Tras confirmar que no tiene intención de volver al universo cinematográfico de los superhéroes de Marvel, Kenneth Branagh ya trabaja en su nuevo proyecto como director, la adaptación a la gran pantalla de la novela ‘The Guernsey Literary and Potato Peel Pie Society’ escrita por Mary Ann Shaffer y Annie Barrows. Recientemente se ha sabido que el actor y cineasta ha elegido a Kate Winslet para el papel principal, por lo que volverán a colaborar juntos dieciséis años después de aquella ambiciosa versión de ‘Hamlet’. La intención es que el rodaje pueda comenzar en marzo, ya que la actriz también se comprometió a protagonizar lo nuevo de Jason Reitman, ‘Labor Day’, que se filma en junio.

‘The Guernsey Literary and Potato Peel Pie Society’ gira en torno a una historia de amor que tiene lugar en Londres y las islas del Canal de la Mancha después del final de la II Guerra Mundial. Winslet, que desde 1996 ha sido afortunada construyendo una carrera envidiable (¿alguien duda que sea una de las mejores actrices del planeta?), dará vida a una escritora que descubre el relato de un grupo de habitantes de Guernsey que usaban un club de lectura como tapadera para burlar la ocupación nazi; cautivada por los hechos, la mujer se desplaza a Guernsey para conocer la historia de primera mano, un viaje que cambiará su vida. Don Roos, responsable de películas como ‘Un final feliz’ (‘Happy Endings’) o ‘El amor y otras cosas imposibles’ (‘The Other Woman’), se ha ocupado del guion; de momento Branagh solo ha confirmado que se encargará de la puesta en escena, si bien es probable que interprete un papel secundario si ve que puede ayudar a vender la película. Especialmente si esta noche le dan el Globo de Oro por su actuación en ‘My Week With Marylin’.

PD: Annie Burrows, nieta de Mary Ann Shaffer, ayudó a su abuela a escribir el libro cuando ésta cayó enferma. Shaffer, de 74 años, murió meses antes de ver publicada la obra. Podéis ver esto para animaros.

Vía | Variety

La película empieza con un incidente que reúne a dos parejas. El incidente ha sido entre dos niños y uno de ellos ha terminado herido. La idea de los padres es, claro, resolver el conflicto civilizados, haciendo gusto de su educación. Los padres del crío herido son John C. Reilly y Jodie Foster, una pareja relajada y aparentemente liberal, me refiero al sentido anglosajón, diríamos mejor o más adecuadamente en este castellano en el que pregonáis vosotros, lectores y tigres y foreros, que progresista. Los del niño revoltoso y agresor son Christoph Waltz y Kate Winslet, un atribulado abogado y su esposa. Enseguida empieza el conflicto. Empieza con una simple invitación a pastel, pero la tensión acontece.

La película se mueve feliz siendo una comedia ligera, no parece nunca apartarse de unos diálogos desternillantes, de un ritmo rápido y conciso y la única concesión a la obviedad que hace está en esos planes de apertura y final, en los que Polanski subraya lo idiota del conflicto viendo como resuelven los propios un par de infantes en un parque, jugando, olvidando, peleando y finalmente sellando la paz. La carcajada está asegurada, aunque uno sospeche que ese plano es del todo innecesario, que prefería mantenerme en la catarsis y en el olvido, que no quería tener otra prueba de que el mundo que habitan esos personajes es un poco memo y bobo.

Una lectura banal de la obra teatral nos hace pensar que su tema es que todos somos iguales. Esta es una idiotez que algunos respaldan. Pero no, no es esa su lectura. Otra, un poco más sofisticada, es que los abismos a los que se sumerge la edad y el matrimonio son inclementes. Otra, incluso mejor, es que no debe olvidar uno desde donde habla y desde donde se puede hablar para repartir cualquier soflama y lección vital. Porque el tema de esta película es el de dos matrimonios con problemas irresolubles de muy distinta índole, de como el macho busca refugio insoportable en ser validado, de como cada perspectiva puede ser tan idiota o inteligente como nos plazca.

Claro que el personaje de Christoph Waltz, el descarnado y divertido y cínico, nos puede parecer el más simpático, al fin y al cabo, gana dinero, tiene un status y no miente sobre ello. Pero es en la desmedida histeria de Kate Winslet que observamos un poco su fracaso esencial, su desatención, su dependencia más absoluta de los elementos más ridículos. El marido más tolerante, el que encarna John C. Reilly, quiere evitar todo el conflicto, precisamente porque quizá lo que quiera es ocultar la desaprobación ante los trabajos solidarios de la esposa que encarna una histérica magnífica, Jodei Foster. El conflicto se puede volver más divertido, más irónico, pero la catarsis debe detenerse en su punto más absurdo, por supuesto.

Se mueve este Polanski en una dimensión muy distinta a la de ‘El escritor’ (The Ghost Writer, 2010) o a la del ‘Quimérico Inquilino’ (Le Locataire, 1976) que ya le probó tan experto en apartamentos como en su satánica aventura con Mia Farrow. Pero no está interesado aquí en el espacio, en la arquitectura, aunque uno se asombre de su agilidad compositiva, del sabor grácil y pequeño de esta película, que yo creo que podría haber sido rodada o pensada o imaginada en los setenta, aunque dice la inteligencia exquisita e incansable de Marta Peirano que Jasmina Reza no es Edward Albee. No lo es, claro.

Acabáramos.

No tenía ni idea de un proyecto titulado ‘Movie 43’ hasta que he leído unas curiosas declaraciones de la actriz Leslie Bibb en las que comenta que interpreta a Wonder Woman. Y que su personaje se acostó una noche con Batman, al que encarna Jason Sudeikis, y está desesperada porque éste no la ha vuelto a llamar. Ahora es cuando dejo una pausa para vuestros “WTF??!!” y similares.

Así es, ‘Movie 43’ es una película compuesta por once cortometrajes con historias inusuales sobre superhéroes (al menos en el cine, en los cómics creo que ya se ha visto de todo). James Gunn, Brett Ratner, Peter Farrelly, Elizabeth Banks, Steven Brill, Steve Carr, Rusty Cundieff, James Duffy, Griffin Dunne, Patrik Forsberg y Bob Odenkirk dirigen los segmentos de una peculiar comedia donde veremos a Wonder Woman, Batman, Robin, Superman o El Pingüino, entre otros populares personajes de la factoría DC Comics, enfrentándose a situaciones cotidianas y embarazosas en las que jamás esperaríamos verlos. Una peculiar ‘Liga de la Justicia’ para aprovechar el efecto de ‘Los Vengadores’. Steve Baker, Will Carlough, Patrik Forsberg, Matt Portenoy, Greg Pritikin, Rocky Russo y Jeremy Sosenko firman los guiones.

Si todo esto no te ha convencido, ojo al reparto porque está encabezado por Hugh Jackman, Kate Winslet, Emma Stone, Uma Thurman, Naomi Watts, Liev Schreiber, Gerard Butler, Richard Gere, Chloë Moretz, Kate Bosworth, Christopher Mintz-Plasse, Anna Faris, Elizabeth Banks, Leslie Bibb, Jason Sudeikis, Josh Duhamel, Justin Long, Bobby Cannavale, Tony Shalhoub, Stephen Merchant, Patrick Warburton, Johnny Knoxville, Seann William Scott y Kieran Culkin. Relativity Media se encargará de estrenar la película el próximo 13 de abril. ¿Qué os parece? ¿Creéis que tendrá éxito?

PD: ‘Los Vengadores’ se estrena el 4 de mayo.

Vía | ComingSoon

Una semana después de que apareciera el cartel, ya podemos echar un vistazo al esperado tráiler de ‘Un dios salvaje’ (‘Carnage’), lo nuevo de Roman Polanski. Y si no fuera suficiente con la firma de este extraordinario director, ojo a los actores que protagonizan la película: Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz y John C. Reilly. ¿Alguien se la va a perder?

‘Un dios salvaje’ es una adaptación de una obra teatral de Yasmina Reza titulada ‘God of Carnage’, escrita para la gran pantalla por Polanski y la propia autora. Como queda de manifiesto en el tráiler, que recuerda un poco a Woody Allen, la historia gira en torno a dos parejas que se reúnen después de que sus respectivos hijos se hayan peleado en el colegio; en lugar de llegar a una solución, el encuentro acaba en desastre, con acusaciones y discusiones que dejan al descubierto importantes grietas en ambas familias. La película compite en el festival de Venecia y la podremos ver en España a partir del próximo 18 de noviembre. No diré que el avance me ha dejado cautivado, pero es que me da igual, como si consiste en un plano detalle de la nariz de Waltz, invariable durante dos minutos. Es uno de los títulos imprescindibles de este año.

PD: ‘Un dios salvaje’ es como se llamó la obra de teatro en nuestro país.

Ya ha empezado a circular por Internet el primer cartel de ‘Carnage’, lo nuevo de Roman Polanski. En España se estrenará como ‘Un dios salvaje’, al igual que la obra de teatro en la que se basa, escrita por Yasmina Reza y titulada originalmente ‘God of Carnage’. La película se presentará en la 68ª edición del festival de Venecia (es uno de los títulos que compiten por el León de Oro) y llegará a nuestro país el próximo 18 de noviembre.

El póster, a lo Andy Warhol, parece reflejar la progresión anímica de los protagonistas a lo largo del relato, es llamativo y atípico, y eso siempre está bien. Como veis, Jodie Foster, John C. Reilly, Kate Winslet y Christoph Waltz son los protagonistas de ‘Un dios salvaje’, coescrita para la gran pantalla por Polanski y Reza. En cuanto a la trama, se centra en dos parejas que se reúnen después de que sus hijos, que van al mismo colegio, se hayan peleado, tratando así de encontrar una solución al problema; sin embargo, el encuentro es un desastre, ambos matrimonios se acusan unos a otros de ser malos padres, y la amarga discusión deja al descubierto importantes grietas en las dos familias. ¿Qué os parece, os interesa o pasáis?

PD: FilmMusicReporter confirma que la música del film la compone Alexandre Desplat (con quien Polanski había trabajado en ‘The Ghost Writer’), y no Alberto Iglesias, como se había dicho.

Vía | Impawards

“Es una ficción, no un tratado de moral” – Marqués de Sade

No es sorprendente que muchos aficionados no conozcan ni de oídas el nombre y la figura cinematográfica de Philip Kaufman. Otros, como mucho, lo asociarán a unas pocas películas como la estimable ‘La invasión de los ultracuerpos’ (‘Invasion of the Body Snatchers’, 1978). No es sorprendente, porque nunca se ha tratado de un director destacado. Quizá algunos sí sepan que escribió la historia de ‘En busca del arca perdida’ (‘Raiders at the Lost Ark’, 1981) o el guión de ‘El fuera de la ley’ (‘The Outlaw Josey Wales’, 1976), o que fue de los pocos que acercaron al cine las figuras literarias de Henry Miller (en la piel de Fred Ward) o Anais Nïn (María de Medeiros) en ‘Henry & June’ (íd, 1990). Pero esto del cine, como hemos dicho algunas veces, es bastante extraño y sorprendente, y un buen día del año 2000 llega Philip Kaufman y dirige una película formidable, basada en una obra de teatro homónima, y se convierte en un director de gran talento. Nada está escrito de antemano en el arte. Aunque quizá sí, en el caso de algunos tipos únicos como Donatien Alphonse François de Sade.

Cuando uno se plantea, imagino, una versión cinematográfica de algún pasaje de la vida de Sade (supongo que nunca existirá un cineasta tan suicida como para intentar narrar toda su vida de un tirón…excepto a lo mejor en una serie) es fácil caer en la tentación de retratar los aspectos más superficiales y exagerados de su personalidad, lo que convertiría su procacidad, su rebeldía, su genio anárquico y ácrata, en un mero juego de provocaciones visuales y en los diálogos. Sin embargo, muy al contrario, Kaufman se decanta por un tratamiento mucho más interesante de la figura sadiana, repudia casi todo lo sádico, no se da facilidades a sí mismo, y se lanza a una aventura psicológica y anímica más que notable, que no es tan fácil de ver (al menos, en sus resortes más invisibles) como parece en un principio, y que, al fin y a la postre, es un sagaz y feroz retrato de la condición humana. La soledad, la conexión emocional, la libertad de expresión, el deseo sexual, el abuso de poder, la lucha contra la opresión. Todo eso y una fiera galería de personajes. Casi nada.

Kaufman y su magnífico equipo pudieron rodar en algunos de los parajes más bellos, y al mismo tiempo más oníricos e inquietantes, de toda Inglaterra, mientras se reconstruyó la legendaria cárcel de Charenton, gracias al esfuerzo escenográfico de Martin Childs. La cárcel, todos sus vericuetos, sus miles de detalles, sus claroscuros, su plasticidad, son un personaje más de la película, y de tantas secuencias, y tan intensas, que vamos a vivir en ella, terminaremos considerándola casi una parte de nuestro cuerpo, como si su luz y su degradada paleta de colores fueran al mismo tiempo expresión de los sentimientos y anhelos de los que allí habitan. Por su parte, Jacqueline West (por cierto, diseñadora de vestuario de las tres últimas películas de Terrence Malick), crea unos vestidos y unos trajes de una originalidad, una fuerza expresiva y un sentido decadente que es imposible no caer enamorado de su talento. Son dos baluartes en los que Kaufman sostiene su relato, pero también goza de un reparto de actores en estado de gracia.

No imagino un Sade mejor, más sutil y más ambiguo, que el interpretado por ese actor de genio que es Geoffrey Rush. La fusión entre actor y personaje es absoluta, hasta el punto de que es muy difícil imaginar al divino marqués sin el rostro del actor australiano. Sin caer jamás en la autocomplacencia, sin el más mínimo tic de actor, siempre a ras de suelo, el Sade de Rush es mezquino, brillante, manipulador, humanista, voraz, introvertido, provocador, sensible, divertido, locuaz, expresivo. Sin lugar a dudas, una de las interpretaciones de la carrera de este actor, y tiene muchas realmente soberbias. A su lado, no se ensombrecen, sino que le hacen brillar aún más, la presencia luminosa de una Kate Winslet guapísima, quizá más sensual que nunca; de un Joaquin Phoenix que quizá esté ante su papel menos fingido y más natural de todos, pues es un buen actor a menudo dado a darse facilidades a sí mismo; y un Michael Caine tan imperial como acostumbra, perfecto contrapunto a la presencia del marqués.

Ellos, y un grupo de secundarios sin la menor falla, dan vida al guión de Doug Wright basado en su propia pieza teatral. Y se trata de un guión en el que no existe ni una sola secuencia, ni un sólo diálogo, pulido con precisión. Nada sobra y nada falta en esta pequeña joya de arquitectura dramática que ejecuta un crescendo dramático magnífico, plagado de dobles sentidos y de ideas ingeniosas, cuando no malvadas (en la acepción más lúdica y placentera del término), hasta un clímax inolvidable que te deja literalmente agotado, aunque deseando más, como en un orgasmo pleno de cine. Durante dos horas hemos asistido a la crónica de las pasiones humanas reprimidas, y de otras exacerbadas, y nos hemos sentido identificados con cada pérdida, cada beso, cada mirada y cada sorpresa anárquica. Es esta una de esas películas silenciadas, por su relativo impacto en el imaginario cinéfilo, que de vez en cuando merece la pena que alguien las rescate, porque se merecen mayor prestigio y mayor admiración que otras muchas que eclipsan la producción de ese año en particular. Personalmente, siento un placer inmenso cada vez que la vuelvo a ver, algo que puedo decir de pocas películas.

Conclusión a una película redonda

No solamente es muy difícil aburrirse con ‘Quills’ (íd, 2000), es que también es muy difícil no sentir la pasión del juego erótico, la ambivalencia de los sentimientos, la eterna lucha de los artistas por ser ellos mismos le pese a quien le pese, la presión de una sociedad hipócrita y cruel que nada quiere entender más allá de su propia comodidad. ‘Quills’ es una película apasionante y llena de inteligencia, que gana más y más a medida que se aleja en el tiempo, y que en sus formidables imágenes contiene tanto una feroz visión del mundo, como una invitación a estar más vivos que nunca, y de disfrutar el estar vivos.

“Nosotras decidimos que era muy triste que el resto de la gente fuera incapaz de apreciar nuestro genio”

Bastante antes de que llegase la apisonadora (que no sé hasta qué punto ha traído más alegrías que miserias al género de la fantasía y al de aventuras) de ‘El señor de los anillos’, y bastante después de que debutara con una de las películas gore más valientes de los años ochenta, Peter Jackson llevaba a cabo la que probablemente es la película más personal y, en ciertos aspectos, más redonda que ha hecho hasta la fecha. En un cambio más aparente que profundo a la hora de enfrentarse a la realización de una película, el neozelandés se fijaba en el famoso crimen perpetrado cuarenta años antes en su tierra natal, un crimen pasional que recibiría el nombre de sus dos partícipes, Parker-Hulme. Y al llevar a cabo esta película, se abría una fisura en su cine que, para muchos, era la promesa de una gran cinematografía, de un estilo y una sensibilidad propias. Promesa que, según se ha visto a lo largo de los años, ha quedado un tanto desvirtuada por la extrema ambición con la que Jackson ha planeado su carrera.

Pero en esta su cuarta realización, Jackson da lo mejor de sí mismo, y consigue estremecer, conmover y extrañar al mismo tiempo, algo al alcance de muy pocos. ‘Criaturas celestiales’ (‘Heavenly Creatures’, 1994), recibía ovaciones unánimes en el Festival de Venecia, y todos querían saber quién era ese señor bajito, con barba y gafas, orondo y sereno. ¿Un gran director de cine en ciernes? ¿Un artista capaz de proponer una nueva forma de mirar? Lo cierto es que viendo esta magnífica película, se tiene la sensación de asistir a una experiencia sensorial digna de un gran director de cine, pese a algunas arritmias y algunuos balbuceos todavía pulibles. Lástima que el gran cine espectáculo, ese que tantos monstruos ha parido y tan pocos cineastas han podido domeñar, llamara tan pronto a las puertas de Jackson (o al revés), y convirtiera una singular personalidad en una suerte de marca visual. En ‘Criaturas celestiales’ personalidad existe de manera exuberante.

Obsesión, fantasía y asesinato

Filmada en muchos de los lugares en los que acontecieron los hechos, Peter Jackson y su coguionista Fran Walsh elaboraron primero un guión muy inteligente, sencillo pero trufado de detalles inquietantes, en el que los caracteres de Pauline Parker y Juliet Hulme, tan divergentes entre sí, quedaran perfectamente dibujados, y luego construyeron las bases y el desarrollo de una relación pasional condenada al fracaso pero arrasada de obsesión y de malsana complicidad. La historia no puede ser más lineal y más directa, y desde la mitad de la película, ya sospechas que algo terrible va a suceder, pero el viaje que propone Jackson es más sensorial que dramático. Pauline y Juliet se conocen, dejan de sentirse terriblemente solas, construyen una realidad alternativa gracias a la cual pueden escapar de un mundo gris, y terminan enamorándose del modo más excluyente posible, olvidándose del mundo real y llevando a cabo un atroz asesinato que nos hiela la sangre. Es mérito de Jackson no juzgar jamás a sus dos descarriadas criaturas, limitándose a contar los hechos con pudor y compasión.

Porque Jackson filma tratando de que Nueva Zelanda, un lugar que como es lógico él conoce muy bien, explote en todo su esplendor luminoso en la pantalla, con maravillosas localizaciones naturales, con idílicos pueblecitos de mediados de siglo. Y, sin embargo, permite que la duda y lo siniestro vaya inoculándose lentamente en sus imágenes, como si la locura del hombre, o simplemente la locura del amor, todo lo infectara, transformando la atmósfera de la película, volviéndola irreal, violenta, perturbada. Se percibe en cada ambiente que, aunque nos cuenten eventos divertidos, sorprendentes y hasta gratificantes, la malevolencia, el peligro, la destrucción anda cerca, casi como en una película apocalíptica. Y cuanto más profunda es la amistad entre ellas dos, más se enrarece todo, y cuando el amor se vuelve más obsesivo, el infierno aparece sobre la tierra (porque el infierno somos nosotros) y todo es dolor, y sangre y desesperación. Por eso quizá, los mareantes planos de Jackson tienen más sentido que nunca, dedicados a describir y expresar la convulsión interior de las dos protagonistas.

Y no solamente eso: la imaginación escenográfica de Jackson, que ya había alcanzado momentos notables con ‘Braindead: tu madre se ha comido a mi perro’ (‘Braindead’, 1992), es buena prueba de que comprende y acompaña sin complejos a sus atormentados personajes, haciéndose cómplice de su desbordante imaginación interior, fabricando para ellas el mundo que quizá soñaron en la comunión perfecta de sus mentes preñadas de tinieblas. Y accedemos así a los territorios de la Fantasía como expresión poética de un alma atenazada, y como pobladora de monstruos que pueden hacerse reales y temibles. Es decir muy lejos de esa concepción actual, tan colorista, de la fantasía, y mucho más cerca de una romántica, casi decimonónica, que mezclase lo terrible con lo bello sin que el espectador consiga diferenciar a ciencia cierta lo uno de lo otro. Y se vale para ello de un diseño de producción de Grant Major humilde pero brillante, y de la fotografía del desconocido Alun Bollinger, que en combinación crean un aspecto visual realmente estimulante.

Las dos actrices protagonistas, debutantes ambas, bordan sus respectivos papales. Melanie Lynskey goza de un carácter algo más extremo, pero lo controla con la solidez de una veterana. Y Kate Winslet, cuya ya legendaria carrera rivaliza con las más grandes de su tiempo, empieza a demostrar ya por qué ha llegado donde lo ha hecho. El largo elenco de secundarios, aunque no tan perfecto, cumple con sobrada eficacia para un collage de rostros que varía entre lo cotidiano y lo guiñolesco, muy apropiado para la atmósfera que intentan transmitirnos, y que desvela a un director de actores astuto y preparado, consciente de preservar, en el casting y en la puesta en escena, la idea primordial que le mueve, que no es otra que la del realismo mágico más lírico y perturbador, a la manera de un Fellini que, reencarnado, tratase de bucear en las pantanosas aguas del crimen y la obsesión más incomprensibles, pero nítidas cuando se las representa en la pantalla.

Conclusión

Notable película, cuyas virtudes pesan mucho más que sus defectos (ya nombrados, como ciertas arritmias que casi comprometen el desarrollo de su tercio final), y que propone una fantasía y una forma de mirar muy singulares. Si Jackson hubiera continuado por este camino, quizá habría llegado a ser el gran cineasta que tantos promulgan y que, a mi juicio, no es más que a ráfagas. Sólo en hermosos fragmentos de ‘Las dos torres’ (‘The Two Towers’, 2002) y en la dirección de la colosal Naomi Watts de ‘King Kong’ (id, 2005)

Ya puede el lector dejar en los comentarios sus ideas y peticiones para la próxima entrega de Críticas a la Carta.

Aunque el rodaje está previsto para principios de 2012, ya se han anunciado los nombres de los actores que protagonizarán la adaptación al cine de ‘Labor Day’, una novela editada en España con el título ‘Como caído del cielo’ (una traducción 110% fiel, enhorabuena al becario). Hace unos días que circula por la red la noticia de que Kate Winslet y Josh Brolin (en la imagen, Brolin es el de la derecha) han firmado para encabezar el reparto de la película, que va a estar dirigida por Jason Reitman, uno de los cineastas norteamericanos más respetados del momento con tan solo tres largometrajes a sus espaldas (‘Gracias por fumar’, ‘Juno’ y ‘Up in the Air’). La verdad es que envidio a este tipo, tan joven y en una situación en la que puede elegir sus historias y dirigir sus propios guiones, teniendo a sus órdenes a actores con los que otros solo pueden soñar. No creo que se le resista el Oscar mucho más tiempo, lo tiene al alcance de la mano.

La obra de Joyce Maynard, escrita para la gran pantalla por el propio Reitman, está ambientada en los 80 y gira en torno a una madre divorciada, su solitario hijo adolescente y un preso fugado; la mujer permite al hombre quedarse en su casa sin conocer su dramática historia, y éste hace buenas migas con el chico, al que enseñará algunas de las lecciones más importantes de su vida. Quiero verla ya… maldita sea, odio leer las sinopsis. En fin, hay que destacar que ‘Labor Day’ no será el próximo trabajo que veamos del cineasta, quien ya tiene su cuarta película en fase de post-producción. Se trata de ‘Young Adult’, una comedia dramática de la que os hablé el verano pasado, con guion de Diablo Cody (‘Juno’, ‘Jennifer´s Body’), y Charlize Theron y Patrick Wilson como protagonistas. A ver si sale pronto el tráiler y se fija una fecha de estreno, que estoy harto de tanto blockbuster: ‘Transformers 3’, ‘Green Lantern’, ‘Harry Potter 7-2’, zzzzzzz…

PD: Ellen Page, George Clooney, Vera Farmiga y Anna Kendrick han sido nominados al Oscar por trabajar con Reitman. Aaron Eckhart debía estar en esa lista.

Vía | FilmJunk

Menuda imagen. Christoph Waltz, Kate Winslet, John C. Reilly y Jodie Foster sostienen a Roman Polanski para una de las fotografías que se hicieron durante la celebración del final del rodaje de ‘Carnage’, lo nuevo del cineasta de origen polaco. Se ve que lo han pasado estupendamente. Fue en septiembre del año pasado cuando se confirmó que Polanski estaba preparando la adaptación al cine de una obra de teatro de Yasmina Reza titulada ‘God of Carnage’ (‘Dios de matanza’), para lo cual iba a contar con Waltz, Winslet, Foster y Matt Dillon, que posteriormente fue sustituido por Reilly (¿así mejor?).

El guion de ‘Carnage’ lo firman Polanski y la propia autora del original. La historia se centra en dos matrimonios que se conocen tras una pelea en la que sus respectivos hijos están implicados; la reunión es un desastre, ambas parejas se acusan unos a otros de ser malos padres, y la amarga discusión acaba provocando importantes grietas en las familias. Estaba previsto que se comenzara a filmar en París el pasado mes de febrero, y parece que todo ha ido sobre ruedas. Ojalá no se retrase mucho el estreno, ahora mismo sin fecha concreta.

Actualización: La película se estrenará en España con el título ‘Un dios salvaje’.

PD: Yasmine Reza debutó como directora el año pasado con ‘Chicas’, en cuyo reparto figuran Carmen Maura y Emmanuelle Seigner (esposa de Polanski).

Vía | AwardsDaily