Aunque mi tarea y mi preocupación ahora mismo es ver las películas de Cannes 2011 y hablaros de ellas, no puedo evitar echar un vistazo cada vez que puedo a las noticias, los carteles y los tráileres que más dan que hablar en la red. Y puede que un remake de ‘Noche de miedo’ (‘Fright Night’) no interese a muchos de vosotros, pero me da que va a ser un éxito. Y el reparto llama la atención. Aquí os dejo el tráiler y el cartel de la nueva versión que ha preparado DreamWorks del film de 1985 dirigido por Tom Holland.

Reescrita por Marti Noxon para las nuevas generaciones, ‘Fright Night’ se centra en Charlie, interpretado por Anton Yelchin (‘Star Trek’, ‘Terminator: Salvation’), un joven que está convencido de que su nuevo vecino es un peligroso vampiro, de los que matan, no de los que brillan y dicen cursiladas. A tenor del tráiler, parece que Colin Farrell se lo ha pasado bomba con el papel de chupasangre, esperemos que el espectador también pueda divertirse con la propuesta, que ha sido dirigida por Craig Gillespie (‘Lars y una chica de verdad’); Imogen Poots, Toni Collette, David Tennant y Christopher Mintz-Plasse acompañan a los dos protagonistas principales, en una película que estará en los cines el próximo 19 de agosto, al menos en Estados Unidos.

PD: Gracias a Harry Powell por el aviso.

Vía | Impawards

Desde hoy y hasta el 1 de octubre va a tener lugar en Pozuelo de Alarcón, el Festival Internacional de Imagen Animada de la Comunidad de Madrid, Animadrid, que tiene como objetivo ofrecer una selección de la mejor animación mundial en sus secciones competitivas. Entre muchas otras actividades, la programación incluye un ciclo gratuito en el que se proyectarán cuatro películas del Estudio Ghibli, dos de ellas de Hayao Miyazaki, y otros films de animación para toda la familia.

Esta noche se estrena la película ‘Mary and Max’ (2009), de Adam Elliot (‘Harvie Krumpet’, 2003), que ha obtenido, entre otros, el Premio Mejor Película en Annecy 2009, el Gran Premio en Ottawa y el Gran Premio en Stuttgart. Se trata de una producción australiana narrada por Barry Humphries y en la que Toni Collette y Philip Seymour Hoffman prestan las voces a los personajes del título. Con intervenciones de Eric Bana, tiene una pinta muy apetecible.

A continuación se puede ver el tráiler:

Cine para toda la familia

Como todos los años, habrá sesiones gratuitas de Animadrid en Kinépolis. En esta ocasión, el ciclo comienza el viernes 24 septiembre, a las 18 horas, con ‘Nicky, la aprendiz de bruja’, de Hayao Miyazaki. Del mismo autor japonés se proyectará ‘Mi vecino Totoro’. De Ghibli también podrán verse durante el festival, ‘Pompoko’, de Isao Takahata, y‘Susurros del corazón’, de Yoshifumi Kondo.

Además de estos films, se proyectarán ‘The secret of Kells’ y ‘Nocturna’, una película española de gran belleza.

Otras secciones del festival

En la competición internacional de cortometrajes se podrán ver 56 obras seleccionadas entre 355 trabajos provenientes de todo el mundo. En la sección dedicada a Escuelas se proyectarán 61 películas elegidas entre los 341 cortometrajes inscritos. El país invitado en 2010 es Irlanda, con lo que se acercarán los trabajos de animación más destacados realizados en Irlanda, país reconocido internacionalmente en este campo, sobre todo en las últimas décadas.

Animadrid comienza con la exposición dedicada al dibujante, pintor, ilustrador y cineasta José Ramón Sánchez y con un homenaje a Michel Ocelot.

La sección ‘Cartoon D´Or’ se compone de sesiones dedicadas a la animación en publicidad. También las cortinillas realizadas por escuelas de animación españolas tendrán su lugar en Animadrid. El festival se completa con talleres y seminarios, tanto para adultos como para niños.

Vía | Animadrid.

El año 1999 fue un año de cine interesante por varias razones, entre las que podemos incluir el regreso de directores míticos como George Lucas o Stanley Kubrick (que firmaría su última obra), la consagración internacional de Pedro Almodóvar, o la aparición de un cineasta cuyas dos películas previas habían pasado sin pena ni gloria, que se ganaba un buen sueldo como guionista (‘Stuart Little’) y que con su tercer largometraje iba a sacudir los cines de medio mundo, contra todo pronóstico, creando un fenómeno sociológico como hacía tiempo que nadie había visto. Y algo más: un mito del cine, del cual Bruce Willis dijo que era el mejor guión que había leído jamás.

Once años después de su nacimiento, con su máximo responsable a punto de estrenar en España su película número nueve como director, escribir sobre ‘El sexto sentido’ es como escribir sobre ‘Perdición’ (‘Double Indemnity’, Wilder, 1944), ‘Casablanca’ (Curtiz, 1943), ‘Jennie’ (‘Portrait of Jennie’, Dieterle, 1948) o ‘Los siete samuráis’ (‘Shichinin no samurai’, Kurosawa, 1954). Es decir, no es una empresa sencilla, porque ya se ha dicho todo, o prácticamente todo, sobre ella, dada su condición de mito, de película imperecedera. Sin embargo sigo pensando que M. Night Shyamalan, pese a su grado de celebridad, o quizá precisamente por ella, sigue siendo un director bastante incomprendido, reducido por sus exégetas a una colección de lugares comunes, de los que escapa una obra tan resbaladiza, apasionante y vivificadora como ésta.

¿Cómo aunar, en una misma imagen, el espíritu de suspense cotidiano de un Roman Polanski, la estilizada atmósfera de un Alfred Hitchcock, el sentido de la maravilla y de lo universal de un Steven Spielberg o la entrega al terror más infinito de ‘La profecía’ (‘The Omen’, Donner, 1976) o ‘El exorcista’ (Friedkin, 1973), sin crear un pastiche visual y temático, muy al contrario, con voz y mirada propias, en un ejercicio de autoría sin precedentes, al menos nítidos? La respuesta la dio en parte Bruce Willis: un guión de hierro. Pero también unos personajes magníficamente sugeridos en papel y admirablemente desarrollados en la pantalla, que son la verdadera viga maestra del relato que nos quieren contar.

Comunicarse para vencer al miedo

“Alguna magia es real”

- Cole

No nos engañemos, ‘El sexto sentido’ se convirtió en una de las películas más taquilleras de la historia, no por sus calidades estéticas, sino por sus escalofriantes momentos de terror, un género que se encuentra entre los más venerados por el espectador palomitero, seguramente porque existen muy pocos títulos verdaderamente destacados. De forma irónica, volviéndola a ver, llaman la atención su enorme contención y su elegancia, y su estilo profundamente personal y anti-comercial, sólo traicionado por esos momentos de terror (sólo dos o tres secuencias) en los que quizá sobra ese manido recurso al “susto” antes que al “miedo”. Me refiero a esos golpes de sonido de la banda sonora que te harían saltar del asiento sin necesidad de ver la imagen. Shyamalan tiene talento para mucho más, y lo demuestra en secuencias como la de la furiosa, y suicida, ama de casa.

Puede parecer un cliché, pero no me cabe duda de que las raíces hindúes de Shyamalan influyen, y de qué manera, en su tratamiento de la percepción de la vida y de la muerte por parte de sus personajes. Según sus propias palabras, exorcizaba su propio miedo a morir, y qué forma más hermosa de hacerlo, porque termina siendo un sencillo punto de partida, a partir del cual tienen lugar notables ramificaciones: la angustiosa soledad de la infancia, la dificultad de ser madre soltera, la frustración de perder el matrimonio por causa del trabajo. Eso para empezar, pero hay más lecturas, de gran profundidad y calado emocional. La más importante de todas ellas la necesidad de comunicación entre familiares, entre amigos y entre extraños.

En la comunicación está la clave del fin de la angustia de Cole (extraordinario, alucinante Haley Joel Osment), llave de su libertad sugerida por su psicólogo/amigo el doctor Malcolm Crowe (fantástico Bruce Willis, en un registro suyo casi inédito), no solamente respecto a los fantasmas que le acosan con sus terribles historias, también y sobre todo con su madre (magnífica Toni Collette, una actriz fenomenal que ahora triunfa en televisión con ‘United States of Tara’), con la que sufre una complicada y tensa relación. Y para finalizar consigo mismo, pues deja de sentirse un pirado y encuentra una motivación para seguir adelante. Cole Sear es uno de los personajes infantiles más inolvidables de la historia del cine.

Como sucederá en sus futuras películas, Shyamalan parece contar sólo el principio de una historia, el arranque, cuyo final el espectador no verá. Tanto la existencia de Cole, como la de David Dunn en ‘El protegido’ (‘Unbreakable’, 2000), la del reverendo Graham en ‘Señales’ (‘Signs’, 2002), todos los habitantes del poblado de ‘El bosque’ (‘The Village’, 2004) o el Cleveland de ‘La joven del agua’ (‘Lady in the Water’, 2006) viven una vida paralizada por el miedo, la frustración o la angustia, y el final de la película supondrá un superar esos avatares, empezar una nueva existencia, resucitar. Eso sí, será en off. Las criaturas de Shyamalan siguen su camino una vez liberados.

Rasgos de estilo y conclusión

Shyamalan filma con ascética sencillez, sin la menor caída en el divismo y sin darse facilidades. Con la magnífica complicidad del operador Tak Fujimoto (responsable de la luz de, entre otras, ‘El silencio de los corderos’), Shyamalan es capaz de elaborar gradaciones de suspense con la facilidad de quien respira, al menos en apariencia. La sensacional partitura de James Newton Howard (con quien le unirá una relación sólida y duradera, en la mejor tradición Hitchcock/Herrmann) termina por redondear su sentido visual, complementándolo con uno sonoro, sin fisuras.

Relato compasivo con el dolor y la tragedia humanas, noble y de gran ingenio, su asombroso final sigue siendo uno de los más recordados de la historia del cine americano. En realidad un doble final, o un doble comienzo, para ambos protagonistas. Porque, en el fondo, esto es la bella historia de una amistad, la de Cole y Malcolm, dos amigos que vivirán una fugaz amistad, que tanto aportará a los dos para recomenzar su existencia, por mucho que la de uno de ellos se encuentre lejos de este mundo. Lágrimas y miedo, unidos por un jovencísimo maestro, para una catarsis emocional agotadora y luminosa.

Colin Farrell vuelve a Hollywood. Así lo anuncian casi todos los portales norteamericanos que han hablado del fichaje de Farrell por parte de la DreamWorks, para que protagonice el remake de ‘Noche de miedo’ que viene preparando desde 2007, uno de esos proyectos que sólo parecen tener sentido si consideramos la actual y tan rentable moda vampírica que ha despertado la infumable saga ‘Crepúsculo’. El actor irlandés, que cobrará un sustancioso cheque por interpretar un papel que no le costará ni una décima de segundo de preparación (y que probablemente se parecerá bastante al Bullseye que hizo en ‘Daredevil’), acompañará a Anton Yelchin y Toni Collette al frente del reparto.

Craig Gillespie (‘Lars y una chica de verdad’) será el encargado de dirigir la nueva versión de ‘Noche de miedo’ (‘Fright Night’, 1985, y ya es la tercera vez que me sale esta fecha hoy), en la que Farrell encarnará a Jerry, el nuevo y misterioso vecino de Charley (Yelchin), quien descubrirá que Jerry es en realidad un peligroso vampiro, aunque claro, nadie le creerá. Collette interpreta a la madre del joven protagonista y objetivo del chupasangre. Todavía no hay fecha para el comienzo del rodaje ni para el estreno.

PD: Al parecer, Farrell tenía cuatro ofertas de grandes estudios sobre la mesa. Aceptó este papel y otro en una comedia titulada ‘Horrible Bosses’ que dirigirá Seth Gordon; rechazó el drama ‘One for the Money’ con Katherine Heigl y la comedia ‘This Means War’ con Reese Witherspoon.

Vía | Deadline

Philip Seymour Hoffman y Toni Collette prestarán sus voces a la película de animación de plastilina ‘Mary and Max’ en la que se contará la historia de Max Horovitz (Hoffman), un estadounidense de 44 años, judío, severamente obeso y con síndrome de Asperger que vive en el caos de Nueva York, y Mary Daisy Dinkle (Collette), una solitaria niña mofletuda de 8 años que vive en los suburbios de Melburne. Ambos mantienen una amistad por correspondencia que se extenderá a lo largo de más de veinte años.

Se trata de una producción australiana narrada por Barry Humphries y con intervenciones de Eric Bana, Julie Forsyth, John Flaus la cantante Renee Geyer y el músico australiano Ian “Molly” Meldrum,

‘Mary and Max’ supone el debut en el largometraje para el guionista y director Adam Elliot, quien obtuvo un Oscar por el corto ‘Harvie Krumpet’ (2003), junto con la productora Melanie Coombs, quien también trabaja en el film que nos ocupa.

Sus creadores describen la película como “inocente, pero no naif” y adelantan que la historia tocará de temas como la amistad, el autismo, la taxidermia, la psicología, el alcoholismo, de dónde vienen los bebés, la obesidad, la cleptomanía, las diferencias sexuales, la confianza, la copulación de perros, las diferencias religiosas, la agorafobia, y mucho mucho más.

Vía | The Hollywood Reporter y página oficial.

‘The Dead Girl’ es una de esas películas que nos llegan con multitud de retraso. Siendo del 2006, llegó a nuestros cines el pasado fin de semana sin ningún tipo de aliciente en su promoción. Resulta curioso como los distribuidores pasan de este tipo de películas pequeñas, y cuando nadie se acuerda de ellas, van y las estrenan al lado de otras mucho más importantes o anunciadas, con lo que reducen aún más sus posibilidades de éxito (salvo que la gente caiga de rebote en ellas al no encontrar una entrada para el film que realmente quieren ver). Para colmo, este tipo de películas no tienen la misma distribución que otras, por razones más que obvias. Sus copias son pocas, la publicidad que se le da al asunto más que limitada, por lo que me pregunto si no sería mejor que las editasen directamente en dvd.

Cuestiones imposibles aparte, ‘The Dead Girl’ da una vuelta de tuerca a las típicas películas de varias historias, en las que un determinado número de personajes, en principio no relacionados entre sí, terminan teniendo más en común de lo que parece. En este caso, cinco historias separadas, con un sólo nexo de unión, y cuyo tema central es la pérdida de un ser querido.

‘The Dead Girl’ narra las consecuencias en varias personas de la muerte de una joven, huida de casa y metida en algunos problemas de drogas. Para ello, Karen Moncreif, directora y guionista de la película, toma la decisión de fragmentar la historia en cinco segmentos, protagonizados cada uno de ellos por personas cercanas a la persona en cuestión, siendo el último de ellos reservado para la chica muerta del título. Así pues, tenemos, a una solterona demasiado influenciada por su posesiva madre, que encuentra el cadáver. Una chica que ha perdido a su hermana hace años y cree reconocerla en el cuerpo encontrado. La madre de la chica, desesperada por saber dónde está. Un asesino en serie que se encuentra con ella, y por último la chica en cuestión.

El problema de ‘The Dead Girl’ es que las historias por sí solas funcionan, unas más, otras menos, y una ninguna. Pequeños fragmentos organizados como si de cortometrajes se tratasen. Lo que ocurre es que el conjunto global adolece de una falta de fuerza alarmante, algo que llama la atención, pues hay cosas en esos pequeños universos, por así llamarlos, que sí están logrados. Por ejemplo, el ir sabiendo más cosas de la chica muerta en cada nueva historia que nos cuentan. Datos que se nos van desvelando poco a poco, y que aumentan nuestro interés por conocer algo más de alguien que influyó tan poderosamente en las vidas de determinadas personas, ya sea directa o indirectamente. Lo realmente llamativo, es que nos interesa más aquellas personas alejadas del personaje en cuestión, que las relacionadas personalmente con el mismo, y cuando vamos a saberlo todo sobre la chica en particular ésta nos cae repelentemente mal, y nos hace preguntarnos porqué los demás sufren por alguien así. Aunque en el caso de algunos, el dolor es más bien por el hecho de no conocer nada, de no saber qué ha pasado realmente.

Posiblemente el trabajo de los actores que desfilan por ‘The Dead Girl’ sea lo mejor de la misma. Destacan por encima del resto, Toni Collette, regalándonos una de sus camaleónicas interpretaciones, expresando a la perfección la soledad que rodea su personaje. Que gran actriz y que poca justicia se le hace. También Rose Byrne, menos conocida aún, y que realiza algo parecido, logrando que entendamos muy bien la desesperación de alguien que lucha contra la nada más absoluta. Bruce Davison y James Franco parece que sólo realizan cameos. Mary Steenburgen y Josh Brolin son el contrapunto perfecto en las historias en las que aparecen. Marcia Gay Harden la empezamos a tener hasta en la sopa, y aquí realiza una de sus entregadas interpretaciones como madre de la chica. Y finalmente, una Brittany Murphy, totalmente desfasada, haciendo que echemos de menos los tiempos en los que se dio a conocer y a todos nos caía más simpática.

Moncrief firma las primeras cuatros historias con calma, a veces demasiada, y sin ningún tipo de estridencia. La última es puro nerviosismo, planos inclinados, cámara en mano, intentado reflejar el caos en el que vive la chica protagonista, pero de un vacío argumental apabullante. Una forma de terminar la película totalmente alejada de las intenciones iniciales, cuando presentíamos que podríamos ver un film de corte más intimista.

‘The Dead Girl’ es una floja película, que no llamará la atención a nadie. Su escasa distribución contribuirá a que la cosa siga igual.

En Blogdecine | ‘The Dead Girl’, cinco historias, cero virtudes

Con dos años de retraso se estrena ‘The Dead Girl’, que por no traducirlo a ‘La Chica Muerta’, lo han dejado tal cual. Pues muy bien. Con un reparto interesante y una estructura pentagonal (lo que quiere decir que nos encontramos con cinco tramas independientes con un vínculo tangencial), ‘The Dead Girl’ tiene todos y cada uno de los ingredientes para ser un producto decente, y en su totalidad se queda a medias.

‘The Dead Girl’ parece el capítulo piloto de una serie de televisión. Afirmar esto podría parecer un halago, pero no lo es. Porque la ficción televisiva ha subido tanto de calidad (en relativamente poco tiempo), que últimamente es preferible ver un episodio de una serie que una película. La estrecha línea que podría separar ambas ramas es aquí rebasada totalmente, y todo porque la película intenta abarcar tantas tramas y temas, que da la sensación de que la idea habría funcionado como serie, y sin embargo, en ningún momento convence como largometraje.

Una chica es encontrada muerta por una amargada solterona de mediana edad. Esto da lugar a las cinco situaciones mencionadas, cada una con su sello característico, y con la suficiente coherencia como para ofrecer minutos a las estrellas de las respectivas historias.

La primera historia, la de la mujer que encuentra el cadáver, interpretada por Toni Collette, es desarrollada sin gracia ni interés, en la pretensión de reflexionar sobre la soledad, de forma tramposa y vacía, y con Giovanni Ribisi haciendo lo que puede en un personaje totalmente innecesario y poco definido.

Mejora con la segunda, en la que una atractiva forense no es capaz de superar la desaparición de su hermana quince años atrás, y sirve para que Rose Byrne y James Franco muestren sus (dudosas) virtudes actorales. En la tercera, se retrata el perfil del asesino, con histrionismo, simpleza y de forma muy previsible. La cuarta, es sin duda la mejor, porque se describe la vida de la víctima, y con Marcia Gay Harden (la madre de la chica) cumpliendo con creces, frente a una Kerry Washington flojita, encarnando a la compañera de habitación de la víctima.

Por último, un torpe flash-back nos conduce a la triste existencia de la víctima, interpretada por Brittany Murphy de una forma antipática e insoportable, de forma calcada a su papel de loca en el thriller ‘Ni una Palabra’.

La supuesta unidad conceptual que conforma la fusión de las cinco historias en una serie de conclusiones comunes, es de corte pesimista e indudablemente trágico, con personajes que deambulan en una vida sin el menor atisbo de esperanza, sin saber cómo escapar de sus miserias interiores ni de la mala fortuna que les corroe. Bien dirigida por Karen Moncrieff, pero con un guión que se permite demasiadas licencias.

El mayor lastre de ‘The Dead Girl’ es en todo caso su preocupante irregularidad, obviamente marcada por su desarrollo dividido en cinco partes, de las que sólo me quedo con la segunda y la cuarta, que se centran precisamente en esa búsqueda en vano, en ese victimismo propio del trauma psicológico, con su correspondiente melancolía perpetua. El resto me parece, lo que más lo que menos, inocuo, poco profundo e innecesario. En concreto, resulta especialmente gratuita toda la moralina que rodea al anhelo de la víctima de ser una buena madre y llevar una vida mejor, a pesar de la espiral de drogas, prostitución y pobreza que la condiciona. En algunos momentos, no hay nada original, nada que no hayamos visto en la serie ‘Twin Peaks’ (otra vez la televisión) o en cualquier película de secuestros o desapariciones de medio pelo.

Está claro que por estos motivos, a pesar de que dura hora y media, ‘The Dead Girl’ se hace larga y aburrida, aunque deja el suficiente margen para que el espectador espere con paciencia una progresión que sólo llega a ráfagas, y desemboca en la quinta historia, que se carga las pocas cualidades que pudieran quedar en el conjunto. Flojo título cuyo retraso no es de extrañar, y un ejemplo más de que esta moda de las historias corales no es sinónimo de calidad.

Cinco personas sin relación aparente entre ellas se ven interrelacionadas por el asesinato de una chica. Cada una de ellas tiene sus propios dramas personales y familiares y este hecho removerá sus vidas de alguna manera.

“La Extraña” es la mujer (Toni Collette) que encuentra el cuerpo. La publicidad suscitada por el descubrimiento le genera una vía de salida para escapar del control de su abusiva madre (Piper Laurie) y establecer una extraña relación con el misterioso Rudy (Giovanni Ribisi).

“La Hermana”, una estudiante de Anatomía Forense (Rose Byrne), se encuentra entre dos aguas: la presión de su madre (Mary Steenburger) para que conserve la esperanza de que su hermana desaparecida hace años regresará a casa y su propio anhelo de seguir adelante con su vida. Cuando examina el cadáver de la chica muerta, está convencida de que ha hallado el cuerpo de su hermana desaparecida, lo cual le quita un gran peso de encima.

“La Esposa” (Mary Beth Hurt) está atrapada en una intensa relación de amor/odio con su marido (Nick Searcy). Un terrible descubrimiento sobre su conexión con el asesinato de la chica la obliga a hacer frente a lo que creía que sabía acerca de él… y de ella misma.

“La madre” (Marcia Gay Harden) busca respuestas acerca de la vida de su hija fugada y se enfrenta a una serie de revelaciones que cambiarán el curso de su propia vida. En su búsqueda cuenta con la ayuda de otra chica con problemas, la prostituta (Kerry Washington) que vivía con su hija.

“La Chica Muerta” (Brittany Murphy) es como una bola de fuego: hiperactiva, volátil, autodestructiva y sujeta a ataques de incontrolable ira. También tiene un lado inocente y pueril. Sueña con mejorar su vida y ser una buena madre para su hija.

Karen Moncrieff es principalmente actriz y ha dirigido, entre otras cosas, ‘A dos metros bajo tierra’. Su próxima película será ‘Relative Distances’.

En este enlace se puede ver el trailer doblado (Quick Time).

Más información en Blogdecine sobre Toni Collette.

Fuente | Filmax

Al señor Aaron Eckhart lo van a conocer en todas partes gracias a su papel en la esperadísima ‘The Dark Knight’ (‘El Caballero Oscuro’). Sin embargo, somos ya muchos los que venimos siguiendo de cerca a este actor, especialmente desde su extraordinaria labor en ‘Gracias por Fumar’; lástima que sea bastante irregular en los proyectos que elige. En esta ocasión, parece que estaremos ante el Eckhart más acertado.

El actor es uno de los protagonistas de ‘Towelhead’, de la que os traigo el póster y el trailer. La película está basada en la novela ‘Nothing is Private (Towelhead)’, de Alicia Erian, calificada como una mezcla entre ‘Lolita’ y ‘American Beauty’ (qué pesados con etiquetas de este tipo). La historia gira en torno a la joven Jasira, que es enviada a vivir con su estricto padre libanés en Texas, después de que el novio de su madre se interesase demasiado en la adolescente; la trama girará en estos dos sentidos, el despertar sexual de la joven y la educación severa de su padre.

Además de Eckhart, destacar otros nombres unidos a este título. Alan Ball (ganador del Oscar por su guión de ‘American Beauty’, de ahí la mención anterior, y creador de la serie ‘A Dos Metros Bajo Tierra’) es el director del film, y en el reparto encontramos también a Toni Collette y Maria Bello. ‘Towelhead’ ha pasado ya por los festivales de Sundance y Toronto, y se debe estrenar el próximo mes de agosto en los Estados Hundidos. A España quizá llegue antes de 2012.

Póster vía | La Taberna del Replicante

Barbra Streisand y Sandra Bullock son las expertas en estas transformaciones extremas que les hacen pasar de chicas feúchas, con gafas, mal peinadas y ropa que no les favorece a… bueno, depende del caso, pero a alguien más presentable de lo que eran hasta ese momento. Aunque parezca algo facilón y que está muy visto, no es tan sencillo que resulte efectivo. Para ello la actriz tiene que ser creíble como patito feo y luego poder resultar guapa. Y no hay tantas.

10. Lo intentan con Anne Hathaway, tanto en ‘El diablo viste de Prada’ (‘The Devil Wears Prada’, 2006), como en ‘Princesa por sorpresa’ (‘The Princess Diaries’, 2001). En realidad, las escenas no funcionan en ninguna de las dos películas, ya que la actriz es tan guapa que incluso con lo que ellos consideran un mal peinado está mejor que nadie.

9. A Nia Vardalos le ocurre lo contrario: trata de transformarse a sí misma en ‘Mi gran boda griega’ (‘My Big Fat Greek Wedding’, 2002), pero a veces no hay donde rascar.

8. Tara Morice pega un cambio radical sólo con quitarse las gafas en su papel de Fran en ‘El amor está en el aire’ (‘Strictly Ballroom’) (1992), de Baz Luhrmann.

7. Brittany Murphy en ‘Fuera de onda’ (‘Clueless’, 1995). Como ocurre con muchas actrices, la secundaria feíta, pasados los años probablemente se considera más atractiva que la que hacía protagonista que, en este caso, era Alicia Silverstone.

6. ‘Date movie’ (2006), que es la parodia de este tipo de comedias románticas, por supuesto, incluye la escena en la que Alyson Hannigan se transforma radicalmente.

5. ‘Nunca me han besado’ (‘Never Been Kissed’, 1999), en la que Drew Barrymore pasa de ser una reportera friqui a la chica más popular del instituto… aunque con veintipico años. Una de las mejores Cenicientas.

4. ‘La boda de Muriel’ (‘Muriel’s Wedding’, 1994). Aunque Toni Collette no llegue a estar deslumbrante, la transformación es muy notoria.

3. ‘Por amor al arte’ (‘The shape of things’, 2003). También las hay de chicos. Rachel Weisz conoce a un Paul Rudd gordito y tímido y le ayuda a cambiar, pero… ¿con qué intenciones?

2. Casi cualquier película de Sandra Bullock entraría en el segundo puesto. La actriz se transforma en ‘Miss Agente especial’ (‘Miss Congeniality’, 2000), ‘Poción de amor número 9’ (‘Love Potion nº 9’, 1992), ‘Amor con preaviso’ (‘Two Weeks Notice’, 2002)…

1. ‘El amor tiene dos caras’ (‘Mirror Has Two Faces’, 1996), donde Streisand produce una historia en la que puede elegir entre Jeff Bridges y Pierce Brosnan. La transformación es la base de la película.

A Barbra la tenemos en todas partes, también era una de las protagonistas de la entrada Las grandes películas con “travestismo”.

Ejemplos televisivos también hay a patadas. Por poner algunos: Cañizares en un capítulo de ‘Camera Café’. Jaleel White pasando de Steve Urkel a Stefan en ‘Cosas de casa’ (‘Family Matters’), ‘Betty la fea’. Tal es el éxito de estas escenas que se han creado programas televisivos enteros basados en practicarles estas transformaciones a personas de la vida real.

El cine clásico también tiene algún caso, aunque son menos habituales: en ‘La extraña pasajera’ (‘Now, Voyager’, 1942), Bette Davis deja de ser una solterona dominada por su madre.

Cuando tenemos efectos especiales, como los que ayudaron a engordar a Gwyneth Paltrow en ‘Amor ciego’ (‘Shallow Hal’, 2001) o a Ryan Reynolds en ‘Solo amigos’ (‘Just Friends’, 2005), la cosa tiene menos mérito y menos interés.

Nota: pido disculpas por la mala calidad de las imágenes, pero muchas de ellas son capturas de pantalla de los trailers de Youtube.