Llegamos al final del especial dedicado a John McTiernan, con las dos últimas películas que ha dirigido de momento. Lo cierto es que hablar del firmante de maravillas como ‘Jungla de cristal’ (‘Die Hard’, 1988) o ‘El guerrero nº 13’ (‘The 13th Warrior’, 1999), es un placer siempre y cuando sean esas las películas que toque analizar o debatir. Está claro que no todo el mundo lo hace todo bien, y director con el 100% de efectividad no existe —salvo Charles Laughton—, pero que los últimos títulos de un realizador como McTiernan alcancen unos niveles tan ínfimos como los de las películas que hoy nos ocupan, es algo que llena de pena a cualquiera. ‘Rollerbal’ (id, 2002) y ‘Basic’ (id, 2003) ponen en evidencia lo que en ‘El secreto de Thomas Crown’ (‘The Thomas Crown Affair, 1999) era simplemente sospecha, que McTiernan estaba perdiendo su mano, aquella que le coronó, al menos para el que esto firma, como el mejor director de cine de acción que ha habido.

Y precisamente la acción de sus dos últimas obras están filmadas con el nervio y la precisión de siempre, pero ahí se acaba todo. Los elementos típicos del cine de McTiernan no asoman por ningún lado, y se apoya en otro tipo de características, en otro tipo de cine. Después de su reinterpretación de un film de Norman Jewison, vuelve a la filmografía de éste, adaptando uno de sus film de culto, ‘Rollerball’ (id, 1975), convirtiéndola en un chiste. Parecido a lo que luego hizo con su juguete con John Travolta, un imposible film de suspense, con ecos de ‘Rashomon’ (id, Akira Kurosawa, 1950) y ‘Sospechosos habituales’ (‘The Usual Suspects’, Bryan Singer, 1995). Para desgracia del espectador/cinéfilo, McTiernan hacía cine reciclado estropeando una filmografía casi ejemplar que había sentado las bases de mucho del cine moderno de evasión.

Denuncia a toda velocidad

En 1975, William Harrison, basándose en un relato corto propio, escribía el guión de ‘Rollerball’, entretenida película que especulaba con un futuro aterrador a través de un sangriento deporte de masas, y no negaba connotaciones políticas de envergadura. James Caan era su protagonista y el resultado, sin ser ninguna obra maestra, aún resulta apreciable a día de hoy. La decisión de McTiernan de hacerse cargo de un remake vendido a las inquietudes del espectador moderno, al que no le gusta pensar y va al cine a hacer de todo menos centrarse en lo que tiene delante, la película, sorprende hasta al más crédulo. Con la intención de convertir el film original en una especie de Fast & Furious futurista destinado a los más jóvenes, ‘Rollerbal’ se convierte en un corto relato de acción que no aprovecha si quiera su condición de broma. En unos tiempos en los que las audiencias televisivas parecen más importantes de lo que realmente son, las posibilidades de denuncia del film pasan tan rápido como sus protagonistas jugando al peligroso deporte que practican.

De esta forma, ‘Rollerbal’ no ofrece nada más que lo que les interesaba a sus productores, acción, acción, acción y alguna teta. El esquemático argumento nos lleva a un país europeo en el que para olvidar las desgracias económicas el pueblo se divierte asistiendo a un deporte en el que soltar toda su rabia e inconformismo social. Cuando en uno de los partidos se produce un desgraciado accidente, los productores del evento comprueban que la audiencia se dispara. Es entonces cuando en los partidos empezarán a ocurrir incidentes cada vez más sangrientos. Todo por cuotas más altas, y evidentemente los héroes de la función no lo van a permitir, aunque estén representados en Chris Klein, de sospechoso parecido con Keanu Reeves, actor al que se le ofreció el papel central. En cualquier caso todo un error de casting, y es que no todo el mundo tiene piel de héroe y menos en un film de McTiernan.

El pulso de antaño del director hace acto de presencia pocas veces. El espectacular inicio, una persecución en patín por las calles de San Francisco, es una de ellas; y la huida nocturna a moto otra. Pero son secuencias aisladas que nada aportan al film, al contrario. En ellas se puede vislumbrar de lo que McTiernan es capaz con una cámara, pero su efectividad se termina enseguida. Si a eso le añadimos que un actor como Jean Reno, con la responsabilidad de hacer de villano, está muy pasado de rosca y su personaje parece una caricatura, el desastre está servido. Cuenta la leyenda que McTiernan tenía un montaje previo mucho más sangriento y espectacular, y que cuando enseñó su película en un pase privado a Harry Knowles, conocido crítico, éste la destrozó en su página. Los productores se preocuparon y remontaron el film una y otra vez, retrasando su estreno bastantes meses. Segunda vez, pues, que McTiernan ve cómo alteran su obra hasta reducirla a un amasijo de imágenes que provocan el rechazo. Evidentemente fue un fracaso merecido.

Vamos a contar mentiras

La última película por el momento de John McTiernan ya data del 2003. Se trata de la puesta en imágenes de un libreto firmado por el interesante, y también desconcertante, James Vanderbilt. En el currículum de este escritor tenemos los guiones de films tan serios como ‘Zodiac’, la obra maestra de David Fincher, o films más desvergonzados como ‘El tesoro del Amazonas’ (‘The Rundown’, Peter Berg, 2003) o ‘Los perdedores’ (‘The Losers’, 2010), dos películas muy poco valoradas en mi opinión. Que el germen de la idea se encuentre, intencionadamente o no, en películas como ‘Rashomon’ de Kurosawa o ‘Sospechosos habituales’ de Singer resulta de lo más atractiva teniendo detrás de la cámara a alguien tan bueno como McTiernan. Los deseos de ver una buena película firmada por McTiernan después del desastre de ‘Rollerbal’ parecían verse cumplidos en este proyecto. Pero nada más lejos de la realidad. Siendo superior a su trabajo previo, ‘Basic’ es un juego inofensivo, una especie de rompecabezas que, una vez descubierta la solución, pierde toda su gracia y evidencia sus descaradas trampas.

La historia versa sobre un agente de la DEA (John Travolta), antiguo militar, encargado del interrogatorio de un soldado que sobrevivió a un misterioso entrenamiento en la selva de Panamá y del que fue el único que regresó con vida al lado de un compañero mal herido. Poco a poco, y pregunta a pregunta, irá saliendo a la luz la verdad, que es mucho menos impactante de lo que cabría esperar. La versión de lo sucedido va cambiando ofreciendo nuevas pistas para la solución, nuevos enfoques y cómo no, mentiras por doquier. Así sucedía también en las citadas obras de Kurosawa y Singer, odas a la mentira donde las haya, juegos en clara complicidad con el espectador sabedor de que todo lo que se ve en una pantalla es ficción. El problema del film de McTiernan no es que éste u otro personaje mienta, y veamos esa mentira en pantalla, como despiste provocado a conciencia, sino el querer rizar el rizo con la solución final en la que descubrimos la verdad de todo. Si el interrogador y el interrogado forman parte de un equipo destinado a desenmascarar un turbio asunto de drogas, ¿a qué vienen los numeritos de psicología barata? El juego con el espectador se pasa de rosca. El descubrimiento de la identidades está mal explicado por cuanto es casualidad, y sinceramente, que el culpable de todo llame al único hombre que puede descubrir la verdad suena a tomadura de pelo.

John Travolta, con sus habituales tics, no está a la altura de sus compañeros de reparto, una siempre atractiva Connie Nielsen, que hace lo que puede con su esquemático personaje, y un chillón, como es de costumbre en él, Samuel L. Jackson, una de las claves de la investigación. Todos ellos entregados a un juego en el que como siempre, lo más destacable es el uso de la cámara por parte de su director. Una vuelta a la jungla, como en su primer éxito ‘Depredador’ (‘Predator’, 1987), donde demuestra filmar con habilidad, y lluvia, mucha lluvia, que crea una atmósfera de confusión hasta cierto punto muy adecuada. No llega ni de lejos para paliar la sensación final de vacío, y sin llegar a los bajos niveles de ‘Rollerball’, supone otro traspiés de McTiernan, del que parece no haberse recuperado, algo en lo que sus problemas con la justicia probablemente han tenido que ver.

Acaba aquí el especial sobre un director que revolucionó el cine de acción con su mirada. No sabemos si veremos alguna nueva prueba de su talento, pero al menos nos quedan sus grandes películas. Haciendo un repaso, creo que las tres mejores de su filmografía son, por orden: ‘Jungla de cristal’ (‘Die Hard’, 1988), ‘El guerrero nº 13’ (‘The 13th Warrior’, 1999) y ‘Los últimos días del edén’ (‘Medicine Man’, 1992)

Especial John McTiernan en Blogdecine:

• ‘Nómadas’
• ‘Depredador’
• ‘Jungla de cristal’
• ‘La caza del octubre rojo’
• ‘Los últimos días del edén’
• ‘El último gran héroe’
• ‘Jungla de cristal. La venganza’
• ‘El guerrero nº 13’

• ‘El secreto de Thomas Crown’

Por fin ve la luz el nuevo trabajo de Kenneth Lonergan. Aquí os traigo el cartel y el tráiler de ‘Margaret’, una película que debía llegar a los cines en 2007, pero se retrasó por fuertes diferencias entre el cineasta y Fox Searchlight sobre la duración que debía tener el montaje final (un asunto que acabó en los tribunales). Finalmente, con la ayuda de Martin Scorsese y la editora Thelma Schoonmaker, la película se estrenará de forma limitada el próximo 30 de septiembre en Estados Unidos con un metraje de 150 minutos. Media hora menos de lo quería Lonergan, pero viendo el avance no da la sensación de que la historia necesite tanto tiempo. Ya veremos, si es que la traen por aquí, aunque imagino que lo harán, tarde o temprano, teniendo en cuenta algunos de los nombres del elenco.

Escrita y dirigida por Lonergan (debutó en el año 2000 con ‘Puedes contar conmigo’), ‘Margaret’ está protagonizada por Anna Paquin (‘X-Men’, ‘True Blood’), a quien acompañan Matt Damon, Mark Ruffalo, Allison Janney, Kieran Culkin, Kristen Rytter, Olivia Thirlby, Matthew Broderick y Jean Reno, entre otros. En cuanto al argumento, se centra en una estudiante de instituto (Paquin, nacida en julio del 82) que se considera en cierta manera responsable de la muerte de una mujer en un accidente de tráfico; devastada y frustrada, se enfrenta a todos los que la rodean, hasta que descubre que sus ideales de juventud chocan con la realidad del mundo adulto.

PD: Damon suma 8 ya estrenos entre 2010 y 2011.

Vía | Impawards

Se podría decir que la filmografía de Luc Besson es irregular. Antes afirmaría que nos encontramos ante un director al que le gusta probar cosas diferentes y aproximarse a géneros o intenciones muy diversas y al que algunas cosas le salen y otras, no tanto. Aunque en Francia pueda tratarse del cineasta y del productor más norteamericano, no solo porque ha trabajado con idea de estrenar su cine en EE. UU., sino también por el tipo de películas que escoge; a pesar de ello, decía, se aprecia en su modo de realizar un espíritu sumamente francés, que se ve en los tempos detenidos y en la elección de planos o encuadres, pero también en la caricaturización de los personajes, en el diseño de producción, etc… y en una valentía en los temas de fondo que podría considerarse más europea. Podríamos decir que en su cine, Francia se cruza con EE. UU. y en la película que nos ocupa, ‘El profesional (Léon)’ (‘Léon’, 1994) ocurre más que nunca.

Jean Reno, Natalie Portman, Gary Oldman y Danny Aiello interpretan a los personajes de una historia de violencia que, tras presentarnos de forma llamativa —no nos muestra su cara hasta que supone un auténtico peligro— al primero en su oficio de “limpia”, nos muestra cómo los padres y hermanos de la segunda han sido asesinados por el tercero y sus secuaces. Reno, como Léon, no tiene más remedio que acoger a Portman, como Mathilda, en su seno y se resigna a enseñarle a utilizar las armas, a pesar de su corta edad. Pero ella lo que quiere es una venganza en toda regla contra los que mataron a su hermanito de cuatro años. El silencioso y solitario Léon no accede a esa petición y le recomienda que ella misma no la lleve a cabo.

Besson, también guionista de la cinta, escoge una estética cercana a la del cómic, alejada por completo del realismo, presentando a los personajes, especialmente a los antagonistas, de forma muy caricaturesca y acercándonos las acciones con una realización nada transparente. A las interpretaciones algo pasadas de tono –la de Oldman sobre todo—y el vestuario payasesco, se les unen los planos notorios, que dejan ver la mano del cineasta: mucho gran angular, encuadres cenitales, primerísimos primeros planos de angulación no habitual… Besson marca su película de acción como el ganadero sus reses para traspasar la frontera del encargo y dejar claro que tras el entretenimiento hay un autor. La elección de músicas es asimismo muy francesa, con temas pop no siempre adecuados al humor del momento, mezclados con un volumen que los hace muy presentes.

Si ‘El profesional (Léon)’ tuviese todo lo dicho, nos encontraríamos ante una película que habría despuntado sin duda y que en su año –hoy en día puede ser más habitual— llamaría la atención por la tranquilidad con la que se retrata la violencia e incluso la crueldad. Sin embargo, no es nada de eso lo que la hace tan especial o quizá única, sino la inclusión de un tema peliagudo, como es la relación entre los dos protagonistas, que, si bien nunca pasará de una atracción mutua, plantea la cuestión de la pederastia sin medias tintas. Una Natalie Portman de doce años que, a pesar de tener ya entonces un rostro bastante adulto, aún mostraba un cuerpecito infantil, juega a la inocencia y, sin mediar cambio, es capaz de conversaciones adultas y de picarescas provocativas, ante las que el protagonista solo tiene la opción de resistir. Provocaciones que, obviamente, se trasladan al espectador quizá para infundirle la misma duda o solo para dotar al film de un atractivo mayor.

Besson está haciendo equilibrios sobre una línea muy fina en lo que se refiere a las cuestiones morales y no solo por la pugna recién mencionada. Además de eso, presenta en el bando de los buenos a personajes cuyo oficio es matar y que no se arredran al liquidar a inocentes agentes que solo cumplen órdenes y en armar baños de sangre que diezman la población de Nueva York. Con la estrategia ya clásica de que el malo es aún peor como persona y más reprobable en cuanto a su comportamiento, el tema parece resuelto. (Spoiler) Salvo que consideremos que fueron los estadounidenses los que le sugirieron ese final en el que se demuestra la famosa frase de “el crimen siempre se paga” y en el que ella parece reformarse o, al menos, tratar de encaminar sus pasos en una dirección decente (fin del spoiler).

Los montajes

No soy de las que defienden los “director’s cuts” o las versiones extendidas como dogma, ya que en muchas ocasiones considero que la reducción de una película puede beneficiar el conjunto por mucho que se pierdan elementos sueltos de valor –en realidad, habría que ir viendo cada caso para dar una opinión, pero no defendería las opciones de los directores por sistema—. Sin embargo, en el caso de ‘El profesional (Léon)’, nos encontramos ante un remontaje confeccionado, no para dar mayor brío o progresión a una película lenta, sino para limar asperezas en el tema de la pedofilia y, como tal, es un montaje hecho de cualquier manera y, en definitiva, una chapuza.

La duración de dos horas y diez para una cinta de acción, con una trama tan lineal y sencilla, puede resultar excesiva –no sería la primera vez que le ocurre al director que escribió sobre el póster de ‘El gran azul’: “no vaya a verla, dura tres horas” –. No obstante, la intención de aligerarla se podría haber conseguido, si acaso, llevando a cabo una depuración concienzuda de cada una de las secuencias, que son bastante extensas de forma individual. En lugar de esto, el montaje de la versión estrenada elimina bloques enteros en los que Léon y Mathilda ensayan sus golpes y los repiten en diferentes edificios con diferentes víctimas, así como conversaciones entre ellos dos de tono ligeramente subido.

Al eliminar estos largos tramos, la película no se aligera, pero sí se desequilibra y, algo más grave: se pierden varios de eso que en jerga de guion se llaman “plantings” –como la anilla de la granada o el diálogo sobre dormir con un ojo abierto—y, tras eliminar esos “sembrados”, no se elimina su cosecha, por lo que los momentos subsiguientes se aprecian extraños. Al mismo tiempo, el conocimiento entre ellos dos y la progresiva cercanía que va deviniendo en cariño, así como el convencimiento de él de la necesidad de ayudarla, resultan atropellados y precipitados en un montaje que nos ha privado de casi todos los momentos de intimidad.

La versión que se estrenó en cines adolece de un problema grave de montaje. La parte de entrenamiento dentro del hotel, en la que ella aprende el manejo de las armas, limpia los cristales y enseña a Léon a leer y escribir se hace larga. En un montaje en total más extenso esta secuencia habría tenido una duración más cabal en proporción, incluso durando lo mismo de forma absoluta. Pero el montaje “theatrical” queda muy descompensado. La interpretación de Reno, que casi consiste en sorprender con su mera presencia en la versión de cines, en la extendida es mucho más completa y es solo en ella donde se le dan auténticas oportunidades de dejar entrever sentimientos o emociones.

El bloque no es largo únicamente en cuanto a su metraje, sino que también se supone que diegéticamente –es decir, para los personajes—ha transcurrido un tiempo considerable, pues no solo el “limpia” ya sabe leer, sino que le ha dado tiempo a perder unos cuantos encargos. Calcularía que han transcurrido algunos meses. Sin embargo, tras todo ello, Mathilda se acerca a su antigua casa y, no solo la policía sigue vigilante ante una escena del crimen que parece de ayer, sino que el criminal que, como todos sabemos, siempre regresa al lugar de autos, hace acto de presencia tal cual si todo hubiese ocurrido dos días antes. Trampa, torpeza o descuido, no lo sé y lo cierto es que, cuando vi esta película de joven en el momento de su estreno, no caí en ello. Puede ser algo en lo que ni Besson ni su montadora, Sylvie Landra, hayan parado mientes, pensando que ningún espectador repararía en ello y, de hacerlo, no le daría importancia.

En conclusión

‘El profesional (Léon)’ es una película de acción muy bien rodada, aunque de un modo muy particular, considerablemente violenta y entretenida hasta cierto punto. Tiene un ligero toque de humor y se basa en el carisma de sus intérpretes, más como impacto visual que como interpretaciones completas. Pero el elemento que la hace destacar es la inclusión de esa niña ya adolescente, que pasa de ser inocente a moverse como una auténtica Lolita provocando en el personaje del adulto y en el espectador sentimientos que sabe que debe rechazar. Esa valentía a la hora de vivir en la frontera en lo moral, no solo por esta cuestión sexual, sino también por el ejercicio despreocupado de la criminalidad por parte de unos supuestos “buenos”. Si se puede elegir el visionado, recomiendo encarecidamente el de la versión extendida que, aunque pueda hacerse algo largo, tiene un sentido que en el capado –o, podríamos decir, sin alejarnos mucho de la realidad, “censurado”—se pierde casi por completo. Tras todos estos años, la película sigue viéndose muy bien y probablemente sigue siendo la más disfrutable de Besson.

Ahora os toca a vosotros elegir cuál será la próxima película tratada en las “Críticas a la carta”. Dejad vuestras votaciones en comentarios. Gracias.

Mi puntuación:

La imagen que encabeza este texto pertenece a una de las secuencias más recordadas de ‘Ronin’ (id, John Frankenheimer, 1998), film que a finales de los 90 sorprendió por enfrentarse al moderno cine de acción desde una óptica más clásica, y que, en cierto modo, se adelantó a lo que más tarde veríamos en la saga Bourne, cuyas influencias del cine de los thrillers de los 70 es más que evidente. Pero antes de que Paul Greengrass de luciese con la espléndida tercera entrega de la saga, un artesano como John Frankenheimer nos dejó con la boca abierta con ‘Ronin’, que lejos de ser una gran película, sí es muy disfrutable —uno de los principales objetivos del séptimo arte creo que es hacer disfrutar al espectador—, y sirve de lección a otros directores con más millones en el banco, pero que de filmar acción no saben absolutamente nada.

John Frankenheimer jamás formará parte de la lista de grandes directores de la historia, llena de nombres repetidos hasta la saciedad. Pero sí forma parte de la lista de grandes artesanos, que lejos de dejar una huella imborrable en el cine, dejaron el suficiente número de películas, algunas de ellas imprescindibles, con las que honraron una profesión que con el paso de los años, y salvo excepciones, ha ido encaminándose hacia el abismo de la falta de personalidad, convirtiéndose en muchos casos en robots que firman productos prefabricados destinados única y exclusivamente a amasar grandes cantidades de dinero. No tengo nada en contra de ganar dinero, y menos en estos tiempos, pero aquí cuando hablamos de una película es lo que menos nos interesa. Lo que nos interesa es el buen cine, y en ‘Ronin’ lo encontramos. Tanto, que trece años después de su estreno, la película no ha envejecido ni un ápice. Si acaso lo contrario.

En la filmografía de Frankenheimer encontramos películas tan destacables como ‘El hombre de Alcatraz’ (‘Birdman of Alcatraz’, 1962), ‘Plan diabólico’ (‘Seconds’) —impresionante trabajo injustamente olvidado—, ‘El tren’ (‘The Train’, 1964), de la que hablaremos en mi próximo post, o ‘Los jóvenes salvajes’ (‘The Young Savages’, 1961), por citar algunos ejemplos nada más. Films que pertenecen a la mejor época de su director, los años 60, y que estaban cargados de cierta denuncia políticay/o social. Bien es cierto que a partir de finales de los 80 su cine degeneró un poco y se volvió, si se prefiere decir así, más ligero en sus realizaciones. Films de género, muchos de encargo, faltos ya de cierta profundidad, y en algunos casos llegando a niveles soporíferos como en ‘La isla del Dr. Moreau’ (‘The Island of Dr. Moreau’, 1996) no mostraban la mano de un Frenkaneheimer que en el pasado nos había hecho vibrar. Salvo quizá el caso que hoy nos ocupa.

Si algo tendríamos que echar en cara a ‘Ronin’ es su excesiva simplicidad argumental, por cuanto su historia no se reduce a nada más que un grupo de mercenarios enfrentándose por una maleta y su valioso contenido. El gran Mcguffin del relato, la maleta, algo de lo que Hitchcock estaría orgulloso, permanece como uno de los aciertos de un guión escrito a cuatro manos por J.D. Zeik y Richard Weisz, que no es otro que David Mamet utilizando un seudónimo. Sin embargo, no hay demasiada inspiración cuando se trata de dosificar cierto suspense en relación a algunos de los personajes y sus motivaciones, las cuales no quedan demasiado claras, haciendo que por momentos la historia sea algo incomprensible a pesar de su simpleza. Menos mal que el retrato de cierta forma de vida y el buen hacer de Frankenheimer detrás de la cámara logran que obviemos esas deficiencias de guión. O mejor dicho, no impiden el disfrute de un excelente producto de acción.

El título proviene de la leyenda —que de leyenda no tiene nada— de los 47 ronin. Samurais sin dueño que fueron traicionados y tras vengarse eligieron el camino del honor, suicidándose antes de ser mercenarios sin dueño. Así son más o menos, los mercenarios de ‘Ronin’. Hombres que no realizan preguntas, ni obtienen respuestas, son los mejores en su trabajo y el anonimato es su vida, al mismo tiempo que su maldición. Esa aureola de misterio y misticismo alrededor de una profesión tan vieja como la vida misma le queda muy bien a la película, apoyado además por una muy adecuada banda sonora de Elia Cmiral, cargada de melancolía, sobre todo por la utilización del instrumento de origen armenio, el duduk. Instantes íntimos que sobresalen en una cinta en continuo movimiento gracias a un ritmo que Frankenheimer maneja con envidiable pericia, sobre todo en sus estupendas escenas de acción.

Persecuciones en coche —probablemente las últimas grandes persecuciones realizadas en cine, reales, sin efectitos de ordenador—, tiroteos, persecuciones a pie, y demás, pueblan este puro entretenimiento que logra llegar más allá que muchas cintas de género. Y lo más importante: siempre sabemos qué ocurre en pantalla —aprende Michael Bay, que esta película es del 98 y tú a día de hoy sigues mareando al personal—, algo que debemos agradecer a la muy personal puesta en escena de su director, siempre consciente de donde coloca la cámara. Baste fijarse en instantes tan inspirados como aquel en el que el personaje de Robert De Niro, en uno de sus últimos grandes papeles antes de perderse en muecas de todo tipo, pide ayuda a un viejo conocido para que averigüe el paradero de otra persona mediante la señal de su teléfono móvil. Y cómo no, las dos persecuciones automovilísticas, a cada cual más emocionante.

Robert De Niro, Jean Reno —los dos actores con más feeling en el film, absolutamente necesario además—, Natasha McElhone —una preciosidad que no ha obtenido la fama que merece—, Sean Bean —probablemente el personaje peor tratado de toda la trama—, Stellan Skarsgård, Michael Londsdale, y Jonathan Pryce forman un elenco perfecto para una película que adaptándose a los nuevos tiempos no renuncia a cierto clasicismo, demostrando que las viejas historias, aquellas en las que los malos no son tan malos, ni los buenos tan buenos, en las que la traición y el amor perdido están a la orden del día, siguen siendo las mejores. Sin conservantes ni colorantes. Espectáculo bien entendido, sin pomposidad ni mil planos por segundo. Genuino.

Cuando vi los avances de ‘Blindado‘ (‘Armored’, Nimród Antal, 2009) y el suculento reparto que lo forma —Matt Dillon, Laurence Fishburne, Jean Reno y Fred Ward, entre los más famosos—, más una premisa argumental que nos hace rememorar los films de atracos o planes perfectos, me frotaba las manos ante la posibilidad de un buen thriller. En la década pasada nos quedamos casi todos alucinados con el atraco al furgón en ‘Heat’ de Michael Mann, una escena que pasaba por derecho propio a los anales del cine de acción, y que está en las antípodas del que probablemente sea el atraco a un furgón más logrado de la historia —cinematográficamente hablando, por supuesto—, el de aquella obra maestra de Robert Siodmak ‘El abrazo de la muerte’ (‘Criss Cross’, 1949), en la que el director lograba crear una tensión pocas veces vista.

En esos films, los primeros que me han venido a la mente, los mencionados atracos servían para desarrollar argumentos que hablaban sobre la fatalidad o las consecuencias de un mal acto. Ahora, Nimród Antal, responsable de la floja, aunque a ratos interesante, ‘Habitación sin salida’ (‘Vacancy’, 2007), y actual realizador de ‘Predators’, cuenta casi en tiempo real el plan que siguen los trabajadores de una empresa de seguridad que transporta dinero para hacerse con la escalofriante suma de 41 millones de dólares. A priori todo sonaba muy bonito, lo que podría haber sido un digno entretenimiento sin más, logrando que el espectador se olvidase de sus problemas cotidianos, se queda en estupidez soberana, alcanzando límites inimaginables en un film así.

‘Blindado’ narra la historia de seis trabajadores que un día deciden robar los dos furgones que conducen, con el único objetivo de mejorar sus vidas. Llegado el momento las cosas se tuercen, y uno de ellos —el que tiene conciencia— se encierra dentro de uno de los furgones, con el dinero. El resto tratará de convencerlo para que desista en su empeño de ser legal, y a partir de ahí, los disparates se suceden uno tras otro, y el plan original se revela como la mayor insensatez que se ha visto en una pantalla en años —esta frase empieza a estar demasiado manida en estos tiempos—, y llama aún más la atención al suceder en un film que no necesita un despliegue de efectos visuales o acción a raudales. A veces, más de las que pensamos, lo narrado en una historia sencilla es mucho más increíble que lo narrado en cualquier film de ciencia ficción o fantasía que se precie.

A la pobre presentación de personajes, en la que enseguida se ve de qué pie cojea cada uno —el film carece por completo de ambigüedad, tirando ya no por lo sencillo, sino por lo puramente simple y obvio—, y posterior puesta en marcha del plan, sigue el detalle más interesante de la película, aquel en el que uno de los personajes se encierra en uno de los furgones. La situación no tiene desperdicio sobre el papel, pero el novato James V. Simpson no la aprovecha ni lo más mínimo, y Antal fracasa en su puesta en imágenes. Esperando que lo narrado tenga el suficiente interés para el público, el director parece perdido, intentando mezclar cierta sobriedad con instantes en los que no se ve nada, como por ejemplo, una lamentable persecución entre dos furgones, en las que el espectador, que a esas alturas ya está un poco mosqueado, pierde toda referencia.

El mayor problema de ‘Blindado’ reside en su desarrollo. En lo que parece un intento de el más difícil todavía, el film no cesa en su empeño de dejar al espectador con la boca abierta debido a las ridiculeces que presencia. Recapitulemos: El plan es inviable, por el único hecho de que la policía no va a tragar, sobre todo con personajes tan inestables. Matar a un mendigo es una decisión errónea, ya que podría haberle dado un par de miles de dólares y el tío contentísimo, o en el mejor de los casos, nadie le creería. Salir y entrar dos veces del furgón sin que los demás se enteren es simplemente tomar al espectador por tonto. Enviar al único desequilibrado mental del grupo —vista la decisión que el tipo toma al final— a ver qué es un ruido que han oído, no es precisamente muy inteligente. Traer al hermano con una capucha, cuando podrían haberlo traído engañado. Perseguir con un furgón a un tío corriendo que salta al vacío, y saltar con el furgón detrás de él, no tiene nombre. Un guión escrito usando el cerebro en otra cosa.

Pero el desastre no acaba ahí. Los actores están al nivel del film, o sea, penosos. Matt Dillon, que nunca tuvo la suerte que merecía, pues siempre se le trató como un actor de segunda fila a pesar de sus innegables dotes para la actuación, realiza la que es una de las peores interpretaciones de su vida. Un villano sin matices, que además tiene que poner caras ridículas para que todos veamos lo malvado que es. Jean Reno simplemente no se hace notar, y hasta parece que quiere esconderse para que no veamos que ha participado en el film. Laurence Fishburne acompaña a Dillon en resultados con un personaje cuyos diálogos son simplemente absurdos. Fred Ward pone la veteranía en dos secuencias y se acabó. Amaury Nolasco demuestra que es uno de los peores actores salidos de la televisión. Columbus Short no tiene el carisma suficiente, y el resto no merece la pena nombrarlos. Como anécdota, señalar que en el film no hay personajes femeninos, salvo el de una asistenta social que sale apenas cinco minutos. Cine de y para hombres, se dice por ahí; aquí no tenemos ni un escotito al que echarle el ojo.

Si vamos más allá, podemos intuir una crítica a la guerra, a través del hombre que es capaz de la mayor de las barbaries escudándose en ser un buen compañero para su pelotón. Pero como esto es Hollywood, la fábrica de los sueños, al final, el protagonista recibe una recompensa como pago a sus buenas acciones, a tomar las decisiones acertadas en momentos de peligro, notificada por su superior que se siente orgulloso de contar con alguien así entre sus hombres. Moralina repugnante.

‘Armored’ es una película de atracos, de ésas que suelen gustar tanto a la audiencia, y que si están bien narradas pueden proporcionar dos horas de puro entretenimiento. Aquí os traemos su tráiler, que aunque cuenta bastantes cosas (dichosa manía, habría que ir al cine con muy pocos datos para poder disfrutar en condiciones de la magia del primer visionado), pinta los suficientemente bien como para darle una oportunidad. Un grupo de guardias de seguridad deciden robar un furgón en la propia compañía que trabajan. Como ocurre en todos los planes perfectos, las cosas terminan torciéndose un poco.

Nimród Antal, director de la fallida ‘Habitación sin salida’ (aunque con prestigio por ‘Kontroll’), es el realizador del film, y en su reparto nos encontramos con caras tan conocidas como las de Matt Dillon (actor que nunca terminó de despegar y es una pena), Laurence Fishburne, Jean Reno y Fred Ward. ‘Armored’ llegará a nuestras pantallas el 29 de octubre.

Vía | Trailer Addict

Un tipo llamado Howard Zwart ha sido el encargado de dirigir ‘Pink Panther 2’, que a la espera de que le pongan el título en España, me atrevo a asegurar que será ‘La pantera rosa 2’. Dado que la primera desastrosa entrega fue un inesperado éxito en todo el mundo, es lógico la continuación de la franquicia, a pesar de que Steve Martin no le llega a la suela de los zapatos a un actor del talante de Peter Sellers.

Martin se rodea de gente como Jean Reno, Emily Mortimer, Andy Garcia, Alfred Molina y John Cleese. Éste último sustituye a Kevin Kline en el personaje del Jefe Dreyfuss. Una decisión, a mi parecer, muy acertada, pues el trabajo de Kline en el anterior film no es de lo más recordable de su carrera. Esperemos que Cleese aporte el humor que le suele caracterizar y sea capaz de estar a la altura de Herbert Lom, dando vida a uno de los personajes más delirantes que ha dado la comedia norteamericana. Esta vez tendremos al Inspector Clouseau formando un equipo de detectives tan patoso como él, tras la pista de un importante ladrón de objetos históricos. En España el estreno está previsto para el 27 de Febrero del 2009.

En Blogdecine:

• ‘La Pantera Rosa’, la de Blake Edwards
• ‘La Pantera Rosa’, Steve Martin no es Peter Sellers
• ‘El Nuevo Caso del Inspector Clouseau’, sin la pantera rosa
• ‘La Pantera Rosa Ataca de Nuevo’, más delirante que nunca
• ‘La Venganza de la Pantera Rosa’, el inicio de la decadencia

Vía | Impawards

¿Se supone que lo ahí visto es un chiste? Pues a servidor no le ha hecho ni la más mínima gracia. Este teaser de ‘The Pink Panther 2’, o lo que es lo mismo, ‘La pantera rosa 2’, no avanza nada, lo cual en este caso es mejor, del argumento de la temible continuación de una película que comparada con el original cae en el más absoluto de los ridículos, pero que tuvo una inesperada respuesta comercial, que ha sido muy probablemente lo que haya provocado la locura de una segunda parte.

Cambio de director, lo cual no supone apenas nada, teniendo en cuenta que Harald Zwart toma las riendas dejadas por Shawn Levy. Evidentemente Steve Martin repite en la piel de Clouseau, y una vez más el recuerdo de Peter Sellers será más vivo que nunca. Le acompañan Alfred Molina, John Cleese, Jean Reno, Emily Mortimer, Andy Garcia y Ayshwara Rai. ‘La pantera rosa 2’ se estrena entre nosotros el 27 de Febrero del 2009.

Vía | Worstpreviews

Samuel Hadida es productor de ‘Onimusha’, la adaptación del juego que llevaría a cabo Christophe Gans. Pero como Hadida también está produciendo ‘The Imaginarium of Doctor Parnassus’, de Terry Gilliam, que se ha quedado coja después de la muerte de Heath Ledger, el film basado en el videojuego ha sufrido un retraso en su producción. Esto ha resultado incompatible con el calendario del protagonista, Takeshi Kaneshiro y con el del resto del reparto japonés, que, como es habitual en los actores asiáticos, tienen gran cantidad de producciones en su agenda.

Se añade el problema de que falta encontrar un actor para interpretar a Jacob, un joven holandés que forma equipo con el protagonista para luchar contra los demonios del infierno. El actor, a pesar del origen del personaje, será estadounidense y la huelga de intérpretes prevista en EE. UU. para junio, supone otro problema.

La pre-producción del film está integralmente terminada: reparto, localizaciones, storyboards, pre-visualizaciones en 3D, diseño de decorados, preparativos de los efectos especiales, etc… Y estaba previsto que el rodaje de ‘Onimusha’ comenzase en marzo y que se trasladase a China en junio. Ya que requerirá una postproducción de dos años, habría estado disponible para 2010. Pero por todos los motivos mencionados, ahora se ha retrasado sin fecha concreta.

El actor Takeshi Kaneshiro ha servido como modelo para el samurái Samanosuke en el juego y le ha prestado la voz, por lo que sería lógico que estuviese en la película como protagonista. No sólo lógico, sino sumamente deseable. Así que espero que los problemas de calendario no les impulsen a cambiar el reparto. Si hay que esperar, esperamos. Kaneshiro es protagonista de ‘Chunking Express’, de Wong Kar-Wai, y de ‘La casa de las dagas voladoras’, de Zhang Yimou, entre muchas otras.

A su lado estarían Emilie de Ravin (la australiana de ‘Perdidos’), Satomi Ishihara y Tsuyoshi Ihara (‘Cartas desde Iwo Jima’). Aunque, por lo que veo en las fotos –nunca he jugado—, el otro personaje está claramente basado en Jean Reno, no se habla de la participación en la película del actor de origen español.

Christophe Gans (‘Silent Hill’), mientras tanto, se ha embarcado en otro proyecto: la adaptación de la novela de 1931 del alemán Leo Perutz ‘El caballero sueco’. Y antes de comenzar con ‘Onimusha’ tendrá que terminarlo. Se trata de una historia de aventuras y de misterio que se desarrolla durante el siglo XVI en la Selva Negra. Un ladrón robará a un noble con la ayuda del diablo, lo cual sirve de punto de partida para un relato lleno de elementos sobrenaturales. La película se rodaría en francés, aunque ya se consideraba que Gans se había mudado a EE. UU. definitivamente. El guión lo co-escribe el periodista y director Jean-Pierre Jackson. Se rodará en el invierno de 2008-2009, ya que tiene lugar en la nieve.

De momento no se sabe si Christophe Gans estará involucrado en la secuela de ‘Silent Hill’.

Más información en Blogdecine sobre Takeshi Kaneshiro.

Fuente | FilmsActu.

La historia de la película gira en torno a un joven guardia de seguridad que es convencido por sus compañeros veteranos para vaciar un camión que transporta gemas por un valor de 10 millones de dólares.

El reparto de ‘Armored’ se completa con Matt Dillon, Columbus Short, Fred Ward y Skeet Ulrich. La película está en pleno rodaje, en la ciudad de Los Angeles. Dirige Nimród Antal, de quien hace poco hemos podido ver ‘Vacancy’. Sam Raimi también está involucrado en el film, en tareas de producción.