No soy yo la que os destripa el final si os digo que John muere, pues ‘John Dies at the End’ es el título de esta extraña propuesta que, a la vista única del tráiler, no sé si tomarme en serio o en broma.

Se trata de la adaptación, escrita y dirigida por Don Coscarelli –responsable, entre otras cosas, de todas las entregas de ‘Phantasma‘–, de la novela homónima de David Wong, de la que el autor ya ha escrito una secuela, que espera que vea la luz próximamente. Por su parte, la película se estrenará en 2012.

Según describen, ‘John Dies at the End’ es una comedia de terror que habla de una droga, disimulada como “salsa de soja”, que promete una experiencia extracorpórea, que incluye viajes temporales y entre dimensiones, con cada dosis. Pero algunos de los que vuelven del viajecito ya no son humanos. Se prepara silenciosamente una invasión de estos seres de otro mundo y la humanidad necesita a un héroe. En lugar de eso, John y David, un par de chicos que han dejado la Universidad y que apenas pueden mantener sus empleos, serán quienes traten de detener el horror que se avecina para salvar ala humanidad. Pero, ¿serán capaces? No, no lo serán.

Paul Giamatti, Doug Jones, Jimmy Wong, Clancy Brown son algunos de los intérpretes. De John y David hacen Rob Mayes y Chase Williamson, respectivamente.

Coscarelli ha declarado que va a incorporar en la película el número musical “Camel Holocaust”. Afortunadamente, esa sensación extraña que me ha dado el tráiler no ha sido cosa mía, es decir, no es lo que rezuma involuntariamente el film, sino que su director es muy consciente de ello, como declara en el vídeo siguiente, que recoge la presentación de la película en el Fantastic Fest. Para conocer más de cómo piensa el director sobre su creación, se pueden seguir sus actualizaciones en Facebook y en Twitter.

Vía | YouTube. Gracias, Narmondil.

Ahora que parece que la televisión empieza a marcar las modas en cierto tipo de productos, nos llega una película como ‘Templario’ (‘Ironclad’, Jonathan English, 2011) para sumarse así a una fiebre iniciada por Ridley Scott hace once años, y mantenida en la actualidad por la HBO y su ‘Juego de tronos’ (‘Game of Thrones’) —interesante serie que mejora según avanza—. Historias con una fuerte carga épica, o eso se intenta, ambientadas en distintas épocas y que rescatan el gusto por las aventuras antiguas, historias atemporales, o no, sobre justicia, fe, venganza y amores prohibidos. Todo ello lo podemos encontrar en el tercer largometraje del desconocido Jonathan English, firmante de ‘Nailing Vienna’ (2002) y ‘Minotaur’ (2006), sus dos trabajos previos, bastante mal considerados por todo aquel que los ha visto.

Para ‘Templario’, que adapta una historia de su propia cosecha, ha tenido la suerte de contar con un equipo de actores en los que hay las suficientes caras conocidas como para prestarle un poco de atención. Suerte porque de esa forma su película consigue una mayor distribución, aunque eso luego nada tiene que ver con la calidad del film. Recordemos que directores como Uwe Boll —realizador con el que English ha sido comparado alguna vez— también gozan a veces de un reparto de campanillas y el resultado son unos bodrios de dimensiones cósmicas. El film que nos ocupa no llega a los límites del cine de Boll, hay detalles de puesta en escena y alguna cosa más que impiden que emparejemos la película con subproductos. Aún así, no estamos ni de lejos, ante un film a tener en cuenta.

La historia de ‘Templario’ nos lleva al año de gracia de nuestro señor de 1215 cuando el Rey Juan de Inglaterra (Paul Giamatti) es obligado a firmar la Carta Magna. Profundamente humillado y enfadado decide recuperar su país por métodos más bien poco ortodoxos, aunque en aquellos tiempos no se hacían las cosas de otra manera. Reuniendo un grupo de salvajes guerreros y con la intención de recuperar su reinado, comienza a arrasar el país, provocando muerte y destrucción allá por donde va. Sólo un grupo de hombres desesperados, capitaneados por el barón de Albany (Brian Cox), harán frente a Juan sin tierra. Entre ellos se encuentra Marshal, un caballero templario atormentado por una lucha interna entre fe y razón. Un pequeño grupo salvaje que resistirá en el castillo de Rochester hasta límites insospechados.

El trabajo de English sigue en cierto modo la moda extendida últimamente por películas como la maja ‘Centurión’ (id, Neil Marshall, 2011) o la tonta ‘La legión del águila’ (‘The Eagle’, Kevin Macdonald, 2011), dos peplums que hacen hincapié en la violencia más descarnada, como reflejo de unos tiempos ya de por sí violentos. ‘Templario’ les gana por goleada a ambas en la exposición de la mencionada violencia, llegando hasta unos niveles de gore, lo cual no deja de ser llamativo en una película que por otro lado tiende hacia el realismo. Por un lado me parece estupendo, un relato violento requiere sangre. Por otro creo que el relato se resiente precisamente por ofrecer única y exclusivamente eso como reclamo. Cabezas cortadas, miembros amputados, cuerpos partidos a la mitad a golpe de espada, sangre salpicando literalmente a la cámara y demás son la marca de la casa. La brutalidad como excusa a todos los niveles. Tanto que el resto de elementos del film, salvo excepciones aisladas, quedan totalmente descuidados.

Puede notarse en Eneglish cierta pericia en la planificación, aunque únicamente en la parte desarrollada en el castillo de Rochester, que ocupa buena parte del metraje. Algún que otro plano cenital mostrando el enfrentamiento entre asediados y atacantes revela cierta inspiración en la puesta en escena, pero son sólo casos aislados, el resto del film se mantiene fiel a un montaje caótico con los consiguiente bajones de ritmo. Por lo que respecta al plantel de actores, destacaría a Brian Cox y Jason Flemyng por encima del resto. Paul Giamatti nunca ha estado tan exagerado. James Purefoy, que parece el protagonista, sigue demostrando su perfecta inexpresividad para este tipo de personajes atormentados, y Kate Mara da la sensación de no enterarse de nada, como si estuviera en otra película. La historia de amor de ambos personajes no sólo es ridícula y forzada, sino que termina de matar las pocas posibilidades de que una historia de esta índole contenga algo de emoción.

Y es que este tipo de historias enganchan entre otras cosas por su emoción. En ‘Templario’ decidieron cambiarla por miles de litros de sangre. Una pena.

Solo los débiles creen que lo que hacen en la batalla… es lo que les convierte en hombres.

Aquí os traigo el tráiler español de una de las novedades más llamativas que llegarán mañana a nuestras carteleras, el drama de acción ‘Templario’, dirigido por Jonathan English (‘Nailing Vienna’, ‘La leyenda del Minotauro’). En las notas de prensa que ha estado pasando la distribuidora (DeAPlaneta), se dice que esta película “refleja con gran verosimilitud la crudeza de las guerras de la Edad Media”. Eso, si uno se lo quiere creer, y los actores, pues hay algunos muy competentes, son los dos ganchos de una producción que, a tenor del vídeo, no ha contado con los medios suficientes para montar el épico espectáculo medieval con el que quieren atraer al público. A mí el avance me ha parecido desastroso, casi peor que el último de ‘Conan el bárbaro 3D’, pero no descarto ir a verla. ¿Qué decís vosotros?

Escrita por English y Erick Kastel, ‘Templario’ (‘Ironclad’) está protagonizada por James Purefoy, Paul Giamatti, Kate Mara, Bree Condon (qué ojazos), Brian Cox, Derek Jacobi, Jason Flemyng y Mackenzie Crook, entre otros. La historia tiene lugar en el siglo XIII, tras la firma de la Carta Magna, y se centra en un grupo de caballeros templarios que, atrincherados en el castillo de Rochester, deberán resistir el ataque del ejército liderado por el tirano Juan I de Inglaterra.

PD: El cartel lo publicamos hace bastante tiempo: podéis verlo pinchando aquí.

Se estrenó el viernes pasado la película de Tom McCarthy ‘Win Win (Ganamos todos)’ (‘Win Win’, 2011), que cuenta la historia de un padre de familia, abogado, que se está quedando sin clientes en su pueblerino bufete de Nueva Jersey. Uno de los litigantes que acude asiduamente a su despacho es un anciano, con un primer brote de demencia, al que el estado quiere incapacitar. Aunque este hombre tiene dinero y hay una señora que lo cuida, quieren trasladarlo a una residencia, cosa a la que el viejo se niega rotundamente. El protagonista, necesitado de dinero, aceptará convertirse en el tutor legal de este hombre para cobrar la asignación mensual, pero demostrará pocos escrúpulos al internarlo, a pesar de haberse comprometido a permitir que viviese en casa.

Rara vez vemos a Paul Giamatti haciendo de buena persona. Si bien no se trata de un hombre íntegro, como algunos héroes cinematográficos, de persona con corazón y sentimientos. Resulta interesante, como cambio, ver a este enorme actor en un papel de estas características. No llegaría a decir que él es toda la película o que todo el mérito del film reside en el actor, pero sí encuentro que le aporta una gran humanidad y que ofrece grandes matices a un personaje que, quizá, en otras manos, se habría quedado plano o difícil de comprender. Alex Shaffer, el chavalín luchador es otro gran hallazgo de la película, ya que no compone el sempiterno retrato del adolescente que da malas respuestas a los adultos a un elevado volumen y se niega a ser sometido. En lugar de eso, se demuestra tímido y retraído, pero más que nada por los problemas que ha sufrido y en seguida lo percibimos como una víctima que necesita ser rescatada y no como un problema.

La esposa del protagonista, interpretada por Amy Ryan, está en una línea similar, pues si bien podría haber antepuesto una barrera de prejuicios contra el chico, en seguida la encontramos deseosa de acogerlo. La madre del joven, a la que da vida Melanie Lynskey –‘Criaturas celestiales’, ‘Dos hombres y medio‘— no es ni mucho menos el estereotipo que se podría esperar de madre abandonadora. Los dos amigos del protagonista, Bobby Cannavale y Jeffrey Tambor, de ‘The Visitor’, son los que ofrecen la mayor dosis de particularidades a la película y la animan más.

Sin cargar las tintas

No calificaría con aplomo a ‘Win Win (Ganamos todos)’ de comedia, ya que los golpes humorísticos son pocos y están muy repartidos, pero lo que claramente no llamaría a esta película es drama. Ni siquiera tragicomedia. Los conflictos presentados aquí están exentos de todo dramatismo, están trasladados como cotidianeidades sin peso. Siempre que algo pueda salir mal, saldrá peor, parece el lema de otro tipo de cintas, que sí hacen hincapié en el drama de lo que cuentan – Haggis o Iñárritu serían solo dos de los muchos ejemplos posibles— o en los telefilms que pueden tocar argumentos similares habrían salido mal. Aquí, por el contrario, las cosas van saliendo bien. Ni la madre es una yonqui terminal, claramente deplorable; ni el adolescente es problemático e insoportable, como suelen serlo en el cine y en la televisión, etc… Este acercamiento tranquilo y sosegado es lo que más aprecio del film. Y esa música de Bon Jovi le quita las pretensiones a todo.

Esta claro que este tratamiento desdramatizado conlleva el riesgo de que lo narrado aparente ser poco, de que parezca que no hay suficiente conflicto o que la película casi no va de nada, carece de trama. Esta sensación, que se puede sentir durante un largo tiempo del metraje, al final demuestra ser errónea, pues cuando todo lo planteado converge y llegamos a la resolución, nos encontramos sintiendo una gran emoción por esos personajes y compartiendo el final con enorme cercanía.

De los tres films de Tom McCarthy, quizá pueda ser éste el que me ha convencido en menor medida y esto se debe a lo dicho al inicio del párrafo anterior. Pero no quiero decir con ello que me haya gustado poco, sino que las otras dos las encontré deliciosas: ‘The Station Agent (Vías cruzadas)’ y ‘The Visitor’. En todas ellas, los personajes son seres peculiares y, aunque esa constante se mantiene, en ‘Win Win (Ganamos todos)’ puede ser donde menos se explote. Tanto aquí como en ‘The Visitor’, una presencia inesperada y, en un principio, molesta, transformará la vida de los protagonistas para ayudarles a vivir más plenamente y a acercarse a su parte más humana. Sin caer en el sentimentalismo, McCarthy lo logra de nuevo.

Tomo el título de un cómic, ‘Los combates cotidianos’, para redactar el titular de esta crítica por algo que cualquiera que haya visto la película entenderá inmediatamente. Los combates se verán reflejados en las pequeñas y constantes peleas de los personajes contra la realidad, pero en también hay combates literales en el film, ya que el padre entrena a un equipo de lucha, disciplina en la que el joven pronto demostrará que es un campeón. La cotidianeidad la he mencionado más arriba. Y recalco que es más externa que real porque esas luchas aparentemente sin importancia están cambiando por completo las vidas de esos personajes que las ocupan.

Aclaración

Podría parecer contradictorio argüir que lo que más admiro de la película es lo que hace que no me entusiasme. Aplaudo ese posicionamiento en la teoría, pero entiendo que, en la práctica, entraña su contrapartida. Pedir que una película plantee bien sus conflictos sin recurrir al exceso de drama y enganche sin aspavientos es mucho pedir y, si bien ‘Win Win (Ganamos todos)’, casi llega a lograrlo, tiene un arranque en el que parece que renquea y que no va a presentar interés. La particularidad de sus personajes quizá no es tanta como en anteriores films del autor y por ahí reside esta falta de completitud. Se trata, en resumen, de una película pequeña, sosegada, tranquila, sin picos de intensidad dramática a lo largo de su desarrollo. Para bien y para mal. Se agradece, como cambio, como forma de ver algo que no es lo de siempre. No obstante, podría parecer lenta en su transcurrir y demasiado minimalista para quienes busquen historias más fuertes.

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘Win Win (Ganamos todos)’, buena gente en crisis, por Juan Luis Caviaro.

Mi puntuación

-¿Por qué su hijo iba a robarle su gata?

-Porque está celoso de ella. Muy celoso.

‘Win Win’, distribuida en nuestro país como ‘Win Win (Ganamos todos)’, es el tercer título como director en la filmografía del estadounidense Tom McCarthy, rostro reconocible gracias a su trabajo como actor en producciones tan variadas como ‘Los padres de ella’ (‘Meet the Parents’, 2000), ‘Michael Clayton’ (2007), ‘2012’ (2009) o ‘Caza a la espía’ (‘Fair Game’, 2010). Su nueva película, cuatro años después de ‘The Visitor’, viene con la etiqueta de haber sido seleccionada en Sundance y tiene ese aire al cine independiente norteamericano cuyas constantes empiezan a cansar. Me refiero a esas historias con personajes caracterizados por excentricidades que lo pasan mal por las circunstancias de la vida, y luego muy mal pues todo se va complicado por haber tomado decisiones equivocadas, hasta que llega un punto en el que todo se soluciona, porque se dan cuenta que lo diferente es bueno, que tienen otra oportunidad, y que la vida es maravillosa, acabando entre risas y abrazos. En cierta manera, la que nos ocupa es así, pero no del todo. McCarthy se acomoda más de la cuenta, pero logra un relato cargado de vitalidad, humor y amargura, divertido y serio en justa medida.

Fui al cine el pasado viernes, y me alegró ver a tanta gente haciendo cola. ¿No estábamos en el país de la piratería?, preguntaba yo a mi acompañante, que solo tenía ojos para las chucherías. Ingenuo que es uno, me apresuré a comprar las entradas, eligiendo sitio y todo. Tras una pequeña espera, la gente empezó a entrar en las salas. Y de pronto, mi pareja y yo descubrimos que éramos los únicos que íbamos a ver ‘Win Win’. Se proyectó para nosotros. Un lujo, sí, pero, ¿dónde estaban todos los demás? Ah, bueno, se estrenó ‘Transformers 3’, esa cosa. Espero que ninguno de los que fueron a verla se quejaran a la salida con frases tan habituales como “dos horas tiradas a la basura”, “Hollywood se ha quedado sin ideas”, “el 3D es una estafa” o “quiero que me devuelvan el dinero”, porque han podido elegir. Y han elegido alimentar al monstruo, a esa industria que produce películas en cadena, y que se ha vuelto tan vaga que ya ni siquiera filma persecuciones o accidentes, las recicla. Si quieres que hagan mejor cine, empieza por seleccionar mejor lo que ves.

Tom McCarthy y Joe Tiboni firman la historia de ‘Win Win’, adaptada a la gran pantalla por el realizador, que vuelve a situar la acción en su ciudad natal, Nueva Jersey. El personaje central es Mike (excelente Paul Giamatti, como de costumbre), abogado en crisis y entrenador del mediocre equipo de lucha libre del instituto, en sus ratos libres. Es un hombre estresado, agobiado por los gastos y la falta de ingresos, atrapado en una situación sin fácil arreglo y de la que no puede escapar; de hecho, se levanta temprano para correr, como un hámster que piensa que va a alguna parte haciendo girar la rueda de su jaula. En una de las primeras frases del guion, modificada torpemente por el doblaje español, una de sus hijas pregunta si Mike está huyendo de algo o de alguien. El hombre ama a su familia y le gusta lo que hace, aunque no esté dando frutos deseados, no piensa en huir, pero en cierto modo lo está haciendo. En lugar de encarar lo que está mal y de afrontar los conflictos, agacha la cabeza, sigue adelante y dejar pasar el tiempo, como si fueran a corregirse solos. Un comportamiento en el que se cae a menudo, ¿no es verdad?

Por cierto, la primera línea de diálogo de la película es: “Shit“ (“Mierda”). Y queda estupendamente porque la dice la misma niña que pensaba que su padre estaba huyendo, y aunque éste la corrige, instándola a hablar bien, tanto él como su esposa no pueden evitar soltar la misma palabra (delante de la pequeña) al afrontar sus respectivas rutina. Parecen condenados a repetir el mismo día, en una realidad que cada vez va a peor, porque todo envejece, se ensucia, se rompe y se estropea, y todo cuesta dinero. Mike cree haber encontrado una solución temporal a todos sus problemas gracias a unos ingresos que obtiene de manera fraudulenta, fingiendo que se encarga de cuidar a un cliente con síntomas de demencia senil, al que deja en una residencia. Casualmente (vago recurso de los guionistas), el nieto del cliente, Kyle (Alex Shaffer, formidable hallazgo), aparece en escena, y Mike lo acoge en su hogar, mientras resuelven la situación (es decir, mientras espera que se resuelva, y de manera provechosa para él), con la inmensa suerte de que el chico no solo está bien educado y encantado con su nueva familia provisional, sino que es un prodigio de la lucha libre. Los endebles cimientos con los que Mike está construyendo su vida feliz se derrumbarán cuando aparezca la madre del chaval.

La historia no deja de ser sencilla y previsible, con su mensaje sobre la superación personal (bien calzado, inevitable en la situación de crisis en la que nos encontramos) y la solidaridad del ser humano (que parece ser el tema central de este cineasta), no hay incoherencias, trampas, subrayados ni falsedades en el intento de McCarthy por retratar la vida y los problemas de unos personajes que resultan creíbles y auténticos, humanos e imperfectos, interpretados con mucha naturalidad por un elenco intachable (aparte de los mencionados, cabe destacar a Amy Ryan, Bobby Cannavale, Jeffrey Tambor o Burt Young). El buen hacer de los actores, en la piel de roles bien definidos, evita que desentonen los aspectos más cómicos de un relato amable y optimista que, sin embargo, nunca abandona un cierto tono amargo (o realista, la escena con la que se cierra la película es un puñetazo al “happy end”), que nos recuerda que tenemos más responsabilidades de las que queremos asumir, que la vida da pocas oportunidades, y que ante todo están las personas que te rodean, sin las cuales la existencia sería todavía más triste, terrible y aburrida.

Ahora bien, el gran problema que tengo yo con esta película, y por el cual llegué a desconectar (esas veces que te das cuenta de que no estás prestando atención a lo que ocurre en la pantalla, y te cuesta volver), es el cómo. Visualmente, ‘Win Win (Ganamos todos)’ es un producto aburrido, facilón, que abusa de una realización televisiva, con mucho primer plano y plano medio, en lugar de buscar soluciones más arriesgadas o imaginativas (como la primera escena de Giamatti); da la impresión de que no se ha planificado lo suficiente la puesta en escena, quizá por falta de tiempo y/o dinero, bastando con encuadrar a los actores de manera convencional, confiando en la fuerza de la historia. Si quisiera sacar alguna conclusión apresurada diría que McCarthy se ha estancado, que ya lo ha dado todo y solo puede repetirse, y es posible, pero no quiero creerlo. No todavía. Vamos a esperar a ver qué propone con su cuatro trabajo, seguirá siendo más interesante que ver el enésimo blockbuster de 200 millones de dólares destinado a arrasar en taquilla y convertirnos en meros clientes de las marcas más poderosas.

El próximo 1 de julio llegará a España, con el habitual retraso respecto a Estados Unidos (18 de marzo), el nuevo trabajo como director de Tom McCarthy, responsable de las estupendas ‘The Station Agent’ (2003) y ‘The Visitor’ (2007). Su tercera película se titula en nuestro país ‘Win Win (Ganamos todos)’ (‘Win Win’) y es una comedia dramática protagonizada por el casi siempre formidable Paul Giamatti, por lo que ya hay al menos dos razones para verla. Además, ha recibido buenas críticas. En esta entrada os traigo el cartel español (tan lamentable como el otro que había) y el tráiler, en versión original y doblado al castellano, de esos que te animan y te hacen querer ver más.

Escrita por McCarthy, ‘Win Win (Ganamos todos)’ gira en torno a Mike, un desencantado y estresado abogado que en su tiempo libre es entrenador de un equipo escolar de lucha libre; su vida parece funcionar cuando descubre a una promesa de este deporte y se involucra en un negocio con el que poder mantener a su familia, pero entonces aparece la madre del chico, recién salida de rehabilitación y completamente arruinada, amenazando con frustrarlo todo. Amy Ryan, Bobby Cannavale, Jeffrey Tambor, Burt Young, Melanie Lynskey y David Thompson, entre otros, acompañan a Giamatti en la pantalla. Oliver Bokelberg se ocupa de la fotografía y Lyle Workman firma la música. Quiero verla ya. No quiero ver más tontas historias de fantasmas, quiero ver esto.

• Tráiler en español:

• Tráiler en versión original:

PD: En la primera escena del tráiler, en la v.o., cuando la niña pregunta por su padre, la madre contesta que está “corriendo”, pero la niña interpreta “huyendo”, y suelta: “¿De qué?”. Eso encaja con el resto de la película; preguntar si el hombre tiene prisa, no.

Vía | Sensacine

Ya ha aparecido la primera foto oficial de ‘Cosmopolis’, la nueva película del canadiense David Cronenberg. Ha sido su hija, la fotógrafa Caitlin Cronenberg, quien ha puesto en circulación la imagen, en la que aparece uno de los actores más deseados y también más odiados del planeta. Robert Pattinson, todavía en nuestras carteleras con la entretenida ‘Agua para elefantes’ (‘Water for Elephants’, 2011), es el protagonista de esta adaptación de la novela homónima de Don DeLillo, donde da vida a un hombre que lo pierde todo en un solo día; en principio el papel iba a ser para Colin Farrell, quien tuvo que abandonar el proyecto por su compromiso con el remake de ‘Desafío total’, del que hemos hablado hace unas horas. Espero que no tengamos que lamentar este cambio.

La que acompaña a Pattinson en la imagen es Sarah Gadon, una chica que pese a su juventud ya cuenta con una amplia experiencia como actriz, sobre todo en televisión. Aparte de estos dos, en el reparto figuran Juliette Binoche, Paul Giamatti, Mathieu Amalric, Samantha Morton, Kevin Durand y Jay Baruchel, entre otros. Con guion de Cronenberg y un presupuesto de 20 millones de dólares, ‘Cosmopolis’ gira en torno al joven multimillonario Eric Packer, quien al salir en busca de un corte de pelo llegará a perder toda su fortuna en una odisea de 24 horas por las calles de Manhattan. Por el momento no hay fecha de estreno. Por cierto, se rumorea que la anterior película del canadiense, ‘A Dangerous Method’, podría estar lista para ser presentada en la próxima Mostra de Venecia (septiembre).

PD: Marion Cotillard también estaba vinculada a este proyecto, pero lo abandonó a causa de su embarazo.

Vía | Twitter

Adam Shankman dirige la adaptación del musical de Broadway ‘Rock of Ages’, que recopila grandes éxitos del Hard Rock y del Glam Metal de los años ’80, como ‘Dream On’, ‘The Eye of the Tiger’, ‘Sweet Emotion’, ‘Final Countdown’, ‘Don’t Stop Believing’ y muchas más —para conocer la lista completa, se puede reproducir el disco en Spotify—. No faltarán los grupos más célebres del momento como Journey, Bon Jovi, Pat Benatar, Twisted Sister, Poison o Asia, entre otros.

Diego González Boneta y Julianne Hough serán los jóvenes protagonistas de ‘Rock of Ages’ en la que estarán acompañados por un gran elenco de secundarios, entre los que se incluirá a Tom Cruise, Paul Giamatti, Alec Baldwin, Russell Brand, Mary J. Blige y puede que Amy Adams.

El libreto de Chris D’Arienzo nos lleva a 1987, cuando una inmobiliaria alemana convence al alcalde de Hollywood de cerrar el Bourbon Bar para lavar la imagen de la zona. Su dueño decide llamara al grupo Arsenal, que acaba de disolverse, para clausurar su local con un último concierto histórico. Drew, uno de los camareros del garito, había conocido allí a su enamorada, Sherrie, y ahora ambos persiguen sus sueños de convertirse, respectivamente, en estrella del rock y en actriz. Pero un malentendido lleva a la joven a pensar que él no la ama y por ello acaba en la cama con el cantante de la banda invitada, Stacee Jaxx. Está previsto que Drew haga de telonero, pero un percance deja a Stacee fuera de juego y el joven tiene que tomar su lugar durante todo el concierto.

Diego y Julianne serán Drew y Sherrie. Cruise dará vida a Stacee Jaxx, líder del grupo Arsenal, cuyo mánager estará encarnado por Giamatti. Si Shankman convence a Adams de unirse al proyecto, ella interpretaría a una estirada periodista que, mientras trata de difamar al decadente personaje de Cruise, acaba en la cama con él, tras cantar una versión del ‘I Want To Know What Love Is’, de Foreigner. Baldwin encarnará al propietario del local y Brand a Lonny, su colega.

Actualización del 20 de abril: Catherine Zeta-Jones se ha unido al reparto con un personaje creado específicamente para ella.

Salvo excepciones, no me suelen gustar los musicales. Pero con esta música y con este reparto, no me perderé ‘Rock of Ages’, a pesar de que su trama suena tópica. El estreno está previsto para 2012.

Vía | Deadline

Repasando un poco el año 2004, resulta que fue bastante bueno en esto del cine. No solamente nos trajo ‘Olvídate de mí’ (‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, Michel Gondry) o ‘Million Dollar Baby’ (id, Clint Eastwood), también joyas como ‘Harry Potter y el prisionero de Azkabán’ (‘Harry Potter and the Prisoner of Azkaban’, Alfonso Cuarón), ‘Kill Bill, vol. 2’ (id, Quentin Tarantino), ‘Alejandro Magno’ (‘Alexander’, Oliver Stone), ‘2046’ (id, Wong Kar Wai), ‘La casa de las dagas voladoras’ (‘Shi mian mai fu’, Zhang Yimou), ‘El hundimiento’ (‘Der Untergang’, Oliver Hirschbiegel) y, por supuesto, ‘Entre copas’ (‘Sideways’, Alexander Payne). No está nada mal. En el caso del largometraje de Payne, se trata de una de las más brillantes comedias negras (teñidas de un irresistible encanto y resbaladizo romanticismo) en muchos años de cine norteamericano, que le da la vuelta con ingenio y talento a casi todas las convenciones de la clásica comedia estadounidense, desde la guerra de sexos hasta el frasco de la miseria sexual, y siempre de manera elegante.

Películas como esta le llevan la contraria a todos los que proclaman que la buena comedia está muerta y enterrada, cuando a lo mejor lo importante es que los que de verdad valen (y no son pocos, estoy convencido de ello) estrenen películas, o por lo menos les dejen intentar hacerlas. Alexander Payne es uno de esos, uno de los cineastas a tener en cuenta dentro de la industria más importante del mundo, que con su tercer largometraje, después de las estimables ‘Election’ (id, 1999) y ‘A propósito de Schmidt’ (‘About Scmidt’, 2002), alcanzó una envidiable madurez narrativa, que le aúpa entre los autores más interesantes de la actualidad. ‘Entre copas’ es un divertimento insuperable, pero es mucho más que eso. Es una historia admirablemente escrita, dirigida e interpretada, una aventura íntima y a la vez salvaje que trata mumerosos temas importantes, y todos ellos con lucidez y buen humor. Pero sobre todo es una película en la que triunfa el buen gusto, y que, a pesar de contar las peripecias de unos personajes bastante patéticos, sobre todo los masculinos, provoca un impresionante buen rollo en el espectador.

Ya en ‘A propósito de Schmidt’ Payne había demostrado que lo abiertamente comercial y los lugares comunes no van con él, y que le interesa más hacer películas pequeñas y llenas de detalles que valen la pena. También había demostrado que es un avezado director de actores. Esas sensaciones se confirman y se multiplican con ‘Entre copas’, en la que su dirección de actores alcanza la perfección, en la que adapta de manera magistral, al alimón con Jim Taylor, la novela homónima de Rex Pickett, y en la que despliega una puesta en escena humilde y de gran precisión, que se oculta y que otorga a los personajes, y al formidable cuarteto de intérpretes que les dan vida, todo protagonismo, consciente de que cualquier ramalazo de autor que imponga a la imagen puede desvirtuar una historia que se antoja como algo completamente real. Tal es el nivel de naturalidad y de delicadeza (pequeñas cositas aquí y allá) que dan a cada escena la categoría de lo auténtico. Y llegamos así a momentos irrepetibles, como la conversación acerca de vinos entre Maya y Miles, y el posterior beso furtivo entre ambos, o la confrontación entre jugadores de golf, o las numerosas veces que Miles pierde el control de sí mismo, entre varios ejemplos.

Una semana de vacaciones impredecibles

Pero ‘Entre copas’, a pesar de que cuenta la escapada de dos antiguos compañeros de universidad durante una semana por los valles californianos del vino, antes de la boda de uno de ellos, y aunque esa inminente boda perfila muy bien los dos caracteres tan opuestos (uno amargado recién salido de un divorcio, otro deseando echar el último polvo antes de verse atrapado para siempre), va realmente de comer bien, de beber mejor y de pasarlo lo mejor posible con los buenos amigos que ya la vida es lo bastante gris y prosaica como para estar todo el día amargado. Por eso el verdadero eje de la historia es Miles (Giamatti), un profesor de literatura y escritor acomplejado al que nunca le publican absolutamente nada, incapaz también de olvidar a la bruja de su ex-mujer, mientras que Jack (Haden Church) es el que intenta ponerle un poco las pilas y el que le pide que, por lo menos, no le arruine su intención de despedirse de la soltería a su manera. A este dúo tan particular se une otro dúo, el de Stephanie y Maya, sorpresiva pareja para cada uno de ellos, con impredecibles consecuencias emocionales y sentimentales.

Entre ligues y frustraciones, todo transcurre gracias a la presencia dominante del vino y de la comida, de los bellos paisajes y del intenso sol de California, como un paraíso al que los imperfectos e inseguros hombres que son Miles y Jack traen sus miserias, por mucho que al final les comprendamos y les perdonemos, pues ya la ex-mujer de uno y la futura esposa del otro hicieron buena presa de ellos. Payne disfruta, y nosotros con él, contándonos el encuentro de estos dos hombres con esas dos mujeres temperamentales que sacarán lo mejor y lo peor de ellos, como una batalla declarada pero invisible, en la que nadie gana y todos pierden. De fondo, acogedores restaurantes, campos de golf como remansos de paz, fotografiados con sencillez y luminosidad por Phedon Papamichael, y descritos por Payne con un estilo a menudo setentero y agradable, empleando cortinillas, reencuadrando los planos dentro del plano, dividiendo la pantalla en varias imágenes simultáneas, pero ante todo narrando con sencillez, con planos amplios y certeros, siempre al servicio de los sentimientos y de las reacciones emocionales de sus cuatro personajes.

Y no es para menos, porque cuenta con cuatro intérpretes portentosos. A estas alturas decir que Paul Giamatti es uno de los actores más interesantes del cine norteamericano es hasta innecesario. Puede que este papel sea el mejor de su vida. A su lado Thomas Haden Church, un actor bastante más desconocido para el gran público, pero que borda a su desvergonzado personaje, ofreciendo una gran variedad de matices, y provocando al mismo tiempo rechazo y compasión. Pero, aunque con papeles mucho más reducidos, Virginia Madsen (para quien no lo sepa, la hermana de Michael Madsen) y Sandra Oh están igualmente espléndidas. Madsen es una magnífica actriz, y sus escenas con Giamatti destilan verdad y emoción por todos sus poros, y Oh es un ejemplo de coraje y sensualidad. El cuarteto de rostros, actitudes, gestos, réplicas y contrarréplicas es uno de los más exactos de los últimos tiempos, y confirman a un director de actores, Payne, sensacional. Nada parece fingido o falso. Es un pedazo de vida.

Conclusión e imagen favorita

Más que notable película, ligera y dolorosa, divertida y serena, que habla sobre la amistad, el individualismo, la autosuperación, la soledad. Casi nada. Mi imagen favorita es la del taciturno Miles comiendo una hamburguesa en un restaurante de comida rápida…pero bebiendo a hurtadillas un vino para coleccionistas. No se puede decir más con menos.

“Jodiste a todas las personas que conociste y te importaban”.

(Detective O´Hearne / Mark Addy)

‘El mundo según Barney’ (‘Barney´s Version’, 2010) se estrenó en España el pasado 18 de marzo, pero hasta este fin de semana no he tenido la oportunidad de verla. No hay problema en ir a ver ‘Torrente 4’, ‘Gnomeo y Julieta’, ‘Sin compromiso’ (‘No Strings Attached’) o ‘Esta abuela es mi padre’ (‘Big Mommas: Like Father, Like Son’), una cosa que se proyecta en 300 salas. Se anuncian en todas partes, están en todos los multicines, y en consecuencia, son las más taquilleras. No puedo estar más de acuerdo cuando mi compañero Jesús León dijo hace poco, en nuestro apartado de “respuestas”, que los distribuidores son unos cobardes. En general, lo son, sin duda alguna, semana tras semana lo demuestran. Pero ahí siguen, con sus absurdas campañas de marketing (esas títulos genialmente traducciones…) y constantes retrasos en los estrenos, atacando la piratería de forma mecánica y acaparando pantallas con productos que deben considerar ventas seguras; cine de consumo rápido, de usar y tirar, o cine basura si lo preferís, en cantidades más elevadas de las que el público puede soportar sin sufrir una indigestión. El negocio se va a pique, y nos piden salvarlo, compensar su torpeza.

Comparada con la mayoría de los estrenos que infectan las carteleras, os voy a hablar de una película sobresaliente. Por sí sola no lo es, pero al menos se nota que está hecha con humildad y esmero, con la única intención de narrar una peripecia de seres humanos cuyos aciertos y errores, cuyas destrezas y debilidades, pueden entretener, emocionar y hasta inspirar al espectador. Una película que se basa en algo tan sencillo como unos actores creyéndose una historia, aportando vida y verdad a sus personajes. Y eso hoy en día es tan raro, tristemente, que solo puedo recomendarla, con importantes matices. Ante todo, su mayor defecto es que dura demasiado. O dicho de otra manera, el realizador Richard J. Lewis, procedente de la televisión, fracasa con el ritmo de la película, patina con una estructura basada en episodios, en forma de flashbacks en la mente de un personaje ya viejo y enfermo, lleno de arrepentimiento, desesperado por arreglar los destrozos que ha causado en su vida. La gran tragedia es que no puede, hay cosas que no puede corregir, y además, ya es tarde.

“Estás casado con una mujer que está forrada, que prepara un kuguel de hojaldre muy rico y que tiene un tipazo estupendo. Infinidad de matrimonios se han sustentado en mucho menos que eso”.

Izzy Panofsky (Dustin Hoffman)

Escrita por Michael Konyves, la película comienza con Barney (Paul Giamatti) llamando por teléfono a las tres de la mañana, visiblemente borracho. Quiere hablar con su esposa, pero el hombre al otro lado de la línea le recuerda la hora que es, y además que ya no es su esposa. Barney responde con crueldad y el otro cuelga. A la mañana siguiente, la hija de Barney (Anna Hopkins) le cuenta, mientras éste se marcha al trabajo, que su llamada provocó una ataque al corazón al segundo marido de su madre. Barney no puede disimular su satisfacción, y bromea con la posibilidad de que el tipo haya quedado impotente. Es una buena manera de presentar al protagonista, su forma de ser y su situación, con apenas dos escenas. Se nos ha dado información fundamental que más adelante será ampliada y explicada, como que Barney bebe más de la cuenta, que es rudo con la gente y que ama a la mujer que aún considera su esposa. Una siguiente escena añade más información, una que ya se sale de lo corriente. Un policía retirado (Mark Addy) entrega a Barney una copia firmada de un libro en el que le acusa de haber salido impune de un asesinato.

Ya tenemos la base de la historia, y una interesante. ¿Quién es este Barney? ¿Qué ocurrió con su esposa? ¿Realmente mató a alguien? Con el libro del que considera “su mayor enemigo” en las manos, el protagonista nos dará la respuesta a esas cuestiones, dando su propia versión; de ahí el título original de la película, idéntico al de la novela que adapta, ‘La versión de Barney’, escrita por Mordecai Richler, quien al parecer incluyó elementos autobiográficos. Aunque el tráiler ya se encargó de destripar todos los acontecimientos relevantes de la trama, resulta útil recordar el eslogan del cartel, Barney se casó dos veces y luego conoció a la mujer de su vida; lo más llamativo es que la conoce durante la celebración de su segunda boda, pidiéndole que se fugue con él a los dos segundos de haberse presentado. Por otro lado, su primera esposa (Rachelle Lefevre), una mujer débil de juventud problemática (fantástica la escena en la que su padre, encarnado por Saul Rubinek, relata esa historia), se suicida al creer que Barney la había abandonado; y su mejor amigo (Scott Speedman), desaparece y es dado por muerto, siendo Barney el principal sospechoso, con todas las pruebas en su contra, pero sin cuerpo no hay delito.

“No digas que harías lo que sea. La vida es real, se compone de pequeñas cosas, minutos, horas, siestas, recados, rutina… y tiene que bastar con eso”.

Miriam (Rosamund Pike)

Definitivamente, no es un protagonista corriente, y conforme pasan los minutos, y vemos cómo se comporta con todo el mundo, cada vez más egoísta y tosco, comprendemos que estamos en presencia de un auténtico gilipollas. Está hecho a propósito, no tiene que caer bien. Y sin embargo, en el último tramo de la película, uno no puede evitar sentir lástima por él, que en el fondo no es más que un miserable que se emborracha y se engaña a sí mismo para poder soportarse, para no acabar hundido por los remordimientos. He leído a Giamatti decir que el mayor perdedor no es aquel que no tiene oportunidades, sino el que las desperdicia. Efectivamente, Barney es un gran perdedor, y duele verlo. Podía ser un problema tener que abarcar tres décadas de la vida de alguien con un solo actor, pero aquí se soluciona con una estupenda labor de maquillaje (candidata al Oscar) y un formidable actor. Giamatti borda el papel, hasta el punto de confundirse con Barney, parece un papel hecho a medida. Es posible que cause extrañeza verlo cautivando a mujeres tan atractivas, como criticaba mi compañera Beatriz, pero no creo que pueda ser tachado de increíble, solo hay que dar un paseo por la calle para comprobar que es cierto eso de que el amor es ciego.

Los mayores aplausos se los ha llevado Giamatti, ganador del Globo de Oro, pero lo cierto es que todo el reparto (Dustin Hoffman, Rosamund Pike, Minnie Driver, Bruce Greenwood…) está muy convincente, todos hacen creíbles, humanos, cercanos, sus personajes. Ahí radica uno de los logros de ‘El mundo según Barney’, no hay personajes de una sola cara, no hay nadie totalmente bueno o malo; mirando el conjunto de su vida, uno puede comprender el carácter y el comportamiento del protagonista, ver bondad y amor, sin que ello justifique sus errores. En principio, resulta excesivo dedicar 130 minutos a esta historia, uno debe seleccionar (claro que hay cineastas que consideran relevantes largos planos de ventanas o puertas), realizar una exhaustiva depuración de material y ofrecer solo lo más interesante del relato; Lewis no lo hace, y eso pasa factura a la película. Sin embargo, y no he leído la novela, queda la sensación de que faltan cosas importantes, que al resumir la vida de Barney se podía haber dedicado más tiempo a aclarar algunas de sus decisiones (como su segundo matrimonio). Tampoco se luce el director con la puesta en escena, más propia del medio televisivo, pero los actores consiguen que esto pase más o menos desapercibido, y que la película llegue a emocionar, aunque se mire el reloj de vez en cuando.

Posdata: Por favor, comparad este breve extracto de la película (sin spoilers), doblado al castellano y en versión original. No se pierde la mitad de la interpretación, se pierde la veracidad de la interpretación, y en definitiva, la magia de la película.