“¡Y que Dios nos bendiga a todos!”

Tiny Tim

Mañana viernes se estrena en España la nueva película de Robert Zemeckis, ‘Cuento de navidad’ (‘Disney´s A Christmas Carol’), el siguiente paso del realizador en la animación 3D y la técnica de la captura del movimiento, tras ‘Polar Express’ y ‘Beowulf’. A través de su empresa, ImageMovers, Zemeckis, que está convencido que la tecnología que está contribuyendo a desarrollar va a transformar el cine y hacerlo evolucionar, firmó un acuerdo con Disney cuyo primer fruto ha sido esta nueva versión del clásico cuento de Charles Dickens, la primera película de la empresa de Mickey Mouse que se estrena en salas IMAX 3D. Ya os conté que pude verla la semana pasada, en el estreno mundial que Disney preparó en Londres.

La historia de Dickens, como sabéis de sobra, gira en torno al viejo, gruñón y mezquino Ebenezer Scrooge (Jim Carrey), a quien en una nochebuena le visitan tres fantasmas, que harán que se replantee su vida y su actitud con los demás. Es el 24 de diciembre en el Londres de la era victoriana, y cuando todos se alegran por la llegada de la navidad, Scrooge es el único que vive amargado. Es una isla de egoísmo, cinismo y tristeza. Pero esa misma noche, en su casa, se le aparece el atormentado espíritu de su viejo socio, quien le anuncia que durante las próximas horas será visitado por los fantasmas del pasado, el presente y el futuro.

El ‘Cuento de navidad’ de Robert Zemeckis empieza con el libro de Dickens. Es su forma de decirnos que ha intentado ser lo más fiel posible con el original. El libro se abre (leemos “Marley estaba muerto”) y la primera página cobra vida. La ilustración del cadáver de Marley pasa del 2D al 3D. Ya estamos en el terreno de Zemeckis. Oímos la trabajada voz de Jim Carrey como Scrooge y seguidamente le vemos en una escena muy oscura, rodeado por otros dos personajes, a los que asombra con su avaricia; paga dos monedas para el entierro pero luego se lleva las dos que tapaban, de forma ceremoniosa, los ojos del muerto.

También asombra, al menos a un servidor, el realismo logrado en la animación por la compañía de Zemeckis. Los personajes parecen reales y el sus movimientos en el entorno digital impresionan. Pero algo falla ya desde el principio. Como pasaba en las dos anteriores películas del director, uno no ve personas ahí, por más que sean actores los que hayan prestado sus interpretaciones y sus voces a los personajes. Uno ve muñecos. Realistas y fantásticamente animados, pero muñecos, al fin y al cabo, que imitan personas. Lo que tiene de especial la historia de Dickens, la humanidad y la emoción, se pierde estando protagonizada por criaturas artificiales. Queda muy forzado y vacío, carente de sentido.

¿Qué le interesa a Zemeckis del cuento de Dickens? Nada más y nada menos que las posibilidades para el espectáculo, para el lucimiento de los efectos especiales y el trabajo de los animadores de su empresa. Y eso es la película. Un constante lucimiento de lo que ImageMovers es capaz de hacer, a día de hoy, creando “personas” en 3D a partir del trabajo de actores reales. No sé si Zemeckis cree de verdad que esto es lo que le interesa al público, pero dudo mucho que su intención sea otra que la de hacerse aún más millonario y popular, imaginándose a sí mismo como uno de los grandes creadores de la tecnología del cine del futuro (me temo que veremos muchas cosas así de aquí en adelante).

Quizá en unos años le visite el fantasma de Walt Disney o Frank Capra y le demuestre que estaba muy equivocado, que lo importante es la historia, que el público conecte con los personajes y lo que se cuenta en la pantalla, no meterlos en una montaña rusa de hora y media de persecuciones en tres dimensiones. De hecho, el atropellado viaje comienza justo tras la primera secuencia de presentación de Scrooge, en la funeraria. Zemeckis nos ofrece a continuación una exagerada (y seguro que muy costosa) panorámica por el Londres del siglo XIX, mostrándonos lo mucho que han trabajado sus empleados en crear una ciudad llena de vida, con gente por todas partes, paseando, corriendo, jugando o comprando en el mercado. Todos alegres y saltando como ranas.

Eso es algo que me chirrió bastante viendo ‘Cuento de navidad’. Porque nos venden la animación ultra-realista, que creamos que esos muñecos son personas, que estamos presenciando efectivamente su humana historia en una ciudad y un momento verdaderos… Pero los personajes no dejan de comportarse como dibujos animados. Corren, saltan y se golpean como si estuvieran hechos de goma, no de carne y hueso. Hay un momento, al principio, en el que Scrooge va a abrir la puerta de su casa y se asusta al ver la cara del fantasma de Marley; el suelo está helado, se resbala y da con la espalda contra los escalones de la entrada. ¿Le pasa algo? No. Enseguida se incorpora y aquí no ha pasado nada. No está mal para un anciano que usa bastón y apenas podía levantar el brazo para meter la llave unos segundos antes. Antes, su empleado, Bob (Gary Oldman), se había lanzado alegremente por una calle deslizándose como si fuera un patinador profesional, cayendo contra el duro asfalto sin ningún daño. Bueno, es que es navidad, ¿no?

Uno de los grandes atractivos de la película es, sin duda, contar con un reparto encabezado por Jim Carrey, Colin Firth, Robin Wright Penn, Cary Elwes y Bob Hoskins, entre otros. Bueno, en realidad, luego no es así, todo es un show protagonizado por Carrey, quien llega a dar vida hasta a ocho personajes diferentes (los tres fantasmas y Scrooge en cinco momentos diferentes de su vida), resultando que no pasa ni un minuto sin que veamos a alguno de ellos en pantalla; a veces hay hasta tres Carreys en la escena. Oldman y Firth tienen algo de presencia, pero lo del resto es muy secundario, sólo hay espacio para un actor. Pero lo peor es, repito, que la película fracasa cuando se supone que debemos emocionarnos, porque es imposible sentir empatía por estos muñecos.¡ Es todo tan falso! Zemeckis debería ver lo que se hace en los estudios Pixar o Ghibli, porque el hombre no se entera.

Por otro lado, hay algo de timo en esta nueva 3D estereoscópica. Al menos, en la usada en ‘Cuento de navidad’, que se supone que es lo más ahora mismo. Si os fijáis, en la mayoría de las escenas, lo que está en primer plano es un elemento verdaderamente irrelevante, puesto ahí para dar la sensación de profundidad, pero lo importante, lo que de verdad pasa, está al fondo, como en las películas corrientes. Esto es, que la película la hacen en 2D y en realidad da igual, sólo quitas los sustos para niños. Pero claro, no se vende igual. Ahora todo tiene que ser en 3D para luchar contra la piratería y convencer a la gente de que vaya al cine, a gastarse diez o más euros en el nuevo espectáculo de Hollywood. Pero esto va a durar poco, si lo que nos ofrecen es cosas como la de Zemeckis. La gente no es tan tonta, se va a cansar muy pronto de ver siempre lo mismo. James Cameron dice que el 3D de ahora se hace mal, que lo suyo es diferente, que ‘Avatar’ es otra cosa. Ojalá.

La taquilla norteamericana parece dar la razón al director que un día nos dejó maravillados (de verdad) con películas como ‘Regreso al futuro’ o ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’, pues ‘Cuento de navidad’ ha sido número uno el fin de semana de su estreno, pero las cifras son mucho más bajas de lo esperado. No tenía gran competencia para arrasar, y el presupuesto con el que contaron asciende a la friolera de 200 millones de dólares, sin contar con el dineral que habrá costado la intensa promoción; 34 millones en la primera semana no es para tirar cohetes, mirándolo con la perspectiva adecuada. Pero el acuerdo de Zemeckis con Disney todavía tiene años por delante, y el realizador parece tan contento en su burbuja que cuesta pensar que su próxima película será mejor. ‘Cuento de navidad’ es un paso más respecto a ‘Beowulf’ en cuanto a la tecnología, pero sigue careciendo de alma y emoción. Sigue faltando, en definitiva, verdadero cine.

Tras un primer avance de dos minutos, ya podemos echar un vistazo al tráiler completo de ‘The Book of Eli’, la nueva película de los hermanos Hughes (‘Desde el infierno’).

Denzel Washington se transforma aquí en un héroe de acción llamado Eli, que debe salvar a la humanidad en un futuro sin esperanza, en un mundo devastado por una gran guerra. La clave está en un libro, que Eli debe proteger, y que un grupo de salvajes dirigidos por un tal Carnegie, a quien interpreta Gary Oldman, quiere poseer. Paisajes desiertos, malos a lo ‘Mad Max’ y acción tipo ‘Matrix’, parecen ser los ingredientes de este thriller de ciencia ficción escrito por Gary Whitta. El tráiler se centra mucho en los golpes y las explosiones, y muy poco en los personajes o en el drama, así que da mala espina, especialmente ese momentazo de la flecha…

Mila Kunis, Ray Stevenson, Jennifer Beals, Michael Gambon, Malcolm McDowell, Tom Waits y Frances de la Tour acompañan a Washington y Oldman al frente del reparto. La fecha del estreno es el 15 de enero de 2010.

PD: Para este papel, Washington fue entrenado en artes marciales por Dan Inosanto, estudiante y protegido de Bruce Lee.

Vía | TheMovieBox

Aprovechando que hoy es domingo y nadie está pendiente del blog, voy a sacar uno de los borradores que más tiempo llevan en el frigorífico. Aquí os dejo el primer tráiler, tres carteles (aparecidos en la pasada Comic-Con) y las últimas imágenes oficiales de ‘The Book of Eli’, un thriller de ciencia ficción del que ya habíamos hablado anteriormente, cuando salió un primer cartel y un vídeo sobre el rodaje. Lo protagoniza Denzel Washington y está dirigido por los hermanos Hughes, responsables de la fallida adaptación al cine de ‘Desde el infierno’ (‘From Hell’).

‘The Book of Eli’ nos traslada a un futuro apocalíptico, donde un hombre debe realizar un peligroso viaje para llevar a la sociedad el conocimiento que podría ser el origen de la salvación de la humanidad. Por supuesto, ese héroe es Washington, que encabeza un reparto en el que también figuran Mila Kunis, Ray Stevenson, Jennifer Beals, Michael Gambon, Tom Waits, Frances de la Tour y Gary Oldman, que interpreta al líder de una comunidad que se enfrenta al protagonista.

La fecha del estreno es el 15 de enero de 2010, en Estados Unidos.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: ¿Washington dando hostias en plan Batman? Hum, vale… desde luego es un cambio de imagen después de su empleado fondón de ‘El asalto al tren Pelham 123’.

Vía | Newsinfilm, eCartelera, Shockya, Filmofilia

Mira a ver si puedes arrancarte la piel…y dársela de comer a los perros…

-Hannibal Lecter

Hace poco volví a ver ‘Hannibal’, dirigida por Ridley Scott ocho años atrás, con la esperanza de que las sensaciones que me produjo hace ya tanto tiempo siguieran intactas. Y las sensaciones eran que, a pesar de ser evidentemente inferior a la película que, en 1991, dirigió Jonathan Demme, se trataba de una buena película de horror, de factura perfecta y mucho estilo a la hora de darle la vuelta al (sensacional) texto original de Thomas Harris.

Pero, y aunque puse todo de mi parte, la mayoría de aquellas sensaciones se han evaporado con el tiempo, y lo que antes me parecía una estupenda película, ahora me parece de una tosquedad evidente. De hecho, es un burdo ejercicio de estilo, muy en la línea de lo que en esta década nos ha ido ofreciendo este director. Contiene un par de buenas secuencias, y un par de buenas ideas, pero es una película poco destacable. Puede que mis gustos evolucionen más rápido de lo que pensaba. Sin embargo, creo que debe ser la mejor película que ha hecho Scott en veinte años.

Apuesta comercial disfrazada de cine de autor

La cosa estaba bastante clara. Después del grandioso éxito, no sólo de público, también de crítica, de ‘El silencio de los corderos’, y con una nueva novela en camino de Harris, Dino de Laurentiis no podía dejar pasar la oportunidad de repetir la jugada. Ahora bien, primero intentaría reunir al equipo original, sobre todo a Anthony Hopkins. Lo malo es que sólo consiguió hacer firmar a este actor, que había encontrado al que sin duda es el personaje de su vida, mientras que Jodie Foster y Jonathan Demme se negaron en redondo a participar en la secuela.

Pero este productor, de errática carrera, no se ha caracterizado precisamente por rendirse ante las negativas. En lugar de eso confeccionó una producción ambiciosa, esperando un gran éxito de taquilla y, quién sabe, quizá otra buena película. A tal efecto contrató a Ridley Scott, que estaba rodan su primer éxito en una década, ‘Gladiator’, y para sustituir a la Foster, llamó a una gran actriz, aunque le costó bastante convencerla, Julianne Moore. El oponente de Hannibal, Mason Verger, sería encarnado por un irreconocible Gary Oldman, con lo que ambos actores volverían a enfrentarse tras ‘Bram Stoker’s Dracula’.

La novela retomaba a la misma pareja de personajes, varios años después, y extendía su relato a Florencia, ciudad en la que un fugitivo Lecter intentaba ingresar en el prestigioso Studiolo Florentino, gracias a sus vastos conocimientos de arte. De modo que Ridley Scott intentaría destacar la oscura belleza de la capital italiana, buscando un espectáculo de horror en el que se subrayara su atmósfera medieval, antes de regresar con el relato a Estados Unidos y contarnos el reencuentro entre ambos personajes. El problema consiste, una vez más, en que Scott no comprende en absoluto a sus personajes, y aunque se esfuerza en una puesta en escena aparentemente culta y sofisticada, se queda en cultureta y gélida. Pero Scott siempre ha sido un mercenario, que firma proyectos ajenos, y ya a nadie puede convencer de ser un autor.

Fastuosa producción, irregular dirección

Con mucho más presupuesto que ‘El silencio de los corderos’, Scott contó con el director de fotografía responsable de la gran imagen de ‘Gladiator’, John Mathieson, un profesional cuya forma de trabajar han imitado los directores de fotografía de Scott en sus últimas películas. Su estilo de imagen está basado en las sombras y en los humos constantes, de gran profundidad de campo y blancos extremos, saturados. Da igual qué historia cuente este hombre, que sus tratamientos de luz son muy similares. De hecho, es una luz muy parecida a la de ‘American Gangster’, y no me digan que esto es un rasgo de estilo, porque no es cierto.

Pero no sólo la imagen y la resolución plástica son opuestas a las de la primera película (una opción lícita, naturalmente), sino que todo lo que aquella obra maestra tenía como ejemplo de contenido horror, de perfecto suspense, de despiadada y compasiva verdad, desaparece con Scott. Y lo malo para él, es que no los sustituye por nada mejor, sino por una puesta en escena muy preciosista pero de escasa profundidad. Y el bueno de Demme le da lecciones de suspense con una mano atada a la espalda, sin necesidad de crear un alucinante juego de luces y sombras. Demme, además, perseguía conmovernos, con una dirección sobria y humilde, mientras que Scott pretende asustarnos con casquería y exageraciones.

Todo comienza con la peor secuencia de la película, y acaba seguramente con la mejor, lo que al menos es una suerte. Porque la secuencia de acción que abre el filme es un ejemplo del peor cine de este género que podemos encontrar, un batiburrillo amorfo de imágenes montadas frenéticamente para dar al sensación de dinamismo, pero que produce mareo (casi superado por dos planos consecutivos de Giancarlo Gianini y Francesca Neri que parece un anuncio de champán…). Moore se esfuerza en su Clarice Starling, pero está lejos de la identificación profunda de Foster. Se nota demasiado que ha recogido un testigo demasiado pesado, incluso para su talento. En cuanto a Hopkins, ya era una estrella, y aunque sin duda hace un buen trabajo, este es desequilibrado, muy lejos también de la increíble perfección de su primer Hannibal.

En general, la sensación que se tiene es la de que el reparto está mucho peor cohesionado, como sucede casi siempre con Scott, que el aparato técnico. Aunque también adolece de soluciones narrativas que afean mucho su aspecto, como la decisión de acelerar o ralentizar la imagen, a la manera de un colegial que deseara impresionar con trucos. Pero hablábamos de Hopkins, que después de un papel casi de secundario en la primera parte (aunque se llevó el Oscar a mejor principal, lo que demuestra lo innecesario del término) es ahora la estrella de la función.

Sin embargo el fascinante doctor Lecter se convierte por momentos, por una dirección falta de coherencia, en el cargante doctor Lecter. No nos impresiona ya tanto, por acumulación de escenas y por un tono disperso, este tenebroso genio del mal. Viendo esta película, que insisto con todo creo que es lo mejor de Scott en esta década, lo mejor de todo es las furiosas ganas que le entran a uno de revisar, por enésima vez, la maravilla de Demme. De hecho, acabo de decidir que la semana que viene le dedicaré un largo análisis en dos partes. Esta se lo merece.

Nos hemos convertido en locos de Dios

-Doctor Van Helsing

La secuencia con los hombres destruyendo la guarida de Dracula se acerca mucho a cómo la imaginábamos en el libro, por lo menos en atmósfera. Y está contada en paralelo al propio Drácula colándose en el sanatorio de Carfax, convertido en niebla. Primero golpea a Renfield (Tom Waits formidable, no nos cansaremos de decirlo) hasta dejarle casi muerto, y luego se cuela en la cama de Mina, en una secuencia que rezuma sensualidad, sexualidad y romanticismo en cada uno de sus fotogramas.

El efecto de la niebla verde, aunque pueda parecer lo contrario, es un efecto a cámara, como todos los demás efectos, tal como hemos explicado anteriormente. En realidad se consigue de manera muy sencilla, rodando la niebla en un plano a parte y luego uniendo los planos. La imagen de la muchacha anhelante, subyugada por el bestial príncipe de las tinieblas, no sólo remite a los primeros tiempos del cinematógrafo, sino que posee una belleza intrínseca como parábola romántica, como algo meramente visual, y como metáfora sexual.

Una secuencia inolvidable

La escena, inicialmente está iluminada con luces bajas, de modo que a los rostros de los actores (Ryder y Oldman con una química increíble) les deja la mitad de la cara en luz y la otra en sombra, con frecuencia. También hay una mezcla de tonalidades doradas y rojas. En cuanto a la planificación de cámara, Coppola echa el resto. Pocas veces hemos observado un magisterio semejante, y una elegancia mayor, en toda su filmografía. Rodándola de una manera clásica, con dos cámaras (puede que tres, si el lector sabe cómo funciona esto) obtenemos un plano medio de ambos, que les une, y otros como primeros planos (siempre compartidos en escorzo) o hermosos planos detalle de manos, cortes de sangre.

Por alguna razón, poniéndolo en paralelo con el incendio que los hombres provocan en la abadía de Carfax, queda todo perfecto. Es una escena muy sexual, con Mina lamiendo lascivamente la sangre del conde y este retorciéndose literalmente de placer. Ahora bien, todo cambia a partir de la segunda parte de la escena, pues los hombres regresan y se encuentran a Mina y a una criatura impresionante (obra del genio de Greg Cannom), una especie de vampiro gigante de ojos rojos, con el que Oldman se sintió seguro para poder enfrentarse en escena a tantos hombres, pues en un principio no iba a llevarlo.

Coppola decide rodar el enfrentamiento de la siguiente manera: todos los planos de conde y grupo de cazadores son opuestos, a contracampo, y además subjetivos, de modo que cuando les vemos a ellos, es un subjetivo del conde (cada vez más cerrado sobre ellos), y cuando le vemos a él es un subjetivo probable de Van Helsing. Es un momento terrorífico y una de las razones de colocar a esta película como una de las cumbres del fantástico de los últimos años. Con detalles increíbles como los ojos rojos desapareciendo en la oscuridad y el truco fantástico de acercar luz para comprobar que se ha convertido en un centenar de ratas.

Sin duda la mejor escena de la película. Parece mentira que Coppola no la sienta como una película suya, según sus propias palabras, cuando es capaz de filmar momentos tan personales.

Una cacería con aires de Western

La recta final de la película es un perfecto ejemplo de equilibrio asombroso entre clasicismo y modernidad. Planos como los de la estación de tren con las montañas de fondo (que sorprende que se hayan hecho en estudio, pero que están realizados, como el castillo, con una añeja técnica visual) o el de las novias vampiras aniquilando al caballo de Van Helsing y Dracula (una proyección de sombras con fondo también proyectado), le dan esa textura única a esta película.

Todo ello sin descuidar los personajes, pues Mina va convirtiéndose en vampira, con lo que ello conlleva de nuevos poderes (es capaz de seducir a Van Helsing, algo que no había visto yo nunca en ninguna película), y con el propio Van Helsing demostrando su ferocidad decapitando brutalmente a las tres novias cuando llega el día (como dije, es una estupidez considerar sobreactuado a Hopkins, ¿cómo cazar al conde si no es con un tipo tan loco y sanguinario como este?).

Gracias al enorme estudio de sonido donde grabaron, pudieron hacer secuencias enormes como la cabalgata de los cazadores intentando atrapar al conde antes de la puesta de sol. Mina no necesita ya prismáticos para verlo, y de repente invoca conjuros que atraen las nubes. La persecución tiene un aire de Western absoluto. Y está filmada con la vigorosidad y la velocidad que los grandes maestros de ese género supieron aplicarle.

Finalmente, terminan ‘in extremis’ con el vampiro. Es interesante observar que en los últimos momentos de los dos amantes, Mina lleva el mismo peinado que cuando estaba caracterizada como Elizabetha. El vampiro es perdonado por Dios, y las heridas son cerradas. No sólo la de la cruz, que desaparece, también el conde es rejuvenecido por última vez con una luz celestial. Dracula finalmente consigue la paz, y queda en armonía una vez más con Dios, algo que sin duda deseaba Coppola para él, y que puede que consiguiera con esta película. El tiempo, el viejo tema de Coppola, se repliega sobre sí mismo, y el amor lo cura todo.

Fue George Lucas (que una vez más, dio grandes consejos a Coppola) quien sugirió que Mina le cortase la cabeza a Drácula. El terrible momento deja al espectador con hiel en las venas. Mina aparta la cabeza y observa el fresco del techo, en el que ambos aparecen retratados. Definitivamente, a Coppola los finales se le dan increíblemente bien.

Conclusión

Terminamos así el análisis de la última gran película de Coppola, una versión de un mito que conoció un grandioso éxito en taquillas (mucho más del esperado), y que definitivamente libró a Coppola de la terrible deuda que contrajo en los años 80, tal como hemos ido contando en este extenso estudio. Con su sueldo, se compró el castillo de Inglenook y los terrenos colindantes, y comenzó una aventura empresarial de vinos que le ha hecho, una vez más, millonario.

Sorprende que después de este triunfo, que él asegura que no estuvo muy feliz de rodar, viniera algo como ‘Jack’, pero de eso ya hablaremos.

Estudio F.F. Coppola en Blogdecine

• Francis Ford Coppola, el artista maldito
• Francis Ford Coppola, loco por el cine
• Francis Ford Coppola, un hombre de familia
• ‘El padrino’, cinco hijos y un padre
• ‘El padrino’, el destino de Michael
• ‘El padrino’, manchándose el traje de sangre
• ‘El padrino’, paraísos perdidos
• ‘El padrino’, obra maestra
• Francis Ford Coppola, una nueva vida
• ‘La conversación’, el sonido de la soledad
• Francis Ford Coppola, regresa Michael Corleone
• ‘El padrino, parte II’, el origen de los Corleone
• ‘El padrino, parte II’, la herencia de Michael
• ‘El padrino, parte II’, el hermano de Michael
• ‘El padrino, parte II’, la decisión de Vito
• ‘El padrino, parte II’, perdiendo a la familia
• Coppola en el corazón de las tinieblas
• ‘Apocalypse Now’, soñando con la jungla
• ‘Apocalypse Now’, terminar al coronel
• ‘Apocalypse Now’, por el camino de baldosas amarillas
• ‘Apocalypse Now’, cabalgando helicópteros
• ‘Apocalypse Now’, nunca salir de la lancha

• ‘Apocalypse Now’, el puente de Do-Lung

• ‘Apocalypse Now’, la plantación francesa

• ‘Apocalypse Now’, el campamento de Kurtz

• ‘Apocalypse Now’, el fin de toda razón

• Coppola y el cine electrónico

• ‘Corazonada’, frágil colorido

• ‘Rebeldes’, juventud dorada

• ‘La ley de la calle’, el Chico de la Moto reina

• ‘The Cotton Club’, música desalmada

• ‘Peggy Sue se casó’, juventud sin juventud

• ‘Jardines de piedra’, el dolor de una ausencia

• ‘Tucker, un hombre y su sueño’, Coppola contra todos

• ‘El padrino, parte III’, Francis Ford Corleone

• ‘El padrino, parte III’, Mary Coppola

• ‘El padrino, parte III’, sangre nueva

• ‘El padrino, parte III’, un destino doloroso

• ‘El padrino, parte III’, el arte como confesión y redención

• ‘Bram Stoker’s Dracula’, la renovación de un mito

• ‘Bram Stoker’s Dracula’, océanos de tiempo

He cruzado océanos de tiempo para encontrarte…

-Dracula

La larga secuencia de la llegada del conde a Londres es un esfuerzo narrativo que comienza con unas nubes amenazadoras de tormenta y concluye con la primera toma de sangre del conde a Lucy. Entre tanto, tenemos varios hilos dramáticos que se van trenzando y alimentando entre sí de manera casi perfecta. Por un lado está el Demeter (cuyo capitán, al menos su voz en off, también es de Anthony Hopkins, con lo que interpreta tres roles en esta película), navío en el que como todos sabemos viaja Drácula hacia Londres. También está el sanatorio de Carfax, con el doctor Seward y Renfield; el zoo, del que se escapa un lobo blanco; y la casa de Lucy.

La manera que tiene Coppola de unirlo todo, a parte de emplear el genial corte ‘The Storm’ de la imponente música de Kilar, es empleando la cámara de manera magistral como si todos estos escenarios estuvieran en alta mar, es decir, moviéndose igual que si se encontraran a bordo de un barco. Todo acaba formando un collage fascinante. La tormenta es Drácula, por supuesto, y así se nos muestra de qué forma su llegada a Londres afecta a todos habitantes.

El punto de vista del vampiro

Con una técnica llamada pixilación, que es en verdad muy antigua, obtenemos el punto de vista de Drácula nada más llegar a Londres, convertido en una especie de bestia, u hombre lobo. Decir que ésta cámara subjetiva resulta fascinante es quedarse corto. Con su habitual modestia, Coppola lo llama “un punto de vista curioso” en los comentarios del director. En fin. La bestia ruge en el jardín y Lucy, hipnotizada, se levanta en plena noche a encontrarse con él. La escena no puede ser más hipnótica. Lucy camina por el laberinto y Mina la sigue, para encontrarse con Lucy y Dracula haciendo el amor bestialmente sobre un banco de piedra. La bestia termina mordiéndole el cuello.

Existe cierta controversia con este momento, pero me parece que está claro que el conde hipnotiza también a Mina para que olvide lo que ha visto. En cualquier caso lo importante es constatar que la ambición de Coppola está a la altura de su destreza narrativa. Y no tiene el menor interés por repetir lo que otros han hecho con la bella novela de Stoker, y esto siguiendo los pasos de tres películas sobre todo: ‘Nosferatu’ de Murnau, ‘La bella y la bestia’ de Cocteau y ‘Vampyr’ de Dreyer.

Pero el punto de vista del vampiro es lo más importante, y no sólo a un nivel técnico. Drácula es a partir de este momento el eje sobre el que gira la narración. Y cuando empieza a moverse por Londres, en pleno día, la cámara no vuelve a ser subjetiva hasta el siguiente ataque a Lucy. De hecho, Coppola, aprovechando la cercanía de la novela de Stoker con el nacimiento del cine, efectúa un bellísimo homenaje en el segmento en que el conde seduce a Mina. Un bloque totalmente inventado por los cineastas, pero que, al contrario de lo que muchos dicen, no me parece una traición a la novela y una razón para despotricar sobre la decisión de titularla como lo hicieron, más bien parece que abrimos los ojos a capítulos perdidos del relato, tal es su riqueza dramática.

Además, la identificación de Coppola con este príncipe de las tinieblas es casi tan grande como la que siente con Michael Corleone. Más parece, por tanto, una reescritura que una transformación. Y el espíritu de la novela está, así, más vivo que nunca, por lo que lo sí creo que se deba poner el nombre del autor en el título. Pero hablábamos del homanaje al cine, y lo obtenemos con esos breves segundos filmados con la cámara Pathé (de manivela), exactamente igual que en la época del cine mudo, con las mismas lentes también. Y existe un gran criterio en el momento de dejar de usar la Pathé y regresar a las lentes actuales, que es cuando Drácula ve a Mina.

También tenemos la escena en que ambos visitan al cinematógrafo, y en la que Drácula a punto está de alimentarse de Mina (aunque en el último segundo se arrepiente y no lo hace), y en el que hipnotiza (una vez más) al lobo blanco que se fugó del zoo. Es interesante observar que lobo y conde poseen en ese instante unos ojos muy parecidos. Comienza así una historia de amor que para cierto sector cinéfilo es la perdición de la película y que para otros es una visión nueva, romántica y coherente, que se cuenta en paralelo a la degradación física de Lucy, propiciada por la necesidad de Drácula de su sangre, y que a su vez propiciará la llegada de Van Helsing.

Los planos de gran complejidad técnica se van sucediendo con rapidez: la sombra que es el conde hace marchitarse a las flores de la habitación de Lucy; así mismo esa sombra, al huir, deja un reguero de sangre en el suelo. Complejos no sólo en lo visual, también en lo sonoro, todo un alarde de destreza. También es un alarde de recreación histórica, este momento, con la transfusión de sangre. Pero todos los objetos de esta película están muy cuidados: fonógrafos, máquinas de escribir, tocadiscos… Es decir, por primera vez se tomaron muy en serio crear un tejido histórico que hiciera más espeluznante la historia.

El hada verde

La famosa secuencia de la absenta está hecha con algunos de los más antiguos efectos visuales que se conocen, y así lo quería Coppola, para lograr un extraño y absorbente equilibrio entre modernidad y apariencia de primeros años del cine. Ambos amantes experimentan una serie de regresiones temporales que logran que el pasado se toque con el presente y los libere. Hay romanticismo pero también una sexualidad explícita en la dirección de actores de ambos intérpretes (Oldman y Ryder espléndidos…). A los planos se les superponen algunas imágenes del pasado (concretamente, las del prólogo, y otras como ilustraciones de Transilvania). El collage visual, por tanto, se acentúa.

Pero la historia de amor se rompe, porque Harker escapa de su cautiverio en Rumanía, y Drácula se venga terminando con Lucy, con lo que tenemos una secuencia que es pareja natural de aquella en la que llega a Londres, por superponer varios escenarios y situaciones. Ambas funcionan como dos pinzas, dos pilares, sobre los que se sostiene todo este grandioso bloque, que además en la novela, es el mejor escrito, el más oscuro y misterioso, y aquél en el que Stoker alcanza la categoría de maestro literario. Y si en el primer bloque la idea unificadora era la tormenta marina, en este existe cierto tono de trance sensorial adecuado a la muerte de Lucy, además del viento invocado por el vampiro.

Por supuesto, la reminiscencia al bautizo de Anthony en ‘El Padrino’, es ineludible. Aquí tenemos de fondo, no un bautizo, sino la boda de Mina y Harker. La única pega que puede ponerse a este clímax es que no participe en él Van Helsing, que deja a los demás hombres a cargo de Lucy mientras va a llenarse el estómago. A este respecto cabe defender a capa y espada el trabajo de Hopkins, que aún no había recibido el Oscar como Hannibal Lecter cuando filmó ésta. Su Van Helsing es, seguramente, el más salvaje y alocado de todos los que en el cine han existido. Y esto a algunos les chocó, y al que suscribe le parece un acierto, pues ¿quién puede vencer a este poderoso vampiro sino un tipo tan salvaje como él?

En el ataque final, el vampiro se transforma por entero en un lobo, y veremos a un lobo real abalanzarse bestialmente sobre el cuello de Lucy (cuyos gritos y gemidos a menudo provienen de la exquisita voz de Diamante Galant), y acabar por fin con su vida, con cortes directos de Mina y Jonathan besándose recién casados (y con un homenaje directo, en esa habitación llenándose de sangre, a ‘El resplandor’, de Kubrick). Sin duda, el conde siente cómo Mina está con otro hombre, y se venga siendo especialmente cruel con su víctima. La escena de su funeral está directamente inspirada en ‘Blancanieves y los siete enanitos’, con ese ataúd de cristal.

Antes de la recta final obtenemos una secuencia que rivaliza en horror con cualquiera de Fisher u otras que nos muestran a los vampiros no como ángeles caídos, sino como criaturas del averno. Me refiero, claro está, a la escena en que decapitan a la pobre Lucy, convertida en una furcia sanguinolenta. Hay muchas cosas en esta secuencia que la convierten en algo inolvidable, como algunos planos filmados al revés (cuando el vampiro se introduce en su ataúd, por ejemplo), o momentos impensables pocos años atrás, como el vómito de sangre en el rostro de Van Helsing.

En cuanto al contraataque de Van Helsing y su grupo de caza-vampiros, esto merece ser tratado en profundidad en el siguiente y último capítulo sobre ésta película, para no cansar a nuestros lectores. Pero antes de eso, un Breve Interludio:

Breve Interludio: Los Actores

Para terminar, en cuanto al grupo de actores, puedo comentar las siguientes notas: me parece un grupo de actores bien cohesionado, pero con matices. Puedo defender a muerte las caracterizaciones y la valentía de Gary Oldman, Anthony Hopkins y Winona Ryder, que se dejan la piel en su trabajo, dando lugar a una nueva visión en torno a tres personajes que hemos visto hasta la saciedad en el cine. En cuanto al reparto de secundarios, pues creo que hay inteligencia en cuanto a las elecciones, sobre todo en la memorable interpretación de Tom Waits como Renfield, que culmina una serie de participaciones con Coppola realmente notable.

Tengo mis problemas con Keanu Reeves, un actor que siempre me ha parecido mediocre y muy blando, pero supongo que da el reflejo perfecto al salvaje y sexual conde. No era fácil dirigir a este grupo de actores, y pienso que Coppola lo hizo con su habitual pericia en la dirección de actores.

Estudio F.F. Coppola en Blogdecine

• Francis Ford Coppola, el artista maldito
• Francis Ford Coppola, loco por el cine
• Francis Ford Coppola, un hombre de familia
• ‘El padrino’, cinco hijos y un padre
• ‘El padrino’, el destino de Michael
• ‘El padrino’, manchándose el traje de sangre
• ‘El padrino’, paraísos perdidos
• ‘El padrino’, obra maestra
• Francis Ford Coppola, una nueva vida
• ‘La conversación’, el sonido de la soledad
• Francis Ford Coppola, regresa Michael Corleone
• ‘El padrino, parte II’, el origen de los Corleone
• ‘El padrino, parte II’, la herencia de Michael
• ‘El padrino, parte II’, el hermano de Michael
• ‘El padrino, parte II’, la decisión de Vito
• ‘El padrino, parte II’, perdiendo a la familia
• Coppola en el corazón de las tinieblas
• ‘Apocalypse Now’, soñando con la jungla
• ‘Apocalypse Now’, terminar al coronel
• ‘Apocalypse Now’, por el camino de baldosas amarillas
• ‘Apocalypse Now’, cabalgando helicópteros
• ‘Apocalypse Now’, nunca salir de la lancha

• ‘Apocalypse Now’, el puente de Do-Lung

• ‘Apocalypse Now’, la plantación francesa

• ‘Apocalypse Now’, el campamento de Kurtz

• ‘Apocalypse Now’, el fin de toda razón

• Coppola y el cine electrónico

• ‘Corazonada’, frágil colorido

• ‘Rebeldes’, juventud dorada

• ‘La ley de la calle’, el Chico de la Moto reina

• ‘The Cotton Club’, música desalmada

• ‘Peggy Sue se casó’, juventud sin juventud

• ‘Jardines de piedra’, el dolor de una ausencia

• ‘Tucker, un hombre y su sueño’, Coppola contra todos

• ‘El padrino, parte III’, Francis Ford Corleone

• ‘El padrino, parte III’, Mary Coppola

• ‘El padrino, parte III’, sangre nueva

• ‘El padrino, parte III’, un destino doloroso

• ‘El padrino, parte III’, el arte como confesión y redención

• ‘Bram Stoker’s Dracula’, la renovación de un mito

La sangre es la vida…y será mía…

-Vlad Tepes

En los fabulosos comentarios del director de la edición en DVD de esta película, y en su introducción, Coppola asegura que el conde Drácula está basado en un personaje histórico, el noble rumano conocido como Vlad “El Empalador” Tepes. Esto es inexacto, por lo que me veo obligado, de forma temeraria pero también honesta, a corregir al maestro. Stoker no se basó en Vlad Tepes, simplemente cogió el nombre por el que se le conocía, Dracul, que leyó en un añejo volumen llamado ‘An Account of the Principalities of Vallachia and Moldavia’. De hecho se basó más en personajes reales como la condesa Erzsébet Báthory, y en su propio jefe, el histrión Henry Irving (uno de los actores más famosos de la época, y que estaba destinado a interpretarlo).

Esto se puede documentar en la maravillosa biografía escrita por Barbara Belford sobre el escritor, o en la que quizá es una de las mejores ediciones de ‘Dracula’ del mundo, la que sacó Valdemar en 2005 (con valiosísimas informaciones compiladas por su traductor y prologuista Óscar Palmer Yáñez). Pero lo cierto es que con el estupendo guión de James V. Hart (con toda probabilidad, lo mejor que ha hecho en su vida este irregular escritor) y con el tratamiento visual de la historia por parte de Coppola, realmente parece que nos cuentan una página perdida de la historia de Europa.

Un prólogo legendario y un primer tercio sorprendente

Con unas imponentes notas a piano que parecen amenazadores tañidos de campanas infernales (la música es obra del genio Wojciech Kilar, que saltó a la fama mundial con este imponente score) pasamos a una recreación en maqueta de la famosa cúpula de Constantinopla, y a una poderosa imagen del derribo de su cruz cristiana por el signo de la media luna musulmana. Un mapa de Europa con la sombra de la media luna avanzando a través. Un brazo protegido por una armadura roja y empuñando una espada se opone a esa sombra.

El prólogo de esta película establece de manera rotunda el tono visual, emocional y lírico de esta película. Un prólogo hecho con cuatro cuartos, pero muy bien planificado, inspirado en parte en ‘Iván el Terrible’ (Eisenstein, 1944/1958) y en ‘Campanadas a medianoche’ (Welles, 1966), y cuya batalla está resuelta con sombras sobre fondo rojo al modo de un guiñol de marionetas, para ocultar el bajo presupuesto de que disponían. Además, ya percibimos que a pesar de estar inmersos en plena época de cambios informáticos (la excepcional ‘Terminator 2’ se había estrenado un año antes, asombrando a los espectadores con su villano de metal líquido) Coppola había optado por un estilo de efectos más antiguos, pasados de moda, pero puestos al día.

Así, cuando Elizabetha, conociendo la (falsa) muerte de su amado, se suicida lanzándose al Río Princesa, está claro que tanto las nubes del cielo como las que rodean el castillo, son falsas. Pero el efecto que producen, mostrando tan directamente su falsedad, es una teatralidad cómplice con el espectador que ya se ha perdido en el cine (por cierto que el plano es un homenaje a la película preferida de Coppola de terror, el icónico ‘Nosferatu’ de Murnau, 1927). Se emplean con asiduidad, también, los planos combinados (una imagen de otro plano dentro del plano, como un ensueño), pero todos los efectos son ‘a cámara’.

El príncipe Vlad renuncia a Dios por el dolor de su esposa muerta, a la que la Iglesia maldice por haberse suicidado, y arroja el agua bendita mezclándola con la sangre de ella. Clava la espada en la cruz, y de ella brota sangre como de un animal herido. Es un ángel caído que lo dio todo por una causa y no obtuvo más que dolor. El escenario, una sencilla capilla, diseñado por Thomas Sanders y Andrew Precht, deviene un sangriento collage de imaginería cristiana, la más oscura y violenta de todas las religiones. Este prólogo magistral es uno de los mejores bloques de la película, sin duda.

A partir de aquí el guión sigue bastante fiel al libro en cuanto a los hechos. Jonathan Harker (un inexpresivo y sosísimo, como acostumbra, Keanu Reeves, y el mayor miscasting de la película) se despide de su prometida Mina (guapísima y espléndida Winona Ryder, a quien Coppola perdonó haberle dejado tirado a última hora para ‘El padrino, parte III’) que parece mucho más lujuriosa que en la novela, pues devora a Harker a besos. Harker es enviado a Transilvania, como sabemos. Una elegante (y absurdamente criticada) transición en la que el ocelo de un pavo real se transforma en un túnel a través de las montañas da paso al viaje hacia lo desconocido.

Todo el segmento de Harker en Transilvania es el más barroco, imaginativo, alocado y fastuoso de la entera carrera de Francis Ford Coppola. Y todo ello rodado a cámara, insistimos. Así, tenemos en primer término el diario de Jonathan, y proyectada en él a la sombra del tren en el que viaja; el castillo de Drácula (que asemeja un hombre torturado sentado en su trono si observamos bien) que es una maqueta pintada en cristal superpuesta al plano en el interior de un estudio… De hecho, aunque parezca asombroso, toda la película está filmada en estudio.

Una vez que llega al castillo, obtenemos una impresionante creación sonora de ambientes, ecos y gemidos que parecen poblar el castillo (no en vano, uno de sus tres Oscar lo ganó a los Efectos Sonoros de Tom C. McCarthy y David E. Stone), además de unas sombras que parecen actuar de forma ajena a sus dueños (un efecto artesanal más complicado de lo que parece). En cuanto al conde, se aleja de manera consciente y radical, de otras iconografías famosas del mismo, como el mítico frac inmortalizado por Bela Lugosi. Tan establecida estaba esa imagen hasta la llegada de los vampiros de Anne Rice, que la gente se disfrazaba de vampiro poniéndose un frac, quizá con una pajarita roja…

De manera progresiva, Harker va comprendiendo que está en serio peligro y que su anfitrión tiene algo de diabólico. En esa progresión hay varios momentos inolvidables, como cuando le arrebata algunas preciosas gotas de sangre de su hoja de afeitar, cuando observa al conde bajar reptando por el muro del castillo, o la ya famosa secuencia erótica con las novias de Dracula. Coppola las quería a todas completamente desnudas, pero aunque no se salió con la suya, la escena es verdaderamente subyugante. Ahí tenemos a tres diablesas (una alucinante Monica Bellucci en su primer papel en cine, junto a Michaela Bercu y Florina Kendrick, esta última rumana, por cierto) haciendo enloquecer a Harker de sexo y voluptuosidad.

Cuando Dracula aparece (con un efecto, como los de todas las apariciones de las chicas, propio del repertorio de un mago de feria) Harker, ahora, enloquece de horror. Pero enseguida volvemos al sexo (esta es, desde luego, una película sobre el sexo) con la muy sensual relación de Mina y Lucy (una sexy Sadie Frost, de quien esperábamos más cosas de las que ha hecho), que a la llegada del Conde, y empapadas de lluvia, jugueteando en el laberinto del jardín de Lucy, se besan de manera poco casta, por decirlo de alguna manera. Pero de la fenomenal secuencia del desembarco hablaremos en el siguiente capítulo, con calma, pues lo merece.

Estudio F.F. Coppola en Blogdecine

• Francis Ford Coppola, el artista maldito
• Francis Ford Coppola, loco por el cine
• Francis Ford Coppola, un hombre de familia
• ‘El padrino’, cinco hijos y un padre
• ‘El padrino’, el destino de Michael
• ‘El padrino’, manchándose el traje de sangre
• ‘El padrino’, paraísos perdidos
• ‘El padrino’, obra maestra
• Francis Ford Coppola, una nueva vida
• ‘La conversación’, el sonido de la soledad
• Francis Ford Coppola, regresa Michael Corleone
• ‘El padrino, parte II’, el origen de los Corleone
• ‘El padrino, parte II’, la herencia de Michael
• ‘El padrino, parte II’, el hermano de Michael
• ‘El padrino, parte II’, la decisión de Vito
• ‘El padrino, parte II’, perdiendo a la familia
• Coppola en el corazón de las tinieblas
• ‘Apocalypse Now’, soñando con la jungla
• ‘Apocalypse Now’, terminar al coronel
• ‘Apocalypse Now’, por el camino de baldosas amarillas
• ‘Apocalypse Now’, cabalgando helicópteros
• ‘Apocalypse Now’, nunca salir de la lancha

• ‘Apocalypse Now’, el puente de Do-Lung

• ‘Apocalypse Now’, la plantación francesa

• ‘Apocalypse Now’, el campamento de Kurtz

• ‘Apocalypse Now’, el fin de toda razón

• Coppola y el cine electrónico

• ‘Corazonada’, frágil colorido

• ‘Rebeldes’, juventud dorada

• ‘La ley de la calle’, el Chico de la Moto reina

• ‘The Cotton Club’, música desalmada

• ‘Peggy Sue se casó’, juventud sin juventud

• ‘Jardines de piedra’, el dolor de una ausencia

• ‘Tucker, un hombre y su sueño’, Coppola contra todos

• ‘El padrino, parte III’, Francis Ford Corleone

• ‘El padrino, parte III’, Mary Coppola

• ‘El padrino, parte III’, sangre nueva

• ‘El padrino, parte III’, un destino doloroso

• ‘El padrino, parte III’, el arte como confesión y redención

Hace poco os hablaba de un estimable film de terror (del bueno, se entiende) perteneciente a una época en la que los efectos visuales no inundaban la película para ahogarla completamente (si hacemos una lista con films en los que se cumpla ese elemento, ésta podría ser interminable); hoy toca hacerlo sobre ‘La semilla del mal’ (‘The Unborn’, David S. Goyer, 2008), película que se estrenó allá por enero, y desde hace un mes ya está disponible en DVD, para la tortura y desesperación del pobre consumidor.

‘La semilla del mal’ (¿no pudieron titularla ‘El no nacido’, verdad?, no, tenían que lucirse de esta forma tan pobre) supone el nuevo intento de David S. Goyer de querer parecer un director de cine, y lo cierto es que le iría bastante mejor como guionista, siempre y cuando sus libretos sean adaptados por otra persona. No por él mismo, entre otras cosas porque como director acentúa aún más los errores de un guión que no es que sea penoso, es que es simple y llanamente el más ridículo y delirante que se haya visto en una película de terror en años.

El film nos narra la increíble historia de una chica de muy buen ver (Odette Yustman, capaz de competir por ser más cachonda que la mismísima Megan Fox, actriz que cuando abre la boca a uno le entran unas ganas increíbles de salir corriendo, a no ser que con la boca se disponga a otros menesteres que no requieran el uso de vocablos), que empieza a ser acosada por el fantasma de un niño al que parece le han dado una somanta de hostias para luego ahogarlo. Pronto descubrirá que existe una especie que puede controlar a los seres humanos mediante posesiones de recién nacidos. Nuestra querida cachondita se pondrá en contacto con un cura que es la repera en tema de exorcismos para que termine con su sufrimiento, mientras el del espectador no finaliza.

‘La semilla del mal’ pretende asustarnos desde el comienzo, con extrañas y taquicárdicas apariciones, y pretendiendo crear una atmósfera de terror enfermiza que ni por asomo se produce. Llevados tres cuartos de hora de visionado, uno empieza a pensar en un montón de películas que Goyer ha tomado como referente, pero de las que demuestra no haber aprendido nada. El director intenta despistarnos sobre un elemento fundamental en la trama, pero que cualquier espectador avispado por experimentado adivinará enseguida. Basta con fijarse en el título (me refiero al original, porque el español es una clara referencia a un famoso film de Roman Polanski, al que afortunadamente el trabajo de Goyer no se parece ni lo más mínimo), con mirar a la cahondita, con sumar dos y dos, y ya está. Pero el camino recorrido hasta que tan secreta información nos es revelada, es uno de los más delirantes que se recuerdan.

Madres que abandonan a sus hijos, niños muertos antes de nacer, secretos de familia, la Alemania nazi (¿¿??), y muchas más cosas sin sentido (en conjunto), desfilan por delante de nuestros asombrados ojos. Pero sin duda, el elemento digno de estudio es el personaje al que da vida un más que despistado Gary Oldman, que da vida a un experto en sacar demonios del cuerpo. Uno no se explica cómo los que aprobaron el guión no vieron que dicho personaje era patético hasta decir basta. Llega con la escena del cuerno trompeta para echarnos las manos a la cabeza y hacer una de estas dos cosas: o reír o llorar. ¿Alguien ha pasado más vergüenza ajena viendo una película? (es una pregunta retórica, no os molestéis).

Respecto a nuestra cahondita, que repito se llama Odette Yustman, pues se dedica precisamente a eso: a salir lo más cachonda posible, hasta cuando se despeina en alguna presumible escena de acción, todo parece perfectamente diseñado en su aspecto, muy bien calculado para que los trogloditas como un servidor, saquemos a relucir nuestros más bajos instintos babeando inútilmente por la moza mientras el argumento de la película nos importa un pimiento. Eso sí, cuando a ratos (o sea, cuando la cachondita no aparece en pantalla) recobramos la serenidad, uno se lamenta en ver metido en este berenjenal sin sentido a un actor como Idris Elba, que evidentemente no es Morgan Freeman, pero el haber dado vida a Stringer Bell en ‘The Wire’ merece todos mis respetos.

‘La semilla del mal’ no tiene nada aprovechable, ni siquiera el tomársela con sentido del humor, que es la mejor actitud posible ante bodrios de este calibre. Deberíamos abrir una nueva sección de películas ridículas, porque dentro de poco os hablaré de otras dos (una de ellas muy, muy, muy taquillera). Mientras intento no olvidarlas (la ventaja del mal cine es que permanece muy poco en la memoria), me retiro a mis aposentos a escribir sobre esa clase de hombres que se pegan a las mujeres todo el día, pero son incapaces de acostarse con ellas.

Hacía meses que se estaba preparando la película de ‘Warcraft’, pero no ha sido hasta esta semana cuando Legendary Pictures y Blizzard Entertainment han encontrado por fin al director que se encargará de dirigirla. Se trata de Sam Raimi, al que creo que ya no hace falta presentar. Raimi, del que veremos pronto en España su última película, ‘Arrástrame al infierno’, trabajará en la adaptación de ‘World of Warcraft’ una vez que termine su compromiso con ‘Spider-Man 4’, que ahora mismo es su próximo proyecto.

También se sabe ya que la adaptación será en acción real, no de animación, y que tiene un presupuesto estimado en unos 100 millones de dólares. Por otro lado, se ha asegurado que la película de ‘Warcraft’ no tratará sobre un viaje, estilo ‘El señor de los anillos’, sino que se centrará más en las crecientes tensiones entre las razas de su propio universo, que eventualmente acabarán por entrar en guerra.

Supongo que los numerosos fans del videojuego se sentirán mucho más tranquilos (que se haga una película de esto debe suponer un primer shock) sabiendo que se están tomando en serio el proyecto y que contarán con mucho dinero para trasladarlo al cine. Para los que aún no lo hayáis visto, arriba os he dejado un tráiler de ‘World of Warcraft: Wrath of the Lich King’, una estupenda pieza de tres minutos.

Pronto, desde que ‘El caballero oscuro’ empezó a arrasar en Estados Unidos, enamorando a público y crítica, surgieron ya los primeros rumores sobre su continuación. Pronto no, demasiado pronto. Aunque los actores principales firmaron por tres películas, parece que Christopher Nolan ni hizo lo mismo y que ‘Batman 3’ no entraba en sus planes más próximos (no creo que nadie conciba la idea de una tercera parte sin él a los mandos, ¿cierto?). Todos nos creímos, porque sonaba fantástico, lo que soltó un bromista Michael Caine cuando dijo que Johnny Depp iba a interpretar a Enigma y que Philip Seymour Hoffman sería El Pingüino, pero no era más cierto que ese otro rumor que señalaba que Nolan quería a Cher para que diera vida a Catwoman.

Luego se dijo que Eddie Murphy sería Enigma y Shia LaBeouf interpretaría a Robin… o que Christian Bale iba a ser sustituido por otro actor más viejo. Pero la verdad es que oficialmente no se había empezado a hablar del reparto, todavía. Christopher Nolan estaba inmerso en su siguiente trabajo, ‘Inception’ (con Leonardo DiCaprio y Ken Watanabe), actualmente en fase de rodaje, y no había nada nuevo sobre ‘Batman 3’ o ‘Gotham’, que es como se dice que se titulará la tercera entrega (eso o ‘El regreso del caballero oscuro’, ¿cuál os gusta más?). Los últimos rumores apuntaban a que el hombre murciélago no volvería a los cines hasta dentro de unos años, dando a entender que Nolan no tenía ninguna prisa y hasta que no encontrara una gran idea para la tercera entrega, no se haría nada.

Bueno, pues puede que ya la haya encontrado, quizá en el set de ‘Inception’. Al menos, es lo que se desprende de las últimas declaraciones de Gary Oldman, Jim Gordon en las películas de Nolan sobre Batman. Según el actor, en un acto de promoción de su nuevo trabajo, ‘The Book of Eli’, el rodaje de la continuación de ‘El caballero oscuro’ comenzará en 2010, por lo que estará lista en un par de años. Si esto es cierto, y no ocurre como con lo de Caine, el estreno de ‘Batman 3’ será en 2012.

PD: Quentin Tarantino está pensando ahora en un western, tras adentrarse en el cine bélico. Podría ser su siguiente película.

Vía | Blizzard, Worstpreviews

Aquí tenéis el primer tráiler completo de ‘Planet 51’, una de esas películas que están fabricadas para barrer en taquilla; tiene pinta de que será uno de los éxitos más sonados de este 2009. Y la cosa graciosa es que es española, aunque no lo parezca. Quizá ahí está la clave, en que el público no sepa de dónde viene el producto.

Dicho eso, con la única intención de saber vuestra opinión al respecto, añado que el tráiler me parece bastante malo. Es decir, se supone que debía hacerme reír, digo yo, pero no lo ha logrado ni una sola vez. Lo más ocurrente ya estaba en el primer teaser que sacaron, no han aportado nada gracioso en este avance, sólo escenas que nos recuerdan a tropecientos títulos anteriores. Sí, claro, la animación es bestial, fantástica, mi enhorabuena más sincera sobre eso, pero da la impresión (y no creo equivocarme) que todo eso cubre un guión de lo más pobre.

Y hablando de eso, os recuerdo que ‘Planet 51’ (by Jorge Blanco, Javier Abad y Marcos Martínez) tendrá el honor de ser la película más cara de nuestro cine, ya que al parecer ha costado en torno a 55 millones de euros. Una cifra que varía dependiendo del sitio donde lo mires, pero que en cualquier caso es una auténtica salvajada. A ver si logran recuperar la inversión, por lo pronto cuentan con Dwayne Johnson (La Roca), Jessica Biel, Justin Long, Seann William Scott, Gary Oldman y John Cleese para poner las voces que oirán los norteamericanos, cuando la película se estrene en ese país, el próximo 20 de noviembre. La fecha para España es una semana más tarde.

PD: ¿Se nota que el guión lo ha escrito el mismo tío que escribió las dos primeras de ‘Shrek’?

Vía | TheMovieBox