Durante el frío invierno ruso de 1943, un batallón de la División Azul se topa con un cadáver de un soldado español que no ha muerto en la contienda, sino que ha sido víctima de un cruento ajuste de cuentas. Sobre su pecho se han gravado en sangre las palabras “mira, que te mira Dios”. Un solado que había sido policía queda encargado de la investigación del caso. Así comienza ‘Silencio en la nieve’, la adaptación de la novela ‘El tiempo de los emperadores extraños’, de Ignacio del Valle por parte de Gerardo Herrero, partiendo del guion de Nicolás Saad, que se ha estrenado esta semana con el protagonismo de Juan Diego Botto, Carmelo Gómez, Víctor Clavijo, Sergi Calleja, Adolfo Fernández y Andrés Gertrúdix.

Está claro que, si se ambienta cualquier historia durante una guerra y se escoge a los protagonistas en un bando concreto, las connotaciones políticas no se pueden obviar. Lo extraño sería que estos dos señores, mientras indagan, no se topasen a cada momento con sospechas de traición y con la obligación de demostrar constantemente de qué parte están en modo de exaltaciones patrióticas e insultos al contrario. Estas cuestiones se sitúan en el film como enmarcación histórica, pero no lo invaden ni desvirtúan su esencia de thriller. Lo que ocupa todos y cada uno de los diálogos es la investigación que, de forma muy ordenada, cabal y creíble, lleva al protagonista hasta el culpable. La solución no es previsible, pero una vez resuelto el caso, todo encaja y no se puede decir que haya habido trampas para crear despistes, falsos culpables ni escamoteo de la información para evitar que se adivine. Quien no se entretenga con un seguimiento de pistas, al modo tradicional, en el que una lleva a la otra y así se concatenan sucesivamente, se aburrirá con una película en la que casi todo son diálogos, pero para mí es uno de los géneros más disfrutables. Además, como me quejo una y otra vez de que las películas tarden en arrancar, encontrarme con una que presenta el conflicto principal en su primera escena supone alborozo.

Las tramas secundarias se despachan con rapidez como consecuencia más o menos inevitable de adaptar una novela, en la que cabe más contenido no solo porque no hay límite al número de páginas, sino porque la estructura en literatura es menos exigente que en el cine. Personalmente, prefiero que se haya optado por abreviar excesivamente los asuntos amorosos y familiares a que le hubiesen dedicado demasiado tiempo, deteniendo así las pesquisas cada dos por tres. La opción de eliminarlas por completo tampoco me habría parecido la más acertada, ya que estas subtramas sirven, al menos, para dar alguna pincelada sobre el personaje de Arturo Andrade, quien, de otra forma, parecería demasiado inhumano.

Los actores están correctos en general. Diría que se los percibe creíbles, desde Carmelo Gómez hasta el último testigo entrevistado, gracias a unos diálogos naturales, que no escatiman los tacos y que reproducen en habla de la época, además de la jerga militar… es una de las ventajas que tiene ver una película patria, que no hay que escuchar un doblaje basado en una traducción hecha en un registro más elevado –menos coloquial– que el original, ni escuchar una v. o. en la que conectemos mucho menos con la cotidianeidad de las interpretaciones. Sorprende Juan Diego Botto con una versatilidad que hasta ahora no había demostrado y que no le auguraría, ya que, para mí, siempre será ese concienciado de buena familia que tan bien se retrató en este cameo.

‘Silencio en la nieve’ cuenta con un buen diseño de producción. Aunque sea algo que no debería mencionarse, cuando se trata de cine español parece inevitable resaltar como virtudes las ausencias de algunos defectos. Por lo tanto, habrá que decir que el aspecto general de la película es correcto y que en él que no se percibe que se haya escatimado con el presupuesto ni que se hayan resuelto cuestiones de forma chapucera. Solo en una ocasión –en un recorrido en camión– se puede adivinar que se habrá combinado el rodaje en estudio con algunos exteriores, ya que se ve un tanto extraño el montaje entre los planos muy cortos de los actores y los exteriores sin referencia. Si bien Gerardo Herrero no tiene una mano especialmente hábil, considero que en este caso resulta solvente y que las críticas que pueda recibir esta película hacia el departamento de dirección probablemente estén más motivadas por trabajos previos de Herrero o por su fama que por el resultado presente que, sin ser perfecto, funciona.

‘Silencio en la nieve’ es la mejor película española que he visto en 2012, lo cual, por el momento o es mucho decir, ya que el año no ha hecho más que empezar. Pero me temo que, según avancen los meses, la cosa no va a cambiar exponencialmente. Este thriller arranca presentando el conflicto de forma fulminante y, a partir de ahí, centra un alto porcentaje de sus minutos en la resolución del caso de los asesinatos múltiples y deja entrar temas religiosos y políticos de manera natural como forma de dar realismo al marco histórico en el que se encuadra.

También en Blogdecine | ‘Silencio en la nieve’, el timo de los tráilers del cine español, de Míkel Zorrilla.

Cada año se estrenan un montón de películas españolas que pasan sin pena ni gloria por los cines de nuestro país. Algunas son sólo un timo para intentar conseguir subvenciones a porrillo, otras simplemente son películas tan pequeñitas que ya es un milagro que lleguen a verse en algún sitio, las hay que sencillamente son tan malas que no llaman la atención del público (que por mucho que defienda al cine hecho en España no soy tan iluso para pensar que no se hacen un buen puñado de bodrios cada año) y en otros casos llegan a tener cierto éxito (no olvidéis que ‘Torrente 4: Lethal Crisis’ fue la película más taquillera en España el año pasado). Sin embargo, estoy convencido de que el principal motivo de que muchas películas españolas pasen desapercibidas para el gran público se encuentra en su campaña de promoción, más específicamente en el tráiler que lanza la productora.

Alguno ya habrá notado que he alterado mi tradición de encabezar esta crítica con un fragmento del cartel promocional de la película en cuestión, y es que antes de nada quiero hacer una serie de apuntes sobre el tráiler de ‘Silencio en la nieve’, por lo que os pediría que le echaseis un vistazo antes de seguir leyendo. ¿Qué es lo que esperaríais de la película ahora mismo? A mí me transmite la intención de querer ser trepidante, de tener una banda sonora repetitiva, de ser un batiburrillo argumental de mucho cuidado, que el suspense va a ser el epicentro de la historia, que el personaje de Carmelo Gómez podría ser una especie de alivio cómico o, al menos, rozar lo histriónico, también que la trama bélica va a ser de una importancia casi similar a la de los asesinatos, pero ante todo que ‘Silencio en la nieve’ iba a ser una tontería de mucho cuidado. ¿A qué viene todo esto? Pues a que una vez vista la película puedo decir que lel tráiler no refleja nada bien ni un solo aspecto de lo que es ‘Silencio en la nieve’.

No os creáis que no he tenido ganas de mencionar en más ocasiones este problema, ya que cuando os hablé de ‘La chispa de la vida’ me corté en el último momento, ya que, aunque sin ser tan exagerado como en este caso, su tráiler también estaba muy alejado de ser lo que yo entiendo como un buen avance de lo que podríamos ver luego en la película, aunque sin llegar a los niveles de de ‘Silencio en la nieve’, el cual es especialmente flagrante, y creo que voy a ir punto pot punto intentando desmentir lo que transmite.

Gerardo Herrero, director de ‘Silencio en la nieve’, opta por evitar las grandilocuencias en la puesta en escena o el ritmo que quiere imprimir a la película, ya que se muestra más interesado en ofrecer un relato pausado, en el que se combina el descubrimiento de nuevas pistas con el desarrollo de los personajes y la España de la época. Sé que puede resultar confuso este segundo punto, ya que la acción de la película se enclava en territorio ruso, pero dejad que me explique. Sí que hay un trama de suspense relacionada con asesinatos, pero la caza del criminal deja a ratos la sensación de funcionar casi a modo de MacGuffin para poder desarrollar a los dos personajes protagonistas, en especial al que interpreta Juan Diego Botto. No faltan las menciones a las clases sociales de España, los ecos del franquismo, y también la necesidad de los perdedores supervivientes de prácticamente eliminar su propia ideología para lograr sobrevivir.

Lo que sí que tiene un peso residual en la función es la historia bélica, ya que su utilidad se circunscribe a funcionar a modo de efectivo telón de fondo para la investigación. Como es de esperar, el secretismo del ejército funciona a modo de contrapeso en el desarrollo de la misma, pero sin ser algo nada molesto. En lo referente a los nazis (he llegado a leer a alguien refiriéndose a la película como ‘la de los nazis’, otro problema derivado del tráiler) no esperéis gran cosa, pues sí que hay una escena de tensión por su presencia, pero es accesoria, ya que funciona a modo de complemento de la trama amorosa que rodea al personaje de Juan Diego Botto. Y es ahí, y no en el resto de subtramas, donde ‘Silencio en la nieve’ flojea más en su intento de dotar de una mayor profundidad a los personajes, porque nunca logra capturar el interés del espectador y no añade una capa al mismo que no hubiéramos podido dar por sentado. Eso sí, no esperéis la presencia del plano gratuito de desnudo que algunos esperarían ver en una producción española, ya que la película rehúsa caer en ello cuando surge la oportunidad.

En el guión de Nicolás Saad se alternan los aciertos con los fallos, con un bagaje final que tiende a lo primero. El progreso de la historia es muy correcto y se evitan los efectismos baratos en forma de giros de guión absurdos. A cambio de opta por abrir algunas líneas argumentales que no llegan a ser cerradas de forma plenamente satisfactoria (todo lo relacionado con la singular ruleta rusa, aunque recibe otro nombre), pero no es algo que llegue a ser particularmente molesto, ni deje la sensación de ser un amasijo de tramas inconexas. No, aquí si aparece algo que no resulta ser clave para esclarecer la identidad del asesino es porque es una falsa pista o sencillamente se nos explica más tarde el motivo de que haya cosas que no cuadren demasiado.

Un problema cuya culpabilidad divido entre la puesta en escena y el guión es que cuando tenemos la primera aparición física del asesino, ésta se resuelve de forma un tanto cutre para que éste pueda huir. No quiero entrar en spoilers específicos, pero es ahí donde se suman demasiadas casualidades para que el golpe de efecto que hace acto de presencia nos lo compense. A cambio, es una de las escenas donde mayor importancia tienen los parajes nevados en los que se ambienta la película, uno de los puntos fuertes de la función. Y es que, sí, no luce tanto ni crea una sensación opresiva como sí sucede en ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’, pero tampoco se queda en algo cutre donde parezca que la nieve la han puesto cuatro operarios de forma apresurada. A nivel de ambientación, y teniendo en cuenta los medios con los que cuenta la película, no hay pega posible. No quiero dejar de mencionar que es este apartado el que permite a la película regalarnos una escena de gran impacto visual: El descubrimiento del primer cadáver con los caballos congelados medio enterrados por la nieve. La fuerza de ese momento no volverá a ser igualada, pero es una buena forma de atrapar de entrada al espectador antes de poner las reglas sobre cómo va a evolucionar realmente la historia. Y es que una de las cosas más difíciles que tiene una película es saber llamar la atención del espectador sobre lo que le están contando, una vez salvado eso es todo más sencillo.

Pasando ya a los actores, Juan Diego Botto es un protagonista omnipresente muy digno, el cual sabe cargar con el peso de la película a sus espaldas sin resultar soso o molesto para el público, aunque sí que se echa en falta una dosis extra de carisma que le convierta en un gran personaje, aunque eso es algo que soluciona Carmelo Gómez, uno de los mejores actores de nuestro cine. Eso sí, su personaje no se libra de tener un problema claro en su evolución, ya que comienza con un marcado carácter autoritario, pero al de un rato la camadería con el protagonista es muy evidente, sin que por el camino haya un cambio suficientemente marcado que lo justifique. Soy consciente de que con ello nos quieren vender el hecho de que el personaje de Gómez respeta al de Botto, e incluso surge una amistad, pero es demasiado súbito. Sobre el resto de reparto, lo cierto es que la efectividad es la tónica reinante con una excepción, y es que Sergi Calleja no termina de encontrar el punto justo de locura a su personaje, resultando un poco excesivo y fuera de lugar.

En definitiva, ‘Silencio en la nieve’ es otro ejemplo de buena película española cuyo tráiler seguramente reviente sus posibilidades comerciales, o que, si se da el caso de que la gente se acerque a verla, se sientan timados por no ser para nada lo que les vendían. Pase lo que pase, el cine español sale perdiendo y fomentando el odio que existe entre cierto segmento de la población, y es una pena que una película estimable como la que nos ocupa vaya a pasar desapercibida por un motivo u otro. Lo que hay es una cinta pausada e interesante que no llega a ser brillante, pero que sí merece una oportunidad de ser vista sin esperar lo que vende su timador tráiler.

PD: En esta ocasión, la valoración estaría a mitad de camino entre las dos estrellas y media y las tres.

El 20 de enero se estrenará ‘Silencio en la nieve’, un thriller de Gerardo Herrero, basado en la novela de Ignacio del Valle ‘El tiempo de los emperadores extraños’ y protagonizado por Juan Diego Botto, Carmelo Gómez, Jordi Aguilar, Víctor Clavijo y Sergi Calleja, cuyo rodaje ya habíamos anunciado.

Frente de Rusia, invierno de 1943. Un batallón de la División Azul se topa con una serie de cabezas de caballos esparcidas sobre la superficie congelada de un lago. Los cuerpos están sumergidos bajo el hielo. Junto a uno de los caballos, el cadáver de un soldado español. Un tajo le atraviesa el cuello de lado a lado, y en el hombro tiene una inscripción grabada a cuchillo: “Mira que te mira Dios”. Los mandos encargan la investigación al soldado Arturo Andrade ex-inspector de la policía, que asume la tarea con rigor y profesionalidad, ayudado por el sargento Estrada. Ambos pronto descubren que detrás de este asesinato se oculta una perversa venganza, que se remonta a agravios acontecidos en el pasado, y que no parece que se vaya a detener en un único cadáver. Nadie está libre de sospecha ni nadie puede sentirse seguro. Y así, en medio de la cruel contienda, se inicia la caza del asesino, una búsqueda donde hasta el final no descubriremos quién es el cazador y quién el cazado.

Lo cierto es que el tráiler tiene una pinta excelente, así que, por una vez, deberemos despojarnos de nuestros prejuicios contra el cine español porque en esta ocasión parecería que en ‘Silencio en la nieve’ podemos encontrar una película interesante, inquietante y llena de intriga.

Vía | AltaFilms.

Ya había anunciado que Álex de la Iglesia iba a rodar ‘La chispa de la vida’, con Salma Hayek y José Mota, y efectivamente, el 7 de febrero dio el claquetazo de salida. Asimismo, el 2 de este mes arrancó el rodaje de ‘Red Lights’, de Rodrigo Cortés, como también os adelantamos—en la fotografía precedente, se puede ver a Robert De Niro en Barcelona—. El día 14, Antonio Trashorras empezó el rodaje de ‘El callejón’, con Ana de Armas. Aparte de estas noticias que ya conocéis, se han iniciado durante el mes de febrero otros rodajes de películas españolas o coproducciones.

‘La voz dormida’

Benito Zambrano rueda su tercer largometraje, ‘La voz dormida’, una adaptación de de la novela homónima de Dulce Chacón, que han escrito el propio Zambrano e Ignacio del Moral.

El drama gira en torno a un grupo de presas republicanas que sufren la represión y la tortura durante la posguerra en la cárcel de mujeres de Ventas en Madrid. La película se centra sobre todo en la historia de Hortensia, condenada a muerte y embarazada, y de su hermana Pepita.

Las protagonistas son Inma Cuesta y María León. Les acompañan en el elenco Marc Clotet, Berta Ojea, Miryam Gallego, Susi Sánchez, Begoña Maestre y Ana Gracia, entre otros.

‘La voz dormida’, que se lleva rodando desde el 14 de febrero, es el tercer largometraje para cine del sevillano Benito Zambrano, tras ‘Solas’ (1999) y ‘Habana Blues’ (2005).

Álex Catalán es el director de fotografía, Javier Fernández el director artístico, Álvaro Silva el técnico de sonido direct, y Ernesto Chao el director de producción. Producen Maestranza Films —que ya produjo las anteriores películas de Zambrano— y Mirada Sur, con un presupuesto de 3,5 millones de euros.

‘Silencio en la nieve’

Gerardo Herrero inició el 21 de febrero el rodaje en 35 mm. de su thriller titulado ‘Silencio en la nieve’ y que provisionalmente llevó como título ‘Sangre en la nieve’ y también ‘El rostro del asesino’.

Juan Diego Botto y Carmelo Gómez dan vida a los principales protagonistas. Les acompañan en el elenco Jordi Aguilar, Víctor Clavijo, Francesc Orella, Sergi Calleja, Adolfo Fernández y Andrés Gertrúdix, entre otros.

Con la División Azul como telón de fondo, ‘Sangre en la nieve’ es la traslación a la gran pantalla de la novela ‘El tiempo de los emperadores extraños’, de Ignacio del Valle, adaptada al cine por el argentino Nicolás Saad.

‘Sangre en la nieve’ se ambienta en el invierno de 1943, en plena II Guerra Mundial, en el frente ruso, donde un batallón de la División Azul se topa con el cadáver de un soldado español, montado en un caballo, bajo la superficie helada de un lago, con el cuello atravesado de lado a lado y una inscripción grabada a cuchillo en el hombro: «Mira que te mira Dios». A partir de ahí, comenzará la investigación para encontrar al asesino.

Producen las firmas españolas Tornasol Films y Castafiore Films, y la lituana UAB Lietuvos Kino Studija. La filmación se desarrollará durante 7 semanas en Lituania y Alicante. Alfredo Mayo es el director de fotografía, Josean Gómez el director de producción y Eduardo Esquide, el responsable de sonido. A ellos se suman Eduardo Hidalgo como director de arte y Reyes Abades, como especialista de los efectos especiales.

‘Lo contrario al amor’

Hugo Silva y Adriana Ugarte protagonizan este film de Vicente Villanueva, cuyo rodaje dio comienzo el 14 de febrero. Junto a ellos, completan el reparto Álex Barahona, Rubén Sanz y Guadalupe Lancho.

Merce y Raúl, después de varios fracasos amorosos se conocen, se enamoran e inevitablemente se ven de nuevo abocados a repetir la historia tantas veces vivida: tras la primera fase romántica se da paso al miedo, al control, la dependencia, el intento de cambiar al otro… algo enfermizo, algo que nada tiene que ver con el amor, es justo lo contrario al amor.

Villanueva es conocido en la industria del cine por los premios obtenidos con sus cortometrajes, entre los que destacan ‘La rubia de pinos puente’ y ‘Heterosexuales y casados’.

‘Ni pies ni cabeza’

Desde el 21 de febrero se rueda ‘Ni pies ni cabeza’, la nueva película de Antonio del Real (‘¡Por fin solos!’, ‘Cha-cha-chá’, ‘Trileros’ o ‘La conjura de El Escorial’): una comedia policiaca, que combina un humor ácido, mordaz y a veces gamberro, con una trama de intriga donde salen a la luz abusos de poder, traiciones, dinero y silencios callados durante años.

En ella aparecen Jorge Sanz, Juanjo Puigcorbé, Alejandro Tous, Antonio Resines, Christian Gálvez, Jaidy Michel, Miguel Hermoso, Tomás Sáez, Blanca Jara, José Troncoso y Mauro Muñiz de Urquiza

‘30 días antes’

A principios de febrero, el vallisoletano Juan Rodríguez-Briso inició el rodaje de su ópera prima, ‘30 días antes’.

‘30 días antes’ narra la historia de un joven empleado de banca residente en Valladolid, que, de manera fortuita, descubre que la vigencia del sistema económico mundial no superará los 30 días. Enamorado de una joven argentina con la que conversa a través de un chat, el protagonista se desplaza hasta el país andino con el objetivo de salvarla de la hecatombe, aunque la imposibilidad de contarle lo que va a suceder lo complica todo durante el mes con que cuenta para elaborar su particular «plan de escape».

El autor describe su película, ‘30 días antes’, como «de acción hasta el último minuto» y añade «que deja a la vista el funcionamiento de las entidades financieras y, en algunos casos, las consecuencias de prácticas inadecuadas así como las actitudes de los propios ciudadanos en sus relaciones con los bancos». Su propósito es «tratar que la gente sea consciente de que todo funciona por una deuda de carácter global».

El elenco lo compone el propio Briso, junto con Marisol Méndez, Pablo Latapié y Victoria Enrico.

‘Vilamor’

Ignacio Vilar ha concluido la primera fase del rodaje en 35 mm. de su tercer largometraje de ficción, ‘Vilamor’.

El argumento de ‘Vilamor’ está inspirado en las comunas que se instalaron durante la transición en Galicia: un seminarista que, al volver de vacaciones a su pueblo natal, descubre que en la aldea vecina se ha instalado una comuna que tiene alteradas a las fuerzas vivas del lugar.

Rubén Ríos, Sabela Arán, Sheyla Fariña, Rubén Prieto o Paulo Serantes son algunos de los integrantes del reparto.

‘Vilamor’ es el tercer largometraje de ficción que acomete Ignacio Vilar, tras ‘Ilegal’ (2003) y ‘Pradolongo’ (2008).

El rodaje de ‘Vilamor’, que se retomará, en los mismos escenarios, en los meses de junio y julio, durante seis semanas más, es trabajo de la productora Vía Láctea Filmes, la empresa de Vilar, con el apoyo de la Xunta de Galicia, la TVG y la Diputación de Lugo. Se prevé que se estrene a finales de año la película.

‘El sexo de los ángeles’

Xavier Villaverde comenzó, el 7 de febrero, a rodar ‘El sexo de los ángeles’, con guion de Ana Maroto, sobre una idea de José Antonio Vitoria y Xavier Villaverde.

El filme se describe como «la sorprendente historia de amor de Bruno y Carla, una pareja de jóvenes que, al conocer al carismático y seductor Rai, deciden enfrentarse con valentía y sin tabúes a las normas que existen sobre el amor, la infidelidad y los roles sexuales. Carla y Bruno guiándose por sus emociones, aprenderán a vivir su propia vida con toda la fuerza e intensidad de su juventud, devorando cada momento».

Astrid Bergés-Frisbey (‘Bruc’), Álvaro Cervantes (nominado al Premio Goya al Mejor Actor Revelación por ‘El juego del ahorcado’) y Llorenç González (‘Ventdelplà’ y ‘El cor de la Ciutat’) son los protagonistas.

La dirección de fotografía corre a cargo de Sergi Gallardo y la dirección artística de Oriol Puig.

‘Juan de los Muertos’

El director cubano Alejandro Brugués ha escrito y dirigido ‘Juan de los Muertos’, una coproducción entre España y Cuba que cuenta, en clave de comedia de terror, que una legión de zombies invade La Habana y el pánico se apodera de los ciudadanos. Hasta que hace aparición de Juan quien, por un módico precio, se encarga de eliminar a los familiares infectados.

En el reparto destacan Alexis Díaz de Villegas que encarna a Juan, héroe y protagonista; Andros Perugorría y Andrea Duro, entre otros.

El equipo de producción, que ha trabajado para la productora española La Zanfoña Producciones y la cubana Producciones de la 5ta Avenida, cuenta con la dirección de fotografía, a cargo de Carles Gusi, que también ha rodado ‘Te doy mis ojos’ o ‘Celda 211’, entre otras y el cubano Derubín Jácome a cargo de la dirección de arte.

El título se pensó originalmente en inglés: ‘Juan of the Dead’, para hacer homenaje a ‘Shaun of the Dead’.

‘Los Pelayo’

Eduard Cortés (‘Ingrid’), rueda, en Alta definición, ‘Los Pelayo’, basada en la historia de la familia García Pelayo, que hizo saltar la banca, legalmente, en casinos de todo el mundo.

Eduard Fernández, Daniel Brühl, Miguel Ángel Silvestre, Blanca Suárez, Lluís Homar, Oriol Vila, Vicente Romero, Marina Salas y Huichi Chiu son los protagonistas.

‘Meublé’

Silvia Munt ha comenzado a grabar en Alta Definición la tv-movie ‘Meublé’, que gira en torno a seis historias que se desarrollan en los interiores de la mítica “Casita Blanca” de Barcelona, local que ha sido escenario, durante décadas de pequeñas historias cargadas de misterio, romanticismo y sexo; y que está protagonizada por Nora Navas, Alex Brendemühl, Clara Segura, Francesc Garrido, Marc Rodríguez, Pol López, Álvaro Cervantes, Marta Marco y la propia Silvia Munt.

Si conocéis la existencia de algún otro rodaje, podéis enviar la información a Blogdecine rellenando el formulario de contacto o incluirla en un comentario más abajo.

Vía | Cine y Tele (entre otros).

Nadie es profeta en su tierra, se suele decir. A lo largo y ancho de mi breve existencia me he encontrado con muchísima gente que rechaza el cine español precisamente por eso, por ser nuestro. Da igual el tema, dan igual los actores o el director, cuando se acercan al cine a ver una película y se proyecta lo último de Pedro Almodóvar, Manuel Gómez Pereira o Achero Mañas —por poner tres ejemplos dispares y conocidos— la gente huye despavorida para meterse e otra sala a ver lo último de Michael Bay, Steven Spielberg o Christopher Nolan, también por poner tres ejemplos dispares y conocidos, y si ya digo que mejores la liamos. En cuanto a los rostros en el reparto, otro tanto de lo mismo. Antes que ver la cara de Juan Diego Botto es preferible ver la de Tom Cruise o la de Adrien Brody.

Es una realidad patente que tenemos que aceptar y punto. Como me dijo una vez Rodrigo Cortés —uno de esos realizadores que han tenido que irse fuera para poder ser valorado—, mientras no tengamos capacidad de autocrítica y dejemos a un lado la sempiterna postura de victimismo que adoptamos, las cosas seguirán igual para nuestro cine. Personalmente me importan bien poco las discusiones al respecto del tema —que se producirán hasta que todos seamos pasto de gusanos—, yo lo que quiero es ver buen cine. Está claro que los tiempos de Luis García Berlanga, Manuel Mur Orti o Juan Antonio Bardem, nombres de oro en nuestra cinematografía, se han terminado. Pero como en todas.

Achero Mañas es uno de esos extraños realizadores, antes actor —siempre me pareció muy malo—, que nunca sabes por dónde te va a salir. En sus manos han caído proyectos de lo más interesante, malogrados casi siempre por una total falta de enfoque o por ceder ante los clichés de un cine, el nuestro, que cuando habla de dramas sociales, es capaz de sacar de quicio a la persona más paciente del mundo. No soy de los que se emocionan con ‘El bola’, su ópera prima, entre otras cosas porque la interpretación de Juan José Ballesta es enormemente sosa y descuidada. ‘Noviembre’, la segunda película de Mañas, me parece de lejos su mejor trabajo, el más arriesgado y personal. Algo de ambas hay en su tercer largometraje, ‘Todo lo que tú quieras’, con el que el realizador regresa tras ocho años sin filmar cine.

También hay riesgo en la película protagonizada por un entregado Juan Diego Botto, al menos temáticamente, que no formalmente. El argumento de ‘Todo lo que tú quieras’ —excelente título totalmente desaprovechado— versa sobre Dafne (Lucía Fernández) y Leo (Juan Diego Botto), padre e hija, que deben enfrentarse a la repentina muerte de Alicia (Ana Risueño), amada madre y esposa. Leo se propondrá hacer cualquier cosa para que su hija no note la falta de su madre, incluso disfrazarse de mujer y hacer de mamá postiza, en palabras de Dafne. Una premisa en principio arriesgada, pues la gama de posibilidades que se le abren a Mañas es enorme.

Por un lado tenemos a una niña y a un hombre, hija y padre, que deben afrontar la mayor desgracia de sus vidas, la desaparición del ser más cercano a ellos, desde las distintas perspectivas que suponen el mundo infantil y el adulto. Por otro lado la obsesión de un hombre por complacer a su hija, olvidándose incluso de su propia identidad, siendo esto lo que más me ha gustado de la película. No obstante, creo que por muchos riesgos que parezca correr Mañas en su film, nunca termina de llegar hasta el final de sus consecuencias. El dolor de la niña nunca queda lo suficientemente bien reflejado —a pesar de que la actriz Lucía Fernández está espléndida—, y la obsesión de Leo se pierde en previsibles y maniqueas denuncias por parte del director hacia la homofobia. Por no hablar de que cuando el personaje llega a la situación límite del relato, que si lo pensamos bien no lo es tanto, se opta por arreglarlo todo con una lógica reacción infantil, cerrando la película de forma cómoda.

Al lado de la niña Lucía Fernández, destaca la labor de Juan Diego Botto, que para el que suscribe es un actor que hace como los vinos, pero su labor se pierde entre tanto formalismo visual —esos encuadres que Mañas realiza sabe dios con qué intenciones, poniendo la cámara incluso muy cerca de la nuca del actor en ocasiones que no lo requieren (algo así como Michael Mann pero en malo)—, y errores de narración absurdos como mostrar, tras la muerte de Alicia, como pasa el tiempo para los dos personajes centrales mediante un montaje en el que vemos que padre e hija siguen con sus vidas adaptándose a su nueva situación sin que parezca haya alguna traba. Eso sí, un día la niña dice que quiere una mamá postiza, y hala, a vestirse de mujer que eso no le crea el más mínimo trauma a la cría, la cual un día terminará con el sufrimiento del padre con la mayor de las naturalidades.

Le hice caso a Jordi Costa, pero es Tomás Fernádez Valentí quien tiene razón cuando dice que el cine español actual es una pérdida de tiempo. Una razón que evidentemente no es la verdad absoluta, faltaría más.

El cine español se pone las pilas. En los próximos meses veremos las nuevas películas de Achero Mañas, Fernando León de Aranoa, Bigas Luna y Álex de la Iglesia. Quizá alguna de estas producciones logre recuperar lo que ha costado hacerlas, aunque eso en el fondo es lo de menos. Aquí os traigo el cartel y el tráiler de ‘Todo lo que tú quieras’, escrita y dirigida por Mañas, que se estrena el próximo viernes.

‘Todo lo que tú quieras’ nos sitúa en Madrid y nos habla de la familia Velasco, compuesta por Leo, Alicia y su hija de cuatro años, Dafne. La madre es que la se encarga del cuidado y la educación de la niña, pero durante las vacaciones de Navidad, muere inesperadamente, dejando a su marido solo con Dafne. Muy afectada por la ausencia de su madre, la niña reclama continuamente la figura materna, por lo que Leo será capaz de renunciar a sí mismo hasta poner en peligro su propia identidad. Los protagonistas del film son Juan Diego Botto (da vida a Leo), Ana Risueño (Alicia) y Lucía Fernández (Dafne), estando acompañados por Najwa Nimri, José Luis Gómez, Ana Wagner y Alberto Jiménez, entre otros. De la fotografía se ha encargado David Omedes y la música es obra de Leiva.

Como sabréis, Achero Mañas se dedicó a la interpretación hasta que en 2001 debutó como director con ‘El bola’, ganadora de cuatro Goyas y una de las películas más populares de nuestro país. En 2003 se estrenó su segundo largometraje, ‘Noviembre’, que ya no hizo tanto ruido y pasó más desapercibida. Veremos qué ocurre con su tercer trabajo, por lo pronto el cartel llama la atención (¿es una niña o el nuevo look de Chucky, el muñeco diabólico?) y el tráiler… bueno, digamos que no anima demasiado.

PD: ¿Por qué se tiene la necesidad de recurrir tanto a ese plano tan VACÍO del protagonista mirando por la ventanilla del coche?

Vía | Labutaca

“Las drogas son maravillosas porque te abren la mente. Te hacen comprobar que la verdad no existe, que todo es relativo. La droga te da otra visión, otra dimensión. Te hace ver que nada es lo que parece…¡que nada es! La única realidad es tu realidad y será lo que tú seas capaz de ver”

-Dante (Eusebio Poncela)

En ‘Martín (Hache)’ hay varios discursos como éste (que además, no he incluido en su totalidad), en los que los personajes (los cuatro importantes) hablan sin ambages, sin complejos, de sus sentimientos o ideas más profundos, con una verborrea incontenible, pura literatura convertida en diálogos lacerantes y rebosantes de vida. Adolfo Aristaráin, en su noveno largometraje, llega más lejos que nunca en su formalización de la palabra y el rostro como vertebradores de su cine, del cine que a él le interesa hacer.

El realizador de las inolvidables ‘Un lugar en el mundo’ o ‘Lugares comunes’, indagó además, en esta ocasión, en la dificultad de la comunicación entre padres e hijos, y también entre amantes y amigos, en el carácter destructivo y dependiente del amor, en la necesidad de aprender a hacer uso de la soledad, en la naturaleza ambivalente de las drogas. Una serie de temas mayores tratados con inusitada complejidad e inteligencia, pues Aristaráin sabe que con el cine se puede hablar de temas importantes sin caer en el adoctrinamiento o, precisamente, los lugares comunes.

El director, en un acto de generosidad extraño dado los tiempos que corren, entrega la creación final de la película a tres actores superdotados, auténticos genios de su oficio, como lo son Federico Luppi, Eusebio Poncela y Cecilia Roth, un trío de colosos insuperable que da lugar a uno de los cruces de rostros, réplicas, contrarréplicas, actitudes, comportamientos, gestos y miradas más exactos, ricos y emocionantes que se recuerdan. Y a su lado un Juan Diego Botto de 22 años que, aunque con evidente inferioridad de recursos frente a estos colegas inmensos, es capaz de salir vivo en la comparación, lo que es indicio de gran instinto interpretativo y de coraje.

Los cuatro son personajes tan reales, tan vivos, que dan miedo. Entre ellos forman un tejido emocional que parece fácil de lograr, pero cuya dificultad es extrema. Luppi es un director de cine amargado y retirado, Poncela un actor de carácter promiscuo y drogadicto, Roth una montadora de cine y televisión cocainómana y romántica, y Botto es el hijo del primero, un muchacho sin rumbo, o precisamente por ello libre y sin ataduras. Seguimos a estos magníficos personajes a través de sus dudas y sus pasiones y sentimos que no hay el menor fingimiento ni ficción. Al contrario, que están tan vivos, o aún más, que nosotros mismos.

¿Puede una película en la que los diálogos son tantos y tan abundantes ser tan cinematográfica como otras en las que prima lo visual? Puede, ‘Martin (Hache)’ es buena prueba de ello. Personalmente, creo que en el cine ha de primar lo visual, porque es un medio eminentemente visual y sonoro. Sin embargo, con este filme olvido mis necesidades estéticas y me entrego a él por entero, ya que aquí son los actores los que sustituyen una a menudo búsqueda retórica de lo visual por sus rostros y cuerpos. No hay en la cámara de Aristaráin el menor divismo o formalización aparente de la cámara y los planos.

Todo es frontal, seco, directo, la cámara a la altura de la mirada del actor, escasos movimientos de travelling, ninguno de grúa. ¿Es, por ello, un filme estático o teatral? De ningún modo. Al contrario: es eléctrico y dinámico, de alguna extraña manera. La forma está encerrada en el trabajo interpretativo y de diálogos escritos por Aristaráin y su habitual Kathy Saavedra. Y así, nos introducimos con total naturalidad en la difícil relación de un padre que hace años que no ve a su hijo, que quiere tenerlo cerca, pero que está tan amargado y habituado a la soledad que sabe que terminarán mal.

Esta relación, a su vez, altera y expone las carencias de la que mantiene con su amante, Roth, una mujer que ha perdido el sentido de la realidad consigo misma y con ese padre primerizo. Y radicaliza y potencia la que mantiene con su amigo actor, un hombre profundamente amoral pero increíblemente leal al mismo tiempo, interpretado por un Poncela en estado de gracia, verdadero motor de la película, con las mejores frases además, cuyo Dante es una de las más preciosas creaciones de los años 90.

La secuencia, irrepetible, en la que Dante decide cortar la obra de teatro y comienza a hablar con el público asistente, exponiéndoles su hipocresía y su bajeza moral, no tiene precedentes de ninguna clase en el cine de ninguna nacionalidad. Es puro cine subversivo, pura poesía convertida en mazazo de verdad. Sólo Poncela podía lograr algo tan sincero. A su lado, Luppi, con un papel mucho menos agradecido, sigue demostrando por qué es uno de los grandes actores sudamericanos, y Roth borda su frágil y dificilísimo papel, y por cierto que pocas veces ha estado tan sexy y luminosa. Al final nos quedamos con los hombres, que se reconocen a sí mismos, dos amigos muy diferentes entre sí, pero que se soportan.

Muchos espectadores sentirán tedio, cuando no rechazo, ante un cine tan verbal, tan lleno de ideas y verdades. ‘Martín (Hache)’ espera de los otros, los que no tienen miedo a las palabras y al vacío, que no se olviden de sus imágenes. Yo no pienso hacerlo.

Se dice que el cine español no es bueno y hay que admitir que en los últimos meses no se han visto demasiadas producciones de calidad. Por ello puede ser interesante rescatar algunos títulos relativamente recientes para elevar la imagen de nuestra cinematografía. ‘Vete de mí’ (2006), segunda película de Víctor García León, hijo de José Luis García Sánchez y de Rosa León, nos presenta a Juan Diego y a Juan Diego Botto haciendo de padre e hijo, en un film de actores en todos los sentidos.

Santiago (Juan Diego) es un actor que interpreta una obra casposa con chistes verdes para un público anciano. Vive con Ana (Cristina Plazas), una actriz mucho más joven que él, pero que, debido a lo poco que ha triunfado sobre los escenarios, no siente que valga mucho. Guillermo (Juan Diego Botto) aparece un día por la puerta del apartamento: se ha ido de casa de su madre (Rosa María Sardá) y necesita quedarse con su padre unos días. Guillermo tiene treinta años y dice estar en tercero de Derecho, pero la realidad es que ha empezado infinidad de carreras y ha dado numerosas vueltas a su posible futuro laboral sin encontrar nunca algo que le motive.

Lo más apreciable de la película es la mala baba que destila. Es increíble cómo dos guionistas jóvenes: el director y Jonás Trueba, hijo de Fernando Trueba, han sabido retratar con tanta madurez a los personajes. Si bien el de Santiago parece más fácil de conseguir porque se han visto en otras ocasiones seres así en películas, la visión que se da del de Guillermo es sorprendentemente lúcida. Nunca se le presenta como un desastre ni como un Peter Pan, sino como una persona encantadora que habla de sí misma y de la vida con aparente discernimiento. Pero profundamente podemos ver un dibujo tan acertado que es casi cruel. La película no se pone en ningún momento de parte del padre ni del hijo, sino que oscila entre darle la razón al uno y al otro para, en el fondo, arrebatársela a ambos. Los personajes secundarios son los únicos que podrían estar en lo cierto, pero los dos protagonistas son tan destructivos que no permitirán que esa razón entre en sus vidas.

Se puede apreciar en el visionado de ‘Vete de mí’ que hay una gran dosis de improvisación. Probablemente el director dejó libertad a los intérpretes y éstos introdujeron muchas morcillas propias. Casi todos los personajes son actores, por lo que aún vemos con mayor autenticidad sus representaciones, tanto que podríamos preguntarnos si están haciendo de sí mismos o si sus papeles tienen algo de autobiográfico. Esto resulta así especialmente en el caso de Juan Diego, quien, dentro de su línea de actuación grandilocuente, hace un gran trabajo. Botto comienza con algo menos de credibilidad, pero va centrándose y pronto vemos que su personaje es así y que toda la falsedad que pudiésemos estar percibiendo en su interpretación viene de las mentiras y de la falta de definición del propio Guillermo.

Rosa María Sardá tiene una intervención breve, pero muy acertada. Tanto el personaje de ella como el de Cristina Plazas nos hacen percibir que las mujeres son las únicas que lo tienen algo claro en la vida, aunque no por eso son carentes de debilidades. En la troupe de la obra donde trabaja Santiago se encuentran grandes nombres del cine español que nos retrotraen a otros tiempos. Da gusto recuperar a grandes como José Sazatornil, Saza. Y se hace curioso volver a ver, por ejemplo, a Esperanza Roy.

La estructura de ‘Vete de mí’ funciona por acumulación. Se suceden anécdotas que podrían parecer inconexas, pero que son gotas que van colmando ese vaso que es la paciencia de los personajes. Cada uno de los momentos mostrados en esos días sirve para añadir impresiones y aumentar los sentimientos que un protagonista tiene con respecto al otro. Se comienza con un tono más o menos suave, ligeramente cómico y muy realista, que va aumentando de intensidad hasta desquiciarse. SPOILER: Los últimos minutos del film suponen un descenso a los infiernos imparable que puede hacerse más duro de ver que el resto de la película. Tras la tempestad viene la calma y el film concluye con una escena oscura, baja de tono y casi vacía, que cierra muy bien todo lo que se ha estado contando y que supone prácticamente el único final posible para esta historia. FIN DEL SPOILER.

‘Vete de mí’ es una gran película donde destacan las interpretaciones. El film muestra un ácido retrato de personajes y hace una reflexión sobre la vida de los actores bastante devastadora. No perdona, no da concesiones… No presenta malos y buenos, pero especialmente no presenta buenos. Interesante película que merece la pena recuperar si no se vio en su momento.

Mi puntuación:

El viernes, 23 de enero, se estrena el film germano-hispano-francés ‘La mujer del anarquista’, que está protagonizado por María Valverde, Juan Diego Botto, Adrià Collado, Irene Visedo e Ivana Baquero, entre otros. Está dirigido por la guionista francesa Marie Noëlle y su pareja, el alemán Peter Sehr.

Manuela, la mujer del anarquista, es una joven de familia adinerada que se ha casado con una importante figura del movimiento antifranquista, aunque su hermana tenga un marido del bando fascista. Manuela vive la lucha de su esposo desde el acomodo de una buena posición, sin enterarse apenas de lo que sucede a su alrededor. Cuando su marido se marcha a Barcelona, Manuela se queda sola, con una hija pequeña, Paloma, y embarazada, pero no pierde la esperanza de que Justo reaparezca con vida.

Podría pensarse que esta película está basada en una novela por el tipo de narración fragmentada, sin estructura cinematográfica y sin trama central que presenta. Y esa sensación no está lejos de la realidad, ya que lo que se nos muestra se asemeja a los hechos reales que le fueron narrados a su autora –SPOILER quien también se reencontró con su padre en Francia tras la Guerra Civil, como le ocurre al personaje de Paloma FIN DEL SPOILER—. El abuelo del correalizador, igualmente, fue un republicano exiliado, por lo que a él tampoco le son ajenos los sucesos plasmados en el guión.

Todo esto ha influido en los directores de forma quizá positiva, pues les ha aportado un grado de implicación; pero también negativa, ya que les ha deslumbrado haciéndoles creer que lo que están contado es más interesante de lo que realmente es. La anécdota argumental se ha sobredimensionado con un resultado algo tedioso, inconexo, que no presenta conflicto central y que no tiene fuerza dramática, salvo en excepcionales momentos. Se presentan situaciones que son seguidamente resueltas para que luego comience otra diferente, como si la película empezase y se acabase varias veces. De esa forma, lo que se ha visto hasta el momento da la impresión de haberse contado sin motivo y de carecer de importancia. Este tipo de historia-saga que en literatura puede funcionar tan bien, en cine no da resultados tan efectivos. O no siempre.

Se ha criticado positivamente ‘La mujer del anarquista’ en muchos medios y el film ha recogido elogios en festivales debido a que aparenta ser poco demagógico. Es cierto que consigue cierta neutralidad, introduciendo a personajes con buen corazón en el bando de Franco o demostrando que también había monstruos en el republicano. Pero creo que esta ausencia de maniqueísmo no es más que el mínimo de madurez que se le debería exigir a cualquier film para comenzar a considerarlo bueno, no la virtud única y suficiente por la que darle ya categoría de película notable.

Muy por encima de las cuestiones bélicas, ‘La mujer del anarquista’ tiene la intención de contarnos una historia de amor, tanto romántico como familiar. Este aspecto psicológico de personajes, que podría ser muy rico, no está completamente conseguido. En lo que atañe a la teórica protagonista, la mujer del anarquista, la empatía comienza siendo difícil de sentir porque ella es demasiado inconsciente con respecto a lo que sucede en España. Más tarde, parece que se implica más, pero en lugar de haber percibido una evolución en el personaje, lo que se nos antoja es que repentinamente ha cambiado según convenía a la historia. María Valverde (en la fotografía superior) no ayuda a que esa maduración sea más convincente. SPOILER. El fragmento en el que Manuela sufre una locura pasajera podría haber sido lo más interesante de la película, pero no está muy logrado. Además, habría sido preferible presentarlo como la trama central, en lugar de como mero episodio transitorio. FIN DEL SPOILER.

No sabría decir si lo que falla en ‘La mujer del anarquista’ es el personaje protagonista o si el fallo está en que no se ha sabido dónde situar el protagonismo. Ya que el punto de vista es el de la hija –pues es ella quien narra los acontecimientos en off—, debería ser Paloma la protagonista. En ocasiones, parece que lo fuese, pero hay otras que indican que es su madre, lo cual queda confirmado por el título. Esta falta de enfoque claro de por sí es confusa, pero además, es errónea, ya que cualquier escena de la hija es mucho más interesante que cualquiera de la madre. Los momentos con fuerza dramática que citaba como excepción son los que se refieren a Paloma. Psicológicamente lo que vemos en ella es más poderoso: se cría en la guerra y se hace mujer en la posguerra, sufre la caída del mito en el que se había convertido su padre, vive una duda con respecto a sus creencias políticas…

Se refuerza la idea de que el protagonismo habría estado mejor en otro de los personajes con la interpretación. Todos los actores y actrices hacen una labor superior a la de María Valverde, especialmente las niñas, coronadas por una Ivana Baquero (en la foto de abajo) de la que ya sabíamos, desde ‘El laberinto del fauno’ o ‘Cuento de Navidad’ que era una gran actriz. Botto tiene un papel muy exigente, con grandes cambios físicos y psicológicos, y es sorprendente lo bien que lo interpreta. Collado está correcto y las mujeres francesas y alemana de la etapa final del film aportan un gran nivel interpretativo.

‘La mujer del anarquista’ está rodada de forma elegante y vistosa, con una ambientación de época muy bien hecha y que no ha escatimado, por ejemplo, a la hora de reproducir calles de Madrid en guerra y viviendas de entonces. Su realización –con esta palabra me refiero a la elección de encuadres, movimientos de cámara, etc…— es suficiente y el montaje podría haber estado mejor, pero pasa inadvertido. Por estos últimos motivos y porque se centra en una etapa de la historia que tiene el drama asegurado, se puede llegar a ver como una buena película. Es decir, por fuera, casi todo está bien. Si a eso le sumamos que por dentro tiene algún destello logrado, como el personaje de Paloma, podríamos concluir que es un film que probablemente gustará.

• Tráiler de ‘La mujer del anarquista’.

Mi puntuación:

Pero es que además, en el caso de este film protagonizado por Antonio Banderas y Jennifer Lopez, se trata un tema real y actual bastante preocupante: la violación y asesinato de muchas mujeres trabajadoras, en la ciudad de Juárez (México), y con la justicia sin hacer nada para resolverlo. Un tema aterrador, pero que en la película alcanza unos niveles tan risibles, casi de insulto, que no me imagino a la gente de Juárez a la hora de ver esta película. No me extrañaría que se hubieran sentido molestos por la escandalosa falta de tacto que tiene el film.

Una vez más, unos hechos reales, en este caso, terroríficamente reales, sirven para contar una historia, que en todo momento pretende denunciar esta situación tan peligrosa que se vive en Juárez. Su director, Gregory Nava, que vivió tiempos mejores, cubre la película de un tono documental, con toques realistas, basados sobre todo en la utilización de cámaras digitales, para intentar darle mayor verismo a los hechos que nos narra. Y digo intentar, porque para usar las cámaras digitales con eficacia, hay que tenerlo muy claro, y no usarlo porque sí, creyendo que la textura conseguida con esas imágenes ya te lo va a dar todo hecho. No. Hay que darle personalidad. Y si no, que le pregunten a Michael Mann. El caso es que aquí, esa técnica no cumple con lo deseado, y para colmo, termina distanciando de lo que estamos viendo, incluso lo hace más irreal.

El guión no hay por donde cogerlo, aparte de que se va por los cerros de Úbeda un montón de veces, y otras termina siendo escandalosamente ridículo. En cuanto a lo primero, podríamos hablar de la participación del cantante Juanes (a ver, pausa para respirar pofundamente). En un principio, lo citan de pasada, como pueden citar a cualquier otro músico (juas) en cualquier otra película. Y ahí quedaría la cosa. Pero el estupor es bien grande cuando la película, necesitada de más metraje, decide emplear unos minutos, demasiados, en un concierto privado para ricachones del famoso cantante, donde canta aquello de: “Tengo la camisa negra…”, canción que para nuestro martirio suena dos veces en la película. ¡¡¡¡Dos veces!!!! Aún no me he repuesto del susto. Dicha escena, vergonzosa hasta decir basta, podría haber sido utilizada en provecho de la narración, como bien se ha hecho con otros temas musicales en otras películas, pero no, es totalmente gratuita, y dan ganas de tirarle un zapato a la pantalla.

En cuanto a la ridiculez del guión, nos encontramos con todos los supertópicos de este tipo de historias. Los protagonistas son dos periodistas intrépidos que una vez estuvieron emparejados, y bla bla bla, no necesito decir más ¿verdad? La supuesta investigación por parte de los mismos acerca de unos violadores y asesinos es tan ridícula, que cuando veáis la película os daréis cuenta de lo sumamente fácil que lo tienen para encontrar a dichos asesinos, sin necesidad de dar tantas vueltas. Es en el transcurso de esa investigación donde se suceden algunas de las secuencias más bochornosas vistas en mucho tiempo. No me resisto a contar una en concreto, que por supuesto es un SPOILER, y que os invito a leer, porque no desvela nada importante del argumento del film. El sospechoso de los crímenes es un conductor de una línea concreta de autobuses. Entonces, para averiguar cuál de ellos es, nuestros dos protas deciden hacer fotos de todos los conductores. Para ello utilizan una furgoneta, y pasando pegados al autobús, o poniéndose delante, les quitan fotos a los conductores con una máquina digital última generación. Bien, hasta aquí todo correcto ¿verdad? es de suponer que en dichas fotos se verá a los conductores dentro de un autobús, conduciendo, evidentemente. Cuando llega la hora de que la chica superviviente del ataque de uno de esos hombres, lo identifique mirando dichas fotos, hete aquí que las fotos que mira son de los conductores, sí, pero posando para la cámara, y ninguno de ellos en el interior de un autobús. FINAL SPOILER. ¡¡¡¡DELIRANTE!!! Ante la falta de seriedad de escenas como ésta, pues qué queréis que os diga.

Los actores están todos penosos, aunque eso ya era de esperar. Jennifer Lopez se pasea con su cuerpazo, sin aportar ni la más mínima credibilidad a un personaje que se hunde por sí solo, y que es el colmo del esquematismo. A su lado, un Antonio Banderas más perdido que nunca, como jefe de un periódico mexicano, poniendo cara de serio intentando demostrarnos que el tema a tratar le preocupa. Martin Sheen interpreta al jefe del personaje de Lopez, y sale tan poco que apenas hay tiempo de valorar su trabajo. Sonia Braga pasaba por allí, y Juan Diego Botto sigue siendo mal actor allá a donde se vaya a rodar. Además, la relación de su personaje con Lopez es poco verosímil, y no viene a cuento.

Un bodrio soberano que les hace un flaco favor a los de Juárez. La película pretende denunciar algo horrible, y no aporta absolutamente nada, ni siquiera funciona como denuncia, por estar tan mal construída y enfocada. Incluso podría haberse hecho un film de género, con base real, un thriller con toques de realismo social, y hubiera quedado mucho mejor. Al final, como siempre, lo paga el espectador, al cual de nuevo se le ha tomado el pelo. Y encima con un tema serio.