera constatación maniquea de la locura de un jerarca absolutista. Podría pensarse que un retrato tan profundo es mérito únicamente del actor, pero hasta el mejor intérprete necesita una buena base de guion para llegar hasta algo como esto.

Es interesante, asimismo, la progresión en la presentación de su crueldad, es decir, en la imagen que se ofrece al espectador del comportamiento del dictador. Al igual que el personaje de McAvoy —quien encarna al verdadero protagonista porque es su punto de vista el que se toma— va aprendiendo cosas sobre la forma de ser de este hombre, lo aprende quien ve la película. El cambio, de un extremo al otro, se ofrece con progresión y credibilidad. Si se conocen desde el inicio los hechos históricos, se echará por tierra este efecto de sorpresa que puede ser uno de los mayores alicientes de ‘El último rey de Escocia’.

Desde la distancia y el conocimiento de los sucesos, es fácil tachar de ingenua la aproximación de Garrigan. Pero esta candidez inicial no es exclusiva suya, ya que su percepción de Amin es la misma que tienen los ugandeses y la opinión internacional, cuando parece un gobernador generoso y preocupado por sus ciudadanos. El personaje del doctor funciona, de esta forma, como una representación de esta opinión pública que tardó mucho en darse cuenta de la verdadera naturaleza del jefe de estado y, por lo tanto, se convierte en mucho más que un mero personaje. Esta historia de amor-odio no se produce entre el médico y el presidente, sino entre el pueblo y su gobernador.

Dentro de lo que son los biopics y las películas históricas, que suelen resultar aburridos porque están cortados por el mismo patrón, éste destaca bastante. Las peculiaridades del personaje real en el que se basa —de quien se sospechaba que cometía canibalismo, además de las atrocidades que ejecutó como dictador— se prestaba para un interesante retrato.

Gillian Anderson, Simon McBurney y Kerry Washington completan el elenco con buenas interpretaciones para personajes de poca envergadura y que se introducen para servir claros propósitos de guion. McBurney cuenta con un interesante personaje que podría haber tenido un mayor peso en la historia, si ésta hubiese estado enfocada más hacia lo político que hacia lo personal.

Macdonald —‘La sombra del poder’ (‘State of Play’, 2009)— refleja con cámara en mano los convulsos hechos de una época no menos agitada. La dictadura de Amin duró desde 1971 hasta 1979 y el director homenajea el cine de aquellos años con efectos de montaje y otras recreaciones en lo que a la estética se refiere.

Mi puntuación:

Otras críticas en Blogdecine:

• ‘El Último Rey de Escocia’, un inmenso Whitaker sostiene una floja película, por Juan Luis Caviaro.

• ‘El Último Rey de Escocia’, inmenso Forest Whitaker, por Alberto Abuín.

De todas las películas sobre jazzmen que he visto, y probablemente las haya visto todas, ‘Bird’, de Clint Eastwood, me parece la más digna

Esta frase pertenece a Woody Allen, consumado cineasta que tiene la música jazz entre sus grandes pasiones. Aunque los gustos personales del director de ‘Manhattan’ tiran hacia el jazz más clásico, y Charlie Parker supuso toda una revolución dentro del género —fue el principal impulsor del bebop al lado de gente como Dizzy Gillespie—, es conveniente tener en cuenta la opinión de alguien como Allen, frente a la de otros cineastas como Spike Lee que sentenciaron que un film como éste sólo podía haberlo hecho un negro. Creo que la percepción de Allen es poco entusiasta, algo habitual en él, y la de Lee responde más a sus diferencias personales con el señor Eastwood, que da la sensación de que son por algo más que una mera diferencia cromática.

Clint Eastwood siempre estuvo interesado en filmar una película sobre Parker, a quien tuvo la suerte de ver actuar cuando aún no era una estrella. Formaba parte de una banda allá por 1946 y un joven Eastwood de 16 años se quedó completamente prendado de la forma de Parker de tocar el saxofón. Desde aquel instante, el futuro realizador y actor, se preocupó de seguirle la pista al que se convertiría en uno de los genios más importantes del siglo XX. Si Parker ocupa un lugar de honor en la historia de la música, Eastwood le hizo el mejor homenaje posible con ‘Bird’ (id, 1988), con el que se aparta totalmente del típico biopic, yendo mucho más allá de lo que cualquier cineasta haya llegado jamás.

El proyecto de la película esta en principio en manos de la productora Columbia, donde había intención de filmarla a finales de los años 70 con Richard Pryor de protagonista. Eastwood entró en conversaciones con los dueños de los derechos para convencerles de que le cedieran el proyecto; al final se hizo realizando uno de esos típicos intercambios en los que las dos partes pueden salir ganando. Eastwood cedió los derechos de un proyecto que estaba destinado a ser dirigido por él: ‘Revenge’, film que terminó haciéndose en 1990 con Kevin Costner, Madeleine Stowe y Anthony Quinn, siendo dirigida por Tony Scott. No me imagino, porque me da un miedo atroz imaginar cosas, ‘Bird’ protagonizada por un actor como Pryor. La interpretación de Forest Whitaker eclipsa toda posibilidad de imaginarse a otro actor dando vida a Parker.

Whitaker fue precisamente una de las apuestas personales de Eastwood, que no quería grandes nombres de estrellas para el reparto de su película, sino caras desconocidas por el gran público, algo que puede verse como un riesgo enorme de cara a la comercialidad del film. Evidentemente en la Warner quisieron cubrirse las espaldas y a cambio de ‘Bird’ Eastwood tuvo que ponerse por quinta vez en la piel de Harry Callahan —junto con la presente las dos películas que Eastwood filmó en su etapa de alcalde de Carmel—, film que se estrenó comercialmente antes que ‘Bird’, y protagonizar también ‘El cadillac rosa’ (‘Pink Cadillac’, Buddy Van Horn, 1989), un film que se pensaba sería un éxito. Una vez más Eastwood intercalaba proyectos alimenticios con personales. Los primeros le proporcionaban estabilidad económica y los segundos representaban las verdaderas inquietudes del cineasta californiano.

Una declaración de amor al jazz

Decíamos antes que ‘Bird’ se apartaba del típico biopic y así es. Su intrincada estructura narrativa adentra al público en el mismísimo mundo del jazz. La película, que empieza con una cita de Scott Fitzgerald —“no hay segundos actos en las vidas americanas“—, y concluye con una dedicatoria del propio director —“a todos los músicos del mundo“—, es una demostración más de que Eastwood intenta siempre ir a contracorriente. Su estilo neoclásico da paso aquí al que probablemente sea el film más complicado y arriesgado de toda su filmografía. Huyendo de todo tipo de efectismos, el director sorprende en la construcción narrativa, alejada de la linealidad clásica, y aunque ya existía en el guión de Joe Oliansky —basado en las memorias de la viuda de Charlie Parker que asesoró a Eastwood en la filmación del film— es el propio realizador quien le infiere personalidad al introducir en su universo particular la figura de Parker y además convertir el film en todo un acto de amor hacia el jazz, la única expresión artística propiamente estadounidense al lado del western en palabras del propio Eastwood.

Dos años antes el director Bertrand Tavernier había maravillado al público con ‘Alrededor de la medianoche’ (‘Round Midnight’, 1986), un film que se inspiraba en las problemáticas vidas de los músicos Budd Powell y Lester Young, poniendo el personaje central en manos de otro músico, Dexter Gordon. Si el film de Tavernier es más una historia de amistad entre un jazzman y un fanático del jazz, sin dejar de lado el homenaje al estilo musical, la película de Eastwood se erige como el retrato no sólo de una forma de vida, sino de un genio —Parker, convertido en un personaje típicamente Eastwood— al que se describe tanto en su ascensión como en su caída. Una caída que, como en todos los perdedores que ha retratado Eastwood, pasa por caminar por el mismísimo infierno, traducido aquí en alcoholismo y drogadicción. Apuntemos que Charlie Parker murió a la edad de 34 años, y el médico que lo examinó dictaminó que tenía 65 años.

A través de una complicada estructura de flashbacks, Eastwood construye toda una obra de orfebrería alrededor de la figura de Parker, donde al igual que en el jazz, deja espacio para la improvisación, creando distintas set pieces que fragmenta y une con inusitada pericia echando mano de alegorías tan sencillas como la del platillo volante que reproduce una de las anécdotas más famosas del músico cuando éste aún no había alcanzando la fama, y sirve no sólo para unir narrativamente algunas de la partes, sino para representar en cierto modo la trayectoria personal del propio Parker. Eastwood evita todo tipo de sensacionalismo, o de concesiones, huyendo del sentimentalismo y tomándose ciertas licencias —el músico Buster Franklin (Keith David) es una invención— que lejos de faltar a la verdad de los hechos denotan un dominio perfecto de la síntesis.

Eastwood no pretende reproducir con exactitud la vida de Parker, sino a través de ella hablar de un sentimiento. Además de alguna de las licencias comentadas, el director pasa por encima de algunos temas —las drogas— o al menos no lo hace tan directamente como cabría esperar tratándose de Parker. Pero Eastwood, amante de todo lo clásico, siempre fue un hombre de sutilezas en su cine. Efectivamente el único momento que vemos droga en la pantalla es aquel en el que uno de los músicos de la banda —Red Rodney (Michael Zelniker)— la consigue para drogarse en casa al lado de Parker. El resto es mostrar las consecuencias de la adicción, tal y como Eastwood hacía en un film de enormes paralelismos, ‘El aventurero de medianoche’ (‘Honkytonk Man’, 1982), junto con la presente el film más personal de su autor, en el que el personaje central tenía serios problemas con el alcohol.

El reparto de ‘Bird’ es absolutamente perfecto y aunque todos realizan excelentes interpretaciones es Forest Whitaker quien deslumbra por completo con una composición que brilla a la misma intensidad que la del genio recreado. Whitaker se convierte en Parker y compone uno de los mejores personajes autodestructivos —un tipo de personaje habitual en el cine de Eastwood— que se han visto en una pantalla. De una fragilidad que asusta Whitaker pasa de la euforia al pesimismo en un abrir y cerrar de ojos, y transmite sin dificultad alguna el infierno de su personaje mientras Eastwood lo convierte casi en un fantasma con la ayuda del operador Jack N. Green, cuyo trabajo de fotografía no puede ser más tenebroso, cercano a Caravaggio, se podría decir. Atención a la escena del envío de telegramas por parte de Parker a su esposa —sensacional Diane Venora—, cómo el interés por expresar el pésame y dolor por la pérdida de una hija se va convirtiendo en una petición desesperada de ayuda para sí mismo.

‘Bird’ consiguió el globo de oro el mejor director y el premio al mejor actor en Cannes, entre otros, pero en los Oscars sólo fue nominado al mejor sonido, Oscar que se llevó por el sistema completamente revolucionario que Lennie Niehaus —antiguo jazzman amigo de Eastwood con una carrera musical imprescindible para cualquier amante del jazz— inventó para la ocasión: separar los solos de Parker —Eastwood llegó a contar con grabaciones caseras inéditas cedidas por la esposa del músico— y el resto de instrumentos fueron grabados de nuevo por músicos contemporáneos. Premio más que merecido. Aquel año se alzó vencedora una película titulada ‘Rain Man’ (id, Barry Levinson, 1988), recordable sólo por la interpretación de Dustin Hoffman. Era más fácil premiar un título complaciente e inofensivo como ése que la radiografía de un ser humano convertido en genio que termina destruyendo todo lo que ama al encontrarse con el peor lado de sí mismo. A nadie le gusta que le estampen la verdad en la cara, algo a lo que Eastwood nos acostumbraría en ocasiones posteriores haciendo algo que muy pocos cineastas se han atrevido a hacer: no pensar en el público.

La expresión obra maestra se queda corta en esta ocasión.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’
• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’
• ‘Dos mulas y una mujer’
• ‘Los violentos de Kelly’
• ‘El seductor’
• El debut en la dirección
• ‘Harry el sucio’
• ‘Joe Kidd’
• La influencia de ‘Incidente en Ox-Bow’
• El primer western como director
• ‘Primavera en otoño’
• ‘Harry el fuerte’
• ‘Un botín de 500.000 dólares’
• ‘Licencia para matar’
• ‘El fuera de la ley’
• ‘Harry el ejecutor’
• ‘Ruta suicida’
• ‘Duro de pelar’
• ‘Fuga de Alcatraz’
• ‘Bronco Billy’
• ‘La gran pelea’
• ‘Firefox’
• Red Stovall, el hombre de los garitos
• ‘Impacto súbito’
• ‘En la cuerda floja’ (‘Tightrope’)
• ‘Ciudad muy caliente’
• ‘El jinete pálido’
• La llamada de Spielberg y la dedicatoria de Godard

• ‘El sargento de hierro’

En la primera secuencia de ‘Repo Men’ (id, 2010, Miguel Sapochnik) vemos a Remy (Jude Law) ejercer su trabajo: espera en el apartamento de un hombre al que paraliza con una descarga, una vez en el suelo le pregunta si desea los servicios de una ambulancia para llevarle después al hospital. Evidentemente, como el hombre está sin sentido no contesta y Remy procede, le extirpa un hígado artificial a golpe de bisturí dejando al individuo a su suerte. Seguidamente una voz en off, la de Remy, nos lo explica sin ningún rubor: si alguien no puede pagar su casa el banco se la quita, si alguien no puede pagar su coche el banco se lo quita, pues con los órganos artificiales lo mismo. La frialdad con la que ejecuta la operación indica la insensibilidad a la que puede llegar el ser humano en ese futuro cada vez más desolador que nos espera.

Por otro lado podríamos quitar alguna lectura sobre la actual crisis que tantas y tantas deudas provoca en el ciudadano medio, pero es lo de menos, ya que ‘Repo Men’ es sobre todo un thriller futurista de acción cuyo principal objetivo es el de entretener. Tema aparte es que lo consiga.

A pesar de su evidente falta de pretensiones, la película provoca una extraña sensación de déjà vu que nos acompaña durante todo el relato, el cual está repleto de apuntes interesantes que nunca son aprovechados en realidad. Lo de siempre, ¿cuántas películas hemos visto ya con ideas más que buenas pero que se malogran por muchas y diversas razones? ‘Repo Men’ es una de esas películas que presentan a lo largo de su metraje multitud de elementos con cientos de posibilidades, pero que poco a poco se van desvaneciendo dejando en la superficie el trabajo de unos actores que si bien no están geniales, cumplen aunque sea sin demasiada pasión, una dirección artística más que encomiable y también cierta inocencia que por otro lado juega en su contra.

Existe a lo largo y ancho del entramado del film la curiosa sensación de inverosimilitud que nunca nos abandona durante el visionado. Resulta difícil creer que en un futuro cercano el mundo esté tan insensible como para que algunas personas desempeñen el trabajo que en la película hace Remy acompañado de su inseparable amigo del alma Jake (Forest Whitaker). Dicha sensación se acrecienta cuando vemos al jefe de ambos, el director de la empresa La Unión, Frank (Liev Schreiber) cuya postura al respecto es la de mirar por los intereses de su negocio. Dicho sea de paso, hay algún que otro elementos contradictorio en la forma de trabajo de La Unión: si éstos ceden un órgano artificial a gente que no lo va a poder pagar, ¿qué sentido tiene si en tres meses se lo arrancarán literalmente sin tener posibilidad de cobro? Y aunque ésta sea una decisión del guión, tan respetable como cualquier otra, un servidor jamás termina de creerse lo que ve, ya no sé si porque me resulta una idea osada o por la falta de convicción en la puesta en escena del debutante Miguel Sapochnik.

Sapochnik —que ha intervenido en la dirección artística de películas como ‘Trainspotting’ (id, 1996, Danny Boyle)— adolece de la misma falta de energía de sus actores, evidente en determinadas secuencias que aspiran a ser algo más de lo que son —por ejemplo, la de Remy con un músico al que admira—, y el recuerdo que el espectador se pueda llevar sobre la película se queda en las numerosas referencias visuales y argumentales que ésta posee. La ciudad en la que se desarrolla la acción parece un clon de la de ‘Blade Runner’ (id, 1982, Ridley Scott) llegando el parecido a parecer casi insultante. El clarísimo homenaje a ‘Oldboy’ (id, 2003, Park Chan-wook) —que extrañamente se le escapó a mi compañero Jesús León en su texto sobre el film—, y ese giro final de 180º que remite a cierta película de Terry Gilliam son algunos de los ejemplos claros sobre lo que a ratos, más de los debidos, parece un mero ejercicio de memoria cinéfila dentro del género de la Sci-fi.

En el olvido caerán apuntes tan interesantes como la relación de Remy y Jake, planteada como si fueran dos niños, carentes de toda conciencia moral, que disfrutan con su terrorífico trabajo. Jude Law y Forest Whitaker poseen una buena química y a pesar de que ninguno de los dos está mal, se echa de menos un mayor riesgo por parte de ellos, y por supuesto en el guión, y no haberse quedado en la superficie. Una más entre un millón y que además pasará totalmente desapercibida entre nuestras carteleras gracias al tirón de Pixar, Shyamalan y Nolan. Carne de videoclub.

Posdata

El mencionado homenaje a ‘Oldboy’ es un claro ejemplo de las diferencias que hay dentro del cine de acción. Nos referimos, claro está, a la famosa pelea que tiene lugar en un pasillo y que enfrenta a un solo hombre con docenas. Mientras el realizador oriental opta por lucirse con un plano secuencia, Sapochnik utiliza el montaje como principal herramienta. El resultado es inferior y el impacto escaso a pesar de su violencia.

Basada en la novela ‘The Repossession Mambo’ y dirigida sin tino ni personalidad por el debutante Miguel Sapochnick, ‘Repo Men’ nos traslada a un futuro incierto donde todo el mundo posee órganos trasplantados, y una compañía malvada los recupera a toda costa si se te olvida pagar los adeudos de tu riñón o tu páncreas artificial. Ahí entran en acción los recuperadores, los repos, unos sanguinarios cirujanos con abundante espíritu militar y falta total de escrúpulos.

Se plantean tantas posibilidades a ese futuro que uno asiste con cierto entusiasmo a su arranque. Una época dura, donde se vive más gracias a la biotecnología médica y donde el sistema sanitario privado es el malo de la historia. Sin embargo, tras conocer a los dos rudos protagonistas (Jude Law y Forest Whitaker) y su trabajo, todo queda planteado y no se profundiza más. Poco importa. La idea es mostrar una historia donde la acción predomina y para nada interesa ahondar en las posibilidades y los elementos que se exponen sobre la mesa. Es cuando la película, una vez el protagonista sufre su transformación, cuando cae en barrena y se arrastra entre subtramas que no hacen sino perder el hilo principal, desviar la atención, restar interés y caer en lo predecible, el aburrimiento y la falta de interés.

‘Repo Men’, unos cobradores del frac con pistolas y bisturí

La película se apropia sin ningún complejo de elementos que hemos visto en el cine de Ciencia Ficción recientes, pero también nos regala planos insertados sin acierto de un futuro tipo Blade Runner, un ambiente decadente tan sólo sugerido por imitación, no por convicción. El protagonista encarnado por un sufrido y esforzado Jude Law (porque el resto del elenco se les aprecia ese estoy aquí por la pasta y a esto no hay que le saque más partido) se ve inmerso en un recorrido de huida, dejando atrás su pasado e intentando encontrar sentido y justificación a su transformación. Lo que ocurre es que la torpeza del guión lo arrastra a una condición de fugitivo bastante confuso, viviendo el momento y sin las ideas claras. Tanto como el director, que no consigue desarrollar la historia con un mínimo de interés narrativo. Sucediéndose escenas apocalípticas, con diálogos reflexivos sobre su condición que no poseen continuidad y no llevan a ningún sitio.

Nuestro sufrido protagonista encuentra a un joven en la que se apoya para encontrar su futuro. Pero no hay. Los cobradores del frac le persiguen con sus pistolas paralizadoras y bisturí en mano (todo es metafórico, porque no se duda en usar un machete si hace falta para estirpar un riñón y el frac es inexistente), en un futuro donde los órganos artificiales están muy desarrollados y la anestesia brilla por su ausencia. Nos encontramos con un dilatado tramo final, con una conclusión donde ya el disparate cobra sus mayores logros.

Nada importa, solo la acción, la violencia y un puñado de órganos

Pero no queramos encontrar filosofía, profundidad y crítica donde no se intentaba incluir. Al fin y al cabo ‘Repo Men’ es mero espectáculo, aunque para ello se camufle con una historia prometedora pero a la postre inverosímil, donde se exponen temas interesantes pero que acaban subyugados a la necesidad de sorprender visualmente, de pisar el acelerador. Aunque todo ello se sucede sin un ritmo apropiado, en ‘Repo Men’ encontramos escenas trepidantes, violentas, combinando el cuerpo a cuerpo, la pelea a cuchillo con armas más sofisticadas, con acrobacias propias de ‘The Matrix’. Para ello no se escatima en renunciar a un correcto desarrollo de la historia, en atar cabos, en justificar acciones, personajes e intenciones en pos del espectáculo, del lucimiento efectista que pasa al primer plano.

Se aprecia en el conjunto una cierta apatía, un tono frío que resta cualquier atisbo de emoción. Pero es que ‘Repo Man’ se escapa del tópico, a pesar de esas claras referencias, de elementos propios del género, resulta un trabajo atípico que roza subgéneros, temas y todo ello camuflado con una cierta oscuridad que brilla como el único resquicio al que aferrarse. Pero no nos olvidemos que cualquier intención queda cercenada porque estamos ante una película convencional en su esquema y por tanto se renuncia a las ramificaciones que la hubiesen convertido en una rara avis del cine de Ciencia Ficción.

Por suerte, en el tramo final ya nada importa y el crescendo adrenalítico, encarnado con especial entusiasmo por Jude Law y su papel de salvador del mundo con enorme destreza asesina, resurgen con vigor y nos deleita con alguna escena final vigorosa y bizarra que seguro se convertirá en lo más recordado del film. Y resulta especialmente atractiva: tenemos una puerta rosa al final y unos repos en el camino. Maletín de cirujano repleto como arma y una ejecución a ritmo trepidante. Tremendo. El resto es para olvidar.

Hace poco pudimos ver el cartel, y hoy ya podemos echar un vistazo al tráiler de ‘The Experiment’, un thriller protagonizado por Adrien Brody y Forest Whitaker. Como dijimos, se trata del remake estadounidense de la alemana ‘El experimento’ (‘Das Experiment’), dirigida por Olivier Hirschbiegel en 2001, a partir de hechos reales. Paul Scheuring (creador de la serie ‘Prison Break’) ha escrito y dirigido esta nueva versión, que finalmente no llegará a estrenarse en los cines de Estados Unidos, sino que saldrá directamente en DVD y Blu-ray, el próximo 21 de septiembre. Mala señal, y el tráiler no mejora las expectativas, parece que han filmado otro remake totalmente innecesario. Ya veremos qué ocurre en España, quizá si ‘Splice’ funciona (que va a ser que no), se atreven a estrenar esto en salas, aprovechando el gancho comercial de Brody.

‘The Experiment’ gira en torno a un grupo de hombres que deciden participar (por diferentes motivos) en un peculiar proyecto de investigación que tendrá lugar en una prisión durante dos semanas. Los seleccionados son divididos entre presos y carceleros, cuya misión es mantener el orden; los problemas comenzarán cuando los que hacen de prisioneros empiezan a burlarse de las normas, y los guardianes deciden tomarse el experimento muy en serio, sin importar las consecuencias. Maggie Grace, Cam Gigandet, Clifton Collins Jr., Fisher Stevens, Ethan Cohn y David Banner acompañan a Whitaker y Brody al frente del reparto.

PD: Elijah Wood iba a protagonizar la película, antes de que ficharan al ex de Elsa Pataky.

Seguimos hablando de remakes, o cuestionables nuevas adaptaciones de novelas. Tras comentar ‘Let Me In’ (‘Déjame entrar’) ahora le toca el turno a ‘El experimento’ (‘Das Experiment’, 2001), aquel estupendo film alemán dirigido por Olivier Hirschbiegel que llevó a la gran pantalla la obra de Marco Giordano, basada en hechos reales. Como podéis comprobar, ya circula por la red el primer cartel de la versión estadounidense, que cuenta con Adrien Brody, Forest Whitaker, Cam Gigandet, Maggie Grace y Clifton Collins Jr., entre otros, al frente del reparto.

‘The Experiment’ ha sido dirigida por Paul Scheuring, el creador de la serie ‘Prison Break’ (en su tarjeta debe poner “especialista en historias carcelarias”), y por el momento no tiene fijada una fecha de estreno. La trama gira en torno a veinte personas que se presentan voluntarios para participar en un peculiar experimento sociológico ambientado en una prisión; los individuos son divididos en dos grupos: prisioneros y carceleros, cuya misión es mantener el orden. Por supuesto, la situación se desmadra cuando los segundos comienzan a tomarse su papel demasiado en serio.

PD: El experimento real sucedió en una cárcel de Stanford, y tuvo que ser cancelado a los seis días, cuando estaba previsto que durara dos semanas. Lo que ocurrió os lo podéis imaginar; los nazis no vinieron de otra dimensión.

Vía | LasHorasPerdidas

Bruce Willis, Malin Akerman, Forest Whitaker y Kate Mara han firmado para protagonizar un drama con tintes criminales, de producción independiente, titulado ‘Catch .44’. El guión es de Aaron Harvey, que también se encargará de trasladarlo a la gran pantalla; previamente, este tipo había realizado el film de terror ‘The Evil Woods’ (2007), que no he visto y que en Imdb (con todo lo entusiastas que son puntuando) está valorado con un llamativo 2,9 sobre 10. Pero bueno, sólo era su debut…

Al parecer, la historia se centra en tres mujeres de Las Vegas (Akerman, Mara y otra más, que no es Willis ni Whitaker, podéis respirar tranquilos) que al intentar escapar de sus tristes vidas se ven inmersas en una complicada situación en la que también están implicados un asesino psicópata, un camionero deprimido y un falso cocinero. Whitaker encarnará al asesino mientras que Willis será un capo mafioso, la mente que hay detrás de todo el asunto. No pinta mal, pero no deja de resultar raro que estos cuatro actores (sobre todo Willis y Whitaker) se hayan metido en una película independiente dirigida por este tal Harvey, con la de gente que querrá contar con ellos. Confiaremos en que se trata de un gran guión, ¿no?, y a ver el tráiler cuando salga. El rodaje comenzará el 11 de julio en Shreveport, donde ya sabéis que hacen unas tortitas de rechupete. Por el momento no hay fecha para el estreno.

PD: ‘Cop Out’ (‘Vaya par de polis’), con Willis y Tracy Morgan, sigue sin estrenarse en España. Y no encuentro fecha.

Vía | ComingSoon

Todos sabíamos que ‘Alicia en el país de las maravillas’ de Tim Burton iba a ser un éxito, tal vez lo que no nos esperábamos es que su permanencia como número uno iba a durar tanto. Está claro que la 3-D y el hecho de que los estrenos de la competencia no levanten demasiadas expectativas han ayudado a que Burton tenga uno de sus éxitos más sonados, aún a pesar de las frías críticas recibidas.

‘Diary of a Wimpky Kid’ es la historia de un pobre chaval en la escuela secundaria. La crítica la recibe sin demasiados espavientos y el público votante en la IMDb más o menos lo mismo. No se sabe cuándo la veremos por estos lares, y sinceramente a algunos no nos importa demasiado.

‘Exposados’ es la reunión de Jennifer Aniston y Gerard Butler de la mano del temible Andy Tennant. Una historia que cuenta como un cazarrecompensas debe dar caza a su propia mujer. Ver para creer. La crítica le da de lo lindo y el público votante poco más. Aquí la veremos el 9 de abril.

‘Repo Men’ nos habla de un futuro desolador donde algunos no pueden pagarse los órganos reemplazados —supongo que porque valen un riñón y la mitad del otro—, y entonces se lían a tiros para no pagar. Este argumento tan surrealista está protagonizado por Jude Law, que se apunta a cualquier cosa, y Forest Whitaker, otro tanto de lo mismo. La crítica la destroza y el público votante es un poco más benevolente.

Vía | IMDb

Aprovechando que el pasado 25 de diciembre se estrenó (en Estados Unidos) la nueva película de ‘Sherlock Holmes’, con Robert Downey Jr. y Jude Law, ha aparecido en la red el cartel y el tráiler “red band” (para mayores de edad) de ‘Repo Men’, protagonizada por Law y Forest Whitaker. Aunque estos dos actores han hecho ya de todo (Whitaker nunca podrá borrar que estuvo en esa cosa de ‘Campo de batalla: la Tierra’), no deja de sorprenderme verlos en algo como esto, un sangriento batido futurista de acción y comedia que se centra en el comercio ilegal de órganos. Viendo el avance, donde Jude Law va de experto luchador y tirador, me he acordado del de ‘Legion’, en el que Paul Bettany se convertía en un poderoso ángel muy hábil con las armas. Parece que a los dos le ha dado por ir al gimnasio y probar un género diferente (sigo hablando de cine).

Dirigida por el debutante Miguel Sapochnik y basada en la novela de Eric Garcia, ‘Repo Men’ transcurre en un futuro en el que los seres humanos han conseguido vivir más tiempo gracias a unos sofisticados órganos artificiales creados por una compañía llamada The Union. El lado oscuro de esta empresa es que si no pagas a tiempo, envían a una pareja de asesinos a recuperar la mercancía. La cuestión es que uno de estos “recuperadores”, llamado Remy, sufre un ataque al corazón y descubre que le han implantado uno de esos fantásticos órganos, que tendrá que pagar. Cosa que pronto descubre que no es posible…

Liev Schreiber, Alice Braga, Carice van Houten y el rapero RZA, entre otros, acompañan a Law y Whitaker al frente del reparto. La fecha del estreno de la película es el 2 de abril, en EE.UU. Veremos si no tarda mucho en llegar a España, podría ser carne del próximo Festival de Sitges.

PD: El punto de partida, e incluso el título de la película, es similar al de ‘Repo! The Genetic Opera’.

Vía | Impawards