Bill: No sé nada de Ray, pero no todos son asesinos en Garrison.

Freddy: No, solo cierran los ojos y se quedan callados, igual que yo.

Seguimos también en agosto con la sección de Críticas a la carta, en la que los lectores eligen la película a comentar. Curiosamente, la seleccionada en esta ocasión es ‘Cop Land’ (1997), un relato sobre corrupción policial, justo ahora que los medios están volcándose con los disturbios que están agitando Londres. De hecho, la ficción, escrita y dirigida por James Mangold (fue su segundo trabajo tras debutar en 1995 con ‘Heavy’), arranca con la polémica muerte de dos chicos negros por parte de un policía, tratando sus compañeros de encubrirlo (incluso colocando un arma en el coche de los fallecidos de manera descarada) mientras el escándalo sacude la ciudad de Nueva York, que exige transparencia y justicia.

Es un inicio potente, en el que se respira violencia, fatalidad (acertada música de Howard Shore) y nerviosismo, de lo más inspirado de toda la película, con actores como Harvey Keitel, John Spencer y Robert Patrick adueñándose del escenario, el puente de George Washington (conecta los estados de Nueva York y Nueva Jersey). Esta secuencia con la que nos atrapa Mangold, y que nos deja con ganas de más, se alterna con otra mucho más relajada y anodina en la que nos presentan al que será el obligado héroe de ‘Cop Land’, un sheriff medio sordo, de aspecto descuidado y mirada atontada, al que da vida un Sylvester Stallone que deseaba demostrar al mundo que era algo más que una estrella de acción, que podía actuar, haciéndose con un papel para el que engordó unos 15 kilos. Su notable tripa (hay una escena exclusivamente dedicada a ella) fue lo que más llamó la atención en su momento, cuando se estrenó este intento de Mangold por crear un sólido western moderno. Se recuerda la película, en general, como algo que aspiraba a ser grande pero se quedó a medio camino. Y así va a seguir.

La historia, narrada por un agente de Asuntos Internos encarnado por Robert de Niro, para intentar aportar seriedad y verosimilitud a los hechos, está ambientada en una ficticia localidad de Nueva Jersey llamada Garrison, donde la mayoría de los residentes son policías de Nueva York (algo que jamás podría ocurrir en la realidad, como se encargan de aclarar en los créditos finales, quizá para tranquilizar a los espectadores). Stallone interpreta al sheriff del lugar, Freddy Heflin (por Van Heflin y su papel en ‘El tren de las 3:10’, cuyo remake, por cierto, filmaría el mismo Mangold en 2007), un hombre al que nadie toma en serio, puesto ahí para que no haga nada, excepto dirigir el tráfico y poner alguna multa. Y es que Garrison es un refugio de policías corruptos, un pueblo construido con dinero de la mafia donde la palabra de Ray Donlan (Keitel) es ley. Asuntos Internos no puede meter la nariz más allá del río Hudson y Freddy es un pelele que confía en los falsos discursos de Ray, dando por bueno el podrido bienestar del pueblo.

La tranquila existencia de Ray, y su grupo, entrará en crisis con el incidente ya comentado. Su sobrino, Murray Babitch (Michael Rapaport), un joven policía conocido como “Superboy”, conduce de vuelta a casa tras una noche de fiesta y se cruza con dos tipos agresivos que chocan con él y le apuntan con algo que cree que es una pistola; alterado, confundido, Murray abre fuego. El resultado son dos negros acribillados por un policía blanco, y ningún arma en el coche de los primeros. Los agentes corruptos tratan de apoyar la versión de su compañero, pero esta vez no cuela, el vehículo ya había sido registrado y el intento por colar una automática provoca un enfrentamiento inmediato, interrumpido cuando Murray salta del puente, supuestamente con la intención de suicidarse. El cuerpo no aparece, los cadáveres alteran a la comunidad afroamericana y la ciudad se vuelca con el caso, poniendo en duda la honestidad del departamento de policía; mientras tanto, Murray permanece oculto en casa de Ray, y todos lo saben en Garrison, pero nadie puede o quiere hacer nada.

A partir de ahí, desde que la cámara nos revela lo que ocurre realmente con Murray (no hacía falta que nos mostraran que Ray lo esconde, era evidente), la acción se detiene y fluye con lentitud para que conozcamos mejor a los personajes y experimentemos el día a día en el pueblo. Durante un nudo que se siente excesivamente prolongado, lleno de aclaraciones y subrayados, con el que Mangold no consigue mantener la tensión, lo más valioso son las aportaciones interpretativas de un plantel que se siente cómodo en los zapatos de sus respectivos personajes. Keitel y De Niro están algo sobreactuados, quizá porque Mangold los respetaba demasiado como para frenarlos, pero lo compensan con su carisma y saber estar; por su parte, Spencer, Patrick, Rapaport, Ray Liotta, Janeane Garofalo, Noah Emmerich, Peter Berg y Annabella Sciorra se defienden estupendamente, mientras que Stallone alterna escenas convincentes con otras lamentables (ojo al momento en el que Liotta se desespera viendo a la chica quemada, y Stallone parece estar en su mundo, desconectado totalmente de la acción).

Me parece forzado el proceso por el cual Freddy de pronto se harta de todo y decide que debe actuar, que debe ejercer verdaderamente de sheriff y enfrentarse a Ray, pero el personaje está escrito con cariño (esa triste historia con su amada Liz) y está bien plasmado cómo lo van dejando solo. El clímax, que parece devolvernos al salvaje oeste, cumple a medias; la recreación más o menos aproximada de cómo lo oye y lo vive todo el protagonista no queda mal, al menos se sale de lo convencional, y hay buenos momentos (la frase que le suelta Freddy a Ray al final), pero se nota la falta de experiencia del director en la puesta en escena del tiroteo y creo que la cámara lenta es una mala decisión, habría quedado mucho mejor algo más rápido, crudo y feroz, en la línea de la secuencia del principio. Se agradece el intento de crear un relato amargo y adulto, violento, crudo y desolador, pero la película no llega a satisfacer lo que promete en sus primeros compases, volviéndose obvia y previsible, un drama policial más. Al final, ‘Cop Land’ entretiene, pero no cautiva.

Joe Carnahan regresó al Festival de Sundance en 2002, tras sorprender años atrás con su ópera prima, una valiente ‘Sangre, balas y gasolina’ con la que cosechó premios y algunas miradas a su futuro. Y lo regresó con ‘Narc’, ya una producción de más empaque pero sin perder el carácter de cine independiente, rodado en poco tiempo y con un presupuesto más que ajustado. Eso sí, mucho ayudó que el mismísimo Tom Cruise fuera uno de los productores que estaban detrás de esta apuesta por el talento de Carnahan a pesar de su falta de experiencia. Creyó en su talento y él respondió con este film duro, seco, cuya historia él mismo firmó.

Con ‘Narc’ tuvo buena acogida también y demostró que podía sacar mucho partido a una historia no excesivamente original (más bien demasiado tópica), a base de un buen pulso narrativo y envolverlo en una estética muy cuidada. Carnahan conseguía desarrollar ese talento que apuntaba como narrador y regala algunas escenas brillantemente contadas, le saca partido a dos actores en horas bajas y consigue un film al más puro estilo policíaco que bebe de los setenta en sus cimientos pero sin renunciar al intento de aportar una nueva visión, ese aire moderno, de imagénes desaturadas y montaje frenético y otros recursos de cámara, eso sí sin excederse (aunque posteriormente Carnahan ha demostrado su debilidad por ellos llegando al exceso, véase ‘Ases calientes’).

El realizador se esfuerza sobremanera, con esmero y, como indico, alcanza escenas llenas de brío y fuerzo, como la escena inicial, trepidante que sumerge de lleno al espectador en la historia en apenas unos minutos. También otras destacables como la de la redada hacia el final. Todo ello revestido de una estética oscura, sobria que intenta maquillar la falta de presupuesto evidente y lo cierto es que bien conseguida.

‘Narc’ navega entre tópicos con brío y emoción a ratos

La visión del realizador es descarnada, se aproxima al escenario cotidiano del policía de calle, el de acción. Con el típico policía entregado, fiel a sus principios, pero que necesita redimir un desagradable episodio, marcado a fuego (y quizás excesivamente recalcado a lo largo del metraje) para lo que se embarca en una investigación confusa junto con otro policía polémico y violento en sus formas, para encontrar los asesinos de un policía en extrañas circunstancias. Carnahan va llevando la historia con fuerza, sin renunciar a la crudeza de escenas de acción, de retratar camellos, yonkis y maleantes y su hábitat, la calle y rincones oscuros y peligrosos, donde los protagonistas se mueven en busca de pistas. Lo consigue hacer con emoción, sabe sacar partido a cada escena en pos de trasladar la historia hacia un punto de inflexión donde todo girará más de lo esperado y donde las sorpresas se guardan para el final.

Es algo que se intuye, porque la historia no brilla por la originalidad que es su mayor lastre. A pesar del empeño de ponerle nervio y recurrir a interesantes recursos, muy del género para ayudar a avanzar la investigación y aportar la máxima información sobre el caso en pocos minutos (como el uso de la pantalla dividida para narrar en cuatro escenas simultáneas algún momento esencial de la investigación), Carnahan no puede esconder lo suficiente sus cartas, y juega hacia el final con la sorpresa intuida, dando un giro no exento de cierta habilidad y emoción, aunque reiterando en exceso.

Jason Patric y Ray Liotta bien exprimidos

Para los papeles protagonistas encontramos a dos actores dispares, no solo en sus respectivas trayectorias, sino en cuanto a resultados. Uno, el principal protagonista –ese policía angustiado y necesitado de la verdad para hallar la paz interior– interpretado por el sosainas de Jason Patric, actor limitado que aquí apenas sacar todo el partido a su papel. El otro –el policía rudo y visceral que oculta alguna sorpresa– está interpretado por Ray Liotta, envejecido y engordado para el trabajo y que tampoco brilla en exceso, a pesar de mostrar más matices e imponer con su presencia en algunas escenas.

Quizás lo más destacado de ambos papeles es su juego de la ambigüedad, Carnahan lo intenta mostrar de forma descarnada, como toda la historia, para intentar poner en tela de juicio quién actúa bien, y quién lo hace mal. Intenta romper las apariencias y se deja para el final ese tour de force entre ambos donde sacan a relucir sus armas y sus frustraciones. Un duelo frío, donde el directo evita en todo momento posicionarse y dejar que el espectador se incline de un lado o de otro. Como un combate pugilístico donde cada uno a su estilo intenta componer esa nota final que rubrique la historia confusa recreada desde diversos puntos de vista. El espectador tiene que ejercer de jurado y ahí Carnahan se vuelca y saca el máximo de sus dos actores protagonistas. Cuando se desatan conseguimos ver algunos de los mejores momentos de ambos en pantalla. Aunque ya antes se iban dejando claras muestras de por donde iban a decantarse cada uno.

En conclusión Joe Carnahan a pesar de recurrir a una historia nada original, y aunque no aporta nada nuevo al género, sí consigue un film entretenido y vibrante, que intenta esconder con cierta sutileza y acierto sus defectos, y que consigue imponer un atmósfera muy bien acoplada y sacar el máximo partido a sus protagonistas. Eso sí, no termino de verla como cinta de culto.

En Blogdecine | Críticas a la carta

A finales del año pasado supimos que Andrew Dominik estaba preparando su nueva película, ‘Cogan´s Trade’, en la que volvería a contar con Brad Pitt tras el western ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’. Hoy os traigo la primera imagen oficial de este nuevo trabajo, con Pitt en la piel de Jackie Cogan, un matón de la mafia que debe investigar un robo cometido durante una importante partida de póquer protegida por sus jefes.

Finalmente no estarán muchos de los actores que se anunciaron en un principio (Javier Bardem o Josh Brolin eran algunos de ellos), pero aun así el reparto de ‘Cogan´s Trade’ sigue resultando muy interesante. Richard Jenkins, Ray Liotta, Scoot McNairy, Ben Mendelsohn, James Gandolfini, Vincent Curatola, Bella Heathcote y Sam Shepard, entre otros, acompañan a Brad Pitt al frente del reparto de esta adaptación de la novela de George V. Higgins, con guion del propio Dominik. Con la película ya en fase de post-producción, por el momento no se ha fijado una fecha concreta de estreno, pero desafortunadamente parece que la idea es esperar hasta principios de 2012.

PD: Otro título de Pitt que está en post-producción es ‘Moneyball’, un drama deportivo escrito por Steven Zaillian y Aaron Sorkin, en cuyo elenco también figuran Philip Seymour Hoffman, Jonah Hill y Robin Wright.

Vía | Theplaylist

‘I´m Still Here’

Director: Casey Affleck

Intérpretes: Joaquin Phoenix, Antony Langdon, Carey Perloff, Larry McHale, Casey Affleck

Sinopsis: Polémico documental (o mejor dicho, aparente falso documental) que sigue la transformación de Joaquin Phoenix de actor a cantante de hip-hop. Tras “Two Lovers”, el actor declaró estar cansado de actuar, que abandonaba el mundo de la interpretación, y que en el futuro se dedicaría en exclusiva a su faceta de cantante. En sus escasas apariciones en los medios, un casi irreconocible Phoenix mostraba, además, un comportamiento cada vez más extraño y poco sociable, y siempre su cuñado y gran amigo Casey Affleck solía estar cerca con una cámara para rodar lo que pasaba. Dada la naturaleza de algunas imágenes, que incluyen desnudos frontales masculinos, consumo de drogas y Phoenix teniendo sexo oral, todo parecía ser real.

Crítica en Blogdecine:

• ‘I´m Still Here’, el eclipse de Joaquin Phoenix

‘El último bailarín de Mao’

Director: Bruce Beresford

Intérpretes: Bruce Greenwood, Kyle MacLachlan, Amanda Schull, Joan Chen, Chi Cao, Alice Parkinsonç

Sinopsis: Basada en una historia real, la película cuenta la vida de Li Cunxin, rescatado a los once años de un pequeño pueblo de China por delegados culturales y enviado a Pekín. Allí comienza un increíble viaje vital que le llevará a pasar años de entrenamiento brutal para convertirse en uno de los mejores bailarines del mundo, aclamado como un héroe de la China comunista y, más tarde, despreciado por traidor.

Crítica en Blogdecine:

• Seminci 2010 | ‘El último bailarín de Mao’ clausura la semana de cine vallisoletana

‘Extraña ilusión’

Director: Edgar G. Ulmer

Intérpretes: Jimmy Lydon, Warren William, Sally Eilers, Regis Toomey, Charles Arnt, George Reed, Jayne Hazard, Jimmy Clark, Mary McLeod

Sinopsis: El joven Paul padece cada noche un extraño y recurrente sueño en el que se entremezcla la imagen de su madre enamorándose de un hombre peligroso con la fantasmagórica visión de la muerte de su padre en accidente de coche. Con la ayuda de un amigo psiquiatra, Paul irá desentrañando el oculto significado de su pesadilla nocturna, solo para descubrir el terrible secreto que se esconde tras la muerte real de su padre. Lo que en principio había sido tomado como desafortunado accidente se torna en terrible y trágico crimen.

Contenido adicional:

• Película: ‘Moon over Harlem’ (1939) de Edgar G. Ulmer
• Presentación de la película a cargo de Bertrand Tavernier (2010).

• Libreto exclusivo con un texto de Christian Aguilera.

‘Harry Brown’

Director: Daniel Barber

Intérpretes: Michael Caine, Emily Mortimer, Charlie Creed-Miles, David Bradley, Iain Glen, Sean Harris, Ben Drew, Jack O´Connell, Jamie Downey

Sinopsis: En un suburbio inglés sumido en el caos, donde las drogas son moneda de cambio y las armas reinan en las calles, Harry Brown, un ex marine retirado, malgasta sus últimos años jugando al ajedrez con su amigo Leonard en un mugriento pub. Pero cuando éste es salvajemente asesinado por una banda, Harry saldrá de su letargo para dar rienda suelta a su personal día de furia.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Harry Brown’, Michael Caine cogió su fusil

‘Las dos huérfanas’

Director: D.W. Griffith

Intérpretes: Lillian Gish, Dorothy Gish, Joseph Schildkraut, Frank Losee, Katherine Emmet

Sinopsis: Louise Girard es una huérfana aristócrata que fue abandonada a las puertas de un convento después de la muerte de sus padres. Es acogida en casa de Girard, un pobre hombre, y crecerá con Henriette Girard, su hermana adoptiva. Cuando ambas llegan a la edad adulta se dirigen a París en busca de un futuro mejor. Allí Henriette suplanta la personalidad de Louise y se casa con un aristócrata. Louise se casa con el Chevalier de Vaudrey que es el único que cree en ella. Estalla la Revolución francesa y ambas se vuelven a ver unidas por las circunstancias. Presenta a un Danton y un Robespierre totalmente corruptos a los que los que menos les interesa es el bien del pueblo. La desorganización y la injusticia son atribuidas como parte fundamental de esta revolución, totalmente al contrario de la loa que hace él mismo a la Guerra de Secesión.

Buena oportunidad para rescatar una de las joyas del cine mudo, y por ende de toda la historia del cine., aunque sólo sea por su importancia en la misma. Los extras del DVD incluyen ‘Dos en la guillotina’ y ‘D.W. Griffith’.

‘Las dos tormentas’

Director: D.W. Griffith

Intérpretes: Lillian Gish, Richard Barthelmess, Lowell Sherman, Burr McIntosh, Kate Bruce

Sinopsis: Anna Moore es una joven que va a visitar a Bostón a su acaudalada tía para que ayude a su familia a salir de la pobreza, pero una vez allí un hombre rico la engaña con un matrimonio falso para poder aprovecharse de ella. Cuando Anna se queda embarazada se destapa el engaño y es abandonada a su suerte.

Otra perla del señor Griffith, repitiendo con su actriz fetiche, la mítica Lillian Gish. El DVD trae los extras ‘El poder del hielo’ y ‘D.W. Griffith’.

‘Los ojos de Julia’

Director: Guillem Morales

Intérpretes: Belén Rueda, Lluís Homar, Julia Gutiérrez Caba, Pablo Derqui, Francesc Orella, Daniel Grao

Sinopsis: Belén Rueda da vida a Julia, una joven que padece una enfermedad degenerativa de la vista y que está perdiendo visión progresivamente. Cuando su hermana gemela, Sara, ciega a causa de la misma enfermedad, aparece ahorcada en su casa, Julia se niega a aceptar que se trata de un suicidio y decide investigar por su cuenta lo que ella intuye es un asesinato. Conforme vaya descubriendo la terrible verdad que rodea los últimos días de la vida de su hermana, Julia irá adentrándose cada vez más en un mundo de oscuridad, hasta que una serie de inexplicables muertes y desapariciones se crucen en su camino.

El Blu-ray trae el documental de cómo se hizo la película.

‘Los viajes de Gulliver’

Director: Rob Letterman

Intérpretes: Jack Black, Emily Blunt, Jason Segel, Amanda Peet, Billy Connolly, James Corden

Sinopsis: Lemuel Gulliver (Jack Black), un aspirante a escritor que trabaja como repartidor en un importante periódico de Nueva York, sueña con escribir libros de viajes. Toma entonces la decisión de navegar hacia al Triángulo de las Bermudas, pero una terrible tormenta lo arrastra hasta una isla pérdida que está habitada por personas diminutas, los liliputienses. Después de un comienzo no muy amistoso, el gigante Gulliver se convierte en fuente de inspiración y confianza para sus diminutos amigos. Así, bajo sus órdenes, los liliputienses consiguen una gran victoria sobre sus enemigos de la isla vecina. Sin embargo, Gulliver aún tendrá que saldar cuentas con sus propios defectos para poder salir, por fin, de su limitado mundo.

‘Siempre a mi lado’

Director: Burr Steers

Intérpretes: Zac Efron, Kim Basinger, Dave Franco, Amanda Crew, Donal Logue, Ray Liotta

Sinopsis: Charlie St. Cloud (Zac Efron) es un joven perdido en su pasado. Acosado por una tragedia familiar que le ata a su hogar en un pequeño pueblo costero, ha abandonado todos sus sueños. Pero cuando su antigua compañera de instituto Tess (Amanda Crew) regresa inesperadamente, Charlie se abre a la posibilidad de un nuevo amor. Ahora que Charlie se encuentra en la encrucijada de mantener la promesa que hizo a su hermano o seguir los impulsos de su corazón, ¿tendrá la valentía de dar de lado a su pasado e ir en busca de Tess antes de que sea demasiado tarde?

El Blu-ray tiene en sus contenidos extras un par de documentales sobre Zac Efron, escenas eliminadas y comentarios del director.

Vía | ZONA DVD

Parece que Channing Tatum actúa en ‘The Son of No One’, ¿verdad? Aquí os dejo el cartel y el tráiler del nuevo film de Dito Montiel, que antes que lo preguntéis, no, no tiene familia en España. Es un músico y cineasta nacido en Nueva York (con el nombre de Orlando Anthony Montiel Jr.) que a día de hoy ha realizado tres películas: ‘Memorias de Queens’ (‘A Guide to Recognizing Your Saints’, 2006), ‘Fighting: Puños de asfalto’ (‘Fighting’, 2009) y la que nos ocupa. Las dos primeras se estrenaron en nuestro país, y teniendo en cuenta el elenco de su nuevo trabajo, es muy probable que también veamos el póster de ‘The Son of No One’ en nuestra cartelera, tarde o temprano.

Escrita por el propio Montiel, la película se centra en un joven policía que sigue los pasos de su padre en un distrito de clase trabajadora de Nueva York; su vida y la de su familia podría dar un dramático giro si un viejo secreto de su infancia sale a la superficie. Tatum encabeza un llamativo reparto en el que destacan Al Pacino, Juliette Binoche, Ray Liotta, Katie Holmes y Tracy Morgan, entre otros. ‘The Son of No One’ (‘El hijo de nadie’) clausurará el festival de Sundance esta misma semana y a partir de ahí comenzará su carrera comercial. Todavía no hay fecha de estreno para España.

PD: Tatum ha protagonizado las tres películas de Montiel.

Vía | Impawards

Con los complicados años ochenta tocando a su fin, años en los que realizó obras tan notables como ‘El color del dinero’ (The Color of Money’, 1986) o ‘Apuntes del natural’ (‘Life Lessons’, 1989), Scorsese preparó con minuciosidad un ansiado proyecto sobre una novela que le había entusiasmado, y con cuyo autor (Nicholas Pileggi) establecería una gran complicidad y amistad. De hecho, ambos fueron trabajando en sucesivas versiones del guión durante varios años, y sería el primer crédito como guionista de Scorsese desde, precisamente, ‘Malas calles’ (‘Mean Streets’, 1973), que en bastantes sentidos es como un vibrante borrador, mucho más balbuciente, de la película que finalmente se estrenaría a finales de 1990: ‘Uno de los nuestros’ (‘Goodfellas’). En ella cristalizan todas las obsesiones, todos los logros narrativos y estilísticos, todas las ramificaciones temáticas que durante dos décadas Scorsese fue atesorando y haciendo crecer en su interior. Se cumplen este año veinte años del nacimiento de esta obra maestra, para muchos la cumbre del cine scorsesiano y quizá su filme más personal, y aún hoy persiste su inigualable fuerza narrativa, su vigencia y su vanguardismo estéticos, como cine futuro y por ello atemporal.

Volvemos, por tanto, al cine de gangsters que se suele asociar a la figura creativa de su director, aunque como hemos podido comprobar en este repaso a su carrera, desde ‘Malas calles’ se había mantenido alejado de esa temática. Y aunque quizá en ‘Toro salvaje’ (‘Raging Bull’, 1980) la mafia neoyorquina aparecía tangencialmente, es inevitable esta asociación con tan pocos títulos, pues muy pocos cineastas han indagado con tanta lucidez en ese universo de frágiles lealtades, escasos escrúpulos y salvaje cotidianidad. Scorsese ha hablado con gran talento de perdedores que quieren recuperar su dignidad, de artistas mezquinos de gran talento, de boxeadores autodestructivos, de taxistas solitarios y esquizoides, pero sobre todo se le recordará, dentro de muchos años, por sus crónicas de los bajos fondos de Nueva York, Boston o Las Vegas. Así son las cosas. Con todo, no me cabe ninguna duda de que hoy vamos a hablar de una de sus más grandes películas, cuya estela se siente todavía hoy con gran intensidad (una serie como ‘Los Soprano’ (‘The Sopranos’, 1999-2006) es impensable sin su existencia previa) y con la que Scorsese llevó a cabo su particular perversión del sueño americano.

Con frecuencia se ha dicho que ‘Uno de los nuestros’ es la película sobre la mafia más importante desde ‘El padrino’ (‘The Godfather’, Francis Ford Coppola, 1972). Puede que lo sea, pero el filme de Scorsese se erige como el reverso de aquella tragedia, ya que mientras la ficción de Coppola tiende a mitificar a los miembros de esa organización de origen italiano, el relato scorsesiano se aleja de todo idealismo o alcance trágico para narrar, desde una óptica que mezcla lo nostálgico con lo cínico, varias décadas de existencia de Henry Hill (quien realmente existió) y de sus compañeros de viaje. Y mientras Coppola contaba una historia de poder y culpa centrándose en los grandes jefes, Scorsese prefiere concentrarse en los mandos intermedios, en los hombres de (des)confianza, pues sin duda son mucho más interesantes para la idiosincrasia y el estilo scorsesiano, tan propensos a estudiar con pasión y verismo a unos personajes que, en su cotidianidad, han de enfrentarse a frecuentes, e impredecibles, estallidos de violencia.

Ascenso y caída de un Don Nadie

“Desde que tuve uso de razón siempre quise ser un gangster”

- Henry Hill (Ray Liotta)

La primera frase del protagonista de la historia, un sensacional Ray Liotta, comienza a estructurar esta perversión del tradicional cuento norteamericano del don nadie que un día se convierte en alguien poderoso (incluso en presidente del país). Como otros grandes personajes scorsesianos, una obsesión dirige la vida de Hill: ser parte de la comunidad mafiosa de su barrio. Su magnífica voz en off (a menudo de un cinismo casi provocativo), que al final de la historia tendrá una parcial justificación narrativa, es el complemento perfecto a una puesta en escena que evita cualquier ortodoxia fílmica o presentación clásica de los acontecimientos. Es decir, este ascenso y caída no obedece a las reglas del relato clásico de cine negro, en favor de un impresionismo y un verismo que lo sitúan a otro nivel estético. El nivel del recuerdo, de la nostalgia por una época pasada irremediablemente perdida, pero con la lucidez de constatar el momento y las razones en que todo se echó a perder.

Y con una mirada nítida y desprejuiciada, Scorsese habla sobre temas que conoce muy bien: crecer en un barrio de trabajadores en el que los gangsters hacen lo que les viene en gana sin que nadie pueda pedir cuentas, entre otras cosas porque lo mínimo que te puede ocurrir es que te abran la cabeza a golpes. Los últimos años cincuenta, los convulsos sesenta, los grises setenta. Asumiendo las enormes lagunas de una historia que abarca tantos años, el eminente cineasta italoamericano se zambulle con precisión en el aprendizaje inicial, en el esplendor medio y en la decadencia final sin la menor caída de ritmo interno, esforzándose al máximo en un detallismo aparentemente trivial, hasta el punto que ese detallismo deviene uno de los máximos baluartes de su dirección: recrear una vida de manera casi documental, deteniéndose en momentos puntuales que pueden romper el continuo de la secuencia, pero que cristalizan en eventos de gran valor expresivo. Por ejemplo, el famoso diálogo entre Henry Hill y Tommy DeVito (un alucinante Joe Pesci), en el que todo termina como una broma, sin la esperada irrupción de la violencia, porque no es necesaria para comprender que Tommy es un personaje peligroso e inestable.

Realmente, es un estudio sobre los frágiles lazos de una amistad, pues los tres caracteres protagonistas (Henry, Tommy y Jimmy) formarán una especie de sociedad siempre al borde del rompimiento, con la amenaza sempiterna de la traición, de la doblez moral, de la puñalada por la espalda. Tres caracteres perfectamente delimitados, por otra parte. Jimmy Conway, interpretado con su habitual fuste por el gran Robert De Niro, vendría a ser el más resabiado y astuto de todos. Pero ninguno de ellos forma parte realmente de la familia, por mucho que ganen grandes cantidades de dinero y se vean en la necesidad de jugarse el tipo y la libertad de forma constante. Por ello, es en realidad otra historia de perdedores, que de alguna forma saben de lo efímero de su existencia, que todo puede acabar de forma brusca con la cárcel o un tiro en la cabeza, y por ello disfrutan de la vida en el presente, y tratan de exprimir el momento al máximo. De ahí creo que nace el interés de Scorsese por retratar con la mayor inmediatez posible la vida de estos sujetos, renunciando a contar otra historia mafiosa como ya hicieran sus admirados Hawks o Walsh.

La puesta en escena de un gigante

Contando con la inestimable complicidad del operador de origen alemán Michael Ballhaus (quien ya trabajara a las órdenes de Scorsese en otras películas, y que volvería a repetir con él en el futuro) Scorsese alcanza la maestría en las complejísimas disciplinas de dirección de actores y puesta en escena, iniciando además una época de madurez absoluta, de coherencia estilística y de vanguardismo estético en la década de los noventa. Una madurez que pasa por llevar más lejos que nunca, a espaldas de una probable comercialidad, las propias necesidades artísticas. Una coherencia que, salvo tropiezos que pueden llegar a ser necesarios (como su siguiente película), provocará de forma irónica la desilusión de algunos de sus seguidores. Y vanguardismo que ha hecho avanzar, y no creo equivocarme, la narrativa cinematográfica varias décadas con cada una de las obras maestras que filmó en los noventa. En el caso concreto de ‘Uno de los nuestros’, se tiene la sensación de que Scorsese filma como si respirase, sin el menor esfuerzo, cuando en realidad sus soluciones dramáticas y expresivas se adivinan elaboradísimas.

Sólo así pueden definirse algunas creaciones visuales, inimaginables para otro director:

1. Comenzar el relato por el evento catalizador del desastre final, marcando perfectamenten el tono y el ambiente del relato, para regresar luego a él, hacia la mitad de la historia, añadiéndole la resignación y el cansancio anímico de Hill, que ahora lo enriquece con su voz en off.

2. Congelar el tiempo en situaciones puntuales, no solamente para alargar la sensación que provoca esa situación, también para incrementar la experiencia gracias, de nuevo, a la voz en off.

3. El admirable uso de la cámara para que, sin la necesidad de diálogos, comprendamos a la perfección cualquier idea o acción, así como conceptos que se instalan en la ironía más salvaje (la cámara que primero viste al chico de arriba a abajo, para luego vestir al adulto de abajo a arriba).

4. El ejemplar empleo de los espacios (sobre todo los interiores) a los que dota de una vida y una profundidad asombrosas, poblados a menudo por docenas de personajes, sobre los que se podría escribir una historia diferente, y que así otorgan de mayor relevancia a los tres (Henry, Tommy y Jimmy) sobre los que se escribe una historia más larga.

5. Las sensacionales ideas de montaje (una vez más, responsabilidad de la incombustible Thelma Schoonmaker), como un juego o capricho narrativo, que en la paranoica parte final se erige en un prodigio de inventiva visual. Cortes salvajes, o elegantísimos, en perfecta sintonía (nunca mejor dicho) con la cuidada selección musical, y con los vertiginosos o ligeros movimientos de cámara.

Conclusión y secuencia predilecta

En una palabra: libertad absoluta. Episodios dantescos o divertidos, pero siempre vibrantes, vivos. El número de secuencias antológicas de esta película es literalmente asombroso, filmados con una energía casi adolescente, lúdica y grave al mismo tiempo. Scorsese se había convertido ya en un maestro. Ese año compitió en los Oscar con la maravilla de ‘El padrino, parte III’ y con ‘Bailando con lobos’ (‘Dances with Wolves’, Kevin Costner, 1990), y hubo de conformarse con el de actor de reparto para el gran Pesci. Mientras, Costner se alzaba con el de mejor película y mejor director, además de otros cinco, en otro de los enormes disparates de los premios californianos anuales. Considerar el balbuciente, aunque vistoso, trabajo de Kevin Costner como superior al magisterio desplegado por Martin Scorsese en esta obra maestra, es una broma de mal gusto. Todo lo que en el epidérmico y “bonito” trabajo de Costner es blandenguería y emulación, más o menos conseguida, de los grandes códigos del western, en ‘Uno de los nuestros’ es la constatación, el florecimiento y esplendor de un talento inigualable. Pero así son las cosas. De ‘Bailando con lobos’, para dejar clara mi postura, hablaré dentro de poco. En cuanto a ‘Uno de los nuestros’, ha sido un placer volver a verla detenidamente para dejar ahora por escrito mi veneración hacia ella.

Y mi secuencia favorita es aquella en la que los tres amigos salen a tomar unas copas en su propio local, encontrándose con un miembro de la familia recién salido de la cárcel (interpretado por Frank Vincent), que sabe de su posición de intocable y que por ello se permite reirse de los de menor rango, sin saber que eso acarreará su muerte de una brutal paliza. Es maravilloso como Scorsese dirige a sus actores, potenciando su naturalidad e improvisación. Realmente parece que estamos sentados en ese bar, siendo testigos de acontecimientos reales, mientras suena de fondo ‘Atlantis’, de Donovan.

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“Mira, han clavado un rotulador en un nugget. Son malas personas…”

Phil Foster (Steve Carell)

Steve Carell y Tina Fey, dos de las mayores estrellas de la televisión estadounidense, son los grandes protagonistas de ‘Noche loca’ (‘Date Night’), que se estrenó en nuestro país el pasado 7 de mayo. Viendo las cifras de la taquilla española, parece que la película está pasando muy desapercibida, y es una lástima, porque se trata de una comedia sencilla, fresca y divertida, de las más efectivas que han salido últimamente de Hollywood. Los fans de las dos estrellas no se la deben perder (si no sabes quién es Fey, estás tardando en ver ’30 Rock’), y los que estén hartos de ver comedias protagonizadas por jóvenes de 20 y 30 años, no tienen excusa.

Escrita por Josh Klausner, ‘Noche loca’ gira en torno a Phil (Carell) y Claire Foster (Fey), un matrimonio aburrido como ellos mismos se califican. Su vida está prácticamente ocupada por el trabajo y el cuidado del hogar y los niños; su día a día es una rutina de la que sólo escapan una vez a la semana, cuando salen a cenar fuera (siempre al mismo restaurante). Cuando descubren que sus mejores amigos van a divorciarse, sencillamente por cambiar de aires, Phil y Claire temen que les ocurra lo mismo, y deciden hacer algo diferente en su noche libre e ir a cenar al restaurante más lujoso y popular de la ciudad. Será el inicio de la aventura más salvaje de sus vidas.

Cuarentones desmadrados

Un punto a favor de ‘Noche loca’ es que desde el principio se revela como un producto atípico dentro del cine actual “made in Hollywood”. Los protagonistas rondan los 40 y no tienen nada de especial; van al trabajo, cuidan de su hogar y se van a la cama tras soportar un rato a sus hijos. Tampoco son Brad Pitt y Angelina Jolie, precisamente. En definitiva, no son los habituales personajes de las películas estadounidenses, y esto no sólo se agradece sino que hace que desde el principio conectes con ellos, siendo tan normales y corrientes. De hecho, será raro que no te veas identificado con algunas de las situaciones que se ven al principio, si llevas un tiempo compartiendo tu vida con alguien.

Una vez que ya conocemos a los personajes, los entendemos y sabemos perfectamente qué les preocupa, empieza la acción. Decididos a cenar en el mejor lugar de Nueva York, los Foster ocupan una mesa reservada a nombre de los Tripplehorn, viendo que éstos no aparecen. En plena comilona aparecen dos tipos (Common y Jimmi Simpson) y pensando Phil y Claire que son empleados del restaurante, continúan con la farsa y aseguran de nuevo ser los Tripplehorn. El enredo se volverá peligroso cuando el matrimonio descubra que han suplantado a dos personas que se la están jugando a la mafia. Los dos matones exigen la entrega de pendrive con información muy valiosa para su jefe, y los Foster deben pensar algo rápido para poder escapar con vida…

Estupendo reparto, flojito guión

Sin duda, lo mejor del film es ver a este matrimonio corriente viviendo unas situaciones más indicadas para los típicos héroes de acción del cine, resultando muy divertidas las actuaciones de Farell y Fey, que se encuentran en su salsa. No son especialmente listos, no están al día (Claire no sabe ni qué es un pendrive), no pueden correr demasiado y, básicamente, no tienen ni idea de cómo salir del lío en el que se han metido. En este sentido, hay algunos diálogos verdaderamente tronchantes, fruto del contraste, como toda la secuencia en el local de striptease. Para colmo, los Foster descubren que tampoco pueden acudir a la policía, y sus opciones se limitan aún más. Por suerte para ellos, el guionista es un poco vago (o no muy ingenioso) y se saca de la manga una especie de super-agente cachas (un descamisado Mark Wahlberg) que los ayudará siempre en el peor momento.

Además de los ya mencionados, cabe destacar la breve pero jugosa participación de gente tan conocida como Mark Ruffalo, Kristen Wiig, James Franco, Mila Kunis, William Fichtner, Ray Liotta o Taraji P. Henson (nominada al Oscar hace poco por ‘El curioso caso de Benjamin Button’), interpretando papeles secundarios. Mientras que el reparto es una de las razones para no perderse la película, por el contrario nos encontramos con un guión que se desinfla a partir de la primera hora, que va de más a menos culminando en un último acto bastante flojo, previsible y sin chispa; no sería de extrañar que las mejores líneas las hayan improvisado los propios actores. Tampoco ayuda mucho que Shawn Levy, director de, entre otras, las dos entregas de ‘Noche en el museo’, se muestre bastante torpe con las escenas de acción y que resuelva gran parte de la película con una rutinaria sucesión de planos y contraplanos.

Con todo, el resultado global es bastante recomendable, resultando de mayor peso los aciertos que los errores, si bien aconsejo ir al cine con las expectativas justas. Ya sabéis eso de las peras y los olmos. Para ver una gran comedia la mejor opción será siempre quedarse en casa y poner alguna firmada por Chaplin, Keaton, Lubitsch, Wilder o Capra, pero si quieres salir e ir al cine a pasar un rato agradable, dentro de lo que hay, ‘Noche loca’ no está nada mal.

Si lo construyes, él vendrá

A finales de los años 80 y principios de los 90 se pusieron de moda una serie de dramas con elementos fantasiosos en sus tramas. De entre toda la retahíla de títulos destacan cuatro películas que por diferentes motivos se apartaban del grueso de las producciones de aquella época. ‘Hecho en el cielo’ (‘Made in Heaven’, Alan Rudolph, 1987), ‘Always’ (id, Steven Spielberg, 1989), ‘Ghost’ (id, Jerry Zucker, 1990) o la presente ‘Campo de sueños’ (‘Field of Dreams’, Phil Alden Robinson, 1989) apostaron, independientemente de su calidad, por un tipo de cine que ya no se hacía. Las referencias más directas de estos títulos podemos encontrarlas en directores como Frank Borzage, Henry Koster, John M. Stahl, Victor Fleming o Frank Capra, firmantes de algunos de los títulos clave de un género que en aquellos años se caracterizaba entre otras cosas por poseer una fuerte carga espiritual.

Es curioso que de los cuatro títulos mencionados el que obtuvo mayor éxito popular, ‘Ghost’, es de lejos el peor. Esta estúpida y tramposa historia de amor —que plagiaba de arriba a abajo el ‘Always’ de Spielberg, que a su vez ya era un remake— se alzó con dos de los Oscars más injustos de toda la historia de los mencionados premios. ‘Campo de sueños’ había estado el año anterior en la recta final de la Academia, no logró ningún galardón, pero obtuvo un gran éxito en las salas estadounidenses, éxito que no se repitió fuera de sus fronteras, muy probablemente a que uno de los temas centrales de la trama es un deporte, el béisbol, que a este lado del Atlántico no se entiende, y ya sabemos la gran capacidad del ser humano para rechazar aquello que no comprende. Si una película habla de béisbol, da igual que sea buena o mala, por estos lares será simplemente ignorada.

Pero ‘Campo de sueños’ no es una película en la línea de otras como puedan serlo ‘El orgullo de los Yanquees’ (‘The Pride of Yanquees’, Sam Wood, 1942) —sin duda la mejor de todas—, (‘El mejor’ (‘The Natural’, Barry Levinson, 1984), ‘Major League’ (id, David S. Ward, 1989) —uno de esos casos de film exitoso sólo en yanquilandia—, ‘The Rookie’ (id, John Lee Hancock, 2002), o las otras dos películas, además de la presente, que Kevin Costner ha interpretado con el béisbol como tema, ‘Los Búfalos de Durham’ (Bull Durham, Ron Shelton, 1988) y ‘Entre el amor y el juego’ (‘For the Love of the Game’, Sam Raimi, 1999). Todas ellas hablan o de la trayectoria de un equipo o de un jugador de béisbol, haciendo repaso de toda una vida o centrándose en una época determinada.

‘Campo de sueños’ juega en otra liga. Tomando como base la novela de W.P. Kinsella, el propio director de la película, Phil Alden Robinson, construye un guión bañado de inocencia —elemento muy característico del cine clásico al que se pretende homenajear— que versa sobre la búsqueda de identidad personal a través del béisbol, incuestionable señal de identidad de un país que creció a marchas forzadas y que en algún momento de ese crecimiento para muchos se perdió irremediablemente. Ray Kinsella (Kevin Costner) es un hombre de familia que vive en una granja de Iowa; un día oye una misteriosa voz que le sugiere algo que a simple vista parece una locura: construir un campo de béisbol. A partir de ese momento realidad y ficción se mezclarán en un viaje tanto físico como emocional de un hombre marcado por su pasado familiar.

‘Campo de sueños’ es una película que atrapa desde su primer fotograma, a pesar de lo increíble de su argumento que prácticamente pide un gran esfuerzo de fe por parte del espectador. Su halo fantástico está muy logrado gracias a la labor de Alden Robinson, que se sirve de una excelente fotografía de John Lindley y un operador de cámara que vale su peso en oro, James Muro. El especialista en steadicam que trabajó para gente como James Cameron, Kathryn Bigelow, Oliver Stone, Martin Scorsese o Michael Mann, efectúa elegantes movimientos de cámara que ponen de relieve la sobriedad de la puesta en escena de Robinson, director hoy totalmente olvidado por culpa de la escasa relevancia de sus dos posteriores trabajos, la correcta ‘Los fisgones’ (‘Sneakers’, 1992) y la flojísima ‘Pánico nuclear’ (‘The Sum of All Fears’, 2002).

Pero de la misma forma que el director suele ser el alma de la película —al que evidentemente ayuda un equipo de técnicos que deben seguir sus órdenes haciendo realidad sus inquietudes—, hay veces en las que uno de los elementos utilizados por el mismo brillan con luz propia, tal es el caso de la impresionante banda sonora obra de James Horner. Del mismo modo que en esa sobrevalorada —aunque muy entretenida— serie de televisión titulada ‘Lost’, más del 50% de su calidad es porque Michael Giacchino narra musicalmente mucho mejor que los guionistas, en ‘Campo de sueños’ ocurre algo parecido. Horner parece el verdadero artífice de todo lo que pasa en el film, con una sensible y sentida música que corresponde a la que sin duda es su mejor etapa como compositor.

Es ‘Campo de sueños’ un continuo canto de nostalgia a temas pasados, importantes, pero casi olvidados. El film hace hincapié en el béisbol como bálsamo a la triste realidad, y de paso homenajea a escritores importantes para el país como J.D. Salinger a través del personaje encarnado por un excelente James Earl Jones, un famoso escritor, ya retirado, que removió conciencias. Por otro lado la presencia de Burt Lancaster en el reparto hace pensar en el amor de Alden Robinson por el cine clásico al que Lancaster pertenece por derecho propio; un cine lleno de una magia irrepetible que muy pocos han sido capaces de hacer revivir por mucha 3-D que se utilice.

Al lado de esos dos monstruos de la interpretación Kevin Costner, en su etapa más sosa, no tiene nada más que hacer sino aprender. Su trabajo es lo peor de la película, sin embargo hay algo en su personaje que hace que me caiga simpático. Tal vez sea la insistencia de perseguir los sueños imposibles hasta el final, y en eso su rol nos devuelve a otro tiempo —tal y como sucede en determinado momento de la historia— en el que Gary Cooper o James Stewart, a las órdenes de Frank Capra, daban vida al americano medio enfrentado en soledad a sus problemas. Una pena que Costner, que años más tarde demostraría que puede hacer excelentes interpretaciones —‘J.F.K’ (id, Oliver Stone, 1991), ‘Un mundo perfecto’ (‘A Perfect World’, Clint Eastwood, 1993)— esté aquí totalmente inexpresivo, algo a lo que nos tenía acostumbrados en los 80. Amy Madigan realiza un pobre papel de esposa que apoya a su marido en absolutamente todo, y Ray Liotta hace uno de sus primeros papeles memorables un año antes de deslumbrarnos a la órdenes de Martin Scorsese.

‘Campo de sueños’ es una de esas películas a las que el calificativo de “bonita” le quedan como anillo al dedo. Podrá ser todo lo ñoña que queráis —sobre todo si no se entra en su historia—, pero a mí siempre me ha conmovido. Hay algo cautivador en sus imágenes que siempre me ha fascinado, tal vez sea la capacidad de hacerme retornar a cuando era niño y escuchaba cuentos llenos de magia con historias imposibles. Porque eso es al fin y al cabo esta película, un cuento, de esos que todos necesitamos oír de vez en cuando.

Ya ha salido el primer póster de ‘Crossing Over’, una película de la que ya hemos hablado aquí con anterioridad (podéis echar un vistazo al trailer, que tiene muy buena pinta). Ha sido dirigida por Wayne Kramer y se centra en la problemática de los miles de inmigrantes ilegales que entran en Estados Unidos cada día. De este modo tendremos un drama a lo ‘Crash’, con varios personajes protagonizando varias historias que se cruzarán en algún momento.

Como veis, la película está protagonizada por Harrison Ford, Ashley Judd, Ray Liotta y Jim Sturgess, a los que acompañan otros como Cliff Curtis y Alice Braga. Imagino que lo primero que os habrá llamado la atención (al menos en mi caso así ha sido) es lo excesivamente joven que luce Ford en el póster. Ya sabemos que se retocan las imágenes para que los actores estelares resulten más atractivos y jóvenes, pero a veces, como en este caso, se pasan de la raya.

En cualquier caso, parece que Ford es de los que no llevan nada bien su edad, no dejamos de verle en papeles que no van acordes a su edad real. En fin, es un tipo muy carismático y cuando ha “querido” nos ha dejado interpretaciones estupendas, así que esperemos que haya acertado participando en este film. El estreno está fijado para finales de febrero.

Pd: Harrison Ford nació el 13 de julio de 1942.

Vía | Impawards

¿Qué decir de una película que me ha parecido una completa pérdida de tiempo? ¿Qué sacar en limpio de un film penosamente narrado, incomprensible en muchos de sus puntos y que demuestra una total falta de ideas por parte de su director? Cuando uno ha visto un número considerable de películas (más de las que mi retorcida mente recuerda) ya está acostumbrado a tragarse bodrios infumables, pensando que peor no se puede hacer. Recientemente, creía que la cota más baja jamás alcanzada por una película era ‘The Spirit’, ese atentado a la inmortal obra de Will Eisner.

Pero ahora, y aprovechando el supuesto tirón comercial de ‘RocknRolla’ y ‘Transporter 3’, nos llega ‘Revólver’, el antepenúltimo trabajo de Guy Ritchie tras las cámaras, en una época en la que no gozaba precisamente de buena prensa. Muchos achacan esa falta de ideas y buen hacer a haber estado por aquel entonces con Madonna, una de las artistas más inteligentes que han existido dentro del mundo de la música, pero que no debería asomar sus narices al séptimo arte, ni de lejos.

Me parece muy cogido por los pelos el echarle la culpa a otra persona por la posible influencia que ha podido tener sobre otra cuando estaban juntos. Lo que sí es cierto es que Ritchie estaba muy en baja forma en esos años, y ‘Revólver’ es una clara muestra de ello. Personalmente no me parece un gran director, ni siquiera bueno. Me divierto lo justo con películas como ‘Lock & Stock’ o ‘Snatch’, y en el caso de esta última es por poseer un personaje tan bien dibujado y caracterizado como el que interpreta Brad Pitt, en una de las apuestas más arriesgadas de su carrera. De ‘RocknRolla’ ya sabéis lo que pienso, y ‘Barridos por la marea’ no entra de momento en mis intenciones para el resto de mi vida.

Me acerqué a ‘Revólver’ con la esperanza de al menos pasar un rato entretenido, sin más. Ver a un Ritchie totalmente desbocado, y entre comillas, entretenido. Además, el reparto, como todos los repartos en el cine de Ritchie cumple mínimamente unas expectativas: Jason Statham, que cuando quiere es muy carismático, Ray Liotta y Mark Strong. Al final me encuentro con una historia excesiva, unos actores inadecuados, y unos resultados realmente pésimos. Contar de qué va ‘Revólver’ es una tarea harto difícil, e incluso dañina para la salud. Un recién salido de la cárcel, que se supone tiene todo el dinero del mundo, conseguido gracias a poseer la fórmula perfecta para ganar en todos los casinos del mundo, se topará de narices con dos misteriosos individuos que le han salvado la vida y para los que termina trabajando a cambio de unas curiosas y nada agradables condiciones.

Cójase algo de cine de gangsters, algo de cine de juegos (sí, ya sé que ese género no existe, pero ya sabéis lo que quiero decir), algo de comedia loca, algo de drama, algo de acción, algo de suspense, mézclese en un cocktail en el que ya había restos de otras cosas, y el resultado será más o menos, ‘Revólver’. El problema es que la mezcla está tan mal realizada, la película es totalmente inclasificable, y le ha pasado lo que le suele pasar a todas las películas inclasificables: ha sido un estruendoso fracaso. Los distribuidores no han sabido cómo vender una película de estas características, ni aún viniendo firmada por Ritchie, quien goza del favor popular, y han tenido que esperar a que se estrenara ‘RocknRolla’ para estrenarla en nuestro país, en vez de hacerlo cuando había que hacerlo, en el 2005 (apuntemos que en los USA se estrenó de forma limitada a finales del 2007, casi nada).

La puesta en escena de Ritchie es totalmente confusa y mareante, sobre todo por intentar montar una historia que no tiene ni pies ni cabeza, y que revive en nuestra memoria el recuerdo de dos films de los 90 muy famosos, los cuales, si se citan, se destriparán por completo las intenciones del director, si es que éstas han existido alguna vez. Aún así, y por lo lamentable que me ha parecido ‘Revólver’, voy a dar dos pistas bien claras: Bryan Singer y David Fincher. El primero aún no tiene la suficiente personalidad como para considerarle un buen autor, y el segundo le lleva de ventaja unos cuantos años luz al primero, aún teniendo más o menos el mismo número de films en su filmografía. En cualquier caso, Ritchie se queda muy, pero que muy por debajo de ambos, y querer inspirarse en ellos, o en parte de sus obras, le ha quedado muy grande. El director de ‘Snatch’ se pierde en trascendentalismos de guardería, y en un aire pseudo-místico, con el que intenta diferenciar su film de otros. Aplicar estos elementos a su cine, en el contexto de una historia de gangsters, salpicando de suntuoso misterio cada uno de sus planos, termina por resultar muy cargante, sobre todo a partir de sus segunda mitad, cuando los hechos se aceleran y amontonan.

Jason Statham nunca ha estado peor, y eso que su participación en películas malas es considerable; Ray Liotta probablemente echa de menos sus tiempos de ‘Uno de los nuestros’, y aunque aquí protagoniza el momento más interesante del film (el tiroteo en un restaurante), está más pasado de rosca que nunca; y Mark Strong da vida a un interesante personaje (con resquicios de alguna película de Jean-Pierre Melville que me niego a citar, y también algo de Luc Besson, en vano, uno de los escritores del film). En un breve pero importante papel podemos ver a Vincent Pastore (personaje vital en la serie televisiva ‘Los Soprano’, de la cual servidor se acaba de zampar la segunda temporada, y de momento me da más satisfacciones que el cine actual, y es que la HBO es lo más).

No me atrevería a decir si quiera que ‘Revólver’ es un film que satisfará a los fans más fanáticos de Guy Ritchie, aunque supongo que alguno habrá. Para mí es una de las cintas más pedantemente insufribles (curioso utilizar estos términos en el cine de este director, jamás lo hubiera pensado) que he tenido la desgracia de ver. Aburrida, incoherente, excesiva, molesta, agobiante, absurda, disparatada, confusa, embrollada, sobrada, y muchas cosas más. Por cierto, que levante la mano aquél que la ha entendido. Servidor, como tiene la mente más simple que un botijo, no lo ha hecho. Pero eso no es excusa para que sea buena o mala, que no es ninguna de las dos cosas. Utilizar cualquiera de los dos adjetivos sería ser muy generoso, y eso tampoco lo soy.