Me ha sorprendido, incluso agradado, que en esta magna sección se haya votado una cinta de cine clásico, aunque realmente habría que encuadrarla en la etapa en la que el cine empezaba a cambiar considerablemente debido entre otras cosas a la poderosa competencia de la televisión. De hecho si pensamos en muchas sitcoms posteriores —una de ellas, relativamente reciente, cuyos personajes eran seis amigos, tontos de remate, que compartían piso y experiencias, sobrevalorada donde las haya— la influencia de una película como ‘Descalzos por el parque’ (‘Barefoot in the Park’, Gene Saks, 1967) es innegable. Se trata de una de las películas más emitidas por la pequeña pantalla a lo largo de los años, y supuso el primer guión cinematográfico del prestigioso Neil Simon, quien a partir de entonces convertiría en oro casi todo lo que tocase.

Basada en la obra teatral de idéntico título, esta ya había sido protagonizada por Robert Redford en Broadway, quien tuvo una oportunidad de oro en su traslado al cine. El actor venía de coprotagonizar un par de películas con Natalie Wood, a quien se le ofreció en principio el papel femenino, y sobre todo por participar en el gran éxito ‘La jauría humana’ (‘The Chase’, Arthur Penn, 1966), estupendo film en el que también se notan los orígenes televisivos de su realizador. Redford se consolidaba con este film como uno de los actores del momento, cuya trayectoria posterior conocemos todos —ejem—, uno de esos actores que demostraron con el paso del tiempo que la naturalidad podía ser la mejor herramienta para un actor que en pantalla transmite la extraña sensación de que el noble oficio de la interpretación es algo muy fácil. Sin embargo, ‘Descalzos por el parque’ destaca sobre todo por la labor de sus secundarios.

La historia del film nos narra los inicios del matrimonio entre Paul, un joven abogado algo conservador y Corie, una mujer guapa y loca como la vida misma. Tras pasar una muy íntima luna de miel en un hotel, en la que ya quedan claras las diferencias de caracteres entre ambos, se disponen a compartir piso en pleno New York. Allí, en muy pocos días tendrán tiempo para darse de narices con lo que supone estar casado, algo que no sólo deducirán de sus propias experiencias en la convivencia diaria, sino de la relación con uno de sus estrafalarios vecinos, y con la madre de Corie, Ethel. Digamos que ‘Descalzos por el parque’ ofrece tres cosas, la relación entre el matrimonio protagonista, su interacción con vecino y madre/suegra, y la relación de los dos últimos, momentos en los que el film sube muchos enteros. El resto, dejando a un lado el excelente trabajo de Simon, no está a la altura de lo que yo recordaba de este film, cuya revisión le ha hecho bajar unos pocos puntos. Así son los ejercicios de revisión, a veces agradan, otras decepcionan, otras no varían, pero siempre necesarios.

La película posee un ritmo endiablado gracias sobre todo a la velocidad de los espléndidos diálogos, obra y gracia de Neil Simon, sin duda el verdadero artífice. No hay más que comparar los diálogos de esta película con los actuales, y veremos hacia dónde ha caminado el siempre difícil mundo de la comedia, al menos en lo que a guiones se refiere. Aún así hay partes de la trama que se han quedado algo viejas, por mucho que el tema sea el atemporal sentimiento amoroso. Encuentro más de una situación forzada entre el joven matrimonio, sobre todo en su parte final, cuando a ella le entra la neurosis de querer divorciarse. Los motivos son una estupidez sin fundamento, y aunque las intenciones de Simon sean precisamente reflejar las tonterías por las que a veces discuten las parejas, sobre todo cuando se enfrentan al matrimonio, en el film parece metido a calzador. La comedia ahí no funciona del todo.

Robert Redford y Jane Fonda, que por aquel entonces era un sex-symbol y muy merecidamente, se compenetran bastante bien, aunque debo reconocer que ella logra sacarme de quicio alguna que otra vez, y es que no puedo con ese tipo de personajes; mujeres supuestamente libres, locas y originales, que en el fondo esconden un conservadurismo de lo más atroz, fingiendo en todo momento su forma de ser, por no hablar de las contradicciones en las que suelen caer. Por la contra los trabajos de Charles Boyer y Mildred Natwick —justamente nominada al Oscar— están simple y llanamente sensacionales, dos actores en estado de gracia que roban todos y cada uno de los planos en los que aparecen, él como el vecino del ático, estrafalario, encantador y seductor empedernido, ella como madre de Corie, preocupada por su hija y sin amor en su vida. ¿Necesito decir que ambos personajes están hechos el uno para el otro y encajan a la perfección funcionando con la precisión de un reloj suizo?

Es ahí donde ‘Descalzos por el parque’ me cautiva, en el dibujo, a través de la comedia loca y desenfadada, de esos dos personajes en su otoñal vida, como metáfora al famoso dicho de que el amor no tiene edad —sé de alguna que de sólo oír esta frase empieza a temblar de miedo—; y es una verdadera pena que en su segunda mitad dichos personajes desaparezcan de la función para pasar a ser meros espectadores de una reconciliación tan previsible como falsa. Y es que la verdad en esta comedia se palpa en los roles de Boyer y Natwick, que a través de la experiencia convierten en nuevo algo tan viejo como el propio ser humano. Gene Saks, que aquí pecaría de una puesta en escena algo anquilosada, volvería otra vez de la mano de Neil Simon, a tratar las relaciones en su siguiente film, la desternillante ‘La extraña pareja’ (‘The Odd Couple’, 1968), aunque esta vez se trataría de una muy especial, pero eso es otra historia.

En la selección de hombres clásicos aventureros que hice para la gente de L´Oréal incluí al actor Robert Redford por su naturalidad frente a una cámara, principal característica de sus interpretaciones. Curiosamente su carrera como director ha ido más o menos en la misma dirección, y hemos comprobado que lo que es válido para la actuación tal vez no lo sea para la dirección. Con esto no estoy intentado decir que Redfrod sea un mal director, ni muchísimo menos; sus películas poseen un aspecto formal bastante logrado, y su pulso narrativo parece beber de las fuentes que bebían realizadores como Sydney Pollack, algo lógico y muy coherente dada la relación de Redford con dicho director, que dicho sea de paso, no arriesgaba demasiado en sus películas. Lo mismo que Redford, que con el paso de los años, se revela como un realizador perfectamente conocedor del medio, pero sin apenas fuerza, alma o el término que más se ajuste a la sensibilidad de cada uno.

En el caso de su penúltimo trabajo tras las cámaras —recordemos que ya se encuentra filmando una nueva película, ‘The Company You Keep’, con un reparto espectacular—, ‘La conspiración’ (‘The Conspirator’, 2011) termina resultando un film que no es mejor ni peor que las demás películas del director, con la excepción de su ópera prima, ‘Gente corriente’ (‘Ordinary people’, 1980), todavía su mejor trabajo. En él establece una relación entre un drástico hecho del pasado de la historia de los Estados Unidos —el asesinato de Lincoln— y hechos más recientes de igual importancia, concentrándose en el posterior juicio a los principales sospechosos, hecho no demasiado aireado. Redford, lejos de resultar polémico, es sutil, quizá demasiado. Y es que muchas veces, el no mojarse a fondo tiene sus consecuencias.

‘La conspiración’ sigue el típico esquema de esta clase de películas, todo con un buen pulso narrativo, sin estridencias, sin sorpresas, sin alardeos, sin remarcar absolutamente nada. Para introducirnos al personaje central tenemos un prólogo ambientado en la guerra de secesión, en el que queda muy claro el carácter de Frederick Aiken (James McAvoy), un hombre del Norte orgulloso de su nación y que es capaz de sacrificarse por el bien del prójimo. Algo que tendrá su sentido, cuando tras el asesinato del presidente Linlcoln, Aiken se vea obligado por su mentor —papel a cargo de un magnífico, como siempre, Tom Wilkinson— a defender a Mary Surratt (Robin Wright), la dueña de la pensión en la que el asesino, John Wilkes Booth, y sus compinches conspiraron para asesinar al presidente. El deber, el sentido de justicia, la moralidad, la conveniencia, el hambre de venganza y demás cuestiones se pondrán en tela de juicio, nunca mejor dicho.

La mayor parte de la película es precisamente ese juicio, en el que Aiken irá descubriendo que no hay suficientes pruebas para aplicar la pena máxima, la muerte, a la acusada, y que todo el proceso no es más que un teatro montado para el único fin de sentenciar a los sospechosos, sean culpables o no. La necesidad de venganza de un pueblo que estaba recomponiéndose, y semejante acto no puede quedar impune aunque para ello hay que crear una farsa. Redford plasma sin demasiada pasión, y sí con mucha corrección, la diferencia entre ley y justicia, y la cantidad de demagogia que puede llegar a hacerse con tal de implantar la ley, una ley que no pertenece como debiera al hombre, sino a unos pocos que la aplican dependiendo de los intereses, sin importar demasiado si está bien aplicada o no. ¿A alguien le suena esto?

No es difícil encontrar esa comparación con la actual situación política de los Estados Unidos, y Redford hace bien en no cargar las tintas, pero creo que el mensaje no llegará a muchos por falta de fuerza, sin mencionar que el hacerlo a través de un episodio pasado en la historia de país es una decisión que tiene más de segura que arriesgada. Por otro lado a pesar de la excelente ambientación —atención al trabajo de fotografía de Newton Thomas Sigel—, una muy académica banda sonora, obra del habitual Mark Isham, y un trabajo actoral más que decente, ‘La conspiración’ no pasa de ser un film ejemplar a nivel técnico. Un tema tan peliagudo como la injusticia o las trampas que se aplican a la hora de ejecutar la ley, requería de una mayor entrega por parte de su director, que parece conformarse con no ser malo.

James McAvoy realiza una de sus mejores interpretaciones, ese abogado que en un principio es reacio a defender a Mary Surratt porque se encontrará solo ante el peligro, pero que poco a poco irá comprendiendo que hay cosas más importantes que la sagrada ley, que parece querer enterrar la verdad, aquella que los hombre íntegros buscan siempre a pesar de los muros levantados contra la misma. Robin Wright demuestra lo que ha madurado como actriz y que de los tiempos de ‘Santa Barbara’ nadie se acuerda —bueno, yo sí, pero ese es otro tema—, mientras que secundarios como Kevin Kline, Tom Wilkinson y Danny Huston ponen toda la carne en el asador. De Justin Long prefiero no hablar, afortunadamente sale poco y su cara de desubicación es antológica. En cualquier caso ‘La conspiración’ ofrece todo un recital de buenas interpretaciones, algo que ya les gustaría a muchas otras películas. Una pena que sin ser mala, subrayo, no se quede en la memoria.

Se ha reabierto la investigación sobre la muerte de Natalie Wood en un supuesto accidente náutico en 1981, por lo que resulta pertinente hablar de ‘Propiedad condenada’ (‘This Property Is Condemned’, 1966), en la que la actriz compartía cartel con Robert Redford, Charles Bronson, Mary Badham, Dabney Coleman y Kate Reid. Se trata de un film de Sydney Pollack, inspirado en la obra teatral homónima de Tennessee Williams, de quien ya se habían llevado al cine, entre muchas otras, ‘El zoo de cristal’, ‘Un tranvía llamado Deseo’, ‘De repente, el último verano’, ‘La gata sobre el tejado de zinc’, ‘Dulce pájaro de juventud’ o ‘La noche de la iguana’.

El film comienza con el personaje de Mary Badham, quien encarna a Willie, la hermana pequeña de Alva, la protagonista, a quien da vida Wood. A modo de flashback se conoce la historia de cómo estas dos jóvenes habitan un pequeño pueblo sureño alimentado por los trabajos del ferrocarril. La madre de ambas, que regenta una pensión de dudosa reputación y que fue abandonada años atrás por el padre de las chicas, no tiene reparo en utilizar a sus hijas para animar el negocio o conseguir favores de los hombres importantes del lugar. Alva parece resignada a este tipo de vida, hasta que llega un forastero, guapo y cultivado, que le hace ver que existen alternativas.

La obra teatral, escrita por Williams en 1946, que únicamente constaba de un acto, no mostraba a Alva, sino que transcurría por entero entre el personaje de Willie, la hermana pequeña, y su interlocutor. El flashback fue introducido por Francis Ford Coppola y el resto de los guionistas, Edith R. Sommer y Fred Coe, en su adaptación libre.

La riqueza del texto

Aun estando solo inspirada en el texto teatral, la película no escapa esta herencia, ya que transcurre en un escenario casi único, cuenta con secuencias muy extensas y da gran preponderancia a la palabra. Los diálogos son muy intensos, están escritos con enorme sabiduría y cuelan entre las aparentes confesiones cotidianas, grandes verdades dichas con inocencia. Son ese tipo de diálogo que da gusto escuchar, pero sin que su estilo literario les haga parecer irreales o ajenos al personaje que los pronuncia.

La película está construida sobre varias metáforas que convierten el drama, ya por sí solo apasionado y conmovedor, en una narración de más profundo calad. Los personajes ya funcionan con esta doble lectura, sobre todo el de él, que personifica el cambio y las opciones de emancipación. La casa inhabitable, es decir, la “propiedad condenada” o mercancía dañada del título, representa a la protagonista, que ha quedado mancillada y no podrá cambiar de dueño. Los trenes funcionan como metáfora de la libertad, como oposición a ese encierro en el que viven las jóvenes –en los diálogos siempre se habla o se miente sobre viajar, sobre escapar de allí–. La luciérnaga también funciona como símbolo de ese rayo de esperanza que Willie aún mantiene y que el personaje de él le aviva.

Actores y personajes

Los actores están inmensos, en especial Wood, que cuenta con un papel harto difícil. De algún modo, me recuerda a la Holly Golightly de ‘Desayuno con diamantes’ (1961) porque es una soñadora que se mantiene risueña y positiva, a pesar de las condiciones deplorables en las que vive y ve crecer a su hermana.

Robert Redford incorpora a un hombre con una actitud contraria, ya que es sumamente realista. Su personaje, Owen Legate, como ya he indicado, representa al mundo urbano y moderno y no tiene nada que ver con los habitantes del pueblucho. Sin embargo, él no es la encarnación de todo lo bueno, ya que llega allí con una misión destructora de la que él solo es el emisario. Por culpa de la crisis, debe comunicar a la mayoría de los trabajadores del ferrocarril, es decir, la mayoría de los habitantes de esa aldea, que están despedidos. Este papel empresarial lo hemos vuelto a ver en películas como ‘Up in the Air’ o ‘Margin Call’, que también hablan de una crisis. Este hombre, que no es lo bastante frío como para ejercer su profesión sin escrúpulos y sin dejarse afectar por sus consecuencias, se contagia de la capacidad de soñar de la protagonista.

El mejor retrato de personaje puede ser el de la madre, interpretada por Kate Reid, una mujer amargada y abandonada, que paga sus envidias y frustraciones con sus hijas. Ejerce sobre ellas, más en concreto sobre la mayor, un fuerte chantaje emocional, que casi la obliga a prostituirse, sin ser consciente de lo que hace a su hija, pero sin mostrar tampoco ningún atisbo de conmiseración. En su descargo queda que habría sabido o podido darles otra vida, aunque hubiese querido.

El final (spoilers)

En el último tercio, ‘Propiedad condenada’ sufre un brusco cambio, se abandona esa localización que parecía que iba a ser la única y la acción se traslada a Nueva Orleáns, ciudad que representaba para Alva la materialización de todos sus sueños. Dado el estatismo que venía habiendo hasta ahí, este cambio de lugar se percibe con extrañeza y hace pensar en que la película va a acabar. Sin embargo, todavía tiene mucho que contar.

Lo que llega más tarde, redondeado con la vuelta a las vías del tren de la obra teatral, en las que Willie le cuenta a su nuevo amigo la vida de su hermana, se me antoja tremendo. De nuevo se encuentra otra metáfora, pues los personajes de Redford y Wood, en una escena previa, salían del cine comentando ella que ojalá hubiese acabado bien: ojalá a la joven la quisiera su familia y no hubiese caído enferma. La niña, Willie, sobre las vías del tren, con el vestido que tantas veces le vimos a su hermana, te hace estremecer, por pensar que todo es cíclico y que nada se ha resuelto. Esa canción de los labios de ella, que demuestra que aún tiene esperanzas, pone la piel de gallina.

Leyendo ahora cómo se supone que transcurrió la muerte real de Wood, se encuentran más similitudes entre los dos trágicos finales de las que cabría desear. La actriz discutía con su marido, el también actor Robert Wagner, porque él estaba celoso de la relación entre ella y Christopher Walken, también presente, con el que Wood acababa de rodar ‘Proyecto Brainstorm’ (‘Brainstorm’, 1983). Se encontraban en un yate y ella apareció ahogada. Aunque se cuenta que salió voluntariamente al agua porque quería dar una vuelta en una lancha, muchas voces, como el capitán del barco y la hermana de Wood niegan esa posibilidad, pero sí admiten que ella estaba muy borracha en el fatídico momento de los hechos (fin de los spoilers).

Conclusión

‘Propiedad condenada’ es una película bella, profunda e inteligente, pero devastadora, más aún si se extrapolan sus sucesos a la realidad, que no siempre es menos cruel que la ficción. En sus excelentes diálogos y su gran retrato de personajes se aprecia el origen en la pluma de Tennessee Williams, una de las fuentes en las que más ha bebido el cine para crear dramas de gran intensidad.

Mi puntuación:

La película es bastante simple, de hecho su argumento es de una delgadez conceptual encomiable: un hombre, cansado de la guerra, se refugia en las montañas para descubrir que una epopeya de supervivencia todavía peor le espera, incluyendo problemas con otros hombres y sobre todo con una naturaleza con la que cabe llevarse bien sin esperar antes un proceso de adaptación cuanto menos arduo. Ese hombre es un veterano de aquella guerra mejicana que ocurrió entre 1846 y 1848 y que enfrentó a América con su país vecino por aquella independencia tejana que tanto indigestó a los mexicanos. Las montañas, claro, son un contraste a ese pasado que el protagonista huye, pero también son un gran ejemplo de romanticismo.

Pero no hablo del romanticismo europeo, ni inglés ni francés, sino de un romanticismo americano, que viene a ser el enfrentarse a la naturaleza, es deicr, el ser violento contra los peligros de un mundo por colonizar. Me sorprende que la película no la dirigiera John Huston, pero el trabajo de Pollack es correcto y respetuoso con el pathos de su historia, acentuando en los paisajes y en esa fotografía impresionante, obra de Duck Callaghan, luego operador de ‘Conan el Bárbaro’ (Conan the Barbarian, 1981) dirigida por John Milius que, no es casualidad, es el guionista de esta película junto a Edward Anhalt. Aunque aquí el diálogo está de más, es una película de acción, en el sentido más literal de la palabra.

Desconozco si Milius escribió la escena final, pero me parece digna de su poética, él que tanto se ha definido como un anarquista zen. Una vez el guerrero encuentra la paz, ya no hay más antagonismos posibles: me parece un final interesante, nada grandilocuente, que convierte al viaje en una especie de oda zen al espíritu asilvestrado. Creo que esta película se ve agradablemente, se admira sin problemas y es un fiel ejemplo de un cine de aventuras que no temía entonces a ser más violento, más imprevisible. Tan solo Peter Weir, cineasta australiano que despuntó en los setenta, parece haber recogido ese testigo.

El veterano Robert Redford ya se encuentra filmando su nueva película, mientras que aquí en España todavía no hemos podido ver ‘The Conspirator’ (se estrena el 2 de diciembre, por fin). La producción que tiene entre manos se titula ‘The Company You Keep’ y es un thriller político basado en la novela homónima de Neil Gordon; la historia se centra en un antiguo activista radical que debe huir cuando un joven periodista revela su paradero al FBI, que llevaba buscándolo tres décadas por su participación en el atraco a un banco. Por el momento no hay fecha para el estreno.

Lem Dobbs (‘Dark City’, ‘The Score’, ‘Haywire’) firma el guion de ‘The Company You Keep’ (podría traducirse como “las compañías que conservas”), que Redford dirige y protagoniza, cuatro años después de ‘Leones por corderos’. El mítico protagonista de ‘Dos hombres y un destino’ (‘Butch Cassidy and the Sundance Kid’) encabeza un llamativo reparto que incluye a Nick Nolte, Julie Christie, Richard Jenkins, Chris Cooper, Susan Sarandon, Shia LaBeouf, Sam Elliott, Anna Kendrick, Brendan Gleeson, Terrence Howard, Brit Marling, Stephen Root, Stanley Tucci y la debutante Jackie Evancho. Buen director, buenos actores, una trama que puede dar mucho juego. Parece que la cosa promete, ¿no es cierto?

PD: Redford tiene un Oscar por la realización de ‘Gente corriente’ (1980).

Vía | GeekTyrant

Otro esperado regreso. Aquí os traigo el interesante tráiler de ‘The Conspirator’, el nuevo trabajo como director de Robert Redford, cuatro años después de la estupenda ‘Leones por corderos’ (‘Lions for Lambs’). Como nos informó Alberto antes del comienzo del rodaje, la película gira en torno a la conspiración que dio lugar al asesinato de Abraham Lincoln. El avance está muy bien montado, con un efectivo uso de la música (la misma que en el tráiler de ‘Avatar’) y la inclusión de algunas escenas interpretadas con mucha pasión. Pinta muy bien esto, lástima que aún quede bastante para el estreno, llegará a los cines (al menos, en Estados Unidos) el próximo mes de abril.

Escrita por James D. Solomon, ‘The Conspirator’ está protagonizada por James McAvoy, Robin Wright, Justin Long, Tom Wilkinson, Evan Rachel Wood, Kevin Kline, Alexis Bledel, Johnny Simmons, Toby Kebbell y Danny Huston, entre otros. La película nos traslada al último tercio del siglo XIX para narrarnos el caso real de Mary Surratt (Wright), la única mujer del grupo de acusados de haber conspirado para matar al presidente de los Estados Unidos de América; Frederick Aiken (McAvoy), un joven héroe de guerra, se encarga de la defensa de Surratt y durante el proceso judicial llega a la convicción de que la acusada es totalmente inocente de los cargos que se le imputan.

PD: Gracias a Penitenciagite por el aviso.

Esta semana, la cantidad de películas que salen a la venta, ya sea en DVD o en Blu-ray, es enorme. Comenzaré por comentar los lanzamientos de films recientes, para los que la aparición en formato doméstico supone un estreno. A continuación, pasaré a títulos anteriores, que ya han visto ediciones de consumo particular, pero que vuelven a estar disponibles para su adquisición.

‘Paranormal Activity’ (2009)

A pesar de que hubo quien la defendía e insistía en comentarios en que le diese una oportunidad, no quise ver ‘Paranormal Activity’ , de Oren Peli, en cines y no creo que me vaya a animar más a verla en casa, ahora que aparece a la venta en DVD y Blu-ray. Como ya comenté en su momento, no me convencieron con ‘El proyecto de la bruja de Blair’, así que ahora, con la lección ya aprendida, no caigo en este nuevo intento de venta de una película gracias a elementos ajenos a ella. Que puede ser que me esté perdiendo algo que podría disfrutar, por supuesto, pero correré el riesgo.

Críticas en Blogdecine:

• Sitges 09 | Desesperante ‘Paranormal Activity’.

• ‘Paranormal Activity’, el miedo cotidiano.

Características técnicas del DVD en la edición especial: Contenido: 2 Discos. Imagen: 1.85:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Contenido Extra: Disco 1 Tráiler. Ficha artística. Ficha técnica. Ficha de doblaje. Filmografías. Disco 2: Reacciones de audiencia. Final alternativo.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Castellano. Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Contenido Extra:Tráiler. Reacciones de la audiencia.

‘Ejecutiva en Apuros’ (‘New In Town’, 2009)

Antes de ver la película, me temía que, hiciese o no demasiada gracia, sería una de estas cintas que defienden la vida tranquila de las pequeñas aldeas y zonas rurales y sostienen que las ciudades engendran malas personas. Por lo tanto, me sorprendió, como ya comenté en mi crítica, que la moraleja no fues tanto por ese lado, sino más bien por la defensa de la producción en cooperativa y la lucha contra las grandes empresas, lo que en esta época de crisis, supone una alternativa bastante interesante. El film tiene un final que en otra época más paranoica, los estadounidenses podrían haber tachado de comunista. Todo lo demás importa poco: la historia de amor es precedible y está mejor contada en ‘Baby, tú vales mucho’, los actores –Renée Zellweger, Harry Connick Jr. y J.K. Simmons— cumplen, pero no sorprenden y los retratos de personajes exageran los tópicos para poder sacarle punta a todo. No sé si vale la pena comprar una copia de esta película, pero al menos sí que merece que se le eche un ojo.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Ejecutiva en apuros’, una pija en el pueblo.

Características del DVD: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán.Contenido Extra:Tráiler. Ficha artística. Ficha técnica. Ficha de doblaje. Filmografías.

Características de de la edición especial de 2 discos en DVD: Contenido: 2 Discos.Imagen: 1.85:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Contenido Extra: Disco 1Tráiler. Ficha artística. Ficha técnica. Ficha de doblaje. Filmografías. Disco 2Entrevistas. Making of. Imágenes de rodaje. Spot.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Castellano. Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Contenido Extra:Entrevistas. Making of. Imágenes de rodaje. Spot.

‘Arthur y la Venganza de Maltazard’ (‘Arthur et la vengeance de Maltazard’, 2009)

Aparece tanto en DVD como en Bluray el timo del siglo ‘Arthur y la Venganza de Maltazard’ algo que no supone más que el planteamiento de una película y que se detiene antes de que llegue a comenzar el argumento, como ya denuncié en esta crítica. Recomiendo que no se compre este film protagonizado por Freddie Highmore, Mia Farrow, Ronald Crawford y Robert Stanton, y dirigido por Luc Besson, en el que el niño amigo de los seres diminutos debe infiltrarse de nuevo en el mundo subterráneo donde viven éstos para detener al malvado Matazard.

Características del DVD: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Castellano, Catalán, Francés. Subtítulos: Castellano, Catalán, Francés. PVP Recomendado: 17,95 €.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD 5.1 Castellano, Catalán, Francés. Subtítulos: Castellano, Catalán, Francés. PVP Recomendado: 25,95 €.

‘Bridget Jones: Sobreviviré’ (‘Bridget Jones: The Edge of Reason’, 2004)

A partir de esta semana se podría adquirir en Blu-ray ‘Bridget Jones: Sobreviviré‘, la segunda parte de ‘El diario de Bridget Jones‘, que también se basa en la novela homónima de Helen Fielding. Las adaptaciones de los libros no suelen estar a la altura del original y las segundas partes no suelen ser tan buenas como las primeras. Si, en este caso, partimos de que el libro ya de por sí no tenía una enorme calidad, concluiríamos que poco se puede hacer con esta película. Sin embargo, confieso que he leído ambas obras y las he disfrutado por una cuestión que puede sonar a menudencia o que puede considerarse casi incomprensible, pero que para mí fue decisiva en su momento: me refiero a que la protagonista femenina es la que hace gracia. Normalmente se acepta que los hombres sean graciosos, patosos y metepatas, pero las mujeres tienen que ser perfectos objetos a los que da gusto contemplar. Aquí, las tornas se cambian y eso se me antoja refrescante, a pesar de que no sea el personaje perfecto para mí ni tampoco su capacidad cómica sea exagerada –hablo de la descripción del personaje en el libro, no de la película—. Por otro lado, si bien los films no mejoraban las novelas, sí tenían el aliciente de incluir a Hugh Grant y a Colin Firth –que sale mencionado en la primera novela-. Y lo que no se puede negar es que, te guste o no el personaje, Renée Zellweger lo borda.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.40:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano.Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Holandés. Contenido Extra:La escapada a Austria. Escenas inéditas. Guía fácil de la exótica Tailandia. La gran pelea. Mark y Bridget: ¿para siempre? Bridget Jones entrevista a Colin Firth. El solitario Londres. Bridget Jones: ¿un icono cultural? La gran noche de Bridget. Gira mundial de los estrenos. Como se hizo Bridget Jones: Sobreviviré. Comentario de fondo con la directora Beeban Kidron.

‘Austin Powers en Miembro de Oro’ (‘Austin Powers in Goldmember’, 2002)

Sale, también en Blu-ray, ‘Austin Powers en Miembro de Oro’, la tercera parte de la saga del detective británico que parodia a James Bond, dirigida por Jay Roach. Es una película que, aunque decae con respecto a las primeras, vuelve a tener algunos puntos graciosos, entre los que destacaría los subtítulos que no se leen por completo, debido a los elementos blancos de la escena, y la concatenación de voces por megafonía que van componiendo palabras soeces. Pero lo que no puedo soportar es la visión de Gordo Cabrón, pues el maquillaje está demasiado conseguido. Mike Myers es protagonista interpretando varios papeles y colabora en el guión. Junto a él, completan el reparto Beyoncé Knowles, Michael Caine, Michael York, Robert Wagner, Seth Green, Verne Troyer y Masi Oka, entre otros. A su vez, cuenta con los cameos de Tom Cruise, Danny DeVito, Gwyneth Paltrow, Kevin Spacey, Steven Spielberg, Quincy Jones, John Travolta y muchos otros.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.40:1 1080p (Alta Definición). Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano. Subtítulos: Inglés, Castellano. Precio recomendado: 21,95 €.Contenido Extra:Más allá de la película. Comentarios de Jay Roach y Mike Myers. Escenas eliminadas con comentarios. Efectos visuales. El mundo de Austin Powers: Jay Roach y Mike Myers: Encuentro creativo Los personajes Las primeras escenas con especialistas Los coches de Austin Powers Análisis de tres escenas Vídeos musicales: Beyoncé “Work it Out” Britney Spears “Boys” Ming Tea “Daddy wasn’t There”.

‘Serpico’ (1973)

Sidney Lumet dirige a Al Pacino en una controvertida cinta que se basaba en el libro de Peter Maas, el cual, a su vez, partía de hechos reales. En ella, el agente de policía que da título al film destapaba una trama de corrupción dentro de su departamento, lo que le suponía enfrentarse a sus propios compañeros y jefes. Aunque hoy en día ya tenemos muy visto el tema de los policías corruptos, en su momento, fue una buena manera de darle un giro al hallazgo del culpable. Fue muy aclamada la interpretación de Pacino en el papel de un hombre que no agradaba a sus colegas por cumplir las reglas a raja tabla, y por asociarse a la contracultura izquierdista de los años ’60.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 2.0 Inglés, Castellano, Alemán, Francés. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés. Contenido Extra:Sidney Lumet, cineasta neoyorkino. Buscando a Al Pacino.

‘Memorias de África’ (‘Out of Africa’, 1985)

Basado en el libro homónimo autobiográfico de la escritora danesa Isak Dinesen y dirigido por Sydney Pollack, este drama romántico multioscarizado, nos presenta a Robert Redford y Meryl Streep viviendo una aventura desaforada y tortuosa sobre el paisaje que forma una plantación en Kenia. Sin entrar a calificarla de buena o mala, lo que sí puedo asegurar es que no es, ni mucho menos, el estilo de películas que me gustan ni el tipo de historias amorosas que me emocionan. Sin embargo, quien la considere una gran obra, tiene ahora la oportunidad de contemplar la fotografía de David Watkin en todo su esplendor gracias a esta edición en Blu-ray.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Japonés, Alemán, Francés, Italiano.Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano,Holandés, Japonés, Cantonés, Danés, Finlandés, Griego, Coreano, Noruego,Portugués, Sueco, Mandarín Tradicional.Contenido Extra:Escenas inéditas. Canción de África. Tráiler de cine. Comentarios de la película con el director, Sydney Pollack.

‘Danko: calor rojo’ (‘Red Heat’, 1988)

Salen a la venta tres títulos de Arnold Schwarzenegger: ‘Danko: calor rojo’, ‘El guerrero rojo’ y ‘Ejecutor‘, todos en Blu-ray. ‘Danko: calor rojo’ (‘Red Heat’, 1988), dirigida por Walter Hill, es una cinta de acción de lo más entretenida y espectacular (al menos, así la recuerdo) en la que Schwarzenegger interpreta a un detective ruso cuyas ideas probablemente no era muy acordes con las del actor. Jim Belushi le da la réplica en una de esas buddy movies de amor-odio, donde los contrastes tienen que ser tan fuertes como el cambio de temperatura que sufre el culturista en la pelea de la escena de inicio.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Ruso.Subtítulos: Castellano, Francés, Alemán, Italiano, Danés,Holandés, Finlandés, Noruego, Ruso, Sueco, Turco, Español. Contenido Extra:Arnold Schwarzenegger, el hombre que conquistó Hollywood. El contexto político de Danko: Calor Rojo. Tráiler.

‘El corazón del ángel’ (‘Angel Heart’, 1987)

Aparece a la venta en Blu-ray ‘El corazón del ángel’, de Alan Parker, una película que fue sonada en mi preadolescencia por la violencia de algunas de sus escenas y la teórica irreverencia de su contenido, lo cual le rindió una repercusión probablemente algo mayor que la que se merecía. La cinta, protagonizada por Robert de Niro, Mickey Rourke y Lisa Bonet, nos presenta a un detective privado de Nueva Orleans, que es contratado por un misterioso cliente en Harlem para que encuentre a un hombre desaparecido. Conforme avanza la investigación se suceden extrañas muertes, al parecer relacionadas con la magia negra y el vudú, y que implican a Harry de una manera cada vez más personal…

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano.Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Holandés, Turco.Contenido Extra:Tráiler. La verdad sobre el vudú. Imágenes del rodaje.

Otros lanzamientos

Se pueden comprar en Blu-ray varios títulos protagonizados por Clint Eastwood. Dos de ellos están dirigidos por Brian G. Hutton: ‘El desafío de las águilas’ (‘Where Eagles Dare’, 1968) y ‘Los violentos de Kelly’ (‘Kelly´s Heroes, 1970), mientras las demás son del propio Eastwood: ‘El sargento de hierro’ (‘Heartbreak Ridge’, 1986), ‘El principiante’ (‘The Rookie’, 1990) y ‘Poder absoluto’, (‘Absolute Power’, 1997).

También serían recomendables las películas: ‘Chuka’ (1967), de Gordon Douglas; ‘El Mercader de las Cuatro Estaciones’ (‘Händler der vier Jahreszeiten’, 1971), de Reiner Werner Fassbinder; ‘El Último Disparo’ (‘Railroaded!’, 1947) y ‘Las furias’ (‘The Furies’, 1950), ambas de Anthony Mann; ‘La Extraña Mujer’ (’ The Strange Woman’, 1949), de Edgar G. Ullmer, y ‘Intervista’ y ‘ El Jeque Blanco’ (‘Lo sceicco bianco’, 1952), las dos de Federico Fellini.

Por último, quedarían por mencionar títulos como ‘Combinación Ganadora’ (‘Lucky Numbers’, 2000), con John Travolta y Lisa Kudrow; ‘Bullying’, ‘Nico, El reno que quería volar’, ‘Eloïse’, ‘Freddy contra Jason’ (Blu-ray), ‘Recuento’ (‘Recount’, 2008)

Vía | Zona DVD.

A menudo hablamos en Blogdecine, tanto los redactores como nuestros comentaristas, sobre las diferencias entre cine comercial y cine de autor, y sobre la necesidad de que el segundo prevalezca sobre el primero en cuanto a coraje y riesgo. Pero una cosa no quita la otra, y el cine comercial ha ofrecido hitos importantísimos desde el invento de este soporte audiovisual, demostrando que lo comercial puede y debe ser universal, y que el talento no está reñido con ello, y que lo excepcional tampoco. Y maravillas irrepetibles como ‘El golpe’ son buena prueba de ello.

Hoy día, claro, su director, George Roy Hill, es un hombre olvidado por los cinéfilos, o casi. Tampoco es cuestión de convertir a cada director olvidado en un genio universal por el mero hecho de haber dirigido un par de películas maravillosas (en su caso, la otra sería la melancólica ‘Dos hombres y un destino’), pero no hay duda del inmenso talento narrativo de Hill, y de su pasión por contar historias más grandes que la vida, no olvidándose jamás del carácter mortal y a menudo miserable de sus personajes.

‘El golpe’ iba a ser un filme de timadores de bajo presupuesto, y su guionista, David S. Ward, tenía intención de dirigirla. Sin embargo, con un guión de tal perfección (basado muy libremente en la novela ‘The Big Con’, de David W. Maurer) era imposible pasar desapercibido para grandes nombres de la industria, y Hill se empeñó con el proyecto y la maquinaria de Hollywood (la única capaz de levantar algo tan hermoso) se puso en funcionamiento. Para algunos, iba a ser el reencuentro comercial de dos actores que ya habían triunfado en el mencionado western ‘Dos hombres y un destino’. El resto es leyenda.

La gran depresión, a ritmo de Scott Joplin

La primera secuencia es uno de los muchos momentos absolutamente magistrales de la película. Una cola de indigentes se ve desmentida por el paso vivaz y sobrado de un tipo con traje y mocasines. En realidad, es un correo de la mafia, cuya responsabilidad consiste en transportar dinero negro (obtenido en tugurios ilegales) a su dueño. El tipo se ve asaltado por unos timadores que consiguen arrebatárselo sin que se de cuenta (y con un truco que no vamos a desvelar aquí). Los timadores son, por supuesto, Johnny Hooker (un Redford de 37 años que interpreta sin dificultad a un personaje una década más joven) y Luther Coleman (excelente Robert Earl Jones, sí, el padre de James Earl Jones…). Ambos no saben dónde se meten, y la venganza del dueño de ese dinero será terrible.

De este modo, la imagen de Luther, y su ausencia, marcan la película. Él es el motivo de la contra-venganza de Hooker, dispuesto a saltarse varios cursos (o varias ligas) para aprender a timar a lo grande y arruinar al asesino de su mentor. Contacta con otro mentor, el inefable y encantador Henry Gondorff (un Paul Newman de casi 48 años, que se entrega con pasión a un personaje bastante secundario, aunque quizá con las mejores escenas y diálogos) y ambos, maestro y pupilo, inician una de las aventuras más recordadas en los últimos 40 años de cine.

Es justo decir que los temas musicales de Scott Joplin (retocados por el gran Marvin Hamlisch) en realidad son completamente anacrónicos respecto a la trama y su marco histórico. Nos encontramos a mediados de la década de los 30, y la música Ragtime de Joplin es, por lo menos, dos décadas más antigua. Pero aceptamos esta trampa musical porque los temas (todos ellos) van como anillo al dedo con la historia. Les otorga a las imágenes su carácter al mismo tiempo juguetón y melancólico, y reviste el conjunto de una gran elegancia. Aunque al conjunto, precisamente lo que no le falta, es elegancia.

Los decorados y la dirección artística de Henry Bumstead y James W. Payne, así como el diseño de vestuario de la legendaria Edith Head, logran el milagro de crear un mundo ya desaparecido hasta el más nimio detalle, alcanzando así una hazaña mil veces alabada y que ha servido de referencia a tantos diseñadores. Decir que esta recreación de los años 30 es magistral sería faltar a la verdad: sencillamente es un prodigio de la imaginación, el trabajo y el talento. Tugurios, salones, hoteles, bares, hostales, calles, trenes, andenes, vehículos, despachos, casas de apuestas, trajes, abrigos, sombreros, iluminación. Una verdadera gozada.

Por otro lado, la labor del director de fotografía, el no menos legendario Robert Surtees (que obtuvo nada menos que dieciséis nominaciones a los Oscar, de las cuales se alzó tres veces con la dorada estatuilla, aunque no por esta película) es asombrosa por contenida, sobria y capaz de ofrecer un aspecto en sereno equilibrio entre lo clásico y lo moderno. Empleó una relación de imagen de 1.85:1 y lentes esféricas de Panavision, con propensión a primar los tonos marrones o amarillentos, en un estilo de tratar el cine de época que llegaría a su máxima expresión (y manierismo) en la obra maestra de Francis Ford Coppola ‘El padrino, parte II’, un año después.

Cine sobre el cine

En realidad, ‘El golpe’ es una película sobre el prodigio de la mentira del cine, sobre el modo en que el cine juega con nuestra incredulidad y construye una realidad aparente y completamente autónoma y llena de vida. En ese sentido, nosotros estamos en una situación más cercana a la del despiadado Doyle Lonnegan (un impresionante Robert Shaw, dos años antes de dar vida al genial Quint de ‘Tiburón’) que a la de Hooker o Gondorff. A fin de cuentas, aunque tenemos más información que el mafioso, el guionista y el director se complacen en metérnosla doblada con el tema del FBI (y que no se lleve nadie las manos a la cabeza, porque continúo sin desvelar nada).

Es decir, que el guión es de una perfección tan inusitada, que cuenta una mentira dentro de otra mentira, nos hace sentir privilegiados de conocer ambas mentiras, pero en el corazón de esa mentira reside otra (aunque no sería justo hablar de mentiras, quizá sí lo sería de falsas apariencias) que redondea de manera fabulosa la relación entre Gondorff y Hooker. En medio de todo ello, somos testigos de la fabricación de esa apariencia. Es extraordinario ver cómo se maquillan, cómo eligen la ropa, cómo construyen el decorado de la casa de apuestas. En realidad, es un falso ‘making of’ de la película.

Pero, y por si todo esto fuera poco, ‘El golpe’ propone una mitificación y un poético homenaje al pasado. Hay una preciosa secuencia que confirma lo que estoy diciendo: la noche antes de la culminación de la estafa, Hooker camina solo por las calles, como un alma en pena, yendo a parar a la cama de alguien que no es lo que parece. Suena la música de Joplin. Por encima de las apariencias, las recreaciones, los juegos y las aventuras, Hill desborda con su compasiva mirada sobre un tiempo y sus gentes. De pronto, la estafa nos importa poco, pues un existencialismo feroz preside toda la secuencia, como si Hill fuera consciente del vacío de Hooker, de su soledad, de su necesidad de emociones fuertes para dar sentido a una vida que carece de ella.

Desde mediados de los sesenta, que fueron los años en los que el llamado “Cine Clásico” tocaba a su fin, la representación de la violencia se fue haciendo cada vez más gráfica en el cine norteamericano. En el pasado, autores como John Ford o Sam Fuller, habían sido sólo dos de los muchos directores de renombre que, incluyendo gran violencia psicológica en sus películas, nunca o casi nunca habían procedido a mostrarla de una manera gráfica y descarnada. De hecho, durante los años treinta, cuarenta y cincuenta, se había llegado a considerar como un ejemplo de maestría narrativa insinuar aspectos crudos de la realidad como la violencia y el sexo, en lugar de hacerlos explícitos.

Esto, este lugar común que algunos críticos epidérmicos consideran un marchamo de calidad, me parece una idiotez, falsa en sus fundamentos. Muchos directores de aquellos años hubieran optado por una violencia gráfica, y un sexo más explícito, si la censura se lo hubiera permitido. Por otra parte, me parece fundamental, si vamos a acercarnos a una de las muchas cloacas humanas de este mundo miserable, mostrar los efectos que la violencia y la crueldad del hombre pueden infligir en personales, animales y plantas. Ahora bien, que el cineasta sea capaz de observar esa violencia sin el gusto por el morbo fácil, y haciendo uso, pese a todo, de elegancia y contención…esa creo yo que es una virtud excepcional. ‘La jauría humana’ es una de las películas más perturbadoras del cine americano de los sesenta, y su director, Arthur Penn, es uno de esos realizadores que con una mirada limpia observan hechos repugnantes.

Esta película, a pesar de contar ya con treinta y cuatro años de existencia, de ser una película con abundantes diálogos, de contar entre sus intérpretes con profesionales curtidos en el teatro y en el Actor’s Studio, no me parece que haya envejecido prácticamente nada. Viéndola hoy, sus imágenes resultan igual de perturbadoras, de mareantes, de insoportables. En su momento, fue un sonoro fracaso y un escándalo. La América del buen rollismo de los sesenta no podía tragar este puñetazo en el estómago, que indagaba con ferocidad en la oscura América Profunda de mitad de siglo. Y su impactante violencia, que ahora no sorprende tanto, dejó a los críticos estupefactos y provocó que escribieran auténticas barbaridades sobre ella.

El director, Penn, había empezado de manera ejemplar, ganándose un merecido prestigio, con la formidable ‘El milagro de Anna Sullivan’. Ya llevaba un tiempo labrándose una gran reputación de dirección de actores y de cineasta sobresaliente en sus trabajos televisivos, y ahora se veía confirmado por su debut. Pero muchos le acusaron de plegarse a los caprichos del poderoso Sam Spiegel, y puede que tuvieran parte de razón, aunque Penn resultó ser un buen cineasta débil de carácter, y finalmente renegó de esta película de forma cobarde, aunque sólo un año después filmó la quizá más brutal aún ‘Bonnie & Clyde’. Pero claro, no es lo mismo contar las andanzas de dos encantadores sociópatas, que destaparles las vergüenzas a los ultraconservadores.

Un reparto perfecto, un relato devastador

Con la fenomenal música de John Barry, comienzan unos estupendos créditos que ya dan una idea de la desesperanza y la brutalidad que van a presidir, casi sin respiro, todo el relato. Y, a continuación, un brutal asesinato que va a condicionar, de manera total, los futuros acontecimientos. El guión es una joya, obra de Lillian Hellman, que adapta de manera brillante, conservando lo mejor de ella y ampliando de manera natural sus márgenes (y lo sé, porque la he leído), la obra teatral de Horton Foote. La guionista apresa con gran talento el complejo entramado de mezquinos caracteres que pueblan ese pueblo infecto, en el que la envidia, el racismo, el deseo no culminado, la ambición, la incomunicación, son moneda de cambio habitual y aceptada socialmente.

Bubber (en el doblaje español, por motivos que se me escapan, cambian el nombre a Bobby… alteración perpetrada, probablemente, por un director de doblaje sin el menor oído…), un pringado, un perdedor, un tipo de grandes dotes para la autrodestrucción, escapa de la cárcel por mera supervivencia. Lo que nunca podría imaginar es que su decisión, íntima, personal, e incontestablemente nacida en la libertad de su interior animico, iba a provocar tamañas consecuencias en su antigua comunidad. Interpretado, a mi parecer, con gran talento por un incipiente Robert Redford (que saltaría a la fama con este papel, pese a que fue masacrado por la crítica…) tenemos aquí la trágica imagen de un rebelde.

Pero si hay algo que destaque en esta aventura, es un reparto admirablemente cohesionado, formado por más de dos docenas de intérpretes, todos ellos poseedores de voz y rostros propios, definidores, que forman un todo indivisble, pues la menor caída de ritmo o presencia en cualquiera de ellos habría desequilibrado un filme tan de actores. Y el prodigio está ahí: todos ellos son un ejempo de perfección en su oficio. Son todos, por tanto, co-autores junto con Penn (porque él lo ha querido así) de esta tragedia.

El infierno de la sociedad

Un sólo hombre honesto (el sheriff Calder, interpretado con majestuosa prestancia por el inigualable Marlon Brando) tendrá que interponerse entre la fiera correosa que es la muchedumbre y el mártir solitario que es Bubber. Sólo dos personajes, la mujer de Bubber (nunca ví a Jane Fonda tan guapa y tan trágica…), y su amante Jake Rogers (un jovencísmio James Fox) obtienen una cierta redención. El resto son como hienas enloquecidas, de modo que la traducción del original ‘La caza’ a esa jauría a la que hace mención nuestro título, se antoja una de las pocas veces que un distribuidor ha dado en el clavo.

Penn irá trenzando los hilos de la tragedia con paciencia de entomólogo, observando con una mirada ligeramente irónica a estas criaturas a menudo patéticas, a veces brutales. Pareciera que sus personajes le importan, pero que no tiene intención de darles excesivas oportunidades. La violencia se va desplegando progresivamente, de manera gradual, sin prisas, con estallidos ocasionales que anuncian la tormenta del conmocionador clímax, en el que no hay la mínima concesión a la esperanza para el espectador. Todos sufren, todos pierden algo (seguramente, su imperfecta humanidad). Un infierno que ellos mismos se han construido a golpe de cincel, sobre las ruinas de su propia existencia.

Más que una buena o mala película, un relato inolvidable.

Robert Redford ya tiene nuevo proyecto como director. Se trata de ‘The Conspirator’, film que versará sobre la conspiración para matar a Abraham Lincoln, y más concretamente sobre la mujer que fue la cabeza de dicha conspiración, Mary Surratt. De esta forma, Redford se pondrá tras las cámaras en el que será su octavo trabajo como realizador, y teniendo en cuenta los buenos resultados de anteriores incursiones – ‘Gente corriente’ (‘Ordinary People’, 1980), ‘El río de la vida’ (‘A River Runs Throught It’, 1992) o ‘El hombre que susurraba a los caballos’ (‘The Horse Whisperer’, 1998) – es de esperar otro film interesante.

El rodaje comenzará este otoño, y no hay más decidido, sólo que uno de los actores que encabezará el reparto – dicen que en la piel del asesino John Wilkes Booth, aunque no está confirmado – será el cada vez más ascendente James McAvoy.

Se me ha venido a la mente el tan anunciado proyecto de Steven Spielberg sobre la figura de Lincoln, con Liam Neeson a la cabeza, proyecto retrasado una y otra vez, aunque si ahora alguien de la talla de Redford filma el mencionado film, tal vez Spielberg se decida de una vez por todas a hacerlo, aunque personalmente lo prefiero ver metido en otro tipo de proyectos.

Vía | Risky Biz Blog