“Peter, si quiere que dirija su pequeño safari, hay dos condiciones: primero, aquí mando yo, y cuando no esté yo, manda Dieter. Todo lo que tiene que hacer es firmar cheques, decirnos lo buenos que somos y abrir su caja de whisky cuando tengamos un buen día. Segunda condición: ¿mi salario? Puede quedárselo. Todo lo que quiero como pago a mis servicios es el derecho a cazar uno de los Tyranosaurios. Un macho. Cómo y cuándo es asunto mío. Ahora, si no le gustan alguna de estas condiciones, le dejaré solo. Así que adelante, levante el campamento aquí mismo, o en una ciénaga, o en mitad del nido de un Rex, porque me da igual. Pero he estado en demasiados safaris con dentistas ricos para escuchar más ideas suicidas, ¿de acuerdo?”

-Roland Tembo

Cuatro años después de ganarse un prestigio que siempre se le había resistido, y de alzarse con el Oscar al mejor director y mejor película con la estupenda ‘La lista de Schindler’, Spielberg volvía al cine con la segunda parte de la película más taquillera (hasta que llegó ‘Titanic’) de la historia. Y lo cierto es que dice mucho del carácter artístico de Spielberg que se arriesgara con aquella incursión en el holocausto judío, para regresar a una aventura que era una de sus menos interesantes películas. Es decir, un cineasta que podía permitirse cualquier cosa, cambiar por fin de rumbo una filmografía que ya se dibujaba con irregulares aristas, reincide en un cine descaradamente comercial que, además, fracasa en su intento de ofrecer grandiosa aventura y que se queda en una aventura familiar muy endeble. Películas como estas dan que pensar sobre la importancia real de Spielberg como artista.

Regreso a la pesadilla…es decir, al cuento de hadas

Estaba claro que íbamos a conocer una segunda parte, y parecía sencillo superar los tonos edulcorados y el bajísimo listón que Spielberg se impuso en la primera aventura. Esta película responde a la fórmula del “más difícil todavía”, pues después de sorprender a todos con unos efectos digitales que recreaban dinosaurios con gran espectacularidad, había que encontrar la fórmula para volver a sorprenderles. El problema es que ya estaba todo inventado. Simplemente, pusieron muchos más saurios, un poco mejor hechos que la última vez. La solución pasaba, en realidad, por situar a personajes más interesantes en la vorágine de esta secuela. Pero ahí también fracasaron, salvo en un caso, del que hablaremos más adelante.

Ya el mismo comienzo avisa de que la cosa no va a discurrir por caminos muy diferentes a los de la primera aventura. ¿Dónde están los electrizantes prólogos de Indiana Jones? Desaparecidos. A continuación regresamos a la civilización con el personaje de Jeff Goldblum, que repite papel, pero que durante toda película va a suponer un ejemplo de desgana y de incapacidad. Por supuesto, ha de regresar a la segunda isla en busca de su ex-mujer, que resultará ser Julianne Moore. ¿Por qué Spielberg coloca a este personaje en el centro de la historia, cuando es evidente que hace falta algo más interesante que eso? No lo puedo entender. En mi opinión, es el primer error, y uno de los más grandes. Pero hay muchos más. Su personaje tiene una hija, en teoría adoptada, que es un completo pegote sin gracia, y es que Spielberg tiene que meter algún crío por eso de asegurarse esa dimensión en el relato. La hija viajará con Malcolm de polizón, como todos nos imaginábamos desde el principio, cuando en realidad nos importa muy poco que viva o muera.

Malcolm, con barba y pinta de estar en muy mala forma, viaja con un equipo de dos personas más, entre ellos Nick Van Owen (un digno Vince Vaughn), que luego descubriremos que es un naturalista infiltrado, y enseguida se encuentra con su ex-pareja, una insoportable Moore (que es una de mis actrices favoritas). Hasta aquí han transcurrido más de veinte minutos de película, y se pregunta uno cuándo va a empezar esa en teoría gran aventura filmada por el gran maestro, porque ni por asomo hay nada de eso. Eso sí, los estegosaurios muy bonitos, muy bien hechos. También tenemos algún momento cursi digno de la casa, como al que pertenece la fotografía de arriba del todo. En ese momento, sucede un atisbo de milagro, porque llega un segundo grupo a la isla, capitaneado por el único personaje que tiene algo, interpretado por el gran Pete Postlethwaite, al que pertenece el monólogo que abre este artículo.

De pronto, sucede un milagro. Y es que pasa algo en la historia. Tensión, conflicto. Se instala cierta incertidumbre. Por supuesto, los dinosuarios vuelven a mostrar que son ellos los que mandan, y dos Rex atacan al furgón de los “buenos”, matando a uno de ellos, en una secuencia ciertamente muy elaborada, aunque estropeada por los famosos chistes malos tan del gusto de Spielberg. Eso sí, una vez concluido ese bloque, comienza la que es para mí la verdadera película, con el grupo de supervivientes aislados del mundo exterior y obligados a viajar hasta otro punto de la isla. Y ahí toma el mando el personaje de Postlethwaite, que es el que debería haber protagonizado toda la película, si Spielberg hubiera tenido los redaños de llevar su deseo de hacer esta película más oscura hasta al final, y no la hubiera convertido, de nuevo, en otra insulsez familiar.

Y es que, que me corrija el lector si ando errado, pero la aventura es algo más que cuatro personajes sin carisma correteando de un lado para otro perseguidos por dinosaurios generados por ordenador. Estoy seguro de que el adolescente amante de videojuegos (y yo soy un viciado, que no me interpreten mal) que en su vida ha visto una película de Raoul Walsh, de Howard Hawks o de John Huston, querrá corregirme y estará encantado con este despropósito, pero yo espero algo más, en realidad mucho más, de una historia de aventuras. No sólo pasar el rato, sino que me conmueva, porque creo que es uno de los géneros más poderosos que existen. Y como Spielberg demostró en ‘Tiburón’, por ejemplo, pues es de esperar, siempre, lo mejor de él.

La cosa se anima, ya digo, con ese viaje hacia el interior de la isla, pero las barbaridades se suceden sin desmayo (el tyrannosaurio o los raptores cazando siempre a uno de los “malos”, nunca de los “buenos”, la bochornosa escena de la hija haciendo equilibrismos sobre barras paralelas…), hasta que por fin tiene lugar el forzado tercer acto, ya en la ciudad, que pretende homenajear, con más pena que gloria, a clásicos como ‘King Kong’. Ya hablé, en su momento, de lo mal que se le dan a veces los finales a este hombre, llegando a estropear buenas películas (no es el caso). Aquí vuelve a demostrar que la coherencia no es lo suyo. Y si no, que alguien se digne a explicar cómo un Rex sorprende a toda la tripulación del barco (dado su tamaño y su ferocidad), los devora…¡y se vuelve a meter en su prisión marina! De locos.

Pero parece que ha comenzado una nueva película. Sorprende, además, la poca imaginación visual que demuestra Spielberg durante toda la película, la escasa calidad de la fotografía de Kaminski, y la plena incapacidad de todos los responsables por elaborar una aventura que pudo ser intensa y que se queda en muy sosa.

Conclusión

Películas como esta, y bastantes más, le hacen a uno replantearse la altura estética de su director, capaz de entregar una maravilla, primero, y dos o tres productos más que discutibles, después. Quizá le puede la desgana, o quizá es que le importa poco abaratar su filmografía (eso sí, llenándose bien los bolsillos del dinero de los espectadores, muchos de ellos encantados con algunos de sus despropósitos). A estas alturas, en 1997, queda claro que hay dos Spielberg. Uno es el de ‘Tiburón’, ‘E.T’, las aventuras de Indiana Jones, ‘La lista de Schindler’, ‘Encuentros en la tercera fase’, ‘El color púrpura’. Otro, muy diferente, es el de ‘The sugarland express’, ‘1941’, ‘Always’, ‘Hook’, ‘Parque Jurásico’, ‘El mundo perdido’...

Las diferencias son notables. Yo me quedo con el primero, claro está.

Extraño, seductor, llamativo; así es el tráiler de ‘A Single Man’, y según las críticas cosechadas hasta el momento (tras su paso por varios festivales), la película sigue esa misma senda, resultando uno de los títulos más interesantes del año. El 11 de diciembre se estrenará de forma limitada en Estados Unidos, desafortunadamente todavía no tenemos una fecha para España.

Como ya sabréis, se trata de la primera película del famoso diseñador de moda Tom Ford, quien ha adaptado, al parecer con gran acierto, la novela homónima de Christopher Isherwood. La historia de ‘A Single Man’ se centra en la triste reflexión de un profesor británico cuya vida se viene abajo cuando, de pronto, pierde al hombre al que ama, muerto en un accidente.

Colin Firth se alzó con la Copa Volpi en Venecia y tanto él como Julianne Moore suenan muy fuerte para la próxima edición de los Oscars, donde la actriz ha sido finalista en hasta cuatro ocasiones, no logrando todavía la preciada estatuilla. Matthew Goode, Lee Pace, Nicholas Hoult, Ginnifer Goodwin y Teddy Sears acompañan a Firth y Moore al frente del reparto.

PD: Mi primer post en nueve días. Tengo tantos borradores que casi me ha llevado más tiempo elegir que escribir. Voy a por otro.

Vía | Impawards

Mira a ver si puedes arrancarte la piel…y dársela de comer a los perros…

-Hannibal Lecter

Hace poco volví a ver ‘Hannibal’, dirigida por Ridley Scott ocho años atrás, con la esperanza de que las sensaciones que me produjo hace ya tanto tiempo siguieran intactas. Y las sensaciones eran que, a pesar de ser evidentemente inferior a la película que, en 1991, dirigió Jonathan Demme, se trataba de una buena película de horror, de factura perfecta y mucho estilo a la hora de darle la vuelta al (sensacional) texto original de Thomas Harris.

Pero, y aunque puse todo de mi parte, la mayoría de aquellas sensaciones se han evaporado con el tiempo, y lo que antes me parecía una estupenda película, ahora me parece de una tosquedad evidente. De hecho, es un burdo ejercicio de estilo, muy en la línea de lo que en esta década nos ha ido ofreciendo este director. Contiene un par de buenas secuencias, y un par de buenas ideas, pero es una película poco destacable. Puede que mis gustos evolucionen más rápido de lo que pensaba. Sin embargo, creo que debe ser la mejor película que ha hecho Scott en veinte años.

Apuesta comercial disfrazada de cine de autor

La cosa estaba bastante clara. Después del grandioso éxito, no sólo de público, también de crítica, de ‘El silencio de los corderos’, y con una nueva novela en camino de Harris, Dino de Laurentiis no podía dejar pasar la oportunidad de repetir la jugada. Ahora bien, primero intentaría reunir al equipo original, sobre todo a Anthony Hopkins. Lo malo es que sólo consiguió hacer firmar a este actor, que había encontrado al que sin duda es el personaje de su vida, mientras que Jodie Foster y Jonathan Demme se negaron en redondo a participar en la secuela.

Pero este productor, de errática carrera, no se ha caracterizado precisamente por rendirse ante las negativas. En lugar de eso confeccionó una producción ambiciosa, esperando un gran éxito de taquilla y, quién sabe, quizá otra buena película. A tal efecto contrató a Ridley Scott, que estaba rodan su primer éxito en una década, ‘Gladiator’, y para sustituir a la Foster, llamó a una gran actriz, aunque le costó bastante convencerla, Julianne Moore. El oponente de Hannibal, Mason Verger, sería encarnado por un irreconocible Gary Oldman, con lo que ambos actores volverían a enfrentarse tras ‘Bram Stoker’s Dracula’.

La novela retomaba a la misma pareja de personajes, varios años después, y extendía su relato a Florencia, ciudad en la que un fugitivo Lecter intentaba ingresar en el prestigioso Studiolo Florentino, gracias a sus vastos conocimientos de arte. De modo que Ridley Scott intentaría destacar la oscura belleza de la capital italiana, buscando un espectáculo de horror en el que se subrayara su atmósfera medieval, antes de regresar con el relato a Estados Unidos y contarnos el reencuentro entre ambos personajes. El problema consiste, una vez más, en que Scott no comprende en absoluto a sus personajes, y aunque se esfuerza en una puesta en escena aparentemente culta y sofisticada, se queda en cultureta y gélida. Pero Scott siempre ha sido un mercenario, que firma proyectos ajenos, y ya a nadie puede convencer de ser un autor.

Fastuosa producción, irregular dirección

Con mucho más presupuesto que ‘El silencio de los corderos’, Scott contó con el director de fotografía responsable de la gran imagen de ‘Gladiator’, John Mathieson, un profesional cuya forma de trabajar han imitado los directores de fotografía de Scott en sus últimas películas. Su estilo de imagen está basado en las sombras y en los humos constantes, de gran profundidad de campo y blancos extremos, saturados. Da igual qué historia cuente este hombre, que sus tratamientos de luz son muy similares. De hecho, es una luz muy parecida a la de ‘American Gangster’, y no me digan que esto es un rasgo de estilo, porque no es cierto.

Pero no sólo la imagen y la resolución plástica son opuestas a las de la primera película (una opción lícita, naturalmente), sino que todo lo que aquella obra maestra tenía como ejemplo de contenido horror, de perfecto suspense, de despiadada y compasiva verdad, desaparece con Scott. Y lo malo para él, es que no los sustituye por nada mejor, sino por una puesta en escena muy preciosista pero de escasa profundidad. Y el bueno de Demme le da lecciones de suspense con una mano atada a la espalda, sin necesidad de crear un alucinante juego de luces y sombras. Demme, además, perseguía conmovernos, con una dirección sobria y humilde, mientras que Scott pretende asustarnos con casquería y exageraciones.

Todo comienza con la peor secuencia de la película, y acaba seguramente con la mejor, lo que al menos es una suerte. Porque la secuencia de acción que abre el filme es un ejemplo del peor cine de este género que podemos encontrar, un batiburrillo amorfo de imágenes montadas frenéticamente para dar al sensación de dinamismo, pero que produce mareo (casi superado por dos planos consecutivos de Giancarlo Gianini y Francesca Neri que parece un anuncio de champán…). Moore se esfuerza en su Clarice Starling, pero está lejos de la identificación profunda de Foster. Se nota demasiado que ha recogido un testigo demasiado pesado, incluso para su talento. En cuanto a Hopkins, ya era una estrella, y aunque sin duda hace un buen trabajo, este es desequilibrado, muy lejos también de la increíble perfección de su primer Hannibal.

En general, la sensación que se tiene es la de que el reparto está mucho peor cohesionado, como sucede casi siempre con Scott, que el aparato técnico. Aunque también adolece de soluciones narrativas que afean mucho su aspecto, como la decisión de acelerar o ralentizar la imagen, a la manera de un colegial que deseara impresionar con trucos. Pero hablábamos de Hopkins, que después de un papel casi de secundario en la primera parte (aunque se llevó el Oscar a mejor principal, lo que demuestra lo innecesario del término) es ahora la estrella de la función.

Sin embargo el fascinante doctor Lecter se convierte por momentos, por una dirección falta de coherencia, en el cargante doctor Lecter. No nos impresiona ya tanto, por acumulación de escenas y por un tono disperso, este tenebroso genio del mal. Viendo esta película, que insisto con todo creo que es lo mejor de Scott en esta década, lo mejor de todo es las furiosas ganas que le entran a uno de revisar, por enésima vez, la maravilla de Demme. De hecho, acabo de decidir que la semana que viene le dedicaré un largo análisis en dos partes. Esta se lo merece.

Proyecto Humano… ¿Por qué la gente cree en esa mierda? Sabes, aunque esa gente exista, con sus instalaciones en lugares secretos, no me jodas, ¡es muy fuerte!, aunque hayan descubierto la cura para la infertilidad, ¡no tiene importancia! Demasiado tarde. El mundo se ha ido a la mierda. ¿Sabes qué? Era demasiado tarde antes de que esto de la infertilidad ocurriera, hostias.

-Theo Faron

Hay películas que resultan tan insoportables, tan poco condescendientes con el espectador, que verlas una primera vez resulta un verdadero suplicio, pero que regresar a sus imágenes y volver a resistirlas se convierte en un verdadero calvario. ¿Por qué entonces, en casos como éste, volvemos a insertar el Dvd en el reproductor y damos click al play? En mi caso, y sospecho que en el caso de algunos más, este mazazo nos perturba, pero al mismo tiempo nos hace libres.

Por suerte para los cinéfilos, y para el cine, y para el arte, existen algunos directores muy capaces de olvidarse de lo que espera recibir la mayoría en una sala de cine, y de dedicarse a lo que tienen que hacer. Es decir, de convertir el arte, la cultura, en un instrumento de combate, al mismo tiempo que redefinen y formulan sus límites estéticos. Uno de esos elegidos es, a mi entender, el realizador mexicano Alfonso Cuarón, un tipo que está muy lejos de dormirse en los laureles de su maravilloso ‘Harry Potter y el prisionero de Azkabán’, y al que sólo le preocupa la verdad.

Otros directores pueden preocuparse de arreglarle el fin de semana a la masa de espectadores que acuden al cine a olvidarse de sus problemas, y con ello pueden contribuir a engrosar la cuenta corriente propia y la de otros. Pero dentro de pocos años pasarán justamente al olvido. Sin embargo hay directores que quieren hacer honor a su profesión. Prefieren ofrecerle algo al espectador que no le guste, hablar de cosas valiosas y de una forma auténtica, antes que firmar el enésimo ejercicio de diversión para que el personal se sienta a gusto consigo mismo (¿acaso no han pagado una entrada? tienen derecho por tanto a exigir que el cineasta les divierta).

Ahora bien, ¿hay un exceso de autocomplacencia por parte de Cuarón? ¿Un ego desatado? Nada de eso. Su dirección es asombrosa primeramente por su humildad. La primera y más importante de las decisiones de su puesta en escena es el naturalismo absoluto, y el ascetismo más suicida. Filmada en super 35, haciendo uso de grandes angulares que posibilitan una extraordinaria profundidad de campo, el repetido uso de la cámara en mano da lugar a algunos de los planos secuencias más notables de la historia del cine. Pero el objetivo de Cuarón a la hora de elaborar estos complejísimos planos no produce la sensación de la búsqueda de lucimiento, sino de la búsqueda de la verdad.

La combinación insuperable de los planos secuencia (por ejemplo, el de la importante muerte de un personaje que creíamos esencial en el futuro del relato), la coreografía de los actores y de los técnicos, convoca una tensión psíquica que no se logra por otros medios. Con estos planos secuencia Cuarón se erige como uno de los dos o tres directores con más pericia y talento de su generación. Y los lleva a cabo como si fueran fáciles. Imposible imaginar el inmenso trabajo de preproducción que requieren, y el esfuerzo de un equipo fabuloso perfectamente orquestado.

Cuarón, de este modo, aprovecha el gran éxito y poder que le supuso llevar a buen puerto la tercera aventura del niño mago para viajar a Londres, y allí y en sus alrededores filmar esta adaptación de la talentosa escritora (casi nonagenaria) de novelas policiacas P.D. James, cuyo relato ‘Children of men’ fascinó a Cuarón lo suficiente como para embarcarse en este proyecto que, hasta la fecha, tan poco dinero ha reportado, y que a pesar de que goza de cierto prestigio crítico, no es un película ni por asomo famosa. Aunque eso a quién le importa.

No creo que sea justo quedarse con su anécdota principal, la que narra que en el mundo ya no nacen niños y que la humanidad se enfrenta a su final. La película no se centra sólo en ello, y esa es una de las razones de su grandeza. Otras películas sí se quedan en la superficie y no llegan más allá, pero en ‘Hijos de los hombres’ esto no es más que una excusa para trazar un exacto y tenebroso retrato no de la cloaca de mundo del futuro, sino de la cloaca de mundo infecto que nos ha tocado vivir. El espectador, me temo, no siente, aunque se trate de una ficción futurista, que le instalen en un mundo futuro. No, en realidad sentimos que alguien ha bajado a los infiernos de este mundo, este y no otro.

De ahí su poderosísima verdad, y su brutal impacto. Observamos los guettos y confinamientos (en realidad, fortalezas del horror para inmigrantes) que existen por todo el mundo. Asistimos, estupefactos, a la hipocresía y violencia salvaje de los que se llaman nuestros gobernantes o nuestros salvadores de las barbaridades de estos gobernantes. Somos testigos de la cárcel del mundo moderno, de su suciedad, su demencia y corrupción. No hay esperanza, y Cuarón no está dispuesto a proporcionarnos paños calientes. Y en medio de todo este horror (que es el mundo tal cual, queramos o no verlo), aún hay espacio para rayos de esperanza.

Esa esperanza es la que alguna que otra vez puede disfrutar en su itinerario al filo de la muerte el desengañado Theo (interpretado con gran humanidad y sobriedad por el estupendo intérprete Clive Owen), y que toma cuerpo con las apariciones maravillosas de Julianne Moore o Michael Caine, dos de los mejores intérpretes vivos. Theo es un hombre, por lo demás, superado absolutamente por las circunstancias, y que apenas puede lidiar con la situación que le ha tocado vivir, a la que le han llevado una mezcla de principios e instinto de supervivencia.

Con una selección de canciones magnífica, que sin cargar las tintas en sus códigos genéricos, sino ecléctica pero igualmente devastadora, y con la formidable dirección de fotografía de Emmanuel Lubezki (sin duda, el operador más dotado de su generación), la vorágine de ‘Hijos de los hombres’ nos repele y nos atrae al mismo tiempo.

Apenas hay, por tanto, momentos para la risa o la relajación, sumidos además en ese mundo grisaceo y decolorado, espantoso de puro real. Los diseñadores de ese futuro se plantearon, de hecho, una solución muy alejada a la que llevó a Ridley Scott a construir su ‘Blade Runner’. Todo lo que allí es poesía impostada, aquí es una verdad dolorosa y fugaz; lo que allí es una atmósfera como verdadero protagonista, aquí es un elemento más de la narración y un apoyo anímico a los personajes. Lo que allí es un final feliz anticlimático aquí es un final ambiguo y descarnado, que nos deja el corazón en un puño y nos empuja a pensar, a cambiar y a mejorar. No lo haremos, pues somos personas. Pero quizá seamos un poco más lúcidos.

‘Hijos de los hombres’ es, junto a ‘La joven del agua’, la mejor y más bella película estrenada en el mundo en 2006. Creo esto tan firmemente como que el mundo se va a la mierda y que no se merece maravillas como la última película, hasta la fecha, de Alfonso Cuarón.

Otras críticas en Blogdecine:

• ‘Hijos de los Hombres’, simplemente, la mejor película del año

• ‘Hijos de los hombres’, ‘Children of men’, tan bella como insustancial

• ‘Hijos de los Hombres’, cuando el destino nos alcance

En las anteriores críticas sobre ‘A ciegas’ vertidas en este blog, tanto Beatriz Maldivia como Juan Luis Caviaro adoptan prácticamente la misma postura sobre la película, con el detalle añadido de que la primera había leído el libro, y el segundo no. Por lo tanto, dos percepciones distintas coinciden. Por un lado, alguien que conoce la base literaria del film, y sale decepcionado; y por otro, alguien que desconoce esa base termina llegando a la misma conclusión. Siempre que he visto una película basada en un libro que he leído he procurado dejar de lado la obra escrita, concentrándome en la cinematográfica, la cual posee una técnica narrativa totalmente distinta, algo obvio por cierto.

‘A ciegas’ está basada en ‘Ensayo sobre la ceguera’ de José Saramago, sobre la que lo único que puede decir es que posee una premisa que me parece muy interesante, la misma que evidentemente posee la película. Desconozco por completo cómo se las ha ingeniado Saramago para desarrollarla, pero fílmicamente, Fernando Meirelles se ha preocupado únicamente de dotar a la historia de una fuerza visual con la que experimenta demasiado, y se olvida precisamente de poner en imágenes la historia en sí.

No leer si no se ha visto la película.

‘A ciegas’ da comienzo cuando un hombre normal y corriente, se queda ciego sin causa aparente. A partir de ese momento, todos los que están a su alrededor irán corriendo la misma suerte, y muy pronto estallará la alarma, las autoridades pondrán en cuarentena a los afectados, recluyéndolos en edificios de los que no podrán salir, abandonándolos a su suerte. En uno de esos edificios, los protagonistas de la historia, entre los que se encuentra una mujer que no ha sido afectada por la extraña epidemia, experimentarán hasta dónde es capaz de llegar el ser humano en un situación caótica que parece irreversible.

El sólo hecho de pensar que toda la población se pueda quedar paulatinamente ciega nos hace pensar en la multitud de situaciones desastrosas y caóticas que se producirían, y ésa es la intención de Meirelles al narrar la historia. Sin embargo, el director de ‘Ciudad de Dios’ (aún hoy su mejor película, y que curiosamente está co-dirigida por Kátia Lund), pone en evidencia todo lo que en ‘El jardinero fiel’ eran sospechas. Meirelles está capacitado para filma planos deslumbrantes, para jugar con la iluminación hasta conseguir escenas preciosistas únicas, pero no es capaz de penetrar en el drama en sí, y hacernos partícipes de él. Con su cargante estilismo visual termina por estropear las enormes posibilidades de la historia, y que en cierto modo sean las mismas por las que juzgamos a veces un film y no por lo que nos ofrece realmente.

Esta vez Meirelles no saca provecho de la forma, y ésta se separa del fondo, quedando un producto vacío, con algunas pinceladas de buen cine, sobre el que apenas quedan ganas de ponerse a reflexionar. Tratar de captar el punto de vista de alguien que se queda completamente ciego, en cine es prácticamente imposible, y Meirelles opta por dejar entrever algunas cosas cuando hace uso de la cámara subjetiva, lo cual es un error, porque no tendríamos que ver absolutamente nada. Pero eso no es lo más preocupante, sino todos los puntos flacos del relato, cuando se supone que todo estalla. Todos los planteamientos de tan horrible situación están desaprovechados. Que la gente que se queda ciega sea encerrada, que se confundan a los que son ciegos de verdad y no por la epidemia, que se creen grupos sociales dentro del encierro, que los de fuera los abandonen a su suerte incluso disparando contra ellos si es necesario, que la ceguera venga sin más, que se vaya también sin más, que la única persona que ve no sea capaz de sacar provecho de su ventaja, y muchos más apuntes, quedan bien como eso, como apuntes. En ‘A ciegas’ no están desarrollados, y mucho menos formando parte de un todo.

Uno de los aspectos para mí más preocupantes de la película, es su limitado registro de personajes. Todos y cada uno de los que salen en pululuando por el film carecen de profundidad, y ni siquiera son arquetipos bien utilizados, lo cual hubiera llegado de sobra. Tampoco sentimos nos identificamos con alguno de ellos, ni siquiera con el personaje de Julianne Moore (tan preciosa y efectiva como siempre), que es el único que ve, y por lo tanto el único que en esa situación puede cambiar el curso de las cosas, como de hecho hace en cierto momento. Al respecto, yo sólo me pregunto porqué Moore no le quita la pistola a Gael García Bernal, no para matarle, algo a lo que se ve absurdamente obligada luego, sino para sacarle el poder que el arma le da, y deshacerse de ella. Es precisamente en toda esta parte, en la que la película parece que va a sacar sus mejores cartas, pero todo queda reducido al efectismo, otra vez visual, pero no por cómo Meirelles lo filma, sino por lo que muestra. La degradación a la que llega el ser humano en esa parte de la película es lo mejor del film, aunque lamentablemente está resuelto de un plumazo.

A la carencia de personalidad de muchos de lo personajes hay que sumar las pobres interpretaciones de prácticamente todo su elenco. Mark Ruffalo, Gael Gacía Bernal, Alice Braga, Yusuke Iseya y Danny Glover, entre otros, están tan perdidos como los personajes que interpretan. Sólo la gran Julianne Moore parece estar a la altura, aunque más de la mitad de la película, Meirelles se dedique a filmar su rostro de infinidad de maneras y todas bonitas. Una manía del director que le lleva también a querer plasmar las consecuencias de una ceguera mundial, pensando que con sus juegos de luces y montaje podría conseguirlo.

‘A ciegas’ supone un resbalón en la carrera de un director que quedará siempre marcado por una película (‘Ciudad de Dios’) cuya fama le sobrepasa. Pero sobre todo es una gran oportunidad desaprovechada, la de poder realizar una de las cumbres sobre historias apocalípticas. La humanidad se ha quedado ciega, no hay futuro. ¿Hay algo más terrible que eso? Sí, que Meirelles se dedicase a otra cosa en lugar de narrarlo.

Menudo ejemplo de profesionalidad, hoy respeto aún más si cabe a este actorazo. Como ya sabréis, Liam Neeson se encontraba en pleno rodaje de ‘Chloe’, lo nuevo del director Atom Egoyan, cuando le informaron del accidente que había sufrido su esposa, la también actriz Natasha Richardson. Neeson abandonó Toronto y se trasladó inmediatamente al hospital de Nueva York donde Richardson fue internada, y donde desgraciadamente fallecería poco después.

Apenas una semana ha transcurrido desde el triste suceso, cuando se informa que el rodaje de ‘Chloe’ ha finalizado. Tras dar el último adiós a su esposa, en un funeral celebrado en la localidad de Millbrook, Liam Neeson se desplazó de nuevo hasta Toronto, donde le esperaba Egoyan y todo el equipo, para terminar su trabajo en el film, que ahora pasa a la fase de post-producción. La presencia del actor irlandés era fundamental para acabar la película, que para colmo tiene un argumento que no ha tenido que poner las cosas nada fáciles.

La historia de ‘Chloe’ gira en torno a un hombre al que su mujer pone a prueba, contratando a una prostituta para que intente seducirle. Julianne Moore y Amanda Seyfried han sido las compañeras de reparto del protagonista de ‘La lista de Schindler’, la primera como su esposa y la segunda como la joven contratada para probar su fidelidad.

Desde este humilde espacio, quiero desearle todo lo mejor a Liam Neeson, un gran actor, una gran estrella y un gran profesional.

PD: No quiero ni imaginarme lo que habrá tenido que interpretar este hombre tras semejante brutalidad (por no usar otra palabra) del destino.

Vía | El País

‘A ciegas’ es el título que en España le han puesto a ‘Blindness’ (“ceguera”), la nueva película del director brasileño Fernando Meirelles. Con un reparto de lo más llamativo, encabezado por la siempre estupenda Julianne Moore, un interesante argumento, y el hecho de estar basada en una prestigiosa novela de José Saramago (‘Ensayo sobre la ceguera’), la película se presentaba como un plato muy jugoso. Al menos, en principio. En definitiva, yo no encontré casi nada de lo que esperaba; muy poca sustancia en un obra donde, irónicamente, la apariencia se lo ha come todo.

Una epidemia de ceguera se extiende a través de una ciudad, generando el caos. Ésa es la premisa argumental de ‘A ciegas’, y creo que no soy el único al considerarla muy interesante. Por varias razones, pero en lo que se refiere a este caso, a lo que esta película podía aportar, en mi opinión, porque puede dar pie a un inquietante drama con personajes al límite, así como a una jugosa reflexión sobre la sociedad, la naturaleza del ser humano o hasta qué punto la vista condiciona nuestra vida. Es lo que personalmente esperaba, enfrentado a la película sin haber leído la novela (cosa que corregiré pronto).

Y no es que la película me haya parecido totalmente fallida, encontré elementos interesantes en ella, pero no puedo negar que me haya decepcionado, en conjunto, pues todo eso que os he comentado que esperaba apenas se trata en la pantalla. Y sus imágenes pueden movernos a la reflexión, pero, ¿hasta qué punto eso nace de la propia película? Quiero decir, puestos a ello, todos podemos ponernos a reflexionar sobre cualquier cosa, sólo necesitamos una chispa y ganas de darle al coco. Pero si miramos por la ventana y vemos cómo una mariposa se posa sobre una pared sucia y nos ponemos a pensar en quinientas cosas (la belleza de las cosas pequeñas, la falta de respeto por lo que es público, lo caro que está el alquiler, etc.), no es mérito ni del bicho ni de los tipos que ensuciaron la blanca estructura.

Algo así creo que pasa con muchas películas. Que a menudo les damos más valor del que realmente tienen, que le queremos dar una profundidad de la que verdaderamente carece, sólo porque al ver alguna escena, empezamos a entretenernos con nuestros propios pensamientos. Lo que cuenta es la intención. La concreta intención del responsable (o responsables) de la obra. Y creo que ya todos sabemos que es mejor callarse y dejar que los demás interpreten lo que quieran, cuanto más mejor, porque a fin de cuentas, en muchas ocasiones, el azar, la torpeza y la necesidad se imponen, pero queda mal decirlo.

De este modo, aunque es verdad que ‘A ciegas’ tiene sus aciertos, creo que es una película que no se ha llevado a buen puerto, que no ha aprovechado la premisa central, y que sus personajes daban para más de lo que se saca de ellos. Parece que Fernando Meirelles se queda satisfecho con tratar la superficie del asunto, buscando un impacto visual simple, vacío de contenido, en lugar de preocuparse por la fuerza de la narración, de los grandes conflictos que surgen tras la epidemia de ceguera que va afectando a todos los personajes (excepto uno). Quizá esto se deba a la diferencia de los puntos de vista que mantienen el director y el autor del libro sobre la historia y la visión (nunca mejor dicho) del mundo; el primero apuesta por la esperanza, el optimismo, y que la película va para los que piensan así, mientras que el segundo aboga por todo lo contrario, manteniendo que sólo los pesimistas pueden cambiar el mundo, porque son los que no se conforman con lo que hay.

Viendo ‘A ciegas’ (suena raro esto) no dejaba de pensar que Meirelles abusaba de artificios visuales innecesarios, que impedían que me concentrara en la historia y el drama de estos desgraciados individuos que se descubren desamparados en un mundo caótico y salvaje. Es la segunda vez que me pasa con el cineasta que nos ocupa. Me ocurrió con ‘El jardinero fiel’, su anterior y reputado trabajo, una película con un estupenda carga crítica y de denuncia, claro, pero que perdía (a mi entender) toda su fuerza y su dramatismo por culpa de los caprichos estéticos de Meirelles. Es genial que existan lo que llamamos “películas con mensaje”, pero si lo único que van a hacer es repetir lo que ya todos sabemos, sin aportar nada, sin ofrecer un producto con armas puramente cinematográficas, sólo discursos trillados, lágrimas y enfados muy bien fotografiados, el asunto me parece más bien indefendible.

De este modo, en ‘A ciegas’ volvemos a encontrar un excelente repertorio de imágenes de postal, estupendamente fotografiadas y coloreadas, pero que no aportan demasiado para lograr una mayor comprensión de los diferentes personajes, no se logra implicar al espectador, cuando lo que ocurre es realmente terrible. Precisamente, lo mejor de la película, en mi opinión, es cuando la historia se retuerce al máximo, desaparece tanta floritura visual y Meirelles nos introduce en un verdadero infierno, violento, sucio y repugnante. Una parte en la que sorprende la interpretación de Gael García Bernal, normalmente empleado para papeles de chico bueno, que aquí se pone en la piel de un auténtico animal. Muy desagradable todo lo que provoca él y su tropa, pero, como digo, uno de los aciertos de la película, porque a nadie se le escapa que lo que se muestra podría llegar a ocurrir (es más, creo se quedan cortos).

Pero ni siquiera ahí, lo que hacen los personajes resulta demasiado convincente, a menudo hacen o dicen cosas que van en contra de la lógica (de la mía, al menos). En toda esa parte de Gael como líder del terror surgen ocasiones en las que se echa en falta una respuesta algo más contundente por parte de los desfavorecidos, de los marginados. También me parece forzado lo que sucede entre los personajes de Mark Ruffalo (que me encantó en ‘Zodiac’ pero desde entonces me está decepcionando, muy soso) y Alice Braga, es gratuito y contrario a la línea que estaba tomando la historia. Pero a Meirelles parece importarle poco, sólo que queda bien en pantalla y permite glorificar aún más al personaje de Julianne Moore, la madre de todos los desamparados. Moore, como es de esperar, ofrece un trabajo de altura, está sencillamente perfecta. Es una de las mejores actrices del planeta, no me cabe duda, y una de las razones para recomendar ‘A ciegas’, aunque no esa la fantástica película que podría haber sido.

Dicen, para promocionarla, que ésta es una película que no dejará a nadie indiferente. Bueno, desde luego, eso es lo que debería haber sido, pero lo que logra es justo lo contrario: dejar frío, que no te afecte, no te emocione lo que ocurre. Dicho esto, claramente, creo que los méritos de la película son más que suficientes como para acercarse al cine y darle una oportunidad. Además, es un producto que, a pesar de que algunas caras os suenen a cine comercial norteamericano, se sale de lo corriente y eso siempre es algo de agradecer. No es todo lo que podría haber sido, pero tiene momentos inquietantes y puede (quizá) despertar la reflexión y el debate sobre los límites y la naturaleza del ser humano. O simplemente, puede servir como entretenimiento para una tarde aburrida, eso también.

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‘A ciegas’ o con pocas luces

Protagonizada por Julianne Moore, Mark Ruffalo, Danny Glover, Gael García Bernal, Alice Braga, Yusuke Iseya, Yoshino Kimura y Maury Chaykin, ‘A ciegas’ (‘Blindness’) es la adaptación de Fernando Meirelles de la novela de José Saramago ‘Ensayo sobre la ceguera’, que se estrena el viernes, 13 de marzo.

Entiendo que la fidelidad no es la única ni la mejor consigna a la hora de adaptar una obra al cine. Critico siempre aquellas traslaciones que no transforman la estructura para hacerla fílmica y que se quedan en un lenguaje más literario que cinematográfico cuando abusan de la voz en off. Pero Meirelles no ha cambiado la novela de Saramago para adecuarse más al séptimo arte –estructuralmente, el libro se podría haber plasmado tal cual—, lo que ha hecho ha sido tomar de ella únicamente sus aspectos superficiales, es decir, estéticos, e ignorar la intensidad dramática, el conflicto psicológico e incluso el mal rollo que destila la obra del portugués. Es al espíritu a lo que no ha sido fiel Meirelles y no a la forma, cosa que siempre debería aceptarse que se tocase, si el fondo se mantuviese.

Este afán ornamental es tan exagerado que el resultado es pretencioso, es decir, que los recursos visuales no están al servicio de lo narrado, sino que son un fin en sí mismos, algo gratuito e incluso contradictorio –si se mostrase el punto de vista de los ciegos, no podríamos ver tampoco entre los destellos — con respecto a la historia. Probablemente lo único que atrajo a Meirelles de la novela era la posibilidad de quemar la fotografía y de rodar planos muy estudiados. No me parecería mal que lo hiciese, si esto fuese un complemento, pero no si es lo único que ‘A ciegas’ puede ofrecer, además de un reparto de grandes nombres. La música entra dentro de los recursos pedantes y se hace muy molesta al colocarse demasiado por encima de lo que se cuenta. Una banda sonora nunca tendría que destacar, debería apoyar los sentimientos que el guión quiere causar.

Al quedarse en lo externo de la historia, Fernando Meirelles ha vaciado de contenido a ‘Ensayo sobre la ceguera’ y, con eso, ha convertido uno de los libros más apasionantes que he leído en algo aburrido. Quienes no lo conozcan encontrarán momentos interesantes porque es verdad que algo queda –de una cosa tan potente, tiene que quedar algo—. Pero es casi imposible comparar la eficacia de una obra y de otra.

Vayamos a cosas concretas: antes de que el personaje de Gael García Bernal en la película decida que va a cobrar por la comida, en el libro se va mostrando cómo la crueldad y el egoísmo de estos individuos van creciendo y cómo se va extendiendo entre los que les rodean. En la novela, este fragmento supone, al mismo tiempo, un estudio sociológico muy inteligente y una gran tensión narrativa. Sin embargo, Meirelles ha obviado esta parte, que podría ser la más interesante, probablemente porque no sabía cómo transmitirla. Esto, por sí solo, ya supone una pérdida, pero además impide que lo que viene después tenga el efecto que tendría si lo hubiésemos visto.

En otros momentos la cosa es peor, ya que no sólo se pierde la gran aportación del libro, sino que ‘A ciegas’ presenta escenas que incluso sin soportar una comparación con ninguna novela serían ridículas. Por ejemplo, aquella en la que los personajes hacen repaso de lo que ha pasado antes narrándolo en voz en off es un truco de lo más obvio.

En realidad, yo siempre pensé que ‘Ensayo sobre la ceguera’ era una novela inadaptable. Comienza con un punto de vista de alguien que se queda ciego, que habría dejado la pantalla en blanco durante muchos minutos si hubiese sido fiel. Partiendo de ahí se puede decir que, la rodase quien la rodase, no me habría satisfecho. La solución que se da al inicio no es mala, incluso se puede considerar lo mejor del film. Pero nunca tendrá la originalidad y la fuerza que tenía aquella descripción sobre el papel. Porque imaginarse la ceguera mientras lees o escuchas un relato es posible, pero no mientras tu retina percibe 24 imágenes por segundo.

Decía que el segundo aliciente es el elenco y aún no he comentado las interpretaciones. Sin embargo, poco hay que comentar, ya que todos los actores, aunque sean muy buenos, están influidos por la blandura de los demás aspectos del film y crean unos personajes pasivos y carentes de interés.

El visionado de la película sin conocer la novela previamente es posible que se disfrute mucho más. Por ello mi crítica no puede servir igual para quienes la han leído que para los que no. Mis compañeros de blog van a publicar sus críticas próximamente y probablemente alguno de ellos considera el film en sí, como obra única. Así que, quienes prefiráis esa visión, también tendréis acceso a ella dentro de nada.

Más información en Blogdecine sobre ‘A ciegas’.

Mi puntuación:

Uno de los estrenos que más me ilusionan de los próximos meses es ‘A ciegas’ (‘Blindness’), de Fernando Meirelles, con guión de Don McKellar, y que cuenta con Julianne Moore, Mark Ruffalo, Danny Glover y Gael García Bernal como actores principales. Se presentó en Cannes con un recibimiento moderado y ahora lo hará en otro lugar de cuyo nombre no quiero acordarme.

Se basa en la novela ‘Ensayo sobre la Ceguera’, del portugués José Saramago, uno de los libros de cabecera del que escribe este artículo, una mezcla de ciencia-ficción apocalíptica y drama intimista. Seguramente es la mejor obra de su autor, teniendo en cuenta que ganó el Premio Nobel. Ahora vienen los cinco primeros minutos de la película, en los que se ve a un hombre con rasgos asiáticos que se queda ciego mientras conduce. El escenario es una metrópolis interracial, y un personaje interpretado por el propio McKellar ayuda al nuevo invidente. La cosa no ha hecho más que empezar, pero eso sólo lo sabemos los que hemos leído el libro. La fotografía destaca por sí sola y la dirección es bastante correcta. Fíjense en cómo juega Meirelles con el blanco (color que ve exclusivamente el ciego) y el reflejo de la luz sobre el cristal delantero del coche. El trailer ya anunciaba una gran película. Este fragmento confirma nuestras sospechas.

Su estreno en Estados Unidos es hoy. En España será el 9 de enero de 2009.

En Blogdecine:

• Más información sobre ‘Blindness’.

‘Blindness’ es la nueva película de Fernando Meirelles, el aclamado director de ‘Ciudad de Dios’ y ‘El jardinero fiel’. Basada en una novela de José Saramago, el film narra como una epidemia deja ciega a toda una población, excepto a una mujer. Todos serán puestos en cuarentena en un gran hospital en el que se formará una pequeña sociedad entre los ciegos, la cual empezará a desmoronarse. Julianne Moore es la mujer no afectada, y le siguen Mark Ruffalo, Gael García Bernal, Alice Braga y Danny Glover. Guioniza Don McKellar, que también tiene un papel en la película.

Todos los posters aparecidos hasta ahora me parecen extraordinarios, y este segundo trailer deja con buen sabor de boca. ‘Blindness’ se estrena en los USA el próximo 26 de Septiembre, y en España aún no hay fecha de estreno, aunque será una de las películas que se proyectarán en el próximo Festival de Sitges.

Galería de fotos

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Vía | Impawards y The Movie Box