Seguimos con información sobre premios cinematográficos. Aquí os traigo el palmarés de la 28ª edición del festival de Sundance, centrado como sabéis en el cine independiente (o eso dicen) y celebrado en Salt Lake City (Utah). La triunfadora de este año 2012 ha sido ‘Beasts of the Southern Wild’ del debutante Benh Zeitlin, que ha logrado el gran premio del jurado en el apartado de drama. La película, a la que pertenece la imagen de arriba, es una fábula sobre el fin del mundo protagonizada por una niña de seis años que vive con su padre. Fox Searchlight ha adquirido los derechos de distribución y la estrenará a lo largo de este año. Parece ser que gustó mucho y no se discute su victoria.

Prestigiosos realizadores como Spike Lee y Stephen Frears competían en Sundance con sus últimos largometrajes, ‘Red Hook Summer’ y ‘Lay the Favourite’, pero no recibieron premio alguno. Tampoco el español David Trueba, que presentó ‘Madrid, 1987’, protagonizada por José Sacristán y María Valverde. Otro español, Rodrigo Cortés, presentó su nuevo y esperado trabajo, ‘Luces rojas’, y aunque no aspiraba a ningún galardón, volvió a lograr comentarios muy positivos y una sana controversia (y distribución internacional). Objetivo cumplido en su caso. Cabe destacar que hubo suerte para dos largometrajes chilenos; ‘Violeta se fue a los cielos’ de Andrés Wood (coproducción española, nominada al Goya a la mejor película iberoamericana) y ‘Young & Wild’ de Marialy Rivas recibieron premios a la mejor película internacional y el mejor guion internacional, respectivamente. La primera narra la vida de la popular cantante Violeta Parra y la segunda gira en torno a una adolescente criada en el seno de una familia religiosa que es acusada de “fornicadora”.

Por lo demás, comentaros que el otro gran premio del jurado fue para el documental ‘The House I Live In’ de Eugene Jarecki (una reflexión sobre la batalla de Estados Unidos contra el narcotráfico) y que ‘The Surrogate’ de Ben Lewin, con John Hawkes, Helen Hunt y William H. Macy entre los protagonistas, se alzó con el premio especial del jurado al mejor reparto y uno de los galardones que entregó el público (la película trata sobre el escritor Mark O´Brien, que a los 36 años decide contratar a una “especialista” para tener sexo por primera vez). Podéis consultar el extenso palmarés en la web oficial del certamen.

PD: Se presentaron 117 largometrajes de 30 países diferentes; 45 de ellos dirigidos por debutantes (24 competían).

Por fin podemos echar un vistazo al tráiler de ‘Luces rojas’ (‘Red Lights’), el tercer largometraje de Rodrigo Cortés, el director de ‘Concursante’ y ‘Enterrado’ (‘Buried’). El avance da mucha más información que el primer tráiler que vimos hace meses, pero se ha tenido el buen gusto de no desvelar demasiado, de mantener la intriga y dejar con la miel en los labios; voy a ser el primero que lo diga: pinta muy bien. Ya os habréis enterado que ‘Luces rojas’ se pudo ver por primera vez en el festival de Sundance, al igual que el anterior trabajo del realizador español, y las reacciones en general han sido muy positivas, el público ovacionó al equipo de la película, la única pega que se le ha puesto, al parecer, son los minutos finales, de los que se ha dicho, en pocas palabras: “WTF?”. Lo tendremos en cuenta. Millennium Entertainment ya se ha hecho con los derechos de distribución en Estados Unidos. Aquí la podremos ver a partir del 2 de marzo. No sé vosotros, yo no me la pienso perder, es uno de los estrenos que espero con mayor interés este año.

Robert de Niro, Sigourney Weaver, Cillian Murphy (uno de los intérpretes actuales que más me gustan), Elizabeth Olsen, Joely Richardson, Craig Roberts, Toby Jones y Leonardo Sbaraglia, entre otros, son los actores protagonistas de ‘Luces rojas’, un thriller cuyo guion ha escrito el propio Cortés. La historia se centra en dos investigadores que analizan fenómenos paranormales para demostrar que todo es un fraude; su próximo reto es dejar en evidencia a un renombrado psíquico que llevaba desaparecido durante décadas. A continuación os dejo también el cartel definitivo de la película, el que llegará a las carteleras españolas. No está mal, aunque personalmente me gustaba mucho más el teaser.

PD: Los únicos títulos que pueden eclipsarla en taquilla el día del estreno son ‘Indomable’ (‘Haywire’), lo nuevo de Soderbergh, y ‘En tierra de sangre y miel’ (‘In the Land of Blood and Honey’), la ópera prima de Angelina Jolie.

Uno de los títulos más esperados del festival de Sundance 2012 era ‘Wrong’, el nuevo trabajo del francés Quentin Dupieux, conocido en el ámbito musical como Mr. Oizo. Por lo que he leído (en Indiewire, /Film y Geektyrant) el director de la original ‘Rubber’ (sobre un neumático asesino…) ha vuelto a sorprender al público con una propuesta excéntrica, absurda y divertida que ha sido calificada como un remake de ‘Atrapado en el tiempo’ (‘Groundhog Day’) ideado por Luis Buñuel. Deseando verla desde ya. En este post os dejo los avances que se han distribuido hasta el momento, un tráiler, tres vídeos con extractos de escenas y un cartel. Os recomiendo echar un vistazo al tráiler, solo dura un minuto y deja buenas sensaciones. Eso sí, como ha quedado claro, no esperéis algo… normal.

A los que os gusta saber de qué van las películas, os aclaro que ‘Wrong’ gira en torno a un hombre llamado Dolph Springer, que al levantarse una mañana descubre con inmensa tristeza que acaba de perder al amor de su vida: su perro Paul ha desaparecido. Dolph inicia entonces un viaje para encontrar a Paul en el que cambiará radicalmente la vida de todos los que se cruzan en su camino (un detective de mascotas, un oportunista jardinero, una vecina adicta al jogging, una repartidora ninfómana…) y pondrá en juego su salud mental. Jack Plotnick, Eric Judor, Alexis Dziena, Steve Little y William Fichtner encabezan el reparto de esta interesante rareza, que llegará a los cines de Francia en junio. No hay fecha de estreno para España todavía (quizá se pueda ver antes en Sitges).

PD: A Dupieux/Mr. Oizo le debemos esto:

Los hermanos Weinstein son, snif, orondos donadores de amor. En 1998, sedientos por esos Oscar que había convertido en naufragio triunfal el titánico James Cameron, encargaron a un equipazo de actores y a un funcionario cineasta un ‘Shakespeare enamorado’ (Shakespeare in Love, 1998) y mandaron al pueblo, fiel habitante de la multisala cuando achucha el temporal, un mensaje universal: Shakespeare somos todos, porque Romeo y Julieta somos todos. La película no era mala, ojalá, era sencillamente equivocada, pero los hermanos Weinstein, todavía usureros e insatisfechos de Oscars, tenían un plan maestro detrás al colocar a Tom Stoppard en el libreto, que serviría para generar unas dosis ingentes de sonrisa y parodia. Este año también hay otro drama shakespereano, pero el tema no procede en estas líneas porque de lo aquí vengo a hablar es de ‘The Artist’ (id, 2011), esta cinta/fenómeno que han comprado los señores en Sundance y que trae otro mensaje feliz a todos nosotros: el cine mudo somos todos.

Toma ya. Lo cierto es que Jonathan Rosenbaum, un maestro, y yo rara vez nos ponemos de acuerdo con tanta precisión, suya es la generación de los padres políticos y del morir con las botas puestas de la dialéctica, pero aquí coincidimos: la apropiación del score de ‘Vértigo’ (id, 1958) en una de las escenas clave de la película no solamente me pareció inadecuado, gratuito y profundamente idiota sino que me sacó de la película inmediatamente.

La historia es sencilla: una estrella del cine mudo, George Valentin, se enamora de la perfecta desconocida Peppy Miller. Como esto es Hollywood, y ellos se enamoran y el cine mudo se derrumba, la ironía salpicará a Valentin, llevando el final de su medio a la decadencia y propulsará a Miller, con papeles protagonistas que encorvarán una historia de amor donde también el aire turbio de la relevancia en los focos y las cámaras juega un gran papel.

¿Cuántas veces hemos visto esa historia? El Hollywood de los sueños rotos. El mundo del espectáculo de los sueños rotos. ¿Cuantos Mankiewicz hacen falta para que se considere evidente? Aunque es obvio que el modelo de la película, apropiado sin piedad, es otro. En fin, tras tantas versiones de ‘Ha nacido una estrella’ parece que otra, un poquito más ingeniosa apriorísticamente, ya les da a los Weinstein para trabajar su maquinaria de propaganda, premios y buen negocio. Bien está. La película descubre dos actuaciones muy dulces, las de un irresistible Jean Dujardin, un actor con una interminable capacidad para resultar encantador que uno espera que actúe en más comedias, y Berénice Bejo, perfectos para una pareja de apuestos protagonistas perdidos en un Hollywood que antes que real resulta otro cliché fílmico, casi modelado a partir de ‘Cantando bajo la lluvia’ (Singing in the rain; 1952) que también hablaba de un cine que se acaba, por otra parte, y de una estrella del cine mudo, y de una edad dorada, y lo hacía, os recuerdo, con mayor estilo y enjundia y con novedades narrativas mucho más interesantes.

Pero volvamos al score de Vértigo. La película no es conforma con la ruptura constante de la gramática del cine mudo al que decide homenajear, supongo que no pasa nada porque, disculpad, dudo mucho que ahora se revele la cinefilia como una amante inquebrantable de ‘Amanecer’ (Sunrise, 1927) de FW Murnau, por ejemplo. Más bien, la película juega con la obvia asociación del cine mudo con el slapstick (véase: Harold Lloyd, Buster Keaton y Charles Chaplin: aunque sin ahondar en sus poéticas) y aunque contenga audacias visuales (Como la obertura) carece de cualquier rigor.

Vale. Asumamos que esa no es la intención. ¿Entonces en qué consiste el homenaje? Exactamente en la escena del score de Vértigo que tanto parece complacer a la gente: en confundir el pasado en uno, sin un discurso autoral lo suficientemente potente o poético. El score de Bernard Herrmann, apropiado sin vergüenza, da una idea exacta de lo que Michael Hazanavicius piensa de la memoria cinéfila, suya o de los demás: todo está al servicio del efectismo, justificado por el tono dulzón y encantador de sus protagonistas y todo carece de contexto alguno. Donde Herrmann compuso una banda sonora para poner al servicio de una idea profunda de arte, de lo que yo diría que es un duelo de pulsiones entre él y Hitchcock (no diría que Herrmann es menor a Hitchcock en presencia en su obra maestra) usando el ritornello en una película que habla del pasado, de la obsesión, de los fantasmas, aquí de lo que se trata es de ponerla al servicio de una discusión y un fracaso, de un drama de una estrella de cine.

Tamaño gesto me parece poco menos que una idiotez considerable y habrá quien confunda esto con homenaje. Honestamente, con homenajes así no hacen falta parodias ni farsas; pero voy más allá: esta película es poco menos que una serie de simpáticas peripecias para gente con poco o nulo interés en la Historia del cine, una historia de amor con dos personajes más encantadores que con algún tipo de construcción psicológica (justificando la forma así, el escaso dibujo que obtenemos de todos – arquetipos y apropiaciones antes que personajes interesantes) y un entretenimiento convencional con destellos de ingenio que, supongo, será confundida debidamente con algún tipo de excentricidad o de proyecto artístico.

No lo creo, aunque mis compañeros Caviaro y Maldivia discrepan y así lo escriben.

Ya tenía interés por esta película pero el avance me ha terminado de conquistar, estoy deseando verla. Aquí os dejo el estupendo tráiler de ‘Tiranosaurio’ (‘Tyrannosaur’), la ópera prima de Paddy Considine, actor en películas como ‘En América’ (‘In America’, 2002) o ‘El ultimátum de Bourne’ (‘The Bourne Ultimatum’, 2007). A pesar del título, el debut como director de cine de Considine no tiene nada que ver con dinosaurios (supongo que solo en un sentido metafórico), es un drama sobre la violencia, el amor y la redención. La película se llevó dos importantes premios en el festival de Sundance (mejor director y premio especial del jurado a los protagonistas, dentro del apartado de ficción) y próximamente se podrá ver en el de San Sebastián, dentro de la sección “perlas”.

Escrita por el propio Paddy Considine, ‘Tiranosaurio’ gira en torno a Joseph, un viudo alcohólico y violento que encuentra la posibilidad de redención en Hannah, una trabajadora de la caridad cristiana; en un principio, él se burla de la fe y la idílica vida de ella, pero pronto descubre que la existencia de Hannah está tan llena de caos y dolor como la suya. Peter Mullan (cuyo personaje al parecer está inspirado en el padre de Considine), Olivia Colman, Eddie Marsan, Paul Popplewell, Sian Breckin y Ned Dennehy protagonizan la película, que se estrena en Reino Unido el 7 de octubre; espero que no tarde mucho más en llegar a las carteleras españolas, nos hacen falta más trabajos de este tipo, entre tantos blockbusters, secuelas, precuelas, reboots y remakes.

PD: Considine logró un puñado de galardones (incluyendo el BAFTA) con su primer cortometraje, ‘Dog Altogether’ (2008), protagonizado por Mullan y Colman; ‘Tiranosaurio’ es una extensión del corto.

-¿Por qué su hijo iba a robarle su gata?

-Porque está celoso de ella. Muy celoso.

‘Win Win’, distribuida en nuestro país como ‘Win Win (Ganamos todos)’, es el tercer título como director en la filmografía del estadounidense Tom McCarthy, rostro reconocible gracias a su trabajo como actor en producciones tan variadas como ‘Los padres de ella’ (‘Meet the Parents’, 2000), ‘Michael Clayton’ (2007), ‘2012’ (2009) o ‘Caza a la espía’ (‘Fair Game’, 2010). Su nueva película, cuatro años después de ‘The Visitor’, viene con la etiqueta de haber sido seleccionada en Sundance y tiene ese aire al cine independiente norteamericano cuyas constantes empiezan a cansar. Me refiero a esas historias con personajes caracterizados por excentricidades que lo pasan mal por las circunstancias de la vida, y luego muy mal pues todo se va complicado por haber tomado decisiones equivocadas, hasta que llega un punto en el que todo se soluciona, porque se dan cuenta que lo diferente es bueno, que tienen otra oportunidad, y que la vida es maravillosa, acabando entre risas y abrazos. En cierta manera, la que nos ocupa es así, pero no del todo. McCarthy se acomoda más de la cuenta, pero logra un relato cargado de vitalidad, humor y amargura, divertido y serio en justa medida.

Fui al cine el pasado viernes, y me alegró ver a tanta gente haciendo cola. ¿No estábamos en el país de la piratería?, preguntaba yo a mi acompañante, que solo tenía ojos para las chucherías. Ingenuo que es uno, me apresuré a comprar las entradas, eligiendo sitio y todo. Tras una pequeña espera, la gente empezó a entrar en las salas. Y de pronto, mi pareja y yo descubrimos que éramos los únicos que íbamos a ver ‘Win Win’. Se proyectó para nosotros. Un lujo, sí, pero, ¿dónde estaban todos los demás? Ah, bueno, se estrenó ‘Transformers 3’, esa cosa. Espero que ninguno de los que fueron a verla se quejaran a la salida con frases tan habituales como “dos horas tiradas a la basura”, “Hollywood se ha quedado sin ideas”, “el 3D es una estafa” o “quiero que me devuelvan el dinero”, porque han podido elegir. Y han elegido alimentar al monstruo, a esa industria que produce películas en cadena, y que se ha vuelto tan vaga que ya ni siquiera filma persecuciones o accidentes, las recicla. Si quieres que hagan mejor cine, empieza por seleccionar mejor lo que ves.

Tom McCarthy y Joe Tiboni firman la historia de ‘Win Win’, adaptada a la gran pantalla por el realizador, que vuelve a situar la acción en su ciudad natal, Nueva Jersey. El personaje central es Mike (excelente Paul Giamatti, como de costumbre), abogado en crisis y entrenador del mediocre equipo de lucha libre del instituto, en sus ratos libres. Es un hombre estresado, agobiado por los gastos y la falta de ingresos, atrapado en una situación sin fácil arreglo y de la que no puede escapar; de hecho, se levanta temprano para correr, como un hámster que piensa que va a alguna parte haciendo girar la rueda de su jaula. En una de las primeras frases del guion, modificada torpemente por el doblaje español, una de sus hijas pregunta si Mike está huyendo de algo o de alguien. El hombre ama a su familia y le gusta lo que hace, aunque no esté dando frutos deseados, no piensa en huir, pero en cierto modo lo está haciendo. En lugar de encarar lo que está mal y de afrontar los conflictos, agacha la cabeza, sigue adelante y dejar pasar el tiempo, como si fueran a corregirse solos. Un comportamiento en el que se cae a menudo, ¿no es verdad?

Por cierto, la primera línea de diálogo de la película es: “Shit“ (“Mierda”). Y queda estupendamente porque la dice la misma niña que pensaba que su padre estaba huyendo, y aunque éste la corrige, instándola a hablar bien, tanto él como su esposa no pueden evitar soltar la misma palabra (delante de la pequeña) al afrontar sus respectivas rutina. Parecen condenados a repetir el mismo día, en una realidad que cada vez va a peor, porque todo envejece, se ensucia, se rompe y se estropea, y todo cuesta dinero. Mike cree haber encontrado una solución temporal a todos sus problemas gracias a unos ingresos que obtiene de manera fraudulenta, fingiendo que se encarga de cuidar a un cliente con síntomas de demencia senil, al que deja en una residencia. Casualmente (vago recurso de los guionistas), el nieto del cliente, Kyle (Alex Shaffer, formidable hallazgo), aparece en escena, y Mike lo acoge en su hogar, mientras resuelven la situación (es decir, mientras espera que se resuelva, y de manera provechosa para él), con la inmensa suerte de que el chico no solo está bien educado y encantado con su nueva familia provisional, sino que es un prodigio de la lucha libre. Los endebles cimientos con los que Mike está construyendo su vida feliz se derrumbarán cuando aparezca la madre del chaval.

La historia no deja de ser sencilla y previsible, con su mensaje sobre la superación personal (bien calzado, inevitable en la situación de crisis en la que nos encontramos) y la solidaridad del ser humano (que parece ser el tema central de este cineasta), no hay incoherencias, trampas, subrayados ni falsedades en el intento de McCarthy por retratar la vida y los problemas de unos personajes que resultan creíbles y auténticos, humanos e imperfectos, interpretados con mucha naturalidad por un elenco intachable (aparte de los mencionados, cabe destacar a Amy Ryan, Bobby Cannavale, Jeffrey Tambor o Burt Young). El buen hacer de los actores, en la piel de roles bien definidos, evita que desentonen los aspectos más cómicos de un relato amable y optimista que, sin embargo, nunca abandona un cierto tono amargo (o realista, la escena con la que se cierra la película es un puñetazo al “happy end”), que nos recuerda que tenemos más responsabilidades de las que queremos asumir, que la vida da pocas oportunidades, y que ante todo están las personas que te rodean, sin las cuales la existencia sería todavía más triste, terrible y aburrida.

Ahora bien, el gran problema que tengo yo con esta película, y por el cual llegué a desconectar (esas veces que te das cuenta de que no estás prestando atención a lo que ocurre en la pantalla, y te cuesta volver), es el cómo. Visualmente, ‘Win Win (Ganamos todos)’ es un producto aburrido, facilón, que abusa de una realización televisiva, con mucho primer plano y plano medio, en lugar de buscar soluciones más arriesgadas o imaginativas (como la primera escena de Giamatti); da la impresión de que no se ha planificado lo suficiente la puesta en escena, quizá por falta de tiempo y/o dinero, bastando con encuadrar a los actores de manera convencional, confiando en la fuerza de la historia. Si quisiera sacar alguna conclusión apresurada diría que McCarthy se ha estancado, que ya lo ha dado todo y solo puede repetirse, y es posible, pero no quiero creerlo. No todavía. Vamos a esperar a ver qué propone con su cuatro trabajo, seguirá siendo más interesante que ver el enésimo blockbuster de 200 millones de dólares destinado a arrasar en taquilla y convertirnos en meros clientes de las marcas más poderosas.

Ojo a esto. Fox Searchlight Pictures ha lanzado el tráiler de ‘Martha Marcy May Marlene’, una de las películas que más está dando que hablar en Estados Unidos. Los motivos son el premio a la mejor dirección en el festival de Sundance (para el debutante Sean Durkin) y el protagonismo de Elizabeth Olsen, la hermana menor de las famosas gemelas Olsen. Dicen que tanto la película como la chica sorprenden muy gratamente. A tenor del estupendo e inquietante avance que os traigo, tiene pinta de ser cierto. Uno de los títulos que no debemos perdernos este año.

Escrita por Durkin, ‘Martha Marcy May Marlene’ se centra en una joven angustiada por dolorosos recuerdos y una creciente paranoia, que intenta recuperar su vida y reconciliarse con su familia tras haber escapado de una secta. John Hawkes, Hugh Dancy, Christopher Abbott, Brady Corbet, Julia Garner, Louisa Krause y Sarah Paulson acompañan a Olsen al frente del reparto. Tras su paso por el festival de Cannes (que arranca el próximo día 11), la película llegará a los cines estadounidenses el próximo 10 de julio; a partir de ahí es de suponer que podrá verse en otros países, con el cartel repleto de las habituales frases entusiastas (“¡Lo mejor del año!”, “¡Impresionante!”, “¡La Winter´s Bone de 2011!”...).

PD: Gracias a Susana por el aviso.

Mientras nos preparamos para el Gran Premio de Turquía, podemos ir abriendo boca con el trailer del documental de Asif Kapadia, ‘Senna’, sobre el piloto brasileño de Fórmula 1, fallecido en 1994 a causa de una salida de pista del circuito de Imola, durante el Gran Premio de San Marino, en cuyos entrenamientos murió asimismo Roland Ratzenberger y Rubens Barrichello sufrió un grave accidente.

Al parecer, por lo que se comenta, se trata de un documental muy favorable, que gustará solo a los seguidores del corredor y que dejará a sus detractores con ganas de que se hubiese incluido otro tipo de material y se hubiese tratado con un punto de vista más neutral.

Además de grabaciones de Ayrton Senna, la película incluye imágenes y declaraciones de su mayor rival, Alain Prost, así como de Frank Williams, propietario de la escudería para la que corría Senna en la fecha de su muerte; Ron Dennis, jefe de McLaren, para la que pilotó entre 1988 y 1993 y para la que ganó tres campeonatos del mundo; familiares y amigos del fallecido, y los pilotos Jackie Stewart, Nigel Mansell, Nelson Piquet y Gerhard Berger, entre otros.

‘Senna’ , premio del público en la sección de Ficción Internacional de Sundance, se estrenará en nuestras pantallas el 27 de mayo.

Vía | IMDb.

“Adiós tristeza. Seamos personas que merezcan ser amadas, que sean dignas de ello, porque lo somos”.

Annie (Malin Akerman)

Tras proyectarse en varios festivales (ganó el premio del público en Sundance), el pasado 8 de abril llegó a nuestras carteleras sin hacer mucho ruido una comedia dramática-romántica titulada ‘Happy thank you more please’ (‘Happythankyoumoreplease’, 2010), la primera película escrita, dirigida y protagonizada por Josh Radnor, famoso por interpretar a Ted Mosby en la popular serie televisiva ‘Cómo conocí a vuestra madre’ (‘How I Met Your Mother’). Es habitual que las estrellas de la pequeña pantalla intenten (a menudo con escasa fortuna) hacer algo diferente cuando dan el salto al cine, escapar de la imagen que tiene el público de ellos y demostrar su versatilidad, que son capaces de mucho más de lo que ya hemos visto de ellos. Sin embargo, Radnor ha hecho justo lo contrario, hasta el punto de que su ópera prima llega a parecer un spin-off de ‘Cómo conocí a vuestra madre’. Sin el ingenioso e irreverente humor de la serie, por desgracia.

La historia de ‘Happy thank you more please’ tiene lugar en Nueva York (la mejor ciudad del mundo, en la modesta opinión de los neoyorquinos) y se centra en las relaciones de amistad y los conflictos amorosos de un puñado de personajes, entre los 30 y los 40, mientras intentan descubrir qué hacer con sus vidas, y cómo lograr la felicidad. Un argumento que hemos visto miles de veces, en todos los formatos posibles, pero que al tratar cuestiones tan generales, por las que pasamos todos, con las que nos podemos identificar, sigue resultando efectivo e interesante de ver. Además, aunque en el fondo las cuestiones y las reflexiones sean siempre más o menos las mismas, el cambio generacional obliga a renovar situaciones, diálogos y actores, incorporando los cambios sociales y culturales de cada momento, actualizando el escenario a un público que busca verse reflejado en la pantalla. Desde luego, la película que nos ocupa es hija de este tiempo, pero una vaga e intrascendente, que no tiene nada que aportar. Visualmente es anodina, es realización televisiva disfrazada de cine, y su discurso excesivamente optimista llega a resultar de lo más empalagoso.

Josh Radnor da vida a Ted… digo, a Sam, un joven escritor de relatos que intenta publicar su primera novela (lo que es una metáfora de sus asuntos amorosos, como le argumentan en una escena). Es uno de esos personajes que constantemente nos lo pintan como un desastre, pero encantador; ya sabéis, el típico protagonista irresponsable de buen corazón y buenas intenciones que siempre mete la pata, hasta que llega el último tramo de la película y entonces todo queda arreglado. Llega tarde a citas importantes (por ejemplo con un importante editor que ha leído su novela, fugaz aparición del gran Richard Jenkins) y descuida las relaciones con las chicas que pasan la noche en su cama (Radnor va de seductor). Pero dos personas entran en su vida y la transforman, más de lo que él esperaba. Durante un trayecto en metro conoce a Rasheen (Michael Algieri), un niño sin hogar con una increíble habilidad para el dibujo; Sam sabe que debe llevarlo a la policía, pero por diferentes motivos va retrasando la ocasión. Además, el chico le viene de perlas para acercarse a Mississippi (Kate Mara), una atractiva camarera de la que se ha enamorado. Tras pasar una noche juntos, empiezan las dudas, Sam ya no tiene tan claros sus sentimientos…

Pero ‘Happy thank you more please’ no se centra solo en este personaje, otros amigos de Sam tienen sus propias historias. Por un lado tenemos a la joven pareja formada por Charlie (Pablo Schreiber) y Mary (Zoe Kazan), cuya situación sentimental podría tener fecha de caducidad. El primero ha vuelto a la ciudad con una idea en la cabeza, la de que se muden a Los Angeles, donde podría trabajar con un amigo; la decisión enfría su relación con su novia, que no desea abandonar Nueva York, pero pronto surgirá otro conflicto aún más importante. Por otro lado, Annie (Malin Akerman) es una mujer con escasa autoestima, debido en parte a su delicada salud; tremendamente decepcionada con su último novio, y con el sexo masculino en general, responde con antipatía al flirteo de uno de sus compañeros de trabajo, un abogado al que llama Sam 2 (Tony Hale), pero un día acepta salir con él y darle una oportunidad.

Uno de los mayores problemas del guion de Radnor es que es bastante previsible, desde que comienzan las historias de las tres parejas ya sabes a dónde van a llegar, no hay verdaderos conflictos, cuando surgen resultan forzados y débiles, sin apariencia de insalvables. Otro grave defecto del film es que prácticamente solo hay dos personajes, el masculino y el femenino; ellos son impulsivos y románticos, irresponsables y torpes, encantadores niños grandes, mientras que ellas son las pobres víctimas de sus corazones confiados, comprensivas hasta casi el infinito, totalmente entregadas y siempre dispuestas a dar más oportunidades a cambio de un simple gesto de compromiso. Que hay mucha gente así, está claro, son arquetipos, pero se echa en falta un poco más de variedad en una película con seis protagonistas. Además, todos hablan más o menos igual, y todos tienen sus “espontáneos” discursos sobre la vida o el amor, muy trillados. Como puntos a favor, podría destacarse la sencillez de la propuesta, que no veo cargada de pretensiones, el esfuerzo constante por buscar la sonrisa del espectador, la relación del protagonista con el pequeño, a la que se podría haber sacado más partido, y la pareja Akerman-Hale, sin duda la más interesante. Y bueno, que dura 90 minutos.

Recomiendo que echéis un vistazo al tráiler que os traigo en esta entrada, está muy bien montado (quizá algo largo) y deja con ganas de más, que es exactamente lo que deberíamos sentir siempre tras ver el avance de una película. En este caso se trata de una drama con toque de ciencia ficción titulado ‘Another Earth’ (‘Otra Tierra’) que ganó el premio especial del jurado en Sundance, donde al parecer fue ovacionada. Más abajo os he dejado también los dos carteles que ha sacado Fox Searchlight hasta el momento. Se estrena el próximo 20 de julio en Estados Unidos, y el 8 de septiembre llega a los cines alemanes, a ver si con un poco de suerte no tenemos que esperar mucho más para verla por aquí.

Mike Cahill ha dirigido y coescrito el guion (junto a Brit Marling) de ‘Another Earth’, que está protagonizada por Rhoda Williams, William Mapother (conocido especialmente por su papel de Ethan en ‘Perdidos’), Jordan Baker, Flint Beverage y Robin Taylor, entre otros. La historia parte de la aparición de un segundo planeta Tierra, idéntico, justo al lado del nuestro; el fantástico acontecimiento se produce la misma noche que los destinos de una ambiciosa estudiante y un reputado compositor se cruzan en un trágico accidente. Curiosamente, la premisa es similar a otro próximo estreno, ‘Melancholia’, solo que en la de Lars von Trier el nuevo planeta avanza hacia el nuestro. En fin, ¿qué os parece, propuesta interesante o aburrimiento a la vista?

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Gracias a todos los lectores que nos han avisado.

Vía | Zonafandom e Impawards